Dissertations / Theses: 'Guerra en l'art'

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Jiménez, Fernández Lourdes. "El reflejo de Wagner en las artes plásticas españolas. De la Restauración a la Primera Guerra Mundial." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2013. http://hdl.handle.net/10803/352219.

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Abstract:

El avance en las formas musicales propugnadas por el maestro alemán, sino que sus teorías estéticas a irrupción del wagnerismo en la Europa de su tiempo, fue uno de los fenómenos artísticos y culturales más significativos de la segunda mitad del siglo XIX. Éste no se limitó únicamente a un y escenográficas trascendieron las fronteras teatrales para alcanzar a otros campos como el literario o el de las artes plásticas, tal y como se abordará en el desarrollo de la tesis. Muchos de estos artistas e intelectuales (franceses, ingleses, belgas, rusos, norteamericanos, italianos, españoles, etc.) seducidos por la estética wagneriana, contribuyeron a integrar la iconografía y el mundo mítico de las óperas de Wagner en patrimonio común de la civilización occidental. Este fenómeno fue posible gracias a la nueva ordenación en la jerarquía de las artes producida en el siglo XIX y que llevó a la música y a la pintura –hasta entonces considerada en un plano inferior respecto a la poesía y a la arquitectura- a encabezar este nuevo orden, hecho que afectó favorablemente a la difusión de las teorías artísticas de Wagner tal y como veremos. El Romanticismo alemán con las figuras de Schiller, Caspar David Friedrich o Philip Otto Runge participaron en este nuevo postulado que pronto fue divulgado por toda Europa, agregándose igualmente la figura principal del pintor francés Eugène Delacroix que la convirtió en pilar básico de su teoría artística. Pero, sin lugar a dudas, fue la presencia del músico alemán Richard Wagner (1813-1883), quien mejor desarrolló e influencia tuvo en la estética de su tiempo por esta preeminencia de la música y la pintura sobre las demás artes, y particularmente de la música sobre el resto. Wagner convirtió a la idea de la Gesamtkunstwerk (obra de arte total) –partiendo de la sinestesia como origen-, en el sujeto fundamental de toda su obra musical y estética. Esta se podría definir como la síntesis y unión de todas las artes integradas bajo la dirección de la música, que conduce a la realización de una obra original, de un modelo ideal y superior. El nuevo ideario artístico obtuvo, de este modo, un reconocimiento favorable en las diversas manifestaciones estéticas desde los años sesenta hasta las primeras décadas del siglo XX y, esencialmente bajo las formas del simbolismo. Es por tanto que al dar título a la tesis como El reflejo de Wagner en las artes plásticas españolas, no se va a circunscribir únicamente el campo de estudio exclusivo de la interpretación iconográfica e iconológica de los personajes de las óperas de Wagner, si no que se va a extender a un objetivo más amplio que sirva para analizar, social y culturalmente, el fenómeno wagneriano desde sus condicionantes ideológicos a los artísticos, haciendo una valoración objetiva de la influencia marcada o no del wagnerismo en España y muy especialmente en las artes plásticas. Después de la consulta e información variada y múltiple recogida durante estos años, la organización de la tesis ha sido un tanto complicada, máxime cuando contando con todo el material recogido, era imposible determinar la síntesis fijada y que no dificultara el objetivo final de la misma, fijada desde un inicio y que se centraba en el estudio de la iconografía wagneriana desde la composición y difusión de la ópera de Wagner en Europa y su posterior llegada a España, principalmente presentada bajo su forma plástica. Comprender el porqué de la importancia otorgada por Richard Wagner a la puesta en escena –fundamental a la hora de concebirse más tarde el prototipo iconográfico-, así como establecer a manera de diccionario temático-iconográfico y simbólico, el estudio analítico de cada ópera desde Rienzi a Parsifal, así como la propia hagiografía derivada por el propio músico. En el estudio de cada ópera y cada personaje, se establecen unas pautas principales: parentesco y origen, atributos, mitos relacionados, principales obras/ejemplos plásticos. Con esta base, sería fácil establecer el reflejo de Wagner en las artes plásticas españolas, definiendo a través del catálogo de imágenes desde el estreno de Rienzi (1876) en el Teatro Real al de Parsifal (1913/14). Un último apartado incide en varios artistas que se convierten en los protagonistas más relevantes de la iconografía wagneriana española, como son Rogelio de Egusquiza, Mariano Fortuny y Madrazo y Adrià Gual, además de en su vertiente coleccionista y promotor la delmusicólogo Joaquim Pena. En un principio, el campo de exploración estaba acotado entre dos fechas bien delimitadas, por una parte el estreno de la primera ópera de Wagner en España (1876, Rienzi en el Teatro Real de Madrid) y el último estreno con Parsifal (Teatro del Liceo, 1913, Madrid, 1914). En el estudio sobre el wagnerismo en España era fácil trabajar con la acotación por épocas, delimitadas por acontecimientos histórico- sociales determinantes que básicamente se fijaban en dos grandes etapas el período de la Restauración (1875-1902) momento en el que comienzan a estrenarse las primeras óperas del período romántico de Wagner (Der fiegende Holländer, Tannhäuser, Lohengrin) a Tristan und Isolde o Die Walküre (estrenadas en 1899 en el Liceo) y que supuso el gran estallido del wagnerismo en Cataluña. A partir de 1901, marcado por el cambio histórico-político del comienzo del reinado de Alfonso XIII, se sucedió la definitiva difusión y aifanzamiento del wagnerismo en España, con las constituciones de las Asociaciones Wagnerianas (1901 –Barcelona; 1911 Madrid) a la representación de su gran obra Der Ring des Nibelungen y los homenajes en 1913 al centenario de su nacimiento (Festivales Wagner, Teatro del Liceo). En el análisis del wagnerismo catalán, los acontecimientos políticos propios de la Cataluña de la época con la Reinaxença, y más tarde los movimientos anarquistas y el nacionalismo catalán influirán significativamente en la presentación de los prototipos wagnerianos. No obstante, he de remarcar que en los capítulos 2, Wagner, hombre de teatro y 3, La iconografía wagneriana. Wagner como generador de imágenes literarias y musicales, los acontecimientos históricos han pasado a un segundo término, porque era necesario sintetizar el origen y significado de la iconografía sin prolongar más el estudio, y era conveniente la explicación a través de acontecimientos importantes como la creación del Festspielhaus de Bayreuth (estrenos de Der Ring des Nibelugen, 1876 y Parsifal, 1882), y la herencia del espectáculo wagneriano con Cósima Wagner y Bayreuth como exportador del wagnerismo. Bajo el título Reflejo de Wagner en las artes plásticas españolas. De la Restauración a la Primera Guerra Mundial, he intentando englobar por una parte, la iconografía wagneriana desde su origen –con la difusión y proyección de los modelos wagnerianos desde Bayreuth- hasta su aceptación por los pintores españoles, creando una iconografía propia. Igualmente, estudiar la evolución de la iconografía wagneriana en España, desde los primeros estrenos y sus testimonios plásticos, hasta el año 1914 que supone el fn de una era, la del primer wagnerismo en España –que acaba con el estreno de Parsifal y el comienzo de la Primera Guerra Mundial-.

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Sun, Zi Griffith Samuel B. Liddell Hart Basil Henry Wang Francis. "L'art de la guerre /." Paris : Flammarion, 1992. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37236988g.

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Fraga, Joana Margarida Ribeirete de. "Three revolts in images: Catalonia, Portugal and Naples (1640-1647)." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2013. http://hdl.handle.net/10803/664390.

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Abstract:

The dissertation “Three revolts in images: Catalonia, Portugal and Naples (1640-1647) is about the role of political visual communication during the revolts of 1640-1647 in Catalonia, Portugal and Naples. Visual sources played an important part in the development of these conflicts, since a high percentage of the population was illiterate. Images such as engravings and paintings were commissioned to local and international artists in order to reproduce the different messages of the two parties in conflict and displayed in public places and in ceremonies. Often, a third part –such as France – participated in the image making process, contributing with her own visual arguments. In my dissertation I aim to answer such questions as: who commissioned these images? Who was their intended audience? Which reactions did they provoke? Which messages can we perceive in them? And how did the visual communication contribute to these conflicts? I argue that it was important to study these three revolts as part of a common event, the Thirty Years’ War. By doing so, one presupposes that the revolts were not isolated conflicts, and therefore they might present similar characteristics when it comes to legitimating arguments, causes, policies and consequences. Indeed, the comparative approach allowed me to detect possible common intersections and interpret the three revolts as part of the same cultural and political conjecture. Despite the dangers of this methodology and the inevitable constant tension that it creates between generalizations and idiosyncrasies, it enabled me to establish that visual arguments were not exclusive to a certain territory. Indeed, I identified traces of a common culture as well as three general strategies employed in all the cases examined: the construction of a hero, the use of religious images (which obtain a new political dimension) and the employment of narrative images. My findings show that two significantly different characters such as D. João de Braganza, a member of the most important aristocratic house in Portugal, and Masaniello, a humble fisherman from Naples, were transformed into heroes by using the same arguments (nobility of character, bravery, etc.). Regarding Catalonia, it was significant to discover that a similar protagonist could not be found. The early and ambiguous death of Pau Claris, the responsible for proclaiming the Catalan republic under the protection of France in 1641, prevented the Catalan authorities from publicizing his heroic image. In addition, the religious arguments were common to all three territories, as the local saints were politicized and converted into legitimating arguments for rebellion. I also focused my research around questions concerning the rituals and behavior of the populations affected by the revolts. Was the violence justified? Did it obey to a certain code? How did the people react to the events? Are there similarities in the three territories? For example, acts such as the defenestration of the secretary Miguel de Vasconcelos in Portugal responded to a political culture and to a code of punishment, to which people knew how to respond. In Naples, the violence perpetrated by Masaniello was composed by several ritual elements that could be identified by Neapolitans.
Esta tesis tiene como objetivo analizar el papel de la comunicación política visual durante las revueltas de 1640-1647 en Cataluña, Portugal y Nápoles. Las fuentes visuales han jugado un papel de gran importancia en el desarrollo de los conflictos armados, sobre todo si tenemos en cuenta que un elevado porcentaje de la población no sabía leer ni escribir. Imágenes, entre las cuales grabados y lienzos, eran encargados a artistas locales e internacionales de forma a reproducir los mensajes de las dos partes participantes en el conflicto. Éstas eran a menudo exhibidas en lugares públicos y durante las ceremonias. Por veces, una tercera parte – como por ejemplo Francia – participaba en el proceso de producción y difusión de imágenes contribuyendo con sus propios argumentos. En esta tesis he querido responder a preguntas como: ¿quién encargaba las imágenes? ¿Quién era el público? ¿Qué reacciones provocaron? ¿Qué mensajes contenían y cómo fueron percibidos? ¿Cómo contribuyó esta forma de comunicación a los conflictos en causa? Argumento también la importancia de estudiar las tres revueltas como parte de un evento único, la Guerra de los Treinta Años. Al hacerlo, uno va más allá de asumir que se tratan de conflictos aislados y que, como tal, pueden presentar características parecidas en lo que dice respecto a los argumentos que legitimaban las causas, políticas y las consecuencias de las insurrecciones. Este abordaje comparativo me permite detectar posibles intersecciones e interpretar las revueltas como compartiendo una cultura común y de una misma conjetura política. Pese a los posibles peligros de esta metodología y a la inevitable tensión que crea entre generalización e idiosincrasias, me permitió establecer hasta qué punto ciertos argumentos eran – o no – específicos a un territorio. Por fin, me dedico también a analizar cuestiones relacionadas con ritual y comportamiento por parte de las poblaciones afectadas. ¿Era la violencia justificada? ¿Obedecía a un ritual previamente establecido? ¿Cómo reaccionaban las gentes? ¿hay similitudes entre los tres territorios?

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Haus, Brigitte. "Lettres hébraïques dans l'art contemporain en France après la seconde guerre mondiale." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100123.

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Abstract:

Dans la seconde moitié du XXe siècle, pour contrecarrer la perte de l’identité juive consécutive à l’anéantissement de la culture juive en Europe de l’Est et en Afrique du Nord, on assiste, en France notamment, à l’apparition d’un courant artistique centré sur les lettres hébraïques. Ne servant qu’aux langues juives et au centre dans la pensée juive, elles sont envisagées comme le paradigme du judaïsme. Ce courant prend son essor dans les années 1970, dans la mouvance de la quête d’identité juive, réactivée par les guerres en Israël. L’occultation des lettres qui le caractérise, surtout quand elles constituent de l’écriture, fait signe par métaphore, à l’inintelligibilité de la Torah dans la mystique juive, à la disparition de la vie juive, ainsi qu’à l’indicibilité après le traumatisme de la Shoah. Entre tradition et modernité, il retrouve la spécificité de l’art juif depuis le Moyen-âge et le réactualise en s’inspirant des courants artistiques contemporains, en particulier ceux qui comportent de l’écriture. Il s’inspire de plus, en partie de l’iconographie catholique, dans l’illustration de concepts kabbalistiques abstraits. La Diaspora en est conséquent, à la fois le motif et la source d’inspiration. L’influence de l’art chinois - qui corrobore le rapprochement d’un grand nombre de Juifs vers le Bouddhisme - reflète l’ambivalence du sentiment d’altérité et d’assimilation des Juifs de France. En mettant l’espoir, la vie, la danse et la musique dans le plan de connotations, à côté de la Shoah, ce courant incarne la reconstruction
In the second half of the twentieth century, to counteract the loss of Jewish identity resulting from the annihilation of Jewish culture in Eastern Europe and North Africa, an artistic movement focussed on Hebraic letters arose, particularly in France. Central to Jewish thinking and expressed only in the languages of the Jews, the latter are considered here as the paradigm of Judaïsm. The movement gathered strength through the 1970s as the wars in Israel revived the quest for Jewish identity. The characteristic dissimulation of letters, particularly those comprising writing, is seen as a metaphorical reference to the unintelligibility of the Torah in Jewish mysticism, to the extinction of Jewish life, and to the inexpressibility of the trauma of the Holocaust. Evoking tradition and modernity, the movement draws on the specificity of Jewish art since the Middle Ages, adding references to contemporary art forms, especially those featuring writing. In part, its inspiration is drawn from catholic iconography in illustration of abstract cabalistic concepts. Thus, the Diaspora is both its rationale and its source of inspiration. The influence of Chinese art –corroborating the leaning of many Jews towards Buddhism – reflects the ambivalence of the feelings of otherness and assimilation of the Jews of France. Setting hope, life, dance and music, on the same connotation level as the Holocaust, the movement embodies reconstruction

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Thomazeau, Romain. "Du sida aux cendres : entre guerre culturelles et guerre biologique : représenter (dans) la crise du sida." Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H310/document.

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Abstract:

La crise du sida n'est pas derrière nous, même si l'incendie semble éteint, les cendres elles, restent. Premièrement, parce que l'épidémie n'est nullement endiguée, mais aussi parce que nous continuons d'être hantés par les représentations, les discours, les constructions et les significations que cette pandémie transporte avec elle. Le sida est un phénomène complexe, tenter de le comprendre, c'est faire face en premier lieu à des séries de mots, d'images médiatiquement puissantes qui supplantent d'autres réalités. Pour parvenir à percer cette pandémie, il faut pouvoir en étudier tous les aspects, et parmi ces facettes, l'art a joué un rôle prépondérant dans la crise du sida, notamment parce qu'il a été particulièrement utilisé pour signifier une partie de ces autres réalités cachées. Dans ce travail de recherche, quatre axes se sont dessinés qui parcourent un large spectre des questions posées par le sida et ses représentations, autant, que les enjeux d'expositions, de médiatisation, de discursivité ou encore de significations que cette épidémie contemporaine sans précédent a mis en exergue. Le sida a révélé de nombreux problèmes dans nos sociétés occidentales, sans pour autant qu'ils soient aujourd'hui circonscrits. L'art a joué un rôle majeur dans la prise de conscience durant ces trente-cinq dernières années, en produisant des images et des contres-images. L'art a permis de contre-représenter une réalité qui de par nos sociétés de pouvoirs nous était tue, il a donné une voix à ce qui reste toujours une épidémie silencieuse et stigmatisante. Représenter (dans) la crise du sida a donc été et est toujours un combat, si ce n'est une forme de guerre culturelle
The AIDS crisis is not behind us, even if the fire seems to be extinguished, the ashes remain. First, because the epidemic is by no means contained, but also because we continue to be haunted by the representations, discourses, constructions and meanings that this pandemic carries with it. AIDS is a complex phenomenon, trying to understand it, is the deal first with a series of words, images that are media-intensive, which supplant other realities. To achieve to break this pandemic, we must be able to study ail aspects, among these facets, art has played a leading role in the AIDS crisis, especially because it has been particularly used to signify those other hidden realities. ln this research, four axes have emerged that cover a broad spectrum of questions posed by AIDS and its representations, as much as the stakes of exhibitions, media coverage, discursivity or meanings that this unprecedented contemporary epidemic has highlighted. AIDS revealed many problems in our Western societies, without, however, being circumscribed by now. Art has played a major role in raising awareness over the past thirty-five years by making images and counters-images. Art has allowed to counter-represent a realité which through our societies of power, was silent to us, it gave a voice to what always remains a silent and stigmatizing epidemic. Representing (in) the AIDS crisis has therefore been and still is a struggle, if not a form of cultural war

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Dumont, Paulette Marie. "Colette et la grande guerre : les répercussions de la guerre de 1914-1918 sur l'art et la pensée de Colette." Montpellier 3, 2001. http://www.theses.fr/2001MON30031.

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EL, GAMAL GALIL. "La strategie militaire et l'art de la guerre lors des premieres decennies de l'islam." Paris 7, 1991. http://www.theses.fr/1991PA070023.

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Mons, Alain. "Le désordre de la ville et la photographie après-guerre : Etats-Unis, France, 1945-1960." Paris 5, 1986. http://www.theses.fr/1986PA05H069.

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Abstract:

L'hypothese de depart est d'interroger la ville a travers ses images photographiques marquantes qui constituent une memoire et un patrimoine. La ville s'exprime et est exprimee dans les images apres guerre, periode charniere. Dans le documentaire photo choisi sur la mouvance urbaine de cette epoque, se manifeste un "regard explorateur" ou les dimensions spatiales et sociales sont toujours liees. Un "desordre" constitutif a la ville apparait nettement, c'est-a-dire une multiplicite du quotidien a travers deux grands corpus constitues. L'un americain (essentiellement new-york) l'autre francais (paris). Pour les u s a il s'agit de weegee, l. Model, w. Klein, r. De carava, r. Frank; pour paris de r. Doisneau, w. Ronis, le groupe des xv, e. Boubat, e. Van der elsken. . . La methodologie est "confrontale", avec analyse des images et des oeuvres particulieres, mise en perspective des corpus ou apparaissent des differences de "vision" remarquables sur l'urbain, donc de cultures, de modes de vie. D'ou un eclaircissement du contexte historique des deux pays a cette epoque. La lecture des images est d'ordre "symbolique". Nous essayons de trouver des articulations entre anthropologie urbaine et sociologie de l'image texte et image se repondent analogiquement dans un jeu de "correspondances indirectes". Apres une presentation des contextes historiques de chaque pays, et de leur photographie dominante, nous etablissons des caracteristiques de contenu. Pour les usa nous montrons comment weegee, model, klein, constituent une histoire photographique du quotidien de new-york et comment de carava et frank etablissent des reperages de territoires urbains. Pour la france nous montrons comment doisneau, les xv, ronis, presentent un paris reve et paradoxal et comment boubat et surtout elsken revelent les premieres fissures d'une ere de changement bouleversant les modes de vie urbains. Avec les americains, le regard est critique et la cite apparait "pulsionnelle", chaotique. Avec les francais le regard est bienveillant la cite est "populaire", villageoise. C'est l'occasion d'une reflexion theorique sur la possibilite de rendre compte du reel urbain. Il y a tout un jeu dans les images entre la trace, le regard, la ville (spatial social), entre reel, symbolique et imaginaire de la ville. Tout un reseau aussi entre visible et non visible de la vie urbaine. . . Cela nous mene vers une socio-iconographie" de la ville comme type de travail possible et original contribuant au renouvellement de la recherche en sciences sociales
At the begining, the hypothesis is to question the city through the prominent photographic pictures, constituent a memory and a patrimony. The city expresses itself and is expressed through the images after war, a important period in the photographic documentary chosen appears an "exploratory look" where the spatial and social dimensions are always together. A "disorder" of the city appears clearly, there is a multiplicity of the quotidian. We can see that through two corpus. The first is american (particulary new-york) the other one is french (paris) the method system is a "confrontation", analysis of pictures and productions compared with the corpus where radical differences appear : differences of vision about urban, then cultures and ways of life. The reading is symbolic. We try to find somme connexions between urban anthropology and sociology of the picture. In united states, there is a photographic history of the dayly life in new-york city with weege, model, klein, an a reference marks of urban territory with de carava and frank. In france, it is a dreamt and paradoxal paris with doisneau, les quinze", ronis, but already boubat and elsken indicate a deep change in the city life. With americans there are a critical view and "pulsion" of the town. With french there are tender view on "country" urban life. This rechearch's a thought on the real of the town, and a social analysis of photographic pictures

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Berecz, Agnès. "Continuité et rupture : l'oeuvre de Simon Hantaï dans le contexte de l'art après la seconde guerre mondiale." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010596.

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Abstract:

Cette recherche s'attache a examiner l'œuvre de Simon Hantaï et l'histoire de sa réception critique. A travers la lecture approfondie de l'œuvre, ce texte également aborde les changements majeurs de la sphère culturelle et politique en France entre la période de l'après-guerre et la fin du siècle dernier, y compris les antagonismes et enfin la dispersion du surréalisme bretonien, les transformations successives du marxisme, la réception compétitive de la peinture américaine, les réinventions de la tradition matissienne de la peinture, l'émergence des discours post-structuralistes, le développement des tendances anti-modernistes, ainsi que l'apparition des tendances neo-avant-gardes et de la critique institutionnelle. En étudiant les étapes différentes de l'œuvre dans leurs contextes artistiques, historiques et sociaux, ce travail cherche à démontrer la continuité des pratiques et des investigations picturales du peintre ensemble avec les ruptures et les discontinuités qui marquent ses positions intellectuelles et idéologiques.

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Garnier, Violette. "La mémoire retrouvée : les peintres allemands nés pendant la Seconde Guerre mondiale à la recherche de leur identité." Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1995PA010544.

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Abstract:

De l'après-guerre aux années 70 : le travail sur le passé récent dans la peinture allemande; des premières tentatives (Grundig, Lachnit, Strempel. . . ) aux œuvres de jeunes peintres de la RFA (Baselitz, Lupertz, Kiefer. . . ) qui tentent, par un travail de deuil, de retrouver une identité artistique. En 1945, la création picturale renaissante cherche, au milieu des ruines spirituelles et matérielles, à constituer une mémoire. Mais l'instauration de la guerre froide, la nécessité de créer de nouveaux repères identitaires suscitent d'après débats sur le rôle de l'art et mènent, avec la création des 2 états, à la disparition d'un art de caractère allemand, la RFA se range du côté des valeurs occidentales et voit le triomphe de l'abstraction. Comment alors - dans la société "oublieuse" des années 60, dans un pays qui a "une méfiance insondable à l'égard d'images parlant de lui-même" - être un peintre "allemand" sinon par une descente dans l'histoire taboue du troisième reich. Un retour certes choquant, mais éprouvé comme nécessaire pour assumer le passé
From the post-years until the 1670's: the work on the recent past in german painting; from tentative beginnings (Grundig, Lachnit, and Strempel. . . ) to the works of young G. F. R. Painters (Baselitz, Lupertz, and Kiefer. . . ) who attempted, through a work informed with sorrow, to find a new artistic identity. In 1945, a newborn pictorial creation tried, amidst the ruins of the spiritual and material worlds, to build up a memory. However the beginning of the cold war together with the need to create new landmarks of identity gave rise to bitter debate on the role of art and led, with the setting up of two separate states, to the disapperance of a single, characteristically germain, art. The G. F. R. Took the side of western values and witnessed the trimpl of abstraction. How then - in the "forgetful" society of the 60's, in a country having "an unfathomable distrust of images showing itself" - to be a "german painter" if not by descending into the taboos of the history of the third reich? This was doubtless a return held to be shocking, but felt to be necessary so that the past might be assumed

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Montoya, Corinne. "Des rêves de raison, déraisons du rêve : l'écriture spéculaire dans l'oeuvre gravé de Goya." Dijon, 1996. http://www.theses.fr/1996DIJOL027.

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Abstract:

L'oeuvre gravé de Goya semble méconnu de la critique et du public qui lui préfère l'oeuvre peint à l'huile. La plupart de ces estampes sont dotées de légendes rédigées par Goya et le rapport qu'entretiennent l'image et le texte est révélateur du propos satirique de Goya. Cette étude tend à prouver les liens étroits qui existent entre les différentes séries gravées (par ordre chronologique les caprices les désastres de la guerre, la tauromachie et les disparates), conçues et construites suivant une logique séculaire qui fonctionne au niveau de l'oeuvre complet mais qui se retrouve au sein de chaque série, dans un jeu perpétuel entre image réelle (la société espagnole de la fin du siècle des Lumières, la guerre d'indépendance) et image virtuelle (le jeu, le carnaval, la sorcellerie. . . ) qui s'organisent à partir de gravures-pivots (comme par exemple le "songe de la raison produit des monstres" (caprice 1). Nous avons procédé, suivant la méthode sociocritique, à l'identification des signes linguistiques des légendes et des icônes de ces estampes, puis nous avons étudié leurs récurrences, leurs occurrences et leurs places dans les différentes séries gravées, afin de parvenir à une compréhension globale de l' oeuvre gravé par rapport aux autres moyens d'expression utilisés par Goya, mais aussi à une appréhension individuelle de chaque série, en soulignant les textes culturels qui sous-tendent la production goyesque
Goya's etchings do not seem familiar to critics or to the general public who have always preferred his oil paintings. Captious written by Goya himself are to be found on most of his engravings and the relation ship between image and text throws a useful light on the artist's satirical starcethe present study aims at demonstrating the close links between the various series of etchings : the caprices, the disasters of war, bullfighting and the disparates in chronological order - they were conceived and organized according to a mirror-like logic which is at work both throughout all the engravings and within each series and which takes the torm of a continuous play between the real image (spanish society at the end of the enlightment, the war of independence. . . ) And the virtual image (games, the carnaval, witchcraft. . . ) centred around key-etchings (like "the dream of reason produces monsters", caprice 1, for instance) an accordance with the socio-critical approach, I have first chosen to identity the linguistic signs to be toward in the captious and in the imagery of these drawings, then I have studied their frequency, their occurrence and their place in the various series of engravings with a view not only to reaching an over understanding of the etchings compared to the other means of expression used by Goya but also to understanding each series independently by emphasizing the cultural texts underlying Goya's work

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Fattūḥ, Sirīn. "La création à l'épreuve des guerres et de leurs effets : quelques aspects de l'art contemporain libanais." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010568.

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Abstract:

Cette thèse explore les conséquences des guerres libanaises de 1975-1989 et de l’amnistie (1991) sur la production artistique de deux générations d’artistes libanais. Durant les premières années de l’après-guerre, l’amnistie institutionnelle a imposé un silence tacite chez la population libanaise, ce que les artistes de la première génération, ceux qui étaient adolescents pendant les guerres, ont contourné en interrogeant leur passé proche (celui des guerres) ainsi que leur présent, à travers leurs œuvres. Ils ont sondé leur mémoire, celle de leur pays et de ses habitants afin de déjouer les vérités officielles du pouvoir étatique. La particularité de leurs œuvres réside dans leur approche critique où les deux régimes esthétiques, celui du réel et celui du fictif, avoisinent. La deuxième génération d’artistes, qui étaient enfants pendant les guerres et dont je fais partie, ont quant à eux suivi les pas de leurs aînés en abordant dans leurs œuvres les mêmes problématiques, afin de tenter d’élucider leur passé fragmentaire, mais également pour s’en affranchir. Les œuvres des artistes de la première et deuxième génération de l’après-guerre questionnent l’histoire du Liban à travers l’utilisation de la forme du témoignage, celle du documentaire, de la narration, mais également par la fiction ou par des documents d'archives inventées. L’approche des artistes consiste à semer le doute chez leurs spectateurs par les intrusions du réel dans le fictif ou celles du fictif dans le réel
This thesis explores the consequences of the 1975-1989 Lebanese wars and the 1991 amnesty on the artistic production of two generations of Lebanese artists. In the post-war early years, institutional amnesty imposed a tacit silence on the Lebanese population. Artists of the so-called first generation, those who were teenagers during the wars, bypassed this silence by questioning their recent past (the one of war) and their present through their art. They probed their memory, that of their country and its people, to foil official truths of state power. The peculiarity of their work is their critical approach where both the aesthetic regimes of the real and the fictitious are proximate. Meanwhile, the second generation of artists, those who were children during the wars, including myself, have followed the footsteps of their elders addressing the same issues, in an attempt to unravel their fragmentary past, but also in order to emancipate from it. The art of both the first and the second generation artists questions the Libanon’s history through different forms of testimony, namely the documentary, the narrative, but also fiction or by invented archival documents. In order to encourage their audience to grasp Lebanon’s incomplete history, these artists’ approaches consist to sow doubt among viewers by intrusions of reality into the fictional or fiction into the real

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Raad, Fadi. "Figures du feu dans l'art contemporain et la guerre : sous le signe de Prométhée, du Phénix et d'Empédocle." Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H308.

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Abstract:

La thèse traite de la problématique du feu comme instrument de la création plastique contemporaine. En effet, depuis les années 1960, on observe une utilisation accrue de l’élément feu dans de nouvelles formes d’expression artistique. L’accent est mis particulièrement sur le feu de la guerre qui, en transformant la vie des artistes, fait également évoluer leur création. Tout au long de la thèse, l’analyse des oeuvres personnelles vient appuyer ce constat et sont explorées sur la base de l’expérience de la guerre vécue par l’auteur. Les parties de la thèse font référence à des figures mythiques en relation avec l’image du feu. Ainsi, se classent-elles « Sous le signe de Prométhée », « Sous le signe du Phénix » et « Sous le signe d’Empédocle »
This Ph.D. dissertation deals with the problem of fire used as a tool in the contemporary plastic art creations. In fact, since the 1960s, an increased use of fire is noted within new forms of artistic expression.The emphasis is put particularly on the “fire of war” which, by changing the lives ofthe artists, transforms their creations as well .Throughout the dissertation, the analysis of personal pieces of art, observed through the context of the war experienced by the artist, confirms the above finding. The sections of the dissertation refer to some mythical characters with close relationship with the image of fire. Hence, they are referenced “Under the sign of Prometheus”,“Under the sign of the Phoenix” and “Under the sign of Empedocles”

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Vallespir, Mathilde. "L'exorcisme produit par des oeuvres poétiques et musicales de la guerre et du direct après-guerre : 1939-1945." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040211.

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Abstract:

L'objet de la thèse est de circonscrire un agencement d'art particulier : l'exorcisme produit sur un récepteur actuel par des œuvres musicales et poétiques de la guerre et du direct après-guerre de R. Char, H. Michaux, O. Messiaen et A. Jolivet. En consommant ces œuvres, le récepteur exorcise la violence propre à la guerre en opposant à la négation de l'autre propre à Auschwitz, lequel emblématise la guerre, l'avènement d'une entité autre surgissant de la perception conditionnée par ces œuvres. Une telle " altérisation " perceptive repose sur un fonctionnement contradictoire de la perception, qui s'effectue tout en s'auto-déconstruisant, et qui brouille la réception. Après avoir en une première partie posé les fondements théoriques de l'approche, et cerné la spécificité de la musique et du langage en s'appuyant sur une critique des rapprochements effectués entre eux, on analyse l'agencement d'exorcisme à proprement parler, en décrivant, en une deuxième partie, sa manifestation fondamentale, le brouillage. On détermine les sources sémiotiques spécifiquement langagières et musicales de ce brouillage, et on montre son pouvoir de déstructuration de la perception et de désimplication sur le récepteur. Le brouillage est ainsi défini comme agencement monstrueux. La dernière partie réinsère cet agencement local dans l'agencement général d'exorcisme. Ce brouillage peut en effet se muer en altérisation, la lecture de la métaphore se transformant en création d' hétéro-univers de croyance, le paradoxe en hétéro-doxe, quand l'écoute s'opère selon des repères marginaux par rapport aux attentes. S'ensuit enfin une modélisation générale de l'agencement d'exorcisme comme mécanisme de substitution de l'autre à soi, comme contre-violence à l'Histoire
The objective of this work is to circumscribe an "agencement" (arrangement) of specific art: the exorcism produced on a receiver by musical or poetical works from the Second World War and the immediate after-war period by R. Char, H. Michaux, O. Messiaen et A. Jolivet. When encountering these works, the receiver exorcises the war-related violence by confronting the negation of the other characterising Auschwitz with the advent of another entity rising from the perception conditioned by these works. Such a perceptive "alterisation" rests on a contradictory functioning of perception, which de-constructs itself whilst happening, and which blurs perception. In a first part, we set the theoretical basis for our approach, by encircling the specificity of music and language based on a criticism of association usually made between both of them. We then analyse the mere "agencement" of exorcism by describing its fundamental manifestation - the process of "brouillage" (confusion) - in a second part. We define the semiotic sources for this process which are specific to language and music, as well as its manifestation more distinctively perceptive in both systems, through its power of de-construction and des-involvement. That way, we manage to define the "brouillage" as a monstrous "agencement". The last part of this work is dedicated to the reinsertion of this "agencement" into the more general "agencement" of exorcism. We show how the "brouillage" can change to "alterisation", with the reading of metaphor itself changing into the creation of a hetero-universe of belief, and the paradox into "hetero-dox", when listening operates along benchmarks which are marginal compared to expectations. To conclude, we propose a general modelling of the "agencement" of exorcism as a way of substituting to the other, as a challenge to the violence of History

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Croizier-Varillon, Isabelle. "L'art sacré en Béarn et en Pays Basque dans la période de l'entre-deux-guerres." Thesis, Pau, 2012. http://www.theses.fr/2012PAUU1010/document.

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Abstract:

La période de l’entre-deux-guerres en France correspond à une phase de renaissance pour l’Art sacré. Après la loi de Séparation de 1905, l’Église dut se réorganiser, renouveler son message spirituel et inscrire concrètement son action au sein d’une société en mutation. La création d’ateliers d’art sacré et le lancement des Chantiers parisiens du cardinal Verdier, soutenus par plusieurs publications comme la revue de L’Art Sacré, insufflèrent une impulsion nouvelle à la production religieuse. Le diocèse de Bayonne participa pleinement à cet essor. Souscrivant, d’une manière originale et dynamique, à cette nouvelle configuration, il tenta d’y inclure les particularismes régionaux en faisant notamment apparaître les spécificités identitaires basque et béarnaise. L’action conjointe des évêques et des curés bâtisseurs, des architectes, des maîtres verriers et mosaïstes, des peintres, des sculpteurs ou même des orfèvres, témoigne de la réécriture de schémas anciens, voire conventionnels, au profit d’un art hésitant entre audaces et compromis. C’est en effet sous les bannières de la tradition et du renouveau, du régionalisme et de la modernité que se situe l’art sacré dans le diocèse de Bayonne
The interwar years in France witnessed a revival of sacred Art. After the 1905 law on the separation of Church and State, the Church had to reorganize and renew its spiritual message and reposition its action in the context of a changing society. The creation of religious art workshops as well as the launching of the Parisian “Chantiers du Cardinal”, initiated by cardinal Verdier, supported by a number of reviews such as L’Art Sacré, gave a new impulse to the production of religious art. The diocese of Bayonne took a full part in this initiative. It was keen to contribute in original and dynamic ways to this new direction and tried to include regional elements and in particular features reflecting Basque and Bearnais identities. The joint work done by bishops and priests involved in building churches, architects, glassmakers and mosaic artists, painters, sculptors and even goldsmiths, shows how well-established and even conventional designs were revisited to produce an art which hesitated between daring innovation and compromise. Indeed, the sacred art of the diocese of Bayonne was marked by a mixture of tradition and renewal, regionalism and modernity

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Werger, Susanna. "Le Caractère destructeur dans l'art : poétique, musique et performance des mouvements d'avant-garde autour de la première guerre mondiale." Thesis, Strasbourg, 2019. http://www.theses.fr/2019STRAC022.

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Abstract:

La destruction est un angle de vue capable d'englober un grand nombre d'auteurs et de compositeurs différents. Ce travail recherche les répétitions au cours de l'histoire littéraire, de trouver les moments de continuité ou de rupture. Le dénominateur commun du caractère destructeur sert à détecter une facette du style de l'époque. L'intérêt de contempler plusieurs domaines dans l'art des mouvements d'avant-garde réside dans la pratique artistique qui connaît de plus en plus d'échanges et de synergies entre les différents domaines ; les formes d'expression s'entre-influencent, s'entrechoquent et communiquent. L'ouverture des genres et des frontières linguistiques, pour les études comparatives, rend cette démarche d'autant plus indispensable : cela implique l'étude des grands travaux qui unissent toutes les formes d'expression. Il est donc souhaitable que l'on puisse comprendre et visualiser les réciprocités entre la littérature, la musique et la performance. Le slogan captivant du caractère destructeur synthétise une base créative de l'art d'avant-garde et touche à son paradoxe inévitable : la destruction implique en effet des aspects créatifs ; l'espace libéré sera rempli aussitôt
Destruction is a perspective that encompasses a large number of different authors and composers. This work seeks patterns of repetition throughout literary history, to find moments of continuity or rupture. The common denominator of destructiveness is used to detect a facet of the style of the time. The interest in contemplating several fields in the art of avant-garde movements lies in artistic practice, which is experiencing more and more exchanges and synergies between the different fields of literature, music and performance; forms of expression influence each other, clash and communicate. The opening up of genres and linguistic borders for comparative studies makes this approach all the more essential: this necessitates the study of the major works that unite all forms of expression. It is therefore desirable to be able to understand and visualize the reciprocity between the above fields. The captivating slogan of destructive character synthesises a creative basis of avant-garde art and touches upon its inevitable paradox : destruction actually implies creative aspects; the space freed up is immediately filled again

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Morin-Prevot, Magali. "L'image du souverain en milieu anglais de Hastings au début de la guerre de Cent Ans." Paris 10, 2002. http://www.theses.fr/2002PA100189.

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Abstract:

De la conquête de Hastings au début de la guerre de Cent Ans, le souverain anglais s'affirme de manière décisive au sein d'un Occident chrétien qui connaît dans le même temps un profond rééquilibrage des pouvoirs. Si les textes permettent de suivre cette affirmation progressive à l'égard de l'Eglise, des grands vassaux et des princes étrangers, l'investigation des images et, dans une certaine mesure, des édifices également n'apparaît pas moins nécessaire. Elle est, en effet, utilisée par les souverains comme une manifestation immédiate et tangible de leur pouvoir, et pour en laisser également une trace persistante. L'analyse des divers supports artistiques qu'offre alors le milieu anglais permet d'envisager aussi les éléments mis en place par les opposants pour contrer cette magnification et le perpétuel réajustement de l'image royale grâce aux données traditionnelles, historiques ou légendaires ; la comparaison avec les procédés du même ordre mis en oeuvre par d'autres puissants princes de l'époque autorise, en outre, une meilleure définition du phénomène anglais. Cette étude vise donc à dégager les éléments privilégiés par les acteurs eux-mêmes dans la mise en place d'une idéologie monarchique et à suivre l'évolution de la notion même de royauté
Starting from the conquest of Hastings up to the start of the Hundred Years' War, the english king asserted his authority in a decisive manner within the christianized West, which at the same time was experiencing a significant upheaval and rebalancing between the various powers. Historical texts enable us to confirm this progression in front of the church, the major vassal powers, including foreign dignities. Netherless, it is important not to underestimate the use of images and edifices which contributed to this process. They were used as an immediate and tangible demonstration of regal power as well as leaving a permanent trace of their presence. The study of documentation from diverse artistic sources dating from english society during this period, notably coming from traditional, historie and legendary data, shows us elements set up by oponents in order to counteract this magnification of the king and thus creating a perpetual readjustement of the royal image ; by comparing similiar behaviour relating to other powerful princes living during the same time period, we are able to gain a clearer definition of the english phenomena. This study aims to distinguish between the methods used by the players in order to embelish their image, thus creating a monarchie ideôlogy, and rather to follow the progressive development of kingship

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Le, Fur Didier. "Les Impérants Rois : images des rois de France pendant les premières guerres d'Italie (1494-1517)." Paris 10, 1996. http://www.theses.fr/1996PA100051.

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Tobia-Chadeisson, Michèle. "Faiseurs de Dieux : les notions de fétiche et de fétichisme en France depuis la découverte de l'Afrique jusqu'à la première guerre mondiale." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010665.

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Abstract:

Fétiche et fétichisme sont deux expressions employés tant dans le domaine anthropologique que psychanalytique ou économique. Cette étude traite plus particulièrement de la valeur portée a ces deux notions à travers les récits de voyages et les écrits anthropologiques français. La mise en perspective critique de ces textes, témoins sensibles du choc de deux cultures, montre à quel point ces deux termes ont eu pour rôle de cristalliser nombre de nos préjugés à l'égard des civilisations africaines. La première partie de cette recherche est centrée autour de la formation et du développement du terme et du concept fétichisme puis de leur abandon progressif par l'ethnologie. La seconde partie traite du fétiche, au destin remarquablement diffèrent. En effet, étymologiquement antérieur au terme fétichisme, il est, après maintes tentatives de substitution, à nouveau présent dans le discours et la pensée ethnologique et esthétique de la fin du XXe siècle. Son parcours depuis sa plus lointaine origine, les conditions et les motifs de son enracinement en terre d’Afrique, ses variations, ses significations et formes successives sont retracés. Cette chronique s'arrête autour de la première guerre mondiale, moment où le terme "fétiche" semble disparaitre du langage ethnologique. Toutefois, banni du langage ethnologique, de l'histoire des religions et de l'esthétique, aucun équivalent n'a pu le remplacer jusqu'à présent, à tel point que l'on n'en finit pas de l'employer entre guillemets, à défaut de pouvoir le mettre entre parenthèses. Une troisième partie oriente la réflexion sur la matière même dont sont faits les objets fétiches, condition sine qua non de leur efficacité, mais aussi point noeudal de notre incompréhension à leur égard. Par un curieux retour de l'histoire, nous verrons enfin comment la réflexion ethnologique et esthétique contemporaines ont réinvesti et rétabli le dialogue autour de cette notion qui semblait vouée aux gémonies au début de ce siècle
"Fetish" and "fetishism" are often employed in the anthropological, the psycho analytic and the economic discourse. This study refers more specifically to the meanings of these two notions through the travel and anthropological french literature. The first part of this study refers to the formation, the expansion and the decline of the term and the notion "fetishism" in the anthropological discourse. The second part refers to the term "fetish", which had a different destiny. Etymologically anterior to the term "fetishism", it remains, after many attempts of substitution, into the anthropological and the aesthetical discourse and thought. Its wander since its origins, the circumstances and the causes of its engravement in africa, its variations, meanings and successive shapes are defined. This chronicle takes end at the turn of World War I, when the term is about to vanish. Part three of this essay, will consider the substances of the fetish-objects themselves, substances which are the main focus of our lack of understanding. Astonishly, we will finally see how the present discourses have reintroduced and restored the dialogue around this notion which seemed to be dismissed at the beginning of this century: banished from the anthropological, the history of religions and the aesthetical fields, no adequat term had been able to replace it

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Halas, Katarzyna. "De "l'état de guerre" à la nouvelle démocratie : cheminement de l'art indépendant en Pologne : de 1981 à la fin des années 1990." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010606.

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Abstract:

Le sujet de cette thèse est l'étude de l'expression artistique dite « indépendante» en Pologne durant les deux dernières décennies du XXe siècle. Ces années ont pour caractéristique commune une exacerbation des rapports entre l'art et la politique dans un système communiste rendu plus répressif à la suite de l'instauration de l'état de guerre en décembre 1981, puis, juste après sa chute en 1989, dans une société en pleine mutation. La culture y est étudiée sous l'angle d'un contre-pouvoir. Les années quatre-vingts sont marquées par une forte résistance de la société au pouvoir, à laquelle la majorité des artistes participe activement, en boycottant les institutions officielles et se tournant vers l'Eglise, qui offre un refuge à cet art engage. Apres la chute du communisme, les cibles des critiques des artistes changent : ils remettent en question à la fois des mythes et valeurs typiquement polonais et le nouveau système capitaliste.

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Gispert, Marie. ""L'Allemagne n'a pas de peintres" : diffusion et réception de l'art allemand en France durant l'Entre-deux-guerres, 1918-1939 /." Paris : M. Gispert, 2006. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41075747v.

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Palos, Pereira Jose Antonio. "Fernando Oliveira à l'horizon : introduction à l'étude de son oeuvre accompagnée de la traduction de son traité "L'Art de la guerre en mer"." Lyon 3, 1990. http://www.theses.fr/1990LYO31007.

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Abstract:

Le but de ce travail est la recherche d'une "unite" possible entre trois themes apparemment heterogenes: la grammaire, l'ethique et la politique, et la construction navale, themes qui ont preoccupe oliveira, auteur portugais du seizieme siecle. Nous avons ainsi analyse les rapports entre le langage et la pensee et sous ce rapport general, d'autres themes, comme la phonetique ou encore le probleme de la signification. Avec l'etude de l'ethique et de la politique nous avons assiste a l'expansion de l'etat et au probleme de l'esclavage, themes face auxquels oliveira prend des attitudes du plus grand interet. Enfin, en abordant l'architecture navale, oliveira montr comment on passe d'une pratique routiniere a un art de la construction (ou a une science). Le passage n'en est pas pour autant consomme. Pour unir ces themes deux points essentiels: la mer comme "type de destin" et le pre-encyclopedisme comme souci intellectuel
The object of the present work is a search for a possibility of "unity" between three themes apparently heterogeneous: grammar, ethics and politics, and naval architecture; the themes which were of a great concern to oliveira, a portuguese author of the sixteenth century. Thus we have analysed the relationship between language and mind, and within this general framework, we have looked up other subjects such as phonetics or even the problem of meaning. While examiming ethics and politics we have watched closely the expansion of state and the problem of slavery, the themes towards which oliveira adopts a philosophical standpoint of a great interest. Finally, oliveira tackles naval architecture to show how a routine practice changes into an art or a science of construction. The transistion from a shipwrigt to an architect is not for all that accomplished. In order to combine these themes two essential points should be stressed: sea as "type of destiny" and the pre-encyclopaedism as an intellectual concern

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Polack, Emmanuelle. "Le paradigme du marché de l'art à Paris sous l'Occupation 1940-1945." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H043/document.

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Abstract:

L'euphorie du marché de l'art sous l'Occupation est aussi le reflet d'un afflux de marchandises issues des spoliations artistiques des personnes de confessions juives ou de tout opposant du IIIe Reich. Le nœud d'exploration de la présente thèse se place volontairement sur cette question. Elle propose une analyse des paradigmes d'un marché de l'art en période de guerre sous contrôle d'État collaborationniste
The euphoria of the art market under the Nazi Occupation is also a reflection of an influx of goods resulting from the artistic spoliations of the Jewish community along with any opponent of the Third Reich. The main concern of this thesis deliberately places itself on this question. It proposes an analysis of the paradigms of an art market during a war period under the control of a collaborationist State

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Robichon, François. "La peinture militaire française de 1871 à 1914." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040035.

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Abstract:

La peinture militaire a été exclue des histoires de l'art français à la suite de la première guerre mondiale, qui coïncide avec un changement du goût des élites. Sans écarter une lecture historique de cette iconographie, on a proposé des lectures nouvelles qui mettent en valeur les inventions plastiques de ce genre né après la guerre de 1870. On a dressé un panorama complet du genre militaire, dans ses composantes sociologiques, historiques et esthétiques. Les peintres militaires ont occupé une place particulière dans la société française, du fait des relations franco-allemandes. Edouard Detaille a dominé sa génération et cumulé tous les honneurs. Les tableaux les plus célèbres ont atteint une audience considérable grâce à la reproduction. Se développant après la défaite de 1871, la peinture militaire assume ce traumatisme et valorise les efforts de redressement de toute la nation. Elle participe à la révision de l'histoire glorieuse des guerres de la Révolution et de l'Empire. En réponse à la domination du feu sur l'homme dans le combat moderne, la peinture militaire a inventé l'épisode, unité narrative qui permet la mise en scène de valeurs morales comme le courage et le sacrifice. Elle a profondément modifié ses schémas de composition en recherchant la relation directe avec le spectateur. Les grands thèmes de la peinture militaire durant cette période sont la guerre de 1870, les guerres coloniales, l'armée "nouvelle" de conscription, les guerres de la Révolution et du premier Empire. La première guerre mondiale a bouleversé le genre. Les réponses à la disparition du combat comme objet de représentation ont été très diverses : recours à l'allégorie et au symbole, croquis de guerre et nouvelle forme de peinture d'histoire. Le développement du cinéma mais aussi et surtout le refoulement total du souvenir de la guerre par la société française expliquent la quasi disparition de la peinture militaire après 1918
Military painting was excluded from histories of French art after the First World War, coinciding with a change of taste among the elite. Without discarding an historical reading of this iconography, we proposed new readings highlighting the plastic inventions of this style. We set up a complete panorama of the military style, based on sociological, historical and esthetical components. Military painters have occupied a particular place in the French society, as a result of French-German relationships. Edouard Detaille dominated his generation and received its many honors. With the reproduction, the most famous paintings thereby reached a large audience. Developed after the defeat of 1871, military painting assumes this traumatism, and was focused on the rebuilding of the nation. It participates in a revisionist analysis of the "glorious" wars of the revolution and empire. In response to the use of modern arms in military battles, military painting invented "episode", a narrative structure, in order to emphasize moral values like courage and sacrifice. Composition's structures in military painting were changed and developed a more immediate relationship with the spectator. The major subjects of military painting during this era were the war of 1871, the colonial wars, the "new" army of conscription, the wars of the revolution and the first empire. First World War changed and involved this style. New approach replaced the traditional role of combat as subject: a new emphasis on allegory and symbol, soldier's sketches, and a new approach to historical painting. The expansion of cinema, but also and above all the total desire by the French nation to forget the war, explain the almost complete disappearance of military painting after 1918

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Gispert, Marie. ""L'Allemagne n'a pas de peintres" : diffusion et réception de l'art allemand moderne en France durant l'Entre-deux-guerres, 1918-1939." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010666.

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Abstract:

Les relations artistiques franco-allemandes entre 1918 et 1939 sont grevées par un antagonisme politique mais aussi par une «psychologie des races» qui cherche à opposer mentalités latine et germanique. Les Français estiment que les Allemands ne sont pas peintres et lisent tous les mouvements artistiques allemands en fonction de caractéristiques ethniques. Les Allemands eux-mêmes ont du mal à se départir d'un certain sentiment d'infériorité. Dès lors, les réseaux de diffusion de l'art allemand en France, qu'ils reposent sur des artistes, des politiques, des marchands ou des critiques d'art, obtiennent certes quelques résultats mais apparaissent trop peu impliqués, trop partiaux ou trop peu écoutés pour être véritablement efficaces. Les expositions dans les galeries et salons et les acquisitions des musées sont donc peu nombreuses et la germanité reste un critère déterminant même si quelques artistes comme Grosz, Kokoschka, Klee ou Ernst connaissent un certain succès en France.

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Sotropa, Adriana. "La tentation symboliste dans l'art en Roumanie, de la fin du XIXe siècle à l'entre-deux guerres : promoteurs, formes, réception." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010567.

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Abstract:

Catégorie régulièrement employée et reconnue par les historiens de l'art roumain, le Symbolisme méritait d'être réexaminé dans ses contours et son contenu. Il convenait pour cela de retrouver des artistes et des oeuvres relégués aux oubliettes de l'histoire pour les premiers ou dans l'ombre des réserves, au mieux, pour les seconds. Force est de constater, de ce point de vue, à quel point une forme d'« idéalisme» se manifeste avec plus d'intensité et de variété en sculpture qu'en peinture, malgré l'affirmation d'un certain antinaturalisme. L'analyse des discours auxquels ont donné lieu ces oeuvres, tant à l'époque de leur création que dans l'histoire de l'art, révèle les fondements des jugements dépréciatifs dont elles font parfois encore aujourd'hui l'objet, de mesurer les difficultés liées à I'affirmation d'un « Symbolisme » en Roumanie, de mesurer le poids réel ou supposé de l'étranger, en particulier l' Allemagne et la France, dans un pays en quête de racines, où bien des acteurs s'efforcent d'encourager l'affirmation d'un art national. Cette triple confrontation des artistes, des oeuvres et des discours, permet en dernière analyse de réécrire un nouveau chapitre de l'histoire de l'art moderne en Roumanie

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Niogret, Philippe. "Débats idéologiques et esthétique romanesque en France pendant l'entre-deux guerres (1919-1939) dans les périodiques L'Art Libre, Europe, et Vendredi." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2001PA040132.

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Abstract:

Cette thèse étudie l'évolution des idées et des moeurs en France pendant l'entre-deux-guerres (1919-1939) et leur l'influence sur l'évolution de la forme romanesque, à travers trois périodiques : L'Art Libre, Europe, et Vendredi. Les thèmes suivants sont abordés : la guerre et ses conséquences ; l'inquiétude de la génération d'après-guerre et l'attrait de l'Orient ; l'évolution des moeurs et des rapports entre hommes et femmes ; le renouveau catholique ; l'engagement social et politique des écrivains. Ces évolutions se reflètent dans les romans de l'époque et ont entraîné une crise du roman, parce que l'on n'imaginait pas qu'il puisse s'écarter du modèle ancien, qui n'était plus adapté à l'instabilité de l'époque. Nous distinguons, chez les romanciers de cette période, confrontés à ce dilemme, deux tendances : l'une veut que le roman s'adapte à son époque, l'autre rêve d'un roman dégagé des influences de l'époque pour atteindre l'essence de l'être
This thesis explores the evolution of ideas and morals in France during the period between the First and Second World Wars (1919-1939) and their influence on the evolution of the novel, through analysis of three periodicals : L'Art Libre, Europe, and Vendredi. The following themes are addressed: the war and its consequences; the anxiety of the post-war generation and the attraction of the East; the evolution of morals and relations between men and women; the Catholic revival; the social and political involvement of writers. These changes are reflected in the novels of this period and they brought about a crisis concerning the novel because of the unanticipated departure from its traditionnal model, that model no longer being appropriate to the instability of the period. One distinguishes two trends among novelists of this period faced to this dilemma : one is to adapt the novel to its era, the other to envision a novel detached from its time in order to attain the essence of the human condition

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Amat, Jean-Paul. "La forêt entre guerre et paix 1870-1995 : Etude de biogéographie historique sur l'Arc meusien de l'Argonne à la Woëvre." Lille 1, 1999. http://www.theses.fr/1999LIL10182.

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Tami, Alan. "L'art de la guerre au temps des croisades (491/1098 - 589/1193) : Du théocentrisme irrationnel aux influences mutuelles et adaptations pragmatiques dans le domaine militaire." Phd thesis, Université Michel de Montaigne - Bordeaux III, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00735126.

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Abstract:

Jusqu'aux croisades, les rencontres entre l'Orient musulman et l'Occident chrétien avaient été réduites à des échanges commerciaux anecdotiques ainsi qu'à de rares pèlerinages en Terre sainte. Et alors que les musulmans méprisaient souverainement des peuplades septentrionales vouées, selon eux, à l'égarement et à l'ignorance, les Occidentaux avaient fait de la jeune religion orientale et de ses sectateurs l'Antéchrist de leur eschatologie apocalyptique. Tous étaient imprégnés d'un théocentrisme intransigeant ne laissant aucune place à un Autre ignoré ou abhorré, si ce n'est celle de l'Ennemi. Il fallut donc une guerre généralisée entre ces deux ensembles civilisationnels aux antipodes pour qu'enfin ils se rencontrent et se côtoient durablement, jusqu'à estomper en partie des préjugés et des images déformées longtemps entretenus. Paradoxalement, la guerre et ses principales émanations (la stratégie, la tactique, l'armement et l'architecture militaire) allaient être les causes d'une meilleure connaissance mutuelle. En cherchant à répondre au mieux au défi militaire lancé par l'adversaire, chacun fut contraint de scruter les intentions, la mentalité, et surtout l'art de la guerre de l'autre ; ainsi, on n'hésita pas à en copier les concepts et les procédés jugés profitables, de même que les deux camps firent montre, dans ce domaine, d'une adaptabilité multiforme exceptionnelle. En somme, loin de la vision répandue présentant les croisades comme des conflits séculaires purement religieux ayant opposé de manière manichéenne deux conceptions monolithiques et hermétiques du monde et de la guerre, il semblerait en réalité que la Syrie du XIIe siècle fut d'abord un creuset d'échanges dans lequel le maître mot était "pragmatisme".

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Rossé, Christian. "Les échanges de l'ombre : passages des services de renseignements suisse et alliés à travers la frontière de l'Arc jurassien 1939-1945." Thesis, Belfort-Montbéliard, 2013. http://www.theses.fr/2013BELF0010/document.

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Abstract:

Durant la période de l’Occupation de la France, la frontière franco-suisse est bien gardée par les Allemands, secondés par les douaniers français, et les Suisses. Ses franchissements sont sévèrement réglementés. Les autorisations sont délivrées au compte-goutte. Elle se veut une barrière hermétique pour lutter par exemple, du côté allemand, contre la fuite de prisonniers de guerre ou de gens persécutés, l’espionnage, le marché noir, et, du côté suisse, contre l’afflux de réfugiés clandestins et la contrebande. Elle est doublée d’une zone interdite, sur sol français, dans laquelle il faut montrer patte blanche pour circuler. En principe donc, l’espace à proximité de la frontière est supposé être un no man’s land mort, occupé uniquement par les sentinelles.Mais, dans la réalité, cet objectif est bien loin d’être atteint. L’espace de la frontière est le lieu d’une intense activité clandestine. L’élément clé en est le passeur. Ce dernier est généralement soutenu par les « by-standers », soit les frontaliers qui, sans franchir eux-mêmes la frontière, leur offrent une assistance logistique (hébergement, nourriture, …). Grâce à ces réseaux, une masse hétéroclite de personnes et de choses, voire d’animaux, franchissent la frontière dans les deux sens : réfugiés juifs, prisonniers de guerre français ou polonais, espions suisses et alliés, résistants et maquisards français, marchandises de tous genres, courrier, etc.La mission du Service de renseignements suisse (SR) est de fournir au commandant en chef de l’armée et à l’Etat-major général les informations dont ils ont besoin pour prendre leurs décisions. L’acquisition de l’information est en théorie la tâche des postes extérieurs répartis le long de la frontière, ainsi que des centrales de collecte. Parmi les différentes méthodes employées pour rassembler les renseignements figurent l’étude des rapports des attachés militaires à l’étranger, l’exploitation des lignes de renseignement, mais aussi l’envoi de l’autre côté de la frontière suisse d’agents en mission.Les bons résultats du SR obtenus entre 1940 et 1944 sont dus en grande partie à la collaboration mise en place, à tous les niveaux, avec les services de renseignement étrangers et les réseaux de résistance. La Suisse a en effet été choisie par bon nombre d’organisations alliées comme plaque-tournante pour leurs réseaux de renseignement. Les informations convergent de toute l’Europe vers les représentations diplomatiques établies en Suisse avant d’être transmises par celles-ci, via des postes émetteurs, à destination de Londres, Moscou ou Washington.Que ce soit au niveau du commandement du SR ou des postes extérieurs, les hommes de Roger Masson tirent avantage de ce flux et établissent un rapport de donnant-donnant avec les réseaux étrangers. En échange d’informations pouvant intéresser la défense nationale, ils organisent le franchissement de la frontière aux agents étrangers et laissent les agents de la communauté internationale du renseignement vaquer à leurs occupations en toute impunité sur le territoire helvétique.Le SR est parfaitement intégré dans la communauté internationale du renseignement établie sur le territoire suisse durant la Seconde Guerre mondiale. Sur le terrain, il partage ses agents et ses passeurs avec les réseaux étrangers
The Franco-Swiss border was well guarded during the French occupation, on the one side by the Germans, seconded by the French customs and on the other, by the Swiss. Border crossings were strictly controlled and the border was supposed to be water-tight. The French side of the border was doubled by a first zone accessible only by special authorisation, and a second forbidden zone 1 to 3 km wide stretching along the frontier. In the minds of the German occupying forces, this corridor along the border was supposed to be a no man’s land in which only the border guards patrolled.This ideal was a long way from being the achieved, since the corridor was the scene of intense clandestine activity. The key player was the ‘passeur’ who smuggled across the border and who was usually assisted by by-standers, residents on both sides of the border-zone who did not cross the border themselves, but who supplied the logistical support of safe houses, food etc… Thanks to this network of smugglers and by-standers, a heterogeneous mass of people, objects and even animals crossed the border in both directions – French and Polish POWs, Jewish refugees, Allied airmen, Swiss and Allied spies, French resistance fighters, post, and all sorts of merchandise…The Swiss Intelligence Service (SR) was tasked with supplying the commander-in-chief and the AHQ with the information which would allow them to lead the army. The collection of information was in theory the task of the outposts spread along the border as well as of the central stations. Amongst the various methods used to collect the raw information – such as the questioning of travellers and deserters, the study of reports issued by Swiss military attachés abroad and the exploitation of intelligence lines– the SR sent agents on missions beyond the Swiss borders.Part of the mechanism which allowed the SR to be well informed between 1940 and 1944, was its collaboration at all levels with the foreign secret services and the resistance networks. In fact a number of Allied organisations chose Switzerland as the hub of their intelligence networks. Information converged from all over Europe towards the embassies and consulates established in Switzerland, and these in turn transmitted it via radio emitters from their delegations, or via clandestine ones, to London, Moscow or Washington.Whether it was at the level of the head of the SR, or of the listening posts, Roger Masson’s men took advantage of this flow and set up relationships on a give and take basis with the foreign networks. In exchange for information affecting the security of the nation, they organized the border crossings of foreign agents and of documents coming from abroad, and allowed the international intelligence community agents to go about their business with almost total impunity on Swiss soil.The SR was perfectly integrated into the international ‘intelligence community’ established on Swiss soil during World War II. In the field, it ‘shared’ its agents and smugglers with the foreign networks

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Lafille, Pauline. "« Composizioni delle guerre e battaglie » : enquête sur la scène de bataille dans la peinture italienne du XVIe siècle." Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017PSLEP058.

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Abstract:

La thèse étudie les enjeux politiques et artistiques de la scène de bataille dans la peinture monumentale au XVIe siècle en Italie, avant que la représentation de la guerre ne présente une distinction entre peinture d’histoire pour les faits anciens et peinture historique pour les faits contemporains, selon les catégories artistiques qui s’affirment au cours du XVIIe siècle. C’est pourquoi notre étude ne propose pas une histoire de la scène de bataille mais une enquête au sujet de compositions singulières, sur les problématiques politiques, idéologiques, esthétiques et culturelles qui les traversent. Si l’hétérogénéité artistique du corpus et la fragmentation politique de la péninsule ont favorisé des approches monographiques, l’apparition de contextes historiques et thématiques, où les scènes de bataille s’inscrivent dans des ambitions analogues a conduit à adopter une perspective comparée, où les œuvres sont considérées en dialogue – deux à deux, par cycle ou par typologie – autour d’enjeux politiques et formels communs. Après 1500, plusieurs commandes majeures passées par les principales puissances italiennes donnent une monumentalité nouvelle à la bataille dans l’iconographie politique. Dans le contexte d’urgence des guerres d’Italie, la peinture de l’histoire des faits passés est investie de l’espoir d’une efficace politique, à laquelle l’évolution mimétique et expressive dans laquelle est engagée la peinture italienne peut répondre. Les batailles inachevées de Léonard et Michel-Ange adoptent un traitement rhétorique de l’histoire, qui engage le spectateur dans une narration qui se déploie autour des émotions des personnages en action. Par le traitement des figures et l’intelligence de la composition d’ensemble, les batailles de Léonard de Vinci, Michel-Ange puis celles de Raphaël et Titien deviennent des exemples paradigmatiques, qui marquent les prémices de la scène de bataille comme forme politico-artistique, mettant la noblesse et l’ambition de l’art de peindre au service de l’expression du pouvoir. Les compositions ponctuelles du début du XVIe siècle laissent place dans la seconde moitié du siècle à une extension du thème militaire dans les décors palatiaux. L’orientation du programme iconographique détermine alors les problématiques politiques et iconographiques des peintures. Dans les cycles dynastiques, la corrélation entre la généalogie et l’histoire conduit à associer étroitement le récit de l’événement à l’action du personnage ; les dispositifs d’héroïsation individuelle coexistent alors avec les procédés d’historicisation de l’épisode. Dans les décors d’État, la multiplication des scènes de bataille affiche la puissance militaire comme fondement de la souveraineté de l’État moderne. À Florence et à Venise, la représentation de la guerre prend un caractère encyclopédique, venu de l’humanisme militaire, qui témoigne de la centralité de la maîtrise de ces savoirs pour le gouvernement de l’État. Un dernier temps, consacré aux représentations monumentales de la bataille de Lépante, à Venise et à Rome, envisage l’émergence de problématiques spécifiques à la représentation de la bataille contemporaine. L’actualité de l’événement impose une exigence de documentation poussée dans la représentation historique de son déroulement. Les peintres proposent alors des expérimentations dans le langage artistique employé pour figurer la bataille et introduisent parfois un dialogue avec les formes descriptives ou schématiques de représentation de la guerre, pour répondre à cette ambition documentaire. Les scènes de batailles du XVIe siècle italien s’inscrivent ainsi au croisement de l’évolution de la culture de la guerre de la Renaissance, marquée par le début de la « Révolution militaire », et de celle de la théorie artistique, où apparaît progressivement une rationalisation de la manière de raconter l’histoire
This thesis focuses on the political and artistic dimensions of battle scenes in 16th-century Italian monumental painting, at a time when the depiction of war had yet to develop a distinction between two forms of the depiction of history, history painting treating past events and historical painting focused on contemporary events, according to artistic categories established during the 17th century. Thus this work does not offer a history of the battle scene itself, but an enquiry on specific compositions, trying to ascertain the political, ideological, aesthetic and cultural issues that inform them. Although the artistic heterogeneity of the corpus and the political fragmentation of the Italian peninsula have encouraged previous studies to follow a monographical approach, the apparition of historically and thematically similar contexts in which various battle scenes answer analogous ambitions has led us to adopt a comparative methodology, which attempts to develop a dialogue between pairs, series or types of works, linked by common political and formal objectives. Starting from 1500, a series of major orders placed by the main political powers in Italy embued battle scenes with a new monumental dimension within political iconography. In the urgency of the context of the Italian Wars, the depiction of past historical events was invested with the hope of real political efficacy, to which the mimetic and expressive evolution of Italian painting was now able to respond. The battle scenes left unfinished by Leonardo and Michelangelo adopted a rhetorical treatment of history which involved the viewer into a narrative centred around the emotions of the characters during the action. By virtue of their treatment of figures and their complex narrative articulation, Leonardo’s and Michelangelo’s battle scenes, and later Raphaël’s and Titian’s, acquired paradigmatic status, and paved the way for the establishment of the battle scene as a political-aesthetical form, making the nobility and ambition of artistic endeavour subservient to the expression of power. Sporadic compositions of the beginning of the 16th century were followed, during the second half of that century, by an extension of military themes in palace decoration. The political and iconographic objectives of paintings was therefore determined by the orientation of the iconographic programme of the whole room. In dynastic painting cycles, the correlation between genealogy and history led the artist to closely associate the depiction of the event to the actions of the character, so that devices of individual glorification coexisted with devices historicizing the episode. In state ornamentation, the multiplication of battle scenes showcased military might as the basis for the sovereignty of the modern State. In Florence and Venice, the depiction of war received from military humanism an encyclopaedic dimension which illustrated the central role played by the mastery of these forms of knowledge in the administration of the State. The last part of this study, which focuses on the monumental representations of the Battle of Lepanto in Venice and Rome, describes the emergence of problems that are specific to the depiction of contemporary battles. The immediacy of the event demanded from the historical depiction of the unfolding of the event an advanced documentary quality. The artists had to develop new experiments in the aesthetic idiom used to represent the battle, sometimes in dialogue with more descriptive or schematic depictions of warfare. 16th-century Italian battle scenes thus find themselves at a crossroad between the evolution of warfare during the Renaissance, characterised by the beginnings of the « Military Revolution », and the evolution of aesthetic theory, defined by an increasing rationalisation in the way history is depicted

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Viennot, Hüwel Rachelle. "Nouvelle approche iconologique de l’œuvre de Max Ernst à partir du tournant de la grande guerre." Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100007.

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Abstract:

La Grande Guerre est l’axe autour duquel s’articule la présente approche iconologique de l’œuvre de Max Ernst. La fouille minutieuse du substrat langagier des images de l’artiste a mis au jour des strates sémantiques calquées sur le langage argotique des tranchées. Le nouvel angle d’approche permet la compréhension d’un langage polysémique et d’une imagerie hallucinatoire à l’effet surréalisant. L’amitié avec Joë Bousquet, le mutilé de guerre, frappé par une balle allemande le 27 mai 1918, le soir de l’attaque du chemin des Dames dans laquelle Max Ernst est impliqué, ravivera sans cesse la douloureuse mémoire de l’ancien artilleur. Les deux frères d’armes entretiendront une intense correspondance. La présente thèse interroge dans un premier temps le moment du « retour » et la manière dont se met en place le « grand récit » de l’artiste allant de la leçon de choses aux visions d’apocalypse ; l’analyse nous ouvre les pages d’un important glossaire qui nous dévoile les arborescences scéniques à partir d’un matériau inédit conséquent. Un troisième pan est consacré à la genèse du livre jamais paru de Partition / Fullscore de Joë Bousquet illustré par Max Ernst et sa version écourtée qui contient l’ex-libris de l’artiste. La documentation en annexe propose un catalogue du matériau initial employé par Max Ernst, le parcours croisé de Joë Bousquet et Max Ernst sous forme de chronique, ainsi qu’un inventaire de la collection d’œuvres d’art de Joë Bousquet dans laquelle Max Ernst tient la plus grande place. On trouvera dans les sources indexés par ordre chronologique la bibliographie de Joë Bousquet et sa correspondance incluant l’échange épistolaire avec Max Ernst
World War I is the pivot on which the present iconological approach of the artist’s work hinges. The meticulous examination of the linguistic underpinnings of his imagery let emerge semantical features which are patterned on the trench war slang. The new point of view allows to understand the polysemy of language and the surreal touch of his hallucinatory imagery. The close friendship with Joë Bousquet, shot by a german soldier on May 27th, 1918, during the attack of the Chemin des Dames in which Max Ernst was involved, will constantly keep awake the memory of the former artillerist. Both brothers in arms had an intense exchange of letters. The thesis investigates first the time of the « return » from war and the way how the artist elaborates the great telling of his past which goes from the object lessons to the apocalyptic visions; the analysis opens a consequent glossary of terms which shows us the sequence of frames in which the action takes place coming from different new sources. A third part is devoted to the genesis of the unpublished book of Joë Bousquet, Partition / Full Score, illustrated by Max Ernst and its shortened version containing the ex-libris of the artist. The documentation in annex offers a catalogue of the material sources which have been used by Max Ernst for his collages, the chronicle of Max Ernst’s and Joë Bousquet’s life and work, the inventory of the art collection of Joë Bousquet in which Max Ernst takes the most important place. Among the sources are listed in chronological order the bibliography and the correspondence of Joë Bousquet including the letter exchange with Max Ernst

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Aceto, Francesca. "Jouer en temps de guerre : le cas du De Viribus Quantitatis du mathématicien Luca Pacioli (1445-1517)." Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0150.

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Abstract:

Cette thèse propose un parcours de lecture et une nouvelle interprétation de la culture éthique du jeu comme forme et norme du vivre social entre XVe et XVIe siècles, à partir d'une étude de cas : la figure du mathématicien franciscain Luca Pacioli (1445-1517) et, plus spécialement, son dernier traité, le De Viribus Quantitatis (1496-1508), un riche recueil de jeux et d'énigmes destinés à aiguiser l'esprit des jeunes gens. Cette étude s'interroge sur la portée historique de ce traité en relation avec son contexte spécifique d'élaboration, en avançant une nouvelle proposition de lecture. Dans cette perspective, cette thèse s'articule autour de deux questions principales : l'analyse d'un tableau en tant que source - le célèbre double portrait de Luca Pacioli accompagné d'un jeune homme - et l'étude d'une forme textuelle particulière, une imposante liste de noms d'hommes illustres assistant au sermo sur la géométrie euclidienne prononcé par Pacioli pour la Scuola di Rialto. Le premier point attire l'attention sur la cour des Montefeltro à Urbino vers 1495, le deuxième sur Venise en 1508, quand le frère tient sa fameuse leçon à l'intérieur de l'église San Bartolomeo à Rialto. La réflexion autour de ces deux typologies de sources, et des questionnements qui en découlent, délimite un arc chronologique précis qui correspond aux années consacrées par Luca Pacioli à la composition de son traité de jeux et d'énigmes : le DVQ. Ce traité singulier est étudié ici comme case study utile à définir les méthodologies et les modalités d'une enquête plus vaste comprenant différents domaines disciplinaires, à savoir l'histoire des représentations, l'histoire des textes, l'histoire des théories et des pratiques pédagogiques, l'histoire des sciences et des techniques et enfin l'histoire de la « ludicità »
This thesis proposes a new interpretation of the ethical culture of games as a form and norm of social life in the 15th and 16th centuries, based on a case study of the mathematician Luca Pacioli (1445-1517) and in particular his last treatise, De Viribus Quantitatis (1496-1508), a rich collection of games and puzzles intended as mental exercises for the young. The historical significance of this treatise is examined in light of the specific context of its composition, and a new reading is proposed. To this end, the present study is structured around two main questions: the source analysis of a painting - the famous double portrait of Luca Pacioli accompanied by an unknown young man - and the analysis of a particular textual form, an imposing list of names of illustrious men present for the lecture on Euclidian geometry which Pacioli delivered for the Scuola di Rialto. The first highlights the Montefeltro court in Urbino around 1495, and the second, Venice in 1508, when the friar delivered his famous lesson in the Church of San Bartolomeo in Rialto. Reflections regarding these two types of sources, and the series of questions that follow, define a precise chronological arc corresponding to the years consecrated by Luca Pavioli to the composition of his treatise of games and puzzles: the DVQ. This unique treatise is studied here as a useful case study for defining the methods and modalities of a broader investigation spanning multiple disciplines including the history of representation, textual history, the history of theories and pedagogical practice, the history of science and technology, and finally, the history of "ludicita"

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Wyler, Stéphanie. "Les perceptions du dionysisme dans la Rome républicaine depuis la deuxième guerre punique jusqu'à Auguste : étude littéraire et iconographique." Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100030.

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Abstract:

Cette étude n'a pas pour objet de proposer une nouvelle définition archétypale de Dionysos, mais d'étudier, par une approche pluridisciplinaire, les mécanismes de perméabilité entre les différents phénomènes caractérisés comme dionysiaques, dans leur propre domaine de production et de réception – religieux, artistique, politique, philosophique. La première partie concerne l'évolution historique des cultes de Liber à Rome et en Italie. La deuxième est consacrée aux images du dionysisme à Pompéi, à leur fonctionnement et leurs évolutions internes. Les troisième et quatrième parties aboutissent au dionysisme augustéen : l'une est consacrée aux sources textuelles, l'autre aux sources figurées. La thèse soutenue ici est que, loin d'avoir jugulé un dionysisme compromis par la propagande d'Antoine, Auguste en a utilisé les composantes susceptibles de le légitimer dans son pouvoir monarchique, en le reconfigurant dans un système gréco-romain sensiblement nouveau
This essay is not intended to reappraise the archetypal image of Dionysus, but, by means of a multidisciplinary approach, to sort out the interaction process between the so-called Dionysiac phenomena, taking into consideration their own contexts of production and reception in Late Republican Rome: religious, artistic, political, philosophical. The first part studies the historical evolution of Liber's cults in Rome and Italy. In second instance Dionysiac images from Pompei are analyzed to enlighten their internal system and its evolution. Third and fourth parts lead to Augustean Dionysism: the one studies literary texts, the other figurative evidence. I argue that, instead of erasing Antonius' Dionysism, Augustus developed the side which would legitimate his monarchic power, shaping it into a definitely new “Greco-Roman” system

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Morando, Camille. "Peinture, dessin, sculpture et littérature : autour du Collège de Sociologie pendant l'entre-deux-guerres." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040144.

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Abstract:

La créativité artistique pendant l'entre-deux-guerres, particulièrement riche et diversifiée, est souvent associée à des mouvements poétiques, philosophiques ou politiques. Le collège de sociologie est un des derniers de ces groupes, crée en 1937 à Paris par Georges Bataille, Michel Leiris et Roger Caillois. Ses origines, sa création et son existence côtoient une période de vaste bouleversement des idées politiques et des concepts esthétiques et moraux dont témoignent la peinture, la sculpture, le dessin et la gravure. Le Collège de sociologie est né des réflexions de la revue Acéphale créée en juin 1936 par Georges Bataille et Pierre Klossowski et illustrée par André Masson. Cette revue choisit de réhabiliter Nietzsche pour contrer le fascisme, et développe les enjeux de la violence et de la guerre, du mythe et du sacrifice pour définir une société sans dieu ou le mythe rend libre chaque individu. Le Collège de sociologie accompagne ces interrogations et se donne pour objectif d'étudier la sociologie du sacré dans les communautés secrètes et dans la recherche de l'individualisme, au sein des rites et du langage. L'ambiguïté du sacre tributaire du pouvoir et de la tragédie, de l'ordre et de la politique, se manifeste dans l'histoire mythologique, philosophique, esthétique et personnelle trois artistes suivent les conférences du Collège de sociologie, aux côtés d'un auditoire enthousiaste et contradictoire. Ce sont Taro Okamoto, Isabelle Waldberg et Jean-Michel Atlan. André Masson, moins assidu, établit dans son œuvre un lien entre les interrogations collégiales et les recherches esthétiques picturales, menées individuellement également par Pablo Picasso. L'étude du Collège de sociologie, accompagnée de celle de la revue Acéphale permettent d'observer les œuvres de ces artistes pendant l'entre-deux-guerres qui interrogent le mythe, comme celui de Dionysos et du Minotaure, son actualisation et sa violence décrite par le sacrifice et l'érotisme.

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Eröss, Gábor. "L'art de l'histoire : sociologie culturelle comparée de l'image-passé : représentations de l'Histoire et de la Mémoire dans le cinéma français et hongrois (1958-2002)." Paris, EHESS, 2003. http://www.harmatheque.com.bases-doc.univ-lorraine.fr/ebook/9782343080635.

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Abstract:

Existe-t-il des représentations nationales spécifiques de l'histoire? Comment "l'authenticité" et la vraissemblance du film historique sont-elles construites? des stratégies visent à faire adhérer le public aux nécessaires anachronismes, dont la présence de conseillers, les interviews, mais surtout la représentation in absentia : la métonymie (le hors-champ), l'ellipse, la parabole et les horizons de significations qui s'étendent jusqu'au savoir tacite des spectateurs. Les ressemblances entre les deux pays gagnent en importance, notamment en ce qui concerrne les représentations de la 2e Guerre et de l'Holocauste. Le rapport culturel au passé est double : l'image-mémoire, angle de vue charnel du monde vécu : l'image-histoire, temps événementiel et distant des plans d'ensemble et du système politique. Les images-histoire renvoient au champ politique au sens strict : l'Etat. Les images-mémoire accompagnent des mémoires ou identités collectives (génération, religion, culture : artistes), interprétées dans l'espace public
The main question is whether national cultures have a specific representation of History. My focus is on the films and the field of film production in France and Hungary. The construction of "authentic" History implies external strategies (Historians, debates), and a verisimilitude based on the tacit knowledge of spectators and on the filmic canon of parable-like, elliptic and metonymic representations of the past in absentia. History in Cinema is either invisible or anachonistic. Two main attitudes towards the Past take shape in both countries. These are sociological and cinematographic at the same time. History-image is the weakening filmic shape of the Past of nation and State; Memory-image is the framework of collective identities : generations, ethnic and cultural minorities or the artists themselves. Patterns of filmmaking lend narratives of the past a European frame, particulary in films dealing with the World War II and Holocaust. Cinema becomes an independent social system, representing History in a specific way : the Past-Image

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Loustalot, Bernard. "Desgenettes : 1762-1837 : un homme de réseau dans la transformation de l'art de guérir." Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0041.

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Abstract:

Médecin, Desgenettes a traversé une époque très mouvementée tant sur le plan politique que militaire et a constitué un important réseau de connaissances : Franklin, madame Rolland, Chaptal,. . . Et Napoléon Bonaparte. Assidu des salons de différentes époques, il a été témoin des transformations de la société et lui aussi « personnage historique », il a été acteur dans la médecine militaire. Mais Desgenettes a eu une importante activité « civile », d'abord de type scientifique, dans l'enseignement (défense de l'anatomie), diffusion des connaissances en participant à l'édition de plusieurs revues, puis comme professeur d'hygiène à l'école puis faculté de médecine de Paris. C'est comme maire du Xe arrondissement de Paris et professeur d'hygiène membre de nombreux comités, qu'il affrontera en 1832 la première épidémie de peste moderne : le choléra-morbus. Issu de la bourgeoisie de province qui prétendait à la noblesse, Desgenettes est un excellent reflet de ces ambitieux qui ont adopté les idées des Lumières (cosmopolitisme intellectuel, franc-maçonnerie opérative), se sont faufilés entre les accidents de la Révolution pour constituer la méritocratie napoléonienne. Très cultivé mais sceptique dans tous les domaines, religieux, médical (ami de Broussais tout en combattant ses doctrines) ou politique (fidèle mais non inconditionnel de l'Empereur), sa forte personnalité et son indépendance d'esprit l'ont marginalisé
René Nicolas Dufriche des Genettes, known as Desgenettes, is a doctor who lived between two centuries. He had been through a tumultuous period, both on the political levels and on the military issues. Thus, he had the opportunity to meet several historic characters: Benjamin Franklin, Madam Rolland. . . And above ail Napoléon Bonaparte. Familiar with the salons of the period, he had been a witness of the transformation of the French society more than the political events, and as chief doctor of Bonaparte army's then Napoléon, he followed several campaign of the great gênerai of the time. His career survived to the Empire, tormented by the political vicissitudes. Historical character himself, he first of ail played a rôle in the military medicine in Egypt and in the Great Army after 1807. Two "prowess" are generally at his crédit: his inoculation of the plague, and his opposition to Bonaparte about the poisoning of the sick people of Jaffa. On a routine basis, he had managed health service that had to be adapted on the daily movement and the situation of an army more and more numerous and uncoordinated, often in foreign territories and with frequent and deadly epidemics. Nevertheless, Desgenettes had also had a significant civil activity, first a scientific activity with some publications about the absorbing system (lymphatic), about education (anatomy defence), spreading of knowledge by taking part of the edition of several revues, second, as a Professor of Hygiene at the school subsequently university of medicine of Paris. Besides, it is as mayor of the 10th district of Paris and Professor of Hygiene that he will faced in 1832 the first modern plague epidemic: the cholera-morbus. Born in a family part of the bourgeoisie that pretended to be aristocratic, Desgenettes is a remarkable image of this ambitious people that embraced the Enlightenment ideas (intellectual cosmopolitanism, operative freemasonry), and managed to get through the revolutionary turmoil to compose the Napoleonic meritocracy. Very cultivated but sceptical about religious, medical (friend of Broussais but fighting his doctrines) or politic (loyal but not docile to the Emperor), his strong character and his independent spirit (opposition to Bonaparte and resignation of the Academy of Medicine) ostracised him

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Iskandar, Mirvat. "Le développement de l'art de la guerre chez les Ayyoubides en Syrie et en Égypte (567/1171 - 648/1250) : (étude approfondie sur la période des Francs d'après les sources arabes)." Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0026.

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Abstract:

L'homme n'a pas cessé un seul jour d'inventer tout ce qui est nécessaire pour abattre l'autre. Durant deux siècles du combat entre Francs et musulmans au Proche-Orient, des milliers d'hommes, de femmes et d'enfants ont perdu la vie pour servir la guerre Sainte. Malheureusement, la guerre fut le meilleur espace de contact entre les deux civilisations d'Orient et d'Occident, notamment au XIIe siècle. L'une comme l'autre adapta ce qui était utile durant les affrontements acharnés devant les places fortes ou en terrain ouvert. Certes, la guerre ne se limitait pas à ces deux forces, les rivalités entre les membres de la dynastie ayyoubide après Saladin, furent dans plusieurs occasions plus violentes que celles avec les Francs. Cette thèse se propose d'analyser, en s'appuyant sur les sources arabes contemporaines, l'ensemble des méthodes pour pratiquer la guerre chez les Ayyoubides durant presque un siècle, selon les traditions islamiques
Human being didn't stop one day to invent everything that is necessary to kill others. Thousand of men, women and children were killed during the two centuries of fighting between Franks and Muslims in the Middle East, in order to serve the Holy War. Unfortunately, the war between those two sides was the best opportunity of contact between the two civilizations of East and West, especially in the twelfth century. Each party adapted what was useful to the conflict either in besieging places or in open land battles. The war was not only waged between these two conflicting forces, as the conflict between the members of the Ayyubid dynasty after Saladin's death were more violent in several occasions than with the Franks. This study, relying upon contemporary Arab sources and Islamic traditions, analyzes all the methods for practicing the war in Ayyubid times for almost one century according

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Riou, Gwenn. "La lutte idéologique sur le front artistique : les écrits sur l'art dans Commune et Les Lettres françaises (1933-1954)." Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0408.

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Abstract:

En 1933, l’Association des Écrivains et Artistes révolutionnaires lance la publication de sa revue, Commune. Proche du Parti Communiste Français (PCF), ce mensuel publie des textes sur la littérature, toutefois les arts plastiques y occupent une place non négligeable. Suite à la signature du pacte germano-soviétique et au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, le PCF ainsi que ses organisations et ses publications sont interdits. Commune cesse de paraître et le groupe qui constitue cette revue éclate. Suite à l’entrée du PCF dans la Résistance, Decour et Paulhan créent Les Lettres françaises, un journal capable d’incarner la Résistance des intellectuels.Le premier numéro des Lettres Françaises paraît en 1942, cependant, l’hebdomadaire ne publie aucun texte sur les arts durant sa période clandestine. Il faut attendre la Libération pour que ça soit le cas. Comme Commune, Les Lettres françaises ne sont pas, à leurs origines, officiellement rattachées au PCF mais elles suivent ses directives, à quelques exceptions près.L’étude des textes sur l’art qui paraissent dans ces publications permet d’étudier l’évolution du discours artistique porté dans les milieux proches du PCF depuis 1933 jusqu’en 1954. C’est-à-dire depuis la naissance d’une revue qui participe à la lutte du PCF sur le front culturel jusqu’à la tenue du 13ème Congrès national du PCF durant lequel Aragon met en question la politique artistique du parti. Commune et Les Lettres françaises jouent un rôle essentiel dans la structuration du discours artistique du PCF. Ce travail permet d’appréhender les volontés du PCF en matière de création artistique et d’analyser les moyens mis en œuvre pour les atteindre
In 1933, the Association of revolutionary Writers and Artists launches the publication of its journal, Commune. Close to the Parti Communiste Français (PCF), the journal mainly publishes texts on literature, but even though, gives to plastic arts a substantial place.Following the german-soviet pact and the break out of WWII, the PCF as well as the organisations and publications connected with it are prohibited. Commune therefore cease publication and the group forming the journal stands appart.The PCF joins the Resistance, Decour with Paulhan create Les Lettres Françaises, a journal embodying the intellectual Resistance.The first issue of Les Lettres Françaises is released in septembre 1942, however, the weekly paper doesn’t publish texts on art during its clandestine existence. It was not until the Liberation and its legal publication that texts of this genre were printed. As Commune, Les Lettres Françaises are not originally affiliated with the PCF but, with a few exceptions, they follow its guidelines.The analyse of the texts on art that came out in theses issues gives the opportunity to study the evolution of the artistic discourse in the environments close to the PCF from 1933 to 1954. Which covers from the birth of a journal that must take part of the PCF’s struggle on the cultural field to the 13° national congress of the PCF during which Aragon questions the artistic policy of the Party.Commune and Les Lettres française, take a crucial role in the structuration of the PCF’s artistic discourse. This study gives then the opportunity to perceive the will of the PCF regarding artistic creation but also to examine the means deployed to achieve it

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Aslangul, Claire. "Représentations de la guerre chez les peintres, graveurs et dessinateurs allemands au XXe siècle dans le contexte européen : traditions, évolutions et ruptures dans les codes iconographiques." Paris, EPHE, 2003. http://www.theses.fr/2003EPHE4066.

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Abstract:

La thèse examine les traces que les conflits du vingtième siècle ont laissé dans les productions artistiques allemandes (peinture, gravure, dessin). La guerre moderne met les artistes devant un certain nombre de défis : évolutions des formes de combat, armes nouvelles causant des blessures inédites, mort de masse sans précédent ; citons aussi le rôle croissant des autres images (photographie, cinéma, etc. ), ainsi que le risque d'esthétisation de la guerre par son "importation" dans le monde de l'art. Quelles furent les réponses à ces défis?Les productions allemandes sont examinées en contexte : la présentation des codes iconographiques antérieurement en vigueur permet de saisir les ruptures et continuités dans la représentation des conflits modernes, l'émergence de motifs nouveaux, les procédés de palimpseste à partir d'éléments anciens du répertoire. Des œuvres d'autres artistes européens sont présentées à titre de comparaison. Pour affiner l'analyse globale, quatre parcours individuels sont examinés, ceux de Franz Radziwill (1895-1983), Otto Pankok (1893-1966), Heinrich Maria Davringhausen (1894-1970) et Andreas Paul Weber (1893-1980), qui avaient tous vingt ans lorsqu'éclata la Première Guerre Mondiale, et qui ont également mis en images les autres conflits du siècle - de la guerre d'Espagne à celle du Vietnam. L'interrogation centrale de cette recherche tourne autour de la question du rapport aux traditions : malgré la nouveauté des conflits, le recours à des procédés de composition et à des sujets hérités est fréquent, que ce soit sur le mode de la reprise pure et simple, ou du jeu subversif sur les codes visant à heurter les horizons d'attente des spectateurs
The aim of this Ph. D is to look into the traces left by 20th century conflicts in German art (painting, engraving, and graphic arts). With modern warfare, artists are faced with several challenges, among which changing methods of combat, new weapons causing new types of wounds, casualties reaching unprecedented figures, but also the increasing importance of other types of images (from photography, the cinema, etc), and the risk of war being "aestheticized" by being transfered into the field of art. What were the responses to these challenges ? The works of German artists are studied here in their context : the iconographic conventions that prevailed earlier on are introduced, to bring out the breaks and continuities in the representation of modern conflicts, the emergence of new motifs, the development of palimpsest works made from stock elements. Comparisons are made with works by other european artists. To refine the overall analysis, the individual paths of four artists are examined : those of Franz Radziwill (1895-1983), Otto Pankok (1893-1966), Heinrich Maria Davringhausen (1894-1970) and Andreas Paul Weber (1893-1980). All of them were twenty years old when World War I broke out, and also pictured the other conflicts of the century (from the Spanish to the Vietnam War). The key question in this research revolves around the relationship with tradition : in spite of the novelty of the conflicts, inherited processes of composition and themes are often resorted to, whether simply taken up again, or meant as a subversive play on conventions, aiming to clash with the viewer's expectations

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Foucault, Anne. "Reconsidération du surréalisme 1945-1969 : du "Déshonneur des poètes" au "surréalisme éternel"." Electronic Thesis or Diss., Paris 10, 2019. http://www.theses.fr/2019PA100146.

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Abstract:

L'activité surréaliste parisienne entre 1946 et 1969 est encore peu étudiée et relativement dévaluée en comparaison de la période de l'entre-deux guerres. Ce travail entreprend de comprendre et critiquer cette dévalorisation en analysant les enjeux historiographiques, artistiques et politiques auxquels le groupe surréaliste fut alors confronté. Sa marginalisation sur le plan politique, dû à son refus de s'engager en faveur de l'un ou de l'autre bloc durant la Guerre froide, se retrouve dans le domaine artistique puisqu'il conteste les critères formels d'appréhension de l'art durant une période où le débat entre abstraction et figuration domine le champ pictural. Le surréalisme est de plus confronté aux premières entreprises historiographiques qui participent à l'institutionnalisation de son passé et de son héritage. Face à ces défis multiples, cette étude privilégie une approche collective de l'activité surréaliste. Elle analyse les mécanismes par lesquels le mouvement surréaliste renouvelle et enrichit son activité sur le plan plastique, en particulier autour de l'automatisme (Simon Hantaï, Adrien Dax), de l'objet (Hervé Télémaque, Konrad Klapheck), de la théorisation et de la pratique d'un art magique (Jean Benoît, Jorge Camacho). Sur le plan politique, cette même approche collective permet de percevoir qu'après une période d'isolement jusqu'au mitan des années 1950, les valeurs défendues par les surréalistes connaissent à la faveur de la déstalinisation et des luttes de décolonisation une reconnaissance dans les milieux intellectuels. Commence alors pour le groupe une série de collaborations dont les enjeux et les difficultés sont analysés afin, notamment, de mieux comprendre ce qui put conduire à l'auto-dissolution du groupe peu de temps après Mai 68
The Parisian surrealist activity between 1946 and 1969 still remains less studied and less valued than the one of the interwar period. The present work aims at understanding and questionning that devaluation by analyzing the historiographic, artistic and political issues faced by Surrealism at the time. The marginalization of the group in the political sphere due to its rejection of both Western and Eastern politics during the Cold War also manifests itself in the artistic field as Surrealism challenges the formal criteria for art apprehension during a period when the debate between abstraction and figuration dominates the pictoral field. In addition to that, Surrealism is confronted with the first historiographic enterprises which participate in the institutionalization of its past and legacy. The collective approach of Surrealism favoured in this study allows us to analyze the mechanisms whereby the surrealist movement renews and extends its artistic activity, particularly concerning automatism (Simon Hantaï, Adrien Dax), the art of the object (Hervé Télémaque, Konrad Klapheck) and the theorization and practice of a magical art (Jean Benoît, Jorge Camacho). On the political level, a similar collective approach shows that after a period of isolation during the 1950s, surrealist values, benefiting from de-stalinization and anti-colonial conflicts, are acknolegded in intellectual circles. It is then the beginning for the group of a series of collaborations whose difficulties and stakes are analyzed to better understand what may have led to the auto-dissolution of the group a few months after the events of Mai 68

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Segol, Julien. "Le corps malléable, une révolution symbolique : transformations esthétiques et sociales du corps en France et en Allemagne, de 1900 à la fin de l'entre-deux guerres." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCC298/document.

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Abstract:

Le sens symbolique du corps, autour de 1900, change : son inscription sociale collective et sa valeur pour l’individu se transforment. On assiste dans les premières décennies du vingtième siècle à l’érosion d’un monde d’hier devant les audaces de pionniers réformateurs de la vie et des avant-gardes artistiques (danseurs, chorégraphes, metteurs en scène), qui repoussent les limites de ce que peut un corps – non seulement les normes de la morale, du bienséant, mais aussi l’inédit, lié à la possibilité de techniques nouvelles. Comment, dès lors, se traduit l’évolution du sens du corps ? A quoi ressemble le corps moderne par rapport à celui du dix-neuvième siècle – dans les façons d’être, mais aussi les façons d’être affecté et de s’exprimer ? Quelle incidence, enfin, a le changement de sens du corps sur la façon de concevoir le rapport à son propre corps comme à celui d’autrui ? Deux tendances sous-tendent le principe de malléabilité dans le bouleversement des formes de vie et des stratégies d’individuation de la société moderne, par-delà leurs disparités : la première correspond à une transposition de la pensée fonctionnaliste et de la fétichisation capitaliste de l’objet sur le corps, alors que la seconde cherche, au contraire, à ressaisir le corps sous l’aspect de la vie organique pour articuler matière et esprit dans une perspective vitaliste, davantage unitaire. Notre enquête suit le développement de ces deux tendances pour montrer comment elles s’articulent dans les deux sphères sociale et esthétique jusque dans l’entre deux-guerres
Around 1900 the symbolic meaning of the body around 1900 changes : its collective social meaning, as well as its individual value, evolve. During the first decades of the 20th century, the world of yesterday erodes while daring reformers of life and avant-garde artists (dancers, choreographers, stage directors) try to push the limits of what a body can – not only the moral norms, of the decorous, but also the unprecedented of new possibilities brought by new technologies. What does this evolution of the meaning of the body result into? What does the modern body look like, as opposed to the 19th century – in the ways of being, of feeling and expressing oneself? How does that change affect the way of perceiving the body, the other’s and mine? Two tendencies underlie the principle of malleability in this upheaval of the forms of life and of the strategies of individualization within modern society, beyond their disparities: on the one hand, a transposition of the functionalist thought and fetish for the object induced by capitalism onto the body; on the other, an opposite tendency to take hold of the body as an organic living form, as an attempt to articulate matter and spirit in a more unitary and vitalist perspective. We will follow the development of both these tendencies and show how they develop within the social and aesthetic spheres until the end of the interwar period

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David, Etienne. "La représentation des traumatismes de la Seconde Guerre mondiale à travers le cycle Nous ne sommes pas les derniers de Zoran Music et la série Otages de Jean Fautrier." Thesis, Paris 8, 2018. http://www.theses.fr/2018PA080090.

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Abstract:

Le présent travail de recherches a pour objet les œuvres d’art qui constituent le cycle des Otages de Jean Fautrier et la série Nous ne sommes pas les derniers de Zoran Music et aborde celles-ci sous l’angle de l’étude de la relation de l’œuvre d’art avec les traumatismes de la Seconde Guerre mondiale. Comment une œuvre peut-elle parvenir à témoigner d’un événement, d’une expérience aussi indicible et inaudible que celle des camps de la mort ou de l’exécution sommaire de l’homme par l’homme ? Comment ces évènements, ces visions aussi terribles peuvent-il devenir esthétiques ?La thèse traite de la nécessité impérieuse pour les deux artistes de témoigner, de dire, de raconter, de peindre les évènements vus et vécus pendant la Seconde Guerre Mondiale. La relation à l’art qui s’inscrit dans ce contexte est des plus sensibles et des plus émouvantes ; l’art devient en effet la manière par lequel l’horrible, l’affreux, se métamorphose en beauté voire même en sublime.Afin de répondre à ces interrogations, le travail d’étude des œuvres de Jean Fautrier et de Zoran Music propose, pour mieux appréhender ces dernières, des renvois à des références essentielles.Les œuvres de Zoran Music et celles de Jean Fautrier sont mises en perspective avec des écrits comme ceux de J. Semprún, P. Levi, E. Wiesel ou encore I. Kertész. La thèse est construite par un apport iconographique, mais aussi littéraire. Elle est de ce fait scindée en trois volumes : l’écrit, et deux recueils réunissant respectivement les œuvres qui constituent les Otages et le cycle Nous ne sommes pas les derniers. Dans ces deux derniers volumes, les œuvres sont réunies par famille iconographique, formelle ou chromatique
The present work of research relates to the works of art which constitute the cycle of Hostages of Jean Fautrier and the series We are not the last of Zoran Music and approaches them from the angle of the study of the relation of the artwork with the trauma of the Second World War.How can a work witness to an event, an experience as inexpressible and inaudible as that of the camps of death or the summary execution of man by man? How can these terrible events and visions become aesthetic?The thesis relates with the imperative need for the two artists to testify, to say, to tell, to paint the events seen and lived during the Second World War. The relationship to art in this context is most sensitive and moving; art becomes the way in which the horrible, the frightful, is transformed into beauty, even sublime.In order to answer these questions, the study of the works of Jean Fautrier and Zoran Music proposes, to better understand the latter, references to essential references.The works of Zoran Music and those of Jean Fautrier are put in perspective with writings like J. Semprún, P. Levi, E. Wiesel or I. Kertész. The thesis is built by an iconographic contribution, but also literary. It is thus divided into three volumes: the writing, and two collections respectively bringing together the works that constitute the Hostages and the cycle We are not the last. In these last two volumes, the works are brought together by iconographic, formal or chromatic family

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Perez, Morales Junior Wagner. "Visualité et contre-visualité. Les images de guerres et de conflits tournées par des amateurs, et leur utilisation dans l’art contemporain. Une politique des images sur un « bruit de fond » godardien." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA101/document.

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Abstract:

En partant de l’idée que la guerre et les images sont deux notions interdépendantes, la thèse reprend deux concepts clés : visualité et contre-visualité. La visualité, étant une façon de perpétuer la guerre, représente les discours dominants. L’art contemporain serait donc une possibilité de construction de contre-visualités. La « guerre globale » contemporaine - totale et dispersée - aurait une production visuelle qui lui correspondrait : des images d’amateurs, elles aussi dispersées et de grande circulation. Comment ces images, généralement liées à la sphère privée, se sont converties en enregistrements de la guerre contemporaine ? Comment l’art fait face à la guerre et à la visualité dominante par le biais du remploi de ces images ? La recherche essaie de définir cette production d’images « amateur » et de l’encadrer dans le temps conflictuel du présent. Une telle production serait-elle une résistance à la visualité actuelle ou au contraire quelque chose qui la renforce ? Ensuite, à travers un corpus circonscrit de quatre artistes visuels contemporains (Clarisse Hahn, Rabih Mroué, Coco Fusco et Thomas Hirschhorn), nous travaillons l’hypothèse que la réutilisation de ces images peut contribuer à la construction d’une contre-visualité : par le geste artistique, l'enlèvement de ce matériau d'un certain flux provoquerait un arrêt, une déviation vers une reconfiguration du sensible où le facteur conflictuel serait mis en évidence. Dans un troisième moment, la thèse se penche sur l'œuvre des années 1970 de Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville, quand ils interrogent les forces et les faiblesses du cinéma militant et mettent en question les images et leurs potentialités. Certaines de leurs procédures créatives sont examinées rétrospectivement, car à notre avis, elles sont toujours présentes directement ou indirectement dans la pratique artistique des artistes de notre corpus
Considering the idea that war and images are two interdependent concepts, the thesis deals with two key concepts: visuality and counter-visuality. Visuality as a way of perpetuating the war represents dominant discourses. Contemporary art would therefore be a possibility of constructing counter-visuality. The contemporary “global war” - total and dispersed - would have a visual production that would correspond to it: the amateur images, also scattered and widely circulated. How are these images - usually related to the private sphere - converted into records of contemporary war? How does art face war and the dominant visuality by utilizing these images?The research attempts to characterize this amateur production of images and to frame it in the conflicting time of the present. Would such a production be a resistance to the current visuality or, on the contrary, something that strengthens it? From then on, by analyzing a circumscribed corpus of four contemporary visual artists (Clarisse Hahn, Rabih Mroué, Coco Fusco and Thomas Hirschhorn), we work on the hypothesis that the reuse of these images can contribute to the construction of a counter-visuality: by the artistic gesture, the removal of this material from a certain flow would cause a stop, a deviation towards a reconfiguration of the sensible where the conflicting factor would be highlighted. In a third moment, the thesis looks at the work of Jean-Luc Godard and Anne-Marie Miéville on the 1970s, when they question the strengths and weaknesses of militant cinema and challenge images and their potentialities. Some of their creative procedures are examined in retrospect because in our opinion they are still directly or indirectly present in the artistic practice of the aforementioned artists

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Debrocq, Aliénor. "Le Surréalisme-Révolutionnaire et Cobra à l'épreuve de la violence: contribution à l'histoire des représentations." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2012. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209695.

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Abstract:

Créé le 8 novembre 1948 à Paris par huit peintres et écrivains belges, hollandais et danois, Cobra est l’acronyme de Copenhague, Bruxelles, Amsterdam. Le mouvement se propose rapidement de devenir un lien souple entre artistes et poètes de différents pays, par le biais d’un certain nombre de publications et d’expositions. Son existence officielle sera brève, puisqu’elle prend fin en 1951 avec le dernier numéro de la revue éponyme. Si les premières tentatives d’analyse historique et de synthèse sont venues des artistes et des poètes membres du mouvement, plusieurs études abouties ont vu le jour depuis les années 1970.

S’appuyant sur un certain nombre d’affirmations émanant des acteurs de Cobra comme des historiens ayant écrit sur le sujet, l’auteur s’est penché sur la question de la violence picturale et théorique au sein de ce mouvement. Picturale, par la propension des artistes à brouiller la lisibilité de la composition et des figures, par leur volonté de « faire brut » et enfantin, de « mal peindre », de maltraiter le sujet en le rendant méconnaissable, hybride, défiguré. Théorique, par un certain nombre de déclarations (pour la plupart, parues dans la revue Cobra) véhémentes, engagées, politiques, relatives au climat sociopolitique de l’après-guerre comme au contexte artistique et culturel contemporain.

Au cours des recherches, il est apparu que la violence de Cobra était plus ambiguë que ce qui avait été imaginé initialement. Elle relève en réalité d’une forme d’instrumentalisation émanant des acteurs, qui ont multiplié les effets rhétoriques, les attitudes et les déclarations allant dans ce sens, conduisant Cobra à user d’une violence « décorative » nettement instrumentée :un outil utilisé par les artistes dans la construction de leur image, de leur identité individuelle et collective. Cette piste a ainsi débouché vers d’autres résultats que ceux imaginés au préalable mais n’en a pas moins permis de réévaluer le mouvement sur le plan de l’histoire des représentations, en étudiant les stratégies développées par ses membres dans les œuvres et les discours. La mise en perspective critique de ceux-ci a permis de cerner la capacité rhétorique de certains membres de Cobra, qui ont valorisé l’image d’un mouvement artistique résolument « moderne », c’est-à-dire violent et revendicateur, tout en puisant leur inspiration dans certaines formes d’art primitives et brutes.

La thèse s’articule de façon thématique, autour de quatre pôles révélateurs des formes et du sens de la violence détectée dans les œuvres et les discours des Cobra :

Répondre à la guerre – Cobra face au siècle

Une violence générationnelle

Le primitif ou le jeu de la violence

Aspirations libertaires

Doctorat en Histoire, art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Goudal, Émilie. "La France face à son histoire : les artistes plasticiens et la guerre d’Algérie, de 1954 a nos jours." Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100011.

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Abstract:

Entre 1954 et 1962, la guerre d’indépendance ou d’Algérie, selon que l’on se place du côté de la victoire ou de la défaite, marque durablement plusieurs générations d’artistes internationaux, tout en traversant et bousculant des questionnements esthétiques quant à la représentation de l’innommable. Cette thèse, qui récolte les traces de cette déchirure franco-algérienne au travers du prisme de l’art, révèle l’importance d’un sujet historique, ignoré par l’histoire de l’art, dont les répercussions sur la politique contemporaine de la France sont encore perceptibles. Terreau d’une génération d’artistes en devenir, qui confortera son engagement social et artistique dans les évènements de Mai 68, mais aussi d’artistes de l’hybridité postcoloniale, qui revendiquent une modernité non hiérarchisée et l’écriture d’une histoire du non dit, la guerre d’Algérie revêt des enjeux fondamentaux dans la construction contemporaine de la scène artistique française et algérienne. Or, alors que la prescription historique d’une cinquantaine d’années est maintenant révolue, il semble que les conflits mémoriaux inhérents à cette défaite française continuent à entraver l’écriture et l’exposition sereines d’une séquence historique, qui apparaît pourtant matricielle dans la construction de la France contemporaine. Aussi, cette étude se propose de porter un regard critique sur la place des représentations de cette « non-histoire » dans les institutions muséales françaises et tente alors de mesurer l’impact d’une histoire encore non consensuelle dans la création artistique actuelle, aujourd’hui percutée par des enjeux de mémoire et politique, et qui de fait interroge la notion même d’identité(s)
From 1954 to 1962, the Independence War or Algerian War — depending on whether the story is narrated from the perspective of the victors or the defeated — touched many generations of international artist, while also penetrating and pushing aesthetic questions about representations of the unspeakable. By tracing the scar of this break between France and Algeria through the prism of art, this thesis reveals the importance of a crucial historical moment, hitherto unexamined by art history, which continues to bear upon contemporary politics in France. Offering exploratory themes not only to a generation of budding artists who affirmed their social and artistic commitments during the events of Mai 68, but also to artists from postcolonial world who proclaimed a modernity without hierarchy and the writing of unsaid histories, the Algerian War produced some of the fundamental issues underpinning the contemporary French and Algerian art worlds. With the historic prescription of a fifty years’ deferral now being over, the conflicted memories of the French defeat continue to trouble the undisturbed writing and exhibition of this sequence of historical events, formative key to construction of contemporary France. Consequently, this study proposes a critical examination of the representation of this “non history” in the French museum. In so doing, it estimates the impact of a “non-consensual” history on contemporary artistic practice touched by issues of memory and politics, and which interrogate notions of identity(ies)

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Mouré, Pauline. "L'image de Clovis dans le royaume de France entre 1250 et 1550." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL198.

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Abstract:

Jusqu'à la fin du XIIe siècle, la vie de Clovis, roi mérovingien et premier roi chrétien qui a régné sur le royaume franc sûrement à partir de 481 et jusqu'à sa mort, le 27 novembre 511, ne paraît avoir été que rarement transposée en images. À partir de 1200, en revanche, l'iconographie figurant le souverain mérovingien se développe, diffusée de plus en plus largement dans le royaume de France. Cette évolution traduit un changement qui s'opère dans l'intérêt porté à Clovis durant les trois derniers siècles du Moyen Âge. Afin de saisir la teneur de ce changement, la présente étude se propose d'analyser l'importance octroyée à l'image de Clovis dans le royaume de France entre 1200 et 1500. Pour ce faire, l'examen de l'iconographie clodovéenne encore connue a été effectué. Celui-ci permet d'abord, grâce à l'évaluation de l'abondance et de la propagation de l'imagerie clodovéenne dans le royaume, de rendre compte de l'importance de la diffusion de l'image du roi et de cerner l'étendue et la diversité du public auquel celle-ci s'adressait. Cet examen permet ensuite d'analyser les modalités de la mise en images de l'histoire du souverain, renseignant sur les variations du discours diffusé par l'iconographie. Enfin, l'étude de la signification des images et de leur fonction permet, à une époque où se forme ce que Colette Beaune nomme le « sentiment national » et où l'histoire du royaume est traversée par un des conflits majeurs de la période, la guerre de Cent Ans, de comprendre les raisons du développement de l'imagerie figurant Clovis et des variations de la place conférée au roi dans le discours iconographique diffusé, entre 1200 et 1500, dans le royaume de France
Until the end of the 12th century, the life of Clovis, a Merovingian king and the first Christian king of the Frankish kingdom, who reigned from about the year 481 until his death on November 27, 511, seems to have been rarely depicted in images. From 1200 onwards, however, iconography picturing the Merovingian king expanded, spreading more and more widely in the kingdom of France. This evolution reflects a change in the interest accorded to Clovis over the last three centuries of the Middle Ages. In order to grasp the substance of this change, this study analyzes the importance attributed to the image of Clovis in the kingdom of France between 1200 et 1500. To this end, an examination of known Clodovian iconography has been conducted. First, this evaluation of the quantity and spread of Clodovian imagery in the kingdom allows us to determine the magnitude of the dissemination of the king’s image as well as the scope and diversity of the public to which it was addressed. This examination then allows us to analyze the modalities of depicting the sovereign’s history, based on variations in the message spread by the iconography. Finally, the study of the meaning of the images and of their function yields – at a time when what Colette Beaune calls the “national sentiment” is forming and when the kingdom encounters one of the major conflicts of the period, the Hundred Years War – an understanding of the reasons for the development of the imagery depicting Clovis and for the variations in the place accorded to the king in the iconographic discourse spread between 1200 and 1500 in the kingdom of France

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Barrère, Sandra. "Écrire une histoire tue : le massacre de Sabra et Chatila dans la littérature et l’art." Thesis, Bordeaux 3, 2019. http://www.theses.fr/2019BOR30022.

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Abstract:

La recherche entend interroger les fonctions de la littérature et de l’art relativement à un événement violent qui fait l’objet d’un tabou, à savoir le massacre perpétré dans les camps de réfugiés palestiniens de Sabra et Chatila (16-18 septembre 1982), à Beyrouth. Elle s’y applique à partir d’un présupposé : il n’y a pas seulement effraction du réel dans l’art, l’art est le temps à l’œuvre (P. Ricœur, A. Compagnon). La démarche part du constat d’un triple déficit d’histoire, de culte des morts et de justice. Il s’agit d’un événement tu : on le dira tabou. Par ailleurs, elle prend acte de l’émergence d’un corpus d’œuvres dans les champs de la littérature, du cinéma, de l’art contemporain. Dès lors, la recherche entend ausculter les fonctions politiques de la poétique (J. Rancière). Plusieurs hypothèses sont formulées qui ensemble signalent le caractère à la fois transitif et performatif de l’art et de la littérature : d’une part, au regard d’une vérité non avérée dans les livres d’histoire, et du mal de vérité qui en résulte (C. Coquio), les œuvres ont vocation à dire ce que l’histoire tait (I. Jablonka, E. Bouju, A. Imhoff, K. Quirós) ; d’autre part, les victimes n’ayant pas été enterrées, les œuvres déposent une stèle à l’endroit de son manque, rétablissant des égalités en direction de corps qui ne comptent pas (J. Butler) ; enfin, face à une irrésolution judiciaire qui signe le caractère indécidable de l’événement, elles opèrent, par leurs médiations symboliques, la clinique non seulement de l’humain, mais aussi du langage et de l’autorité du sens (A. Gefen, C. Coquio).Située au croisement des études postcoloniales et des études de genre, la recherche examine la politicité de la littérature et de l’art à partir d’un corpus de 14 œuvres prélevées aussi bien à l’épicentre qu’aux périphéries de l’événement
The research questions the functions of literature and art in relation to a violent event that is a taboo subject, namely the massacre perpetrated in the Palestinian refugee camps of Sabra and Shatila (16-18 September 1982 ), in Beirut. It applies to it with a presupposition: there is not only the breaking of reality in art, art is the time at work (P. Ricœur, A. Compagnon). The process begins with the observation of a triple deficit most evident in historiography, in cult of the dead and justice. This is an event that is held secret: we will call it taboo. In addition, it takes note of the emergence of a corpus of works in the fields of literature, cinema, contemporary art. From then on, the research intends to auscultate the political functions of poetics (J. Rancière). Several hypotheses are formulated which together signal the transitive and performative character of art and literature: on the one hand, in the shade of a truth not recorded in history books, i.e. of the melancholy of truth resulting from this missing (C. Coquio), the works are meant to tell what history conceals (I. Jablonka, E. Bouju, A. Imhoff, K. Quirós); on the other hand, since the victims have not been buried, the works deposit a stele at the place of its absence, restoring equalities towards bodies that do not count (J. Butler); finally, faced with a judicial irresolution which signifies the undecidable character of the event, they operate, through their symbolic mediations, the rehabilitating clinic not only of the human being, but also of the language and the authority of sense (A. Gefen, C. Coquio). Situated at the crossroads of postcolonial studies and gender studies, the research examines the politicity of literature and art of a body of 14 works collected from both the epicenter and the periphery of the event

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Kampa, Artemise. "Le syncrétisme esthétique de Forces Nouvelles (1935-1942) : une voie pour la définition de l’identité culturelle française dans l’imaginaire de l’entre-deux-guerres." Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100081/document.

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Abstract:

Cette thèse analyse la position problématique et paradoxale du groupe Forces Nouvelles dans le large mouvement du retour à la figuration réaliste qui s’opère dans l’esthétique de l’entre-deux-guerres. Lancé en 1935 comme un groupe à la fois antimoderne et anticonformiste, Forces Nouvelles avance un nouveau langage pictural, un réalisme plus sensible investi dans l’expression de l’intériorité de l’être et éloigné de toute connotation sociale et idéologique, au-delà de toute trivialité ou de classicisme éteint. Pour beaucoup, ce réalisme d’esprit humaniste donnait au groupe un profil esthète et noble. Cette ambivalence entre réalisme et classicisme, entre activisme et esthétisme, est perpétuée dans la critique d’art même après la dissolution de l’ensemble en 1942. Cette identité ambiguë et obscure de Forces Nouvelles prend son sens une fois mise en relation avec les quêtes spirituelles et idéologiques de l’intelligentsia des années 1930. Révoltée contre l’idéologie matérialiste - dans sa forme libérale ou marxiste -, cette intelligentsia non-conformiste aspire à une nouvelle modernité plus spirituelle et morale ; explorant une voie alternative, ni à droite ni à gauche, elle vire souvent au conservatisme le plus anachronique et frôle la dérive fasciste. Forces Nouvelles, partageant une forme de pensée analogue à celle de l’élite contestataire – à la fois nihiliste et synthétique –, s’investit dans la recherche d’une esthétique originale, moderne et spirituelle, dans la recherche d’une nouvelle Renaissance ; s’inspirant d’une tradition picturale supposée authentique, le groupe élabore jusqu’au bout un style réaliste, grave et austère, effleurant l’archaïsme. En résonance avec la vision de cette génération non-conformiste, avec l’avènement d’un nouvel ordre moral, Forces Nouvelles propose un style réaliste au fondement existentiel comme horizon d’une nouvelle esthétique ultramoderne
This dissertation analyses the problematic, paradoxical position of the group known as Forces Nouvelles within the large movement of a return to realistic figuration, which takes place in the context of interwar aesthetics. Forces Nouvelles, launched in 1935 as an anti-modern, anti-conformist group, proposes a new pictorial language, a more sensitive realism at the service of the expression of the interiority of human beings and remote from social and ideological associations, beyond trivial realism and jaded classicism. This humanistic realism would confer a noble aesthete's profile to the group. Such ambivalence between realism and classicism, between activism and aestheticism is carried over in art criticism even after the dissolution of the group in 1942. This ambiguous, obscure identity of Forces Nouvelles becomes meaningful in the light of the spiritual and ideological quest of the 1930s intelligentsia, which revolted against materialist ideology, whether liberal or Marxist, aspiring to a new, more spiritual and moral, modernity. In its exploration of a new alternative, which is neither right nor left-oriented, it veers towards the most anachronistic conservatism verging on fascism. Having intellectual affinities with the radical elite, this both nihilistic and eclectic group, strives to achieve original aesthetics - modern and spiritual - and a new Renaissance. Based on a supposed authentic pictorial tradition Forces Nouvelles adopts a realistic style, grave and sober, verging on archaism. Resonating with the vision of this non-conformist generation and the advent of a new moral order Forces Nouvelles puts forward a realistic style with an existential basis as the aesthetics of ultra-modernity

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Munier-Gaillard, Cristophe. "L’émergence de l’individu dans la peinture murale bouddhique narrative de Haute-Birmanie (1700-1786)." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040220.

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Abstract:

Cette thèse étudie l’apparition, dans la mise en scène picturale des récits bouddhiques du début du 18e siècle, d’hommes et de femmes du peuple, discutant, se querellant, s’aimant, ou simplement dépeints dans leur quotidien, sans rapport avec ces récits dont ils occupent pourtant le premier plan. En parallèle à des personnages hauts en couleurs (fumeurs de narguilé, amateurs d’alcool et de femmes) d’origine indienne, portugaise et métisse, dont les noms propres figurent dans le cartouche des légendes des scènes, et qui caractérisent la production picturale de la région de la Chindwin, des quidams dépeints dans leur quotidien (cavaliers, vachers, chasseurs d’oiseau de mauvais augure, enfants accourus voir le Bodhisatta, hommes montant à un palmier) illustrent, eux, la place de plus en plus grande prise par le cadre de la transposition des récits, c’est-à-dire par la société des peintres. Les premiers donnent lieu à une série de portraits, souvent caricaturaux, et de scènes de genre d’un humour paillard qui témoignent d’un sens de l’observation de la nature humaine, d’autant plus aigu qu’il s’agit d’étrangers. Le propos de ces peintures n’est plus seulement d’édifier le spectateur mais de le surprendre et de le divertir. Les seconds illustrent le goût des peintres pour un quotidien perçu comme exotique du simple fait de sa représentation. Finalement, ce n’est pas à une sécularisation du propos des récits bouddhiques que nous assistons, mais au contraire à leur appropriation, à leur birmanisation, comme le prouveront dès la fin du 18e siècle, les séries de monuments bouddhiques régionaux
This doctoral thesis studies the appearance, in the pictural mise en scène of early 18th century Buddhist narratives, of ordinary men and women discussing, quarelling, loving, or simply depicted in their everyday life, and who occupy the foreground of the narratives though they are not part of them. Together with characters hauts en couleurs (narghile smokers, alcohol and women lovers) of Indian, Portuguese and half-breed origin, whose proper names appear in the cartouche of the captions of the scenes, and who characterize the pictural production of the Chindwin region, are everyday fellows depicted in their daily life (horsemen, cowherds, hunters of ill-omen birds, children running to see the Bodhisatta, men climbing a palm tree). These fellows illustrate the increasingly large place given to the society by the painters. The characters hauts en couleurs give rise to a series of portraits, often of a caricatural inspiration, and to genre scenes of a bawdy humour that reflect a sense of observation of the human nature, all the more accurate as it depicts foreigners. The purpose of the paintings is not just to edify the audience, but also to surprise and amuse it. The fellows illustrate the tendency of the painters to represent life scenes as exotic. Finally we are not witnessing a secularization of the purpose of the Buddhist narratives but, on the contrary, their appropriation and their Burmanization, as shown by the series of regional Buddhist monuments starting from the late 18th century

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Dissertations / Theses on the topic 'Guerra en l'art'

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