Academic literature on the topic 'Gestes – Au théâtre'
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Journal articles on the topic "Gestes – Au théâtre"
1
Potapushkina-Delfosse, Marie. "La créativité gestuelle et linguistique des élèves débutant l’apprentissage de l’anglais à l’école primaire." Voix Plurielles 13, no. 1 (May 14, 2016): 76–85. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v13i1.1371.
Full textAbstract:
Cet article étudie les phénomènes de créativité gestuelle et linguistique manifestés par les élèves de l'école primaire qui débutent leur apprentissage de l'anglais dans le cadre d'une approche multimodale reliant le geste, le théâtre, le conte, et basée sur la théorie de l'intussusception de Marcel Jousse, appartenant au champ de l’anthropologie linguistique. Le processus d’intussusception s’opère selon la logique suivante :
- l’homme est agi par la réalité ;
- les actions qu’il reçoit et rejoue (imprime et exprime) deviennent gestes ;
- le geste est d'abord global (impliquant l'homme dans toute sa corporéité), puis, par économie expressive, il devient manuel (notre gesticulation communicative) et enfin laryngo-buccal (parole).
La production des signaux kinésiques et linguistiques apparaît donc comme relevant du même phénomène dont la nature est intrinsèquement créative grâce au mécanisme de rejeu.
Dans les années 1960-1990, Jacques Lecoq a élaboré une méthodologie de formation théâtrale intégrant la logique joussienne d’intussusception. L’approche d’enseignement de l’anglais présentée dans cet article s’inspire du théâtre du geste de Lecoq tout en accordant une place importante au conte qui est une représentation symbolique du monde, correspondant le mieux à la perception enfantine, selon Bruno Bettelheim et Kieran Egan.
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Cousins, Rick, and Janine Léopold. "Radio Cargo Cult Liturgy : essai de transposition du théâtre radiophonique dans le visible." L’Annuaire théâtral, no. 56-57 (August 30, 2016): 175–94. http://dx.doi.org/10.7202/1037337ar.
Full textAbstract:
Les reprises sur scène de radio-théâtres de ce qu’on appelle l’âge d’or de la radio – qui correspond aux années 1930 et 1940 – prennent souvent des allures parodiques qu’on peut attribuer aux maladresses involontaires de ce type de productions radiophoniques. Cela soulève une question de fond : existe-t-il des éléments caractéristiques de cette esthétique des radio-théâtres qui soient transposables sur scène, dans des productions fondées sur la présence et le visuel? Pour répondre à cette question, l’auteur et une équipe de collègues artistes ont effectué une reprise d’un radio-théâtre phare de cette époque, appuyant l’auralité du radio-théâtre par des mouvements et des gestes scéniques. Il en résulte la création d’un nouveau texte qui fait la satire de cette vénération nostalgique de ce soi-disant âge d’or de la radio.
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Meerzon, Yana. "Pour une esthétique de la représentation utopique : son, signe et langage théâtral international chez Michael Tchekhov." Pratiques & travaux, no. 38 (May 6, 2010): 119–37. http://dx.doi.org/10.7202/041619ar.
Full textAbstract:
L’utopie, en tant que lieu d’enquête philosophique ou artistique, crée l’image d’un futur parfait. Or, sur scène, la représentation de l’utopie est cantonnée par la réalité que l’événement théâtral se déroule dans un « présent appuyé », celui du public et des interprètes. Donc, si le théâtre ne peut faire abstraction de la présence physique du corps du comédien lors de la représentation, ses mouvements, ses gestes et sa voix sont des lieux d’enquête importants au moment d’analyser l’utopie et ses manifestations scéniques. L’auteur analyse les stratégies scéniques exploitées par les comédiens et rattachées à la notion de l’utopie, des stratégies utilisées par ces derniers pour évoquer l’avenir. Elle étudie également l’idéal proposé par Tchékhov d’un théâtre international, compréhensible par n’importe quel public, peu importe ses origines linguistiques ou nationales. Des exemples seront tirés de la production Le château s éveille : essai d’un drame rythmé / The Castle Awakening (1931). Cet article s’attaque donc à la définition du « futur » dans une pratique artistique enracinée dans le présent et la notion des normes esthétiques et des fonctions de l’idéal représenté.
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Marchal-Louët, Isabelle. "Les gestes des malades dans le théâtre d'Euripide : l'exemple de l'Oreste." Bulletin de l'Association Guillaume Budé 1, no. 2 (2009): 92–109. http://dx.doi.org/10.3406/bude.2009.2342.
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5
Maurin, Frédéric. "L’impermanence est-elle soluble dans le répertoire?" L’Annuaire théâtral, no. 53-54 (June 9, 2015): 75–90. http://dx.doi.org/10.7202/1031154ar.
Full textAbstract:
À partir de démarches récentes, mais aussi de pratiques plus anciennes, cet article interroge la notion de répertoire en étendant son acception dramatique d’usage à une application scénique. Au théâtre, comme à l’opéra, en danse et dans la performance, il est des gestes artistiques et des processus créateurs qui, étroitement liés aux notions voisines de reprise, de variation, de citation et, désormais, de reenactment, permettent de valider l’hypothèse que ne revient pas au seul texte l’apanage de se constituer en mémoire – une mémoire vive, susceptible d’être ranimée et rejouée, c’est-à-dire interprétée.
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Thibault, Laurence Valérie. "L’expérience de création en théâtre pour adolescents en Ontario français : paroles et gestes." Éducation et francophonie 40, no. 2 (February 5, 2013): 99–118. http://dx.doi.org/10.7202/1013817ar.
Full textAbstract:
Le présent texte offre une perspective multiple de l’expérience du processus de création. Il examine les liens que des artistes identifient entre leur expérience de création et l’éducation artistique et culturelle des spectateurs adolescents en Ontario français. Les résultats présentés sont issus d’une recherche doctorale plus large, de type ethnographique, menée au sein de deux compagnies théâtrales à Ottawa pendant les périodes de création de deux spectacles. Une analyse interprétative des paroles et des gestes des artistes fait émerger trois rôles que ces derniers pensent jouer dans l’éducation des adolescents : l’artiste conteur, l’artiste formateur et l’artiste passeur. Cette recherche qualitative permet de comprendre comment les artistes travaillent et révèle l’ampleur de leurs initiatives et de leurs besoins liés à la création pour adolescents, notamment en contexte scolaire.
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Weeks, Nicholas. "Le sens des gestes dans le théâtre d’Omar Porras. Vers un enchantement physique." Mimos 2014, no. 1 (January 1, 2014): 171–81. http://dx.doi.org/10.3726/97508_171.
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Descimon, Robert. "Les barricades de la Fronde parisienne. Une lecture sociologique." Annales. Histoire, Sciences Sociales 45, no. 2 (April 1990): 397–422. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1990.278842.
Full textAbstract:
La Fronde des actes est aussi une « Fronde des mots ». L'action puise dans un « répertoire de contestation », elle use d'« un langage de gestes convenus » , d'« un langage qui s'élabore au coeur de l'événement » ; elle sert « un texte que les acteurs improvisent tout en se conformant à d'anciens canevas»… Manifester dans la grande salle du Palais, crier sur le passage de la reine ou d'un prince, fermer les boutiques, tendre les chaînes, élever des barricades, tirer des escopades durant la nuit, sonner le tocsin…, ce sont là expressions courantes dans l'idiome parisien de la révolte. Cette langue naturelle est-elle en usage sur le « théâtre » où Gabriel Naudé proposait d'exercer « les meilleurs coups d'État par le moyen de la populace»? Ou bien ce théâtre des esprits forts, qui est rituel et violence symbolique, se voit-il opposer un « contre-théâtre » démystificateur où ce qu'on appelle le «peuple” partirait en quête d'une balbutiante autonomie ?On ne peut pas douter du caractère politique de la langue que firent parler les Parisiens contre le ministère, lors des barricades d'août 1648. « Logiques de la foule ». « Révoltes logiques ». Le logos séditieux se déploie en marge de l'historicité. Ses lois ne font pas appel à un développement historique, regrès ou progrès, elles dérivent des relations qu'entretiennent les divers foyers producteurs de représentations communes, de modèles de pensée et de comportement civiques.
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Potapushkina-Delfosse, Marie. "Gestes, contes, théâtre : trois éléments d’une approche didactique pour débuter l’apprentissage de l’anglais à l’école primaire." Voix Plurielles 10, no. 2 (November 28, 2013): 56–70. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v10i2.841.
Full textAbstract:
Cet article apporte un éclairage sur les raisons théoriques qui ont conduit au développement de l’approche d’enseignement/apprentissage étudiée. Il présente les modalités de la mise en pratique de celle-ci ainsi que son impact sur la motivation, la créativité et la qualité des productions linguistiques des élèves.
Gestures, Folk Tales and Theatre: Three Components of a Method for Teaching English to Primary School Beginners
This paper sheds light on the theoretical reasoning behind the teaching method we are studying. It presents ways of putting the method into practice and shows its impact on students’ motivation, creativity and language production quality.
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Damour, Christophe. "La déploration, de Sarah Bernhardt à Al Pacino. Permanence et migration d’une posture codifiée (arts visuels, théâtre, cinéma1)." Cinémas 25, no. 1 (May 5, 2015): 17–37. http://dx.doi.org/10.7202/1030228ar.
Full textAbstract:
L’acteur demeure au coeur de la palette expressive d’artistes (qu’ils soient cinéastes, photographes ou metteurs en scène) recourant à des procédés rhétoriques similaires fondés sur la puissance iconique de certains gestes. Cet article ébauche une enquête figurative sur la reprise stylistique d’un motif partagé par différents champs scéniques et visuels (du théâtre classique au photojournalisme) et des cinématographies diverses (des cinémas muets européen et russe au cinéma hollywoodien contemporain) : la gestuelle codifiée et esthétisée de la déploration (affaissement, cris, mains portées aux tempes ou levées vers le ciel). L’analyse comparative et généalogique de telles survivances de la peinture romantique, de l’expressionnisme, de l’opéra et du mélodrame, qui révèle l’existence de véritables filiations artistiques, va ici de la Sarah Bernhardt de La Tosca (1887) au Pacino du troisième volet du Parrain (1990), en passant par certaines images-choc redondantes qui prolifèrent dans le champ médiatique.
Dissertations / Theses on the topic "Gestes – Au théâtre"
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Jourdain, Christiane Garrec. "Théâtre des gestes : création, transmission à partir d'une langue gestuelle." Strasbourg, 2010. https://publication-theses.unistra.fr/restreint/theses_doctorat/2010/JOURDAIN-GARREC_Christiane_2010.pdf.
Full textAbstract:
Ma recherche interroge l’imaginaire du corps à travers une situation de transmission et de production. Il s’agit de comprendre, à partir d’un système de communication non-verbal, comment un acteur sourd peut intégrer son propre dispositif d’enseignement à un modèle didactique. Il est question d’une recherche sur une forme esthétique particulière autour du corps silencieux. Accepter l’absence de la parole dans ces conditions ce n’est pas chercher à reproduire des paroles par des gestes, ce n’est pas non plus imiter des actions d’individus pris comme modèles. Je révèle une théorie dans un système d’enseignement dont la subtilité génère un langage du corps qui se traduit en images, un processus fondé sur la visibilité. Si on considère qu’à partir des différences s’ouvrent de nouvelles perspectives, on peut envisager que ce matériau d’origine (la langue des signes), s’inscrive comme objet de recherche dans des conditions d’émergence. Un état de corps qui se réinvente dans un dispositif ouvert puisqu’il s’agit de croiser les individus avec leur propre langage. Une démarche innovante dans la création contemporaine, dont la particularité s’exerce sur chacun face à sa singularité. Il est question de déplacer les frontières où l’entrelacement des langages nous amène à multiplier les points de vue. Le rôle de l’art n’est pas d’enfermer chacun dans son propre territoire, mais bien d’ouvrir sur un terrain inconnu. Cette étude souligne l’enjeu pluridisciplinaire du champ observé qui conditionne l’exploitation et l’expérimentation de sa transformation dans l’art contemporain. Une approche esthétique originale qui nous invite à questionner sans cesse les formes existantesMy research questions the imagination of the body through a model of transmission and production. This means understanding, with a system of communication that does not use the spoken word, how a deaf actor can integrate his own method of teaching to a didactic model. It is a question of research on a particular esthetical form concerning the silent body. To accept the lack of words in these conditions is not trying to reproduce words by gests neither is it trying to imitate the action of individuals we have taken as models. I reveal a theory in a teaching system which creates a theatre of gests, a process founded on visibility. If one considers that the use of different languages could open new perspectives, one could envisage that the initial language (sign language) could be thought of as an emerging artistic form. A movement that reinvents itself in a context open to other languages where each person’s particularity is concerned: a movement which introduces contemporary creation. It is a question of displacing the frontiers or the intermingling of languages which brings us to different ways of thinking. The rule of art is not to enclose each human being in his domain, but to open up unknown territories. This study underlines the importance of the multi-field research of the subject observed which conditions the exploitation and the experimentation of its transformation in contemporary art. An original esthetical approach invites us to put into question continually existing artistic languages
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Szily, Eva. "Les mudrā, du Kūṭiyāṭṭam au Kathakaḷi : théâtralité d'une langue des gestes." Paris, EPHE, 2013. http://www.theses.fr/2013EPHE5020.
Full textAbstract:
Cette étude se propose d’apporter des connaissances sur un sujet encore non exploré : la diversité du langage gestuel dans les arts scéniques du Kérala : le Kûtiyâttam (théâtre sanskrit) dont les origines remonteraient au début de notre ère, et le (théâtre dansé) qui y trouve ses origines. Ce texte fait la synthèse de mon expérience de praticienne et de chercheuse de ces deux arts, de notes personnelles, avec croquis et analyse de spectacles. La connaissance du sanskrit et du malayāḷam m’a ouvert l’accès aux entretiens directs avec des artistes de plusieurs générations et des érudits locaux, ainsi qu’aux textes sources pour mener une analyse du langage gestuel selon différents critères (théâtral, linguistique, esthétique). Cet ouvrage relie les gestes rituels aux gestes scéniques et participe à la réflexion sur rite et spectacle. Le thème de la théâtralité s’y développe suivant des catégories significatives établies selon des aspects techniques, linguistiques, stylistiques, poétiques ; avec une attention particulière à leurs traits symboliques, à leur grammaire et à leur pouvoir de suggestion ainsi qu’à l’intégration harmonieuse de la gestuelle dans le jeu de l’acteur. L’analyse théorique est soutenue par des illustrations photographiques et graphiques faites par mes soins. Cette thèse est le troisième volet d’une recherche entreprise dès 1985. Maîtrise en Études Indiennes (2000) : « Traduction commentée de la Hastalakshanadîpikâ manuel de mudrā en sanskrit », seule traduction critique en langue française de ce texte, daté du IXe siècle. DEA en Études Indiennes, (2002) : « Genèse et mise en application d’une grammaire gestuelle dans les théâtres Kūṭiyāṭṭam et Kathakali », analyse approfondie de la mise en oeuvre de ce manuel, grâce à un texte ancien rédigé en malayāḷam, encore utilisé aujourd’hui pour l’apprentissage du (Rāmāyaṇasaṃkṣēpam « rāmāyaṇa en résumé ») dont j’ai assuré la traduction et l’analyse détailléeThe purpose of this thesis is to gain an in depth undertanding of an unexplored area : the diversity of the sign language in Kerala’s theater : the Kutiyattam (Sanskrit theater), whose roots are traced to the earliest days of our era, and the Kathakali (dance-drama), whose origin lie in it. This work combines my experience as a dancer and a researcher, personal notes, sketches and analysis of performances. My knowledge of Sanskrit and Malayalam allowed me to conduct interviews with performers and local scholars, and gave me access to the source texts to conduct a through analysis of the gesture language according to various criteria (theatrical, linguistic and aesthetic). I linked the ritual and performance gestures and contributed to global reflexion on the topic of ritual drama. I also introduce some of the fundemantal Malayalam texts related to hand gestures. The subject of theatricality is developped by drawign up various categories from several points of view, taking account such as technical, stylistic and other suggestive elements. Particular attention was paid to grammatical and symbolic aspects, and to their integration to gestures and performance. This project is the third part of my research undertaken since 1985, wich already resulted in two achievements : - In November 2000 I obtained a Master’s Degree in Indian Studies with the translation and commentary of the Hastalakshanadîpikâ, a Sanskrit treatise on hand gestures (mudrâ) used in both ancient theater forms of Kerala, Kâtiyâttam and Kathakali. - In my M. Phil Diploma I give a detailed analysis on hand gestures, based on an ancient text called Râmâyanasamkshêpam « Rama’s story in Résumé »
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Potapushkina-Delfosse, Marie. "Gestes, contes, théâtre : une approche multimodale de l'anglais pour des élèves débutants à l'école primaire." Thesis, Le Mans, 2014. http://www.theses.fr/2014LEMA3005.
Full textAbstract:
Cette recherche participative vise à élaborer et à tester un dispositif d’enseignement-apprentissage expérientiel de la langue anglaise, basé sur le principe de narration gestuée, destiné à des élèves débutants à l’école primaire. L’élément central de cette étude ancrée dans l’épistémologie de la reliance est la conception du geste, issue de l’anthropologie linguistique de Jousse, mise en pratique par Lecoq dans le domaine de la pédagogie théâtrale, concrétisée par la théorie des schémas-images de Johnson en linguistique cognitive, et confirmée expérimentalement par les récentes découvertes en neurosciences. Si le geste constitue la facette instrumentale du dispositif, le conte traditionnel en est l’appui thématique. Ce choix a été inspiré par la communauté des caractéristiques propres à la structure narrative du conte et à la motricité humaine (bilatéralisme joussien), au conte et à la conscience mythologique des enfants âgés de 6-8 ans (Egan, psychologie du développement).Le dispositif a été testé dans une classe de CE1 durant une année scolaire. L’analyse des productions d’élèves et des entretiens permet d’évaluer l’impact de la pédagogie expérimentée sur la qualité phonologique et lexicale de la langue, les stratégies de mémorisation ainsi que les stratégies de créativité/initiative linguistique et gestuelle mise en œuvre par les élèves. L’analyse met en lumière également le rôle de l’émotion et de l’interaction dans les apprentissagesThis participatory study on teaching languages in primary school aims to develop and test an experiential approach to English teaching and learning for beginners, based on the principle of gestural narration.This interdisciplinary research focuses on the concept of gesture as described by the linguistic anthropologist Marcel Jousse, put into practice by the theatre instructor Jacques Lecoq, embodied by Mark Johnson’s theory of image schemata in cognitive linguistics and confirmed by recent discoveries in neuroscience.In this teaching approach, gesture is the instrument, while traditional fairy tales provide the subject matter. Fairy tales were chosen because their narrative structure shares some of the characteristics of human motor behaviour (Jousse’s bilateralism) and because they are adapted to the mythic understanding of the world by children aged 6-8 (Egan, educational psychology).This approach was tested in a CE1 class (second year of primary school) during an entire school year. An analysis of student work and interviews assesses the impact of this experimental teaching approach on phonological and lexical language quality, on memorizing strategies, on pupils’ linguistic and gestural creativity/initiative, and evaluates the role of emotion and interaction in their learning
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Lee, Yong-Seog. "Recherches sur le langage des gestes dans le théâtre de l'absurde : Samuel Beckett et Boris Vian." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040181.
Full textAbstract:
L'objectif de cette thèse est de dévoiler et d'analyser le langage des gestes dans le théâtre de l'absurde de Beckett et de Vian. L'insurrection du langage gestuel et corporel est l'un des éléments essentiels de leurs univers théâtraux. Les gestes abondants et précis des personnages beckettiens et vianesques, leur fonctionnement, leur esthétique et leur signification sont un sujet tout à fait primordial pour notre étude. Répétitif, fragmentaire, sériel, absurde, burlesque, dérisoire, tragique, comique, humoristique, tous ces qualificatifs que l'on peut attacher à la nature des gestes beckettiens et vianesques, président à la stratégie de l'élaboration dramatique. Le langage des gestes vianesques et beckettiens, en tant qu'instance de création scénique et en tant qu'unité paradoxale et structure du tragique comique, se métamorphose en une source esthétique et philosophiqueThe objective of this thesis is to reveal and analyze body language in Samuel Beckett and Boris Vian's absurd theater. The insurrection of body and motion language is one of the essential elements in their theater work. The abundance and precision of the body language in the Beckett and Vian characters, their functioning, esthetic and meaning constitute an object of study of considerable importance. Repetitive, fragmentary, serial, absurd, burlesque, derisive, tragic, comic, all their adjectives that describe the nature of Beckett and Vian's body language are the source from which the dramatic elaboration derives. The body language of Beckett and Vian, as an instrument of scenic creation, as a paradoxical unity and as a tragic and comic structure, is a source of esthetic and philosophical meaning
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Dali, Jihane. "Le silence dans le théâtre de Samuel Beckett." Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0404.
Full textAbstract:
La place du silence est fondamentale dans le théâtre de Samuel Beckett. Touché par les horreurs d’Auschwitz, le dramaturge ne cesse de présenter des personnages au seuil de la mort et qui ont le sentiment que la communication est difficile, parfois vaine, et que pourtant il leur faut continuer à parler. Malgré son invisibilité, son caractère fluctuant et fuyant, le silence reste signifiant, ouvrant un espace vierge qui se remplit alors de sens. Protéiforme, le silence est ambivalent. La faillite du langage verbal entraîne le recours à d’autres langages. La présence des objets scéniques, le spectacle des gestes et de la danse, le jeu de l’ombre et de la lumière ont le rôle de pallier l’absence d’action et la désarticulation de la parole. Se taire chez Beckett devient un jeu scénique purement visuel. Le dramaturge dépasse toutes les limites pour mettre en scène un silence qui est à la fois le matériau et l’objet du jeu théâtralThe place of silence is fundamental in the theater of Samuel Beckett. Touched by the horrors of Auschwitz, the playwright continues to present characters on the threshold of death and they have the feeling that communication is difficult, sometimes vain, and yet they must keep talking. Despite its invisibility, its fluctuating and fleeing character, the silence remains meaningful, opening a virgin space which then fills with meaning. Protean, the silence is ambivalent. The use of verbal language bankruptcy to other languages. The presence of scenic objects, the show of gestures and dance, the play of shadow and light have the role to compensate for the lack of action and the disarticulation of the word. Shut up at Beckett becomes a purely visual stage play. The playwright exceeds all limits for staging a silence as both the material and the object of the theatrical game
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Dubos, Anne. "Quelle voix pour le théâtre ? : fabrication des corps et des identités : pour une étude du mouvement dans les théâtres contemporains au Kérala (Inde du Sud)." Paris, EHESS, 2013. http://www.theses.fr/2013EHES0521.
Full textAbstract:
La complexité de la construction de l'objet "théâtre contemporain au Kerala" relève du fait que d'une troupe à l'autre, les metteurs en scène font usage des éléments traditionnels ou conteporains selon des modalités différentes. D'où ma question initiale: quelle voix pour quel théâtre? qui parle à travers quel corps? Alors que nombreux sont désormais les festivals ou événements qui réunissent praticiens ou amateurs de théâtre, dont la pratique s'assume aujourd'hui comme contemporaine, c'est toute la tension entre la pratique des arts traditionnels et celle des arts contemporains qui s'exprime à travers la politique culturelle locale (Tarabout, 1997). A travers le discours des spécialistes, assiste-t-on à une entreprise de légitimation culturelle ou à l'émergence d'une genre artistique nouveau? Car une fois les notions de "tradition" et d' "authenticité" posées en relation dialectique à celles de "modernité" et de "globalisation", les revendications des praticiens du théâtre contemporain peuvent, soit relever d'une quête de nouvelles valeurs ou référence culturelle, soit s'inscrire en droite ligne d'un discours identitaire. Sur la base de trois monographies comparatives, à partir du travail de trois groupes, j'ai cherché à entrer dans le coeur du problème de la transmission des traditions gestuelles à travers les différentes traditions dramartugiques du Kérala. Apercevoir les nouvelles pratiques théâtrales comme des "arts de faire" décrits par le travail de Certeau, me permet d'entrevoir les arts de la scène comme une mise en pratique de l'art narratif, où la construction de soi se fait par un discours, qui n'est pas essentiellement verbal mais se constitues également par des signes matériels (techniques du corps; scénographie, musique. . . )Performing arts are an integral part of Malayalee culture and malayalee identity. Nearly all of the existing study is focused on classical and folk forms, such as Kathakali and Theyyam, however there is a serious gap in our understanding of contemporary theater in Kerala. Contemporary theater can be thought as a kind of "hybrid cultural product", existing between traditional and modern forms; it refers both to the Natyashastra, as well as the modern contributions of figures such as Grotowski and Stanislavski. This research aims to trace new theatrical practices and scenographic techniques that have developed from the interplay of local "native" theater and contemporary performance aesthetics. To get an overview of contemporary malayalee productions, the fieldwork examined several theatre groups, by way of participatory observation, including: Lokadharmi in Cochin, Sopanam and Abhinaya in Trivandrum, and the Thrissur School of Drama. The differences in the motivations of these groups (regarding issues such as caste, class and gender) illustrate new paradigms that are at the core of local discourse on culture. Is there an invention of tradition? In this vein, we examine the dynamism of local cultural production and consumption. Since the way one moves can inscribe one's identity, we have to examine the elaboration of a body language. The body will be questioned, first, as the simple body of the performer. The extensive video and photographic work, while serving to document the production of the theatre groups, also became the source of some participatory experimentation. For example, the video projects allowed the performers to experiment with their own image and, in turn, integrate these creations into the scenographic design. The reflexive use of image taking made for a unique exchange of ideas between observer and performer
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García, Martínez Manuel. "Réflexions sur la perception du rythme au théâtre." Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA081036.
Full textAbstract:
La specificite du rythme des mises en scene de theatre et sa perception par le spectateur peuvent etre abordees du point de vue des formes de groupements et de leur hierarchisation dans des structures superieures. Face a une definition prealable du rythme fondee sur une structure precise ou sur un type de groupement, les attentes differentes qui apparaissent des le debut de chaque mise en scene, les cadres rythmiques, s'averent fondamentales pour comprendre le deroulement rythmique. L'analyse concrete de ces aspects au theatre permet une appriche dynamique dy rythme visuel, du rythme prosodique de la voix des comedien analyse realisee grace a une etude phonetique-, du rythme des mouvements; elle revele des caracteristiques specifiques au deroulement temporel d'un spectacle de theatreThe specificity of the rhythm of a theatrical production and his perception are extremely complex. Among the more important aspects are groups and the inclusion of these groups within larger groups of theatrical elements which create a rhythmic hierarchy. The initial expectations that arise for every spectator at the begining of a production, which i call rhythmical frames are essential to understand the rhythm. These aspects are first applied to the actor's voice, - this thesis focus specially on the prosodic rhythm using a phonetic analysis of pitch and speed- , secondly to the movement realized by the actors, and finally to the whole of the prodution. This analysis reveals specific characteristics of theatrical developement
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Marchal-Louët, Isabelle. "Le geste dramatique dans le théâtre d'Euripide : étude stylistique et dramaturgique." Thesis, Montpellier 3, 2011. http://www.theses.fr/2011MON30045/document.
Full textAbstract:
L'étude du geste dramatique dans le théâtre d'Euripide s'attache principalement à la dimension verbale du geste théâtral. Elle n'envisage pas seulement les mots qui disent le geste comme un moyen de reconstituer le geste de l'acteur mais cherche à éclairer grâce à eux l'art dramaturgique du poète. Une première partie est consacrée à l'étude stylistique des énoncés regroupés en « motifs gestuels » et montre l'importance des gestes pathétiques de la filiav dans les tragédies d'Euripide. Dans une seconde partie, une analyse comparée de gestes dans des séquences parallèles chez les trois grands Tragiques permet de mesurer les variations du rapport entre parole poétique et spectacle dramatique d'un poète à l'autre, afin de mettre en lumière la spécificité de l'expression euripidéenne du geste et le renouvellement du pathétiquedans son théâtre. Y sont interrogées les conséquences qu'ont pu avoir sur l'écriture du geste les modifications de la pratique théâtrale au cours du ve siècle avant J.-C., l'évolution des tendances artistiques et le poids de la sensibilité personnelle et de la vision tragique de chaque poète. Dans la troisième partie sont examinées les expérimentations théâtrales auxquelles s'est livré Euripide autour de l'expression du geste, notamment dans ses dernières pièces, et quiremettent en question la nature du tragiqueThis study focuses on gestures as indicated by the words in Euripides' tragedies. Words are not only here a means to reconstruct the actor's gesture on stage, but are analysed in order to enlighten the specificity of the poet's dramatic art. The first chapter presents a stylistic study of the gesture formulas, grouped according to « gestural patterns », and reveals theimportance of the pathetic gestures of filiav in Euripides' theatre. In the second chapter, the comparison of gestures in parallel scenes by the three Tragic dramatists sheds light on the differences between them in the relationship between dramatic text and stage action and on the novelty of Euripidean gestural expression and pathos. This comparison is linked to the evolution of tragic performance in the fifth century, to the evolution of artistic tendencies and to the poet's own sensibility. The third chapter is an analysis of Euripides' theatrical experiments involving dramatic gestures, especially in his late plays, and leads to a new definition of the tragic nature of Euripidean theater
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Billon, Ronan. "Modèle d’interaction gestuelle entre humain et acteur de synthèse dans un contexte de théâtre virtuel." Brest, 2010. http://www.theses.fr/2010BRES2026.
Full textAbstract:
Ce travail de thèse se situe dans le cadre général de la communication et de l’interaction en environnement de réalité virtuelle. Nous nous intéressons particulièrement à la communication non-verbale entre l’humain et un acteur virtuel autonome. Nos travaux se positionnent dans un contexte d’interaction gestuelle qui soit la plus naturelle possible. Notre problématique consiste alors à percevoir et reconnaître un geste ou une séquence de gestes en temps-réel. Dans ce contexte, nous proposons de mettre en oeuvre un modèle de reconnaissance gestuelle efficace. Il existe actuellement de véritables difficultés pour créer une analyse de la dynamique des gestes. Les travaux issus de l’état de l’art décrit reposent sur la transcription des gestes en symboles. Un systéme de reconnaissance efficace devra répondre à un apprentissage simple, une reconnaissance temps-réel, une segmentation automatique du flux de mouvements, une extensibilité de la base de gestes aisée. Notre proposition est de fonder le notre sur une gestion de signature de geste. Nous montrons que grâce à une technique de compression basée sur I’ACP et une représentation géométrique appropriée, nous obtenons une image du geste contenant les informations nécessaires pour le caractériser et ainsi faciliter la comparaison avec l’observation temps-réel du flux continu. Nous introduisons une nouvelle technique de segmentation du flux associant la signature à un modèle d’agents. Nous avons appliqué avec succès nos travaux à une évaluation en condition de laboratoire puis devant un public dans un contexte de théâtre virtuel basé sur un scénario de CapoeiraThis work takes place in the general framework of communication and interaction in virtual reality environment. We are particularly interested in the nonverbal communication between humans and autonomous virtual actor. We position our work in the field of gesture interaction that is as natural as possible. Then, our problematic is to perceive and recognize a gesture or a sequence of gestures in realtime. In this context, we search to implement an effective model of gesture recognition. There are currently difficulties on the analysis of dynamic gestures. All studies from the state of the art described in this thesis refer all on the transcription of gestures into symbols. An effective recognition system should respond to: quick and easy learning stage; real-time recognition; automatic segmentation of the flow of movements; scalability of the database. To our knowledge, no system meet all these characteristics simultaneously. Our proposal is to base our model on gesture signature. This summerize the essence of the gesture. We show that using a compression technique based on PCA and a proper geometric adjustement we can compute a representation containing the information needed to characterize the gesture and faciitate the comparison with the observation of real-time flow. We introduce a new technique for segmenting the real-time flow based on the combination of the signature and an agent model. We applied our work, with success, on laboratory conditions evaluations and then in front of an audience in a play based on a Capoeira script in a theater
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Sakr, Mountajab. "Le théâtre de la parole de Philippe Minyana, représentation de la parole et des gestes, pasage du texte à la scène, technique d'écriture." Phd thesis, Université Paris VIII Vincennes-Saint Denis, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00411828.
Full textAbstract:
Cette thèse de 420 pages, comporte en plus de l'avant propos, quatre grandes parties de plusieurs chapitres chacune. L'introduction est incluse dans la première partie, et de la même façon les synthèses sont dans la quatrième partie, puis une conclusion générale suivie d'annexes, un entretien avec l'auteur, précédé d'une biographie et une bibliographie de l'auteur Philippe Minyana. Le sujet de la thèse intéresse en particulier les chercheurs travaillant dans les domaines du théâtre comme celui de la création théâtrale et de la réception, puisqu'il pose la question de la parole au théâtre. Ce genre de travail se situe à la frontière du théorique et de la pratique.
La thèse pose des questions sérieuses auxquelles elle essaye de répondre, le rapport entre la parole au théâtre et celle dans la réalité. Puis le rapport de l'œuvre avec le réel, la société contemporaine. Nous justifions notre choix de l'œuvre de Philippe Minyana en raison de sa vivacité, sa particularité dramatique dans le théâtre français contemporain, cette particularité réside dans la diversité des procédés de l'écriture utilisée dans les formes dramatiques de l'auteur.
Notre recherche se situe dans le creuset de la création dramatique de l'auteur étudié. Ce qui gît dans ce creuset, c'est la parole représentée, une écriture sans cesse réinventée, reconstruite à travers ses croisements avec la parole quotidienne. Dans le panorama des pièces de Minyana, nous proposons de suivre les battements de la parole en montrant l'évolution dramaturgique mise en œuvre par l'auteur dans les formes monologuées, la forme épique, la forme fragmentée des drames brefs, la rapports humains dans des lieux clos ou l'économie de la parole dans les dernières pièces.
Le travail se base sur une de étude des textes dramatiques et des axes dramaturgiques de l'œuvre de Minyana pour voir quelles sont les techniques d'écriture que Minyana utilisées dans son œuvre, et de là comment la parole prend une nature différente suivant les multiples formes d'écriture de l'auteur. Nous essayons de montrer comment la parole est structurée dans l'ensemble de l'œuvre de Minyana, de prouver qu'elle y est prioritaire par rapport aux autres composantes dramatiques. En analysant les étapes de cette écriture, nous suivons le mouvement intérieur de cette dramaturgie à travers l'étude de la «profération » de la parole sur scène.
Il s'agit dans thèse d'une étude détaillée de la langue dramatique dans les pièces choisies, (la répétition, le passage du coq à l'âne, l'oralité, la parole dans le récit dans son rapport au passé du personnage, les façons de parler des figures, l'étude la parole stylisée, les niveaux de la parole des figures et le passage d'un niveau à l'autre et la répétition des gestes qui entraîne une répétition de parole etc.) en vue de déterminer des formes dramaturgiques spécifiques.
Books on the topic "Gestes – Au théâtre"
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Waeber, Jacqueline. Musique et geste en France de Lully à la Révolution: Études sur la musique, le théâtre et la danse. Bern: Lang, 2009.
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Geste de la voix et théâtre du corps: Corps et expérimentations vocales à la croisée des pratiques artistiques du XXe siècle à nos jours. Paris: L'Harmattan, 2009.
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Herr, Sophie. Geste de la voix et théâtre du corps: Corps et expérimentations vocales à la croisée des pratiques artistiques du XXe siècle à nos jours. Paris: L'Harmattan, 2009.
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Capponi, Matteo. Parole et geste dans la tragédie grecque. À la lumière des trois « Électre ». Éditions Alphil-Presses universitaires suisses, 2020. http://dx.doi.org/10.33055/alphil.03145.
Full textAbstract:
Imaginez-vous à Athènes, vers 414 avant J.-C. Dans le théâtre de Dionysos sous l’Acropole. Gradins en bois, sol de terre battue, et pour seul décor un bâtiment rudimentaire, doté d’une grande porte. Au programme, Électre de Sophocle. La porte s’ouvre, Électre apparaît. C’est la fille de Clytemnestre et d’Agamemnon. Clytemnestre a assassiné Agamemnon à son retour de Troie, après dix ans de guerre. Elle règne aux côtés de son amant, Égisthe. Électre vient hurler sa peine devant le palais de Mycènes, face aux 12 000 spectateurs athéniens. Elle prend à témoin le jour qui se lève, rappelle le meurtre affreux de son père, invoque les déesses de la vengeance. Sophocle la représente ainsi, accablée par le deuil. Grâce à une tradition longue de 2 400 ans, nous connaissons les mots d’Électre prononcés ce jour-là : ceux de l’héroïne, ceux du poète, ceux de l’acteur derrière le masque. Nous avons le texte qui nous permet d’imaginer les gestes. Et de là les effets de scène, l’émotion des spectateurs, le spectacle vivant. Le présent ouvrage part à la recherche de ces gestes perdus. Entre les lignes des trois « Électre » d’Eschyle, de Sophocle et d’Euripide, il décèle des gestes de différentes natures : jeu et danse du comédien ; actes de parole d’Électre qui prie, se lamente, jure, maudit ; figures stylistiques par lesquelles le poète donne corps au texte… C’est une lecture qui mobilise aussi bien l’oreille que le regard. Qui montre comment la parole, selon les Anciens, acquiert son efficacité sur scène. En d’autres termes : comment elle devient geste.
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Jacques, Lecoq, Barrault Jean Louis, and Mnouchkine Ariane 1939-, eds. Le théâtre du geste: Mimes et acteurs. Paris: Bordas, 1987.
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Sarah, Bernhardt. L'art du théâtre: La voix, le geste, la prononciation. L'Harmattan, 2000.
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Jacqueline, Waeber, ed. Musique et geste en France de Lully à la Révolution: Études sur la musique, le théâtre et la danse. Bern: Lang, 2009.
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Jacqueline, Waeber, ed. Musique et geste en France de Lully à la Révolution: Études sur la musique, le théâtre et la danse. Bern: Lang, 2009.
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Musique et geste en France de Lully à la Révolution: Études sur la musique, le théâtre et la danse. Bern: Lang, 2009.
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Légeret, Katia. "Chapitre 3 La performance des gestes savants entre la danse contemporaine et le théâtre indien." In Performance et savoirs, 171. De Boeck Supérieur, 2011. http://dx.doi.org/10.3917/dbu.helbo.2011.01.0171.
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Harmat, Hélène. "Le geste entre défiguration et figure : postérité contemporaine de la pantomime." In Pantomime et théâtre du corps, 219–28. Presses universitaires de Rennes, 2009. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.80378.
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Pavis, Patrice. "Chapitre III. Mise au point sur le Gestus." In Vers une théorie de la pratique théâtrale, 53–62. Presses universitaires du Septentrion, 2007. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.13725.
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Pavis, Patrice. "Chapitre V. Problèmes d’une sémiologie du geste théâtral." In Vers une théorie de la pratique théâtrale, 81–112. Presses universitaires du Septentrion, 2007. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.13727.
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Courier de Mèré, Camille. "L’usage de la photographie dans l’analyse du geste scénique pictural de Marine Dillard dans La Mouette d’Anton Tchekhov, mise en scène par Thomas Ostermeier." In La photographie au théâtre, XIXe-XXIe siècles, 149–60. Presses universitaires du Septentrion, 2021. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.104585.
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Pavis, Patrice. "Chapitre IV. Le gestus brechtien et ses avatars dans la mise en scène contemporaine." In Vers une théorie de la pratique théâtrale, 63–79. Presses universitaires du Septentrion, 2007. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.13726.
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