Academic literature on the topic 'Idéalisme dans l'art'

Le siècle classique assiste à un éclatement du genre ancien de l'art poétique : s'il s'en écrit de nouveaux, ceux de Colletet ou de Boileau par exemple, ils sont travaillés par une tension de plus en plus forte entre la représentation idéalisée de la poésie et l'inventaire méthodique des règles, en même temps que la réflexion dont ils étaient le lieu privilégié se diffuse dans une constellation de textes autres. Les querelles littéraires qui jalonnent le siècle favorisent cette mutation.

L’exégèse des textes de Platon, Aristote et Hegel a été le sujet d’articles antérieurs (Voir à ce propos « Arte y mímesis : la controversia filosófica », dans Revista del instituto de investigación musicológica Carlos Vega, vol. 35, n° 1, 2021, Facultad de Artes y Ciencias Musicales, Pontífica Universidad Católica, Buenos Aires. (lien externe) « La mimesis como arte – Primera parte : Hermenéutica », dans Panambí, Revista de investigaciones artísticas, n° 12, Centro de investigaciones artísticas, Facultad de Arquitectura, Universidad de Valparaíso, Chile, 2021. (lien externe) « Mimesis as art » dans American Journal of Humanities and Social Science, vol. 9, 2021. (lien externe)). De cette exploration nous sommes revenus avec la certitude que les deux idéalismes analysés, platonique et absolu, présentent des incohérences par rapport à la mimésis. Ceci nous a permis de concentrer notre attention sur la conception du Stagirite. Vingt siècles avant Alexander Baumgarten, fondateur de l'esthétique moderne, la mimésis inscrite dans La Poétique d'Aristote légitime une épistémologie de l'art basée sur ses propres règles, différentes de celles de la logique, où ce qui l’emporte n'est pas la vérité mais la démarche de la conviction de l’artiste. Notre recherche actuelle, « Mimésis, Heuristique musicale : sur les traces d’Aristote », abandonne l'exégèse des textes pour mettre en pratique les conséquences dérivées de la mimésis aristotélicienne. Nous commençons par l’incorporation des fictions à la réalisation artistique. Tout d'abord, il faut débroussailler les fictions philosophiques et scientifiques des artistiques. Ces dernières, que nous appellerons transitionnelles en utilisant la terminologie du psychologue Donald Winnicott, nous permettent d'établir des réalités intermédiaires entre le sujet créateur et l'œuvre qu’il crée. Nous repérons les fictions transitionnelles non‑immersives, celles où les frontières entre le créateur et sa réalisation se trouvent bien définies, et les transitions immersives, où l’artiste glisse de façon involontaire dans un monde de significations superposées à la réalité. À partir de ce moment, le travail s’achemine vers la spécialité musicologique. L'Heuristique musicale est présentée par la suite, en expliquant son contexte, ses objectifs, ainsi que sa nécessité d’existence comme complément des analyses dérivées de la sémiologie de la musique. En fermant la forme, l'une des propositions de l'Heuristique musicale est expliquée. Il s’agit de la reconstruction d'œuvres musicales contemporaines, conséquence dérivée de la mimésis d'Aristote.

Le symbolisme, d’abord inféodé à la conception idéaliste de la vérité et du beau, expose en réalité, dans sapratique et dans ses oeuvres une position ambiguë. Le symbole compris comme le médium par lequel sedévoilerait une vérité idéale semble en fait valoir en et pour lui-même, indépendamment de tout principesupérieur. L’image de la femme, est, chez les symbolistes, le point nodal du basculement de la théorie de lavérité. De la Femme dans l’Art ! dit Charles Maurice, Elle en est l’objet et le but… L’image de la femme, loinde conforter la conception idéale de la vérité, manifeste au contraire une certaine forme de subversion. Lessymbolistes vénèrent la femme. Non pas parce qu’elle est « le signe du vrai », selon la formule de Plotin, maisparce qu’elle est le symbole même de la superficialité de la représentation. Chez les symbolistes, c’est donc parla représentation de la femme (fuyante, fardée, fatale…) que s’accomplit le renversement de l’idée même devérité. A cet égard, le symbolisme est donc bien davantage un anti-platonisme qu’un idéalisme. La vérité,débarrassée de son substrat s’affirme pour elle-même, dans sa complète autonomie. Ce renversement de lanotion de vérité ne peut s’effectuer, cependant, sans une remise en question radicale du sujet et sans unquestionnement fondamental sur le rôle de l’artiste dans le dévoilement de la vérité. C’est la raison pourlaquelle le symbolisme, au tournant du XIXème et du XXème siècle se tournera vers de nouvelles expériences(affirmation du moi, surréalisme, abstraction…) dont l’objectif sera d’éprouver les limites du moi et derenouveler ainsi le perpétuellement questionnement de l’art sur le réel
Symbolism, first subservient to the idealistic conception of Truth and Beauty, actually exposes in its practiceand in its works an ambiguous position. The symbol seen as the medium unveiling an ideal truth appears to beindeed an autonomous object, giving up reference to any higher principle. The image of woman is among thesymbolists, the node of the failover of the theory of Truth. Women in Art! Charles Maurice said, she is theobject and the purpose of art... The image of woman, far from strengthening the ideal conception of Truth,rather shows some form of subversion. The symbolists worship women. Not because her beauty is "the sign ofTruth," to quote Plotinus, but because woman is the very symbol of the superficiality of representation. Withthe symbolists, the representation of women (evasive, fake, fatal...) accomplishes the reversal of the idea ofTruth. In this regard, the symbolism is much more an anti-Platonism than an avatar of idealism. Truth, strippedof its substrate, asserts itself in its full autonomy. This reversal of the notion of Truth can’t be done, however,without a radical rethinking of the notion of subjectivity and without a fundamental questioning on the role ofthe artist in the pursuit of Truth. That is why Symbolism, at the turn of the nineteenth and twentieth century,will experience new artistic ways (self-assertion, surrealism, abstraction...) with an objective to test the limitsof self and to renew the perpetual questioning of art on reality

Cette thèse intitulée « Esthétique et poétique des jardins : entre art et science, parcours et discours dans la fiction sandienne» vise à étudier la place qu’occupe le jardin essentiellement dans les romans, contes et nouvelles de George Sand. L’enjeu de cette recherche est de démontrer que le jardin chez Sand ne se réduit pas à un simple arrière-plan, à un élément de fioriture, ou à une pure thématique. Il revêt au contraire chez l’auteure une ampleur considérable allant jusqu’à devenir un objet spéculatif capable de repenser tout à la fois les genres et les esthétiques et de susciter de riches réflexions en rapport avec l’art (peinture, architecture, dessins) et la science (botanique, écologie, horticulture, minéralogie) au XIXe siècle. Le jardin occupe aussi une place de choix dans l’œuvre de Sand en vertu de ses diverses fonctions diégétiques, poétiques et symboliques au sein de la diégèse, mais aussi en raison de son aptitude à être un lieu de cheminement au sein duquel le promeneur peut se promettre divers plaisirs et évolutions. Le jardin devient en ce sens un monde complet en soi, un lieu riche et influent, un véritable creuset de signes et de significations dont se sert l’auteure pour véhiculer son idéologie, ses goûts esthétiques, ses pensées intimes, son idéalisme, ainsi que sa philosophie de la vie
This thesis entitled "esthetic and poetic of gardens: between art and science, path and speech in Sandian fiction" aims to study the place of garden especially in novels, tales and short stories of George Sand. The challenge of this research is to prouve that the garden for Sand is not just a backdrop, an element of flourish, or a pure topic. In contrast, it takes on a considerable scale in the author's work, even becoming a speculative object able to rethink genres and esthetics at the same time and generating rich reflections related to art (painting, architecture, drawings) and science (botany, ecology, horticulture, mineralogy) in the 19th century. The garden occupies a prominent place in the work of Sand due to its various diegetic, poetic and symbolic functions within the diegesis, but also because of its aptitude to be a pathway within which the walker can promise himself various pleasures and evolutions. The garden becomes in that way, a complete world by itself, a rich and impactful place, a veritable crucible of signs and meanings that the author uses to convey her ideology, her esthetic preferences, her intimate thoughts, her idealism, as well as her life philosophy

Ce mémoire de maîtrise est consacré à un aspect peu étudié de l'art de Jacques-Louis David, c'est-à-dire l'influence caravagesque dans les œuvres de l'artiste. Les différentes périodes de la production de l'artiste sont étudiées en fonction d'identifier cette influence et la façon dont elle s'est manifestée. Cette influence est apparue à partir de la deuxième moitié du 18e siècle dans la peinture française pendant une période de réforme de l'art pictural. Jacques-Louis David n'est pas le seul artiste à s'être intéressé au caravagisme. L'intérêt pour Caravage et ses suiveurs coïncidait aussi avec un intérêt pour le naturalisme et le dessin d'après nature. Le maître de David, Joseph-Marie Vien, a joué un rôle important dans la promotion de ces deux notions. C'est lors de son premier voyage en Italie avec son maître Vien que Jacques-Louis David entra pour la première fois en contact avec le caravagisme. C'est à partir de ce moment que son oeuvre commença à se transformer alors que l'artiste s'affranchit de l'influence de la peinture rococo. Le Salon de 1781 qui suivra ce voyage sera un moment très important dans sa carrière et les œuvres qu'il y présenta étaient grandement marquées par le caravagisme, ce qui se manifeste par la couleur, la lumière et par le rendu naturaliste du corps. Le jumelage entre le naturalisme et l'idéalisme joue un rôle important dans la formation de l'esthétique davidienne. Après ce Salon, l'influence caravagesque s'exprimait de façon moins évidente dans son œuvre, mais elle était toujours présente et se manifestait plutôt par l'emprunt de motifs. Nous avons identifié cette influence jusqu'à la fin de la carrière de l'artiste. Nous voyons aussi dans ce mémoire que le rapport entre David et Caravage peut aussi être effectué par le biais d'une manifestation d'homosexualité et d'androgynie dans le travail des deux artistes. Ce mémoire n'est pas axé sur l'interprétation des œuvres, mais plutôt sur des analyses qui permettent de mettre en évidence l'influence caravagesque
This Master's Thesis deals with the influence of Caravaggio and his followers on french artist Jacques-Louis David, an aspect of his work that has not been studied much. The different periods of the artist's production are discussed in terms of identifying this influence and how it manifested itself. This influence has emerged from the second half of the 18th century in French painting during a reform period. Jacques-Louis David is not the only artist who got interested in the Caravaggesque tradition. The interest for Caravaggio and his followers coincides with an interest for naturalism and drawing from nature. David's master, Joseph-Marie Vien, played an important role in the promotion of these concepts. It is during his first trip to Italy with his master Vien that Jacques-Louis David first came into contact with Caravaggism. It is from that moment that a transformation could be observed in his work, as the artist was liberating himself from the rococo style. The 1781 Salon following his trip in Italy has been an important moment in his career and the Caravaggesque style greatly influenced the works he then presented. This influence could be observed in terms of colors, luminosity, and the naturalistic rendering of the body. The juxtaposition of naturalism and idealism played an important role in the shaping of the Davidian aesthetic. After this Salon, the influence of Caravaggism would not be has apparent in David's work, but still present, has designs and motifs were borrowed by the artist. We have identified this influence till the end of the artist's career. We also demonstrate in this thesis that the relationship between David and Caravaggio can also be established through a manifestation of homosexuality and androgyny in the work of both artists. This thesis is not based on the interpretation of the works, but rather on analyses that highlights the Caravaggesque style's influence.