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Dissertations / Theses on the topic 'Gerhard (1932-....)'
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Panier, Eddie. "Usage de la photographie dans le régime de l'oeuvre de Gerhard Richter : essai sur l'oscillation du regard." Valenciennes, 2008. https://ged.uphf.fr/nuxeo/site/esupversions/f54d3fec-6728-413e-be01-016b5933f7c0.
Full textAbstract:
La production de Gerhard Richter est complexe et hétérogène. Si les interprétations de ces caractéristiques sont convaincantes dans le champ pictural, elles sous-estiment souvent l’usage de la photographie. Celle-ci ne se contient pas dans un simple rapport de la reproduction. Elle engage au contraire une reconsidération des œuvres de l’artiste dans l’ensemble que constituent les peintures, les éditions et l’Atlas. L’hypothèse de cette étude consiste en une confrontation de ces différents modes de production afin de faire apparaître une circularité des images, amenant à une oscillation du regard. En examinant les trente premières années de l’invention de la photographie et en réévaluant l’importance de celle-ci dans les avant-gardes du XX° siècle, il est possible de construire un itinéraire différent d’une opposition établie entre l’autonomie de la peinture et fonction indicielle dominant notre époqueGerhard Richter’s production is both complex and diverse – two characteristic features that have been convincingly commented on by critics interested in his pictorial work. Less convincing however is their analysis of Richter’s often underrated photographic work. Indeed, Richter’s photos do not only copy reality; but on the contrary they prompt the viewer to reconsider his paintings, his editions and his Atlas and to see them as a coherent whole. By comparing works of different natures, this essay aims at bringing out the circularity underlying Richter’s images as well as the variations in outlook that circularity generates. A closer look at the early days of photography – the first thirty years that followed its invention – combined with a reassessment of the influence photography bore on 20th century avant-gardes show Richter’s creative development in a light that challenges the commonly held dichotomy between painting as a self-referential art form and the hetero-referential mimesis that predominates in today’s art
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Cobern, Lucy Rebecca. "The suspension of mastery and the desire for imaginary : applying Jacques Lacan's theory of the imaginary to the beholder/image dialectic as realised in selected paintings by Lucy Cobern and Gerhard Richter." Thesis, Rhodes University, 2013. http://hdl.handle.net/10962/d1007806.
Full textAbstract:
This dissertation seeks to explore the nature of the self/other, subject/object dialectic that can be found in Jacques Lacan's theory of the Minor Stage and his notion of Imaginary mastery, and how this relationship can be re-read in terms of a beholder/image relationship. What I seek to demonstrate in exploring the relationship between the beholder and the image is the staging of two opposing emotions, aggression and desire and the consequential tussle for mastery that arises from the self/other, and hence the beholder/image, dichotomy. I seek to explore the reasons why such a beholder/image relationship becomes ambivalent, due to veiled, obscured and fragmented images.KMBT_363
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Touzet, Jean-Rémi. "Les deux réalités : surpeinture et sousimages dans l’œuvre de Gerhard Richter (1956-2016)." Thesis, Paris 10, 2020. http://www.theses.fr/2020PA100099.
Full textAbstract:
« L’image est la représentation et la peinture la technique qui permet de la faire éclater » (Richter 1991). Cette thèse analyse la dialectique entre peinture et images dans l’œuvre de Richter, non pas en termes de médiums mais en se concentrant sur son pouvoir de métaphorisation des rapports entre culture et nature, société et individu, architecture et corps, etc. Peu à peu, elle se focalise sur l’idée et la pratique de surpeinture [Übermalung]. Une première partie est consacrée, de la RDA à la RFA, au passage d’une représentation de la santé sociale à une « Augenklinik », exploration de la « santé moyenne » de l’artiste, de l’impureté des images, qu’elles soient hygiéniques, politiques ou artistiques, et de la vision (1956-1967). Une seconde partie est composée de deux études iconologiques d’œuvres rapprochant par superposition ou juxtaposition le corps et la vision de la structure des escaliers : Ema (Nu sur un escalier) (1966) et Kugelobjekt (1969-1970). Replaçant cette union dans la culture visuelle occidentale, notamment celle des années 1960, elle indique les recherches de Richter sur l’autonomisation de la peinture, de la vision et de l’individu de tout cadre social. Dans cette optique est ensuite présenté le corpus méconnu des photographies surpeintes (1986 ; 1989-2016). Il est analysé, à partir des dits et écrits de l’artiste, comme une métaphore d’un dépassement de l’art et de la culture au regard du contexte des années 1986-1990 : la « querelle des historiens », les catastrophes écologiques et la chute du mur de Berlin. Enfin, à partir d’interprétations iconographiques nouvelles et d’images sources inédites, c’est la surpeinture comme flux de l’histoire qui est étudiée autour de trois dates : le 14 février 1945, le 18 octobre 1977 et le 11 septembre 2011"The picture is the depiction, and the painting is the technique for shattering it" (Richter 1991). This thesis analyzes the dialectic between painting and images in Richter's work, not in terms of mediums but in its power to metaphorize the links between culture and nature, society and the individual, architecture and the body, etc. Gradually, it focuses on the idea and practice of overpainting [Übermalung]. A first part is devoted, from the GDR to the FRG, to the transition from a representation of social health to an "Augenklinik", an exploration of the artist's "average health", the impurity of images, whether hygienic, political or artistic, and of vision (1956-1967). A second part consists in two iconological studies of works that bring the body and vision closer to the structure of stairs by superimposition or juxtaposition: Ema (Nude on a Staircase) (1966) and Kugelobjekt (1969-1970). Repositioning this union in Western visual culture, particularly that of the 1960s, it points to Richter's research on the empowerment of painting, vision and the individual from any social setting. In this perspective, the little-known body of work of the overpainted photographs (1986; 1989-2016) is then presented. It is analyzed, based on the artist's words and writings, as a metaphor for the overcoming of art and culture in the context of the years 1986-1990: the "historians’s dispute", the ecological catastrophes and the fall of the Berlin Wall. Finally, based on new iconographic interpretations and unpublished source images, overpainting as a flow of history is studied around three dates: February 14, 1945, October 18, 1977, and September 11, 2011
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Lee, Kyoung-Yul. "L'imagerie photographique floue et la représentation mnémonique (autour des oeuvres photographiques chez Christian Boltanski, Gerhard Richter et Andy Warhol)." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010551.
Full textAbstract:
Dans l'art contemporain, l'image photographique floue se comprend par la représentation visuelle des souvenirs vagues qui disparaissent dans l'espace du temps, c'est-à-dire la réminiscence où l'image-souvenir floue qui se présente alors comme indice mnémonique de l'amnésie collective. L'illusion mnémonique sur laquelle se basent les oeuvres photographiques comme le cas du jeu de texte-image chez Boltanski, éveille notre croyance aveugle attachée toujours à la connexion logique, scientifique et mathématique qui absorbe confusement tous les souvenirs vrais ou faux. L'interférence mnémonique est une des causes principales de l'amnésie collective au sein de la société d'information. Notre mémoire historique est intrinsèquement destinée à la disparition comme si les souvenirs d'enfance disparaissaient en laissant un sentiment de nostalgie chez chacun de nous. Les effets de flou servent aussi à representer une mémoire historique à la fois refoulée dans l'inconscience collective et falsifiée ou censurée par un pouvoir. Pourtant leurs messages artistiques ne sont ni commémoratifs ni impératifs, mais plutôt une réflexion mnémonique. Le manque de souvenirs au sens positif peut être un atout qui nous permet de reconstruire ou restaurer une nouvelle image de notre société dans l'assomption du passé à laquelle s'attache l'image photographique floue utilisée dans la représentation mnémonique chez les artistes.
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Haon, Françoise. "Travail photographique documentaire des Becher et évolution de quatre de leurs élèves de l'Académie des Beaux-Arts de Düsseldorf : lien avec la peinture et Gerhard Richter." Thesis, Lyon, 2016. http://www.theses.fr/2016LYSE2047.
Full textAbstract:
Étude de la notion documentaire et artistique dans l’oeuvre des Becher. Évolution de leurs élèves, Thomas Ruff, Andreas Gursky, Thomas Struth, Candida Höfer vers une photographie picturale et abstraite. Influence de la peinture, liée à l’enseignement de Gerhard Richter. La photo comme source d’information pour créer des images picturales chez Ruff et Richter. Utilisation du travail numérique pour s’orienter vers desimages picturales et abstraites chez Ruff et Gursky. Dimension sociologique du rapport photographie/peinture dans l’oeuvre de Thomas Struth, travail sur notre façon d’être dans le monde. Entre documentation et abstraction également, le travail de Candida Höfer sur l’espace vital, sur la structure de l’objet, évolution vers le détail, l’abstraction. Abstraction, experimentation, tendance de l’archive, axes essentiels en photographieStudy of documentary and artistic notion in the work of the Becher. Evolution of of their students, Thomas Ruff, Andreas Gursky, Thomas Strth, Candida Höfer towards a picturial and abstract photography. Pictorial influence, linked with Gerhard Richter’s teaching. Photography as source of information to create pictorial pictures by Ruff and Richter. Use of digital work by Ruff and Gursky to go towards picturealand abstract pictures. Sociological aspect in the link photography/painting in Struth’s work, on our way to exist in the world. Between documentation and abstraction too, the photographic work of Candida Höfer on vital space. Evolution on the structure of the object, on the detail, towards abstraction. Abstraction, experimentation, archival tendance, essential directions in photography
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Wu, Shui-Jou. "Le flou : détournement de l'image d'archive chez Gerhard Richter, Christian Boltanski et Thomas Ruff." Thesis, Paris 1, 2016. https://ecm.univ-paris1.fr/nuxeo/site/esupversions/976f9ecc-8580-4715-a3dc-756130aa037b.
Full textAbstract:
Le flou, bien qu’étant un effet artistique répandu, reste victime d'une mauvaise réputation, souvent considéré comme un défaut technique ou à l'opposé d'une réflexion rationnelle et rigoureuse. Contre une telle vision réductrice notre recherche essaye de montrer, à travers un choix des œuvres de Gerhard Richter, Christian Boltanski et Thomas Ruff, que le flou est assurément un acte artistique qui engage une réflexion distancée et critique. Nous élaborons une étude comparative des processus de création de chaque artiste, ainsi qu'une analyse des caractéristiques des images d'archives qu'ils s'approprient : photographies amateurs et images de presse. Il apparaît alors que le flou constitue pour ces artistes une méthode efficace d'appropriation et de détournement. Il met d'abord en avant la matière de l'image, aux dépens de la fonction de représentation, et permet ensuite de transgresser les frontières entre peinture et photographie. Le flou est également le signe d'une distance : entre les œuvres et les spectateurs, mais aussi entre les artistes et les images appropriées. Cependant, cette mise en retrait des artistes ne les empêche pas d'exprimer une réflexion critique sur les images qu'ils utilisent. Car c'est en intégrant au sein de leurs œuvres des images d'archives dont les sujets mêlent banalité quotidienne et événements historiques majeurs, que les artistes examinent les usages sociaux et les reproductions médiatiques des images. Mais il s'avère que le flou est surtout une stratégie pour franchir les frontières entre forme et matière, objectivité et subjectivité, ou encore culture de masse et beaux-arts. Il s'agit donc avant tout d'un concept dynamique au service de la transgressionThe blur, as a widespread artistic effect, is still victim of a bad reputation, since it is usually considered to be a technical fault or the opposite of a rational and rigorous thinking. Against this reductive vision, this research tries to show, throughout a selection of artworks from Gerhard Richter, Christian Boltanski and Thomas Ruff, that the blur is an artistic act which arouses a distanced and critical reflection. We elaborate a comparative study of each artist's creation process, and an analysis of archival image features appropriated by them : amateur photographs and press images. The blur seems to represent an efficient method of appropriation and détournement. It highlights the image material in spite of its representational function, and it allows to transgress the borders between painting and photography. The blur is also sign of distance : between artworks and spectators, as well as between artists and appropriated images. However, the detachment of artists doesn't prevent them from expressing a critical thinking over images they use. For it is in integrating archival images with topics varying from daily banality and major historic events in their artworks, that the artists examine the social uses and the media reproduction of images. But the blur proved mainly to be a strategy to cross the borders between shape and material, objectivity and subjectivity, or mass culture and fine art. It is above all, a dynamic concept used for transgression
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Spathoni, Anthi Danaï. "La question du paysage abstrait dans la peinture contemporaine : Cy Twombly et Gerhard Richter." Thesis, Rennes 2, 2018. http://www.theses.fr/2018REN20068.
Full textAbstract:
Si la peinture abstraite n’a pas bien sûr fait mourir la peinture figurative qui existe après elle, si elle n’a pas supprimé le paysage pictural, quel peut bien être le sens, la nature et la portée, au sein de la peinture contemporaine elle-même, du paysage abstrait ? Quelles en sont les conditions de possibilité ? A quelles conditions un paysage abstrait est-il possible, c’est à dire réalisable pour le peintre et pensable pour l’historien et le théoricien de l’art ? Telles sont les questions rectrices de cette thèse qui entend déployer et explorer le paradoxe d’un paysage séparé — ce qui est bien le sens strict d’abstrait — de l’exigence de représentation mimétique d’un espace naturel ou urbain extérieur « d’un lieu assez élevé, où tous les objets auparavant dispersés se rassemblent sous un seul coup d’oeil » selon l’expression de Fénelon. Ce déploiement et cette exploration s’effectue sur les deux exemples des oeuvres de Cy Twombly et Gerhard Richter interprétées comme deux modalités différentes d’une relève du paysage, dépassant et conservant à la fois ce dernier sur le mode de l’évocation : par un langage purement pictural, par le langage des titres et des mots dans la peinture pour Twombly, par la photographie et la photo-peinture pour Richter. A cet égard, Twombly et Richter tentent tous les deux de mettre en oeuvre aux deux sens duterme, une rupture et une continuité : entre la forme du genre paysage et l’expérience paysagère au sein de l’espace de la galerie d’exposition, entre la tradition du paysage occidental (Poussin, Turner, Friedrich) et la peinture des peintres américains contemporains (Pollock, Rothko et Rauschenberg), entre la peinture et les autres média ou les autres arts auxquels elle se confronte (la poésie pour Twombly, la photographie et la littérature pour Richter). La thèse est donc construite comme un ensemble de croisements qui rend possible le paysage abstrait renouvelant le genre du paysage, lelibérant de ses règles traditionnelles et, ainsi, l’ouvrant à des formes inédites et étonnantesIf abstraction did not kill landscape painting, how would the pictorial genre survive within the context of contemporary painting? What would be the meaning of the term abstract landscape? Under which circumstances and conditions would an abstract landscape be possible? This research tries to address these questions by investigating the paradox of a landscape which does not represent mimetically space seen from a higher point at a glance, as Fénelon would put it.The works of Cy Twombly and Gerhard Richter are used as means for this exploration since they present two different modalities of a landscape which overcomes and preserves itself at the same time. In this respect, both Twombly and Richter attempt to implement rupture and continuity: between landscape form and landscape experience within the gallery space, between western landscape tradition (Poussin, Turner, Friedrich) and contemporary American painting (Pollock,Rothko and Rauschenberg), between painting and other media or arts (poetry for Twombly, photography and literature for Richter). This way, this study is constructed by a set of contradictions which make abstract landscape possible. This abstract landscape renews landscape genre, frees it from its traditional rules and opens it to new and surprising forms
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Py, Jean-François. "L'expérience de l'histoire et la vérité en peinture : avec Claude Simon, François Rouan, Gerhard Richter, Sigmar Polke et Martin Kippenberger." Saint-Etienne, 2000. http://www.theses.fr/2000STET2067.
Full textAbstract:
Après la Seconde guerre mondiale et sous le choc des totalitarismes, la question de la représentation de l'histoire, qui échappe à la peinture (au profit du cinéma par exemple), ne cesse en réalité de la hanter. Mais elle le fait sur le mode de l'irreprésentable. Au-delà des questions de rhétorique picturale, quelques peintres, dans des parcours singuliers, affrontent cette question. Il s'agit rien de moins que de préserver la puissance de la peinture à atteindre au réel, alors qu'elle semble debordée, dans cette course à laquelle se livrent les nouvelles formes de l'art de la seconde moitié du 20eme siècle. Sans pour autant prétendre ressusciter le genre peinture d'histoire, largement dépassé. Seront ainsi étudiées et comparées les oeuvres de François Rouan (France, 1943), Gerhard Richter (Allemagne, 1932), Sigmar Polke (Allemagne, 1941) et enfin Martin Kippenberger (Allemagne, 1953-1997). Mais ces études successives ne prendront sens qu'à la suite de l'étude, dans une première partie, de la problématique historique dans l'oeuvre littéraire de Claude Simon (France, 1915). Le roman Les géorgiques (1981, Minuit, Paris), en particulier révèle un rapport spécifique de l'écriture au temps représenté propre à fournir une sorte de modèle, qu'il s'agira dès lors de mettre à l'épreuve de l'analyse des oeuvres picturales mentionnées. Au-delà de ses multiples et radicales remises en cause dans cette fin du 20eme siècle, c'est donc à confronter directement à l'épreuve de l'histoire (et non, plus immédiatement, de la seule histoire de l'art), la forme tableau (emblématique de la peinture moderne), dans ses développements les plus singuliers, des années 60 aux années 90, que sera consacré ce travail. On sera conduit à risquer l'hypothèse d'une dimension épique de la peinture, comme forme spécifique restant antérieure à la forme historique, et assumant cependant la dimension politique de l'oeuvre d'art, celle que précisément redoutait déjà Platon
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Dietrichkeit, Gert. "Gerhard Madaus : (1890 - 1942); ein Beitrag zu Leben und Werk /." [S.l. : s.n.], 1991. http://www.gbv.de/dms/bs/toc/016063465.pdf.
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Song, Xueming. "Regionale Wirtschaftsentwicklung in China 1978-1992 Duisburger Papiere zur Ostasienwirtschaft ; 18 (1995)." Gerhard-Mercator-Universitaet Duisburg, 2002. http://www.ub.uni-duisburg.de/ETD-db/theses/available/duett-09102002-095009/.
Full textAbstract:
Im Mittelpunkt der Arbeit steht die Regionalpolitik der Regierung seit 1978, dem Anfangsjahr der Wirtschaftsreformen. Die Regionalpolitik Chinas seit 1949 ist mehrfach ausführlich untersucht worden (z.B. Yang, 1990). Vor 1978 stand der regionale Ausgleich im Vordergrund, seit Anfang der Reform wird eine "verzerrte" Regionalpolitik verfolgt. Diese fällt eindeutig zugunsten der Küstenprovinzen aus. Begründet wird diese Politik mit der Knappheit der zur Verfügung stehenden Ressourcen. Bei der Entscheidung zwischen Effizienz und Gleichverteilung hat die Regierung der ersteren Vorrang gegeben. Die Folgen dieser verzerrten Regionalpolitik wurden in der intensiven Diskussion um den Regionalismus kaum untersucht. Doch warum ist Regionalismus so plötzlich ein Thema in China geworden? Hat der Regionalismus etwas mit der verzerrten Regionalpolitik zu tun? Ist er vielleicht sogar eine Folge dieser Politik? Was sagt die Wirtschaftstheorie dazu? Gibt es denn eine allgemein anerkannte Regionalpolitik? Sollte die Regierung d ie jetzige Politik aufgeben? Dies sind die zentralen Fragestellungen dieser Arbeit. Ziel jeder Regionalpolitik ist typischerweise, regionale Unterschiede abzubauen und die Wirtschaftskraft schwächerer Regionen zu stärken. Dieses Ziel wird aus allgemeinen wirtschaftspolitischen Zielvorstellungen abgeleitet. Um dieses Ziel zu erreichen, braucht die Wirtschaftspolitik Anhaltspunkte bezüglich bestimmter Fragen, z.B. wie Regionen sich entwickeln, ob es regionale Entwicklungsmuster gibt etc. Diese Fragen wollen wir aus theoretischem Blickwinkel betrachten, zum Beispiel anhand der Konzeptionen der Standorttheorie, Entwicklungstheorie und Wachstumstheorie.
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Fourman, Patrick. "L'aspirine : de la découverte de Charles Frédéric Gerhardt à nos jours, 1852-1992." Université Louis Pasteur (Strasbourg) (1971-2008), 1992. http://www.theses.fr/1992STR1M135.
Full text
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Hogenkamp, Susanne [Verfasser], and Gerhard [Akademischer Betreuer] Hirschfeld. "Die württembergische Sozialdemokratie von 1928 bis 1933/34 / Susanne Hogenkamp ; Betreuer: Gerhard Hirschfeld." Stuttgart : Universitätsbibliothek der Universität Stuttgart, 2017. http://d-nb.info/1162893494/34.
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Bourcier, Charline. "Les dislocations de l'espace pictural." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3096.
Full textAbstract:
En 1962, Gerhard Richter peint Tisch. Dans ce tableau, une table représentée en perspective est biffée par une violente gestualité. L’espace pictural s’érige entre l’illusion de profondeur et l’affirmation matérielle de la toile et de la peinture. Impulsée par une pratique personnelle, mise en regard avec le travail actuel de jeunes artistes héritiers des altérations fécondes de Richter, tels que Adrian Ghenie, Duncan Wylie ou Stephen Bush, Les dislocations de l’espace pictural se penche sur les relations dynamiques qui animent une figuration en tension entre l’image et le pictural. Taches, semis et coulures déstabilisent les assises iconiques tout en créant des mondes ambigus. L’espace pictural oscille entre dextérité et lâcher-prise. L’inachèvement et les réserves exposent au regard les vacillements de ses strates constitutivesGerhard Richter painted Tisch in 1962. In this painting, a table, which is represented in perspective, has been erased with a violent gestural brushstroke. The pictorial space stands between the illusion of depth and the emphasized materiality of the canvas and the painting. The dislocations of the pictorial space, fostered by Richter’s personal practice and supplemented with the work of current young artists, heirs to his productive alterations, such as Adrian Ghenie, Duncan Wylie or Stephen Bush, these dislocations show the dynamic relationships which animate a figuration in tension with the picture and the painting. Stains, patterns, and streaks destabilize established iconic values while creating ambiguous worlds. The pictorial space oscillates between dexterity and letting go. The incompleteness and the reserves display the wavering of its constitutive layers
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Hüneburg, Erik Ewald [Verfasser], and Gerhard [Gutachter] Penzkofer. "Nietzsche und die spanische Literatur der Moderne (1898 - 1936) / Erik Ewald Hüneburg. Gutachter: Gerhard Penzkofer." Würzburg : Universität Würzburg, 2015. http://d-nb.info/1111887047/34.
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Streim, Gregor. "Das Ende des Anthropozentrismus Anthropologie und Geschichtskritik in der deutschen Literatur zwischen 1930 und 1950." Berlin New York, NY de Gruyter, 2007. http://d-nb.info/988059754/04.
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Kuhn, Michael [Verfasser], Sabine [Akademischer Betreuer] Holtz, and Gerhard [Gutachter] Fritz. "Die Tübinger katholischen Theologiestudenten im nationalsozialistischen Arbeitsdienst 1933–1945 / Michael Kuhn ; Gutachter: Gerhard Fritz ; Betreuer: Sabine Holtz." Schwäbisch Gmünd : Pädagogische Hochschule Schwäbisch Gmünd, 2017. http://d-nb.info/1153350548/34.
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Kuhn, Michael Verfasser], Sabine [Akademischer Betreuer] [Holtz, and Gerhard [Gutachter] Fritz. "Die Tübinger katholischen Theologiestudenten im nationalsozialistischen Arbeitsdienst 1933–1945 / Michael Kuhn ; Gutachter: Gerhard Fritz ; Betreuer: Sabine Holtz." Schwäbisch Gmünd : Pädagogische Hochschule Schwäbisch Gmünd, 2017. http://nbn-resolving.de/urn:nbn:de:bsz:752-opus4-631.
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Kurz, Francisca Patricia Theresia [Verfasser], and Gerhard [Akademischer Betreuer] Längle. "Die Behandlung geistig behinderter Menschen in der psychiatrischen Klinik Zwiefalten von 1812 bis 1982 / Francisca Patricia Theresia Kurz ; Betreuer: Gerhard Längle." Tübingen : Universitätsbibliothek Tübingen, 2013. http://d-nb.info/1160684529/34.
Full text
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Deschamps, Bernard. "Das Nichts der Offenbarung : Sprache und Schrift in der Kafka-Deutung Gershom Scholems und Walter Benjamins = The nothingness of revelation : language and text in the Kafka interpretations of Gershom Scholem and Walter Benjamin." Thesis, McGill University, 1999. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=30158.
Full textAbstract:
Le present essai propose en premier lieu une analyse de la theorie linguistique de Walter Benjamin telle qu'enoncee dans son essai de 1916, Uber Sprache uberhaupt und uber die Sprache des Menschen. Dans un meme temps, il propose aussi une analyse de la theorie linguistique de la Kabbale telle qu'elaboree par Gershom Scholem tout au long de sa vie, dans un nombre non negligeable de publications, theorie dont il chercha a faire la synthese dans son essai de 1970, Der Name Gottes und die Sprachtheorie der Kabbala.Cet essai se propose ensuite de demontrer comment Scholem et Benjamin ont trouve dans l'oeuvre de Franz Kafka l'expression litteraire de leurs theories linguistiques.
En conclusion, cet essai se propose de demontrer comment Scholem et Benjamin, a partir de leurs theories linguistiques respectives, et malgre la proximite indeniable de celles-ci, en sont venus a interpreter Kafka d'une facon diametralement opposee. Scholem, en effet, voyait dans cette oeuvre l'expression d'une des theories les plus nihilistes de la Kabbale: Die Unvollziehbarkeit der Offenbarung, une negation de la Revelation divine; Benjamin voyait pour sa part chez Kafka l'expression d'une tres mince possibilite de redemption.
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Streim, Gregor. "Das Ende des Anthropozentrismus : Anthropologie und Geschichtskritik in der deutschen Literatur zwischen 1930 und 1950 /." Berlin [u.a.] : de Gruyter, 2008. http://deposit.d-nb.de/cgi-bin/dokserv?id=3085087&prov=M&dokv̲ar=1&doke̲xt=htm.
Full text
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Segrestin, Marthe. "Le théâtre français face à H. Ibsen, G. Hauptmann, A. Strindberg (1887-1928)." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040189.
Full textAbstract:
Si Ibsen, Hauptmann et Strindberg, dont la dramaturgie renoue avec la tragédie, bouleversent très tôt la scène allemande, leur théâtre a plus de mal à s'acclimater en France, même s'il fascine les metteurs en scène les plus novateurs et bon nombre d'auteurs. Alors que les Allemands en perçoivent très vite la dimension tragique, qu'ils mettent en valeur par un style scénique révolutionnaire, leur oeuvre reste sous-évaluée en France tant qu'on n'y voit que des drames. Après la guerre, si Hauptmann ne réapparaît pas sur la scène française, Ibsen et Strindberg profitent de la pénétration en France du style scénique allemand, qui permet de réinterpréter leurs pièces comme des tragédies. Mais cette transmutation, sensible dans la mise en scène et le discours critique, ne se retrouve pas chez les auteurs qui s'inspirent alors d'Ibsen et de Strindberg, et qui, pas plus que ceux d'avant-guerre, influencés par Ibsen et Hauptmann, ne parviennent à restaurer la tragédie françaiseWhile Ibsen, Hauptmann and Strindberg's dramaturgy, which rediscovered tragedy, very quickly reshaped the German stage, it wasn't as well received in France, even though it fascinated the most innovating directors and many authors. .
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Pailler, Jeanne. "Le théâtre de l'insignifiance en Europe (1887-1914)." Lyon 2, 2001. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2001/pailler_j.
Full textAbstract:
Le tournant des XIXe et XXe siècles est une période de transformation de la forme dramatique. Cette thèse se donne pour but dé́tudier ces transformations dans les pièces de quatre dramaturges d'Europe occidentale ressortissant au théâtre du quotidien : Gerhart Hauptmann, August Strindberg, Henry Becque et Oscar Wilde. Au confluent du naturalisme et du symbolisme, mais aussi de la tradition théâtrale et de l'innovation dramatique, ils se refusent à toute classification. Leur point de rencontre se situe dans une esthétique de l'identification et du "movere", et dans la mise au sommet des valeurs de l'individualisme moderne : le nouveau héros - au théâtre comme dans la vie quotidienne - est celui qui parvient à affirmer sa personnalité propre et à échapper au conditionnement. Tout personnage, aussi insignifiant soit-il, gagne ainsi le droit de figurer dans le champ littéraireThe turn of the XIXth and the XXth century is a period of transformation in dramatic form. This Ph. D. Thesis aims at studying these transformation in the plays of every-day life theatre written by four playwrights of Western Europe : Gerhart Hauptmann, August Strindberg, Henry Becque an Oscar Wilde. At the crossroad of "naturalism" (as defined by the French writer Emile Zola) and symbolism, but also of theatrical tradition and dramatic innovation, none of them can fit in any classificaion. Their meeting point lies in aesthetics of identificaion and movere, as welle in their glorifying the values of modern individualism : the new hero - in the theatre as in everyday life - is the one who succeeds in asserting his own personality and in escaping conditioning. Every character, as usignificant as they might be, thus earns the right to be present in the field of literature
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Meyer, Daniel. "Le roman utopique de langue allemande : 1918-1949." Paris 12, 2003. https://athena.u-pec.fr/primo-explore/search?query=any,exact,990003949050204611&vid=upec.
Full textAbstract:
Les romans utopiques de Brod, Hauptmann, Döblin, Hesse Werfel et Jünger peuvent prétendre à une place à part dans l’histoire de l’utopie : ils ne cherchent pas à véhiculer le plus efficacement possible un message politico-idéologique. Mais visent au contraire à brouiller sinon à interdire l’articulation d’un tel message par diverses stratégies narratives. Parallèlement à cet ancrage dans l’esthétique du roman moderne, tous présentent une structure cyclique qui renvoie à une conception précise de l’histoire et remet en question la notion de progrès. Cet anti-utopisme est nuancé par le dénouement qui investit le texte d’une charge mystique positive, entraînant une modification profonde de la portée de l’utopie. De telles caractéristiques situent cet ensemble dans le contexte de courants d’idées contemporains elles tendent à illustrer de façon emblématique une autodestruction de la raison dans un champ – l’utopie qui lui semblait réservéThe utopian novels written by Brod, Hauptmann, Döblin, Hesse, Werfel and Jünger share traits that give them a specific status within the history of utopia : their aim is not to voice a political or ideological message as efficiently as they can but to blur any such message or even dismiss it through various narrativ e strategies. This links them to the aesthetics of the modem novel. Furthermore. They all share a cyclical structure that relates to a specific theory of history and strongly queries the concept of progress. How such anti-utopianism is counterbalanced by the endings. Vhich invest the novels with positive, mystical bearings, thus radically modifying the compass of utopia. Such traits are characteristic of philosophical and literary trends contemporary with those novels, and tend to demonstrate a symptomatic self- destruction of reason in a field - utopia - which seemed to he its privileged sphere
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Wepener, Daneille. "Conflicting conventions: space as a medium in the works of Gerhard Richter and Serge Nitegeka." Thesis, 2017. https://hdl.handle.net/10539/24581.
Full textAbstract:
A dissertation submitted to the Faculty of Humanities, University of the Witwatersrand, Johannesburg, in partial fulfilment of the degree of Masters of Arts in Fine Arts (MAFA) Johannesburg, 2017This dissertation aims to examine Gerhard Richter and Serge Nitegeka’s artistic practices, in order to understand and identify how artists can potentially use space as a medium and contextualise my own practice within this realm. I position the conventions and principles of space through reference to French theorists’ Henri Lefebvre, Michel de Certeau and Michel Foucault. The thesis begins with a brief overview of the window as a painterly motif and spatially familiar everyday device in the introduction. In the first chapter, I explore the surface and reflection of the medium of glass, the colour gray, the monochrome, as well as the pictorial, in Gerhard Richter’s Eight Gray (2002). The second chapter examines the role of the frame or line in Serge Nitegeka’s Black Lines (2012), as an environment of experience that relies on painted diagrams and the illusion of perspectival space. The third chapter observes a shift in the manner in which Richter and Nitegeka experiment and extend their practices through an engagement with the mirror and the door, respectively, as ways of exploring the threshold. Finally, I discuss my own practice and reflect on the exhibition Through the Extent (2015), which was submitted as the practical component of this research.
XL2018
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Cabral, Maria José Falcão da Silva Caiado 1993. "Layers imaginários : paisagens pessoais e ócio como meios de (re)criação." Master's thesis, 2018. http://hdl.handle.net/10451/33631.
Full textAbstract:
The present dissertation aims do seek the understanding of those I consider to
be, today, the main contributions to my artistic (re)creations. From them arise my personal landscapes: thought, painted and written. For that, it is a reflection about the overlap of time, where concepts related to the observation of analogue photographs belonging to my childhood memory will be approached. Concepts that appear in my work, arising from that memory, of my imaginary museum and from leisure as a mean of personal development, giving importance to the affective and creative experiences. Personal landscapes emerge from the need to interpret and bring to the present the several layers responsible for the positive emotions that have become inherent in my identity construction. This investigation is divided in four moments, in each one of them
writers/authors and artists contribute to establish the bridge between theoretical thought and plastic creation connected to nostalgia. Considering the infinite permanent absence of a concrete response to nostalgia, as one of the reasons why my painting and Continuum are a work in progress
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Serafim, Kalinka. "Autorretrato e autorrepresentação: variações sobre um tema." Master's thesis, 2020. http://hdl.handle.net/10451/41596.
Full textAbstract:
The present work “Self-portrait and self-representation: variations on a theme” addresses the issue of self-representation in art through the creation of a series of drawn self-portraits. The project has an investigative character, and the drawings were developed in series from the exploration of varied techniques and materials, sometimes traditional, sometimes less conventional. The creative process focused on making selfportraits using a mirror, an indispensable item that allows us to observe our face directly. The drawings created from the reflection’s observation were transformed throughout the development process of the series, enabling the discovery of new representational forms that deviate from the mimetic reproduction of the mirror image. The way the face was represented went through major changes throughout the development of the self-portraits. The use of chance in the creation of accidental stains contributed to a more freely and subjective graphic registration, avoiding the more objective figurative representation of the face. From experiences with various tools and techniques, it was possible to find new answers that increased the exploration of structural elements of the drawing’s graphic language with stains, strokes, textures or color. The project presents a theoretical research related to the theme in question, and a practical part that reports the experiments performed during the development of the work, as well as the results obtained from the artistic research. The first two parts focus on the study of the emergence of self-portrait in art history; the concept of self-representation, especially in modern and contemporary art; in the theoretical study concerning the creation of serial drawings; and in approaching the issue of variation of the same theme in artistic practice. The third and last part focuses on the practical work, ie the process of creating the self-portraits.