Academic literature on the topic 'Grotesque (Esthétique)'

This article is about the grotesque in Baudelaire. While Baudelaire's famous essay on laughter plays an important role in contemporary theories of grotesque aesthetics, his own poetic production is often left aside. In this article, I discuss how the grotesque manifests itself in works by Baudelaire that seem a priori irrelevant because of their ostensible use of ‘comique significatif’, a sort of antithesis of the grotesque. Through a discussion of Pauvre Belgique! And ‘Le Chien et le Flacon’, I argue that the baudelairian grotesque most powerfully intervenes in the mode of a distortion of the intended meaning, which leads me to distinguish its reading from a properly ‘aesthetic’ experience.

Mikhail Bakhtin disait déjà à propos du corps grotesque: “[corps] monstrueux, horrible et déformé. C’est un corps qui n’a pas de place dans ‘l’esthétique du beau’”. Celle-ci est une des manières par lesquelles on peut comprendre cette autre esthétique connue comme celle du “grotesque”, c’est-à-dire sous la perspective de la monstruosité. Et c’est exactement ce que nous proposons dans cet article: offrir un regard sur le grotesque et le monstrueux comme des domaines passibles d’être conçus sous une même et seule logique. Dans ce but, nous attirons l’attention sur quelques entités rustiques de la mythologie dont la représentation sera centrée sur deux oeuvres littéraires d’origine grecque et latine respectivement: le Cyclope d’Euripide et l’épisode de la “Centauromaquie” telle comme il est raconté dans lês Métamorphoses d’Ovide.

<p>Mikhail Bakhtin1 disait déjà à propos du corps grotesque: “[corps] monstrueux, horrible et déformé. C’est un corps qui n’a pas de place dans ‘l’esthétique du beau’”. Celle-ci est une des manières par lesquelles on peut comprendre cette autre esthétique connue comme celle du “grotesque”, c’est-à-dire sous la perspective de la monstruosité. Et c’est exactement ce que nous proposons dans cet article: offrir un regard sur le grotesque et le monstrueux comme des domaines passibles d’être conçus sous une même et seule logique. Dans ce but, nous attirons l’attention sur quelques entités rustiques de la mythologie dont la représentation sera centrée sur deux oeuvres littéraires d’origine grecque et latine respectivement: le <em>Cyclope </em>d’Euripide et l’épisode de la “Centauromaquie” telle comme il est raconté dans lês <em>Métamorphoses </em>d’Ovide.</p>

Résumé L'article analyse le mode d'emploi du comique vallésien dans L'Enfant. Il montre que Vallès construit son roman sur le principe de l'échappatoire : chaque proposition avancée par le narrateur se ménage toujours une sortie de secours. Cette technique du « faux-fuyant » révèle une esthétique double qui tend simultanément vers la littérature engagée et vers l'autonomie, où le détail inutile tourne en dérision le contenu idéologique. L'ambition de Vallès a été de découvrir un tragique qui soit capable de révéler l'envers grotesque de l'histoire contemporaine.

La série télévisée Six Feet Under, consacrée à la vie quotidienne d’une famille de directeurs de pompes funèbres, propose une approche inédite et originale du cadavre. Très crue dans les détails de la thanatopraxie, elle montre ouvertement des corps tout en dévoilant le véritable enjeu de l’embaumement : effacer la mort sur le mort. Que ce soit pour les familles du défunt ou pour le téléspectateur lui-même, la vision du cadavre ne peut se faire sans une esthétique, un imaginaire, qui le transforment en corps. Pour affronter la vision d’un mort, un filtre visuel est indispensable qui, sous l’illusion de la frontalité, n’est qu’une mise à distance du cadavérique. Notre article étudie quelques-unes de ces différentes imageries : commerciale, théâtrale, grotesque, fantasmatique, sérielle.

En 1940, Salvador Dalí s’exile aux États-Unis où il séjournera pendant huit ans. Il fera alors de la scène son arme pour conquérir un public qu’il souhaite toujours plus nombreux. Pour cela, il propose un surréalisme adapté, nourri de la culture de masse et des images grotesques que réclame le spectateur. C’est également sur les planches qu’il prend ses distances avec le groupe de Breton et qu’il présente sa nouvelle orientation esthétique. Peu à peu, l’Amérique entière devient la scène de ses happenings et il consolide le masque qui fera de lui une nouvelle icône américaine.

À partir de l’analyse du film Borderline de Lyne Charlebois, sorti en salle au Québec en 2008, et des récits de Marie-Sissi Labrèche qui ont servi de canevas au long-métrage, cet article interroge les limites rencontrées par la représentation visuelle d’une sexualité féminine ancrée dans l’explicite. Dans le passage des livres de Marie-Sissi Labrèche au film de Charlebois qui s’en inspire, l’esthétique postpornographique et la sexualité féminine excessive, voire grotesque, qui caractérisent les premiers s’édulcorent jusqu’à transformer la quête sexuelle de la narratrice en une quête amoureuse. Au regard de ces modifications esthétiques qui ne sont pas sans conditionner la signification du sexuel, on peut se demander si la représentation visuelle de la sexualité féminine n’est pas, encore aujourd'hui, placée sous le signe d’une menace de contamination du social.

Notre propos est d’étudier le comique de l’hybridation et l’exhibition du comique dans les formes dramatiques et paradramatiques contemporaines. Notre champ d’investigation se propose d’être transversal. Il ne sera ni limité strictement à une époque donnée, ni aux auteurs français ou francophones. Une première partie étudiera le comique en question. Une seconde s’attachera à la poétique du rire. La troisième examinera les principales formes du comique moderne. La quatrième définira le grotesque hybride et le burlesque exhibé. La cinquième examinera les modalités d’application de l'hybridation ainsi que de l’exhibition en montrant comment le théâtre contemporain entraîne le spectateur du Bouffon Hilarant aux salves du Rire. Les traits saillants du devenir du comique dans le théâtre contemporain seront ainsi abordés, dégagés
Our purpose is to study the comicality of hybridization and exhibition through the dramatic and paradramatic contemporaneous works. Our analytical investigations does not respect literal chronology. It will not be reduced to a period or some French or French speakers playwrights. First, we will study the comicality in question. Then we will try to focus on the poetics of laughter. The third part will deal with the principal forms of modern comicality. The fourth part defines hybridization in the grotesque comic style and the burlesque modalities of exhibition. The fifth one will focus on how hybridization and exhibition appear through the plays, how the spectator is confronted with the Actor as a Fool who makes him laugh hilariously. So will be drawn the major features of the mutations of the theatral contemporaneous comicality

La théâtralité de la mort chez les deux artistes flamands Michel de Ghelderode et Jan Fabre est basée sur un corpus de textes. Découpée en trois domaines constitutifs du théâtre - littérature, dramaturgie, esthétique - l'objectif de ma recherche est centré sur un dialogue entre un art dramatique et un art postdramatique, de façon à confronter ou confondre certains éléments des deux champs théâtraux à travers la théâtralité de la mort. Le domaine littéraire explore le discours des deux auteurs, depuis le titre de leurs oeuvres jusqu'à leurs genres, en passant par les micro et les macrostructures du texte, montrant que la littérature de la mort se reconnaît aussi bien à la forme qu'aux motifs de l'écriture. Les renversements carnavalesques propres aux pièces des écrivains en dépit de leurs différences fondamentales se retrouvent dans le domaine dramaturgique. Il se concentre sur des personnages, des espaces et des temps de la mort en faisant ressortir ce qui relève du jeu dramatique et du jeu performatif. La notion du double, dans le champ de l'esthétique, est étudiée à partir du corps et à partir du processus créatif des deux poètes; le miroir du tableau sur le théâtre est une constante de ce travail. Enfin, la notion duale est opposée à l'universel que représente la figure christique, porteuse du grotesque par la résurrection. Malgré les coupures entre les diverses formes d'expressions artistiques, pour Jan Fabre il a continuité entre un langage visuel et un langage textuel, telle une continuité entre vie et mort
The theatricality of death at both Flemish artists Michel de Ghelderode and Jan Fabre is based on acorpus of texts. Divided into three constituent fields of theater - literature, dramaturgy, aesthetic -the objective of my research is focused on a dialogue between a dramatic and a post-dramatic art, inorder to confront or confuse some theatrical elements of both fields through theatricality death. Theliterary part explores the linguistics of the authors texts, from the title of their works to their genres,including the micro and macrostructures, showing that the literature of death is as well in the shapeas in the motives of the writing. The carnavalesc reversals particular to the writers' plays in spite oftheir fundamental differences is found in the dramaturgy field. It focuses on characters, spaces andtimes of death by highlighting what is dramatic play and performative play. The concept of doublein the aesthetics part, is observed through the body and the creative process of the poets; the mirorof the painting on theater is a constant in these works. Finally the double is opposed to the universalthat the christik figure represents, carrier the grotesc by the resurrection. If there are gaps betweenthe various forms of artistic expressions, for Jan Fabre there is continuance between a visuallanguage and a textual language, such continuity between life and death

L’œuvre de McCarthy est imprégnée de violence. Fil conducteur de l’œuvre dans sa totalité. L’œuvre est une re-présentation en miniature de l’Histoire américaine. Une transcription artistique d’un quotidien écrasant, pesant lourd sur les personnages emblématiques. Oeuvre en délire. Nature tourmentée. Texte mobile, mouvant, d’où l’aspect baroque sur le plan stylistique. Style qui épouse les formes d’un paysage convulsionné, torturé ; style apocalyptique, style qui ranime et qui insuffle la vie à une nature décrépite et dilapidée. Style visuel métaphorique. Style qui dépeint la violence pour mieux la dénoncer. Personnages qui semblent sortir du règne humain et tendre vers le minéral, le végétal ou l’animal. Personnages inscrits dans une dynamique d’échanges avec le cosmos propre au corps grotesque. C’est au lecteur d’établir la logique du sens. Violence de l’univers décrit mais aussi violence faite au langage et génératrice de langage. Esthétique de la violence et par la violence
McCarthy’s fiction is embedded with violence. McCarthy’s fiction is a re-presentation of American History. An artistic transcription of a daily life weighing heavily on emblematic characters. Tormented nature. Frantic fiction. Moving text, hence, stylistically, the baroque aspect. Style that takes on the form of a tortured, convulsed landscape ; apocalyptic style. Style that gives life to a decrepit and dilapidated nature. Visual and metaphoric style. Style that depicts violence to denounce it even more. Characters that seem to get out of the human kingdom to tend towards the mineral, the vegetal or the animal. Characters that are inscribed in a dynamics proper to the grotesque. The reader is compelled to build up meaning, to set up the logic of meaning. Violence of the universe being described but also violence made out of language and productive of language. Aesthetics of and by means of violence

Tel qu’il a été formulé par Georges Bataille dans Documents, dans les premières décennies du XXe siècle, l’informe s’est avéré être un puissant moteur de réflexion. Il a fait naître des œuvres qui disent s’en inspirer, et motivé un âpre débat théorique sur le véritable sens à lui donner. Qu’est-ce que l’informe, en effet ? Cette catégorie complexe et paradoxale s’avère très fructueuse dans l’analyse des œuvres théoriques, plastiques et littéraires de la Renaissance qui s’intéressent à la naissance des formes. L’utilisation d’une notion anachronique permet de réunir dans un même ensemble les préoccupations concernant les origines de l’œuvre d’art, celles sur la bonne composition, ainsi que celles concernant la Matière et l’Être. Ce travail dégage ainsi ce qui serait une poétique de la forme en devenir, poétique se réclamant de la philosophie néo-aristotélicienne de l’époque mais opérant un élargissement d’horizons et une refonte conceptuelle très éloignés de la pensée antique
From the early XXth century the Formless, as defined by Georges Bataille in Documents, has revealed itself to be a powerful tool for reflection. It has inspired art works and triggered an ongoing debate about its true meaning, for what is the formless exactly? In search for its essence, this category has proven to be of great value when analyzing theoretical, artistic and literary Renaissance works dealing with the birth of form. The anachronic notion of Formless permits an intertwining of questions regarding the origins of the piece of art, good composition, matter and being. Through this essay we will discuss the poetics of art in the making, so-called (neo)Aristotelian in the XVIth century – poetics in a constant and fluid definition of the Aristotelian meaning enlarged by non-Aristotelian concepts, and categories distant to those attributed to it in classical times

La fondation d'une littérature « nationale » n'est possible que dans la réactualisation du mythe ou de l'événement mythique, qui restent tous deux introuvables ici, chez nous, nous dit Victor-Lévy Beaulieu dans une entrevue réalisée en 1979, suite à la parution de Monsieur Melville. Ce mémoire reconnaît donc, dans un premier temps, cette alliance que fait systématiquement Beaulieu entre la question nationale du Québec et son inscription « dans » l'histoire, toutes deux encore non-advenues selon lui, et pourtant essentielles au développement et à la postérité d'une littérature dite « nationale ». L'apparition du texte historique, tel qu'on le retrouve finalement dans La grande tribu, reste un événement singulier dans l'œuvre de Victor-Lévy Beaulieu. Inspiré par la méthode de Michelet, qui, tel un romancier a su donner corps et voix aux grandes figures de l'histoire, l'auteur choisit de présenter huit personnages du XIXe siècle, en alternance avec un récit de fiction, comprenant l'invention d'une épopée québécoise (reprenant le parcours allant de la Bretagne à la grande traversée, à la rencontre des « sauvages » d'Amérique aboutissant au premier métissage, à la Nouvelle-France jusqu'à la Conquête anglaise) qu' il présente à travers le trou du crâne d'un interné. L'auteur suggère une façon nouvelle de raconter, fondée sur une apparente tension axiomatique entre la fiction et l'histoire. Par conséquent, nous croyons que le roman appelle une analyse détaillée des enjeux liés au traitement de l'histoire. L'essai philosophique Temps et récit, de Paul Ricœur, propose un regard pertinent pour étudier cette complexité narrative, et sera convoqué à divers endroits dans le mémoire pour éclairer les enjeux soulevés. Nous proposons donc une entrée en matière abordant exclusivement le travail d'écriture historiographique de Beaulieu, qui se trouve dans la partie des Libérateurs. Seront soulevées, à travers une analyse de ces textes biographiques, bon nombre de questions liées au discours proprement historique de Beaulieu. Dans le deuxième chapitre, et à partir de l'un des entrecroisements narratifs majeur, impliquant le libérateur Jules Michelet et le personnage lésionnaire Habaquq Cauchon, nous nous pencherons sur les chapitres de fiction, en abordant l'un des éléments clés, soit la folie, présentée sous diverses appellations, dont l'« hystérie-historique ». Les auteurs placés en bibliographie par Beaulieu seront convoqués afin d'éclairer certains aspects du récit, et ainsi faire la lumière sur les différents enjeux reliés au contexte de l'enfermement psychiatrique. Au troisième chapitre, il nous faudra étudier le jeu sur les registres mythologique, épique, grotesque, qui donnent à ce roman sa forme et sa matière, et mettent en acte le désir de hausser l'histoire et la mémoire de ce pays au statut des mythes universels. La langue de Beaulieu est la proie de métamorphoses et offre au récit une portée avant tout littéraire. La plasticité de la langue, incarnée par les figures signifiantes de Claude Gauvreau et de Walt Whitman, cherche à nous ramener aux origines de l'humanité, tout comme le recours à l'animalité, omniprésent dans l'œuvre de l'écrivain. L'usage du grotesque mène à la guérison de l'« hystérie historique » du personnage (la fusion du cerveau porcin et humain, la révolution carnavalesque du Québec), et au rétablissement du rapport au temps, dorénavant équilibré. Dans ce mémoire, ce sont ces complexes intrications du grotesque, de l'épique et du sublime qu'il faudra reconnaître. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Victor-Lévy Beaulieu, La grande tribu, Historiographie, Folie, Mémoire/Oubli, Internement.

Ce mémoire porte sur la question du stéréotype féminin dans sa valeur construite et normative. Plus spécifiquement, nous aborderons ce type de catégorisation d'identité de genre mis en relief de manière critique par l'utilisation de stratégies du grotesque dans la série Fashion de Cindy Sherman. En substituant un canon grotesque à la représentation de la féminité à l'intérieur du champ de la photographie de mode haute couture, l'artiste met en évidence les structures qui régissent la création et le maintien d'un tel stéréotype. En premier lieu, nous procéderons à la définition de la notion de stéréotype produit dans le domaine de la représentation médiatique pour démontrer comment celui-ci est naturalisé et partagé culturellement. À l'aide de théories féministes, nous ciblerons la particularité du stéréotype dans sa version « féminine » en tant que sujet passif et soumis à un regard de type masculin. En nous basant sur la pensée foucaldienne, nous verrons qu'un ensemble de règles et de codes identitaires sera intégré à titre de normes dans une discipline du corps féminin. Dans un deuxième temps, nous cernerons de manières conceptuelle et historique la particularité de la mode qui, bien que faite de changements subits et aléatoires, sous-tend une vision statique de la différence des sexes en catégories de genre. Également, nous définirons le vêtement en tant que symbole de mascarade de la féminité qui exige la participation de la femme au jeu de la séduction. Enfin, nous verrons que les stratégies visuelles humoristiques permettent d'appuyer les discours critiques et politiques des pratiques artistiques contemporaines par la déconstruction des structures de la représentation. En dernier lieu, nous observerons les œuvres Fashion de Cindy Sherman, en analysant l'impact qu'elles créent sur les habitudes du corps-regardant par l'insertion de personnages qui défient les conventions de la féminité en mode. En transgressant les limites du présenté et du présentable en photographie de haute couture, l'artiste démontre que la femme est confinée à une logique de domination qui régule sa conduite par diverses instances externes et internes : le regard de l'autre, le rire, l'association de la féminité à la moralité, l'enveloppe vestimentaire, la maîtrise des limites du corps. Au terme de ces recherches, les stratégies du grotesque observées dans l'œuvre de Sherman nous apparaissent comme étant des outils particulièrement efficaces pour permettre une déconstruction de la vision stéréotypée du genre féminin ainsi qu'une mise en évidence des structures qui conditionnent le regard du spectatorat. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : art contemporain, Cindy Sherman, Fashion, stéréotype, genre, féminisme, représentation, mode, humour, grotesque.