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Dissertations / Theses on the topic 'Figures littéraires'
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Shin, Mie-Kyong. "Survie littéraire et figures de l'écrivain : le cas de Louis-Ferdinand Céline : réception et stratégies littéraires." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030046.
Full textAbstract:
Cette etude a pour objet les differentes modalites aboutissant a la classicisation particuliere de louis-ferdinand celine, dont le premier roman, voyage au bout de la nuit, tres conteste a sa publication, constitue pourtant une sur-representation du corpus de l'ecrivain. Tracant la trajectoire de l'ecrivain depuis 1932, annee de la parution de voyage, jusqu'a 1961, annee de sa mort, l'analyse s'est portee sur diverses facettes de la figure de l'ecrivain, dont la configuration mouvante est difficile a cerner, mais qui, en faisant corps avec ses oeuvres, determine les conditions cruciales de la reception. L'examen de l'espace de reception, lieu de mediation, ou s'entrecroisent optiques des lecteurs et strategies de l'auteur, demontre que l'evolution de la relation de l'auteur avec son audience modele l'evolution du projet litteraire. D'une part, la reconnaissance sociale de l'auteur etablie par le lecteur lie l'auteur a son image dans un rapport de dependance. D'autre part, lorsque l'auteur produit un texte, il envisage par avance les effets de son texte aupres du public ; son texte inscrit alors une figure de lecteur conforme a l'attente ou a la demande qu'anticipe l'auteur. Dans la mesure ou l'image de l'ecrivain constitue un element determinant la socialite du discours litteraire, et sollicite donc un certain habitus du groupe social, son observation nous permet d'en deduire la strategie de l'ecrivain, dont le statut effectif dans le champ litteraire peut se definir par rapport aux categories sociales de ses destinataires, ses lecteurs<br>The aim of this dissertation is to study the process by which the writer louisferdinand celine has become a xxth century classique, in spite of the fact that his controversial novel. Journey to the end of the night, has in a certain extent, for his carreer long, hidden the rest his works. From 1932 (when voyage was published) to his death in 1961, we have analyzed the main conditions of his texts' reception, determined by the image of the writer, often changing but chosen to be as close to his works as possible. The reception domain itself, in which the author strategy and the readers' perceptions are gathered and have evolved, shows how celine's literary project has been influenced by critics and readers, or by what the writer could expect from them, or pretend to expect in his own novels. Thus, some explicit elements of his strategy can be deduced from the social classes of his addressees
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Kanda, Shuetsu. "Les figures obsessionnelles dans les oeuvres littéraires d'Alain Robbe-Grillet." Caen, 2002. http://www.theses.fr/2002CAEN1357.
Full textAbstract:
Notre étude a pour but d'éclairer les fonctions et les significations des figures obsessionnelles qui apparaissent de façon itérative dans les oeuvres littéraires d'Alain Robbe-Grillet : rideaux rouges, porte avec son embrasure, miroir, cellule, mer, piège, ruines, rendez-vous, etc. , en recourant au savoir de la psychanalyse, en particulier aux théories de Jacques Lacan. Dans la première partie, l'analyse porte sur les premières pages du Miroir qui revient qui permettent d'y mettre en évidence le moteur qui fait fonctionner toutes ces figures génératrices, à savoir le vide fondamental trouant le centre du texte de Robbe-Grillet. Ce vide peut être comparé à l'ouverture dont parle Lacan, creusée entre le sujet et l'Autre. Dans la deuxième partie, nous confirmons cette hypothèse en abordant le réseau des personnages, l'analyse étant centrée sur les figures paternelles et maternelles. Tous les actes créatifs de Robbe-Grillet qui apparaissent " obsessionnels " peuvent être considérés comme autant de tentatives pour résorber le vide central. D'où provient la nécessité du recours au scénario du fantasme. Dans les troisième et quatrième parties, nous analysons en détail trois étapes du scénario qui correspondent en gros aux trois périodes des oeuvres littéraires de Robbe-Grillet.
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Clavaron, Yves. "Inde et Indochine, des figures littéraires de l'Asie dans l'oeuvre d'E. M. Forster et de M. Duras." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1997PA030116.
Full textAbstract:
Edward morgan forster (1879-1970) et marguerite duras (1914-1996), deux romanciers a priori que tout oppose, se rencontrent neanmoins sur un point essentiel : ils ont entretenu des rapports privilegies avec l'asie, qu'il s'agisse de l'inde pour forster ou de l'indochine pour duras. Ainsi leurs oeuvres se situent au carrefour d'une triple colonisation : la colonisation politique dont ils remettent en cause la legitimite, une colonisation litteraire qui fait de l'asie un motif d'ecriture et une colonisation biographique qui transforme l'inde ou l'indochine en refuge pour une ame dechiree. Forster et duras s'inscrivent donc dans la longue tradition de l'orientalisme, qui tente de s'approprier par le discours et l'image une terre sentie comme representant l'alterite absolue. Le detour par l'autre est un moyen d'acceder a un moi, dont l'unite est a construire. Cependant, quels que soient l'investissement autobiographique, la thematique coloniale et les liens affectifs tresses sur et avec cette terre, duras et forster restent des grands temoins de l'exteriote de l'asie. Cette derniere conserve son irreductible etrangete bien qu'elle soit possedee par l'ecriture qui en a fait un habitat biographique et litteraire. L'asie reste fondamentalement la patrie de l'exil<br>Edward morgan forster (1879) and marguerite duras (1914-1996), two novelists who apparently hold opposite positions, nevertheless meet on a major point : they developed privileged relationships with asia, whether it be india for the former or indochina for the latter. Their works lay at a crossroads of three kinds of colonization : a political colonization whose legitimacy they question, a literary colonization which has made asia into a writing motif, and a biographical one which has turned india and indochina into a shelter for a torn soul. Forster and duras come within the long tradition of orientalim which endeavours to take over, by words or images, a land considered as embodying absolute otherness. Going through the other enables them to reach their self, whose unity is to be built up. However, in spite of the autobiographical investment, colonial inspiration and emotional bonds which unite them to that land, duras and forster remain witnesses to asian exteriority. Asia retains its indomitable singularity though it has been captured by writing which has turned it into a biographical and literary home. Asia essentially remains the home of exile
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Hue, Cécile. "Apelle, saint Luc et le singe : trois figures du peintre dans l'Espagne des XVIème et XVIIème siècles [fonctions littéraires, théoriques et artistiques]." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00951404.
Full textAbstract:
Dans l'Espagne des XVIe et XVIIe siècles, le peintre est un personnage en construction. Souvent défini par l'idéologie qui le commande et les œuvres qui lui survivent, son geste semble perdu à jamais, ou figé sous la forme d'archétypes et d'allégories. L'autoportrait, genre naissant, témoigne de cette main, mais il reste loin de toute objectivité : " Le peintre, peintre de lui-même, dans la dépendance de ce que l'histoire charrie et porte, n'aurait-il été qu'un singe savant et dressé qui rabâche ? ", se demande Pascal Bonafoux en conclusion de son étude sur Les peintres et l'autoportrait. Même dans le reflet direct que l'artiste offre de lui-même, les topiques s'immiscent : ils aident à son identification, au déchiffrage des chefs-d'œuvre et au balisage des chemins de la gloire. Cependant, ces figures ont une vie, et elles échappent parfois à l'évidence qu'on leur prête. À commencer par saint Luc, personnalité a priori idéale pour conduire les peintres vers la reconnaissance attendue dans l'élan contre-réformiste, mais qui doit compter avec Apelle, le maître grec dont l'excellence retentit depuis un sommet convoité. Ces légendes se diversifient et se ramifient dans le jeu métaphorique des mots, elles évoluent au gré de la revendication théorique et dévoilent leurs limites au moment de prendre corps. Leur fréquence, leur intensité et leurs croisements témoignent des voies empruntées afin de saisir le personnage du peintre, non pas sa psychologie, mais sa stature, libérale et noble. La focalisation sur la patte du peintre mythique, qui pousse dans l'ombre celle du singe imitateur, éclaire l'avancée de l'artiste dans le Siècle d'Or de la peinture espagnole.
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Jannani, Mohammed. "Figures de la marginalité dans Ṯamarât al-Awrâq d’Ibn Ḥiğğa al-Ḥamawî (767-1366/837-1434)". Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040071.
Full textAbstract:
Ce travail porte sur le thème de la marginalité dans la littérature dite d’adab à travers un auteur de l'époque mameluke, Ibn Ḥiağğa al-Ḥamawî (767 H-1366 / 837H-1434), notamment dans son ouvrage Tamarât al-Awrâq. Ce dernier rassemble différents genres d'écriture en vers et en prose. Le genre anecdotique occupe une place majeure dans l’ouvrage. Ibn Ḥiğğa ne s'est pas contenté de conter ses propres anecdotes, il a puisé aussi dans les ouvrages d'auteurs antérieurs, en particulier Ibn al-Ğawzî (m. 1200/ 597H). Nous avons employé le terme "marginal" pour traiter de catégories et de cas divers. Par souci méthodologique, nous avons réparti les marginaux en quatre chapitres : marginalité psychique (sots et distraits), marginalité sociale et ethnique (parasites, esclaves), marginalité sexuelle (sodomites), marginalité religieuse (le cas des dimmis ; juifs et chrétiens). Ces anecdotes recueillies et transmises pour l'éducation et le divertissement de l'homme de qualité dans la cité arabo-musulmane du Moyen-Âge, sont presque toujours empreintes de cette forme d’humour appelée hazl<br>This work focuses on the theme of marginality in the literature of adab through an analysis of an author from the mamluk period, Ibn Ḥiğğa al-Ḥamawî (767 H-1366/ 837H-1434), in particular his text Tamarât al-Awrâq. This text brings together different genres in poetry and prose. The anecdotal genre occupies a major place in this work. Ibn Ḥiğğa recounted his own anecdotes as well as drawing on others from the work of earlier writers, in particular Ibn al-Ğawzî (m. 597H/ 1200). I have chosen to use the word "marginal" to refer to diverse categories and cases. For methodological purposes, I have divided these different types of marginality into four chapters : psychic marginality (fools and absent-mended characters), social and ethnic marginality (parasite, slaves), sexual marginality (sodomites), religious marginality (the case of the dimmis, Jews and Christians). Collected and told for the amusement and education of men of quality in the mediaeval arabo-islamic city, these stories are almost always marked by the from of humor called hazl
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Perrier-Chartrand, Julien. "Un duel en figures. Imaginaire héroïque et théâtral dans les ouvrages français consacrés au combat singulier (1568-1658)." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040199.
Full textAbstract:
De la seconde moitié du XVIe siècle au règne personnel de Louis XIV, les duels clandestins se multiplient en France. Par le biais de cet exercice, la noblesse cherche à affirmer son identité de classe en réaction aux changements politiques et structuraux qui affectent la société d'Ancien Régime. Or cette prolifération de combats donne lieu à une vaste production d'ouvrages se consacrant au phénomène. D'une part, les auteurs attachés aux valeurs aristocratiques tentent de persuader l'autorité royale de rétablir un duel autorisé à la manière médiévale, qui, en offrant un lieu d'expression officiel à l'honneur nobiliaire, permettrait selon eux de faire cesser les affrontements. D'autre part, un groupe d'auteurs appartenant aux corps constitués oeuvrant à la défense des structures de l'État - magistrats et hommes d'Église -, proposent plutôt d'infliger de graves peines aux combattants. Dans cette thèse, nous montrons, par l'examen des procédés stylistiques, des emprunts intertextuels et du système de références mis en oeuvre dans ces textes, que la réflexion sur le duel s'articule autour d'un imaginaire héroïque, mobilisé par les auteurs de chaque position selon leurs intérêts. À travers un ensemble de figures récurrentes empruntées à la littérature de fiction ou l'histoire fictionnalisée - figures qui cristallisent une série de notions-clés au coeur du débat intellectuel sur le combat singulier (vertu, honneur, noblesse, jugement de Dieu) -, ce sont deux façons de concevoir l'organisation de la société française qui s'affrontent dans un véritable duel symbolique<br>From the second half of the 16th century to the personal reign of Louis XIV, there was an increase in the number of clandestine duels in France. Through this practice, nobility sought to affirm its class identity in reaction to structural and political changes which affected the Old Regime. This proliferation of combats gave rise to a vast production of works dedicated to this very phenomenon. One group of authors attached to aristocratic values tried to persuade the royal authority to re-establish a legal form of duel, similar to what existed in medieval times. It would create, they argued, an official space for the expression of nobiliary honour and would permit the end of the clandestine duels. An opposite group of authors who belonged to the constituted bodies dedicated to the defense of the structures of the State - magistrates and clergymen - proposed rather to inflict grave punishments on the combatants. This thesis will demonstrate, though the analysis of stylistic processes, of intertextual loans and of the system of references employed in these texts, that the reflection on the duel revolves around heroic imagery, used differently by each group of authors in accord with their own interests. Through an ensemble of recurring figures borrowed from fictional literature or fictionalized history - figures which reinforce a series of key-notions at the heart of the intellectual debate on the duel (such as virtue, honour
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Maffioli, Francesca. "Les voix multiples d’Amelia Rosselli (1930-1996) : figures et variations d'un sujet poétique en lutte." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080028.
Full textAbstract:
L'œuvre d’Amelia Rosselli entend se dessiner, au sein de la poésie lyrique italienne, comme expérience de subversion du processus de sublimation et de stylisation du corps féminin. A travers la traduction et l’analyse de poèmes choisis contenus dans les recueil Cantilena (1953), La Libellula (1958) et Variazioni belliche (1964), nous avons conduit une tentative d’exégèse critique des textes. L’analyse des poèmes se poursuit à travers une pratique dialogique avec le texte poétique, à partir d'un positionnement critique à l’intérieur du comparatisme féministe.En partant de l'idée pétrarquiste d'élimination et de suppression du corps des femmes nous avons démontré comment la tentative d’apaiser la portée potentiellement dangereuse de l’affection amoureuse a donné lieu au déni de la sensualité. Le langage de la douleur transfigurée se traduit dans une poétique du « dispositif sursensuel », un processus semblable à celui que Gilles Deleuze avait repéré dans la personnalité littéraire de Sacher-Masoch. Le processus de subversion qu’on vient d’évoquer est accompagné du bouleversement des rôles traditionnels au sein du canon poétique européen. Ces déconstructions conduiraient à un rejet du corps organique et au même temps à la révélation d’une subjectivité excentrique. La révision des modèles littéraires du canon passe également par le réécriture d'un ensemble de figures féminines du répertoire mythique et littéraire au sein de l’antiquité gréco-romaine, lesquelles, prélevées de l’imaginaire patriarcal, sont réinterprétées et à nouveau poétisées au sein d'un Sujet poétique qui cherche à faire parler la voix d’une poète femme<br>Amelia Rosselli’s work took shape, within Italian lyric poetry, as an experience of subversion of the process of sublimation and of stylisation of the female body. Through the translation and the analysis of the content of poems chosen from the collections Cantilena (1953), La Libellula (1958) and Variazioni belliche (1964), I conducted a critical exegesis of the texts. I performed an analysis according to suggestions of a dialogical practice with the poetical text and with a female subjectivity often hidden, anchored to my critical investment inside feminist comparatism. From petrarchist idea of deletion and “suppression” of women’s body – deletion, of which Pasolini talked already in relation to the genesis of Italian poetry and its characterisation of the lyrical canon – I analysed how the attempt to ease the impact potentially dangerous of love affection has caused the denial of sensuality. The language of camouflaged sorrow is then established as a deliberated choice included in some poetics where it is not the statement that reveals, but the poetical word, which in its cryptic canonical measure, is able to make resonate beyond declarations. We can observe the deployment of a “sursensual device”, similar process to what Gilles Deleuze perceived in Sacher-Masoch's literary personality. The process of subversion does not seem a reconstitution of identity roles, but rather a deconstruction of the traditional model. The starting point for the analysis of those deconstructions is based on the hypothesis that the non-functionality of the desiring organisms (desiring subject and desired object) will lead to a reject of the organic and at the same time to a revelation of an eccentric subjectivity. The revision of the literary model of the canon lies in the hypothesis that a set of female figures of the mythical and literary repertoire in Greco-Roman antiquity are placed in the imaginary practice of Amelia Rosselli's poetical writing, with a view to incorporate the nature of the characters born and conceived inside and by the patriarchal imaginary and to form the body of a subject that aims at making them speak through the voice of a female poet
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Picard, Sophie. "Fêter les classiques : permanence et polyfonctionnalité des figures de Beethoven, Goethe et Hugo (1927-1970)." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL193.
Full textAbstract:
Par l’analyse et la comparaison des actualisations de Beethoven, Goethe et Hugo à l’occasion des commémorations de l’entre-deux-guerres (1927, 1932, 1935) et de l’après 1945 (1949, 1952, 1970), la thèse étudie les conditions de la permanence de ces « classiques » tout au long du XXe siècle. Elle montre comment les acteurs politiques et culturels ont cherché lors de ces célébrations à stabiliser le sens attribué à ces figures et à leurs œuvres et à encadrer les usages qui en sont faits. La prise en compte des dynamiques d’appropriation interculturelles ainsi que des formes de réception généralement ignorées des études littéraires, notamment dans les médias de masse, permet néanmoins de faire émerger des sens et des usages alternatifs qui s’inscrivent souvent en faux par rapport aux modèles dominants et qui tendent à les relativiser, voire à les contrecarrer. Ainsi, en adoptant résolument le point de vue de la réception, la thèse propose une réponse possible au problème de la permanence des classiques : le fait que Beethoven, Goethe et Hugo soient fonctionnalisés simultanément et / ou successivement dans des contextes discursifs et culturels divergents explique leur exceptionnelle longévité. C’est parce qu’ils font l’objet d’usages hétérogènes et souvent contradictoires, qu’ils sont donc polyfonctionnels, que certaines figures d’auteurs ou certaines œuvres survivent à toutes les évolutions culturelles, idéologiques et médiatiques que connaît le XXe siècle<br>By analyzing and comparing the actualizations of Beethoven, Goethe and Hugo during jubilees in their honor dating from the interwar period (1927, 1932, 1935) and the post-1945 period (1949, 1952, 1970), the thesis examines the conditions of permanence of these “classics” throughout the twentieth century. It shows how political and cultural actors engaged in these celebrations sought both to stabilize the figures’ and their works’ meanings as well as to frame the ways in which they were used. Simultaneously, by taking account of the dynamics of intercultural appropriation and of receptions in domains which remain understudied by literary studies such as mass media, it is possible to bring out alternative meanings and uses which do not fit dominant models and which tend to relativize or even to contradict them. So, by focusing resolutely on the reception of these figures, the thesis proposes a possible answer to the problem of the permanence of classics: The fact that Beethoven, Goethe and Hugo are functionalised simultaneously and / or successively in divergent discursive and cultural contexts explains their exceptional longevity. It is because they are the subject of heterogeneous and often contradictory uses – in other words: because they are polyfunctional – that certain figures and works survive the many cultural, ideological and media evolutions of the twentieth century
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Burkart, Milena. "Création, récréation, recréation : figures du grotesque littéraire." Strasbourg 2, 2001. http://www.theses.fr/2001STR20048.
Full textAbstract:
Le terme grotesque est né au début du seizième siècle pour désigner une forme d'art ornemental spécifique à la Renaissance italienne ; mais il acquiert vite une vie autonome et devient une notion esthétique qui traverse les siècles et les frontières de l'art pictural. Au cours de ces extensions, le grotesque perd ses contours et devient une notion hétéroclite, en peinture comme en littérature. Cette étude propose non pas une redéfinition du grotesque, mais une comparaison de figures littéraires grotesques qui met à jour les similitudes avec les origines picturales de la notion. A travers des oeuvres littéraires du dix-neuvième et du vingtième siècle, les deux apogées du grotesque après la Renaissance- on découvre un langage imagé qui procède à la dislocation et à la recomposition des corps, qui est à la fois recréation des données naturelles et récréation ludique de l'artiste. .<br>The origine of the word grotesque lies in the beginning of the 16th century, when it stands for a specific form of ornamental art in the Italian Renaissance. . .
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Ozil, Stéphane. "Jules Renard : personnalité littéraire et figure d'auteur." Montpellier 3, 2009. http://www.theses.fr/2009MON30010.
Full textAbstract:
L’auteur reste une notion complexe à définir, du fait de sa dépendance conjointe des deux paramètres rationellement incompatibles que sont la biographie de l’écrivain et l’essence intemporelle de l’œuvre qu’il a léguée. Chaque œuvre, abordée dans sa globalité, laisse toutefois percer un certain nombre de caractéristiques propres regroupables sous le terme de personnalité littéraire ; celle-ci, dans sa confrontation à l’individualité du lecteur, engendrera pour celui-ci une figure d’auteur inédite. Nous nous proposons d’approfondir ces perspectives dans le cadre de l’étude d’un auteur en particulier, Jules Renard, écrivain entre autres de L’Ecornifleur (1892), de Poil de Carotte (1894) ainsi que du Journal (1887-1910). Celui-ci permet de prendre conscience du rapport singulier qu’entretient Jules Renard avec l’art littéraire : le Journal est le lieu où l’écrivain se place face à l’homme de lettres qu’il a conscience de devoir être, comme mû par le devoir de s’examiner scrupuleusement dans le but d’être enfin à la hauteur du devenir auquel il est appelé, celui d’auteur. La méthode d’analyse suivie se calque sur le phénomène inédit d’exode littéraire pour définir la notion de figure d’auteur, se fondant sur le postulat que toute œuvre suppose à la fois une nécessité d’émancipation propre, un ensemble de principes artistiques, une concrétisation littéraire de ces principes, et enfin un but ultime vers lequel ils tendent. La notion d’exode, parce que dépendante de celle de mouvement, nous permettra aussi d’éviter le danger d’une représentation figée de l’auteur, quand celui-ci est en continuel devenir dans les représentations que s’en font ses lecteurs successifs<br>The author remains a complicated notion to be defined, on account of his dependence on both parameters rationally incompatible which are the writer’s biography, and the timeless essence of the work he handed on. Each approach to a work over its global aspect, lets break through however a definite number of specific characteristics covered by the term : literary personality ; which as it is confronted to the individuality of the reader, will generate for him an unpublished author figure. We intend to go deeper into these perspectives within the scope of study of a precise author, Jules Renard, who wrote among others L’Ecornifleur - The Scrounger (1892), Poil de Carotte – Carotty-haired Boy (1894), and the Diary as well (1887-1910). The latter allows to become aware of the uncommon connection Jules Renard keeps with literary art : the Diary is the place where the writer locates himself faced with the man of letters that he is conscious he should be, as if propelled by the duty to examine himself scrupulously in order to be at last up to the destiny he is appointed to, that is author. The method of analysis adopted is modeling on the original phenomenon of literary exodus to define the notion of author figure, based on the postulate that any work understates at the same time a need of self-liberation, a corpus of artistical principles, a literary dedication of these principles, and finally an ultimate target they aim at. The idea of exodus, because it depends on that of motion, will help to avoid the danger of a rigid representation of the author, while he is constantly evolving in the representations the successive readers make of him
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Kerninon, Julia. "Figures du romancier américain : l'entretien littéraire selon The Paris Review (1953-1973)." Thesis, Aix-Marseille, 2016. http://www.theses.fr/2016AIXM3094.
Full textAbstract:
Cette thèse présente une réflexion sur les multiples figures du romancier américain qui émergent des entretiens littéraires de The Paris Review entre 1953 et 1973, soit les deux premières décennies d'existence de la revue. Afin de mieux saisir les spécificités et l'impact du modèle d'entretien littéraire créé par une poignée de rédacteurs aussi inspirés que débutants, cette étude revient tout d'abord sur l'histoire des little magazines, sur le contexte de la création et le fonctionnement interne de The Paris Review, avant de retracer l'histoire complexe de l'entretien littéraire. Grâce à l'analyse des archives de la revue, elle met en évidence la collaboration de l'équipe de rédacteurs et des romanciers interviewés dans un processus novateur de réécriture des entretiens. Car l'entretien littéraire est un lieu de négociation de différentes autorités, entre l'« ethos préalable » de l'écrivain utilisé par l'interviewer et les diverses stratégies (scénographies auctoriales, postures, « prêt à être écrivain ») déployées par le romancier pour asseoir sa légitimité. Derrière le portrait à deux voix que semble être l'entretien littéraire apparaît bientôt l'autoportrait de l'écrivain. L'entretien littéraire de The Paris Review donne lieu à une forme de fiction biographique, à travers laquelle l'écrivain que The Paris Review était venu interroger sur « l'art de la fiction » laisse la parole à l'auteur pour construire et défendre son image<br>This dissertation examines the various figures of the American novelist which takes form in the famous literary interviews published by The Paris Review during the first two decades of its existence (1953-1973). In order to analyze the specificities and the impact of the new model of literary interview created by the inspired, yet inexperienced editors and interviewers of the review, this dissertation first traces the history of "little magazines" as well as the context in which the Paris Review interviews were shaped and polished, and then analyzes the complex history of the literary interview as a genre. Through the study of the archives of the review, the author casts a light on the collaboration between the editorial board and the interviewed novelists during the demanding rewriting process of the literary interviews. The literary interview thus appears as a space where negotiations take place, opposing the preconceptions of the interviewer to the various strategies displayed by the novelist in order to assert his legitimacy. What was originally designed as a single portrait composed by two instances actually turns into the novelist's controlled self-portrait.Ultimately The Paris Review literary interview becomes a form of biographical fiction, in which the writer, initally questioned on "the art of fiction", leaves center stage to the author, who takes great care of his own public persona
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Perry, Caroline. "L’évolution de la figure littéraire de Ponce Pilate (XIXème-XXIème siècle)." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040161.
Full textAbstract:
Cette thèse est consacrée à la figure de Ponce Pilate et à son remarquable déploiement depuis le XIXème siècle dans la littérature occidentale (francophone, anglophone, hispanophone). Ancrée dans la démarche mythocritique de Pierre Brunel, notre recherche interroge précisément les enjeux de l’évolution d’une telle figure et propose de définir sa place en littérature. Progressivement le juge romain devient un véritable objet d’étude, sujet de fiction à part entière. Si l'on constate qu'il ne correspond pas à la définition du mythe, il en comporte néanmoins certains aspects et va même jusqu'à développer certains mythèmes qui lui sont propres tels que son geste symbolique du lavement de mains ou la présence lumineuse de son épouse. Enfin, si la figure de Pilate appartient à la configuration narrative du procès de Jésus de Nazareth, elle est une figure mythique, et sa réhabilitation partielle ou totale, aux XXème et XXIème siècles, passe nécessairement par l’aspect politique du personnage. Après avoir considéré l’importance prise par Ponce Pilate en littérature, à partir du XIXème siècle, nous nous interrogerons sur son statut mythique et sur la place que lui donnent les écrivains de la modernité, cherchant l’homme sous la légende. Entre romanité et christianisme, la voie de la modernité place Pilate face à son humanité<br>This dissertation is dedicated to Pontius Pilate’s figure and to his evolution in Western literature (French, English, and Spanish) from the 19th century. The study examines his role in literature under the light of Pierre Brunel’s mythocriticism, and analyzes how his portrayal developed over time. From his wake to his rise, Pontius Pilate becomes a real object of interest, a fictional subject on his own. This work concludes that he does not correspond to the actual definition of a myth. Rather, he has some aspects of it and even carries some mythemes of his own such as the symbolic gesture of washing his hands or his wife’s glowing presence. Lastly, if Pilate belongs to Jesus of Nazareth’s narrative format, he is then a mythical figure, and therefore his partial or even total rehabilitation must necessarily pass through the character’s political aspect. Modern writers seek for the man underneath the legend. Between Romanism and Christianity, modern time voices place Pilate against his own humanity
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Rimbal-Guedj, Edith. "Figures mythiques d'assassines d'Agrippine à Turandot." Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1995PA030107.
Full textAbstract:
Les assasines qui peuplent la scene tragique, versant le sang, rompent scandaleusement avec l'idee convenue de la feminite ( association sacree de leur sexe avec la vie et la procreation). S'interroger sur ce qui se joue pour elles dans le temps du sang verse, au-dela des representations coupables. Dans une societe ou la femme ne s'accomplit qu'a travers le mariage et l'enfantement, leur statut, selon que chacune est affectee des signes de l'epouse, de la mere ou de la vierge, determine avec precision leur champ d'action: la maternite (hecube, medee, semiramis ), la conjugalite ( clytemnestre), le pouvoir (lady macbeth, cleopatre, reine de syrie, agrippine, athalie), la vocation heroique (electre, judith, jeanne d'arc), la dissidence sexuelle ( penthesilee, brunnhilde, turandot ), l'eros ( salome, lulu ) constituent donc les lieux symboliques des affrontements donnes a voir, que consacre le meutre, attestant la monstruosite du feminin. Et l'ecriture tragique de mobiliser les ressources de sa poetique pour mieux la denoncer et la conjurer: etablir la correlation systematique feminite-animalite, souligner par le langage l'intolerable confusion des genres ( theme recurrent de la "femme virile"), faire surgir des figures exemplaires en contrepoint necessaire aux figures monstrueuses. . . Dans le meme temps, le jeu tragique qui interroge la norme depuis la deviance, fait imploser les codes et les roles: le meurtre n'est plus un acte contre nature, mais une conquete d'dentite, une assomption. L'assassine devient metaphore du moi devise, acquerant valeur universelle. . . . .<br>Tragedies are peopled with murderous, bloodshedding women whose image is at the opposite of the conventional idea of feminity, linked to life and procreation. But beyond any ides of guilt, we have to question what is at stake for them in the act of the blood being shed. Their status as wives, mothers, spouses or virgins determines the area in which they can perform, in society in which a woman can only find fulfilment in wedding and birthgiving: motherthood (hecuba, medea, semiramis), marriage ( clytemnestra), power (lady macbeth, cleopatra, the queen of syria, agrippina, athaliah), heroic vocation (electra, judith, joan of arc), sexual dissidence ( penthesilea, brunnhilde, tuarandot ), eros (salome, lulu ) thus establish the symbolic areas of the confrontations that are given to see, sanctified in murder, evidencing the monstrosity of the feminine. All the ressources of poetics are exploited in the writing of the tragic, so as to expose and exorcise, so as to settle the link between feminity and animality, so as to emphasize through language the intolerable confusion of genres (recurring theme of the "virile woman" ), so as to give birth, as a counterpoint to those monstrous figures, to figures of exemplarity. At the same time, the game of the tragic, questioning the norm in the eye of deviance, disrupts codes and roles: murder is no longer an unnatural act, but becomes quest for. .
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Oberon, Nelly. "Figures féminines dans les trois derniers romans de Roger Vailland." Besançon, 1985. http://www.theses.fr/1985BESA1014.
Full text
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Sariols, Persson Deerie. "Figures de l'altérité au XXe siècle : des bestiaires aux monstres." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030077.
Full textAbstract:
Le XXe siècle en Occident a hérité de l’imaginaire animal et monstrueux du passé pour le transformer. Les mythes fondateurs de l’altérité moderne sont nés au XIXè siècle : Frankenstein ou le Prométhée moderne de Shelley, Dracula de Stoker, L’étrange cas du dr. Jekyll et M. Hyde de Stevenson. Le Horla, de Maupassant incarne le monstre indicible. L’île du docteur Moreau de Wells est un exemple de « l’humanimal », entre l’homme et la bête. Les genres fantastiques, de science-fiction et d’horreur, que ce soit en littérature comme au cinéma, bande dessinée ou jeux d’ordinateur ont absorbé le monstre et l’animalité dans des formes classiques et innovatrices, notamment en ce qui concerne le corps. L’animalité reflète le non sens de la vie dans La métamorphose de Kafka. Elle prend parfois le parti de l’ironie et de l’humour dans des formes brèves (Borges et Cortázar, par exemple), dans les fables animalières (Truismes de Darrieussecq, Les grands singes de W. Self) ou dans la réécriture des contes traditionnels (Le cabinet sanglant d’A. Carter). En tant que confrontation à l’autre, les trois enjeux principaux du monstre sont la peur, la mort et le mal. Il peut ainsi être idéalisé, comme dans Les chroniques martiennes de Bradbury ou vu comme ennemi, tels les Grands Anciens de Lovecraft. La mort s’incarne dans des êtres comme les zombies ou les vampires et dans la quête de l’immortalité, à travers l’homme artificiel, que ce soit le golem (Le Golem de Meyrink), le robot (R. U. R. De Čapek), le mutant ou le cyborg. Incarné par Satan, le mal absolu est aujourd’hui représenté par la malignité dans l’homme comme l’exprime L’Orange mécanique de Burgess. Le système monstrueux, évoqué par 1984 d’Orwell, s’est concrétisé dans l’histoire véritable. La bande dessinée Maus d’Art Spiegelman, le démontre. Solaris de S. Lem, dépasse le problème du bien et du mal et pose d’autres questions métaphysiques<br>XXth century’s Western culture has inherited from the past to recreate its own animal and monstrous imaginary. But the founder myths of modern alterity are born in the XIXth century : Frankenstein or the Modern Prometheus, by Shelley, Dracula, by Stoker, The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde, by Stevenson. The Horla, by Maupassant embodies the unspeakable monster. The Island of Doctor Moreau, by Wells is an example of “humanimal”, between man and beast. Literary genres as fantasy, science-fiction or horror, in fiction, films, comics or computer games, have adopted monsters and animality in classical or new forms, especially concerning the approach to the body as a theme. Animality reflects life’s nonsense in Kafkas’s Metamorphosis, but sometimes it chooses rather irony and humor in short genres (Borges and Cortázar), in animal fables (Truismes, by Darrieussecq, Great Apes, by Will Self) or in a renewal of traditional fairy tales (The Company of Wolves, by A. Carter). The three main stakes from the monster as a confrontation with the other are fear, death and evil. So it can be idealized (as in Bradbury’s The Martian Chronicles) or taken as an enemy (as Lovecraft’s Great Old Ones). Death can be represented by zombies or vampires, also in a search for immortality, through the figure of artificial man, golem (The Golem, by Meyrink), robot (R. U. R. By Čapek), mutants or cyborgs. Absolute evil is incarnated by Satan. Today’s society believes rather in man’s inner evil, as Bradbury’s A Clockwork Orange describes. Orwell’s 1984 shows the monstrous political system. The comic Maus, by Spiegelman, describes how horror has actually been in real history. Solaris, by S. Lem, on the contrary, goes beyond good and evil in a rather metaphysical science-fiction story
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Cloutier, Marie-Ève. "Posture et figure d'auteur de Chrystine Brouillet entre raffinement et simplicité." Mémoire, Université de Sherbrooke, 2010. http://savoirs.usherbrooke.ca/handle/11143/2657.
Full textAbstract:
Ce mémoire vise à questionner les liens entre l'auteur, sa posture, sa figure et la réception critique de son oeuvre. Depuis que Michel Foucault a défini l'auteur comme étant un"être de raison", les études portant sur la figure de l'auteur se sont déployées, suivant le développement de la sociologie de la littérature et l'étude des trajectoires d'écrivains. Un sujet cependant reste guère exploité : peu de recherches se penchent sur le rôle que joue la"façon d'être" d'un écrivain sur la figure qui en découle par la suite, et qui est nécessairement construite par l'ensemble des agents du champ. Pascal Brissette, Marie-Pier Luneau et Marie-Ève Riel ont réalisé des recherches sous cet angle en étudiant respectivement les cas d'Émile Nelligan, de Lionel Groulx et de Gabrielle Roy, des écrivains du XXe siècle. Nous voulons connaître le rôle de la posture d'auteur dans le champ littéraire actuel. Nous avons choisi d'étudier le cas de Chrystine Brouillet. Notre analyse se base sur les conclusions des chercheurs mentionnés précédemment, selon lesquels la posture d'un auteur, en cas de réussite, confirme la lecture d'une oeuvre. À l'aide des théories portant sur l'écrivain, nous étudions ici la trajectoire de l'écrivaine dans le champ littéraire, en caractérisant la posture qu'elle développe au fil des années. Par la suite, nous évaluons l'implication de cette posture dans la figure que lui ont construite les éditeurs, journalistes, critiques. Cette figure n'est pas sans avoir un lien avec la réception de son oeeuvre, ce pourquoi nous analysons en parallèle les critiques à son endroit. Les résultats confirment que la posture de Chrystine Brouillet, bien qu'elle n'incarne pas l'unique facteur qui influence le sort de ses livres, induit la construction positive d'une figure d'auteur qui oriente globalement la réception critique de son oeuvre.
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François, Noémie. "Concha Alós , une remise en lumière nécessaire." Thesis, Pau, 2016. http://www.theses.fr/2016PAUU1001.
Full textAbstract:
Le présent travail propose une remise en lumière de l’écrivaine Concha Alós (19222011) et une réévaluation de sa production. Écrivaine révélée sous le Franquisme, elle a joui d’une reconnaissance médiatico-culturelle importante dans les années 1960 et 1970, mais souffre aujourd’hui d’une indifférence presque généralisée. Cette thèse s’attache à étudier exhaustivement, pour la première fois, le parcours personnel et professionnel de Concha Alós et, de manière plus affinée, son œuvre esthétique. À partir de l’examen d’une somme de documents (publiés, édités, inédits, etc.) et d’archives privées, ce travail recompose la trajectoire d’une écrivaine dans une Espagne bridée par la dictature. Il s'évertue à la positionner parmi ses contemporains, à déterminer les raisons de son oubli et analyse ses productions, tant narratives que journalistiques et scénaristiques. Notre étude vise à actualiser la connaissance d’une femme engagée, dont la plume tranchante, le style direct et les thèmes percutants méritent, aujourd’hui, une réhabilitation<br>This thesis aims at placing the writer Concha Alós (1922-2011) in the limelight again and at reevaluating her production. As a writer revealed under Franco’s regime, she received an important media and cultural recognition in the 60s and 70s but suffers today from an almost general indifference. The purpose of this PhD dissertation is to provide – for the first time – a comprehensive study of Concha Alós’s personal and professional path and, in a more fine-grained way, her aesthetic work. After a careful review of a large number of documents (published or not, edited, etc.) and private archives, I retrace the trajectory of a Spanish woman writer in a country shackled by dictatorship, position her amongst her contemporaries, determine the reasons for her oblivion and analyze her productions which appear under the form of narratives, newspaper articles and scenarios. The study’s aim is to update our knowledge of a committed woman, whose caustic pen, direct style and powerful themes today deserve to be rehabilitated
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Maître, Fabienne. "La figure sacrificielle dans le théâtre contemporain anglais." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040033.
Full textAbstract:
Le théâtre contemporain anglais est marqué par le renouvellement du genre tragique, qui s'articule essentiellement autour de la figure sacrificielle. Celle-ci est au cœur de la tragédie et de la réflexion contemporaine. Les hypotextes antiques et judéo-chrétiens s'imposent comme des référents majeurs, générant des oeuvres palimpsestes. L'élargissement des champs de la réflexion débouche sur une multiplicité d'interprétations de la figure sacrificielle, le massacre étant son expression la plus courante à la fin du XXè siècle. A la sacralisation du sacrifice se substitue désormais la transcendance poétique, dans une tragédie caractérisée par un principe de dislocation, tant physique que métaphysique. Au cœur de cette tragédie labyrinthique, demeure le principe intangible du sacrifice<br>The renewal of the tragic style, revolving mainly around the sacrificial figure, remarkably influences contemporary British drama. Sacrifice is both at the very heart of tragedy and of contemporary thought. Ancient and classical Judeo-Christian hypotexts appear as major cultural references giving way to palimpsest plays. The widening of the field of reflection leads to a variety of interpretations of the sacrificial figure, mainly represented by mass slaughter at the end of the XXth century. Poetical transcendence now replaces the sacred dimension of ritualistic sacrifice in a postmodern tragedy characterized by physical and metaphysical dislocation. Human sacrifice remains the core of this labyrinthine tragedy
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Faithful-Velayoudom, Lucianne. "Réalité historique et fiction littéraire : le passage de l'histoire au mythe:Louis Dèlgrès et Toussaint Louverture, deux figures emblématiques." Antilles-Guyane, 2006. http://www.theses.fr/2006AGUY0161.
Full textAbstract:
Louis Delgrès et Toussaint Louverture sont des figures clés d'une expérience inaugurale, celle du "défi consulaire". En considérant ces deux figures emblématiques, nous sommes amenés à examiner les rapports entre réalité historique et fiction litteraire, de façon à rendre compte du processus de transformation des personnages historiques en personnages mytiques. Le temps historiques est celui des révolutions antiesclavagistes dans les colonies françaises, exacerbées par les idées de la révolution française de 1789. Delgrès et Louverture sont parvenus à s'inscrire dans les écrits selon les normes littéraires du roman et de la poésie. Ils sont devenus, au gré des évolutions de notre littérature, l'héritage du système dramatique. Par ailleurs, ils ont inspiré des écrivains qui rélèventdu champ de référence européen, américain et africain. La littérature est le moyen par lequel s'opère le passage de réalité au mythe, du réel à l'imaginaire. Elle nourrit le destin des héros et nous le transmet sous des formes diverses. Le mythe se réfère à la nature, à l'invariant, c'est en cela qu 'il s'oppose à l'histoire qui se réfère à la culture. Delgrès serait donc un mythe idéologique. Il ne s'inscrit dans la mythologie qu'à partir du moment où il est devenu un personnage historique dans la mémoire. Incrusté dans l'histoire Haïtienne, Louverture aurait acquis l'image du mythe populaire, symbolisé par une omniprésence et une dimension historique entretenue dans les mémoires. Delgès et Louverture, gardiens d'une époque en survivance, sont analysés en tant que personnages littéraires, réanimés par des auteurs habités par un désir louable de les faire revivre<br>Louis Delgrès and Toussaint Louverture are key in the figures in the unprecedented movement against the colonial etablishment. By considering these two emblematic figures, we are led to examine the relationship between historical facts and literary fiction , in order to account for the process of transformation of ordinary people into figures into, mythical figures. Historical time is that the abolitionnist revolutions in the french colonies, exacerbated by the ideas of the french revolution of 1789; Delgres and Louverture managed to register for writings according to literary standards of novel and poetry. As a result of the evolution of our literature, they also became the heritage of the dramatic system. They even served to inspire writers of european, American and African d'origins. Literature is the means by which reality becomes myth and the real, imaginary. Literature brings to charaterers not only depth but iconic quality in various forms. The myth refers to nature, unchanging, in direct contrast to history which is based on culture. Delgrès would be an ideological myth. He was registered for mythology only after he has become a historical figure in people's memory. Embedded in the haïtian story, Louverture achieved the status of a popular myth, reflected by his pervasive presence in the memory of his lasting contributions to the antislavery movement. Delgès and Louverture, lasting figures of an almost forgotten time, are looked at as literary figures brought to life by authors eager to revive their idea
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Bué-Proudom, Frédérique. "La table dans tous ses états : thème et figure littéraires à travers le roman du XIXe siècle." Toulouse 2, 1992. http://www.theses.fr/1992TOU20049.
Full textAbstract:
Les thèmes de la table et du repas sont propices à une lecture originale du roman du dix-neuvième siècle français. Musset, Stendhal, Balzac, Hugo, Flaubert, Zola, Maupassant, Huysmans et Proust illustrent à travers neuf textes un siècle qui a donné ses lettres de noblesse à la fois au genre romanesque et à la gastronomie bourgeoise. Leur étude révèle les aspects les plus marquants et les plus variés de l'histoire littéraire de cette période. Du mal du siècle romantique à l'écriture proustienne en passant par les manifestations individualistes et sociales du romantisme, du réalisme, du naturalisme et de l'expérience extrême de la décadence, le thème de la table apparaît comme une constante, secondaire certes, mais dont la présence et les aspects méritent d'être observés, étudiés, décryptés parfois. L'objet essentiel de ces neuf études littéraires est de proposer, par ce biais thématique, une lecture expressive de l'écriture romanesque du dix-neuvième siècle et de la vision d'une société que des écrivains ont perçue à travers leur sensibilité et traduite grâce à leur art<br>The theme of table and meal both give the opportunity to an original reading of the French nineteenth century novel. Musset, Stendhal, Balzac, Hugo, Flaubert, Zola, Maupassant, Huysmans and Proust depict, through nine works, a century which gave its letters patent to both, the novel genre and middle-class gastronomy. Their study shows the most significant and various aspects of the literary story of that period. From the romantic world-weariness to the Proustian style, through the personal and social expression of the romantic, realistic, naturalistic movements, and the extreme experiment of the decadent movement, the theme of the table seems to be a constant, even if not fundamental, feature, the presence and aspects of which are worth being observed, studied and sometimes deciphered. The main purpose of these nine literary studies consists in suggesting, through a thematic sideway, an expressive reading of the nineteenth century novelistic writing and the vision of a society that novelists perceived with their own sensibility and expressed by their art
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Persiani, Paul. "Figures et fonctions de l'espace dans l'univers romanesque de Carlo Cassola." Nice, 1999. http://www.theses.fr/1999NICE2016.
Full textAbstract:
Notre étude thématique a consisté à repérer dans les textes de Carlo Cassola un certain nombre de figures constitutives de l'imaginaire de l'écrivain. L'écriture nous est alors apparue comme un jeu géométrisé. Toute oeuvre apparaît comme le lieu de scènes et de représentations faisant sens pour l'auteur et pour le lecteur dans la mesure où celles-ci se répètent. La géométrisation de l'espace que nous avons relevée tente selon nous d'opérer une véritable main mise sur les divers phénomènes participant de cette spatialité. Notre recherche s'est attardée en premier lieu sur l'état et la situation de Carlo Cassola par rapport à la critique. Notre deuxième partie Point(s) de vue a élargi notre propos sur une thématique globale ayant pour thème central le paysage et ses éléments constitutifs généraux : les panoramas toscans, le soleil et son émanation naturelle et positive, la lumière ainsi que son indice négatif, l'obscurité. Notre chapitre De la géométrie a repéré l'ensemble des figures géométriques, leurs rôles dans la symbolique des images et leurs transformations de simples surfaces fixes en de complexes constructions en mouvement. Notre dernière partie Des-unions traite des différents types de communication entre les hommes et les femmes et de la grande variété de nuances dans les perceptions que les uns et les autres ont de la différence sexuelle. Ce chapitre a révélé le lien psychologique entre toutes les figures de la spatialité et l'accomplissement affectif nous a permis de mettre en lumière la connotation sexuelle de cette géométrisation systématique. En que mécanisme de défense, cette stylisation géométrique a mis en évidence la tentative de lutte par l'écriture contre l'angoisse. L'échec du discours de Cassola sur les rapports interpersonnels nous a offert la validation de notre approche et l'affirmation que cette géométrisation a fonctionné comme solution de sécurisation face à l'impossibilité de tendre vers une harmonisation de ces rapports
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Piroux, Cyril. "La figure du rond-de-cuir ou l'écriture de l'impotence : une idée du roman français au XXe siècle." Thèse, Besançon, 2011. http://constellation.uqac.ca/2562/1/030289651.pdf.
Full textAbstract:
On ne compte plus, dans la littérature française de la première moitié du XXe siècle, le nombre de créatures abouliques, en proie à un pessimisme fondamental et à une vacuité existentielle désespérante, sans signification ni finalité. Dans un article paru en 2001', Bruno Curatolo remarquait ainsi l'existence, dans les années 20 à 50, d'un « courant noir », si évident apparemment qu'on ne s'y est jamais véritablement intéressé (du moins pas dans le cadre d'une thèse de doctorat). On lit :
Au début des années trente les récits de Louis-Ferdinand Céline, de Louis Guilloux, d'Eugène Dabit, colorent la veine romanesque d'une teinte noire qui émane de la médiocrité sociale et morale des personnages, de la conscience de la détresse humaine, des aberrations de l'Histoire : s'impose alors, et pour deux décennies aux moins, la figure de l'« anti-héros » .
Parmi tous ces ratés falots et solitaires du roman moderne, le personnage du rond-de-cuir, scribouillard insignifiant, indolent et velléitaire, prisonnier de sa condition de gratte-papier comme on le serait d'un corps meurtri, s'impose naturellement comme une figure exemplaire et emblématique de la voie nouvelle dans laquelle s'engageait déjà le roman fin de siècle. Un large pan de la production romanesque française de la première moitié du XXe siècle, de Croquignole (Charles-Louis Philippe, 1906) à Peau d'ours (Henri Calet, oeuvre posthume de 1958), fait ainsi la part belle à la représentation de ce genre de personnage socialement - et existentiellement - médiocre, développant un intertexte ayant non seulement évolué d'une production à l'autre, mais s'étant considérablement diversifié.
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Ducros, Geneviève. "Les figures du Baroque dans l'œuvre romanesque de Virginia Woolf." Montpellier 3, 2003. http://www.theses.fr/2003MON30010.
Full text
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Zaouache, Kahina. "Constructions littéraires et idéologiques autour de la figure de l’émir Abd el-Kader (1808-1883) : une individualité complexe." Thesis, Université Clermont Auvergne (2017-2020), 2018. http://www.theses.fr/2018CLFAL008.
Full textAbstract:
À travers cette recherche, nous avons tenté d’élucider la complexité de la vie de l’émir Abd el-Kader. Pour ce faire, nous avons choisi d’étudier un certain nombre de productions littéraires, iconographique et historiques en lien avec cette figure centrale de l’histoire de la colonisation et de l’indépendance de l’Algérie. L’intérêt principal de ce travail intitulé : Constructions littéraires et idéologiques autour de la figure de l’émir Abd el-Kader : Une individualité complexe à l’épreuve de la modernité, au-delà de l’aspect biographique, réside dans l’argumentation élaborée depuis le comparatisme et l’imagologie. La méthodologie choisie découle de la nécessité de croiser les regards et les points de vue, afin de faire ressortir la vie de l’émir comme le symptôme d’un malaise et du refus d’une parole pleine, afin de rendre compte de la difficulté de l’écriture de l’histoire. Ainsi certains aspects de la vie de l’émir, tels que son séjour forcé en France de 1847 à 1852, tout comme son adhésion à la franc-maçonnerie sont des faits purement occultés dans l’Algérie officielle. C’est ici que la complexité de l’individualité de l’émir résiste au moule idéologique dans lequel on veut l’enfermer, et cela des deux côtés de la Méditerranée<br>This research undertaking represents an attempt to shed light on the life of Emir Abd al-Qādir in all its complexity. In order to do so, we chose to study various literary, pictorial and historical productions linked to this key figure in the history of colonisation and of the independence of Algeria. The main interest of this work, entitled Literary and Ideological Constructions around the Figure of Emir Abd al-Qādir, lies in lines of argumentation drawn from comparativism and imagology. The chosen methodology derives from the need to confront outlooks and points of view, so as to study the Emir’s life as a symptom of malaise and refusal to engage in comprehensive discourse, and thereby bear witness to the difficulty of writing history. Thus, some aspects of the Emir’s life, such as his enforced stay in France between 1847 and 1852, as well as his membership of the Freemasons, are wholly suppressed in official Algeria. It is at this point that Abd el Kader resists the ideological mould in which he has been imprisoned, and this on both sides of the Mediterranean
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Niayesh, Ladan. "Aux frontières de l'humain : figures du cannibalisme dans le théâtre anglais de la Renaissance." Montpellier 3, 2000. http://www.theses.fr/2000MON30014.
Full text
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Drouin, Guy. "S'écrire : essai sur les figures de la création littéraire dans les oeuvres de Louis-Ferdinand Céline et de Marcel Proust." Thèse, Université du Québec à Trois-Rivières, 2000. http://depot-e.uqtr.ca/3153/1/000677391.pdf.
Full text
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Larnaud, Judith. "Fantômes de tradition et figures contemporaines : Le grand extérieur en scène." Paris 7, 2004. http://www.theses.fr/2004PA070084.
Full textAbstract:
LE TERME « GRAND EXTERIEUR » EST EMPRUNTE A ANTOINE VITEZ. POUR LUI C'EST L'INCONNU DE LA MORT, QUI EST LE SOUFFLE DE TOUTE REPRESENTATION THEATRALE. CETTE RECHERCHE TRAITE DU DOMAINE INVISIBLE, DE L'ESPACE INCONNAISSABLE PAR ESSENCE : CELUI DE LA MORT, ET DE SES MODALITES DE REPRESENTATION SUR UN PLATEAU DE THEATRE. EN EFFET, LA QUESTION POSEE EST LA SUIVANTE. QUELS SONT LES MOYENS DE LA SCENE POUR NOUS MONTRER L'INVISIBLE ? LE PERSONNAGE DE FANTOME EN EST UN, ET L'ON CHOISIT ICI D'OBSERVER SA REPRESENTATION LORSQUELLE EST INCARNEE, UN FANTOME PHYSIQUEMENT PRESENT EN SCENE. PAR UNE ANALYSE TERMINOLOGIQUE, ON TENTE EN PREMIER LIEU DE MIEUX CERNER LA NOTION ABORDEE. UNE PREMIERE PARTIE PORTE SUR LES FANTOMES DE TROIS THEATRES ANCIENS : CEUX DE SENEQUE LE ROMAIN, CEUX DU Nô AU JAPON DU Xllleme SIECLE, CELUI D'HAMLET DE SHAKESPEARE. CE DERNIER SERT DE CHARNIERE A LA REFLEXION. UNE SECONDE PARTIE TRAITE DE TROIS THEATRES QUI NOUS SONT PROCHES, CEUX DE SAMUEL BECKETT, TADEUSZ KANTOR ET ROBERT WILSON. LES PERSONNAGES, LES FIGURES EN SCENE NE SONT PLUS NOMMEES FANTOMES MAIS ELLES FONT APPEL A L'INCONNU, A BAILLEURS, AU DOMAINE DU GRAND EXTERIEUR. QU'ON LES NOMMES « FOSSILES » CHEZ BECKETT, « MANNEQUIN » CHEZ KANTOR OU « LIGNE DES ORDONNEES » CHEZ WILSON, CES FIGURES SONT TRAVERSEES PAR LA MORT. LE XX ème SIECLE A PERMIS ET NECESSITE QUE LE THEATRE OCCIDENTAL S'INTERROGE SUR LUI-MEME. POUR MONTRER EN SCENE L'OPERATION DE THEATRALISATION, CES TROIS THEATRES CONTEMPORAINS MONTRENT LES FIGURES DE LA MORT. UNE REFLEXION EN SCENE SUR CE QU'EST LE THEATRE, COMMENT ON LE FABRIQUE ET COMMENT ON LE JOUE, APPELLE UNE REFERENCE A LA MORT, AU « GRAND EXTERIEUR » TOUJOURS SOUVERAIN<br>THE WORD "LARGE OUTSIDE" COMES FROM ANTOINE VITEZ. FOR HIM, IT MEANS UNKNOWN DEATH, WHICH IS THE AIM OF ANY PLAY. THIS RESEARCH INVESTIGATES OF THE INVISIBLE AND UNKNOWN SPACE : THE SPACE OF DEATH AND THE WAYS IT CAN BE REPRESENTED ON THE STAGE. THE QUESTION IS : HOW CAN THE THEATRE SHOW THE INVISIBLE SPACE OF DEATH? SHOWING A GHOST IS A WAY AND THE STUDY ANALYSES A PERSONIFIED FIGURE, A PHYSICALLY PRESENT GHOST ON THE STAGE. BY A TERMINOLOGICAL ANALYSIS WE FIRST PRECISE THE TERM. THE FIRST PART DEALS WITH THE GHOSTS IN THREE ANCIENT THEATRES : THE ONES OF SENEQUE THE ROMAN, THE ONES OF THE Xlllth CENTURY NO THEATRE, THE ONE OF HAMLET FROM SHAKESPEARE. THIS LAST EXEMPLE IS THE TURNING POINT BETWEEN THE TWO MOVEMENTS. THE SECOND PART DEALS WITH THREE THEATRES CLOSE TO US : THE ONES OF SAMUEL BECKETT, TADEUSZ KANTOR ANI ROBERT WILSON. THE CHARACTERS ARE NOT NAMED GHOSTS ANYMORE BUT THEY CALLS FOR A "OUTSIDE", A "ELSEWHERE"; THEY BRING DEATH ALONG. XXth CENTURY ALLOWED AND MADE NECESSARY REFLEXIVENESS / IT BRING INTO QUESTION STAGE. . . ON STAGE. TO SHOW WHAT THEATRE IS MADE OF, THIS THREE CONTEMPORARY THEATRES SHOW FIGURES OF DEATH. TO OFFER A MIRROR TO THE REPRESENTATION THEY SHOW FIGURES OF THE "LARGE OUTSIDE"
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Lemieux, Anne. "La réinvention des figures romantiques dans les textes biographiques des écrivains est-allemands." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030071.
Full text
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Hamidache, Younes. "les figures de l'altérité dans le théâtre de Tayeb Seddiki." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2015. http://www.theses.fr/2015GREAL031.
Full textAbstract:
Cette thèse propose de reconsidérer certains aspects de la relation Orient-Occident dans le théâtre du dramaturge marocain Tayeb Seddiki. Nonobstant la présence de formes pré-théâtrales, le Maroc comme les autres pays arabes n'ont connu le théâtre qu'à partir de la moitié du XIX ème siècle. L'Occident à travers la France a introduit donc le théâtre à l'italienne au Maroc. Mais il s'avère que, dans ce théâtre Seddikien cette relation, dépasse le cadre dyadique de l'Orient-Occident, ce sont des figures de l'altérité que l'analyse nous laisse voir à travers les pièces du corpus.Le théâtre de Seddiki a su marier avec maestria des sédiments venus d'horizons différents. La technique française qu'a ramenée le protectorat français lui a permis de sortir ces formes d'un état de jachère. Dans cette exploitation du patrimoine culturel et de ce folklore se dégage à fur et à mesure, et à travers l'expérimentation, des idées qui coulent dans le moule de l'altérité : la connaissance de l'autre, l'entente, le soufisme, la fête sont les axes récurrents de ce théâtre. D'autres ramifications corroborent la présence de la relation et qui sont incarnées par, d'abord la notion du miroir qui emprunte au soufisme et à la Taghriba qui est une prise de conscience qui s'effectue à travers le voyage dans le désert, ensuite l'humanisme arabe qui tend à dépasser les obstacles de la discrimination culturelle et religieuse.L'enfance de Seddiki a été marquée par les contes et les légendes dans une famille traditionnaliste d'Essaouira, ville qui était cosmopolite dont une conséquente population juive. La biographie du dramaturge montre les éléments qui ont préparé cette fascination de l'Autre. Après sa fascination par la place de Jamaa el Fnaa, la rencontre avec André Voisin lui a permis de de connaitre le théâtre mondial et surtout d'adapter de nombreuses pièces du répertoire mondial.En ayant recours à l'expérimentation Seddiki a commencé à construire un théâtre authentique. La présence de l'altérité a continué à charpenter l'œuvre, elle est présente sous formes de trois thèmes majeurs : l'errance culturelle qui anéantit la vénération excessive de l'identité, la fête cérémoniale qui fait tomber les masques sociaux, et un soufisme qui déborde de tolérance et d'amour.L'analyse dramaturgique des pièces en question étaye notre propos sur l'ancrage de l'altérité dans l'œuvre. L'espace scénique et théâtral sont ouverts et invitent l'Autre, le langage et multiple, appelle à la transe et la jadba, les personnages sont les dépositaires de la mémoire universelle.Ce travail montre donc que l'art peut jouer un rôle déterminant dans le rapprochement des peuples, il participe à la compréhension de soi et de l'autre. Ce théâtre qui invite la place mythique de Jamaa el fnaa ainsi que Molière privilégie de créer une fraternité universelle<br>This thesis proposes to reconsider some aspects of the East-West relationship in the theater playwright Moroccan Tayeb Seddiki. Notwithstanding the presence of pre-theatrical forms, Morocco, like other Arab countries have experienced the theater until the mid-nineteenth century. The West across France has introduced the Italian theater in Morocco. But it turns out that in this theater Seddikien this relationship, beyond the dyadic context of the East-West, are figures of otherness that analysis lets us see through the play's of the corpus.The Seddiki's theater has masterfully, managed to combine sediment from different backgrounds. The French technique has brought the French Protectorate allowed him to leave these forms of fallow state. In the exploitation of cultural heritage and folklore emerges progressively, and through experimentation, ideas that flow into the mold of otherness: the knowledge of the other, the agreement, Sufism the feast are the recurring lines of this theater. Other ramifications corroborate the presence of the relationship and that are embodied by, first the concept of the mirror which borrows from Sufism and Taghriba is an awareness that takes place through the travel in the desert, then Arabic humanism that tends to overcome the obstacles of cultural and religious discrimination.Seddiki's childhood was marked by tales and legends in a traditionalist family of Essaouira, a city that was cosmopolitan with a substantial Jewish population. The playwright's biography shows the elements that have made this fascination of the Other. After his fascination by the Jamaa el Fnaa Square, the meeting with André Voisin allowed him to know the world of theater and especially adapted many parts of the world repertoire.By using experimentation Seddiki began building an authentic theater. The presence of otherness charpenter continued to work, it is present in the form of three major themes: cultural wandering that destroys the excessive veneration of identity, the ceremonial feast that breaks down the social masks, and Sufism that goes beyond tolerance and love.The dramaturgical analysis of the player's in question supports our remarks on the anchoring of otherness in the work. The scenic and theatrical space are open and invite the Other, language is multipleand calls to trance and jadba, the characters are the repositories of universal memory.This work therefore shows that art can play a key role in bringing people together, he participated in the understanding of self and other. This theater that invites the mythical Jamaa el Fnaa and Molière favors to create a universal brotherhood
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Gagnon, Marilyne. "Bunker (théâtre), suivi de La représentation de la figure du zombie au cinéma et au théâtre, essai." Mémoire, Université de Sherbrooke, 2014. http://hdl.handle.net/11143/5929.
Full textAbstract:
Ce mémoire de maîtrise en études françaises se penche sur la représentation de la figure du zombie au cinéma et au théâtre et s’interroge sur le fait que, malgré la popularité actuelle du monstre, peu de médiums autres que le septième art l’exploite avec efficacité. Le zombie serait-il donc une figure essentiellement filmique?
La première partie du mémoire, Bunker, consiste en une courte pièce de théâtre en un acte. Prenant la forme d’un huis clos, la pièce met en scène six humains réfugiés dans un abri nucléaire, pour le meilleur et pour le pire, alors que leur univers est bouleversé par l’apparition d’un virus qui transforme les personnes atteintes en zombies cannibales.
La seconde partie se concentre sur, d’une part, les origines du zombie filmique et, d’autre part, sur l’évolution de cette figure monstrueuse, appuyée par l’analyse de trois films issus de trois époques charnières pour la figure du zombie, soit White Zombie (1932) de Victor Halperin, Night of the Living Dead (1968) de George A. Romero et 28 Days Later (2002) de Danny Boyle.
Le mémoire s’achève sur une réflexion sur ma propre création, laquelle se penchera principalement sur le processus d’intégration de la figure très filmique qu’est le zombie dans une pièce de théâtre.
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Souchier, Marine. "Le statut de grand dramaturge au XVIIe siècle : Corneille, Racine et Molière, figures vedettes d’une histoire littéraire en construction (1640-1729)." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL121.
Full textAbstract:
Dès la fin du XVIIe siècle, Corneille, Racine et Molière se voient attribuer une supériorité indiscutable sur l’ensemble des autres dramaturges contemporains. Cette hiérarchie dont l’histoire littéraire actuelle a hérité continue à nous faire admettre comme une évidence la précellence accordée à ce trio de « classiques » et les études consacrées aux auteurs dits « mineurs » interrogent rarement le statut d’auteur « majeur ». Nous avons souhaité étudier le processus d’élaboration du statut de grand dramaturge. Cette thèse met ainsi en lumière les différents aspects et manifestations de cette construction, dont elle retrace les étapes du vivant des auteurs — des années 1640 à 1680 —, tout en identifiant les facteurs permettant de comprendre pourquoi ces trois dramaturges bénéficièrent d’un tel statut, au détriment de leurs confrères et concurrents. Ce travail observe ensuite l’immédiate postérité de nos auteurs — des années 1670 à 1720 —, afin de montrer comment la hiérarchisation et la classification à l’œuvre dans le double processus de majoration et de minoration desdramaturges posent les bases de l’histoire du théâtre français. Pour comprendre la constitution du panthéon des grands dramaturges, nous analysons les mécanismes d’écriture de l’histoire du théâtre dit « classique » et faisons émerger le processus de mythification qui préside à l’apparition de la « triade sacrée » Corneille- Racine-Molière. Nous expliquons alors comment l’histoire du théâtre français s’écrit à la gloire de ces auteurs, à partir et autour de leurs trois figures, classicisées et transformées en symboles du « siècle de Louis XIV »<br>From the late 17th century, Corneille, Racine and Molière are given an undeniable superiority over all other contemporary playwrights. This hierarchy, from which current literary history has inherited, continues to make us consider the pre-eminence granted to this “classical” trio as obvious and the studies devoted to the so-called “minor” authors rarely question the “major” author status. Our goal has been to study the elaboration process of the great playwright status. Thus, this PhD thesis highlights the different aspects and manifestations of this construction, retracing its stages during the authors’ lifetime — from the 1640s to the 1680s — while identifiying the factors allowing to understand why these three playwrights were given such a status, at the detriment of their colleagues and competitors. Moreover, this work studies our authors’ immediate posterity — from the 1670s to the 1720s — in order to show how the hierarchy and classification at work in the “majoration” and “minoration” process lay the foundation of French theater history. To understand how the great playwrights’ pantheon was built, we analyze the writing mechanisms of “classical” theater history and bring out the process of mythification that leads to the birth of the “sacred triad” Corneille-Racine-Molière. We then explain how the French theater history is written in praise of these authors, from and around their three figures, classicized and converted into symbols of “the age of Louis XIV”
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Tengour, Hossein. "La figure du forçat dans le roman français de 1835 a 1925 [de Vautrin a Chéri-Bibi]." Thesis, Paris 3, 2010. http://www.theses.fr/2010PA030167.
Full textAbstract:
Existe-t-il un mythe littéraire du forçat ? Peut-on dire que le roman de forçat est un genre voire un sous-genre littéraire ? A ces deux problématiques nous tentons de répondre dans notre thèse. Nous donnons tout d’abord une définition historique, sociale et physiologique du forçat, puis, en nous appuyant sur la notion de « bassin sémantique » établie par Gilbert Durand, nous analysons différents mythes et mythèmes tels que le diable, Napoléon ou encore le surhomme. Ce qui nous amène à la conclusion suivante que le forçat est bien un mythe littéraire. En prenant ensuite comme paradigme le roman de Ponson du Terrail, Le Bagne de Toulon, nous établissons une grille de lecture des thèmes et motifs récurrents – le bagne, l’évasion, la paternité, la poursuite ou encore la vengeance - que l’on peut trouver dans les romans où cette figure apparaît. Nous voyons enfin comment ce personnage est représenté dans la littérature étrangère et les formes qu’il a pu prendre depuis la période classique jusqu’à nos jours, galérien, bagnard et prisonnier. Nous montrons également qu’il a trouvé sa place aussi bien dans le théâtre que le cinéma et qu’il s’est imposé en tant que héros de la paralittérature : polar, science-fiction, western, roman d’aventures, bande-dessinée, etc. Par ailleurs, nous examinons, à travers l’œuvre d’Albert Londres et Henri Charrière, comment le récit de témoignage a contribué à la renaissance du roman de forçat. Le roman de forçat a encore de beaux jours devant lui comme l’illustrent les réécritures d’œuvres célèbres telles que Les Misérables ou Le Comte de Monte Cristo<br>Is there such thing as a literary myth about the convict ? Can we say that literature dealing with convicts is a genre or even a sub-genre? These are the two issues we will adress in our thesis. First we give a historical, social and physiological definition of the convict ; the notion of “bassin sémantique” as established by Gilbert Durand, helps us analyse different myths and mythemes, such as the devil, Napoleon or even the superman and this leads us to the conclusion that the convict as a literary myth does exist. Secondly, we use the Bagne de Toulon by Ponson du Terrail as a pattern to discuss the recurrent themes and motives pervading the novels where such a figure appears : penal colony, escape, paternity, pursuit or even revenge. At last ,we consider the way this character is represented in foreign literature and the different forms it has taken since the classical period until to-day, whether it be galley slave, convict or prisoner. We also show that it is also present in other genres such as the theatre or the cinema and that it features prominently in marginal literature : detective novel, science-fiction, western, adventure story, comic strip. Besides, we examine how the accounts of Albert Londres and Henry Charrière contributed to a rebirth of the convict novel for which , as is illustrated by the rewriting of famous works such as les Misérables or The Count of Monte Cristo there are good times ahead
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Schmitt, Arnaud. "Figures et enjeux du récit : la non-congruence dans la série Zuckerman de Philip Roth." Bordeaux 3, 2002. http://www.theses.fr/2002BOR30035.
Full textAbstract:
A partir de l'évocation de la figure paternelle, et plus particulièrement de la parole du père, Roth crée un verbe qui, dans un premier temps, rappelle l'oralité mais dont il va finalement se servir comme sigifiant de rupture, comme parole de l'outrance. Roth étend cette logique non-congruente à tous les niveaux de son oeuvre (stylistique, diégétique, thématique) dans le but de rompre avec une quelconque stabilité mimétique et de forcer le lecteur à contempler les rouages du texte auquel il est confronté. Cette politique métatextuelle situe l'oeuvre rothienne dans la mouvance postmoderne et dessine une intersubjectivité lecteur-auteur pour le moins problématique mais en accord avec l'isotopie de la non-congruence mise en place par Roth<br>Through the evocation of the figure of the father and, more precisely, of the father talking, Philip Roth creates a style which, on the one hand, conjures up the spoken word but which is eventually used by the author to disrupt the oral aspect of the text. This is the very basis of Roth's non-congruent strategy : calling the attention of the reader to the "seams" of the text, undermining the "mimesis", thus creating a sophisticated metatextual device which link's Roth's work with postmodernism. The author's persistence in bringing characters, ideas and interpretations into conflict, and in antagonizing the reader's simplistic expectations, seems to be the underlying paradigm of his work : creating energy through conflict
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Kohnen, Myriam. "Figures du Polygraphe. Zola, Daudet, Malot (1855-1880)." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030070.
Full textAbstract:
Des trois auteurs français Zola, Daudet et Malot, l'on ne connaît le plus souvent que Les Rougon-Macquart, les contes, les nouvelles et les romans populaires. Leur œuvre témoigne pourtant d'une plus grande variété qui se justifie par leur carrière d'écrivain-journaliste. Comme leurs prédécesseurs les plus célèbres, Balzac, Hugo et Stendhal, ils tentent d'abord de se faire un nom dans le milieu journalistique avant de devenir plus tard des écrivains reconnus. Comme Vallès, les Goncourt, Baudelaire et Banville, ils considèrent aussi que ce chemin initial garantit l'autonomie de l'homme de lettres. Mais ce ne sont pas seulement l'essor de la presse, le développement technique et l'accroissement du lectorat qui les contraignent à cette pratique de la polygraphie dans divers organes. Les grandes villes les amènent à s'intéresser aux mœurs sociales ainsi qu'à l'actualité politique et artistique, à tel point que ce reportage à Paris et à Londres finit par les inspirer pour l'élaboration de certains romans. Les trois observateurs curieux vont travailler comme enquêteurs dans la rue, en mettant en place une écriture du réel adapté au genre journalistique et littéraire. D'un discours sur le trottoir dans La Rue, Le Boulevard, Le Figaro ou L'Événement illustré, l'on aboutit à une conception moderne de la création qui rejoint par certains aspects la démarche des peintres impressionnistes et des dessinateurs de la presse sous le Second Empire. Au-delà de sa signification sociale et historique, l'évolution du parcours éclaire ainsi les enjeux du travail et du statut symbolique de l'écrivain-journaliste et révèle l'impact des premiers écrits sur l'esthétique des romanciers modernes<br>When asked about the three authors Zola, Daudet and Malot, most only know Les Rougon-Macquart, the stories, the novellas as well as the popular novels. Their works however show a much larger variety, which is the result of their careers as writers and journalists. Like their most famous predecessors Balzac, Hugo and Stendhal, they tried to become established in the world of journalism before becoming renowned writers. Just like Vallès, the brothers Goncourt, Baudelaire and Banville, the trio also assumed this initial step would guarantee the autonomy of the literary man. But it was not only the rise in press publication, the technical development and the growth of their readership that forced them to use their talents in multiple ways. The big cities awoke their interest in the social morals, the political and artistic events of their time, so much so that their reports from Paris or London become inspiration for certain novels. The three curious observers carried out research in the streets, at the same time creating a language based on reality and adapted both to the journalistic and the literary genre. From a pavement conversation in La Rue, Le Boulevard, Le Figaro or L'Événement illustré, they arrived at a modern conception of creation, certain aspects of which resemble the techniques used by the Impressionist painters and press illustrators of the "Second Empire". Beyond its social and historical meaning, the evolution of their careers thus highlights the importance of their work and the symbolic status of the writer and also reveals the impact of the first writings on the aesthetics of the three more "modern" novelists
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Kleltz, Françoise. "La figure du philosophe chez Platon et chez Aristote confrontée à l'image de la sagesse dans des œuvres littéraires antérieures." Paris 4, 1988. http://www.theses.fr/1988PA040052.
Full textAbstract:
Le sujet de ce travail est l'étude de la figure du philosophe chez Platon et chez Aristote confrontée à l'image de la sagesse dans des œuvres littéraires antérieures. Ainsi, l'objet de cette analyse n'est pas la réalité profonde de la sagesse ou de la philosophie, mais une réflexion sur leurs images. Cette recherche comporte trois parties: la figure de la sagesse chez les auteurs de fictions; l'image du philosophe conçue par Platon et Aristote; une présentation de la question posée par ces deux figures. Dans les œuvres littéraires, nous avons réuni les textes qui permettaient de préciser cette image chez Homère, Hésiode, Esope, Pindare, Eschyle, Sophocle, Euripide, Hérodote, Thucydide, Aristophane, Xénophon. Chez Platon et Aristote, nous avons ensuite examiné premièrement l'apparence extérieure du philosophe, c'est-à-dire sa figure et ses comportements; deuxièmement, ses relations avec "l'extérieur", donc sa manière de se confronter à la cité; enfin, ses relations avec ceux qui sont déjà sages, mais ne sont pas encore philosophes selon Platon et Aristote. Dans notre conclusion, nous avons tenté de mettre en place les grandes lignes d'une réflexion sur les problèmes soulevés par cette "incarnation" très anthropomorphique de la philosophie<br>The subject of this thesis is a study of the philosopher's appearance in Plato and in Aristotle compared to the wisdom's figure in anterior literature. Therefore, the matter of this analyze is not the wisdom and the philosophy considered from the point of view of their true nature, but a reflection on their images. There is three parts in that work: an analyze of the wise's figure for the authors of fictions; a presentation of the "character" of the philosopher in Plato’s and Aristotle’s texts; the questions revealed by these two figures. In the literary works, we have collected a selection of the texts which allowed to precise the image of the wisdom, then we have studied this problem successively in Homer, Hesiod, Aesop, Pindar, Aeschylus, Sophocles, Euripides, Herodotus, Thucydides, Aristophanes and Xenophon. Afterwards, in Plato and Aristotle, we have analyzed firstly the appearance and the behavior of the philosopher; secondly, his confrontation to the city; thirdly, his relationship with the people who are already wise but not completely philosopher according to Plato and Aristotle. In conclusion, we have tried to set the outline of the problem posed by the necessity of a "characterization" of philosophy
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Tine, François d’Assise Khéyane. "Figure allégorique de la maison, le trauma et l'abjection dans la production littéraire post-Nobel de Toni Morrison." Thesis, Montpellier 3, 2020. http://www.theses.fr/2020MON30010.
Full textAbstract:
Cette thèse analyse les cinq derniers romans de Toni Morrison, à savoir Paradise, Love, A Mercy, Home et God Help the Child. Cette étude cherche à explorer le topos de la maison/foyer (house/home) dans tous les sens du terme—y compris la représentation allégorique des Etats-Unis dans l’expérience noire américaine comme maison hantée par la violence raciale et sexuelle—pour interroger l’héritage de la violence masculine et politique ainsi que le trauma africain américain qui hantent la communauté noire. Si la maison est considérée comme le symbole d’un imaginaire psychique, au cœur des textes à l’étude réside le sens même de l’écriture de Morrison : transcender les blessures du passé, transformer et réimaginer la maison comme un espace de ressourcement et d’autonomie. En d’autres termes, malgré les expériences traumatiques qui ont fragilisées toute perception de la notion de home et d’appartenance, il appartient aux personnages de se reconstruire un réel chez soi et ainsi surmonter leurs traumas.S’inscrivant au carrefour des cultural studies et trauma studies, chaque chapitre de la thèse est consacré à l’étude d'un roman et se concentre sur l’écriture de l’altérité et de l’altérisation comme moyen pour mettre à nu la difficile relation qu’entretiennent les noirs américains avec les notions d’appartenance et de maison/foyer alors qu’ils s'efforcent de reconstruire un vrai foyer dans une terre d’animosité raciale profonde. S’appuyant sur les théories postcoloniales, le black feminism, la théorie de l’abjection, les études de genre et les théories gothiques, l’analyse des romans sélectionnés se penche sur les problèmes de rupture familiale, de rupture des communautés, de marginalisation socio-économique et les différentes formes d’exclusion et de violence genrée que les Africains Américains continuent d’endurer sur le sol états unien afin de mieux percevoir leurs traumas. En raison des déplacements forcés ou volontaires, de l’omniprésence de la violence intraraciale et des traumas résultant de la domination masculine et des carences affectives maternelles, les textes à l’étude illustrent que l’idée de home n’est que vague promesse pour bon nombre de noirs américains. Plutôt que de considérer le concept de maison/foyer comme un lieu purement géographique ou un espace physique, ce dernier doit être perçu comme un idéal imaginé qui permet une meilleure connaissance de soi. La déconstruction des notions mythifiées de masculinité et de race qui entravent toute conscience de soi et véritable croissance spirituelle est au cœur du projet littéraire de Toni Morrison<br>This dissertation analyzes Toni Morrison’s final five novels, namely Paradise, Love, A Mercy, Home and God Help the Child and seeks to explore the trope of home in every sense of the word—including the allegorical representation of the United States in the black American experience—as a house haunted by both racialized and sexualized violence to probe the legacies of masculine and political violence as well as the trauma of dispossession that haunts African Americans. Home has been considered as the symbol of psychic imagination and at the core of under scrutiny lies its power to generate healing: transcending the wounds of the past, re-envisioning and transforming the home into self-nurturing and self-validating place rely on the characters’ awareness of their traumas and on their deepening sense of personal responsibility. In other words, the literary texts under study maintain that, despite the characters’ traumatic experiences which have disrupted their notions of home and belonging, it is the characters’ endeavor and personal duty to reconstruct a real sense of home by working through their traumas.At the intersection of literary studies, cultural studies, and trauma studies, each part of the dissertation is devoted to the study of a novel and focuses on the writing of Otherness and the process of Othering as means by which Morrison explores the nightmarish yet complex relationship African Americans have experienced when it comes to home and belonging and how they endeavor to reconstruct a sense of home in a land of deep racial animus. Through the prism of postcolonial theories, black feminist thought, the theory of abjection, gender studies and gothic theories of race, Morrison’s later novels portray issues of broken families, ruptured communities, and socio-economic marginalization and force the reader to reconsider the different forms of exclusion and gendered violence African Americans continue to endure in the U.S. Because of traumatic displacements, the pervasiveness of intraracial violence and the traumas ensuing from any kind of domination, the texts under scrutiny contend that home is only a vague promise for many black Americans. I shall maintain that rather than a specific geographical or physical location, home must be regarded as an imagined ideal that enables healing and self-validation. Central to Morrison’s literary project is the deconstruction of idealized notions of manhood and race that impede self-awareness and true spiritual growth
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Robert, Maryse. "Tyran et magicien? : Représentation de la figure de l'empereur Julien dans les sources littéraires grecques, latines et syriaques de l'Antiquité tardive." Master's thesis, Université Laval, 2016. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26901.
Full textAbstract:
Même si les Humanistes et les Lumières tentèrent de réhabiliter le personnage de Julien l'Apostat, leurs tentatives furent somme toute vaines. En effet, encore au début du siècle dernier on parlait de l'Apostat sans même qu'il soit nécessaire de nommer Julien. Systématiquement, il était qualifié de suppôt de Satan, de magicien, d'impie pratiquant des sacrifices humains. Le présent travail se propose d'analyser l'évolution de la figure de l'empereur Julien durant les deux siècles qui suivirent sa mort, en 363, et se divise en trois chapitres. Le premier se concentre sur les faits historiquement attestés dans les différentes sources (épigraphiques, numismatiques, littéraires) au sujet de l'homme et traite des épisodes principaux de sa vie - sa naissance, son césarat, sa proclamation - sous la forme d'une analyse historique. Le deuxième étudie l'évolution de son image à travers les sources littéraires païennes et chrétiennes du IVe au VIe siècle, en analysant, dans un premier lieu, le portrait-bilan que les auteurs ont peint (portrait de Julien par lui-même ; portrait physique ; portrait psychologique). Le troisième chapitre est consacré au Roman syriaque de Julien l'Apostat et à l'étude du personnage désormais légendaire, où des extraits illustrant les thèmes du deuxième chapitre sont analysés. Le mémoire sert principalement à mettre en place le contexte des siècles précédant la mise par écrit du Roman.
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Habedank, Kraemer Ingeborg. "Les figures du dictateur dans le théâtre contemporain (Jules Romains, Armand Gatti, Peter Weiss, René Kalisky, Dieter Forte, Gaston Salvatore)." Toulouse 2, 2000. http://www.theses.fr/2000TOU20023.
Full textAbstract:
La premiere moitie du xxe siecle peut etre consideree comme l'ere des dictateurs en europe. Par contre, la fin du siecle ne confirme pas seulement l'ecroulement de ces systemes totalitaires, mais aussi la faillite morale et politique de ces ideologies utopiques. Ces dictateurs historiques sont discredites pour leur volonte de puissance absolue et pour leurs promesses chimeriques, ils sont denonces car ils ont cause un grand nombre de pertes humaines. Les dramaturges qui prennent ces personnages historiques et contemporains comme modeles pour leurs figures theatrales representent essentiellement deux aspects caracteristiques : les mecanismes de la seduction demagogique et les consequences terribles d'une << persuasion coercitive >>. Les pieces choisies montrent et les moyens de la mythification du dictateur et les souffrances humaines subies par la terreur totalitaire. Le theme central devoile l'imposture de ces personnages, divinises pendant leur regne. Certes, les procedes de demythification varient d'un dramaturge a l'autre, mais leur souci commun consiste a condamner le portrait d'une figure sacree. Le persiflage et la derision participent d'une maniere efficace a ridiculiser la figure toute puissante. Les dramaturges revelent derriere l'image mythique un homme banal et mortel, un menteur criminel et un faux prophete avec ses faiblesses et ses incapacites. Les pieces n'insistent pas seulement sur la falsification de la realite par la propagande mensongere, mais aussi sur l'elaboration systematique d'un personnage divinise. Si les dramaturges negligent certains elements reels et simplifient la complexite politique, ils soulignent pourtant une complicite irrationnelle entre la volonte du dictateur et l'attente d'un peuple abuse. Cette magie charismatique est denoncee par l'analyse de divers aspects typiques : la vacuite du dogme politique, la persuasion indirecte par le symbolisme omnipresent, par le culte du dictateur, par l'exploitation de l'art au service du systeme. Cependant, la representation de la monstruosite de ces figures totalitaire et leur surveillance policiere du caractere terroriste a travers le calvaire des adversaires, des exclus, des ennemis reste le theme central du theatre politique. La destruction de la figure ne peut pas effacer les pertes humaines, la degradation des valeurs et le deperissement de la liberte.
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Marciset, Pierre-Adrien. "Les horizons du diable : Une étude herméneutique de la figure littéraire du diable, notamment au travers du mythe de Faust." Thesis, Université Côte d'Azur, 2020. http://www.theses.fr/2020COAZ2029.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour objet de proposer une lecture herméneutique des apparitions cycliques de la littératité du diable, notamment au travers de l’un de ses foyers récurrents d’activité : le mythe de Faust. Il s’est agi de tenter de trouver dans cette récurrence un phénomène qui ne fût pas une coïncidence, en tant que chacune de ses occurrence s’est déployée simultanément d’un effondrement des modes de représentation religieux, philosophiques et littéraires qui président à ce que Blumenberg appelle la « lisibilité du monde ». Dès lors, nous sommes partis du potentiel signifiant de la figure néotestamentaire du diable afin de proposer une décomposition en quatre perspectives (complémentaires mais distinctes), avant de nous pencher sur les usages exploités dès le XVIe siècles avec les premières apparitions de la littérarité du mythe de Faust. Nous avons pu nous étendre sur une certaine dimension du genre romantique, avant de nous attacher à rechercher les implications ontologiques et phylogénétiques de cette figuration littéraire pour les conditions de travail et d’actualisation des conditions formelles de la conscience et de cette « lisibilité du monde », dont nous avons choisi de parler sous le thème d’une « activité cosmo-téléologique ». Ce travail de fond, ancré dans une analyse d’éléments récurrents fonctionnants comme autant de noyaux du travail des systèmes de représentation dans le mythe de Faust (des « mythèmes »), nous a ensuite permis de réfléchir aux perspectives déployées vis-à-vis de question aussi fondamentales que celle d’une « définition » du Mal (comme phénomène structurel décomposable), du rapport entre cosmos et chaos, et aux déterminations de toute activité dynamique du mythe, à la querelle néoplatonicienne entre Unité et Multiplicité, au concept du mouvement entre angoisse et liberté (que nous avons appelé le « principe d’ambivalence », au titre d’un moteur existentialiste dans l’Histoire des Idées), et enfin, par exemple, des relations épistémologiques et conceptuelles induites par l’appropriation croissante de la figure du diable, depuis le théologème originel peu déterminé jusqu’à l’usage moderne du diable comme « personnage », voire comme support d'un « ego expérimental ». In fine, il est peut-être paru que le diable paraissait en littérature à la veille de chaque grande charnière et qu’il servait de machine de siège employé par les différents acteurs de l’Histoire des idées pour faire tomber le paradigme épistémologique dominant afin de laisser la place à la revitalisation des conditions formelles et matérielles du rapport à la connaissance<br>The purpose of this thesis is to offer a hermeneutical reading of the cyclical appearances of the literateness of the devil, in particular through one of its recurring centers of activity: the myth of Faust. It was a trying to find in this recurrence a phenomenon which was not a coincidence, insofar as each of its occurrences was deployed simultaneously from a collapse of the religious, philosophical and literary modes of representation which preside over the what Blumenberg calls "readability of the world". Therefore, we started from the signifying potential of the New Testament figure of the devil in order to propose a breakdown into four perspectives (complementary but distinct), before looking at the uses exploited from the 16th centuries with the first appearances of the literary nature of the myth, by Faust. We were able to expand on a certain dimension of the romantic genre, before focusing on researching the ontological and phylogenetic implications of this literary figuration for the working conditions and the updating of the formal conditions of consciousness and of this “readability of the world”, which we have chosen to speak under the theme of “cosmo-teleological activity”. This in-depth work, anchored in an analysis of recurrent elements functioning as so many cores of the work of representation systems in the myth of Faust (of the “mythemes”), then allowed us to reflect on the perspectives deployed vis-à-vis questions as fundamental as that of a "definition" of Evil (as a decomposable structural phenomenon), of the relationship between cosmos and chaos, and of the determinations of any dynamic activity of the myth, of the Neoplatonic quarrel between Unity and Multiplicity, of the concept of movement between anguish and freedom (that we have called the “principle of ambivalence”, as an existentialist motor in the History of Ideas), and finally, for example, epistemological and conceptual relations induced by the growing appropriation of the figure of the devil, from the undetermined original theologem to the modern use of the devil as a “character”, even as a support for an “experimental ego”. Ultimately, it may have appeared that the devil appeared in literature on the eve of each great hinge and that he served as a siege machine employed by the various actors of the History of Ideas to bring down the dominant epistemological paradigm in order to to leave room for the revitalization of the formal and material conditions of the relationship to knowledge
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Bonnamy, Chloé. "La construction littéraire d’une figure féminine exceptionnelle : étude autour du personnage de Jeanne d’Arc au XVe et début du XVIe siècles." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26330.
Full textAbstract:
Le portrait de Jeanne d’Arc tel que nous le connaissons de nos jours résulte d’un processus de création littéraire, qui trouve sa genèse à l’époque du XVe et début du XVIe siècle. Étroitement liée au contexte historique et social qui l’a vue naitre Jeanne d’Arc a été une réelle icône féminine, et n’a laissé indifférent aucun de ses contemporains au crépuscule de la Guerre de Cent ans. En effet, elle a joué un rôle majeur dans la guerre civile pour le trône de France entre les Armagnacs qui défendent le futur Charles VII et les Bourguignons qui se sont alliés aux Anglais pour soutenir leur souverain. La personne historique a été profondément métamorphosée dans sa transposition dans les œuvres littéraires par l’entrelacement d’une pluralité de discours : polémiques, moraux et normatifs d’une part, topiques et esthétiques d’autre part. Ces différentes influences vont façonner au gré des controverses sur l’image féminine et des discours politiques polémiques, un personnage littéraire de femme-chevalier puis une figure héroïque chrétienne. Le personnage de la Pucelle connait un tel succès qu’il est au fur et à mesure transcendé au rang mythe politico-héroïque, puis réinvesti dans les siècles qui suivirent comme symbole par le nationalisme français. À travers l’étude comparée d’un corpus de textes contemporains et immédiatement postérieurs à Jeanne d’Arc, qui comprend des poèmes lyriques, des textes narratifs, une pièce théâtrale et des chroniques, nous chercherons à relever les différents mécanismes de construction littéraire qui façonnent la figure féminine exceptionnelle que représente la Pucelle d’Orléans. Mots-clés : Construction littéraire - Personnage fictif - Images-types - Discours - Portraits - Femme-chevalier - Mystique - Preuse - Idéologie - Partisanerie - Armagnacs - Bourguignons - Jeanne d’Arc - Mythe - Symbole politique.<br>The representation of Joan of Arc that we are familiar with nowadays results from a literary process, which finds its genesis from the XVth and beginning of XVIth centuries. Closely bound to the historical and social context of the Maid, Joan of Arc was already a real feminine icon, to which none of her contemporaries was indifferent, at the end of the Hundred Years War. Indeed, she played a crucial part during the civil war for the throne of France, desired by Charles supported by the Armagnac, and the sovereign of England to whom the Bourguignon allied with. Moreover, the historical person had been deeply transformed during her transposition on literary works, because of the interlacing of several discourses: polemical, normative and moral on one hand, topical and aesthetic on the other hand. Those several influences will shape following the controversies over feminine image and polemical political discourses, first a fictional literary character as a female-warrior then as a Christian heroic figure. The success of the character of the Maid is such that it is transcended as a political-heroic myth, then reinvested in the next centuries by the French nationalism as a political symbol. Through comparative study of several works of the century of Joan of Arc gathering lyrical poems, narrative works, play and chronicles, we will look for the different mechanisms of literary construction that shapes the Maid of Orleans as an outstanding feminine figure. Keywords: Literary construction - Character - Commonplaces - Discourses - Portrayals - Female-warrior - Mystic - Preuse - Ideology - Polemic - Armagnac - Bourguignon - Joan of Arc - Myth - Political symbol.
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Tanimoto, Michiaki. "La figure du conteur chez Balzac." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCC219/document.
Full textAbstract:
Qu'est-ce que le talent du conteur, sinon tout le talent ? Telle est la phrase lancée par Philarète Chasles dans son Introduction aux Romans et contes philosophiques, en 1831. En effet, malgré‚ la réputation de romancier qu'on lui fera plus tard, Balzac a d'abord une nette préférence pour le conte. Son identité auctoriale se place sous le patronage de grands conteurs tels que les Arabes inconnus des Mille et Une Nuits, Boccace, Rabelais, La Fontaine et Sterne. Si Balzac s'inscrit dans la tradition du genre avec La Dernière Fée (1823) et une série de Contes drolatiques (1832-1837), avec les Romans et contes philosophiques (1831), les Contes bruns (février 1832), et les Nouveaux Contes philosophiques (octobre 1832), il vise plutôt à une rénovation du genre à sa manière. Il s'agit ici de retracer l'image du conte dans le premier tiers du XIXe siècle, et le parcours de Balzac par rapport à ce genre, depuis sa jeunesse jusqu'au début des années 1830. A travers plusieurs enquêtes sur la publication de contes en livre et dans la presse, un panorama bibliographique est dressé. Sont envisagés ensuite les travaux et les jours du Balzac conteur dans une période marquée par la mode du conte, mais aussi par le changement de la situation socio-économique qui conditionne la vie des écrivains. Chez Balzac, le conte n'est pas un genre uniforme et fixé‚ mais conçu et pratiqué‚ comme un genre souple et multicolore qui peut accueillir la variété formelle, thématique, du ton et du style. Dans son désir de s'identifier avec ce genre, Balzac se façonne une figure de conteur, dont on propose ici l'histoire depuis son origine jusqu’à sa disparition précoce vers la fin de 1832<br>"What is the talent of the 'Conteur', if not that of all talents combined ?" writes Philarète Chasles in his forward to Romans et contes philosophiques published in 1831. Although Balzac is best known as a novelist, he himself greatly admired the genre known as the "conte". Balzac traced a great deal of his own literary identity to the "grands conteurs" he considered his patrons such as Boccaccio, Rabelais, La Fontaine, Sterne and "the anonymous authors of The Arabian Nights". If in La DerniŠre Fee and Contes drolatiques Balzac confronts the traditions of this genre, his Romans et contes philosphiques, Contes bruns and Nouveux Contes philosohpiques represent instead an attempt to reform the "conte" in his own style. This thesis re-examines the "conte" as it was written in the first decades of the 19th century and traces the course of Balzac's literary development vis a vis this genre from his "youthful period" until the first years of the 1830s. Through a survey of books and literary magazines, I give a bibliographic survey of various "contes" published during this time. I also examine the daily work and life of Balzac during these years : a time not only of immense popularity for the "conte" within literary circles, but also one of changing socio-economic conditions for writers in general. Balzac envisaged the "conte" not as fixed genre, but as one of great flexibility and iridescence capable of accommodating a variety of styles, tones, and themes. Through his close identification with this genre, Balzac styled himself above all as a "conteur", an identity which this thesis traces from its earliest formulations until its precocious dissolution near the end of 1832
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Aguettaz, François. "Le lecteur et ses figures : le lecteur de poésie et son imaginaire de la lecture." Chambéry, 1995. http://www.theses.fr/1995CHAML001.
Full textAbstract:
Pour le lecteur de poésie, l'efficacité de sa lecture dépend, dans une large mesure, de son imaginaire de la lecture, c'est-à-dire des représentations qu'il a de lui-même en tant que lecteur. Ces représentations, - ces figures -, sont en effet des foyers d'énergie propres à déclencher des dynamiques diverses dans le processus de la lecture. A ce titre, elles peuvent aussi bien inhiber le lecteur si elles sont négatives, que le stimuler si elles lui renvoient une image positive de lui-même. Fort communes au demeurant, ces figures ont trop souvent perdu de leur pouvoir de stimulation pour avoir été réduites à l'état de clichés ou de lieux communs. Mais de nombreux lecteurs savent y puiser une force vive qui dynamise leur lecture. La description de ces figures (lecture à clefs, lecture-cueillette ou chasse, lecture-voyage, lecture-quête initiatique) permet d'une part d'explorer quelques dynamiques fondamentales (dynamiques d'ouverture, de prédation, de parcours ou de quête), et d'autre part de mettre en évidence, dans ses diverses facettes, la créativité spécifique du lecteur : production de représentations du monde nouvelles, production d'ordre ou destruction de structures sclérosées, élaboration d'outils, élévation de l'oeuvre au statut de quasi-sujet, régénération de l'énergie vitale et enfin créativité figurale. Le processus de lecture, tel qu'il est vécu par le lecteur réel, est alors éclairé dans toutes ses dimensions d'"expérience vive", et, loin d'être réduit à une simple opération intellectuelle, il devient le moyen d'accéder à la connaissance poétique<br>For the reader of poetry, the effectiveness of his reading largely depends on his own imagination of reading, that is to say, his perception of himself as a reader. This perception - this representation - is in fact a source of energy likely to produce various dynamics in the process of reading. In this respect, it can either inhibit the reader if it is a negative perception, or stimulate him if it reflects a positive image of himself. This representation which is extremely habitual in fact, has frequently lost its power of stimulation because it has been reduced to cliches or commonplaces. But many readers know how to draw a vivid stimulus which revitalizes their reading. The description of this representation (for example, reading as a picking, hunting, travelling), on one hand allows to explore a few fundamental dynamics (dynamics of opening, preying on, travelling over, or initiatory quest) and, on the other hand to emphasize, in its various aspects, the specific creativity of the reader : production of new perceptions of the world, production of order or destruction of fossilized structures, development of instruments, regeneration of vital energy and finally creation of a representation. The process of reading, such as it is experienced by the real reader, is then enlightened in all its dimensions of profound experience, and, for from being limited to a mere intellectual operation, it becomes the way to achieve poetical knowledge
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Aubin, Maxime. "Créer et se créer : La figure de l'homosexuel créateur dans la dramaturgie québécoise depuis 1980." Thesis, Université Laval, 2009. http://www.theses.ulaval.ca/2009/26193/26193.pdf.
Full textAbstract:
Ce mémoire tente de brosser un portrait de la figure de l’homosexuel créateur dans la dramaturgie québécoise depuis 1980. À travers l’examen de neuf pièces représentatives de ce corpus, il s’agit ainsi de démontrer en quoi l’expression de l’identité sexuelle des personnages est liée à la création (théâtre, écriture). En analysant comment les personnages homosexuels de ces pièces sont soumis au regard de la société, notamment en ce qui a trait à l’importance accordée aux rôles généralement dévolus aux genres (masculin/féminin), notre travail cherche à dégager l’influence de la condamnation de l’homosexualité dans le processus d’affirmation de l’identité sexuelle de ces personnages. Il s’agit ainsi d’étudier le mouvement qui mène de l’assignation d’un rôle déterminé à la réinvention de soi. Par ailleurs, le regard diachronique que propose ce mémoire permet d’observer la transformation de la représentation de la figure de l’homosexuel qui s’est opérée dans la dramaturgie québécoise depuis 1980.
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Songoulachvili, Catherine. "Les figures de l'animal chez Marcel Aymé et Mikhaïl Boulgakov." Clermont-Ferrand 2, 2008. http://www.theses.fr/2008CLF20002.
Full textAbstract:
Multiples sont les approches qui nous conduisent à imaginer, à écrire et à penser l'animal. Cette créature non humaine est, depuis toujours, l'objet d'"une énigme plus gênante" (Georges Bataille) que l'être humain tente de deviner, de percer ou de définir. En effet, l'animal l'amuse et le dérange, l'intrigue et le préoccupe au point de le troubler, de lui imposer une réflexion sur lui-même et sur autrui, car l'"animal prochain" (Florence Burgat) et "part maudite" (Georges Bataille) de l'homme refuse constamment d'être regardé comme une chose. Il se veut irrationnel et d'un esprit suprême, celui "de l'immanence et de l'immédiateté" (Georges Bataille). Image de notre intimité humaine, perturbateur de nos esprits, expression de nos subversions grotesques, outils de perversion, l'animal comme personnage principal est une représentation de soi et de celle de l'être humain. Dans un contexte culturel et philosophique, le symbolisme et le réalisme animaliers ouvrent ainsi une autre perspective à la fiction et à l'imagination humaine. La production littéraire qu'elle soit française ou russe intègre l'animal comme leitmotiv, comme un sujet central, à travers lequel Marcel Aymé et Mikhaïl Boulgakov exposent une parodie de la comédie humaine. De plus, instrument de l'imagination, moyen d'expression, l'animal, outre son rôle de domination et de possession, est perçu comme un reflet de nos préoccupations, de nos désirs, de nos ambitions. Mais il est surtout celui qui nous lie à notre passé et nous rappelle notre appartenance culturelle ou sociale. Par ailleurs, l'animal peut aussi être révélateur de l'identité collective, tout en posant des questions d'exclusion et d'inclusion. Ecrire et imaginer l'animal, mais aussi définir sa fonction et sa signification "poétique", permettent à Marcel Aymé et Mikhaïl Boulgakov d'aller au delà de la simple représentation naturaliste, de la simple tradition animalière tout en transgressant l'ordre réel et imaginaire. Il s'agit pour eux de montrer une présence animal qui oscille entre réalité et symbole, allégorie et métaphore, histoire et mythocritique, passé et présent. De fait, grâce aux différents procédés d'écriture, le réalisme fantastique de Mikhaïl Boulgakov et le réalisme magique de Marcel Aymé, d'une part soulèvent les interdits, les tabous et les inhibitions et, d'autre part, dénoncent les abus et les travers de la société humaine où les différentes figures de l'animal demeurent, avant tout, l'accessoire des fictions littéraires russes et françaises
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Raimbault, Elodie. "Figures de l'espace et de la frontière dans la fiction de Rudyard Kipling." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030128.
Full textAbstract:
Voyageur durant toute sa vie, connaisseur de l’Inde, des États-Unis, de l’Afrique du Sud et du Sussex, défenseur de l’Empire britannique quand sa stabilité territoriale est menacée, Rudyard Kipling possède une expérience de l’espace mondial directe et physique qu’on retrouve problématisée sur les plans thématique, narratif et stylistique dans sa fiction. La notion de frontière produit à tous niveaux des relations de différentiation et d’opposition mais aussi de contact et d’échanges : le voyage se fait conquête, aventure ou vagabondage, le rapport à l’espace est politique ou poétique. L’espace impérial est nécessairement délimité et Kipling conçoit un Empire agent fédérateur d’une mosaïque de nations. Stylistiquement, la phrase de Kipling parvient de même à fédérer des langues et registres variés sans nuire à l’unité textuelle et la narration se fonde sur l’articulation entre les éléments individuels et l’ensemble. L’instance narrative crée des lignes de convergence qui relient entre eux les récits en créant des réseaux d’œuvre à œuvre, aboutissant à la construction partielle d’un monde cohérent et à une possibilité d’ouverture dans cet espace balisé. L’économie interne des œuvres les révèle en tant qu’objets composites et unifiés, faisant jouer poèmes et illustrations au sein de recueils de nouvelles, intrigue principale et micro récits dans les romans. Le texte est figuration à part entière lorsqu’il inclut une carte annotée et qu’il crée un espace typographique signifiant et moderne. Mettant en regard l’espace représentant et l’espace représenté, l’agencement du texte et celui du monde narratif qu’il peint, l’espace littéraire kiplingien fonctionne de façon dynamique<br>Rudyard Kipling was a traveller all his life and a champion of the British Empire at the time when its territorial stability was put at risk; he knew India, the U.S.A., South Africa and Sussex intimately. His direct and physical experience of the globe frames the thematic, narrative and stylistic characteristics of his novels and short story collections. Through the notion of borderline, relationships of differentiation, opposition, contact and exchange are built up thematically, in the narrative and in the style: the traveller is represented as a conqueror, an adventurer or a wanderer and global space is apprehended either politically or poetically. Imperial space is necessarily delineated and Kipling conceives of an Empire federating a mosaic of nations. Likewise, Kipling’s sentences stylistically patch up diverse languages, dialects and registers without endangering their textual unity and his narration hinges on the relation between separate elements and the whole text. The narrative authority creates converging lines between stories and networks appear between books, building up a coherent fictional world which suggests the possibility of an opening in this highly demarcated space. In their internal organisation, the books are at once composite and unified, the main narrative interacting with poems and illustrations in the short story collections and with micro narratives in the novels. Text becomes truly figurative in the annotated maps and when the typographical space is modern and significant. Kipling’s literary space dynamically confronts physical territories and a linguistic representative space, the textual organisation and the narrative world it depicts
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Morel, Olivier. "Cosmopolitan zone : figures juives, étrangers, immigrés et cosmopolites dans l'espace berlinois de Imre Kertész, George Tabori, Wladimir Kaminer et Zafer ̧ Senocak." Paris 8, 2010. http://octaviana.fr/document/15018560X#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
La littérature de l'étranger, l'étranger dans la littérature, la littérature de l'immigré ou des descendants d'immigrés, l'histoire de l'hôte dans la littérature et les enjeux de l'hospitalité littéraire, le refuge de la littérature ou dans la littérature, la domesticité et la cité littéraire, l'ouverture de la littérature à l'étranger tout comme l'étrangèreté de la littérature : c'est autour de ces notions aux accents divers et aux formulations voisines, à la fois, que s'organise ce travail. Qu'arrive-t-il à une littérature dite "nationale", lorsqu'elle est marquée, aujourd'hui et plus que jamais, par l'extranéité, par l'arrivée de l'étranger, par la condition de l'autre, du non-autochtone, de l'immigré, de l’exilé ou du réfugié ? Il y a un devenir cosmopolite qui fait arriver à la littérature quelque chose qui la travaille aussi diversement depuis l'origine, au cœur de sa provenance historique. C'est en Allemagne que le concept de Weltliteratur a vu le jour. Le devenir cosmopolite, la mondialisation littéraire de la capitale allemande actuelle, Berlin, forment un carrefour d'enjeux. Sous ce motif spatial (étendue) et capital (propriété, ville) — monde, avoir-lieu de l'étranger, appartenance, Berlin, etc. — il est toujours question du lieu de la littérature : que se passe-t-il entre la littérature et le lieu, où la littérature a-t-elle lieu, la littérature a-t-elle lieu ? L'espace littéraire berlinois de Imre Kertész, George Tabori, Wladimir Kaminer et Zafer Şenocak sera la source primordiale de l'étude, portant sur la période 1999-2007<br>The foreigner's literature, the foreigner in literature, the literature of the immigrant, the history of the guest in literature and the stakes of literary hospitality, literature's refuge or refuge in literature, literature's domesticity and city, the openness of literature to the stranger as well as the strangeness of literature: this work focuses on these notions and their various accents. What happens to a so-called “national” literature when it is marked, today, more than ever, by the exteriority, by the foreigner’s arrival, by the condition of the other, of the non-domestic of the immigrant, the exile or the refugee? There is a cosmopolitan becoming that has influenced literature in its variety since its own origin, in the core of its historical provenance. The concept of world literature (Weltliteratur) appeared in Germany. The cosmopolitan becoming and the literary globalization of today’s capital of Germany, Berlin, constitute the intersection of this research. In other words, these spatial (extension) and capital motives (property, city) — world, space of the foreigner, belonging, city, Berlin — raise the question of the location of literature: where is literature’s place in today's world? Imre Kertész, George Tabori, Wladimir Kaminer and Zafer Şenocak’s literary spaces are the main focus of this study of their work from 1999 to 2007
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Gaucher, Sarah. "La représentation de Lucilius chez Cicéron et Varron : influence des contextes et des pratiques de la citation sur la construction d'une figure littéraire." Thesis, Lyon, 2018. http://www.theses.fr/2018LYSEN066.
Full textAbstract:
Face à l’œuvre fragmentaire de Lucilius, la recherche s’appuie souvent sur le témoignage d’Horace pour caractériser le primus inuentor. En étudiant les citations de Lucilius chez Varron et Cicéron, nous avons un double objectif : déterminer dans quelle mesure la représentation qu’Horace donne de Lucilius est tributaire de la première réception de son œuvre ; plus largement, étudier l’impact du processus de citation sur la construction d’une figure littéraire, la sélection de certains passages, la réorientation de leur sens et l’insistance sur un aspect de l’œuvre. L’étude du contexte des citations de Lucilius chez Cicéron permet de conclure que le satiriste est avant tout pour l’Arpinate le chantre de la libertas uerborum. Une telle caractérisation se retrouvera chez Horace et plusieurs chercheurs l’associent au contexte de la fin de République. Notre thèse montre cependant qu’Horace, lorsqu’il évoque le franc-parler de son prédécesseur, est en grande partie tributaire d’une construction déjà engagée à l’époque républicaine. Les citations de Cicéron font aussi de Lucilius un poeta doctus et urbanus. Reprenant les conclusions des différents travaux sur l’urbanitas, notre travail éclaire la manière dont cette représentation parvient à s’accorder chez Cicéron avec celle d’un Lucilius liber. Il s’interroge également sur les raisons pour lesquelles la doctrina de Lucilius, mise en lumière par les citations de Cicéron, n’a pas été retenue par l’immédiate postérité. Partant enfin de l’association faite par Horace entre le genre satirique et le sermo, notre étude s’intéresse aux liens établis à l’époque républicaine entre la figure de Lucilius et différents types de sermo (cotidianus, comicus, Platonis et Bioneus). Horace n’est pas directement tributaire de Cicéron et Varron, mais leurs citations, en créant un réseau d’associations, ont favorisé une telle représentation du genre<br>Given the fragmentary nature of Lucilius’ works, scholars often rely on Horace’s testimony to describe the primus inuentor. In studying Lucilius’ quotes in Varro’s and Cicero’s writings, we hope to achieve a twofold objective. First, we aim to determine to what extent Lucilius’ depiction by Horace owes to the reception of the former’s œuvre. Then, more broadly, we will analyse the influence of the quotation process on the establishment of a literary figure, the selection of some passages, the change in meaning and the emphasis on a specific features of Lucilius’ work. Quotes of Lucilius by Cicero show that the satirist was in the Arpinate’s opinion above all a figurehead of libertas uerborum. Horace gives a similar portrayal of Lucilius, which academics associate with the context of the end of the Republic. Nevertheless, our thesis argues that, when stressing Lucilius’ outspokenness, Horace adopts a process dating back to the Republican era. Moreover, Cicero makes of Lucilius a poeta doctus et perurbanus. Drawing upon works on the urbanitas, our thesis gives an insight into the way that picture attunes with that of Lucilius liber in Cicero’s works. We also address the issue of omission: why is Lucilius’ doctrina, put into limelight by Cicero, overlooked by immediate posterity? Building on the bond between satirical genre and sermo according to Horace, our thesis dwells eventually on the relationship between Lucilius’ figure during the Republican age and several variations of sermo (cotidianus, comicus, Platonis and Bioneus). Horace is not dependent on Cicero and Varro per say but their quotations act as a system of cross-references, enabling in the end such a view on the genre
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Vachon, Karine. "L'émergence de nouvelles maisons d'édition littéraire au québec (2000-2010) : stratégies sur le web et les réseaux sociaux." Mémoire, Université de Sherbrooke, 2012. http://hdl.handle.net/11143/6538.
Full textAbstract:
Les années 2000-2010 ont été marquées par la popularité grandissante du web et des réseaux sociaux, mais aussi par l'émergence d'une trentaine de nouvelles maisons d'édition littéraire au Québec. Un certain nombre d'entre elles ont réussi à se démarquer, notamment en dévoilant des auteurs qui ont remporté des prix littéraires et en obtenant une réception critique fort envieuse. Intriguée par cette réalite, j'ai choisi de consacrer mon mémoire de maîtrise au phénomène d'apparition de nouvelles maisons d'édition littéraire québécoises et à leur utilisation du web. Il m'a semblé que le fait de maintenir à jour un site web et d'être actifs sur les réseaux sociaux Facebook et Twitter offrait l'occasion aux nouveaux éditeurs de développer des initiatives promotionnelles leur permettant d'acquérir une plus grande visibilité dans le paysage littéraire du Québec, de se constituer une communauté de lecteurs et d'accroître leur capital symbolique. Le présent mémoire comprend, dans un premier temps, une étude du phénomène d'émergence de nouvelles maisons d'édition littéraire au Québec de 2000 à 2010. Je me suis ensuite consacrée au cas de trois maisons d'édition -- Alto, Le Quartanier et Marchand de feuilles -- pour analyser, dans un deuxième temps, leur site web. Puis, dans un troisième temps, j'ai étudié leur utilisation des réseaux sociaux Facebook et Twitter. Au final, il m'est apparu que sans être totalement innovatrices, les stratégies de promotion, de représentation et de réseautage développées sur le web et les réseaux sociaux permettent aux nouveaux éditeurs de se construire une image de marque forte, de susciter l'intérêt d'une communauté de lecteurs, d'atteindre une notoriété dans le champ littéraire québécois et d'accumuler du capital symbolique.
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Bruley, Pauline. "Le "ton antérieur" : rhétorique et style dans la prose de Charles Péguy." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040239.
Full textAbstract:
Issu d'une génération formée à la rhétorique, Péguy s'est révolté contre ce cadre d'écriture formel, tout en restant fidèle à l'esprit des humanités. Son attitude présente un grand intérêt : contemporaine des réformes de l'enseignement, elle contribue à définir la définition moderne d'un style singulier, certes inspirée du classique, mais en s'opposant aux méthodes nouvelles des positivistes. Il s'agit en même temps de répudier la rhétorique politique. Péguy refuse l'orgueil des démonstrations toutes faites. Mais l'inquiétude et la recherche ne le dispensent pas d'une puissante éloquence. Marqué par l'enseignement du goût pour la simplicité, Péguy convertit la convenance rhétorique en justesse éthique et esthétique. Son retour paradoxal aux sources littéraires permet une représentation audacieuse de la réalité. L'enjeu de son style est de dévoiler l'ordre secret du réel. En effet, il s'agit pour Péguy de rendre son relief et ses formes à un monde où il ne trouve plus que platitude et abstraction. L'ancien aptum exprime alors la grandeur cachée de tout élément du monde, s'il est investi dans le drame des retrouvailles avec l'origine et la voix divine. Péguy participe au renouvellement de la littérature spirituelle et du style sublime au début du XXe siècle, par sa familiarité avec le sacré. Son style se fait dès lors figure, véritablement incarnée, et non pas écriture autonome, ni lettre pétrifiante<br>Belonging to a generation that had learnt rhetorics, Péguy revolted himself against such formal writing pattern, while remaining faithful to the spirit of ancient humanities. His reaction is mostly interesting, in so far as it takes place among the modern definitions of a style of one's own, even if inspired by the classical taste, but in opposition to the manner of the positivists. Péguy also rejected the eloquence of politicians. He refused the self-assurance of ready-made demonstrations. But his anxiety and perpetual research didn't imply a lack of eloquence. Influenced by the everlasting notion of simplicity, he converted the rhetorical convenance into an ethic as well as esthetic accuracy. Péguy's paradoxical way back to the sources of literature leads to an inventive representation of reality. Then, the style tends to reveal the secret order of reality. Indeed he intends to render its forms and dimensions to a world in which he feels surrounded by platitude and abstraction. The ancient criterium of aptum is induced to convey the hidden greatness of each piece of reality that becomes involved into the dramatic search for the origin and the godly voice. Hence he takes part in the revival of spiritual literature and of the sublime at the beginning of XXth century, in being familiar with the divine. Péguy's style become a figure, really incarned, far from the lethal power of the letter and of an enclosing autonomy
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Apostol, Silvia Adriana. "Le fantastique littéraire en France et en Roumanie. Quelques aspects au XIXe siècle : une rhétorique de la (dé)construction ?" Phd thesis, Université Paris-Est, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00686613.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d'analyser le fantastique littéraire en France et en Roumanie par une méthode double : l'histoire des influences et des transferts culturels (approche diachronique) et l'étude de certains aspects communs aux textes fantastiques identifiés dans la poétique de la (dé)construction (approche synchronique).Le corpus comprend des contes fantastiques provenus des espaces littéraires du XIXe siècle français (Mérimée, Gautier, Maupassant, Villiers de l'Isle-Adam ou Barbey d'Aurevilly) et roumain (Mihai Eminescu, Ion Luca Caragiale, Gala Galaction et Mateiu Caragiale). Bien que certains récits de ces derniers dépassent de peu le cadre strictement temporel du XIXe siècle, le choix est motivé par un certain décalage temporel entre les deux littératures, par l'appartenance de ces écrivains à une première étape du fantastique littéraire roumain et, dans le cas de Mateiu Caragiale, par l'intertextualité explicite avec Le rideau cramoisi de Barbeyd'Aurevilly.L'étude prend comme fil conducteur l'idée de (dé)construction, prise non pas dans le sens philosophique de la méthode déconstructionniste conçue par Derrida, mais dans la lignée de la thèse formulée par Irène Bessière, notamment le double mouvement qui traverse le récit fantastique, la construction et la déconstruction d'univers.Dans la première partie, la (dé)construction est rapportée au niveau de l'onomastique du fantastique (histoire du mot et de ses dénominations), car le terme " fantastique " est associé aux récits d'Hoffmann dans la traduction fautive de Loève-Veimars et un discours théorique et critique est construit à partir de Charles Nodier. La (dé)construction est aussi envisagée du point de vue de l'identité du fantastique en tant que genre littéraire. D'un côté, le fantastique puise ses sources, surtout thématiques, à la matière des mythes, des textes religieux, des croyances populaires, des légendes, des idéologies, des progrès scientifiques, etc. De l'autre côté, le remaniement fantastique (sa poétique) consiste à construire un " rapport fantastique " entre le réel et les autres éléments généralement considérés comme surnaturels, invraisemblables ou impossibles donnés pourtant comme sérieux, perceptibles et donc possibles.La deuxième partie déroule un panorama d'histoire littéraire comparée franco-roumaine, où sont mises en question deux figures étrangères, Hoffmann et Poe, ainsi que les particularités de l'émergence du fantastique dans la littérature française et dans la littérature roumaine, liées au romantisme dans les littératures ouest-européennes, et au légendaire et au magique dans la littérature roumaine. On parle de (dé)construction des modèles étrangers - jeu de traduction chez Ion Luca Caragiale, imitation chez Nicolae Gane, etc. - et de construction d'un discours fantastique autochtone.La troisième partie analyse quelques aspects qui caractérisent la rhétorique du fantastique, en soulignant les procédés par lesquels l'art de la persuasion se manifeste paradoxalement tant comme garantie que comme sape des stratégies textuelles : la littéralisation des figures au niveau de la fiction ; l'hypervisibilité des figures (l'hyperbole, l'hypotypose) ; le résidu littéral du discours figuré en tant que principe de suggestion du surnaturel, l'objet en tant qu'indice réaliste et support des " déviations " fantastiques