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Dissertations / Theses on the topic 'History of Brazilian Art'
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1
Asbury, Michael. "Hélio Oiticica : politics and ambivalence in 20th century Brazilian art." Thesis, University of the Arts London, 2003. http://ualresearchonline.arts.ac.uk/8953/.
Full textAbstract:
This study investigates the presence of ambivalence as a strategy of cultural politics from modern to contemporary art in Brazil. It focuses on the development of modern art leading to the work of Hélio Oiticica, whose approach to avant-garde practice in Brazil was concurrent with intense articulations between the forces of social change and re-evaluations of the legacy of Modernism. The thesis has a strong historiographical emphasis and is organised in three parts: Part one attempts to view the emergence of Modernism in Brazil beyond the prevailing interpretations that emphasise its inadequacy compared to canonical paradigms. Part two discusses the development of abstraction in Brazil, particularly that associated with the constructivist tradition and its relationship with the prevailing positivism of a nation that saw modernity as its inevitable destiny. Such a relationship, between art and ideology, implicitly questions the purported autonomous nature of modern art. Again, what emerged were definite regional distinctions, themselves based on seemingly universal theoretical propositions. The context of Hélio Oiticica's emergence as a constructivist-oriented artist is discussed in order to establish the theoretical foundation for his subsequent articulations between notions of avant-garde and Brazilian popular culture. Part three deals with Oiticica's theoretical and artistic proposals. It centres on the artist's transition from a position concerned primarily with the aesthetic questions of art, to one in which art became engaged on a social, ethical and ultimately political level. Oiticica's relationship with concurrent developments in theatre and later in music and cinema is given particular attention. The artist's questioning of the divides between such fields of specialisation, socio-cultural borders or categories of creative production is argued to have arisen out of Oiticica's lessons from Neoconcretism as well as his individual creative approach to relations of friendship. The latter integrated the wider concept of participation that eventually drove the work through the apparent equivocation between national culture and avant-garde practice. The study concludes with an analysis of the artist's posthumous dissemination and its relation with today's contemporary Brazilian art.
2
Harper, Eleanor R. "Restoring Subjectivity and Brazilian Identity: Lygia Clark's Therapeutic Practice." Ohio University / OhioLINK, 2010. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=ohiou1275622355.
Full text
3
Kutesko, Elizabeth. "Fashioning Brazil : globalization and the representation of Brazilian dress in National Geographic." Thesis, Courtauld Institute of Art (University of London), 2016. http://ualresearchonline.arts.ac.uk/12111/.
Full textAbstract:
As a popular ‘scientific’ and educational journal, National Geographic, since its founding in 1888, has positioned itself as a voice of authority within mainstream American print media, offering what purports to be an unprejudiced ‘window onto the world’. Previous scholarship has been quick to call attention to the magazine’s participation in an imperialist representational regime. Catherine A. Lutz and Jane L. Collins, Tamar Rothenberg and Linda Steet have all argued that National Geographic’s distinctive, quasi-anthropological outlook has established hierarchies of difference and rendered subjects into dehumanised objects, a spectacle of the unknown and exotic other. A more nuanced understanding can be reached by drawing upon Mary Louise Pratt’s concept of the ‘contact zone’. Pratt defined the contact zone as ‘spaces where cultures meet, clash and grapple with each other, often in contexts of highly asymmetrical relations of power’. Photographs since National Geographic’s centenary edition in September 1988 have traced the beginnings of a different view of encounters within the United States-Brazil contact zone, driven by the forces of globalisation, which have resisted the processes of objectification, appropriation and stereotyping frequently associated with the rectangular yellow border. This is because they have provided evidence of a fluid and various population, which has selected and experimented with preferred elements of American and European dress, and used it to fashion their own, distinctly Brazilian identities. This thesis will examine both the visual and textual strategies that National Geographic and National Geographic Brasil (the Portuguese-language version of the magazine, established in Sao Paulo in May 2000) have used to fashion Brazil, but also the extent to which Brazilian subjects can be seen to have self-fashioned, through the strategic appropriation of clothing and ideas derived from an existing and dominant global culture. It will approach dress not simply as cloth but as a system of communication, whose many meanings are not fixed but continually informed and to an extent, even performed, by its visual, material, and textual representation. This thesis employs a multidisciplinary mode of analysis that draws on five Brazilian scholars, each of whom have used dress and fashion metaphors in their writings, which have encompassed poetry, film studies, poststructuralist theory, literary criticism and anthropology.
4
dos, Anjos Afonso Manoela. "Language and place in the life of Brazilian women in London : writing life narratives through art practice." Thesis, University of the Arts London, 2016. http://ualresearchonline.arts.ac.uk/12000/.
Full textAbstract:
Studies on Brazilians living in Britain show that, along with loneliness, unemployment and cost of living, the lack of proficiency in English is a key problem. However, there is little qualitative information about how the host language affects their daily lives. This interdisciplinary practice-based research asks how an art practice activated by experiences of displacement and dislocation in language can become a place of enunciation for decolonial selves. To this end, this research includes not only individual practices, but also collective activities carried out with a group of Brazilian women living in London, as a research focus. The endeavour to deal with English language has engendered writing processes in my visual work, which became a place for experimenting bilingual and fragmentary voices against the initial muteness in which I found myself on arrival in London. Using photography, printmaking, drawing, postcards, and artist’s books I have explored life-writing genres of diary, language memoir, and correspondence to raise an immigrant consciousness, explore accented voices and create practices for writing life individually and collectively. Assembling words and turning their meanings became strategies for expanding limited vocabularies. Once an impassable obstacle, the host language was transformed into a territory for exploring ways to know stories about language and write life narratives through art practice. This research is informed by humanist and feminist geographical approaches to space and place, postcolonial life writing, border thinking and a context of practice ranging from transnational art, accented cinema, visual poetry, conceptual art, and socially engaged art. It provides insights about English language in the lives of Brazilian women in London and offers a view on a practice in visual arts as place of enunciation for decolonial selves.
5
Whitelegg, Isobel. "Mira Schendel : a radical passivity : towards another history of art, thought & action in the Brazilian sixties." Thesis, University of Essex, 2005. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.423360.
Full text
6
Wujcik, Stacey A. "An Anthropophagic Legacy: Oswald de Andrade's Manifesto Antropofago in Brazilian Anti-Art and the Works of Cildo Meireles." Master's thesis, Temple University Libraries, 2011. http://cdm16002.contentdm.oclc.org/cdm/ref/collection/p245801coll10/id/120020.
Full textAbstract:
Art HistoryM.A.
In his 1928 Manifesto Antropófago, the Brazilian poet and playwright Oswald de Andrade encouraged Brazilians to appropriate, consume, digest, and assimilate European theories and styles to enhance the Brazilian avant-garde. Oswald's theory of "cultural cannibalism," or Anthropophagy, has since been reinterpreted to serve various purposes in Brazilian art. In the early 1960s Anthropophagy was important to Neo-Concretists, who shifted the focus of the artwork to the viewer's body. The theory was then revived by the Tropicalists for its subversive nature and tactics of appropriation. Anthropophagy was immensely important to the generation of artists who worked during the Brazilian military regime in the 1960s and 1970s, who would use Anthropophagy as a model for appropriating elements of military rule to criticize the government. The themes of the Manifesto Antropófago are often evident in the works of Cildo Meireles, whose art seems to employ Anthropophagy as a conceptual model. In his investigation of the effects of consumerism, sensory perception, and imperialism and colonialism, Meireles employs the elements of appropriation and subversion that are part of an Anthropophagic legacy. Meireles' interest in Anthropophagy culminates in a utopian interpretation of the theory, and a redefinition of its significance in terms of Brazilian identity.
Temple University--Theses
7
Virava, Thiago Gil de Oliveira. "Uma brecha para o surrealismo : percepções do movimento surrealista no Brasil entre as décadas de 1920 e 1940." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-14112012-223853/.
Full textAbstract:
O objetivo deste trabalho é avaliar os diversos modos pelos quais o movimento surrealista foi percebido por artistas e escritores modernistas, entre as décadas de 1920 e 1940. Parte-se inicialmente da apresentação e discussão de documentos e bibliografia a respeito do discurso surrealista sobre arte e sua importância no contexto do movimento. Em seguida, com base em uma seleção de obras de artistas nacionais (Tarsila do Amaral, Cícero Dias, Ismael Nery, Jorge de Lima e Flávio de Carvalho), assim como de um conjunto de documentos (artigos, cartas, manifestos) produzidos no Brasil no período abordado, são analisadas as aproximações e distanciamentos entre os movimentos brasileiro e francês. Procurando evitar tanto um cotejamento mecânico, quanto a rotulação das obras analisadas como \"surrealistas\", empreende-se essa análise sem deixar de se discutir a inserção de cada artista no contexto dos debates artísticos e intelectuais nacionais do período. A partir dessa perspectiva metodológica, é possível observar como o eventual interesse de cada um pelo surrealismo surge mediado por outros, ligados àqueles debates. Desse modo, busca-se salientar a singularidade desse interesse e da forma objetiva que assumiu na produção de cada artista.This work intends to survey the different ways by which the surrealist movement was perceived by Brazilian modernist artists and writers, between the 1920s and 1940s. It starts with a presentation and discussion of documents and bibliography about the surrealist discourse on art and its relevance in the context of the movement. Afterwards, based on a selection of works by five Brazilian artists (Tarsila do Amaral, Cícero Dias, Ismael Nery, Jorge de Lima and Flávio de Carvalho) together with a set of documents (articles, letters, manifestoes) produced in Brazil during the period studied, it analyses the approaches and detachments between the Brazilian and French movements. In order to avoid either a simplistic confrontation or labeling the works discussed \"surrealists\", the analysis is made without putting aside a discussion about the insertion of each artist in the context of artistic and intellectual local debates in the period. From this methodological perspective, it is possible to observe how the potential interest in the surrealism expressed by each artist appears mediated by other interests, affined to those debates. Thereby it underlines the singularity of that interest and the objective form it has assumed in the production of each artist
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Molina, Lucas Giehl. "O universal, o local e a memória cultural na obra de Pedro Weingärtner (1853-1929)." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2014. http://hdl.handle.net/10183/103884.
Full textAbstract:
Pedro Weingärtner (1853-1929) foi um pintor brasileiro. Sua arte figurativa, realista e acadêmica retratou temas bastante diferentes: tanto paisagens e costumes de camponeses e imigrantes no jovem Rio Grande do Sul quanto a mitologia greco-romana, parte dos cânones temáticos da Europa no século XIX. O artista pintou do agricultor pobre ao presidente da província, havendo em sua arte diversa uma homogeneidade pictórica: o estilo acadêmico herdado do Velho Mundo e aprendido com o mestre William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) em Paris. Pedro Weingärtner viveu entre o Brasil e a Europa representando as diferenças entre os dois continentes. Como se articula essa complexidade da obra de Weingärtner entre o local e o universal? Qual é o peso da cultura europeia em sua arte como memória cultural, e o quanto dela também o artista produziu, principalmente em relação à figura do imigrante alemão? São essas as questões que esta dissertação procura responder.Pedro Weingärtner (1853-1929) was a Brazilian painter. His figurative, realistic and academic art portrayed rather different themes: landscapes and customs of peasants and immigrants in Rio Grande do Sul as well as Greco-Roman mythology, part of 19th century European canons. The artist painted from the poor farmer to the president of the province, having in his diverse art one homogeneous pictorial aspect: the academic style inherited from the Old World and learned from the master William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) in Paris. Pedro Weingärtner lived between Brazil and Europe representing the differences between both continents. How is this complexity between local and universal articulated in his work? What is the weight of European art as cultural memory in his art, and how much of it did the artist produce himself, especially relative to the image of the German immigrant? These are the questions that this dissertation tries to answer.
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Zago, Renata Cristina de Oliveira Maia 1981. "As Bienais Nacionais de São Paulo : 1970-76." [s.n.], 2013. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284529.
Full textAbstract:
Orientador: Maria de Fátima Morethy CoutoTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-23T17:34:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zago_RenataCristinadeOliveiraMaia_D.pdf: 22348163 bytes, checksum: 3e5d8a54d2f96ebd289d3f3d9b1ccbb7 (MD5) Previous issue date: 2013
Resumo: A presente pesquisa de doutorado pretende analisar a função das Bienais Nacionais de São Paulo, que aconteceram entre os anos 1970 e 76, e entender a sua relevância no cenário artístico da época. Para isso, foi desenvolvida uma pesquisa pautada primordialmente em dados resgatados da documentação histórica gerada por esses eventos (incluindo-se aqui também os artigos de jornais publicados pela imprensa do período) e conservada no Arquivo Histórico Wanda Svevo da Fundação Bienal
Abstract: The purpose of this PhD research is to analyze the role of the "Bienais Nacionais de São Paulo", that happened between the years of 1970 and 1976, and to understand their importance in the art scene of the time. Therefore, we undertook a research guided primarily by the data recovered from the historical documentation engendered by these events (including the newspaper articles published by the press of the period) and preserved in the Wanda Svevo Historical Archives of the Art Biennial Foundation
Doutorado
Artes Visuais
Doutora em Artes Visuais
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Virava, Thiago Gil de Oliveira. "Um boxeur na arena: Oswald de Andrade e as artes visuais no Brasil (1915-1945)." Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-11092018-102002/.
Full textAbstract:
O presente estudo investiga a posição das artes visuais na experiência intelectual e criativa do poeta e escritor modernista Oswald de Andrade (1890-1954). São analisados não apenas seus textos sobre arte, mas também a presença das artes visuais nos livros de poesia Pau Brasil (1925) e Primeiro caderno do aluno de poesia Oswald de Andrade (1927), assim como nos romances Os Condenados (1922-1934) e Marco Zero (1943-1945). Também são discutidas as relações que o escritor manteve com artistas brasileiros e estrangeiros, além de sua participação em situações importantes envolvendo as artes visuais no país, como a Semana de Arte Moderna; a primeira exposição de Tarsila do Amaral no Brasil; o Clube dos Artistas Modernos; os Salões de Maio. A proposta é averiguar como Oswald de Andrade atuou em um período importante para a história da arte moderna no Brasil, especialmente na cidade de São Paulo, compreendendo as décadas de 1910 a 1940, que são as balizas cronológicas adotadas, tomando-se como referências o texto \"Em prol de uma pintura nacional\", publicado em 1915, e o romance Marco Zero II: Chão, publicado em 1945. Singulares do ponto de vista da escrita e das estratégias discursivas que mobilizam, os textos de Oswald de Andrade que discutem as artes visuais revelam um pensamento em constante movimento e atento ao que entendia serem as demandas de uma época de transformações e de luta pela construção de uma sociedade menos opressora, na qual as artes ocupavam posição estratégica. Com base na investigação desse material, defendese aqui que as artes visuais foram um elemento constitutivo de sua experiência intelectual e criativa, não ocupando uma posição secundária em relação à sua atuação como escritor, poeta e jornalista polemista.This study investigates the position of the visual arts within the intellectual and creative experience of Brazilian modernist writer and poet Oswald de Andrade (1890- 1954). It analyses not only his writings on art but also the presence of the visual arts in his poetry books Pau Brasil [Brazil Wood] (1925) and Primeiro caderno do aluno de poesia Oswald de Andrade [First notebook of the poetry student Oswald de Andrade] (1927), as well as in the novels Os Condenados [The Doomed] (1922- 1934) and Marco Zero [Ground Zero] (1943-1945). This work also discusses the relationships the writer had with Brazilian and foreign artists, as well as his participation in relevant situations involving the visual arts in Brazil, such as the Semana de Arte Moderna [Modern Art Week]; Tarsila do Amaral\'s first exhibition in Brazil; the Clube dos Artistas Modernos [Modern Art Club]; the Salões de Maio [May Salons]. The aim is to examine how Oswald de Andrade took part in an important period of the history of modern art in Brazil, especially at the city of São Paulo, from the 1910s to the 1940s, which are the chronological landmarks assumed here taking the article \"Em prol de uma pintura nacional\" [In favor of a national painting], published in 1915, and the novel Marco Zero II: Chão [Ground Zero II: Ground], published in 1945, as reference points. Remarkable both as style and discursive strategies, Oswald de Andrade\'s writings on art reveal a reflection in constant movement, but always attentive to what the author understood as the demands of a time of transformations and struggle for a less oppressive society, in which the arts had a strategic position. Based on the investigation of the abovementioned materials, this work argues that the visual arts did not occupy a secondary position in relation to Oswald de Andrade\'s activities as writer, poet and controversialist journalist. On the contrary, they were a constitutive element of his intellectual and creative experience.
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Ribeiro, José Augusto Pereira. "Guignard e o ambiente artístico no Brasil nas décadas de 1930 e 1940." Universidade de São Paulo, 2009. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-25102010-172303/.
Full textAbstract:
A presente dissertação tem como objetivo analisar a obra de Alberto da Veiga Guignard (1896-1962), focalizando especialmente seu percurso nas décadas de 1930 e 1940, período em que ela constituiu alguns de seus aspectos poéticos decisivos um vocabulário lírico ligado ao prosaico e o apreço por uma pintura de superfície. O estudo busca mostrar como esses aspectos sobretudo o lirismo colhido a materiais humildes da vida cotidiana podem estar ligados à proximidade do pintor com os poetas Manuel Bandeira e Murilo Mendes e, de outro modo, também com a imaginação onírica do artista Ismael Nery, que de algum modo dialoga com as paisagens imaginárias que marcam tão fortemente a pintura de Guignard. A dissertação procurou discutir a obra do pintor no quadro do modernismo brasileiro, principalmente no que concerne à questão nacional-popular, presente na pintura de Guignard de modo muito mais sutil e refratado, conforme se argumenta, do que em muitos de seus contemporâneos da geração modernista dos anos 1930.The following essay has the objective of analyzing the work of Alberto da Veiga Guignard (1896 1962), especially focusing on his 1930s and 1940s trajectory, period on which his works most poetics aspects were constituted a lyric vocabulary linked to the prosaic and the esteem of the surface painting. The study searches how these aspects particularly the lyricism and the humble everyday life material can connect this painter to poets Manuel Bandeira and Murilo Mendes and, in another way, also with the imagination of the artist Ismael Nery, who, in some ways, dialogues with imaginary landscapes that strongly appear on Guignard. The dissertation discusses the work of this painter within the Brazilian Modernism, especially on what concerns the popularnational issues, present on Guignards paintings in a much more subtle and refracted way, as it is said, compared to his generations contemporaries Brazilian Modernists of the 1930s.
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Christo, Maraliz de Castro Vieira. "Pintura, historia e herois no seculo XIX : Pedro Americo e "Tiradentes Esquartejado"." [s.n.], 2005. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/281081.
Full textAbstract:
Orientador: Jorge Coli Sidney JuniorAcompanha: Anexo de imagens
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-05T06:12:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Christo_MaralizdeCastroVieira_D.pdf: 118941212 bytes, checksum: a00d61ad3cd1d1ec497802cd6cf35f16 (MD5) Previous issue date: 2005
Resumo: A tela Tiradentes esquartejado, de Pedro Americo, produzida em 1893, pertencente ao acervo do Museu Mariano Procópio de Juiz de Fora (Minas Gerais -Brasil), representa, em grande formato, o corpo esquartejado do protomártir da República brasileira, executado em 1792 por crime de lesa-majestade, acusado de liderar um movimento pela Independência do Brasil. A leitura iconográfica da tela acentua a gênese de seu processo criativo, identificando a proposta inicial do artista em apresentar Tiradentes esquartejado não como tela isolada, mas compondo uma narrativa sobre a Conjuração Mineira, estruturada na forma de tragédia, enfatizando a fragilidade do movimento. A tela insere-se nos dilemas da criação do panteão nacional republicano, em pleno ocaso da pintura histórica na cultura ocidental. As vicissitudes da produção, circulação e recepção da imagem permitem compreender seu esquecimento por mais de meio século e atualidade. A análise do método de trabalho de Pedro Americo denota o intenso diálogo com a história da arte, assim como o processo de desconstrução dos heróis no conjunto da obra do artista, enfatizando sua consonância com a pintura internacional do final do século XIX e originalidade
Resume: La toile Tiradentes écartelé de Pedro Americo, peinte en 1893, appartient à Ia collection du Musée Mariano Proc6pio de Juiz de Fora ( Minas Gerais - Brésil).Ellereprésente,engrand format, le corps écartelé du protomartyre de Ia République brésilienne, exécuté en 1792 pour crime de lese-majesté, accusé de commander un mouvement pour l'indépendance du Brésil. La lecture iconographique de Ia toile souligne Ia génese de son processus créateur, tout en identifiant Ia proposition initiale de l'artiste de présenter Tiradentes écartelé non en tant que toile isolée mais comme une narration de Ia Conjuration "Mineira", structurée sous Ia forme d'une tragédie qui révele Ia fragilité du mouvement. La toile s'insere dans les débats de Ia création du panthéon national républicain, en pIein déclin de Ia peinture historique dans Ia culture occidentale. Les vicissitudes de Ia production , de Ia circulation et de Ia réception de l'image nous menent à comprendre l'oubli dont cette toile a été victime pour plus d'un demi siêcle ainsi que son actualité. L'analyse de Ia méthode de travail de Pedro Americo étonne aussi bien pour son intense dialogue avec l'histoire de l'art que pour son processus de déconstruction des héros dans l'ensemble de son oeuvre, en soulignant sa consonance avec Ia peinture intemationale de Ia fin du XIXe siêcle et son originalité
Abstract: The painting Tiradentes esquartejado (Tiradentes Lacerated) by Pedro Américo was painted in 1893 and now belongs to the Mariano Procópio Museum in Juiz de For a. It portrays the lacerated body of a proto martyr of the Brazilian republic who was executed in 1792 for treason, after being accused of leading a conspiracy against the Portuguese Empire for the independence of the country. The iconographical analysis of the painting highlights the genesis of its creative process, identifying the artist' s initial proposal in exhibiting Tiradentes Esquartejado not as a single painting, but as part of a narrative on the "Conjuração Mineira"(Conspiracy in Minas Gerais), shaped into a tragedy, thus stressing the fragile feature of the movement. The painting is part of the dilemmas of creation of the national republican pantheon, exactly when historical painting in western culture is at its end. The vicissitudes of production, circulation and reception of the painting makes it possible for us to understand why it was forgotten for over half a century and also its up--to-dateness. The analysis of Pedro Americo's working method impresses for its intense dialogue with the history of art, as well as the heroes' deconstruction process in the artist' s works, stressing bis consonance with the intemational painting of the end of the 19thcentury and its originality
Doutorado
Historia Social
Doutor em História
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Bertolossi, Leonardo Carvalho. "Arte enquadrada e gambiarra: identidade, circuito e mercado de arte no Brasil (anos 80 e 90)." Universidade de São Paulo, 2015. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8134/tde-06082015-133310/.
Full textAbstract:
Essa tese é uma etnografia das ideias, práticas, histórias, memórias, teorias nativas, conflitos, desigualdades, imaginações e experiências de artistas, críticos, curadores, galeristas e colecionadores brasileiros ao longo dos anos 80 e 90. Embora o escopo temporal e espacial oscile, ancoramo-nos nas cidades do Rio de Janeiro e de São Paulo, e na interseção entre o circuito e o mercado primário de arte contemporânea brasileira nestas décadas. O trabalho aborda diversos temas e problemas acessados através do meu campo em galerias, museus, bienais, bibliotecas, arquivos públicos e privados, cursos de história da arte e depoimentos. Dentre os objetos tangenciados, se destacou: o retorno internacional à pintura, a invenção da geração 80 e sua relação com o mercado; as exposições Primitivism in the Twentieth Century no MoMA, em Nova York, em 1984, e Magiciens de la Terre, no Centre Pompidou, na França, em 1989; a redescoberta do corpo, do eu e da narrativa nos anos 90; a arte abjeta e suas principais exposições internacionais; a Bienal de São Paulo Antropofágica de 1998; a internacionalização da arte brasileira na Europa, Estados Unidos e América Latina; a trajetória e as contendas entre diferentes gerações de galeristas no Brasil; a entrada do empresariado e dos bancos na política cultural; e, sobretudo o estatuto da arte brasileira e latino-americana diante da globalização. Desde a Escola Fluminense de Pintura, passando pelo Modernismo, pelo Neoconcretismo, pela Tropicália até o período em destaque neste trabalho, o sistema artístico brasileiro e seus personagens se questionaram sobre uma arte genuinamente brasileira. A antropofagia foi novamente mobilizada como alternativa às hierarquias de poder e imposições euro-americanas, sobretudo na Bienal Antropofágica de 1998. Mas quando todos são canibais, quem canibaliza quem? Oswald de Andrade ou Montaigne? Minha hipótese é a deformação da questão em direção à superação do problema da representação para o da presença, a partir da filosofia deleuziana sobre a experiência barroca. Superar a antropofagia em favor do barroco de modo a imaginar outro conceito de criação que conceba a invenção da diferença através de uma exterioridade em contínua descontinuidade, devires, dobra que se desdobra, antropofagia e regurgitofagia, dentro e fora, figura e fundo, interpretação e contrainterpretação, arte enquadrada e gambiarra.This thesis is an ethnography of the ideias, practices, histories, memories, native theories, conflicts, inequalities, imaginations and experiences of Brazilian artists, critics, curators, art dealers and art collectors throughout the 1980s and 90s. The temporal and spacial breadth covered oscillates; we have, however, decided to focus the cities of Rio de Janeiro and São Paulo, and the intersection between the contemporary art circuit and its market through fieldwork done in galleries, museums, bienals, libraries, public and private archives, courses on art history, and testimonials. Between the many objects described, an emphasis is made on the international return to painting; the invention of the 80s generation and its relations to the market; the exhibitions Primitivism in the Twentieth Century (MoMA, New York, 1984) and Magiciens de la Terre (Centre Pompidou, Paris, 1989); the rediscovery of body, self and narrative during the 1990s; abject art and its main international exhibitions; the Anthropophagic Bienal of São Paulo (1998); the internationalization of Brazilian art in Europe, United States and Latin America; the trajectories and quarrels between different generations of art dealers in Brazil; the introduction of the entreprenurial and financial classes into cultural policies; and, above all, the status of Brazilian and Latin American art in a globalized context. From the Fluminense school of painting, through Brazilian Modernism, Neoconcretism, Tropicália, to the period emphasized in this work, the Brazilian artistic system and its characters have put a genuinely Brazilian art into question. Anthropophagy has been newly engaged as an alternative to euro-american power hierarchies and impositions, especially in the Anthropophagic Bienal of 1998. Nevertheless, when everyone is a cannibal, who cannibalizes whom? Oswald de Andrade or Montaigne? My hypothesis is the deformation of that matter, overcoming the problem of representation towards that of the presence, drawing on the deleuzian philosophy of the baroque experiments. Overcoming anthropophagy in benefit of the baroque is a way of inventing a different concept of creation, one that conceives the invention of difference through an exteriority in continued discontinuity, becomings, foldings that unfold, anthropophagy and regurgitophagy, inside and outside, figure and ground, interpretation and counter interpretation, framed art, and improvisation.
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Brancato, João Victor Rossetti. "Crítica de arte e modernidade no Rio de Janeiro: intertextualidade na imprensa carioca dos anos 20 a partir de Adalberto Mattos (1888-1966)." Universidade Federal de Juiz de Fora (UFJF), 2018. https://repositorio.ufjf.br/jspui/handle/ufjf/6899.
Full textAbstract:
Submitted by Geandra Rodrigues (geandrar@gmail.com) on 2018-06-29T15:06:19Z
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joaovictorrossettibrancato.pdf: 10806451 bytes, checksum: 86ccf90523ed056be6f8ddc22576cca2 (MD5)Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2018-07-03T14:04:42Z (GMT) No. of bitstreams: 1 joaovictorrossettibrancato.pdf: 10806451 bytes, checksum: 86ccf90523ed056be6f8ddc22576cca2 (MD5)
Made available in DSpace on 2018-07-03T14:04:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 joaovictorrossettibrancato.pdf: 10806451 bytes, checksum: 86ccf90523ed056be6f8ddc22576cca2 (MD5) Previous issue date: 2018-05-14
CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Adalberto Pinto de Mattos (1888-1966) foi artista, professor e crítico de arte no Rio de Janeiro. Esta pesquisa tem por objetivo analisar a literatura artística produzida pelo autor durante a década de 20, momento de sua atividade nas revistas O Malho, Para Todos e Illustração Brasileira. A partir dessas fontes, busca-se investigar os princípios que regem seus textos e suas principais referências formativas a fim de compreender seus juízos acerca da pintura nacional e estrangeira. O trabalho centra-se no diálogo entre a tradição e a modernidade e privilegia as relações de intertextualidade entre a crítica de Mattos e a de outros críticos e teóricos, tanto do passado quanto seus contemporâneos. A postura historiográfica assumida compromete-se a uma revisão sobre a arte brasileira do entresséculos XIX e XX.
Adalberto Pinto de Mattos (1888-1966) was an artist, teacher and art critic in Rio de Janeiro. This research aims to analyze the author’s artistic literature produced during the 20's, period of his activity in the magazines O Malho, Para Todos and Illustração Brasileira. From these sources, it seeks to investigate what principles rule his texts and his main formative references, in order to understand his judgements about national and foireign painting. This work focuses in the dialogue between tradition and modernity and privileges intertextual relations between Mattos’ criticism and that of others critics and theorists, both of the past and his contemporaries. The assumed historiographical position commits itself to a revision about brazilian art between 19th and 20th centuries.
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Tomé, Aline Viana. "As representações da cidade do Rio de Janeiro na obra de Eliseu D’Angelo Visconti (1866-1944)." Universidade Federal de Juiz de Fora (UFJF), 2016. https://repositorio.ufjf.br/jspui/handle/ufjf/3641.
Full textAbstract:
Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2017-03-13T14:05:34Z
No. of bitstreams: 1
alinevianatome.pdf: 21655951 bytes, checksum: 3f7e634f2a5acb72edd80e7283e78cd6 (MD5)Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2017-03-13T19:29:25Z (GMT) No. of bitstreams: 1 alinevianatome.pdf: 21655951 bytes, checksum: 3f7e634f2a5acb72edd80e7283e78cd6 (MD5)
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Este trabalho discute o conjunto da produção paisagística de Eliseu D’Angelo Visconti, (1866-1944) que enfoca a cidade do Rio de Janeiro entre os anos de 1887 e 1944. Essas paisagens são reveladoras das inúmeras mudanças vivenciadas na capital da República no entre séculos 19/20. Dessa forma, entendemos que o presente trabalho discorre sobre a transformação. Seja ela relativa à remodelação da cidade no início do século XX, da reforma da Academia Imperial de Belas Artes em Escola Nacional de Belas Artes, ou, em âmbito nacional, com a passagem do regime imperial ao Brasil República. Assim, consideramos ser Visconti um artista-espectador privilegiado, que vai registrando em suas obras essas metamorfoses, vivenciando o Rio de Janeiro e o fazer pictórico em sua busca por modernização, palavra tão cara ao momento. Destarte, objetiva-se a compreensão da temática das paisagens urbanas realizadas pelo artista e de como o mesmo as empreende. Procuramos comparar as representações efetuadas pelo pintor com a produção de outros artistas, verificando, além dos pontos de contato existentes entre essas obras, a tradição pictórica que subsiste nas mesmas. Buscamos refletir sobre o propósito da representação da paisagem, indo além da experimentação plástica, visando entender as escolhas de Visconti ao realizar telas de motivos tão próximos à sua vivência. De maneira secundária, procuramos ponderar sobre o papel de lugares de memória existente nas paisagens produzidas no contexto em questão, como formadoras de uma visualidade da capital republicana em seus primórdios.
This work discusses the group of scenic productions by Eliseu D’Angelo Visconti (18661944), which focuses on the city of Rio de Janeiro between 1887 and 1944. These landscapes reveal innumerous changes that has taken place in the capital of the Republic during de XIX and XX centuries. Therefore, we think the present work speaks of the transformation, be it relative to the remodeling of the city at the beginning of the XX century, to the name change from Imperial School of Fine Arts to National School of Fine Arts, or in the national range, to the regime change from monarchy to republic. Thus, we consider Visconti to be a privileged artist/spectator, whose works register this metamorphosis, experiencing Rio de Janeiro and the pictorial craft in the city’s seek for modernization, a cherished word at the time. At first, the goal is to understand the thematic of the urban landscapes pictured by the artist and how he sees them. We intend to compare the representations made by the painter to the production from other artists, verifying, besides the common points among these works, the pictorial tradition present on them. We intend to reflect upon the purpose of the landscape presentation, going beyond the plastic experimentation, aiming to understand Visconti’s choices when painting canvases of themes that were so close to his experience. Secondly, we intend to ponder about the role of existing memory in the landscapes produced in the context at issue, as constructors of a visuality of the republican capital in its first years.
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Cavalcanti, Jardel Dias. "Artes plasticas : vanguarda e participação politica (Brasil anos 60 e 70)." [s.n.], 2005. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/279845.
Full textAbstract:
Orientador: Italo Arnaldo TroncaTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-04T23:57:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cavalcanti_JardelDias_D.pdf: 15289955 bytes, checksum: 6c7d3d563a4c2d849121c80b16494aa7 (MD5) Previous issue date: 2005
Resumo: Esta pesquisa foca a relação entre a produção das artes plásticas e o contexto político brasileiro instaurado pelo Golpe Militar de março de 1964. A análise das questões artísticas, como seus desdobramentos no campo social, elegeu como local privilegiado de investigação os anos de 1964 a 1970. As interseções entre a arte e a política foram evidenciadas no posicionamento crítico dos artistas, dado no cerne de suas poéticas, nos programas estabelecidos pelas exposições de arte e num projeto de vanguarda nacional engajada
Abstract: The present work focus the relationship between visual arts and the brazilian political situation after the 1964 military coup. Artistic issues and its reflections in the social field were analyzed in the years from 1964 to 1970. The interconnections between visual arts and the brazilian military politics came up though the artists critical position in their artistic production, in the art exhibitions programs and in the project of politically commited ¿avant-garde¿
Doutorado
Historia da Arte
Doutor em História
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Gregato, Márcia Elisa de Paiva 1972. "Estudo da obra de Gastão Manoel Henrique = uma hipotese sobre as suas diferentes fases." [s.n.], 2009. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284037.
Full textAbstract:
Orientador: Marco Antonio Alves do ValleTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-15T03:31:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gregato_MarciaElisadePaiva_D.pdf: 14762088 bytes, checksum: e0c9ad0964bcf746b913cef35276b5b2 (MD5) Previous issue date: 2009
Resumo: A presente tese apresenta como meta o estudo teórico, crítico e histórico da obra do escultor brasileiro Gastão Manoel Henrique, catalogando os trabalhos produzidos pelo artista a partir da década de cinquenta, investigando suas preocupações expressivas no contexto da história da arte na qual se encontra inserido, bem como analisando a organização formal e espacial das obras e seus procedimentos, comparando-as entre si e também alinhando-as aos trabalhos de outros artistas do período a fim de compreendê-las e classificá-las em distintas sete fases que configuram um recorte da obra do artista até o presente momento. A compreensão desse conjunto de obras se dá através do exame inicial de algumas das questões que marcam a introdução da arte moderna abstrata no Brasil dos anos cinquenta, apontando a Semana de Arte Moderna como marco inicial de nossa tradição artística, passando pela intervenção de Lúcio Costa, na tentativa de modernização da Escola Nacional de Belas Artes, que foi um dos primeiros atos do Governo Vargas com a nomeação dos diretores da área da cultura. Foram analisadas também, por sua relevância, as duas vertentes presentes e formadoras do Movimento Modernista no Brasil, sendo a primeira delas, representada por Graça Aranha, e identificada na obra de Ismael Nery no que diz respeito à aproximação dos artistas cariocas do surrealismo e dadaísmo internacionais; e a segunda, identificada na obra de Candido Portinari e representada por Mário de Andrade, tornando-se hegemônica com a revolução de 1930 e sua vinda para o Ministério da Educação e Saúde Pública - MESP, na gestão Gustavo Capanema. O estudo dessas duas vertentes possibilita a identificação de suas distintas conceituações teóricas, estéticas e ideológicas, bem como o reconhecimento da proximidade que há entre o Modernismo representado por Graça Aranha e os primeiros trabalhos de Gastão Manoel Henrique, nos quais se percebe a relação com outros artistas pioneiros do modernismo internacional, entre os quais se destaca Giorgio de Chirico, de onde se atribui a presença dos motivos arquitetônicos encontrados nos desenhos dos anos cinquenta. Foram também incorporados à tese os relatos do artista acerca das influências recebidas de seu pai, Elmano Henrique, cartazista de profissão e responsável pela educação estética do jovem Gastão, principalmente no que diz respeito ao rigor na fatura artística e conceitual, características identificadas em toda sua produção. Para a compreensão e argumentação das diversas fases, foram necessários ainda o estudo das participações do artista em exposições chaves da neovanguarda brasileira introdutora da arte contemporânea no Brasil; os diálogos múltiplos estabelecidos a partir de meados da década de sessenta entre artistas e espectadores, identificados também na obra de Lygia Clark e iniciados pelo filósofo Merleau-Ponty; e ainda, a partir dos anos oitenta, a influência de Constantin Brancusi, que produziu reverberações tanto em Gastão Manoel Henrique quanto em seu amigo Sergio Camargo. As sete fases identificadas e analisadas a partir desta pesquisa constituem um trabalho inédito que pretende inaugurar na Universidade Brasileira o estudo da obra deste escultor, apontando caminhos para novas pesquisas que possam surgir nacional e internacionalmente
Abstract: A study of the work of Gastão Manoel Henrique: a hypothesis about the different phases The present thesis presents as its goal, the theoretical, critic and historic study of the work from the Brazilian sculptor Gastão Manoel Henrique, cataloguing the works produced by the artist since the fifties, investigating his expressive concerns in the historical context of the art in which he is inserted, as well as analyzing the formal and spatial organization of the works and its procedures, comparing them among themselves and also aligning them with the works of other artists of the same period in order to understand and classify them in seven distinct phases which configure an indention of the artist work until the present moment. The understanding of these set of works is done through the initial examination of some questions that characterize the introduction of the abstract art in Brazil during the fifties, taking the "Semana de Arte Moderna" (Modern Art Week) as the initial landmark of our artistic tradition, passing through the intervention of Lúcio Costa in his attempt to modernize the "Escola Nacional de Belas Artes" (Arts National School), which was one of the first acts of the Vargas Government with the nomination of a director in the area of culture. It was also analyzed, because of its relevance, the two streams present in the formation of Modern Movement in Brazil. The fist one is represented by Graça Aranha, and it is identified in the work of Ismael Nery with respect to the approximation of the artists from Rio de Janeiro to the international Surrealism and Dadaism. The second one is identified in the work of Cândido Portinari and represented by Mário de Andrade, becoming hegemonic with the 1930 Revolution and his coming to the Ministry of Education and Public Health, in the administration of Gustavo Capanema. The study of these two streams made possible the identification of its distinct theoretical conceptions, esthetics and ideologies, as well as the recognition of the proximity between the Modernism represented by Graça Aranha and the first works of Gastão Manoel Henrique, in which it is noticed the relationship with other pioneer artists of the international Modernism, among whom we find Giorgio de Chirico, from whom it is attributed the presence of the architectural motifs found in the drawings of the fifties. It was also incorporated in the dissertation the reports of the artist about the influence he received from his father, Elmano Henrique, cartoonist as a profession and responsible for the esthetic education of the young Gastão, especially in respect to the strength in the artistic fatura and conceptual, identified characteristics in his production. In order to understand and argue the many phases, it was necessary the study of the artist participation in key Brazilian neo-vanguard expositions which were the beginning of the contemporary art in Brazil; and the multiple dialogues initiated in the mid sixties between artists and the audience, also identified on the work of Lygia Clark, and started by the philosopher Merleau-Ponty; and also, beginning in the eighties the influence of Constantin Brancusi, who produced reverberations not only in Gastão Manoel Henrique but also in his friend Sérgio Camargo. The seven phases identified and analyzed on this research constitute a singular work that pretend to inaugurate in the Brazilian University the study of the work of this sculptor, showing ways for new research that might come in the national and international scenario
Doutorado
Doutor em Artes
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Hofmann, Maria Helena Cavalcanti. "A linha que contorna a crônica: a obra de Tarsila do Amaral." Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2010. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=6389.
Full textAbstract:
A proposta desta dissertação é investigar o trabalho artístico de Tarsila do Amaral, sua obra plástica como também sua obra escrita. Esta pesquisa se propõe a compreender de que maneira sua pintura, elaborada como um desenho, com cores delimitadas por fios e imagens geometrizadas adquire uma dependência a uma narrativa de cunho literário. Tarsila do Amaral, pintora modernista, parece organizar os espaços em suas pinturas ao construir linhas, elaboradas cuidadosamente, imprimindo um aspecto aparentemente cerebral ao seu trabalho. Assim, partindo dessas duas formas de arte, imagem e texto, que dialogam entre si na obra da pintora, surgiu a necessidade de escrever a dissertação em forma de crônica. Ao longo da pesquisa este gênero literário demonstrou ser a forma mais adequada para lidar com o objeto de estudo, pois, escrever crônicas tendo como ponto de partida os quadros e textos de Tarsila do Amaral permitiu um olhar mais detalhado e demorado sobre sua obra, possibilitando também lidar com todos os aspectos de sua vida que tangenciaram sua arte. Parece importante perceber as influências estrangeiras em sua formação como pintora e sua busca por uma identidade como artista. Ressaltando o aspecto lúdico de sua obra, as crônicas a seguir buscam compreender como uma pintura racional pode gerar um resultado próximo a uma imagem infantil, especialmente no período Pau-Brasil. Já na fase Antropofágica, o foco de estudo se concentrou na tela Abaporu, em sua elaboração, inspiração e desdobramentos como movimento literário e artístico. Assim, vinte e uma crônicas proporcionam um panorama de aspectos relevantes na obra de Tarsila do Amaral desde o início de seus estudos de desenho até o período em que já recebia o devido reconhecimento por sua obra artísticaThe proposal of this dissertation is to investigate the artistic work of Tarsila do Amaral, both her plastic and written workmanship. This research intends to understand how her painting, elaborated as a drawing, with colors delimited by lines and geometrized images, acquires a dependence on a narrative of literary matrix. Tarsila do Amaral, modernist painter, seems to organize the spaces in her paintings when constructing lines, carefully elaborated, printing a cerebral aspect to her work. Therefore, from these two forms of art, image and text, which dialogue between them in the workmanship of the painter, the necessity of writing a dissertation in the chronicle form came out. This literary genre demonstrated to be the form that best adjusted to handle the study object throughout the research, thus writing chronicles having as a starting point Tarsila do Amarals pictures and texts allowed a more detailed and detained look at her workmanship, also making possible to treat all aspects of her life that touched her art. It seems important to realize the foreign influences on her formation as a painter and her search for an identity as an artist. Emphasizing the ludic aspect of her workmanship, the following chronicles seek to understand how a rational painting can produce a result close to a childish image, especially in the Pau-Brasil period. In the Anthropophagic phase, the focus of the study was especially concentrated on the Abaporu screen, on its elaboration, inspiration and unfoldings as literary and artistic movement. Accordingly, twenty one chronicles provide a panorama of the relevant aspects in the workmanship of Tarsila do Amaral since the beginning of her drawing studies until the period in which she has already received the right acknowledgment of her artistic work
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Miyoshi, Alexander Gaiotto. "Moema e morta." [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/280445.
Full textAbstract:
Orientador: Jorge Sidney Coli JuniorTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-15T03:08:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Miyoshi_AlexanderGaiotto_D.pdf: 47320743 bytes, checksum: fdb0ea22a0086d29898e0044c8c42df3 (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: Voltado inicialmente ao estudo da pintura Moema (1866), de Victor Meirelles, e da escultura homônima de Rodolpho Bernardelli (1895), este trabalho ampliou-se às compreensões da personagem desde o seu surgimento, no poema épico Caramuru (1781), até as primeiras décadas do século 20. Moema foi convertida num emblema da cultura brasileira. No processo de transformação, a obra de Meirelles tem um especial sentido. O corpo nu e inerte da índia, em meio à natureza do quadro, foi a adequação de um gênero pictórico à nação que adotou a imagem idealizada do índio como símbolo. O bronze de Bernardelli, mais provocante, acompanha as inquietações decadentistas do fim de século. Para além das duas obras, Moema inspirou outros autores, cujas visões e modos de abordagem contribuíram à permanência da personagem. Mas é a pintura de Meirelles, até hoje pouco compreendida, a sua versão mais brilhante, além de um poderoso comentário do seu tempo
Absctract: This work was initially devoted to a painting and a sculpture, they both named Moema, the former completed in 1866, by Victor Meirelles, and the latter in 1895, by Rodolpho Bernardelli. But it was expanded to understand the character since her creation, in 1781, by Caramuru, an epic poem, until the 20th century beginning. A Native woman, Moema became a Brazilian symbol. Meireles' painting has a special role in that transformation. Moema's naked dead body was an adjustment, concerning to a country that, in the 19th century, took the allegorical image of the Indian as a national symbol. Bernardelli molded a much more provocative Moema. In his bronze, she became more disturbing, taking part of the fin de siècle delight and morbid feelings. Beyond they both, Moema inspired several authors, important to consolidate the character. But Meireles' Moema is the brighter version, a powerful comment of its time, disregarded even in our days
Doutorado
Historia da Arte
Doutor em História
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Trizoli, Talita. "Trajetórias de Regina Vater: Por uma crítica feminista da arte brasileira." Universidade de São Paulo, 2011. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/93/93131/tde-08112011-133126/.
Full textAbstract:
A dissertação aqui presente procura cartografar a produção artística da brasileira Regina Vater, desde seu período de formação durante os anos 60 no Rio de Janeiro, até meados da década de 90, quando já fixara residência nos EUA. Vater é contemporânea de um período fértil da produção plástica nacional, tendo participado tanto dos pressupostos figurativos dos anos 60, até os conceitualismos dos 70, culminando assim nas décadas seguintes em um ecologismo artístico votivo que se perpetua até os dias atuais. Nesse percurso, deu-se ênfase nas relações entre sua produção artística e o movimento feminista brasileiro, procurando com isso estabelecer vínculos teóricos e críticos com as principais questões feministas em voga e as práticas artísticas conceitualistas e de vanguarda.The dissertation presented here seeks to chart the artistic production of the Brazilian artist Regina Vater, since her formation during the period of 60`s in Rio de Janeiro until the mid-90´s, when she already set residence in the U.S.. Vater is contemporary of a fertile plastic production in the country, taking part in both figurative assumptions of 60´s, until the conceptualism of 70´s, thus leading to the following decades in an artistic votive environmentalism that is perpetuated to this day. In this course, was placed emphasis on the relationship between artistic production and Brazilian feminist movement, seeking to establish theorists and critics links with the principal feminist issues and practices in vogue and the artistic avant-garde and conceptual.
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Mantoan, Marcos José. "Yolanda Penteado: gestão dedicada à arte moderna." Universidade de São Paulo, 2015. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-24112015-160811/.
Full textAbstract:
A presente investigação tem por objeto a atuação de Yolanda Penteado como gestora da arte moderna em São Paulo e no Brasil. A pesquisa pretende refletir sobre os mecanismos de gestão da arte brasileira no período entre as décadas de 1940 e 1960 - período no qual ocorrem as constituições do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM SP), do Museu de Arte de São Paulo (MASP), da Bienal de São Paulo, dos Museus Regionais e do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP), delineando o ambiente cultural e estético paulistano e o início do intercâmbio internacional através de mecenas como Francisco Matarazzo Sobrinho, o Ciccillo, Assis Chateaubriand e, particularmente, Yolanda Penteado. Discute-se o papel de Yolanda Penteado como gestora das artes modernas, ou seja, mecenas e líder na criação de coleções, eventos e instituições. Nessa direção, as estratégias metodológicas adotadas no trabalho envolvem suportes interdisciplinares, relacionando História, História da Arte, Estética e outras áreas do conhecimento. O estudo recorre à autobiografia de Yolanda - Tudo em Cor-de- Rosa -, de 1976, à biografia Yolanda, de Antonio Bivar, publicada em 2009, às cartas, aos telegramas, às fotos, aos recortes de jornais, revistas e aos documentos oficiais presentes nos arquivos particulares e institucionais, tais como: Wanda Svevo (pertencente à Bienal de São Paulo), MAC USP, MASP, Fundação Cultural Ema Gordon Klabin, entre outros. Além disso, devem ser mencionadas entrevistas com pessoas que foram próximas a Yolanda Penteado e visitas técnicas à Fazenda Empyreo, que ainda hoje guarda objetos e reminiscências de sua presença.The intention of this research is to assess the performance of Yolanda Penteado as a manager of modern art in São Paulo and Brazil and to reflect on the workings of art management in Brazil from the 1940s to 1960s, when the Museum of Modern Art of São Paulo (MAM SP), the Art Museum of São Paulo (MASP), regional museums, the Contemporary Art Museum of the University of São Paulo (USP MAC) and the Biennale São Paulo were all founded. It also aims to put her work into the context of the cultural and aesthetic environment in São Paulo at that time, during which she and other art patrons, such as Ciccillo Matarazzo and Assis Chateaubriand began international exchanges. This research explores Yolanda Penteado´s role as a manager, patron and leader of collection creation, modern art institutions and events and how her work adopts strategies and methods from various disciplines, including History, Art History, Aesthetics and other knowledge bases. Reference is made to previous publications by Antonio Bivar: All in Pink-Rose (1976), and Yolanda Biography ( 2009), letters, telegrams, photos, newspaper clippings, magazines and official documents, all of which are kept in private and institutional archives, such as: Wanda Svevo (belonging to the Bienal de São Paulo), MAC USP, MASP, and the Ema Gordon Klabin Cultural Foundation. It contains content from interviews with people who were close to Yolanda Penteado and details visits to the Empyreo farm, which still keeps objects and reminders of her presence.
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Mendes, Menezes Lucas. "Images voyageuses : photographie amateur brésilienne dans la collection de la Société française de photographie." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H080.
Full textAbstract:
La collection de photographies brésiliennes de la Société française de photographie (SFP) est composée de 150 photographies, produites entre les années 1940 et 1950 par des photographes amateurs, formellement associés à des photo-clubs au Brésil. Au-delà des appartenances esthétiques, géographiques et institutionnelles, ces images peuvent, d’abord, être divisées en deux groupes différents : celles envoyées pour la participation au Salon International d’Art Photographique en 1951 et celles exhibées en février 1960, dans le cadre d’une exposition sur la photographie brésilienne, organisée à Galerie Montalembert, espace soutenu par la SFP. L’enquête autour de collection brésilienne va impliquer l’articulation des différents parcours d’analyse. La première correspond au processus de création et d'articulation des premiers photoclubs du pays, en passant par l'organisation de la première foire nationale et la création d'un réseau entre différentes entités. Concernant la notion de photographe amateur retenue comme référence, le point de départ est le binôme "dévots" et "déviants" proposé par Pierre Bourdieu. Le deuxième parcours aborde la question de la vocation internationale, caractéristique chère aux premières institutions de ce type et qui reste un élément fondamental au milieu du XXe siècle. La principale manifestation publique du monde l’art photographique amateur concerne les salons. Les principes qui relient des différents groups de photographes amateurs se voient réfléchis dans l’organisation de ces évènements fondés par l’échange, grâce à une intense circulation d’images, mais aussi par la reconnaissance éphémère. Pour le troisième chapitre, l'échelle de l'analyse est modifiée, passant de grands événements avec des centaines d'exposants à la lecture d'images de la collection en spécifique. C'est le moment où il sera possible de mettre en évidence les principaux produits du processus de circulation et d'appropriation qu'implique l'insertion dans le monde de l'art photographique amateur. Le quatrième chapitre se concentre principalement sur l'analyse de la production des photographes présents dans les deux séries (1951 et 1960). L'intention est d'identifier les changements et les permanences, en cherchant à les relier à d'autres aspects qui ont influencé la production au cours de cette périodeThe Brazilian photography collection of the Société française de photographie (SFP) consists of 150 photographs, produced between 1940 and 1950 by amateur photographers, formally associated with photo clubs in Brazil. Beyond aesthetic, geographical and institutional affiliations, these images can be divided into two different groups: those sent for participation in the International Salon of Photographic Art in 1951 and those exhibited in February 1960, as part of an exhibition on Brazilian photography, organized at Galerie Montalembert, supported by the SFP. The investigation around the Brazilian collection will involve the articulation of the different analytical paths. The first one corresponds to the process of creating and articulating the first photoclubs in the country, including the organization of the first national fair and the creation of a network between different entities. Concerning the notion of amateur photographer as a reference, the starting point is the "devout" and "deviant" duo proposed by Pierre Bourdieu. The second route addresses the question of the international vocation, a characteristic dear to the first institutions of this type and which remained a fundamental element in the middle of the 20th century. The main public event in the world of amateur photographic art is the fairs. The principles that link different groups of amateur photographers are reflected in the organization of these events based on exchange, thanks to an intense circulation of images, but also by ephemeral recognition. For the third chapter, the scale of the analysis is modified, moving from large events with hundreds of exhibitors to reading images from the specific collection. This is the moment when it will be possible to highlight the main products of the circulation and appropriation process involved in the insertion of amateur photographic art into the world. The fourth chapter focuses mainly on the analysis of the production of the photographers present in the two series (1951 and 1960). The intention is to identify changes and permanencies, seeking to link them to other aspects that have influenced production during this period
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Oliveira, Alecsandra Matias de. "Poética da Memória: Maria Bonomi e epopéia paulista." Universidade de São Paulo, 2008. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-23042009-104853/.
Full textAbstract:
O presente estudo aborda as relações existentes entre a memória e a arte, registradas através de monumentos arquitetônicos na cidade de São Paulo, especialmente, no âmbito da arte contemporânea. Elege como instrumental de pesquisa a história da arte e seus desdobramentos estéticos, tendo como foco de análise a poética de memórias de Maria Bonomi uma das mais importantes artistas do cenário nacional. O painel Epopéia Paulista, construído a partir de ateliêresidência, em abril de 2004, no espaço expositivo do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) e que hoje se encontra no corredor de ligação entre o Metrô e a Companhia Paulista de Trens Metropolitanos (na Estação da Luz) serve como obra-referência na criação e no processo de narrativas de memórias de diversas etnias em São Paulo. A pesquisa toma Epopéia Paulista como motivação para o estudo das questões latentes no fazer artístico atual. Intenta-se um mapeamento das ligações interdisciplinares entre arte e memória a partir do registro de discussões envolvendo artistas, críticos, obras e instituições. Da análise de Epopéia Paulista emergem elementos intrínsecos à arte contemporânea, constituindo uma poética de memórias que evoca a história da cidade de São Paulo e de seus habitantes.This study deals with the relations between memory and art, especially the contemporary art seen in architectural monuments in the city of São Paulo. With this aim, the art history and its aesthetic developments are used as a tool for the research, focusing on the poetics of memories by Maria Bonomi one of the most important artists of the national artistic circuit. The Epopéia Paulista panel (São Paulos Epic Panel), which was built in a residence-studio in April 2004 in the exhibition room of the Museum of Contemporary Art of the University of Sao Paulo (MAC USP), and currently located in the passageway that joins the subway (Luz Station) to the São Paulos Company of Metropolitan Trains, works as a reference artwork to the creation and process of narratives of memories of the different ethnic groups in São Paulo. The research uses the Epopéia Paulista as motivation for the study of current issues in the artistic field. The intention here is to map the interdisciplinary relations between art and memory using records of debates involving artists, critics, artworks and institutions. Elements that are intrinsic to the contemporary art arise from the analysis of the Epopéia Paulista, constituting a poetics of memories that evokes the history of the city of São Paulo and its inhabitants.
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Oliveira, Gilberto Maringoni de. ""Angelo Agostini ou impressões de uma viagem da corte à capital federal (1864 - 1910)"." Universidade de São Paulo, 2006. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8138/tde-15092006-231444/.
Full textAbstract:
Este estudo procura investigar e interpretar a trajetória artística, jornalística, política e intelectual do caricaturista ítalo-brasileiro Angelo Agostini (1843-1910). Sua estréia profissional, em São Paulo, coincide com o início da Guerra do Paraguai, em 1864, e seus últimos trabalhos acontecem quando a República oligárquica está consolidada, em 1908. Agostini assiste à decadência das últimas engrenagens do Império, assentado no trabalho escravo e na grande propriedade da terra e, em seguida, testemunha o advento da República e a nova inserção do Brasil no mercado internacional, através do fornecimento de matérias-primas aos países centrais e da entrada maciça de capitais externos aqui. Esteticamente, ele foi o principal artista gráfico em atividade, no Brasil, na segunda metade do século XIX e realizador de alguns marcos na história da imprensa brasileira, como a Revista Illustrada. Introdutor das histórias em quadrinhos entre nós, deixou como legado uma obra vasta, diferenciada e irregular. No plano político, foi um ativista na luta pela Abolição da escravatura. Nosso propósito é evidenciar como as transformações empresariais e técnicas na atividade de imprensa interferem no trabalho das artes gráficas. Ao mesmo tempo, tentaremos examinar em que consistiu a militância política de Agostini no âmbito jornalístico, quem eram seus parceiros, com quais setores de classe se articulava e qual o significado da campanha abolicionista para uma parcela da elite urbana.This work intends to research and interpret the artistic, journalistic, political and intellectual career of the Italian-Brazilian cartoonist Angelo Agostini (1843-1910). His professional debut takes place in 1864, in São Paulo, when the Paraguay War was beginning, and his last works are published when the Oligarchic Republic is already consolidated, in 1907. Agostini witnesses the decay of the Brazilian Empire´s last ties - supported by slave work and large landed states. Following that, he also sees the raising of the Republic and Brazil´s new insertion in the international market - supplying raw material to central economies, and the massive income of external capital into the country. Esthetically wise, he was the main graphic artist at work in the second half of the nineteen century in Brazil. He accomplished some deeds in the history of the Brazilian press, such as the Revista Illustrada. Agostini was also the first one to introduce comic narrative into the country and his legacy was a vast artistic creation although diversified and irregular. In the political field, he was an activist in the struggle for the abolition of slavery. The objective of this study is to point out how business and technical changes in press activities interfere in the final work - the graphic work. Along with that, we also try to investigate how Agostini performed his political action in the journalistic milieu, who his partners were, which class sectors he was connected with, and what the abolitionist campaign meant for a sector of the white urban elite.
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Junior, Gilton Monteiro dos Santos. "Eduardo Sued: Minotauros." Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2008. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=1172.
Full textAbstract:
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível SuperiorA pintura de Eduardo Sued se caracteriza por uma variedade de soluções e um procedimento radicalmente assistemático. Observando o método de ação adotado pelo pintor, propõe-se uma análise crítica e interpretativa de sua produção apoiado em duas noções centrais, logicamente relacionadas: o desvio e o labirinto. Compreendida como estratégia revisionária, o desvio condiz à aspectos estritos à operação da pintura, no tocante à maneira como Sued lida com a tradição e principalmente como conduz a experiência da pintura nos termos de sua atualidade. O segundo conceito, labirinto, confere caráter às conseqüências produzidas por esta experiência, senão à experiência mesma, consistindo aí a unidade da produção. Neste aspecto, o labirinto estará presente tanto naquele momento que concerne às relações intra-poéticas, quanto na possibilidade aberta de se interpretar esta obra, seja em partes, seja em seu conjunto. A idéia de reconstrução deriva desse processo vivo e fragmentado da pintura. Reconstruir é buscar sentidos possíveis para a pintura hoje, algo que legitime seu papel no mundo contemporâneo, sem pretender, evidentemente, encerrar-se em dogmas. Repondo os termos de uma herança construtiva vigente na obra, as noções de desvio/labirinto revelam vínculos com certa tradição moderna, sem deixar de inserir e apontar nesta pintura os dilemas da contemporaneidade, que lhe são próprias
Eduardo Sueds paintings are underlined for kinds of results and a radical unsystematic process. Seeing the painters action method we propose a critic and interpretative analyses of his production. We use two ideas for it. The first is the swerve and the second is the labyrinth. The swerve is a strategic revision that suits with the operation of painting, demonstrating the mode as Sued works the tradition and labyrinths idea ascribe the character to the form of experience, its image, residing there the unit of production. Thus the labyrinth will be present as in intra-poetics relations moment as in possible way to interpret this work. The reconstruction idea comes of its lively and broke process to paint to reconstruct possible meanings to the painting today something that it will do lawful at the contemporaneous world no to intend to reduce it for dogmas. The labyrinths and swerve ideas discover links to the modern tradition through their constructive heritage. And they dont leave to replace and to underline in these paintings contemporaneous dilemmas that are theirs
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Silva, Maria do Carmo Couto da. "Rodolfo Bernardelli, escultor moderno = análise da produção artítica e de sua atuação entre a Monarquia e a República." [s.n.], 2011. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/280542.
Full textAbstract:
Orientador: Luciano MigliaccioTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-17T13:16:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_MariadoCarmoCoutoda_D.pdf: 88905634 bytes, checksum: 83b1638fc2dd25fabb53042dce9158cb (MD5) Previous issue date: 2011
Resumo: Nossa tese de doutorado tem por objetivo contribuir para 0 conhecimento acerca da historia da arte brasileira do final do século XIX e começo do XX, por meio da analise de obras e dos momentos que marcaram a trajetória do escultor Rodolfo Bernardelli (1852-1931). O jovem aluno da Academia Imperial de Belas Artes começa a ganhar destaque no cenário das artes nacionais a partir da sua participação nas Exposições Gerais de Belas Artes, na década de 1870. Apos um período de estudo na Europa, o artista retornou ao Brasil em 1885 e por seus trabalhos realizados no exterior, foi denominado pela critica como artista moderno, recebendo as principais encomendas monumentais da época. Bernardelli foi o principal escultor da primeira década republicana no Brasil e Primeira Republica e atuou como diretor da Escola Nacional de Belas Artes - ENBA, por cerca de 25 anos.
Abstract: Our aim in this thesis is to contribute to the knowledge of the history of Brazilian Art between the end of the 19th century and the beginning of the 20th century through the study of the works and the life moments of the sculptor Rodolfo Bernardelli (1852-1931). The young pupil of the Imperial Academy of Fine Arts begun to gain attention from the national art realm after his participations, along the 187 O's, at General Fine Arts Exhibitions. In 1885, after a period of studies in Europe, the artist returned to Brazil and was then acclaimed as a modern artist by the critics because of the pieces produced abroad. He then received the main monumental commissions of the period. Bernardelli was the main sculptor of Brazil during the first decade of the Republic and was the director of the National School of Fine Arts - ENBA, during almost 25 years.
Doutorado
Historia da Arte
Doutor em História
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Silva, Maria do Carmo Couto da. "A obra Cristo e a mulher adultera e a formação italiana do escultor Rodolfo Bernardelli." [s.n.], 2005. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/281531.
Full textAbstract:
Orientador: Luciano MigliaccioDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-04T03:41:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_MariadoCarmoCoutoda_M.pdf: 14705585 bytes, checksum: 9a33d39acb6de8040e84e55c5ed42dad (MD5) Previous issue date: 2005
Resumo: Esta pesquisa enfoca o grupo escultórico monumental Cristo e a mulher adúltera, de Rodolfo Bernardelli (Guadalajara, México, 1852 ¿ Rio de Janeiro RJ, 1931). Realizado em Roma entre 1881 e 1884, é considerado pela crítica como a sua obra-prima. Nosso projeto procurou estabelecer ligações entre essa escultura, outras obras do artista no mesmo período e a arte italiana e francesa contemporânea. Outro objetivo desse projeto foi a análise da importância do estágio italiano do escultor, enquanto pensionista da Academia Imperial de Belas Artes do Rio de Janeiro em Roma, entre 1877 e 1885, para melhor conhecimento acerca da vertente realista a qual o artista se filiou. Além de procurar inserir a produção de Rodolfo Bernardelli no contexto histórico e artístico em que foi realizada, nos últimos anos do Segundo Reinado, a pesquisa buscou a compreensão do papel desses trabalhos na constituição da cultura visual do Brasil daqueles anos
Abstract: This research deals with Rodolfo Bernardelli's (Guadalajara, Mexico, 1852 - Rio de Janeiro, Brazil, 1931) monumental group of sculptures called "Christ and the adulteress". Sculpted in Roma between 1881 and 1884 it is considered by the critics as his master piece. Our project intends to stablish links among this sculpture, some other works of the artist made in the same period and the contemporary French and Italian arts. Another aim of this project was to analize Bernardelli's Italian apprenticeship, sponsored by the Academia Imperial de Belas Artes do Rio de Janeiro in Rome between 1877 and 1885, in order to grasp better understanding of the realistic school to which the artist connected himself. Besides aiming to insert Rodolfo Bernardelli's work on the historical context of its production, that is the last years of the Second Reign, this research tried to understand the role played by his sculptures on the formation of Brazilian's visual culture during those years
Mestrado
Historia da Arte
Mestre em História
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Uhle, Ana Rita 1978. "Monumentos celebrativos : aproximações entre arte e história (1925-1963)." [s.n.], 2013. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/321726.
Full textAbstract:
Orientador: Cristina MeneguelloTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-22T14:20:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Uhle_AnaRita_D.pdf: 63497212 bytes, checksum: dc6c983c8e0ed7f1fa84f870912a25e3 (MD5) Previous issue date: 2013
Resumo: Este estudo versa sobre os processos que envolvem a idealização e construção de monumentos celebrativos na cidade de São Paulo ao longo do século XX. São analisadas quatro obras cujas narrativas tratam de episódios da história colonial paulista: o Monumento à Glória Imortal dos Fundadores de São Paulo, o Monumento às Bandeiras, o Monumento à Fundação de São Paulo e o Monumento a Anchieta. Por meio de um conjunto de documentos produzidos nos concursos públicos, em debates na imprensa, trocas de correspondências e memórias, busco compreender como essas obras foram fabricadas, desde o surgimento da idéia até as estratégias para sua viabilização, levando em conta os diversos conflitos nos momentos de definição do tema, da concepção formal ou da versão escolhida sobre o episódio comemorado. Havia uma pluralidade de interesses que operava na realização desses projetos de monumentos: do escultor, do conselheiro iconográfico, de agentes do poder público, de jornalistas ou de historiadores. A proposta dessa tese é a de construir uma história social dos monumentos celebrativos, do diálogo e das trocas que aconteciam ao longo de sua construção, ao perceber os personagens e analisar as obras como frutos de um processo intensamente negociado
Abstract: This study deals with the process involved in the idealization and construction of four celebration monuments at the city of São Paulo during the twentieth century, all related with episodes of the colonial history of São Paulo: the Monumento à Glória Imortal dos Fundadores de São Paulo, the Monumento às Bandeiras, the Monumento à Fundação de São Paulo and the Monumento a Anchieta. Through a set of documents produced either during the public contest, in press debates, correspondence exchanges or in memoirs, I seek to understand how these monuments were produced from the initial idea to the strategies for their development, taking into account the wide range conflicts such as the formal conception or the version of the celebrated episode. I found a wide range of distinct interests that guided the realization of monument's projects: the will of the sculptor, the government iconographic advisor, journalists or historians. The purpose of this thesis is to build a social history of the monuments celebration from the dialogue and exchanges that took place during its construction, to understand the characters and analyze the monument as result of an intensely negotiated process
Doutorado
Politica, Memoria e Cidade
Doutora em História
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Negrisolli, Douglas. "Os salőes de arte contemporânea de Santo André : de 1968 a 1985." Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2011. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/2687.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2016-04-18T21:31:30Z (GMT). No. of bitstreams: 3
Douglas Negrisolli1.pdf: 15467342 bytes, checksum: e28188407ce3fb631e2271e8e341487e (MD5)
Douglas Negrisolli2.pdf: 28375136 bytes, checksum: ddd16f90c5afd2603cac442f06126b54 (MD5)
Douglas Negrisolli3.pdf: 9875290 bytes, checksum: 6a441ed577956d92bbf1658ddb7d2aae (MD5)
Previous issue date: 2011-11-10Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This research deals with the beginning of the Halls of Contemporary Art in Santo André, in the Greater ABC region in São Paulo when he was conceived at the time and that the event is inserted in the calendar of Arts nationally. The Halls of Contemporary Art in Santo André collaborate with the construction of the art scene noting the national production and becoming an important disseminator of the art forward processes of democratization in the period of military rule. The work consists the construction of a historiography of art fairs including artists winners of the "Purchase Awards" from its inception in 1968 when it occurred, until 1985 when the Halls are still in the midst of discussions on political and social epicenter of the construction of a new democracy. Social movements in the region ABC Paulista and collaborate to culminate the process of democratization and reach its peak when the National Congress approves and guarantees universal suffrage direct elections for mayor and president
Esta pesquisa trata sobre o início dos Salões de Arte Contemporânea de Santo André, na região do Grande ABC em São Paulo quando foi concebido e no momento que o evento é inserido no calendário das Artes nacionalmente. Os Salões de Arte de Santo André colaboram com a construção da cena artística relevando a produção nacional e tornando-se um importante difusor da arte frente os processos de redemocratização no período do regime militar. O trabalho consiste na construção de uma historiografia dos Salões de Arte incluindo os artistas ganhadores dos Prêmios Aquisição a partir de 1968 quando ocorreu sua criação, até 1985 quando os Salões continuam em meio as discussões político-sociais no epicentro da construção de uma nova democracia. Os movimentos sociais na região do ABC paulista culminam e colaboram para os processos de redemocratização e atingem seu ápice quando o Congresso Nacional aprova o voto universal e garante as eleições diretas para prefeito e presidente
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Fernandes, Ana Candida Franceschini de Avelar. "Artistas plásticos no Suplemento Literário de O Estado de São Paulo (1956-1967)." Universidade de São Paulo, 2007. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8149/tde-30012008-113224/.
Full textAbstract:
O Suplemento Literário de O Estado de S. Paulo (SLOESP), caderno não só literário, mas artístico da mais alta importância no campo cultural brasileiro, foi criado pelo professor Antonio Candido Mello e Souza, em 1956, e dirigido por Décio de Almeida Prado, até 1966. Italo Bianchi, indicado por Gilda de Mello e Souza, responsabilizou-se pelo projeto gráfico que refletia o tom do projeto do professor. Em 8 de abril de 1967, o projeto original foi substituído por um novo. Esta pesquisa visa catalogar e discutir as ilustrações publicadas pelo SLOESP, desenhos e gravuras de vários artistas, entre os anos de 1956 e 1967. As autônomas, impressas na capa, buscam divulgar as obras e enriquecer a página; as associadas, estas inéditas, acompanham contos, poemas e artigos. Na época, jovens como Renina Katz, Marcelo Grassmann, Fernando Lemos e Antonio Lizárraga apresentaram trabalhos ao lado de nomes consagrados como Di Cavalcanti, Portinari, Lívio Abramo e Flávio de Carvalho, constituindo um total de 157 artistas. A seleção desses colaboradores era tarefa de Almeida Prado, Bianchi e Lourival Gomes Machado, crítico de artes plásticas do Suplemento. Um catálogo digital acompanha a dissertação, com a reprodução das 966 ilustrações em alta resolução, possibilitando a leitura dos textos que com elas convivem, além de dados sobre as obras como autor, título, medidas, data de publicação e técnica e, no caso das associadas, autor e título do texto. Entrevistas, verbetes sobre os artistas e notas de pesquisa completam o catálogo.The Literary Supplement of the O Estado de S. Paulo newspaper (SLOESP), created by the Professor Antonio Candido Mello e Souza in 1956 and directed by Décio de Almeida Prado until 1966, was not only a literary but also an artistic production of the utmost importance as far as the Brazilian cultural field is concerned. Suggested by Gilda de Mello e Souza, Italo Bianchi was responsible for its graphic project which was replaced by a new one in April, 8th 1967. This present research\'s main objective is to catalog and discuss illustrations, drawings and printings, produced by many artists and published by the SLOESP between the years of 1956 and 1967. The autonomous kind of works, printed on the front page, aims at popularizing works and adorning the page; the associated ones accompany short stories, poems and articles. At that time, young artists such as Renina Katz, Marcelo Grassmann, Fernando Lemos and Antonio Lizárraga presented their works as well as some other already famous names such as Di Cavalcanti, Portinari, Lívio Abramo e Flávio de Carvalho. The selected material comprises works of 157 artists. The selection of the collaborators was done by Almeida Prado, Bianchi and Lourival Gomes Machado, SLOESP\'s art critic. A digital catalog accompanies the dissertation, with the reproduction of the 966 illustration in high resolution, which also enables the reading of the texts, including some information about them including author, title, dimensions, publication date and technique and, for the associated kind, author and title of the text. Interviews, entries and research notes complete the catalog.
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Oliveira, Edilaine Matos de. "Herstory: representações de histórias de vida por mulheres artistas brasileiras desde a segunda metade do século XX." Master's thesis, Universidade de Évora, 2020. http://hdl.handle.net/10174/27793.
Full textAbstract:
O Relatório de Trabalho de Projecto Herstory: Representações de
histórias de vida por mulheres artistas brasileiras desde a segunda metade do
século XX teve como objectivo principal investigar de que modo e em que
contexto social e cultural, desde meados do século XX aos nossos dias, as
mulheres artistas brasileiras representaram e deram visibilidade às suas
histórias de vida e de outras minorias através dos seus trabalhos artísticos.
Esta investigação teve como pano de fundo as artes visuais e a história
de arte, e como objecto de estudo as obras das artistas brasileiras Ligia Clark,
Lygia Pape, Márcia X, Adriana Varejão, Fabiana Faleiros e Priscila Rezende. As
suas obras, serviram como inspiração das instalações fotográficas e
performances que realizei ao longo do Curso de Mestrado em Práticas Artísticas
em Artes Visuais.
O meu percurso académico na área do marketing e do jornalismo, seguido
de um historial profissional como radialista, jornalista e fotógrafa, levaram-me a
explorar diferentes possibilidades de expressão através da fotografia e da
performance corporal, de forma a conseguir alcançar públicos de leitores e de
ouvintes distintos. Nesse sentido, a motivação para esta pesquisa e a escolha
da performance e da fotografia como suporte das minhas obras nasceu de
experiências vividas ao longo do meu percurso pessoal e profissional.
Estes trabalhos artísticos centraram-se em um conjunto de questões e
reflexões, ligadas às minhas experiências e vivências pessoais e profissionais
enquanto mulher, brasileira, imigrante, estudante de belas-artes e fotógrafa. Esta
pesquisa socorreu-se das análises e de conceitos das pensadoras e
historiadoras Heloísa Buarque de Hollanda, Linda Nochlin, Roberta Barros e,
Ana Gabriela Macedo; ABSTRACT:
The Herstory Project Work Report: Representations of life stories by
Brazilian women artists since the second half of the twentieth century aimed to
investigate how and in what social and cultural context, from the mid-twentieth
century to our day, Brazilian women artists represented and gave visibility to their
life and other minority stories through their artwork.
This research had as background the visual arts and art history, and as
object of study the works of the Brazilian artists Ligia Clark, Lygia Pape, Márcia
X, Adriana Varejao, Fabiana Faleiros and Priscila Rezende. His works served as
inspiration for the photographic installations and performances that I conducted
during the Master Course in Artistic Practice in Visual Arts.
My academic background in marketing and journalism, followed by a
professional background as a broadcaster, journalist and photographer, led me
to explore different possibilities of expression through photography and body
performance, in order to reach readers and readers alike. from distinct listeners.
In this sense, the motivation for this research and the choice of performance and
photography as support for my works was born from experiences lived along my
personal and professional career.
These works focused on a set of questions and reflections, linked to my
personal and professional experiences as a woman, Brazilian, immigrant, student
of fine art and photographer. This research used the analysis and concepts of
thinkers and historians Heloísa Buarque de Hollanda, Linda Nochlin, Roberta
Barros and Ana Gabriela Macedo
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Ferrari, Paula. "Manoel Araújo Porto-alegre, reflexões sobre o historiador." Universidade Federal de Juiz de Fora (UFJF), 2009. https://repositorio.ufjf.br/jspui/handle/ufjf/2747.
Full textAbstract:
Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-10-05T20:46:34Z
No. of bitstreams: 1
paulaferrari.pdf: 1149376 bytes, checksum: c13347df748b719cafec13b86c98152d (MD5)Approved for entry into archive by Diamantino Mayra (mayra.diamantino@ufjf.edu.br) on 2016-10-06T12:31:27Z (GMT) No. of bitstreams: 1 paulaferrari.pdf: 1149376 bytes, checksum: c13347df748b719cafec13b86c98152d (MD5)
Made available in DSpace on 2016-10-06T12:31:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 paulaferrari.pdf: 1149376 bytes, checksum: c13347df748b719cafec13b86c98152d (MD5) Previous issue date: 2009-09-23
CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Os textos de Manoel de Araújo Porto-Alegre (1806-1879) são as primeiras reflexões sobre história da arte, e sobre história da arte brasileira. Imerso nas preocupações da construção de narrativas nacionais da escrita da história oitocentista e sócio do Instituto Histórico e Geográfico Brasileiro (IHGB), transformou a arte em potência histórica utilizando-se da sua formação na Academia Imperial de Belas Artes e da experiência vivida no Instituto Histórico de Paris. Porto-alegre compreendeu a arte como expressão de seu tempo, conferindo-lhe historicidade, mas também como a materialização de um Espírito nacional- materialização física, técnica e moral - sujeita as limitações do estágio que a sociedade produtora se encontrava. Desta forma, a necessidade de estabelecer um passado para a arte nacional e da compreensão da arte historicizada, pode ir além do horror que a estética neoclássica de sua formação tinha pelo Barroco. Relativizou as teorias raciais da época e resgatou do esquecimento nos arquivos paroquiais os artistas coloniais brasileiros.
The texts of Manoel de Araújo Porto-Alegre (1806-1879) are the first reflections on art history, and brazilian art history. Immersed in the concerns of the construction of national narratives of nineteenth history writing and partner Instituto Histórico e Geográfico Brasileiro (IHGB), made art historical potency using their training at the Academia Imperial de Belas Artes and experience in the Historical Institute Paris. Porto-alegre understood art as an expression of its time, giving it historicity, but also as the embodiment of a Spirit national materialization physical, technical and moral - subject to the limitations of the stage that the production company was. In this way, the need to establish a past national art and historicized understanding of art, can go beyond the neoclassical aesthetic horror that his formation had the Baroque. Relativized racial theories of the time and rescued of forgetfulness in the parish archives colonial Brazilian artists.
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Ribas, Elisabete Marin. "Giz, caneta e pincel: Literatura e História da Arte nas aulas do professor Osman Lins." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8151/tde-26062012-164222/.
Full textAbstract:
Osman Lins, escritor pernambucano, em 1970, ao ser convidado a assumir a cadeira de Literatura Brasileira na Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras de Marília (atual UNESP), propõe a seus alunos experiências didáticas inovadoras para a época. Dentre elas constou um curso extracurricular, de História da Arte. Tal curso, gravado em fitas cassetes pelo escritor, hoje salvaguardadas no Arquivo do Instituto de Estudos Brasileiros, é composto de aulas audiovisuais que ilustravam o conteúdo programático, narrado por Osman Lins. Na presente pesquisa, esse material foi transcrito e parte das imagens recuperadas. Junto dos planos de aulas de Literatura Brasileira, o Curso de História da Arte, traz à luz um novo lado do escritor, que em sala de aula, permaneceu firme aos seus ideais literários.When Osman Lins, a writer from Pernambuco, was invited to take the chair of Brazilian Literature in Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras de Marília (today UNESP), he proposed to his students didactic approaches that were innovative at the time. Among them he included an extracurricular course of Art History that was recorded in tapes which nowadays are kept in the Archive of the Instituto de Estudos Brasileiros. That course is structured of audiovisual classes in which images illustrated the content presented by Osman Lins. In our research the original audio was transcribed and most of the base images was recovered. Along with the lessons plans of Brazilian Literature, the course of Art History bring to light a new face of the author, who in class maintained alive his literary ideals
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Carvalho, Fontes Larissa Yelena. "Anthropologie d'un musée silencieux : la Collection Persévérance et les enjeux de mémoire autour du "xangô alagoano" (Maceió - Brésil)." Thesis, Lyon, 2019. http://www.theses.fr/2019LYSE2071.
Full textAbstract:
La présente thèse a comme objet central la Collection Persévérance, un ensemble d’objets qui ont été volés des maisons de culte afro-brésilien à Maceió, capitale de l’État d’Alagoas, au Nord-est du Brésil. Le pillage de ces objets s’est produit dans un épisode de répression politique-religieuse survenu en 1912 et connu comme Quebra de Xangô. Cette Collection est abritée par le Musée de l’Institut Historique et Géographique d’Alagoas et depuis son pillage, elle n’a pas été objet d’études scientifiques. Ainsi, cette recherche a essayé de combler les lacunes existantes sur le sujet, en traçant son parcours jusqu’à présent et en démontrant les grandes transformations vécues par le culte du xangô alagoano, à la fois au niveau liturgique et rituel. Pour la production de l’inventaire de la Collection Persévérance, un travail d’investigation a été mené pour essayer de trouver les usages originaux et référencer dûment les pièces. Cette investigation a été réalisée avec la participation de la communauté religieuse afro-brésilienne, en privilégiant leur savoir traditionnel, leur mythologie et leur système cosmologique pour découvrir et construire la biographie de ces objets. De cette manière, le xangô alagoano est ici présenté, en retraçant ses particularités, fruit de mes dix ans d’expérience de terrainThe central object of this thesis is the “Persévérance” Collection, a group of pieces that were stolen from Afro-Brazilian houses of worship in Maceió, capital of the state of Alagoas, in the northeast of Brazil. The pillaging of these objects occurred in an episode of political-religious repression in 1912, known as Quebra de Xangô. This Collection is exposed by the Museum of the Historical and Geographical Institute of Alagoas and since its pillage it has not been subject of any scientific studies. In this way, this research has tried to fill the existing gaps on the subject, tracing its path so far and demonstrating the great transformations experienced by the worship of xangô alagoano, both at the liturgical and ritual levels. For the production of those objects inventory an investigation was carried out to try to find the original uses and toproperly reference the pieces. This investigation was produced with the participation of the Afro-Brazilian religious community, focusing on their traditional knowledge, mythology and cosmological system to discover and construct the biography of those objects. Therefore, the xangô alagoano is presented here, tracing its peculiarities, fruit of my ten years of field experience
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Galve, Fernanda Rodrigues. "De um porto a outro: um navegar histórico no multiverso da vida e obra de João Cabral de Melo Neto." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2012. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/12734.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2016-04-27T19:30:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1
Fernanda Rorigues Galve.pdf: 920021 bytes, checksum: 7128fc7dae8c7d7e70c4fa0aa97ec0b6 (MD5)
Previous issue date: 2012-05-23Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This thesis is a navigation in the multiplicity of João Cabral de Melo Neto´s life and work. The anchorage of the research is in the visibility of the poetic work with the approach of its meanings and mediations in the sea of History. It attempts to reflect how the ability of artistic praxis holds itself a political and historical dimension. The thesis presents the story of a man that when experiences the literature´s fascinations and challenges, adds them to the reflexion in his dialog with several societies and friends. We have an anthology of great moments of the author (either as a diplomat, critic, historian, printer and man of words). A true nautical letter on art, literaly creation, societies, politics and, of course, life. This thesis elapses the life of a man who records and "dwells time" and learns which is lived in poetic words
Esta tese é uma navegação no multiverso da vida e obra de João Cabral de Melo Neto, cujo ancoramento está na visibilidade do trabalho poético com a aproximação de seus significados e mediações no mar da história. Busca-se refletir como a capacidade da práxis artística comportar em si uma dimensão política e histórica. A tese apresenta a história de um homem que, ao experimentar os fascínios e os desafios da literatura, soma-as à reflexão em seu diálogo com várias sociedades e amigos. Temos uma antologia de grandes momentos do autor (seja como diplomata, crítico, historiador, impressor e homem da palavra). Uma verdadeira carta náutica sobre arte, criação literária, sociedades, política e, claro, a vida. Esta tese transcorre a vida de um homem que registra e habita o tempo e apreende o que é vivido em palavras poéticas
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Moreira, Altamir. "A Morte e o além : iconografia da pintura mural religiosa da região central do Rio Grande do Sul (século XX)." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2006. http://hdl.handle.net/10183/7181.
Full textAbstract:
Este trabalho analisa pinturas murais religiosas sobre temáticas relacionadas à morte e ao além, encontradas em igrejas católicas da região central do Rio Grande do Sul. Pinturas realizadas ao longo do século XX e selecionadas com base em amostragem reunida em arquivos fotográficos representativos de 192 municípios. A partir de uma abordagem iconológica, busca entender: como os modelos iconográficos europeus foram retomados pelo muralismo religioso regional. Para tanto, identifica a origem dos principais temas escatológicos representados, bem como algumas das fontes visuais utilizadas, compostas, sobretudo, por gravuras que reproduzem temas religiosos de obras dos séculos XV ao início do século XX. Entre as formas evitadas pelo muralismo rio-grandense destacam-se: alusões à nudez, poses com pouco dinamismo, e gestos considerados constrangedores para os padrões morais da região. Nas formas incluídas, destacam-se as poses com expressão gestual mais acentuada, vestes moralizantes e detalhes zoomórficos na figuração de demônios. Enquanto que o conjunto das formas preservadas aponta para um predomínio dos gestos representativos de emoções intensas. Com base nos estudos de Aby Warburg sobre a influência da empatia no resgate de configurações emotivas, e a partir do resultado das análises formais, foi estruturada a proposição principal desta pesquisa. Proposição que procura evidenciar uma relação entre a eficiência empática dos antigos gestos de ações passionais e a conseqüente preservação desses no muralismo religioso escatológico regional.This work analyzes paintings murais on themes related to the death and to the beyond found at Catholic churches of the central area of Rio Grande do Sul. These paintings accomplished along the century XX there were selected from the sampling gathered in representative photographic files of 192 municipal districts. Starting from an iconological approach it looks for to understand: How the European iconographic models were retaken by the regional religious mural painting . For so much, it identifies the origin of the main eschatological themes represented and some of the visual sources used, which were composed, above all, for engravings that reproduce religious themes from works of art originated between the century XV and the beginning of the century XX. Among the forms avoided by the mural paintings of Rio Grande do Sul stand out: allusions to the nakedness, pose with little dynamism, and gestures considered constraining for the moral patterns of the region. In the included forms, there are poses with gesture expression more accentuated, zoomorphic details in the demons' figuration, and moralized garments, while the group of preserved forms appears for a prevalence of the representative gestures of intense emotions. With base in Aby Warburg's studies ou the influence of the empathy in the rescue emotional configurations, and starting from the result of the formal analyses, the main proposition of this research was structured . Proposition that tries to evidence a relationship: that links the emphatic efficiency of the old gestures of passionate actions and the consequent preservation of those in the regional religious mural paintings.
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Jesus, Diana Vaz de [UNESP]. "Apropriação e inserção na contra-arte da geração AI-5." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2010. http://hdl.handle.net/11449/86892.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2010-12-17Bitstream added on 2014-06-13T20:49:04Z : No. of bitstreams: 1
jesus_dv_me_ia.pdf: 3843326 bytes, checksum: f6400c5bee7f7f889be36cabedca2097 (MD5)Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Este trabalho tem como objeto de pesquisa obras de artistas brasileiros, que nas décadas de 1960 e 1970 produziram seus trabalhos utilizando como procedimento artístico a apropriação e também a (re) inserção de suas obras no cotidiano. Dentre os que mais se destacaram nesta prática no período estudado, selecionaram-se para análise os artistas: Nelson Leirner, Cildo Meireles e Antonio Manuel. Definindo melhor o conceito de apropriação e retomando a história desse procedimento na arte foi possível fazer um levantamento de questões que este tipo de prática aponta e as mudanças de paradigma que ocasionou. Desde os readymades de Duchamp aos détournement dos situacionistas, a prática da apropriação problematizou questões como a autoria do artista e a própria natureza da arte. Como o suporte de tais obras são objetos do cotidiano, foi também analisada a questão do que definiria um objeto apropriado como obra de arte, tendo como base teórica a definição de arte de Arthur C. Danto (A Transfiguração do lugar-comum). Partindo para a arte brasileira, buscaram-se as primeiras manifestações desta prática para verificar sua adaptação aos ideais de arte nacional. Retomando o contexto sócio-políticoeconômico dos anos 1960 e 1970, em particular o período do AI-5, foi possível analisar se tal contexto influenciou na criação das obras dos artistas analisados. Tendo como referência o termo ‘contra-arte’ - cunhado pelo crítico Frederico Morais para referir-se à arte da geração AI-5 - verificou-se que esses artistas somaram a contestação política à contestação da própria arte, residindo neste último seu verdadeiro legado
The purpose of this work is to research the artwork of Brazilian artists, that in the 60`sand 70´s produced their artworks using as artistic procedure the appropriationand also the(re)insertionof theirartworks in the everyday life. Among those whostood out in the researched period, the following artists were chosen: Nelson Leirner, Cildo Meireles e Antonio Manuel. Better defining the concept of appropriationand retaking thehistory of this procedurein the arts,itwas possible to arise questions that this kind of process caused andthe changes in theparadigmthat it brought on. Since Duchamp´s readymades until the détournement of the Situationists, the appropriation practice brought problematic situations, as theartist`s authorship and the own nature of art. As thesupportfor that artworksare everyday lifeobjects, it was analyzed whatwould defineanappropriated object asan artwork, taking as a theorist reference, the definition of art of ArthurC.Danto (The transfiguration of the commonplace). Forthe Brazilian art, the first manifestations of this kindof art were researchedto see its adaptation to the ideals of national art. Taking into consideration the social,politicaland economic contextof the 60´s and 70´s mainly theAI-5 period, itwas possible to verify if thatcontext influenced theartwork creation of the researched artists. Having as reference the term ‘contra-arte’ – created bythe criticFredericoMorais to refer to the art of AI-5 generation,it wasconcluded that those artists added the political contestation to the contestation of the art itself, being the latter their true legacy
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Cianciarulo, Adriana Quilici Barreto. "Materiais usados como pigmento no período colonial brasileiro." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2014. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/13300.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2014-12-10Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
Based on the history of science, this research aimed to discover the materials used as pigment and the specificities of colonial Brazilian artistic production through literature related to decorative arts of the period. To achieve some of those materials we‟ve referred the treatises on painting of the italians Cennino Cennini‟s Trattato della Pittura (c. 1398) and Giorgio Vasari‟s Le Vite de più eccelenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue, insino a tempi nostril (1550); of the portugueses Filipe Nunes‟s Arte da Pintura, Symetria e Perspectiva (1615); as well as the dictionary of terms of Rafael Bluteau‟s Vocabulario Portuguez e Latino (1712) and the text Segredos necessarios para os officios, artes e manufacturas, e para muitos objectos sobre a economia domestica (1794). We also observed artistic knowledge present in some of the books published by the Casa Literária do Arco do Cego and partner publishers (1799 to 1801). Several elements to the composition of this research came from contemporary studies in the areas of architecture and conservation restoration related to Jesuit constructions of art and colonial painting and scientific analyses of these materials
Com base na História da Ciência, esta pesquisa buscou conhecer os materiais usados como pigmento e as especificidades da produção artística colonial brasileira a partir da literatura referente às artes decorativas do período. Para conhecer um pouco sobre esses materiais, percorremos os tratados de pintura dos italianos Cenino Cennini, Trattato della pittura (c.1398), e Giorgio Vasari, Vida dos artistas (1550); dos portugueses Felipe Nunes, Arte da pintura, symetria e perspectiva (1615); assim como o dicionário de termos de Rafael Bluteau, Vocabulario portuguez e latino... (1712), e o texto Segredos necessarios para os officios, artes e manufacturas, e para muitos objetos sobre a economia doméstica (1794). Recorremos também aos conhecimentos artísticos presentes em alguns dos livros publicados pela Casa Literária do Arco do Cego e por editoras parceiras (1799 a 1801). Diversos elementos para a composição desta pesquisa vieram ainda dos estudos contemporâneos das áreas de arquitetura e conservação e restauração relacionados às construções jesuíticas, à arte e à pintura colonial e às análises científicas desses materiais
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Doria, Kim Wilheim. "O horror não está no horror: cinema de gênero, anos Lula e luta de classes no Brasil." Universidade de São Paulo, 2016. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27161/tde-09032017-104856/.
Full textAbstract:
Este trabalho se propõe a interpretar o diálogo travado por obras do cinema brasileiro contemporâneo com o repertório do cinema de gênero. A partir de questões suscitadas pela análise fílmica de obras como O invasor (Beto Brant, 2002) e Trabalhar cansa (Juliana Rojas e Marco Dutra, 2011), procura-se refletir sobre o discurso totalizador operado formalmente no cinema contemporâneo de ficção, os valores canônicos de nossa tradição crítica e sua relação com os gêneros cinematográficos e sobre a dinâmica sociopolítica na história recente do país.This work aims to interpret the dialogue made by works of contemporary Brazilian cinema with the repertoire of genre cinema. As from issues raised by film analysis of works such as The Trespasser (Beto Brant, 2002) and Hard Labour (Juliana Rojas and Marco Dutra, 2011), it seeks to reflect on the totalizing discourse formally operated in the contemporary fiction cinema, on the canonical values of our critical tradition and its relation to film genres and on the socio-political dynamics in Brazil\'s recent history.
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Viegas, Nanímia Conde Ferreira de Moraes Góes. "Centro de Arte de Nova Friburgo: transformações e interlocuções." Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2013. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=5736.
Full textAbstract:
Esta dissertação tem como objetivo analisar através das concepções de patrimônio e bens culturais, os distanciamentos e as aproximações histórico-sociais entre o Solar do Barão de Nova Friburgo (antiga residência da família Clemente Pinto construída na década de 1850) e o Centro de Arte de Nova Friburgo (C.A.N.F.), localizado no porão do edifício desde 1961. São abordadas as modificações na estrutura administrativa do Centro de Arte, desde sua criação enquanto associação civil até sua municipalização, em 1973, quando passou a ser um aparelho cultural administrado pela Divisão de Arte e pela Divisão de Cultura da Secretaria Municipal de Educação e Cultura de Nova Friburgo. A partir da pesquisa histórica de estruturação e consolidação das políticas públicas para o setor cultural nos cenários nacional e municipal, e dos desafios metodológicos da pesquisa das artes e culturas populares é construída uma análise sobre a relevância do Centro de Arte de Nova Friburgo para as movimentações artísticas do município, tendo como exemplo a produção do artista plástico Geraldo Simplício, NêgoThis dissertation aims to analyze using conceptions of cultural assets and heritage the historical-social detachment and approach between the Solar do Barão de Nova Friburgo (old residence of the Clemente Pinto family, built in the 1850s decade) and the Centro de Arte de Nova Friburgo (C.A.N.F.), located in the buildings basement since 1961. The changes in the administrations structure of Centro de Arte are discussed, since its creation as a civil association up to its municipalization, in 1973, when it has begun to act as a cultural instrument, managed by the Divisão de Arte (Art Department) and also by the Divisão de Cultura da Secretaria Municipal de Educação e Cultura de Nova Friburgo (Culture Department of the Educational e Cultural City Office of Nova Friburgo). From historic research of the organization and consolidation of public policies to the cultural sector in national and municipal scenario and also from the methodological challenges on the research of popular arts and cultures, an analysis about Centro de Arte de Nova Friburgos relevance is built, considering the towns artistic movement, taking as example the artistic production of the visual artist Geraldo Simplício, Nêgo
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Almeida, Sullivan Bernardo de. "Cartas de amor à Divina: uma leitura imagético-verbal sobre a produção oficiosa de Di Cavalcanti." Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2012. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/2065.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2012-12-12Instituto Presbiteriano Mackenzie
Di Cavalcanti's official production is the subject of studies in many disciplines, each of which takes its own particular approach. This official production is understood to be all of the verbal-imagery work produced by the artist throughout his career in order to meet the demands of the art market. However, the book Cartas de Amor à Divina, a compendium containing letters, cards, drawings and reproductions of portraits of Ivette Bahia Rocha, the "Divina", is understood as unofficial production. Published in 1987, the book records the fifteen-year loving relationship of Di Cavalcanti and Ivette. The set reveals the drama of an older man, 62 at the time, who cannot control a 23-year-old woman. Ivette met the painter in 1959 on a visit to his studio in Copacabana, Rio de Janeiro, and became an assiduous studio guest, occupying, little by little, all spaces of the artist's life: she was his secretary, financial administrator, muse and wife. The relationship ended in 1974, during the middle of a political and cultural transformation in Brazil. Structured from the concepts that guide the study of History of Culture, this study is dedicated to analyzing the verbal imagery content contained in Di Cavalcanti's epistolary, which was transformed into a book in 1987. The goal is to identify the reasons for which the relationship's dynamic was conflicted and how such subversions interfered or not in the painter s artistic production.
A produção oficial de Di Cavalcanti é objeto de estudos em diferentes disciplinas e, abordada de forma diversa em cada uma delas. Entende-se como produção oficial toda obra imagético-verbal produzida pelo pintor ao longo de sua carreira artística e, com objetivo de atender as demandas do mercado de arte. Porém, entende-se como produção oficiosa o livro Cartas de Amor à Divina, um compêndio contendo, cartas, cartas-desenhos e reproduções dos retratos de Ivette Bahia Rocha, a destinatária. Publicado em 1987, o livro é um registro dos quinze anos de relacionamento afetivo vivido por Di Cavalcanti e Ivette, a Divina. O conjunto revela o drama de um homem que não consegue controlar uma jovem de 23 anos, tendo ele à época 62 anos de idade. Ivette conheceu o pintor em 1959 em visita ao seu atelier, em Copacabana, no Rio de Janeiro. Tornou-se uma das convivas assíduas do atelier, ocupando, pouco a pouco, todos os espaços na vida do artista. Foi secretária, administradora financeira, musa e mulher. O relacionamento terminou em 1974 em meio à transformação político e cultural pela qual passava o Brasil. Estruturada a partir dos conceitos que orientam os estudos da História Cultural, esta pesquisa dedica-se a análise do conteúdo imagético-verbal contido no epistolário de Di Cavalcanti transformado em livro em 1987. O objetivo é identificar os motivos pelos quais se instalavam os conflitos naquela dinâmica relacional e, de que maneira aquelas subversões interferiam ou não na produção artística do pintor.
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GODOY, Guilherme Tadeu de. "Design gráfico e resistência: análise dos cartazes do Movimento Feminino pela Anistia no período da ditadura." Universidade Anhembi Morumbi, 2017. http://sitios.anhembi.br/tedesimplificado/handle/TEDE/1687.
Full textAbstract:
Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-08-20T18:48:08Z
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
This dissertation analyzes pos- ters of the women’s movement for amnesty during the dictatorship pe- riod, more specifically those produ- ced between 1975 and 1979 and hou- sed among the archives of the Edgard Leuenroth Archive (AEL) of the Insti- tute of Philosophy and Human Scien- ces of the University Campinas (IF- CH-Unicamp), the Documentation and Scientific Information Center Pro- fessor Casemiro dos Reis Filho of the Pontifical Catholic University of São Paulo (CEDIC), the Documentation and Memory Center of the State Uni- versity of São Paulo (CEDEM) and the Perseu Abramo Foundation. The experiences of visitation and access to these archives are descri- bed, as well as the thematic quanti- tatives of the poster medium found during the research, listing the struc- tural elements and the limitations found. Furthermore, the text clarified the path traced until the final selection of only two posters: Feminine Move- ment for Amnesty and Get Out of the Shadow / tell with us / freedom, both from 1975 and without known author- ship. The analysis seeks to unders- tand the mechanisms of visual pro- duction - the design and the articula- ted visual elements - of each poster, as well as the historical-cultural chain that the Brazilian visual arts experien- ced during this period, mainly investi- gating relations that transcend one’s own poster.
Esta dissertação realiza uma análise dos cartazes do movimento feminino pela anistia no período da ditadura, mais especificamente os produzidos entre os anos de 1975 e 1979 e distribuídos entre os acervos do Arquivo Edgard Leuenroth (AEL) do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Universidade de Campinas (IFCH-Unicamp), do Centro de Documentação e Informação Científica Professor Casemiro dos Reis Filho da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (CEDIC), do Centro de Documentação e Memória da Universidade do Estado de São Paulo (CEDEM) e da Fundação Perseu Abramo, do Partido dos Trabalhadores. São descritas as experiências de visitação e acesso a estes arquivos, assim como os quantitativos temáticos do suporte cartaz localizados durante a pesquisa, elencando os elementos estruturais e as limitações encontradas, além de esclarecer o caminho que foi traçado até a seleção final de apenas dois cartazes: Movimento Feminino pela Anistia e Saia da sombra/ diga conosco/ liberdade, ambos de 1975 e sem autoria conhecida. A análise busca entender os mecanismos de produção visual - o design e os elementos visuais articulados - de cada um dos cartazes, assim como também a cadeia histórico-cultural que as artes visuais brasileiras experimentaram nesse período, investigando, principalmente, as relações que transcendem o próprio cartaz.
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Augusto, José Carlos. "Um provinciano na corte: as aventuras de \'Nhô-Quim\' e a sociedade do Rio de Janeiro nos anos 1860-1870." Universidade de São Paulo, 2008. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8138/tde-30032009-144332/.
Full textAbstract:
Esta dissertação de mestrado procura reconstruir e interpretar uma fase da carreira do artista italiano Angelo Agostini (1843-1910) na revista ilustrada A Vida Fluminense (1868-1875), focalizando sobretudo As aventuras de Nhô-Quim. Reconhecido com um dos mais importantes artistas gráficos do século XIX, Agostini teve uma longa carreira que se inicia em São Paulo em 1864 e continua no Rio de Janeiro onde, a partir de 1867, participa também de veículos como O Arlequim, O Mosquito, e lança títulos como Don Quixote e a Revista Illustrada, o mais importante periódico da imprensa humorística da época. A Vida Fluminense é a primeira revista em que Agostini aparece como sócioproprietário e marca uma fase de transição em sua carreira, onde demonstra maturidade artística e esboça preocupações políticas que se concretizariam em sua produção futura. Também é nessa folha ilustrada que Angelo Agostini dá início à narrativa visual seqüencial As aventuras de Nhô-Quim, série em 14 episódios, publicada a partir de janeiro de 1869 e continuada por Candido Aragonez de Faria em 1872, quando então é interrompida, sem uma conclusão. O propósito desse trabalho é evidenciar como a efêmera série criada por Agostini apresenta pitorescos flagrantes de relações sociais entre os habitantes da corte e as oligarquias rurais na segunda metade do século XIX.The present work intends to reconstruct and interpret part of the career of the Italian artist Angelo Agostini and his work for the magazine A Vida Fluminense (1868-1875). Recognized as one of the greatest illustrators of the nineteen century, Agostini had a long career that started in 1864 in Sao Paulo and continues in Rio de Janeiro where after 1867, he participated also in O Arlequim, O Mosquito and after that launched magazines like Don Quixote and Revista Illustrada, the most important title of humor magazines than. A Vida Fluminense was the first magazine issued by Agostini and was a sign of the transition in his artistic career, when he reveals the maturity of his work and produces some of political charges that will be his trade mark in the future. Also in A Vida Fluminense Agostini issued As Aventuras de Nhô-Quim, a sequential art series started in January 1869 and that was continued by Candido Aragonez de Faria in 1872, when it was interrupted. The purpose of this work is to evidence how the series created by Agostini show us picturesque instants of sociability between urban citizens of Rio de Janeiro and the so called aristocratic farmers in the mid nineteen century.
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Souza, Valquíria Cordeiro de. "Carlos Zílio: entre instâncias política/utopia/estética." Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2014. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=7578.
Full textAbstract:
Esta pesquisa discorre, através das obras do artista Carlos Zílio, sobre pontos ora divergentes, ora complementares, tais como utopias, heterotopias, estética e política, pensamento utópico e pós-modernidade. Este artista foi selecionado levando em consideração o período de elaboração de suas obras, no qual havia uma profunda modificação na estrutura política do Brasil. As décadas de 1960/70, período de análise das obras, foram marcadas pelo Regime Militar brasileiro, que dentre das muitas ações, perseguiu aqueles que eram contrários às novas imposições governamentais. Tendo em vista essa datação das obras, as análises partem do engajamento político para o engajamento estético, fazendo uma comparação entre esses dois campos, discutindo as relações da arte com a política. Outro ponto de discussão das obras de Zílio é sua função utópica, após uma reavaliação deste conceito, que perde sua força onírica para se tornar um conceito relacionado a impulsos transformadores e políticos. Ao analisar obras deste período faz-se necessário a análise do conceito de pós-modernidade e o entrelaçamento com as utopias, considerados pensamentos antagônicos. Após as comparações entre todos os conceitos podemos intitular as obras e ações de Zílio como vida artista, conceito foucaultniano, que relaciona arte e vida dos artistas como uma ação inseparável. Zílio faz de sua vida uma ação estéticaThis research, through the work of artist Carlos Zílio, discusses on, at times complementary, at times divergent points such as utopias, heterotopias, aesthetics and politics, utopian thinking and postmodernity. This artist was selected taking into account the period of preparation of his pieces, when there was a profound change in the Brazilian political structure. The 1960s/70s, period of the pieces analyzed, were marked by the Brazilian military regime that, among many other actions, chased those who were opposed to the new government impositions. Given the time when the works were made, the analyzes goes from the political engagement to the aesthetic engagement, making a comparison between these two fields, discussing the relationship between art and politics. Another point of discussion of Zílios pieces is their utopian function, following a reassessment of the concept, which loses its dreamlike force to become a concept related to transforming and political impulses. By analyzing the pieces of this period, it is necessary to analyze the concept of postmodernity and the intertwining with utopias, considered antagonistic thoughts. After the comparisons between all the concepts, we title the works and actions of Zílio as artistic life, foucauldian perspective, which relates art and life of artists as an inseparable action. Zílio makes of his life an aesthetic action
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Ribeiro, Robson Orzari 1982. "Revista do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional : textos de história da arte engajados na política de preservação no Brasil." [s.n.], 2013. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/279693.
Full textAbstract:
Orientador: Marcos TognonDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas
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Resumo: O presente trabalho tem como proposta mapear a constituição de um saber no campo da História da Arte associado à política de preservação patrimonial brasileira, desde a primeira metade do século XX, logo após a instituição do Serviço do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional. Para tal, valemo-nos das publicações especializadas do órgão, denominadas: "Revista do Serviço do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional", editadas entre 1937 e 1978, quando a mesma esteve sub jurisdição e influência de Rodrigo Melo Franco de Andrade. A análise pretende apresentar elementos que delimitem o valor de tais publicações na criação, consolidação e divulgação de uma metodologia para o estudo da História da Arte no Brasil. Para isso, denotaremos o momento de constituição desse saber e as bases epistemológicas que orientaram os principais autores da Revista quanto à História da Arte do país, uma vez que a análise recaiu sobre o principal e único periódico da época a abordar temas peculiares a essa área.
Abstract: This paper aims to map the formation of knowledge in the field of art history associated with the Brazilian policy of heritage preservation, since the first half of the twentieth century, after the institution of Service National Historical and Artistic Heritage. To this end, we make use of the publications of that institution, named "Journal of Service National Historical and Artistic Heritage," published between 1937 and 1978, when it was under the jurisdiction and influence of Rodrigo Melo Franco de Andrade. The analysis aims to provide elements clarifying the value of such publications in the creation, consolidation and propagation of a methodology for the study of art history in Brazil. For this, denote the time of incorporation of this knowledge and the epistemological foundations that guided the main authors of the journal as the art history of the country, since the analysis drew on the main and only periodical of the time to address issues peculiar to this area.
Mestrado
Historia da Arte
Mestre em História
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Larsen, Juliane Cristina. "Republicana, moderna e cosmopolita: a música de concerto no Rio de Janeiro entre 1889 e 1914." Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27157/tde-17092018-171706/.
Full textAbstract:
A presente tese analisa a emergência da modernidade musical brasileira entre os anos 1889 e 1914. Analisa os discursos que a historiografia panorâmica tradicional brasileira construiu sobre a música de concerto daquele período, e analisa os discursos produzidos na própria época. Verifica que as iniciativas de atualização técnica e estilística da música de concerto respondiam a uma política oficial de modernização das artes, que tinha a Europa como modelo de civilização. Verifica também que a cultura das elites republicanas utilizava a prática da música de concerto como um mecanismo de distinção social. Conclui que as interações entre as concepções elitistas sobre música, as teorias raciais, o evolucionismo, e o cosmopolitismo legitimavam práticas culturais excludentes, reafirmando hierarquias sociais. Tais interações resultaram no aprofundamento do abismo entre a música de concerto e o público, na afirmação de hierarquias entre gêneros musicais, na valorização da noção de autonomia da obra musical e na manutenção dos vínculos com a música europeia, impedindo o surgimento de movimentos de vanguarda musical contra hegemônicos no Brasil no início do século XX.This thesis analyzes the emergence of Brazilian musical modernity between the years 1889 and 1914. It analyzes the discourses that the Brazilian traditional panoramic historiography has elaborated about art music of that period, and analyzes the discourses produced at the time. It notes that the initiatives for the technical and stylistic art music\'s updating have risen in response to an official politics of modernization of fine arts, which had Europe as a model of civilization. It also notes that the culture of the Republican elites has used the practice of art music as a mechanism of social distinction. It concludes that the interactions between elitist conceptions about music, racial theories, evolutionism, and cosmopolitanism have legitimized exclusionary cultural practices, reaffirming social hierarchies. These interactions have resulted in a deepening gap between art music and the public, in the affirmation of hierarchies between musical genres, in the valorization of autonomy\'s notion of the musical work and in the maintenance of links with European music, preventing the emergence of vanguard movements counter-hegemonic in Brazil in the early twentieth Century.
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Fidelis, Gaudêncio C. "The reception and legibility of Brazilian contemporary art in the United States (1995-2005)." Diss., Online access via UMI:, 2008.
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Humphrey, Ashley Renee. "Where's the Roda?: Understanding Capoeira Culture in an American Context." Bowling Green State University / OhioLINK, 2018. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=bgsu1543574890650575.
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Pedrosa, Sebastiano Gomes. "The influence of English art education upon Brazilian art education from 1941." Thesis, Birmingham City University, 1993. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.332216.
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Fasolato, Valéria Mendes. "As representações de infância na pintura de Maria Pardos." Universidade Federal de Juiz de Fora, 2014. https://repositorio.ufjf.br/jspui/handle/ufjf/541.
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A dissertação discute um conjunto de quatro pinturas de Maria Pardos, produzidas entre 1913 e 1916: Jornaleiro, Sem pão, Chiquinho do Tico-Tico e Sem título, todas representações de criança/infância. Procura analisar as principais características dessas obras, examinando-as no seu contexto de produção e recepção, assim como sua iconografia, percebendo o processo de criação da artista. Enfatiza sua consonância com a pintura nacional e internacional do final do século XIX e início do século XX. Por meio de cruzamento de diversas fontes, visuais e escritas, persegue as estratégias de atuação da Maria Pardos no cenário artístico. Aponta para a construção de cenas de gênero, narrativas da intimidade do mundo privado, levadas aos salões para obtenção de prêmios e reconhecimento profissional. Insere-se em um período de lacuna historigráfica, tanto da história da arte brasileira quanto da história das mulheres. Nesse sentido, foi extremamente necessário a construção biográfica da artista, sem a pretensão de esgotá-la.
The dissertation discusses a set of four paintings of Maria Pardos, produced from 1913 to 1916: Jornaleiro, Sem pão, Chiquinho do Tico-Tico and Sem título, all of them depictions of child/childhood. It analyses the main features of these works, examining them under the context of production and reception, as well as their iconography, considering the creation process of the artist. It emphasizes its consonance with national and international painting from the late nineteenth and early twentieth century. By combining several sources, both visual and written ones, it follows the strategies pursued by Maria Pardos in the art scene. It shows the construction of genre scenes, narratives of intimacy of the private world, brought to art salons aiming to awards and professional recognition. It enters a period of historiographic gap in both the history of Brazilian art and women's history. In this sense it was extremely necessary to biographical construction of the artist, without claiming to exhaust the subject.