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Dissertations / Theses on the topic 'Grotesque (littérature)'
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Delestré, Stéfanie. "Le roman noir : littérature "contre", contre-littérature." Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100101.
Full textAbstract:
Le roman noir contemporain a toujours été envisagé par la critique comme un avatar du roman policier. Or, si les histoires de détective dont il est en partie constitué peuvent justifier un tel rapprochement, il met pourtant en œuvre un univers fictionnel radicalement différent, et une manière d'opposition qui fait d'abord du roman noir une " littérature contre ". Mais l'étude d'une quinzaine de ses productions majeures, américaines et françaises, montre bien qu'il déborde largement le cadre trop étroit que fixent les contours d'une catégorie générique. Un registre thématique de la trivialité qui relève du grotesque littéraire, une écriture paradoxale du banal et de l'excès qui donne à voir la dualité essentielle de l'individu et la duplicité du réel, une stratégie textuelle du brouillage des sens et du sens, qui saisit le lecteur et l'amène à douter de ses propres repères, autant d'éléments caractéristiques qui trouvent des résonances dans d'autres domaines du littéraire et étendent le caractère subversif du roman noir de sa thématique à son esthétique. Le roman noir renverrait ainsi à une conception de l'humanité qui conditionne la manière de penser le littéraire. C'est alors comme " contre-littérature " qu'il convient de l'appréhender, parce qu'il révèle le caractère arbitraire des frontières dressées par l'institution littéraire et remet en cause la conception dominante de la littérature<br>The contemporary "Roman Noir" has always been presented by the critic as an avatar of the detective stories. But if detective stories constitute a large part of the genre, justifying in a way a such approach, it uses in fact a very different fictional universe based on the opposition, which makes the “Roman Noir” the expression of an “against” literature. The research done on the main fiveteen American and French productions shows that it widely overflows the limits fixed by the too narrow frame of a generic category. A trivial thematic register inherited from the grotesque literary, a paradoxical description of banality and excess, which shows the essential duality between the human being and the duplicity of the reality, a writing strategy, which scrambles feelings and meanings to seize the reader and makes him/her doubt of his/her own references, are many characteristic elements, which find echoes in other literature fields and increase the subversive character of the “Roman Noir” from its thematic to its esthetic. The “Roman Noir” would be a vision of the humanity, which influences our conception of literature. So it is most as a “counter-literature” that we have to approach it, because it reveals the arbitrary character of the literary institution drawn up frontiers and amends the prevailing conception of the literature
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Burkart, Milena. "Création, récréation, recréation : figures du grotesque littéraire." Strasbourg 2, 2001. http://www.theses.fr/2001STR20048.
Full textAbstract:
Le terme grotesque est né au début du seizième siècle pour désigner une forme d'art ornemental spécifique à la Renaissance italienne ; mais il acquiert vite une vie autonome et devient une notion esthétique qui traverse les siècles et les frontières de l'art pictural. Au cours de ces extensions, le grotesque perd ses contours et devient une notion hétéroclite, en peinture comme en littérature. Cette étude propose non pas une redéfinition du grotesque, mais une comparaison de figures littéraires grotesques qui met à jour les similitudes avec les origines picturales de la notion. A travers des oeuvres littéraires du dix-neuvième et du vingtième siècle, les deux apogées du grotesque après la Renaissance- on découvre un langage imagé qui procède à la dislocation et à la recomposition des corps, qui est à la fois recréation des données naturelles et récréation ludique de l'artiste. .<br>The origine of the word grotesque lies in the beginning of the 16th century, when it stands for a specific form of ornamental art in the Italian Renaissance. . .
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Lachaud, Maxime. "Le grotesque sudiste dans l'œuvre romanesque de Harry Crews." Toulouse 2, 2003. http://www.theses.fr/2003TOU20043.
Full textAbstract:
Entre réalisme grotesque et étrangeté gothique, l'œuvre de Harry Crews érige la tradition sudiste post-faulknérienne au rang de manifeste esthétique. L'auteur dépasse le conflit et la dualité cartésienne du corps et de l'esprit pour présenter des personnages qui trouvent l'esprit, ou qui le cherchent, à travers le corps. Son grotesque se ressent dans cette "théologie du corps" et dans une physicalité inspirée de l'environnement "white trash" dans lequel il a grandi. Face à la domination du corps dans la vie des personnages, deux attitudes se révèlent : soit un sentiment d'aliénation, qui renvoie aux théories de Kayser, soit une acceptation (Bakhtine). L'œuvre de Crews se poserait donc comme une sorte de réconciliation entre le grotesque médiéval et le grotesque romantique, entre la bouffonnerie rabelaisienne et la noirceur existentielle. En se livrant à des rituels "carnavalesques" pour imposer de l'ordre et de la discipline dans leur existence, les personnages traduisent ce concept bakhtinien dans un conflit individuel, une aliénation. L'œuvre de Crews apporte une lumière nouvelle et déroutante sur la tradition grotesque en la confrontant à une métaphysique de l'abject dans un Sud "hanté" par la Foi<br>Between grotesque realism and Gothic strangeness, Harry Crews's novels transform the post-Faulknerian Southern tradition into an aesthetic manifesto. The author goes beyond the Cartesian conflict between mind and body to present characters who find, or try to find, the spiritual through the corporeal. Crews's grotesque can be felt in this "theology of the body" aund in a physicality inspired by his white trash education. In response to the domination of the body in the characters's lives, two attitudes can be found : a feeling of alienation, that brings us back to Kayser's theories, or acceptance (Bakhtin). Thus, Crews's work would be a kind of reconciliation between the medieval and the Romantic grotesque. Through "carnivalesque" rituals, the characters want to impose order and discipline on their lives and translate this Bakhtinian concept into a personal conflict, an alienation. The fictions of Crews enlighten in a challenging way the grostesque tradition through a metaphysics of abjection in a South "haunted" by Faith
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Grué, Mélanie. "Grotesque «queer» et savoirs abjects dans l’oeuvre de Dorothy Allison." Thesis, Paris Est, 2013. http://www.theses.fr/2013PEST0013.
Full textAbstract:
Originaire du milieu white trash, victime d’inceste, lesbienne et queer, Dorothy Allison appartient à une nouvelle génération d’auteurs qui, depuis les années 1980, perturbent le paysage littéraire et politique américain. Peuplée de personnages grotesques, dont les difformités physiques reflètent les normes sociales, sexuelles et de genre qui sous-tendent les discours dominants réduisant l’individu déviant au silence, l’oeuvre de l’auteure est pourtant un espace de prise de parole pour les sujets subalternes (les pauvres, les femmes, l’enfant abusée, et les homosexuels) que la société définit comme étant abjects. Ces recherches se concentrent sur les liens entre littérature et théorie, et sur la portée politique du témoignage minoritaire de Dorothy Allison, envisagé comme un espace de théorisation. À partir de l’analyse des théories du sujet, des études sur les classes et les « races », des critiques de l’autobiographie et de la théorie queer, nous expliciterons la manière dont le texte littéraire transmet le discours de revendication de l’individu subalterne, permet l’affirmation du sujet, et véhicule les « savoirs abjects » qui perturbent les normes. Ce travail s’attache à relire et repenser les théories à travers le prisme d’une oeuvre littéraire qui s’approprie le mode de représentation grotesque et accorde une place centrale au corps et aux sens. Faisant la part belle au langage du corps, le témoignage minoritaire romancé met à mal les hiérarchies et célèbre la profonde humanité des individus dévalorisés<br>Born in a white trash milieu, a victim of incest, lesbian and queer, Dorothy Allison belongs to the new generation of writers who, since the 1980s, have troubled the American literary and political landscape. Overflowing with grotesque characters, whose physical deformity mirrors the social, sexual and gender norms underlying the dominant discourses that silence the deviant individual, the author’s work is nevertheless a space where inferior subjects (the poor, women, the abused child, homosexuals), defined by society as being abject, can speak. This research focuses on the connections between literature and theory, and on the political significance of Dorothy Allison’s testimony, here considered as a theorizing narrative. Using subject theory, class and race studies, autobiography criticism and queer theory, we shall explain how the literary text passes on the inferior individual’s claims, enacts the subject’s self-assertion, and transmits the “abject knowledge” which disrupts the norms. This research aims at re-reading and rethink various theories through the literary work which appropriates the grotesque mode of representation and grants the material body and the senses a central place. The fictionalized testimony makes bodily language paramount, interrogates established hierarchies and glorifies the intense humanity of discredited individuals
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Cambreleng, Guy. "Witkiewicz et le grotesque. L'exemple de son theatre." Paris 3, 1989. http://www.theses.fr/1990PA030001.
Full textAbstract:
Witkiewicz est l'auteur d'une oeuvre tres diversifiee, theatre, essais, romans, ouvrages philosophiques, peinture et meme photographies. Son oeuvre theatrale met en valeur de nombreux caracteres du genre "grotesque", mis au service d'une conception du monde essentiellement tragique. Contemporain de nombreux mouvements litteraires et artistiques apparus dans le premier tiers du vingtieme siecle, il manifeste envers eux une mefiance, en raison de l'intuitionnisme et de l'irrationnalisme qu'il y percoit. Les caracteres des personnages de ses pieces ainsi que les themes de sa dramaturgie sont souvent recurrents. La langue qu'il utilise fait appel aux registres les plus divers. Ses pieces comportent un grand nombre de personnages toujours decrits avec minutie, dans des didascalies-fleuve. Son theatre, tres souvent represente dans son pays possede un impact assez faible en occident. Quelles en sont les causes ? une analyse des representations de ses pieces en pologne, d'une part et dans les pays d'expression francaise, d'autre part doit permettre d'y repondre. Une pratique scenique de witkiewicz permet de preciser les conditions de reussite de ses drames. En annexe, un essai de mise-en-scene pour "une locomotive folle", la construction d' une piece "l'ile de satan" a partir de deux fragments publies, un exemple de lecture des "cordonniers" ainsi que l'analyse detaillee d'une scene de cette piece et enfin un expose des problemes engendres par la traduction d'une piece non encore publiee en france mais jouee a paris en 1986: "miss tootlie-pootlie" permettent, je l'espere, de cerner de plus pres cette oeuvre fondamentalement pessimiste<br>Witkiewicz is the author of a work very varied, theater, essays, novels, philosophical works, painting and even photography. His theatrical work set oo many features of grotesque style at the service of a world conception essentially tragic. Contemporary of several artistic and literary movements, loomed up on the horizon of the first third of twentieth century, he mistrusts them owing to intuitionnism and irrationalism that he detects in them. The dramatis personae of his plays as the themes of his dramatic art are often recurrents. The language employed refers to the most varied levels. His plys consist of many dramatis personae always describe meticulously in sizeable didascalies. His plays are very often performed in his country but they have an enough weak impact in occident. What are the reasons of that? an analysis of the performances of his plays in poland, on the one hand and in the countries of french expression, on the other hand can allow to answer. A theatrical practice of witkiewicz permits to specify the conditions of success of his dramas. In annex, an attempt to put on stage: "a crazy locomotive", the construction of a play: "the island of satan" from two published fragments, an example of reading about "the shoemakers" as a detailed analysis of of a scene of this play and at last the problems created by the translation of a play never published in france but performed in paris in 1986: "miss tootlie-pootlie", allow, i hope so, to delimit more closely, this work inherently pessimistic
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Grué, Mélanie. "Grotesque "queer" et savoirs abjects dans l'oeuvre de Dorothy Allison." Phd thesis, Université Paris-Est, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00958245.
Full textAbstract:
Originaire du milieu white trash, victime d'inceste, lesbienne et queer, Dorothy Allison appartient à une nouvelle génération d'auteurs qui, depuis les années 1980, perturbent le paysage littéraire et politique américain. Peuplée de personnages grotesques, dont les difformités physiques reflètent les normes sociales, sexuelles et de genre qui sous-tendent les discours dominants réduisant l'individu déviant au silence, l'oeuvre de l'auteure est pourtant un espace de prise de parole pour les sujets subalternes (les pauvres, les femmes, l'enfant abusée, et les homosexuels) que la société définit comme étant abjects. Ces recherches se concentrent sur les liens entre littérature et théorie, et sur la portée politique du témoignage minoritaire de Dorothy Allison, envisagé comme un espace de théorisation. À partir de l'analyse des théories du sujet, des études sur les classes et les " races ", des critiques de l'autobiographie et de la théorie queer, nous expliciterons la manière dont le texte littéraire transmet le discours de revendication de l'individu subalterne, permet l'affirmation du sujet, et véhicule les " savoirs abjects " qui perturbent les normes. Ce travail s'attache à relire et repenser les théories à travers le prisme d'une oeuvre littéraire qui s'approprie le mode de représentation grotesque et accorde une place centrale au corps et aux sens. Faisant la part belle au langage du corps, le témoignage minoritaire romancé met à mal les hiérarchies et célèbre la profonde humanité des individus dévalorisés.
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Gabaude, Florent. "Les comédies d'Andreas Gryphius (1616-1664) et la notion de grotesque." Tours, 1997. http://www.theses.fr/1997TOUR2033.
Full text
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Reich, Michèle. "Le comique de l'hybridation et l'exhibition du comique dans les formes dramatiques et paradramatiques contemporaines." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030075.
Full textAbstract:
Notre propos est d’étudier le comique de l’hybridation et l’exhibition du comique dans les formes dramatiques et paradramatiques contemporaines. Notre champ d’investigation se propose d’être transversal. Il ne sera ni limité strictement à une époque donnée, ni aux auteurs français ou francophones. Une première partie étudiera le comique en question. Une seconde s’attachera à la poétique du rire. La troisième examinera les principales formes du comique moderne. La quatrième définira le grotesque hybride et le burlesque exhibé. La cinquième examinera les modalités d’application de l'hybridation ainsi que de l’exhibition en montrant comment le théâtre contemporain entraîne le spectateur du Bouffon Hilarant aux salves du Rire. Les traits saillants du devenir du comique dans le théâtre contemporain seront ainsi abordés, dégagés<br>Our purpose is to study the comicality of hybridization and exhibition through the dramatic and paradramatic contemporaneous works. Our analytical investigations does not respect literal chronology. It will not be reduced to a period or some French or French speakers playwrights. First, we will study the comicality in question. Then we will try to focus on the poetics of laughter. The third part will deal with the principal forms of modern comicality. The fourth part defines hybridization in the grotesque comic style and the burlesque modalities of exhibition. The fifth one will focus on how hybridization and exhibition appear through the plays, how the spectator is confronted with the Actor as a Fool who makes him laugh hilariously. So will be drawn the major features of the mutations of the theatral contemporaneous comicality
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Pache, Raphaëlle. "Le grotesque : la beauté du réel : oeuvres narratives de Hugo et Gogol." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081767.
Full text
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Sandy, Kébir. "The grotesque in the creation of the dickensian characters : constancy and evolution." Limoges, 1994. http://www.theses.fr/1994LIMO0506.
Full textAbstract:
Dickens et son oeuvre ont fait l'objet de multiples interpretations. Ceci est du a la complexite de la personnalite de l'ecrivain et a la richesse de son texte. Il y a cependant un sujet relativement peu aborde, celui de l'evolution du romancier comme artiste du grotesque. C'est le but que nous avons fixe a notre travail ; nous nous sommes appuyes sur l'analyse de nombreux personnages des romans. En tenant compte de sa nature ambigue, la premiere partie propose une definition historique et linguistique du terme "grotesque" et une serie d'opinions anciennes et modernes sur la question. Ensuite, nous avons porte attention aux rapports entretenus par dickens avec le theatre populaire et la satire picturale. Sa fidelite a ces traditions grotesques est explicitee dans notre deuxieme partie. Les ouvrages de jeunesse presentent des situations empruntees aux domaines de la pantomime et de la commedia dell'arte. Le caractere excentrique de certains personnages les apparente aux habitants du monde merveilleux d'arlequin et de pantalon, alors que d'autres semblent sortis tout droit des tableaux d'hogarth. Il est notable que, malgre la presence dans l'oeuvre de preoccupations sociales et politiques, cette periode est celle d'une vision generalement optimiste, caracterisee par la presence constante d'une forme tonique d'humour. Cependant, comme nous le montrons dans notre derniere partie, le grotesque dickensien subit un changement radical dans les romans de la maturite. L'humour cede la place a la satire amere et decapante. Les oeuvres ne sont plus peuplees de bouffons mais de creatures terifiantes. En fait, dickens consacre toute son attention au monstrueux et a l'incongru dans sa derniere periode. La situation tragiqsue de l'angleterre pendant les annees cinquante du siecle dernier est sans doute la cause de pareille "revolution"<br>Dickens and his oeuvre have been the target of a welter of different approaches. This is mainly due to the complexity of theman and the richness of his text. Yet there is a subject which has rarely been undertaken : dickens's development as a grotesque artist. This is indeed the aim of this study ; and we have managed to realize it through the analysis of many dickensian characters. Bearing in mind the ambiguous nature of the grotesque, the opening part is meant to offer a historical and linguistic description of the term itself. It also provides a number of ancient and modern views on it. This point clarified, our attention is directed to dickens's relation to some strands of the tradition of the grotesque, namely popular theatre and visual satire. His faithfulness to these traditions is made crystal clear in our second part. The books of youth comprise situations which normally belong to commedia dell'arte and pantomime. Such is the case of some characters ; their eccentricities and idiosyncrasies relate them to the marvellous world of harlequin, pantaloon, clown, and punch ; whereas others seem to have been simply taken frim hogarth's volumes. It should be noted that in spite of the presence of social and political issues, this period remains generally sunny thanks to dickens's fresh, flowing humour. However, as it is discussed in the closing part, in his mature works dickens's grotesque art undergoes a radical change. Sparkling humour leaves its place to bitter, sharp-edged satire ; and the novels are not peopled with buffoons, but terrible creatures. In fact, the monstrous and incongruous received dickens's utmost attention during the last stage of his career. The tragic situation of england in the 1850's is without doubt the principal cause of such a "revolution"
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Bocianowski, Cécile. "Les dramaturgies du grotesque en Europe au XXe siècle." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040066.
Full textAbstract:
La thèse propose une lecture comparée de l’emploi du grotesque dans les théâtres français, polonais, belge francophone, germanophone, italien et espagnol. L’analyse comparée des écritures dramatiques comme du discours littéraire permet de dégager les spécificités du grotesque et de sa réception dans les diverses aires culturelles. La première partie est consacrée à la mise en place théorique de la notion dans les arts, des arts décoratifs à l’art dramatique, de la Renaissance au vingtième siècle. Une attention particulière est portée à la danse grotesque, jusque-là peu étudiée, ainsi qu’aux divergences entre les discours critiques occidental et oriental. La seconde partie constitue le cœur du travail par l’étude comparée des procédés grotesques selon trois axes : la déformation, la démesure et l’hybridité. Celle-ci permet de mettre en valeur les fonctions dramatiques de l’emploi de la marionnette et de la pantomime ainsi que l’inspiration des arts du cirque, de la foire et du cabaret. La troisième partie analyse l’hypothèse du genre dramatique grotesque en Europe au vingtième siècle. Une fois établi le cadre théorique de la réflexion sur le genre et au regard de la production dramatique la plus contemporaine, l’étude s’achève sur la détermination de la place du grotesque dans la création artistique comme dans la critique littéraire actuelle. En remettant en cause la périodisation traditionnelle du théâtre européen du siècle dernier, la thèse entend rendre sa place au grotesque dans la critique dramatique contemporaine comme mise en forme du difforme<br>This thesis proposes a comparative reading of the use of grotesque in French, Polish, French-speaking Belgian, German-speaking Italian and Spanish theatre so as to determinate the specificities of the grotesque and its reception in different cultural areas. It focuses in the first part on the theory of the notion in arts, from decorative to dramatic art, from Renaissance to the twentieth century. Special attention is given to the grotesque dance, which has been thus far insufficiently studied, and to the discrepancies between western and eastern critical discourses. The comparative analysis of the grotesque is conducted along three axes: deformation, excessiveness and hybridity. It emphasises the function of marionette, pantomime and the inspiration of circus, carnival and cabaret. The last part of the thesis concentrates on the hypothesis of a grotesque dramatic genre in Europe in twentieth century. Once established the theoretical basis of the reflexion upon genre, and in view of contemporary dramatic production, the thesis closes with the determination of the place of the grotesque in the creation and in the criticism. By calling into question traditional periodisation of European twentieth theatre, this thesis aims at giving its place to the grotesque in contemporary dramatic criticism as the shaping of the misshapen
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Berthelot, Sandrine. "L'esthétique de la dérision dans les romans de la période réaliste en France (1850-1870) : genèse, épanouissement et sens du grotesque." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040141.
Full textAbstract:
Comment expliquer le fait que les romans de la période réaliste en France se caractérisent par leur dérision ? Doit-on considérer que la mimesis est indissociable de la satire et de la parodie du réel ? Dès lors, du réel à l'écriture, se pose le problème du grotesque que Victor Hugo théorise en 1827 dans la préface de Cromwell, point d'ancrage théorique pour notre recherche. Le grotesque, que nous nous attacherons à cerner dans le premier mouvement de ce travail, renvoie à une nouvelle esthétique, en rupture complète avec les canons classiques. L'œuvre romanesque de Gustave Flaubert marquée au coin de l'ironie, et la référence systématique au grotesque que l'épistolier utilise pour évoquer la vanité bourgeoise - celle de Macaire ou de Prudhomme - ou la bêtise humaine, ont éveillé notre curiosité. Le grotesque renvoie aussi à la blague, trait distinctif d'une époque, qui fascine Edmond et Jules de Goncourt cependant qu'ils l'abhorrent. Aussi, il nous a semblé intéressant d'explorer ce champ du grotesque qui revêt, dans les romans à prétention réaliste, des aspects satiriques et parfois métaphysiques. Nous nous intéresserons donc, dans un second temps, aux premiers réalistes, petits écrivains de la bohème comme Henry Murger, Champfleury (Jules Husson dit) ou Louis-Edmond Duranty, qui abordent le réel par la dérision. Nous envisagerons enfin le grotesque flamboyant des romans de Victor Hugo, Gustave Flaubert et les Goncourt qui paraissent entre 1850 et 1870<br>How can we explain the fact that French realistic novels are characterized by their derision ? Shall we state that the mimesis cannot be dissociated from the satire and parody of reality ? As a matter of fact, from reality to writing, we raise the problem of the grotesque that Victor Hugo theorized about in 1827 in the preface to Cromwell that lays the theoretical foundation stone of our research. The grotesque we will endeavour to define in the first part of this thesis refers to a new form of aesthetics that is radically opposed to the classical codes. Our curiosity as been aroused by Gustave Flaubert's novels, that bear the stamp of irony, as well as the systematic reference to the grotesque that the letter writer employs to evoke bourgeois vanity - i. E. Macaire's or Prudhomme's - or human stupidity. The grotesque also refers to farce, a feature of this era, that fascinated Edmond and Jules de Goncourt, though they loathed it. Indeed we have found it interesting to explore this aspect of the grotesque that takes on satirical overtones and sometimes metaphysical ones in novels that claim to be realistic ones. We will then focus on the first novelistic realists, that is some minor writers from the French literary movement Bohemia (e. G. , Henry Murger, Jules Husson a. K. A. Champfleury, and Louis-Edmond Duranty) who dealt with reality derisively. We will eventually discuss the flamboyant grotesque in the mid-nineteenth century novels (1850-1870) by Victor Hugo, Gustave Flaubert, and the Goncourt brothers
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Ammar, Keskes Neila. "L'expression de la violence dans l’oeuvre de Cormac Mc Carthy." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2006PA040191.
Full textAbstract:
L’œuvre de McCarthy est imprégnée de violence. Fil conducteur de l’œuvre dans sa totalité. L’œuvre est une re-présentation en miniature de l’Histoire américaine. Une transcription artistique d’un quotidien écrasant, pesant lourd sur les personnages emblématiques. Oeuvre en délire. Nature tourmentée. Texte mobile, mouvant, d’où l’aspect baroque sur le plan stylistique. Style qui épouse les formes d’un paysage convulsionné, torturé ; style apocalyptique, style qui ranime et qui insuffle la vie à une nature décrépite et dilapidée. Style visuel métaphorique. Style qui dépeint la violence pour mieux la dénoncer. Personnages qui semblent sortir du règne humain et tendre vers le minéral, le végétal ou l’animal. Personnages inscrits dans une dynamique d’échanges avec le cosmos propre au corps grotesque. C’est au lecteur d’établir la logique du sens. Violence de l’univers décrit mais aussi violence faite au langage et génératrice de langage. Esthétique de la violence et par la violence<br>McCarthy’s fiction is embedded with violence. McCarthy’s fiction is a re-presentation of American History. An artistic transcription of a daily life weighing heavily on emblematic characters. Tormented nature. Frantic fiction. Moving text, hence, stylistically, the baroque aspect. Style that takes on the form of a tortured, convulsed landscape ; apocalyptic style. Style that gives life to a decrepit and dilapidated nature. Visual and metaphoric style. Style that depicts violence to denounce it even more. Characters that seem to get out of the human kingdom to tend towards the mineral, the vegetal or the animal. Characters that are inscribed in a dynamics proper to the grotesque. The reader is compelled to build up meaning, to set up the logic of meaning. Violence of the universe being described but also violence made out of language and productive of language. Aesthetics of and by means of violence
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Parra, Frédéric. "Origines et limites de l'être humain dans les contes d'Armonía Somers : genèses et apocalypses de soliflore." Tours, 2007. http://www.theses.fr/2007TOUR2023.
Full textAbstract:
La recherche des origines sous-tend toute l'écriture des contes d'Armonía Somers : tout semble organisé pour mettre en place des limites visant à ramener l'être humaine au degré zéro de l'évolution. Ce travail se propose d'étudier la répartition des personnages dans l'espace en privilégiant une approche mythico-carcérale combinant la sociologie (Michel Foucault), l'histoire des religions (Mircea Eliade) et l'anthropologie (Mary Douglas). Dans un deuxième temps, les techniques de l'anamorphose, couplées aux effets d'une distanciation caractéristique de l'esthétique du grotesque, permettent de mieux observer l'anatomie et la nature des créatures artificielles qui peuplent les divers cercles anthropo-illogiques de la fiction. Enfin, c'est l'alchimie qui prend le relais pour proposer une lecture ésotérique des contes dans laquelle les mini-apocalypses ou apocalypses de soliflore sont synonymes de transmutation, de genèse et de retour aux origines<br>The search for origins underlies all the fiction of the short stories of Armonía Somers : everything seems organized in such a way as to set up those limits which draw the human element down to the zero degree of evolution. The purpose of this thesis is first to study the distribution of the characters in space by using a mythico-carceral approach combining sociology (Michel Foucault), the history of religion (Mircea Eliade) and anthropology (Mary Douglas). The techniques of anamorphosis, together with the alienation effects characteristic of the esthetics of the grotesque, reveal the anatomy and nature of the artificial creatures inhabiting the various anthropo-illogical circles of fiction. Finally we make use of alchemy to arrive at an esoteric interpretation of the stories in which the mini-apocalypses or single-flower apocalypses are synonymous with transmutation, genesis and a return to origins
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Blair, Louisa. "Nearer than the eye : a novella." Thesis, Université Laval, 2009. http://www.theses.ulaval.ca/2009/26255/26255.pdf.
Full text
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Ramat, Christine. "La comédie du verbe : le comique et le sacré dans l'œuvre de Valère Novarina." Grenoble 3, 2007. http://accesdistant.bu.univ-paris8.fr:2048/login?url=https://www.dawsonera.com/abstract/9782296228832.
Full textAbstract:
L'œuvre de Valère Novarina constitue un objet littéraire énigmatique qui surprend, inquiète et fait rire. Elle trouve son terrain de prédilection sur la scène, mais développe une dramaturgie de l'excès qui cultive le non sens, l'incongru et le loufoque. La philosophie fait circuler les questions métaphysiques sur des airs d'opérette, la théologie est transformée en bavardages dérisoires. Inversement, l'auteur réactive les cadres théologiques du Verbe biblique pour situer les enjeux de son théâtre au carrefour du réel et du spirituel de l'humain et de l'inhumain. De cette oscillation naît un comique grotesque, qui n'hésite pas à recycler les vieilles recettes carnavalesques pour proposer ce que l'auteur nomme une cure d'idiotie savamment insignifiante et drôle. Mais cette étrange gaîté ne doit pas leurrer. Iconoclaste, le comique novarinien réinvestit le terrain de ce "sacré impur" que promouvait Bataille pour reconquérir le mystère de la parole démoli par les idiomes technicistes de la communication. Loin de s'inscrire dans la veine destructrice de la dérision moderne, l'œuvre génère au contraire un comique inspiré qui réconcilie, de manière singulière, l'athée et le mystique, les Pères de l'Eglise et les pataphysiciens pour exalter, en négatif, la puissance poétique du Verbe. En s'appuyant sur les instruments théoriques avancés par M. Bakhtine et W. Kayser sur le grotesque, cette thèse étudie la relation paradoxale qui lie le rire au sacré, l'incongruité à la mystique, le sens au non-sens, l'écriture au Verbe, à travers le travestissement bouffon du texte biblique et le travail des formes théâtrales de la tradition comique : cirque, opérette, music-hall, marionnettes<br>The work of Valère Novarina is an astonishing, anxious and funny enigmatic literary object. It favours the stage but develops a dramatic art of the excess which cultivates the nonsense, the improper, the incongruity and the absurd. The philosophy makes the metaphysical questions on airs of operetta circulate, the theology turns into derisory gossips. Conversely, the author revives the theological frames of the biblical Word to place the stakes of his theater at the crossroads of the reality and the spiritual, of the human and the inhuman. Of this oscillation is born a grotesque comic, which does not hesitate to recycle the old carnival receipts to propose what the author names a cure of idiocy, which is skilfully insignificant and funny. But this strange gaiety must not deceive. Iconoclastic, the novarinian comedy reinvests what Bataille named the "sacré impur", so as to reconquer the mystery of speech ruined by the technical words of the media. For the novarinian comedy is neither godless, nor non-believer. Far from joining the destructive vein of the modern mockery, it develops inversely an inspired comic, which reconciles, in a singular way, the atheist and the mystic, the Fathers of the Church and the pataphysicians to excite, in negative, the poetic power of the Word. Rooted on M. Bakhtine and W. Kayser theories of grotesque, this thesis has the purpose to study the paradoxical relation which links the laughter and the sacred, the incongruity and the mystic, the meaning and the nonsense, the writing and the Word, through the farcical disguise of the biblical text and the work of the theatrical forms of the comic tradition : circus, operetta, music hall, puppets
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Hombourger, Juline. "Le travail du négatif dans l’œuvre romanesque de Réjean Ducharme." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040038.
Full textAbstract:
Dans les sciences humaines, le travail du négatif est une notion qui appartient surtout aux domaines philosophiques et psychanalytiques. En tenant compte de cette filiation, sa pertinence dans le champ littéraire se révèle également effective. En effet, lorsque l’on confronte l’idée à l’œuvre romanesque de Réjean Ducharme, l’action du travail du négatif rend compte des enjeux souterrains de cette écriture. Ainsi, le texte apparaît comme le lieu de l’instabilité où chacune des composantes donne à voir son envers et où les contradictions coexistent. Dans cette dynamique, les trois catégories du récit vacillent : elles sont sculptées dans une autre matière que celle qu’on leur assigne généralement. Dans un même élan, le style ducharmien s’empare du travail du négatif en défigeant le mot, en resémantisant la phrase, en offrant à la parole le pouvoir d’avoir un impact sur le réel. Tout est conçu pour échapper à la fixité. Construits de la sorte, les romans véhiculent une vision du monde tragique. Cette dernière, à travers l’acte de lecture, se voit pétrie par le grotesque et engendre alors un fatum qui s’apparente à l’uniformisation. Cette réalité dévoile, paradoxalement, un univers en déséquilibre qui fait écho à l’étymologie du mot baroque, « perle irrégulière ». Le texte ducharmien est donc le carrefour de plusieurs esthétiques qui possèdent toutes, en leur essence, un mouvement semblable au travail du négatif. Celui-ci peut être perçu, dans tous les cas, comme un révélateur de littérarité. Il opère, d’ailleurs, de cette manière, dans d’autres œuvres francophones, notamment dans celles de Rachid Boudjedra, de Maurice Bandaman et de Dominique Rolin<br>In Human Sciences, the work of the negative is a concept which mainly belongs to the philosophical and psychoanalytical fields. Taking into account this relationship, its relevance in the literary field also proves effective. Indeed, when this notion is applied to the novels of Réjean Ducharme, the action of the work of the negative reveals the underground stakes of the author’s work. Thus, his writing takes us constantly back and forth between all the opposed elements which populate it. Ducharme’s texts are a place of instability, where each component shows its hidden side and where contradictions shaped by the process of involution coexist. Within this dynamic, the narrative mode loses its equilibrium: time, space and characters are sculpted with very unusual clay. In the same spirit, Ducharme’s writing style seizes the work of the negative by loosening words, and giving a new meaning to sentences, by offering to the word the power of having an impact on reality. Everything is designed to escape immobility. Novels built on this pattern convey a tragic vision of the world; a vision which through the act of reading finds itself steeped in the grotesque and therefore generates a fatum, which is very similar to sameness. Paradoxically, this reality unveils an unbalanced world and echoes the baroque word "irregular pearl" in its etymological meaning. Ducharme’s writing is at a crossroad between several aesthetics, whose quintessential principles are similar to the work of the negative. The latter can be perceived as an indicator of literariness and can be found in some of other French works, including those of Rachid Boudjedra, Maurice Bandaman and Dominique Rolin
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Toran, Lydie. "Théâtralité de la mort chez Michel de Ghelderode et Jan Fabre." Thesis, Avignon, 2014. http://www.theses.fr/2014AVIG1144/document.
Full textAbstract:
La théâtralité de la mort chez les deux artistes flamands Michel de Ghelderode et Jan Fabre est basée sur un corpus de textes. Découpée en trois domaines constitutifs du théâtre - littérature, dramaturgie, esthétique - l'objectif de ma recherche est centré sur un dialogue entre un art dramatique et un art postdramatique, de façon à confronter ou confondre certains éléments des deux champs théâtraux à travers la théâtralité de la mort. Le domaine littéraire explore le discours des deux auteurs, depuis le titre de leurs oeuvres jusqu'à leurs genres, en passant par les micro et les macrostructures du texte, montrant que la littérature de la mort se reconnaît aussi bien à la forme qu'aux motifs de l'écriture. Les renversements carnavalesques propres aux pièces des écrivains en dépit de leurs différences fondamentales se retrouvent dans le domaine dramaturgique. Il se concentre sur des personnages, des espaces et des temps de la mort en faisant ressortir ce qui relève du jeu dramatique et du jeu performatif. La notion du double, dans le champ de l'esthétique, est étudiée à partir du corps et à partir du processus créatif des deux poètes; le miroir du tableau sur le théâtre est une constante de ce travail. Enfin, la notion duale est opposée à l'universel que représente la figure christique, porteuse du grotesque par la résurrection. Malgré les coupures entre les diverses formes d'expressions artistiques, pour Jan Fabre il a continuité entre un langage visuel et un langage textuel, telle une continuité entre vie et mort<br>The theatricality of death at both Flemish artists Michel de Ghelderode and Jan Fabre is based on acorpus of texts. Divided into three constituent fields of theater - literature, dramaturgy, aesthetic -the objective of my research is focused on a dialogue between a dramatic and a post-dramatic art, inorder to confront or confuse some theatrical elements of both fields through theatricality death. Theliterary part explores the linguistics of the authors texts, from the title of their works to their genres,including the micro and macrostructures, showing that the literature of death is as well in the shapeas in the motives of the writing. The carnavalesc reversals particular to the writers' plays in spite oftheir fundamental differences is found in the dramaturgy field. It focuses on characters, spaces andtimes of death by highlighting what is dramatic play and performative play. The concept of doublein the aesthetics part, is observed through the body and the creative process of the poets; the mirorof the painting on theater is a constant in these works. Finally the double is opposed to the universalthat the christik figure represents, carrier the grotesc by the resurrection. If there are gaps betweenthe various forms of artistic expressions, for Jan Fabre there is continuance between a visuallanguage and a textual language, such continuity between life and death
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Mengard, Frédérique. "Les comédies de Friedrich Dürrenmatt ou le théâtre considéré comme institution morale." Rennes 2, 2003. http://www.theses.fr/2003REN20034.
Full textAbstract:
Longtemps considéré à la seule lumière de la notion esthétique du grotesque, le théâtre de Dürrenmatt est étudié dans cette recherche sous l'angle de sa filiation avec la tragédie schillérienne dans sa fonction d'institution morale. Établissant le constat d'une crise du théâtre au XXème siècle caractérisée par la désuétude de la tragédie classique, Dürrenmatt pose la question de la pertinence de cette forme d'art dans un monde scientifique où ont perdu toute crédibilité les mythes sur lesquels se fondait le théâtre classique. Toute sa dramaturgie se définit comme la recherche d'un mode nouveau de représentation et de dépassement du tragique sous la forme de la "comédie" grotesque. Après une analyse du tragique et de sa signification chez Dürrenmatt, est examinée la comédie grotesque comme forme extrême de la tragédie, puis est étudié le héros dürrenmattien dans son rapport au héros tragique classique et à la fonction morale de sa représentation<br>Mostly known in the exclusive light of the aesthetic notion of the grotesque, Friedrich Dürrenmatt's drama is analysed in this study in its relation to Schiller's tragedies and their function as a "moral institution". Asserting a theatre crisis in the 20th century as well as the desuetude of classic tragedy, Dürrenmatt questions the relevance of this kind of art in a world ruled by science and technology where myths and ancient systems of beliefs on which classic theatre was built have fallen into abeyance. His whole dramatic art can be defined as quest for a new way of representing and overcoming the tragic in the form of grotesque "comedy". After an analysis of Dürrenmatt's conception of the tragic, grotesque comedy is examined in a second part as an "extreme form of tragedy", and in a third part Dürrenmatt's hero is studied in his relation to the hero of classic tragedy and to its moral function
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Millon-Hazo, Louise. "« Quelles bestes sont ce là ? » L’humanisme rabelaisien à l’épreuve de ses bestiaires." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA171/document.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une étude globale des bestiaires rabelaisiens à partir de l’exploration de ses sources antiques et médiévales. La focale critique se concentre d’abord sur les torsions qu’impose Rabelais aux genres littéraires rattachés à des figures animales prototypiques : l’inversion des paradigmes épiques du cheval et du porc ; le brouillage et la démultiplication des bêtes charivariques et farcesques ; la mise en crise des animaux exemplaires de la fable. Elle s’ouvre ensuite aux jeux du célèbre humaniste avec les figures animales des écrits savants et sérieux : encyclopédies, littérature gnomique, livres de cuisine. Finalement, le point de vue se renverse pour examiner les effets esthétiques et sensoriels de ces bestiaires sur le lecteur et l’auditeur, et en dégager une certaine esthétique grotesque. Cette enquête débouche sur la redéfinition de l’humanisme rabelaisien, qui se révèle dans l’épreuve et à l’épreuve d’une profusion d’images animales<br>This dissertation analyses François Rabelais’ bestiaries through the exploration of its antique and medieval sources. The first part of this thesis focuses on the way Rabelais distorts certain literary genres containing prototypical animal figures by reversing the epic paradigms associated with horses and boars, multiplying and merging farces and charivaris’ animals, and undermining the exemplary animals portrayed in the fables. The next part uncovers how the famous humanist plays with animal figures drawn from scholarly and serious writings such as encyclopedias, gnomic literature, and recipe books. The third part overturns this perspective to examine the aesthetical and sensory impact of these bestiaries on the reader and listener as well as the grotesque aesthetic they seem to thrive from. Overall, this investigation leads to a redefinition of the Rabelaisian humanism, which reveals itself through an abundance of animal images
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Maslowski, Krystyna. "Le personnage dans le théâtre de Witold Gombrowicz." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030079.
Full textAbstract:
La théâtralité travaille l’œuvre entière de Witold Gombrowicz, elle est à la base de sa dialectique sur la Forme et l’immaturité, elle est la source de sa vision de l’homme artificiel, de l’homme-acteur. L’étude du personnage dans son œuvre dramatique apparaît comme le meilleur moyen d’appréhender, par le geste singulier de l’auteur, à la fois la mise en doute du personnage caractéristique de l’ensemble du théâtre moderne depuis la fin du XIXème siècle, ainsi que la représentation que l’homme se fait de lui-même dans le désert d’un monde dénué de sens. Les personnages gombrowicziens réduits à des voix, à des silhouettes, sortes de figures ou de créatures grotesques ne renvoient plus à des « caractères », ils ne reflètent pas un être individualisé, une entité psychologique et morale. Sortes de spectres, projections de la subjectivité exacerbée du protagoniste, ces fantoches nous font pénétrer dans le monodrame polyphonique de l’homme sans Dieu. Mais si le protagoniste déforme les autres personnages en les réduisant à des doubles, il est également déformé par eux et par la situation dramatique. Nous sommes ainsi en présence d’un théâtre du moi qui renvoie au théâtre du monde, au jeu de rôles, à la ronde des masques, à la déformation perpétuelle des hommes-acteurs. Pourtant, malgré les duels, les meurtres, les stratégies de manipulations mises en scène, ce théâtre semble inviter le lecteur-spectateur à la régénérescence d’un désir de fraternité de l’homme n’existant qu’envers et pour l’homme. Il propose finalement, par le biais du personnage dramatique, la célébration ludique de l’humaine théâtralité, du sujet relationnel, de l’homme rhapsodique moderne<br>Theatricality is omnipresent in the whole of Witold Gombrowicz’s work. It is at the root of his dialectic of conventional form and immaturity ; it is the source of his vision of the artificial man - of the “man as actor”. Studying characters in his plays seems to be the best way of grasping, through the playwright’s characteristic approach, both the problematisation of his characters, as is typical in modern drama as a whole since the end of the 19th century, and the representation man has of himself in the desert of a meaningless world. Gombrowiczian characters reduced to voices, to silhouettes, or to grotesque creatures do not refer to “characters” any more. They are not the reflection of individualised human beings, or those with a psychological or moral dimension. As if spectral creatures, reflections of the exaggerated subjectivity of the protagonist, these puppets lead us into the polyphonic monodrama of man without God. But as the protagonist deforms the other characters by reducing them to mirror images, he is himself also deformed by them, as well as by the dramatic situation. It is clearly a “theatre of the ego” that echoes the theatre of the world, and also role-playing, the round of masks, and the never-ending distortion of “man as actor”. Nevertheless, in spite of the duels, the murders, the strategies of manipulation put on stage, these plays seem to invite the spectator-reader to the regeneration of a desire for brotherhood in man existing only towards and for man. In the end, they put forward, through the vehicle of their dramatic characters, the playful celebration of human theatricality, of man in his relationship with others, and of man as the subject of modern rhapsody
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Chautard, Paul. ""Orion aveugle marchant vers la lumière du soleil levant " : une théopoétique des romans de Claude Simon." Phd thesis, Université de Strasbourg, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00855276.
Full textAbstract:
C'est un fait, les théologiens français font le plus souvent abstraction dans leurs travaux, des oeuvres littéraires. La situation est particulièrement préoccupante pour les écrivains contemporains agnostiques, témoins de notre temps, qui interrogent radicalement, au nom de la complexité, nos catégories habituelles d'analyse. Les romans de Claude Simon se prêtent-ils à une réception théologique ? On pourrait a priori en douter, mais doit-on s'interdire d'interroger une oeuvre novatrice, distinguée par un prix Nobel pour sa force d'interpellation ? Nous assumons ce risque, conscient des difficultés théologiques qu'il faudra expliciter. Dans une première partie (" parcours exploratoires ") l'introduction à la lecture passe par un inventaire du contexte culturel et des expériences artistiques vécues par l'écrivain. Nous engageons cette recherche à partir de trois romans qui peuvent jalonner son parcours évolutif : Le palace (1962), pour la " période baroque ", Les corps conducteurs (1971), pour la période dite " formaliste ", Le jardin des plantes (1997), pour la période " post-moderne ". La deuxième partie (" vers une ouverture éthique et théologique ") construit progressivement la lecture d'un roman métisse à l'imaginaire grotesque qui comporte une dimension satirique, sensible, mystique sans mystère. La troisième partie (" du non sens proclamé du monde à l'insensé de Dieu ") s'intéresse aux articulations et limites du grotesque dans le " théodrame " du Crucifié-Ressuscité, face aux interrogations sans réponse des victimes de l'histoire et à l'angoissante question de la " déréliction " de l'homme.
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Gállego, Cuesta Susana. "L’informe à la Renaissance : poétiques non-aristotéliciennes dans l’art et la littérature (Italie, France, Espagne)." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040039.
Full textAbstract:
Tel qu’il a été formulé par Georges Bataille dans Documents, dans les premières décennies du XXe siècle, l’informe s’est avéré être un puissant moteur de réflexion. Il a fait naître des œuvres qui disent s’en inspirer, et motivé un âpre débat théorique sur le véritable sens à lui donner. Qu’est-ce que l’informe, en effet ? Cette catégorie complexe et paradoxale s’avère très fructueuse dans l’analyse des œuvres théoriques, plastiques et littéraires de la Renaissance qui s’intéressent à la naissance des formes. L’utilisation d’une notion anachronique permet de réunir dans un même ensemble les préoccupations concernant les origines de l’œuvre d’art, celles sur la bonne composition, ainsi que celles concernant la Matière et l’Être. Ce travail dégage ainsi ce qui serait une poétique de la forme en devenir, poétique se réclamant de la philosophie néo-aristotélicienne de l’époque mais opérant un élargissement d’horizons et une refonte conceptuelle très éloignés de la pensée antique<br>From the early XXth century the Formless, as defined by Georges Bataille in Documents, has revealed itself to be a powerful tool for reflection. It has inspired art works and triggered an ongoing debate about its true meaning, for what is the formless exactly? In search for its essence, this category has proven to be of great value when analyzing theoretical, artistic and literary Renaissance works dealing with the birth of form. The anachronic notion of Formless permits an intertwining of questions regarding the origins of the piece of art, good composition, matter and being. Through this essay we will discuss the poetics of art in the making, so-called (neo)Aristotelian in the XVIth century – poetics in a constant and fluid definition of the Aristotelian meaning enlarged by non-Aristotelian concepts, and categories distant to those attributed to it in classical times
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Kahia, Béchir. "L'ironie dans l'oeuvre de Jean Giono d'après-guerre." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3000.
Full textAbstract:
L'ironie atteint au plus complexe par le plus simple, à la raison par l'irrationnel, à la puissance par la douceur, au sérieux par la raillerie. C'est l'éclosion de l'art de subversion ironique. Dans la tradition rhétorique, nulle mention n'est faite d'une forme d'utilisation littéraire de l'ironie qui permettrait au sein d'une oeuvre romanesque, dramatique ou poétique l'intrusion de la figure de l'auteur. Dans la période d'après-guerre, on voit un nouveau Giono qui renouvelle l'édifice de son oeuvre sur une sorte de vertige : l'ironie, les sous-entendus, l'implicite, les vides narratifs aussi bien dans le style que dans la conception du monde. Les oeuvres qui paraissaient au moment où naît cette ère du soupçon qui a divisé l'oeuvre et a changé l'esthétique de l'écrivain, sont les plus marquées par l'ironie. Giono assigne l'ironie à un foyer de production fictionnelle qui ne saurait bénéficier de quelques immunités philosophiques, esthétiques, techniques. L'ironie c'est aussi l'effet des procédés typographiques. Dans cet univers, toute authenticité risque d'être pervertie dans un roman. Mais l'ironie de Giono est avant tout une vision tragique du monde. Elle est également une interprétation de la condition humaine. Le romancier est donc celui qui nage dans les eaux troubles de la contradiction. Il examine le monde en dévoilant les ambiguïtés<br>The irony achieves to the most complex by the simplest, to the reason by the irrational, to the power by the sweetness, to the seriously by the mockery. It is the hatching of the art of the ironic subversion. In the Rhetoric tradition, no mention was made of a shape of a literary use of irony which would allow within a novelistic, dramatic or poetic work, the intrusion of the figure of the author. In the post-war period, we see a new Giono who renews the building of his work on a kind of dizziness: the irony, the allusions, the implicit and the narrative emptiness, in the style and in the conception of the world as well. The works which appeared as is born this era of suspicions which divided the work and changed the esthetics of the writer, are the most marked by the irony. Giono assigns the irony to a home of fictional production which could not benefit philosophical, esthetical, and technical immunity. Irony is also the effect of the typographic processes. In this universe, any authenticity risks to be perverted in a novel. But the irony of Giono is primarily a tragic vision of the world, a form of belonging to this world and a way of participation in its mockeries and its delights. It is also an interpretation of the human condition. The novelist is thus the one who swims in shady waters of the contradiction. He examines the world by revealing the ambiguities
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Kajiro, Aya. "L'artifice de description dans le Tiers livre et le Quart livre de Rabelais." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040038.
Full textAbstract:
L’imaginaire de François Rabelais se présente souvent à la faveur d’éléments étranges, ambigus et équivoques qui proviennent de la virtuosité stylistique mise en œuvre. Cette liaison nette entre l’imaginaire et la technique se manifeste dans de nombreuses descriptions dont l’auteur nourrit le Tiers livre et le Quart livre. Appréhender les pratiques descriptives dans ces deux œuvres nécessite une analyse à deux niveaux distincts de la technique d’écriture : le style et les objets décrits. Pour le premier, le recours aux théories rhétorique et dialectique de l’époque permet d’illustrer le procédé d’hybridation qui renvoie aux multiples pratiques descriptives existant avant Rabelais. Pour les seconds, le rapprochement avec l’art des grotesques souligne, par ses figures capricieuses et composites, la supériorité de l’artifice sur la nature. En se reportant au réel et au fictif dans le système complexe de rapport entre le mot et le référent, cette investigation révèle la modalité de l’« ingénieuse fiction » forgée par l’artifice de Rabelais<br>The imaginary world of François Rabelais appears often as strange, ambiguous, and polysemic, a result of his stylistic virtuosity. This close connection between creativity and technique shows itself in the numerous descriptions with which the author furnishes his Tiers livre and Quart livre. Full comprehension of the descriptive practices in these two works requires an analysis at both levels of his written technique : the style and the objects described. For the former, a consideration of the rhetorical and dialectical theories of Rabelais' contemporaries illustrates a process of hybridization, which refers to the multiple descriptive practices available to Rabelais. For the latter, a connection drawn to the grotesque in art emphasizes, by its capricious and composite figures, the superiority of artifice over nature. By placing the real and the imaginary within the complex system of relationships between the word and the referent, this investigation finds a modality of " ingenious fiction " forged by the artifice of Rabelais
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Charette, Caroline. "Le Corps grotesque dans «Les Cent Contes drolatiques» d'Honoré de Balzac." Thèse, 2009. http://hdl.handle.net/1866/3580.
Full textAbstract:
Honoré de Balzac est aujourd’hui connu pour être le père du roman moderne et l’écrivain de La Comédie humaine. Mais nous oublions souvent qu’entre 1830 et 1832, au début de sa carrière, l’auteur a écrit, comme plusieurs écrivains de son temps, des contes. De multiples facteurs peuvent expliquer cet intérêt : les Contes fantastiques d’Hoffmann sont traduits de l’allemand en français et leur succès est immédiat. De plus, les nouveaux modes de publication littéraire, dans les revues et les journaux, favorisent la prolifération du genre.
Un corpus retiendra notre attention : Les Cent Contes drolatiques, un projet, impopulaire en son temps, avec lequel Balzac souhaite « restaurer l’école du rire » en France. Au milieu du dix-neuvième siècle, l’auteur recrée des contes comme ceux que Rabelais, Verville et la reine de Navarre écrivaient en leur temps, trois ou quatre siècles auparavant. Pour ce faire, Balzac invente un langage qui simule le vieux français et crée des personnages grotesques.
Qu’est-ce, dans l’écriture balzacienne, que l’esthétique du rire, et comment l’auteur exprime-t-il ce concept dans ses Cent Contes drolatiques? Pour répondre à ces questions, nous étudierons les manifestations du grotesque dans l’ensemble de l’œuvre de l’auteur. Aussi, selon Mikhaïl Bakhtine, dans L’Œuvre de François Rabelais et la culture populaire au Moyen Âge et sous la Renaissance , le grotesque, uni au rire, est relié au corps : « Le trait marquant du réalisme grotesque est le rabaissement, c’est-à-dire le transfert de tout ce qui est élevé, spirituel, idéal et abstrait sur le plan matériel et corporel. » Par conséquent, ce sont les représentations du corps que nous examinerons dans ce travail. Finalement, l’étude du corps grotesque dans Les Cent Contes drolatiques montrera une autre facette de l’écriture balzacienne, souvent ignorée par les chercheurs : l’importance du rire et la vision du monde que celui-ci communique à travers la littérature.<br>Honoré de Balzac is mostly acknowledged, today, as the father of the novel and as the writer of La Comédie humaine. But we often forget that between 1830 and 1832, at the beginning of his career, the author wrote, mainly and like many writers of his time, short stories. Multiple factors can explain that interest, for example, Hoffman’s Contes fantastiques had been translated from German to French and their success was immediate. Moreover, the new mediums of literary publication, in magazines and newspapers, favoured the proliferation of the genre.
One corpus will keep our attention through these pages: Les Cent Contes drolatiques, a project, unpopular in his time, with which Balzac aimed to « restaurer l’école du rire » in France. In the middle of the nineteenth century, the author recreated short stories like the ones that Rabelais, Verville and the reine de Navarre have written in their time, three or four centuries before. To do so, Balzac invented a language that simulated the old French and created grotesque characters.
What is, in Honoré de Balzac’s work, the aesthetic of laugh, and how does the author express that concept in his Cent Contes drolatiques? To answer these questions, we will study the manifestations of the grotesque in the entire production of the writer. Also, according to Mikhaïl Bakhtine, in L’Œuvre de François Rabelais et la culture populaire au Moyen Âge et sous la Renaissance , the grotesque, linked to laugh, is related to the body : « Le trait marquant du réalisme grotesque est le rabaissement, c’est-à-dire le transfert de tout ce qui est élevé, spirituel, idéal et abstrait sur le plan matériel et corporel. » Consequently, it is the representations of the body that, in a further reflection, we will examine. Finally, the study of the grotesque body in Les Cent Contes drolatiques will show another facet of Balzac’s writing, often ignored by researchers : the importance of laughter and the vision of the world that it communicates through literature.
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Daigle-Roy, Alice. "Expérience précaire du monde et représentation de la poésie dans La fissure de la fiction et Désâmé de Patrice Desbiens." Thèse, 2016. http://hdl.handle.net/1866/15875.
Full textAbstract:
Diverses œuvres de poésie moderne et contemporaine mettent en scène le rapport à l’écriture d’un sujet lyrique. Une telle problématique trouve une incarnation particulièrement intéressante dans l’œuvre de Patrice Desbiens, notamment dans certains de ses textes des années 1990 et 2000, où elle apparaît avec plus d’acuité. Pourtant, sa pratique auto-réflexive a fait l’objet de très peu de recherches.
Afin d’éclairer le rapport qu’entretient Patrice Desbiens avec l’écriture et avec la poésie, ce mémoire s’intéresse à deux de ses textes, soit La fissure de la fiction (1997) et Désâmé, (2005) en accordant davantage d’espace au premier, que je considère comme un texte-charnière dans la production poétique de Desbiens. Dans un premier temps, mon travail présente ainsi la précarité qui caractérise le protagoniste de La fissure de la fiction et, sous un autre angle, le sujet lyrique de Désâmé. Dans cette optique, la figure du poète est étudiée dans La fissure de la fiction à la lumière de la reprise ironique du mythe de la malédiction littéraire et du sens que la réactualisation de ce mythe confère au personnage dans ce récit poétique. Dans un second temps, ce mémoire s’attache à montrer que la cohérence et la vraisemblance des univers mis en scène dans La fissure de la fiction et Désâmé sont minées. C’est à l’aune de ces analyses que peut ensuite être envisagé le rôle d’une poésie qui, en dernière instance, comporte malgré tout un caractère consolateur, en dépit ou en raison de l’esthétique du grotesque, tantôt comique, tantôt tragique, dans laquelle elle s’inscrit et que nous tâcherons de mettre en lumière.<br>Diverse pieces of modern and contemporary poetry offer representations of a lyrical subject’s attitude towards the act of writing. Studying such an issue in the works of Patrice Desbiens offers a distinctively interesting perspective, especially in the case of some of his publications from the 1990s and the 2000s wherein such representations appear quite clearly. Yet the treatment of the act of writing in his work has received very little research attention.
The aim of this Master’s thesis is to shed further light on how Patrice Desbiens’s works deal with representations of writing and poetry. The thesis focusses on two of his published works, La fissure de la fiction (1997) and Désâmé, (2005), with greater emphasis placed on the former, as it is in my own perspective a key piece in his poetic legacy. To begin, my work puts forth the concept that the protagonists in La fissure de la fiction and Désâmé are both characterized by precariousness, but in different ways. In La fissure de la fiction, the character of the poet is understood from the perspective of an ironic revival of the literary curse myth. The meaning this myth confers to the main character of this poetical story is also discussed. Secondly, the thesis argues that the coherence and the plausibility of the universes of La fissure de la fiction and Desâmé are undermined. In light of these analyses, one can envision the role of a poetry which, ultimately and despite everything, bears a consolatory character. It does so in spite of, or perhaps precisely because of, its grotesque aesthetic, sometimes comic, sometimes tragic, in which it is written.
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Larivière, Lisanne. "L’inscription du corps sourd dans le texte : mondes et langages chez Emmanuelle Laborit et Carson McCullers." Thèse, 2015. http://hdl.handle.net/1866/18344.
Full textAbstract:
La question abordée dans ce mémoire concerne le problème de la représentation que pose l’inscription du corps sourd et de la surdité dans l’écriture. Les exemples choisis et comparés sont l’autobiographie Le Cri de la mouette d’Emmanuelle Laborit et The Heart is a Lonely Hunter de Carson McCullers. Dans son roman, cette dernière met en scène, sous l’esthétique grotesque, un Sourd gestuel recelant un monde potentiel et autre de par son dire utopique, empreint de matérialité. Emmanuelle Laborit est Sourde et conséquemment, son écriture est soumise à de nombreuses contraintes, dont l’une est celle de la double traduction: du geste à la voix et de la voix à l’écrit. Pour légitimer son propos, elle doit émuler une voix et la reproduire métaphoriquement dans un texte. Le langage entendant participe d’un monde dont il contient les traces. Lorsqu’il représente un corps sourd, c’est l’inadéquation engendrée qui ouvre l’accès à un monde sourd dans ce qui déborde la transcription, dans la nécessaire traduction. C’est là, aux limites du langage et de sa matière, que la trace du corps apparaît, lieu d’une possible rencontre révélant l’entendant à lui-même.<br>This master’s thesis addresses the problems that the inscription of deafness and the deaf body in writing pose to representation. The Cry of the Gull, an autobiography by Emmanuelle Laborit and The Heart is a Lonely Hunter by Carson McCullers are the works compared. McCullers, through a grotesque esthetic, shows how a signing Deaf person reveals another world in potential via utopian utterances imbued with materialism. Emmanuelle Laborit is Deaf. Her writing is therefore subject to many constraints, amongst which is the problem of double translation: gesture to voice and voice to script. Laborit, to legitimize her discourse, emulates a voice and must reproduce it in text through metaphor. The traces of the hearing world are contained in its language. When hearing language represents a deaf body, in the ensuing inadequacy a way into a deaf world is opened where transcription, in the necessary translation, is overwhelmed. The trace of the body appears at the limit of language and its matter, locus of a possible encounter, revealing the hearing person’s world.
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Taylor, Benjamin. "Waxing Ornamental : Reading a Poetics of Excess in Virginia Woolf’s Orlando and Djuna Barnes’s Nightwood." Thèse, 2015. http://hdl.handle.net/1866/12529.
Full textAbstract:
Ce mémoire de maîtrise porte sur une poétique de l’excès dans Orlando de Virginia Woolf et Nightwood de Djuna Barnes comme une stratégie combattant la tendance qu’a le modernisme à dévaloriser l’écriture des femmes comme étant trop ornementale. J’expose comment Ezra Pound, T.S. Eliot, et Wyndham Lewis tentent de récupérer la notion du détail afin d’affirmer une poétique masculin. Je fais appel également aux oeuvres de l’architecte autrichien Adolf Loos qui souligne sa dénonciation de l’ornement comme régressif. Dans Orlando et Nightwood, je considère l’excès associé au corps. Je soutiens que, dans ces textes, les corps dépassent les limites de la représentation moderniste. Je considère aussi comment Orlando et Nightwood font apparaître la narration comme ornement et écrivent excessivement l’histoire et le temps. Pour conclure, je propose une façon de lire l’excès afin de reconceptualiser le potentiel de production de la signification dans des textes modernistes.<br>My thesis explores a poetics of excess in Virginia Woolf’s Orlando and Djuna Barnes’s Nightwood as a strategy through which the authors combat modernism’s devaluation of women’s writing for being overly ornamental, detailed, and/or artificial. I examine how the critical writings of Ezra Pound, T.S. Eliot, and Wyndham Lewis attempt to reclaim the notion of detail for a masculine-oriented poetic project, and I look at how Austrian architect Adolf Loos’s work condemns ornament as backward and regressive. In treating Orlando and Nightwood directly, I consider the novels’ excessive and ornamental construction of bodies and how these bodies exceed the limits of existing modernist paradigms for representation. I also discuss narration as ornamentation in Orlando and Nightwood and how these novels excessively inscribe history and time. My conclusion proposes a practice of reading excess that rethinks this concept and its potential for producing meaning in modernist texts.
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Boulanger, Cynthia. "La théâtralité de la prose narrative dans les"Chroniques du Plateau Mont‐Royal" de Michel Tremblay." Thèse, 2010. http://hdl.handle.net/1866/5040.
Full textAbstract:
Qu’advient-il lorsqu’un dramaturge à succès se glisse dans la peau d’un chroniqueur? Comment se manifeste alors l’influence du modèle théâtral sur sa prose narrative? À une époque où la question des genres canoniques semble dépassée et où les notions d’intergénéricité et d’hybridation paraissent plus aptes à expliquer les pratiques esthétiques contemporaines, nous avons choisi de nous intéresser aux différentes modalités d’inscription de la théâtralité dans les « Chroniques du Plateau Mont-Royal » de Michel Tremblay. Notre premier chapitre se penche sur les manifestations ostensives de la théâtralité dans les six récits. Grâce au recours à des figures comme l’hypotypose et à certains procédés de distanciation comme la mise en abyme, l’adresse au lecteur et l’aparté, le lecteur assiste à une mise en œuvre récurrente du dispositif spectaculaire. Notre deuxième chapitre porte sur les procédés de dramatisation du romanesque. À travers un mouvement impétueux qui fait alterner et même cohabiter le comique et le tragique, le réel et le fantastique, le sublime et le grotesque, l’excès et le manque, l’auteur pratique non seulement le mélange des genres et des tonalités au sein de son œuvre, mais fait appel à divers procédés qui visent à produire la catharsis chez le lecteur. Notre troisième chapitre dégage les modalités de théâtralisation de la parole romanesque. Par la mise en place d’un double régime discursif, qui oscille entre l’effacement de l’énonciation auctoriale et la pulsion rhapsodique, l’auteur donne à voir une parole romanesque qui reflète les grands enjeux de l’écriture dramatique contemporaine.<br>What happens when a successful playwright attempts to play the part of a chronicler? How does the influence of the theatre manifest itself in his narrative prose? At a time when the question of the canonic genres seems to have become obsolete and where the notions of intergenericity and hybridism seem more apt at explaining modern esthetical practices, we chose to target the various ways in which theatricality inscribes itself in Michel Tremblay’s Chroniques du Plateau Mont-Royal. Our first chapter looks at the ostensive manifestations of theatricality in the six stories. Through recourse to figures such as hypotyposis and other distancing processe, like mise en abyme, the address to the reader and the aside, the reader witnesses a recurrent manifestation of the spectacular device. Our second chapter targets the dramatization process of the novelistic. Through an impetuous movement that makes comic and tragic, reality and fantasy, sublime and grotesque, excess and lack alternate and even cohabit, the author claims not only a mix of genres and tonality within his works but he also provokes an outbidding of processes which aim at triggering a catharsis within the reader. Our third chapter outlines the theatricality modes of the novelistic voice. Through the implementation of a double discursive regime which oscillates between the author’s self-effacement and enunciation and rhapsodisation, the writer’s novelistic word reflects the great stakes of contemporary playwriting.
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Francoeur, Isabelle. "Ktf ; suivi de, La culture populaire et le rire comme instruments de détournement des discours dominants et de la culture consacrée dans Borderline et La brèche de Marie-Sissi Labrèche." Thesis, 2019. http://hdl.handle.net/1866/24200.
Full textAbstract:
Mémoire en recherche-création<br>Ktf, la première partie de ce mémoire, est un récit au « je » qui tente de reproduire
le parler des jeunes québécois. Il présente une vision des relations amoureuses au temps
des nouvelles technologies à travers les yeux d’une jeune femme de 20 ans souffrant de
dépendance affective. Le discours se double d’une réflexion sur l’endoctrinement par les
discours sociaux qui poussent à accorder une grande importance au paraître. La narratrice,
par son point de vue à la fois sarcastique et aliéné, s’attarde à raconter son banal quotidien,
tout en reconduisant une multitude de stéréotypes et en pigeant allègrement dans le
répertoire du kitsch et des pensées préconçues. Toutefois, grâce à son sens de
l’autodérision, la narratrice insuffle à son récit une bonne dose de ridicule ce qui a pour
effet de dévoiler le vide de sens qui sous-tend cette culture du paraître.
La seconde partie de ce mémoire est un essai qui s’intéresse la culture populaire et
au rire comme instruments de détournement des discours dominants et de la culture
consacrée dans Borderline et La brèche de Marie-Sissi Labrèche. Cet essai en trois parties
s’attarde d’abord à faire ressortir les références au tragique dans les deux récits de l’auteure,
afin de montrer comment leurs héroïnes Sissi et Kiki sont oppressées par les grands
discours du système officiel. Ensuite, les parties deux et trois portent sur le détournement
que les narratrices font subir au tragique en le confrontant à diverses manifestations de la
culture populaire comique, dont le kitsch, le grotesque, le ridicule, le carnavalesque et le
trash.<br>Ktf, the first part of this M.A. Thesis, is a narrative that attempts to reproduce the
orality of young people in Quebec. It presents a vision of love relationships in the age of
new technologies through the eyes of a 20-years-old girl suffering from emotional
dependence. The discourse is coupled with a reflection on indoctrination by social
discourses that give great importance to appearing. The narrator, from her sarcastic and
alienated point of view, dwells on her banal daily life, while reiterating a multitude of
stereotypes and while gleefully pumping into kitsch repertoire and preconceived thoughts.
However, thanks to her sense of self-deprecation, the narrator infuses her story with a good
dose of ridicule, which has the effect of revealing the meaninglessness that underlies this
culture of appearances.
The second part is an essay on popular culture and laughter as instruments for
diverting dominant discourses and consecrated culture in Borderline and La brèche by
Marie-Sissi Labrèche. This three-part essay focuses first on highlighting references to
tragedy in the author's two narratives, in order to show how their heroines Sissi and Kiki
are oppressed by the great rhetoric of the official system. Then, parts two and three analyze
how Labrèche turns away the tragic by confronting it with various manifestations of comic
popular culture, including kitsch, grotesque, ridiculous, carnivalesque and trash.