Dissertations / Theses: 'Imaginaire dans l'art'

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Héry-Montanes, Emilia. "Fascisme imaginaire : imaginaire du Fascisme dans l'art italien contemporain (1945-2015)." Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H027.

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Abstract:

Pendant soixante-dix ans, de 1945 à 2015, les artistes italiens ont, à travers leurs œuvres, mené un travail de mémoire. Entre une génération née avant le Fascisme, une alors qu'il est à l'apogée de sa puissance impérialiste, une autre après la guerre et enfin une génération de jeunes artistes nés trente ans après la fin du conflit, les mémoires singulières et collectives se bousculent. L'objectif de cette recherche est de reconstruire l'histoire de ces témoignages sur un passé vécu ou pas, et de donner les outils pour comprendre les conditions de leur genèse. Parler de la mémoire à travers des œuvres d'art est une expression intime, singulière, mais également un acte éminemment politique. Les manipulations de la mémoire du Fascisme influencent-elles tout au long de la période la création sur le sujet ? Quelles postures les artistes adoptent-ils face aux problématiques soulevées par une redéfinition du danger fasciste alors que la dictature est officiellement terminée ? Quelles formes plastiques sont données à ces remémorations et réactualisations ?
Over a period spanning 70 years, 1945 through 2015, ltalian artists carried out a "memory" endeavour for those generations that were bom before the fascist era, during the period of its highest imperialistic aims, during the aftermath of the war, and even for the generation of those artists bom 30 years after the end of the war. As a result, a multitude of individual and collective memories had emerged. This work aims to reconstruct and track the history of these memories (whether or not actually experienced by the artist), and to provide the tools to understand the genesis ofthese memories. Analysing "memory" through art pieces is an intimate, singular, and political act. To what extent fascist memory manipulations affect artistic creations? How do the artists react and position themselves, once confronted with the problems of re-defining "Fascism", after the dictatorship fell? Which new "plastic forms" emerge from these new adaptations of individual and collective memories?
Durante settant'anni, dal 1945 al 2015, gli artisti italiani, attraverso le loro opere, hanno svolto un lavoro di memoria. Fra una generazione nata prima del Fascismo, una nata quando questo è al culmine della sua potenza imperialista, un'altra nata dopo la guerra e infine una generazione di giovani artisti nati trent'anni dopo la fine del conflitto, le memorie individuali e collettive si affollano. L'obiettivo di questa ricerca è di ricostruire la storia di queste testimonianze su un passato, vissuto o no, e di fomire gli strumenti per capire le condizioni della loro genesi. Parlare della memoria attraverso le opere d'arte è un'espressione intima, singolare, ma allo stesso tempo un atto eminentemente politico. Nel periodo preso in esame, le manipolazioni della memoria del Fascismo influenzano la creazione su questo tema? Quai è la posizione degli artisti di fronte alle problematiche nate da una ridefinizione del pericolo fascista, sebbene la dittatura sia ufficialmente caduta? Quali forme plastiche son date a queste rimemorazioni e riattualizzazioni?

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Vieillard-Baron, Elsa. "La jungle entre nature et culture : un imaginaire socio-spatial de l'antimonde." Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070029.

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Abstract:

Cette thèse vise à requalifier la notion de jungle, peu appréciée des géographes, alors qu'elle suscite l'engouement du grand public. L'enjeu est de montrer que la jungle ne doit pas être appréhendée seulement comme une formation végétale floue, mais qu'elle est plutôt la représentation occidentale d'un paysage de l'Ailleurs ou plus largement un antimonde sauvage et naturalisé. S'appuyant sur un corpus de représentations artistiques - picturales, cinématographiques, littéraires -, sur des questionnaires et des entretiens, cette thèse propose de reconstruire une approche géographique de la jungle. 1. Dans le registre biogéographique, la jungle se présente comme un milieu naturel tropical difficile à cerner, tant en Inde, d'où le terme est originaire, que dans l'ensemble des Tropiques. 2. Sous couvert de naturalité, elle est en fait une représentation culturelle occidentale de l'Ailleurs tropical, initiée au tournant du 19e au 20e siècle, par le biais de la colonisation britannique en Inde. 3. Représentation fabriquée en Occident, la jungle s'apparente à un paysage tropical fantasmé, décor fantaisiste qui sert de support à l'expression de fantasmes inavouables en Occident. 4. Reflet inversé et primitif de l'Occident, la jungle atteint le rang d'autre monde géomythique et rejoue les origines sauvages du monde. 5. Le mythe de jungle induit des effets de réel et fait de la forêt tropicale humide un territoire sous influence, dont la gestion est marquée par une ingérence occidentale de dimension postcoloniale. 6. Enfin tes jungles de l'Occident, souvent urbaines, rendent sensible l'assimilation de la jungle à un antimonde, quelles que soient son échelle et sa localisation
The aim of this thesis is to reconsider the concept that the word jungle gives rise to, a concept that has been criticised by geographers, while, at the same time, it has aroused the attention of the public at large. The aim is to show that the jungle should not be approached solely as an ill-defined natural entity, but that it should be seen more as the Western idea of an otherworldly landscape. This thesis will be drawing on a large collection of artistic representations - pictures, films or books - and on the answers given to a number of questionnaires. It will build a geographical approach to the jungle. 1. Looking at it from a biogeographical angle, the jungle appears to be a natural tropical environment, the borders of which are not easy to specify, be it in India, or more generally under the tropics. 2. Under cover of a reference to something natural, it is in fact a Western cultural idea of a tropical otherworld that emerged at the end of the 20th century on the back of the British colonisation of India. 3. As an idea that sprang in the West, the jungle can be seen as an illusory tropical landscape,that is more imaginary than real and that expresses feelings that would be deemed shameful in the West. 4. As a reversed and primitive reflection of the West, the jungle reaches the rank of another geomythic worid and plays the part of the wild origins of the world. 5. The jungle myth induces some real effects and makes the rainforest an area subject to influence - its environmental management featuring Western postcolonial interference with a dimension. 6. Finally, the urban jungles of the West give credence to the jungle as a counter-world, whatever its scale and location

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Josse, Catherine. "La plastique du toucher : matières, corps, imaginaires." Rennes 2, 2000. http://www.theses.fr/2000REN20012.

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Abstract:

Dans nos sociétés axées sur l'audio et le visuel, le toucher est souvent associé à l'idée d'archai͏̈sme, de banalité mais aussi de matérialité et de plaisir. S'inscrivant dans le domaine spécifique des Arts plastiques, cette recherche implique la mise en place d'univers mátériologiques ; des "paysages" dédiés à la main jusqu'à l'installation de "la chambre tactile" au sein d'un institut public pour handicapés visuels (Vertou, France). Un des buts de cette étude est ce créer les conditions d'expression d'un certain type de rapport à la matière. Par l'observation des réponses gestuelles et verbales, ce sont les dimensions cognitives et surtout affectives du toucher qui sont -ici- interrogées. Pourtant le but de cette étude n'est pas la compréhension de l'affect mais son expression. L'enjeu est de remonter aux sources de l'imaginaire tactile (sinon interdit de société, du moins confiné dans le domaine de l'intime) afin d'en faire un outil de création. De plus, par l'élargissement de cette recherche au domaine de l'Histoire de l'art, on tente de mettre en évidence la dimension haptique des oeuvres visuelles (peintures, sculptures, photographies, installations), qui repose le problème de l'esthétique du toucher et de l'évolution de son champ d'intervention. Cette approche esthétique du tactile pourrait de surcroit contribuer à améliorer les stratégies éducatives auprès des enfants atteints de déficience visuelle. Trop souvent tenus à l'écart de l'artistique, il semble pourtant que les sujets non-voyants, en contact avec un univers tactile émotionnel et poétique évoluent dans leur rapport au corps et à l'espace
@In our societies, hearing and seeing are essential compared to touching which is often linked with the idea of archaism, banality but also with that of materiality and pleasure. The field of this research is that of the plastic arts and it implies the setting up of a universe of artefacts : from " sceneries " dedicated to the hand to the creation of " the tactile room " in a public institution for blind people (Vertou, France). One of the aims of this study is to create good conditions enabling a certain type of relationship with the matter. Through the observations of the answers given either orally o through body language, it is the cognitive even more than the affective dimensions of the touch which are questioned here. However what this study aims at is not the understanding of the affect but its expression. The challenge is to go back to the sources of the tactile imagination (which is strictly limited to privacy even of not forbidden in society) so as to make it a tool for creation. Moreover, thanks to the opening of this study to the filed of the history of art, one tries to highlight the haptic dimension of visual works of art (painting, sculptures, photographies, setting ups). Once again, it puts forward the issue of the aesthetics of the touch and of the evolution of its field of action. This aesthetic approach of the tactile could contribute to better educational strategies involving children with visual deficiencies. Although they seem to be left aside from the " artistic ", these blind people can easily change in their relations to space and to the body when confronted with a tactile universe rich in emotion and poetry

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Taffanel, Jacky. "L'Atelier du chorégraphe." Paris 8, 1994. http://www.theses.fr/1993PA080815.

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Abstract:

L'atelier du choregraphe produit des exigences de travail inherentes a son existence. C'est l'outil fondamental de la creation choregraphique. Il est vivant dans l'acte de "regarder" du choregraphe. Il s'agit d'interroger sa constitution et son evolution a partir de la pratique de l'ecriture choregraphique. Dans la premiere partie, une etude des choregraphies creees depuis dix ans avec une compagnie professionnelle est menee : cela met en evidence l'evolution constante du regard du choregraphe, confronte aux choix a operer lors des improvisations des danseurs, en meme temps qu'a la necessite de maintenir vivant l'espace de l'apparition d'une matiere choregraphique qui "appelle" l'oeil. Ce cheminement permet de decouvrir les dynamismes operants des paradoxes qui traversent l'atelier. Ils sont approches dans la deuxieme partie au travers des relations complexes que le regard instaure avec le temps, avec la memoire et l'oubli, avec les qualites haptiques des interpretes dans l'espace. L'existence d'un espace ou "tout n'est pas joue d'avance" est vitale pour la creation. Cela exige des interpretes une demarche particuliere qui est observee dans la troisieme partie. Comment la corporeite dansante tisse t-elle l'espace de creation necessaire a son emergence?
The choreographer's workshop is the result of the various demands that go to make up her existence. It is the fundamental technique in the creation of a choreography. It is present in the choregrapher's way of "looking". It is a question of asking what has gone into making her, and how she has involved in the way in which she writes choregraphy. In the first part she carries out an anlysis of those choreographies she has created with her professional troupe over the last ten years : this point up the constant evolution in the way she "sees", being perpetually obliged to choose between the dancer's improvisations, and at the same time keeping the area which attracts the eye, in which the choreography is actually realized, alive. This approach encourages the development of the various tensions arising from the paradoxes that are integral part of the workshop. In the second part we approach the paradoxes through the complex relationships which "seeing" has with "time", "memory" and "forgetting" and with the haptic qualities of the artists in space. The existence of a space in which the die is not yet cast is vital to creation. It needs a particular approach on the part of the dancers which is best seen in the third part. How does the physical nature of the dancing body weave a space essential to creation ?

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Violin-Savalle, Maryse. "Images croisées de la femme romantique à travers la littérature et la peinture, en France, de 1765 à 1833 : esquisse, genèse et développement d'une typologie imaginaire." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1997PA030065.

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Abstract:

Cette recherche a pour objet d'etudier a la fois les personnages feminins d'oeuvres de la litterature francaise de 1765 a 1833 et les figures feminines de tableaux d'histoire ou de scenes de genre a la meme epoque, de les confronter, de les mettre en relation, afin de tenter de degager leurs caracteristiques communes et d'esquisser, si possible, la typologie d'une image feminine romantique, de definir sa place et de montrer son importance dans l'imaginaire des artistes et des ecrivains d'alors, ainsi que l'originalite de cette femme revee en regard des epoques qui precedent et qui suivent
The object of this research work is to study feminine characters in french literature and figures in history or genre painting between 1765 and 1833 ; it compares and links them together so that their common specific features are brought out in order to define a romantic woman type, its significance in artists' and writers' imagination of that period, as well as the originality of this dreamed woman if compared to feminine images in previous and following centuries

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Calvet, Yann. "L'image initiatique : imaginaire cinematographique et esoterisme." Caen, 2000. http://www.theses.fr/2000CAEN1305.

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Abstract:

Quels sont les rapports du cinema avec l'ésoterisme ? l'histoire de l'art nous a montre que beaucoup d'artistes, souvent proche des courants idealistes ou du genre fantastique, ont puise leur inspiration dans certains aspects de l'esoterisme (la gnose, l'hermetisme, la theosophie l'alchimie. . . ). Dans l'histoire du cinema, l'avantgarde francaise tout comme l'expressionnisme allemand revendiquent aussi cette filiation car le septieme art permet de retrouver le sens originel du symbolisme et de reintroduire la puissance de l'imaginaire sclerose par le rationalisme et le materialisme. Ainsi de nombreux cineastes comme Murnau, Dreyer, Tourneur, Lewin, Kubrick, Epstein. . . Inspires par la théosophie, la naturphilosophie allemande ou la kabbale, developpent une esthetique cinematographique, et a travers elle une vision du monde qui retrouve les grands principes de l'esoterisme : le principe de l'analogie et des correspondances, le principe d'interdependance universelle et l'idee d'une nature vivante (theme de l'unite, role esthetique de l'espace et de la lumiere), le role de l'imagination active, la recherche d'un equilibre entre le mythos et le logos et le pouvoir d'une transmutation personnelle (les rapports du schema initiatique avec la dramaturgie scenaristique).

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Vauday, Patrick. "L'Image et le réel." Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081468.

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Abstract:

L'image ne se reduit ni a son aura imaginaire ni a son eventuel sens symbolique, elle est pourvue d'une consistance propre qui lui vient d'un reel dont elle porte une empreinte resistante aux metamorphoses imaginaires et aux equivalences symboliques. Parce que contestee, il fallait etablir dans un premier temps l'autonomie de l'image par rapport au langage et sa tentative d'annexion via la semiologie et la psychanalyse. Cette autonomie ne se marque jamais mieux que dans la dependance des images envers d'une part leurs matieres et leurs modes de production dont s'engendre l'heterogeneite de la peinture, de la photographie et du cinema, ici pris pour appui, envers d'autre part le registre du temps dont elles declinent le reel selon un mode propre qu'on s'efforce de caracteriser. On montre que le rapport au reel du temps repond a la fois de l'unite et de la disparite des images. Mais qu'en est-il alors, dans un deuxieme temps, des rapports de l'image et du langage ? la reactivation de l'antique parallele entre les arts (paragone ) est le biais choisi pour traiter du differend entre l'image et le langage dont on decrit quatre figures majeures entre l'antiquite et la modernite. De ce qu'il ne s'ensuit nulle complementarite entre image et langage resulte un troisieme temps qui prend en charge le propre de l'image comme reste indelebile du reel. D'ou la methode consistant a produire le reel de l'image par soustraction de son habillage imaginaire (sartre) et de sa trame symbolique (freud) avant que d'en interroger le sens en compagnie de deleuze, pascal, lacan et baudelaire
Image cannot possibly be reduced to its imaginary aura nor to its possible symbolic sense, it is endowed with a proper substance. The real gives it an imprint resisting the imaginary metamorphosis and the symbolic exchanges. In the first place, it was necessary to settle the autonomy of image against language that tries to invest image by means of semiology and psychoanalysis. This autonomy is nowhere so obvious than in the dependency of images, on the one hand, on their materials and their processes of production in which originates the heterogeneity of painting, photography and cinema, and, on the other hand, on the register of time whose reality gives them shape according to their own specificity. The relation to the realness of time explains both the unity and the disparity of images. But, in the second place, what of connections between image and language ? we have chosen to reactivate the ancient parallel between arts (paragone ) so as to deal with the dispute between image and language through four major figures produced by this dispute from antiquity to modernity. Because it does not result from their parallel a complementarity between image and language, it was necessary, in the third place, to set off the image as an indelible rest of the real, its very own property. Hence the method consisting in producing the realness of image by abstracting its imaginary cover (sartre) and its symbolic structure (freud) before examining it in company with deleuze, pascal, lacan et baudelaire

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Choi, Massart Young-Ju. "Perception et expression de la couleur dans l'art pictural moderne." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010718.

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Abstract:

Ce travail porte sur la perception et l'expression de la couleur: y seront envisagées l'expression de la couleur par le peintre et sa perception par le spectateur, mais aussi la couleur telle qu'elle est perçue, envisagée et théorisée par le peintre, et les réactions qu'elle suscite chez le spectateur. Nous avons, pour dégager des constantes, points communs et/ou oppositions, étudié le regard porté sur la couleur par le philosophe, le physicien, l'opticien, le chimiste, le psychologue, pour ensuite envisager le point de vue croisé de l'artiste et du spectateur. La perception de la couleur d'une œuvre picturale s'effectue à partir des connaissances de l'artiste et du spectateur, de leurs émotions, leur histoire propre et de l'Histoire elle-même, au gré des progrès techniques, des modes et modèles dominants. La perception de la couleur apparaît comme un phénomène autant culturel que psychologique et physiologique. Notre perception du réel n'est pas neutre: la couleur n'est pas qu'une donnée s'imposant à nous de façon abstraite et purement physique, elle est aussi, pour le spectateur comme pour l'artiste, une construction intellectuelle et, pour ce dernier, l'expression d'un choix, le résultat d'une recherche, voire l'élaboration d'un système. La couleur nous stimule en permanence, génère de nouvelles interrogations et sensations et peut revêtir de multiples significations. D'où une approche pluridisciplinaire de la couleur, intégrant la science de la couleur, son histoire (vision objective) et sa perception (vision subjective), afin de comprendre et déterminer comment la couleur peut rendre un tableau signifiant et stimulant aux yeux du spectateur.

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Lambert, Xavier. "Le corps sans bords : identité / altérité dans l'image numérique et ses résonances dans la fiction narrative." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010591.

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Abstract:

Comment le corps dans l'art contemporain s'énonce-t-il sur de nouvelles bases du fait de sa confrontation aux enjeux conceptuels des technologies actuelles ? Il ne peut se concevoir que dans la permanence d'un corps in-fini parce que toujours en puissance, un corps sans bords. C'est par l'altérité du corps sans bords que l'artiste construit son identité, sa permanence, qui ne relève plus du stéréotype de la " mêmeté ", mais de l' archétype de la singularité. L ' artiste n'est pas l'individu, celui qui ne se divise pas, du corps organisé, il est la multitude de la singularité. Le corps sans bords est singulier, parce qu'antérieur à l'image, et que l'image inscrit déjà la reproduction. Mais il est multitude parce qu'il est puissance que l'œuvre d'art n'actualise que partiellement à chaque fois. Et l'outil numérique est l'outil technologique le plus approprié pour tenter d'inventorier les possibles qui naissent de la confrontation au réel que propose le corps sans bords.

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Haumesser, Laurent. "Le décor funéraire étrusque à l’époque hellénistique : images eschatologiques et imaginaire de l’au-delà." Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100166.

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Abstract:

Cette thèse analyse le décor peint des tombes étrusques d’époque hellénistique, en particulier à Tarquinia. A travers la comparaison avec les monuments découverts dans les autres centres du monde hellénistique (Macédoine, Thrace, Alexandrie, Italie méridionale), il s’agit de réévaluer l’apport des documents étrusques à l’histoire de la peinture entre la seconde moitié du IVème siècle et le IIIème siècle av. J. -C. L’examen de corpus précis de tombes, mais aussi de sarcophages peints et de vases permet de suivre la diffusion en Etrurie des innovations picturales de l’époque, notamment au niveau de l’usage de la couleur et des motifs décoratifs. Une importance particulière est accordée à la question du lien entre l’architecture et le décor peint, ainsi qu’aux conceptions eschatologiques que ces peintures révèlent, en particulier à travers l’examen des figures de démons
This study deals with the painted tombs of Etruria, and especially of Tarquinia, in the Hellenistic time. Through the comparison with the monuments discovered in the last years throughout the Mediterranean world (Macedonia, Alexandria, South Italy), the analysis of the Etruscan documents gives precious informations on the story of the antic painting between the second half of the 4th. Century and the end of the 3rd century B. C. In the paiented tombs, but also on painted sarcophages and ceramic, one can see the diffusion of pictural innovations, such as the new importance of color et decorative motifs. This work analyses more accurately the link between architecture and painting, and also the eschatological believes displayed by these pictures, especially by the representations of demons

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Molinié, Sandrine. "L'iconographie du diable dans la sculpture romane du Midi de la France et du Nord de l'Espagne." Toulouse 2, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU20057.

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Abstract:

Vers l’an mil, le contexte, tant religieux que social et politique, favorise l'émergence de l'image du diable. L'eschatologie est pesante, l'Église devient menaçante, elle fonde son discours sur la crainte de l'enfer. À partir de cette période, différents artistes, essentiellement des sculpteurs, s'efforcent de retracer le physique et la personnalité de cette créature. L'expression de sa forme anthropomorphe va véritablement se préciser et s'épanouir. Il en émane une ambiguïté, le diable est tellement horrible qu'il devient difficile à figurer. Sa seule vision peut être dangereuse, parfois mortelle. Son image est paradoxale, personne ne le voit pourtant tout le monde doit le reconnaître. Cette complexité, entre sa définition et sa représentation, fait ressortir trois propriétés utilisées pour désigner sa nature démoniaque et pour élaborer son portrait : l'agressivité, l'anormalité et l'immatérialité. L'analyse des sculptures du Midi de la France et du Nord de l'Espagne permet d'explorer ces trois spécificités ; la traduction de chaque détail se révèle importante dans la signification de l'image du diable. Cet être énigmatique a nourri l'imaginaire des hommes du XIe et du XIIe siècle. Les artistes ont cherché à intensifier son maléfice par la laideur, la déformation, mais aussi par la bestialité. Symbole même du Mal, le diable en est l'incarnation. En le formalisant, les artistes ont voulu le canaliser et, dans une certaine mesure, le maîtriser. Abjecte et mystérieuse à la fois, cette étrange créature est la représentation de leurs craintes les plus profondes et de leurs fantasmes inavoués
Towards the year thousand, the religious, social and political context favours the emergency of the devil's image. The eschatology is heavy, the Church becomes threatening, and its speech is founded on the hell fear. On and after this period, different artists, essentially sculptors, try to retrace the physique and the personality of this creature. The expression of its anthropologist form is really going to explicit and light up. All this is so ambiguous, the devil is so horrible that it becomes difficult to represent. It's only vision may be dangerous, sometimes mortal. Its image is paradoxal, no one sees it, and nevertheless everyone should recognize it. This complexity, between its definition and its representation, brings out three properties used to show its demoniac character and to make its portrait: the aggressivity, the abnormality and the immateriality. The sculptures' analysis of the South of France and the North of Spain allows exploring three specificities: the interpretation of each detail becomes important in the signification of the devil's image. This enigmatical being fed the imaginary of the people from the 11th and the 12th century. The artists endeavoured to intensify it's malefic by the ugliness, the deformation, but also the bestiality. Symbol of the very evil, the devil is its incarnation. Giving offence to the devil, the artists wanted to win it over and, in a way, to get it under control. Abject and mysterious at the same time, this strange creature is the representation of their fears the deepest and of their unconfessed phantasms
Hacia el año mil, el contexto, tanto religioso que social y político, favorece la emergiancia de la imagen del diablo. La escatología es pesada, la Iglesia se vuelve amenazadora, funda su discurso sobre el temor del infierno. A partir de este período, diversos artistas, esencialmente escultores, se esfuerzan de describir el físico y la personalidad de esta criatura. La expresión de su forma antropomorfa verdaderamente va a precisarse y desarrollarse. Emana de ella una ambigüedad, el diablo es tan horrible, que llega a ser difícil representarlo. Sólo su visión puede ser peligrosa, a veces mortal. Su imagen es paradójica, nadie lo ve sin embargo todo el mundo debe reconocerlo. Esta complejidad, entre su definición y su representación, hace resaltar tres propriedades utilizadas para designar su natural demoniaco y para elaborar su retrato : la agresividad, la anormalidad y la inmaterialidad. La análisis de las esculturas del Mediodía Francés y del Norte de España permite de explorar estas tres especifidades ; la traducción de cada detalle aparece importante en la significación de la imagen del diablo. Este ser enigmático ha alimentado lo imaginario de los hombres del XI y del siglo XII. Los artistas han buscado a intensifiar su maleficio por la fealdad, la deformación, pero también por la bestialidad. Símbolo mismo del Mal, el diablo es la encarnación de el. Formalizandolo, los artistas han querido canalizarlo y en una cierta medida dominarlo. Abyecta y misteriosa a la vez, esta extraña criatura es la representación de sus temores los más profundos y de sus fantasmas no confesados

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Pezolet, Nicola. ""Le Bauhaus imaginiste contre un Bauhaus imaginaire" : la polémique autour de la question du fonctionnalisme entre Asger Jorn et Max Bill." Thesis, Université Laval, 2008. http://www.theses.ulaval.ca/2008/25181/25181.pdf.

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Lebargy, Julien. "S⁴DP+ / Xéno-encyclopédie : fragments diégétiques et corpus circonstanciels." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/29479.

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Abstract:

Ce travail de maîtrise présente mon Programme de découverte spatiale pour ceux qui mélangent les chiffres et la poésie : S⁴DP+. Ce projet fictif aux allures d’un récit de voyage science-fictionnel aborde l’écart entre le réel et la fiction, le vrai et le faux et les questions relationnelles entre l’instance auctoriale et l’instance narrative comme hypothèse à un syncrétisme discursif, où le discours théorique et conceptuel agirait de pair avec le discours sensible de l’œuvre. Mon travail repose principalement sur les travaux du spécialiste en narratologie Gérard Genette qui me permettent de présenter l’univers diégétique comme un laboratoire expérimental. Incidemment, par le biais d’un monde fictionnel, je propose la construction d’une connaissance alternative libérée des contraintes du réel et qui a comme objectif de produire une xéno-encyclopédie, c’est-à-dire un nouveau système sémantique en continuelle évolution indexée sur l’œuvre fictive. L’éclectisme, la diversité et l’hétérogénéité sont donc au cœur de cette entreprise liée à la connaissance et se matérialisent dans une approche artistique multidisciplinaire. En passant par l’installation et la scénographie, mes œuvres abandonnent l’autonomie de l’objet au profit d’un régime de l’ensemble. Présentées comme des fragments diégétiques ou métafictionnels, elles créent un effet de monde à travers l’immersion perceptive, l’association sémantique, la linéarité indéterminée et le pessimisme épistémique. Ce projet s’inscrit également dans une pratique qui se veut temporelle, évolutive et dont l’ensemble ne sera perceptible qu’à travers un procédé d’archivage. Chaque exposition devient alors un corpus circonstanciel à reconstruire dans le temps. Je finis par présenter mon corpus qui s’apparente à celui de l’amateurisme professionnel regroupant peintures, photographies, photogrammes, vidéo-performance, sculptures et sons. Il est bâti, à l’aide d’une stratégie narrative empreinte d’autofiction, sur la rencontre du théorique et du sensible où l’espace-temps est investi par les chiffres, la poésie et la mélancolie.

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Kim, Hyun-hee. "La figure de l'artiste et le rôle de l'art dans les romans de Romain Gary." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2013. http://www.theses.fr/2013CLF20017.

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La conception du « roman total » proposé par Romain Gary met fin au « chef d’œuvre ». Traversant « le siècle des ténèbres », Romain Gary trouve une part de responsabilité de l’art et de l’artiste dans l’impuissance de la culture face à l’horreur existante. Pourtant, bien qu’il mette l’accent sur la fonction sociale de l’art, Romain Gary n’adhère pas à l’art engagé, ni au roman réaliste ou au Nouveau roman. Il ne cherche pas à imposer ses idées au lecteur, mais veut lui ouvrir un espace de liberté. L’art doit être une jouissance pour qu’il finisse par devenir une force éthique. Il amène une prise de conscience de ce qui manque à la réalité. L’esthétique garyenne consiste à rendre au lecteur son autonomie de pensée. Nombre de ses personnages incarnent la figure de l’artiste sous différentes formes provocatrices : picaro, dandy, clown, etc. Pour Romain Gary, créer, c’est jouir et la jouissance est une révolte métaphysique contre la condition de la vie et contre la souffrance. Les artistes dans ses romans figurent bien ceux qui mènent cette lutte. Transgresseurs des valeurs et des ordres établis, les artistes chez l’auteur tiennent à se libérer de la réalité. Cette libération s’effectue d’une part à travers la création d’un monde imaginaire, d’autre part à travers le dépassement de soi ou la création de soi. Transformant leur vie comme une œuvre de leur imagination, les artistes garyens témoignent d’une identité multiple et en « devenir »
Néant

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Fernandez, Ermitas. "L'imaginaire à l'oeuvre dans la triangulation pédagogique : une analyse à partir de l'objet sculpture en terre." Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA081033.

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Abstract:

Je m'attache, a travers cette recherche, a eclairer le triangle pedagogique non du point de vue du maitre ni de celui de l'eleve, mais a partir de la discipline enseignee, dans son rapport aux autres elements (objet-eleve, objet-professeur) et dans les effets qu7elle produit sur les differentes relations (professeur-eleve et eleves entre eux). L'objet de savoir est alors analyse en tant que sujet, ayant une relle consistance et personnalite, d'abord defini dans son identite propre puis dans les modes de relation qu'il est capable d'instaurer au sein du dispositif pedagogique. La discipline, d'ou sont issues mes interrogations, renvoie a une pratique artistique encore mal commue : la sculpture. Definie souvent comme le travail d'une matiere dure qui rend obligatoire le recours a l'outil, elle est en fait une creation de frmes en trois dimensions. Or le modelage de la terre - qui autorise la suppression mais aussi l'adjonction de matiere, contrairement a la pierre - est couramment pratique par les artistes depuis la plus haute antiquite. Toutes les reflexions soulevees dans cette recherche s'appuient donc sur la singularite de la discipline en question et sont replacees dans le contexte d'un apprentissage en atelier. A l'interieur de ce champ, je privilegie la dimension imaginaire, c'est-a-dire l'ensemble des images que suscite un objet donne. La problematique qui est la mienne peut s'enoncer de la facon suivante : quel est l'impact de la specificite de l'objet de transmission sur les rapports imaginaires qu'entretiennent les trois elements presents dans le triangle pedagogique?
Through this study, i aim to clarify the pedagogical triangle, triangle, neither from the teacher's poinbt of view, nor from the student's, but rather by considering the discipline taught in relation to the other components (student, professor) and in regard to the effects on the different relations implied (professor-student and students among themselves). The object of knowledge is thereafter analysed as subject with real consistency and personality, first defined by it's specific identity, then by the modes of relation it is capable of establishing within the pedagogical device. The discipline which gave birth to my questioning refers to a neglected artistic technique : sculpture. Often defined as work with hard materials requiring the use of tools, it is, in fact, creation of three-dimensional forms. Clay modelling permitting substraction but also addition of substance, as opposed to stone sculpture- has been practised regularly by artists since most ancient times. All considerations this study has raised are based on the singularity of this particular discipline and replaced in the context of workshop apprenticeship. Inside this field, i privilege the imaginary dimension, by which i mean the images aroused by a given object. My questioning can therefore be summed up as followed : what impact does the specificity of the object of transmission have on the imaginary relations among the three elements which compose the pedagogical triangle?

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Chanforan, Elsa. "Les griffes et le couturier : Représentations et usages contrastés de l'animalité dans l'iconographie de la mode." Thesis, Perpignan, 2018. http://www.theses.fr/2018PERP0047/document.

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Abstract:

Ce travail de recherche porte sur les liens qu'entretiennent l'animal et la mode, au prisme d'une étude iconographique orientée par une approche pluridisciplinaire. Entre fascination et paradoxes, la mise à contribution de l'animal et de ses attributs – physiques, graphiques, symboliques – sert d'abord les productions matérielles et immatérielles de la mode : les bêtes participent aux stratégies de transfiguration du réel propres à ce secteur économique singulier. Dans le même mouvement, le recours à l'animal apparaît aussi comme le relais esthétisé de représentations normées ; il devient un prétexte pour penser le monde, la nature humaine et ses rapports sociaux. Ainsi, tout en suivant la dynamique contemporaine d'engouement pour une Wilderness fantasmée, l'iconographie de la mode participe aux réécritures actuelles de ce qui fait l'humain. Néanmoins, les images de mode jouent un rôle dans les réévaluations et les négociations croissantes des frontières qui séparent les membres du vivant. En développant un travail spécifique autour du corps et de ses parures, elles proposent une voie alternative pour reconsidérer une altérité animale aux contours de plus en plus poreux. Il s'agit donc d'observer comment les formes visuelles de la mode et de son imaginaire traduisent la complexité de relations anthropozoologiques contemporaines en pleine mutation
This research explores the connections between fashion and the animal, by means of an iconographic study guided by a multidisciplinary approach. Raising fascination and paradoxes, the use of the animal and its attributes – physical, graphical, symbolic – benefits, in the first place, material and symbolic fashion’s productions : animals are involved in the transfiguration-of-reality strategies peculiar to the unique economic sector that is fashion industry. At the same time, animals appear to be an efficient and aesthetic way of representing human activity : they are a tool to rethink the world, human nature and social relationships. Thus, involved in the general contemporary dynamics of keen interest for a fantasized Wilderness, the fashion iconography contributes to the current rewriting of human definition. Nevertheless, fashion pictures play a part in the growing negotiation of boundaries between members of the biological field. By developing a specific work on the human body an its fineries, they offer an alternative path to the reconsideration of an animal otherness whose borders seem more permeable everyday. This work is an attempt to examine how fashion's visual forms and imaginary express the contemporary complexity of far-changing anthropozoologic interactions

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Brunon, Hervé. "Pratolino : art des jardins et imaginaire de la nature dans l'Italie de la seconde moitié du XVIe siècle." Phd thesis, Université Panthéon-Sorbonne - Paris I, 2001. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00349346.

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Abstract:

L'étude aborde l'art des jardins dans l'Italie de la seconde moitié du XVIe siècle comme expression des rapports entre homme et nature en recourant à la notion d'imaginaire ; elle est centrée sur Pratolino, la villa du grand-duc François Ier de Médicis aménagée au nord de Florence, de 1568 à 1586, sous la direction de Bernardo Buontalenti. Cet exemple, analysé en détail, est replacé dans un contexte à différentes échelles : le règne de son commanditaire (1574-1587) ; les réalisations importantes en Toscane et dans le reste de l'Italie ; enfin la place du jardin dans la société et la culture de la période, et donc les domaines multiples auquel il se rattache. Différents problèmes sont successivement examinés. La fonction sociale du jardin est interrogée au travers de l'idéologie et des pratiques de la villégiature. La perception corporelle de l'espace et le rapport émotionnel au paysage, analysés à partir des témoignages contemporains, impliquent que le jardin, dans le cadre des préoccupations médicales et des modèles poétiques de l'époque, soit vécu et conçu comme médiation avec la nature. Les composantes matérielles, le tracé et l'iconographie construisent une représentation de la nature sur plusieurs plans : résumé de sa variété, le jardin détourne les enjeux du collectionnisme encyclopédique ; mise en scène de ses phénomènes, pour lesquels l'épistémologie des « météores » doit être prise en compte, il opère une réduction symbolique du territoire ; imitation de ses processus, il appartient à une esthétique où l'art vise à s'inscrire de manière immanente dans l'œuvre et qu'éclaire la fortune de l'aristotélisme au XVIe siècle. L'imaginaire de la nature qui sous-tend le jardin n'est pas univoque : il s'y joue à la fois un désir de projection, un fantasme d'analogie et un rêve de re-création. Pratolino montre que l'une des clefs de cet art tient dans l'exploitation politique des représentations culturelles de la nature.

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Bossis, Bruno. "La vocalité artificielle : un nouvel espace pour l'imaginaire : Etude des modèles de simulation et de traitement vocaux dans les répetoires des musiques éléctroacoustique et informatique." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040204.

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Abstract:

Quels rapports les compositeurs entretiennent-ils avec la simulation et le traitement de la voix ? Qui veut en comprendre les enjeux artistiques doit examiner aussi bien les moyens et les modèles utilisés que leurs conséquences stylistiques. Le fil conducteur de cette recherche est donc l'étude des apports des processus artificiels à la vocalité dans les musiques électroacoustique et informatique de façon à définir, consolider et prolonger le concept de vocalité artificielle. Au-delà de la mise en évidence des conditions nécessaires à l'émergence de la vocalité artificielle et de son épanouissement, il convient de montrer l'existence de gestes musicaux propres ou influencés par l'utilisation de procédés mécaniques. Enfin, les paradigmes de la vocalité artificielle - entre rupture et continuité, entre figuration et décorporéification, entre évidence et paradoxe - nourrissent son devenir et ouvrent la perspective de son espace imaginaire
What relationship do composers have with the voice simulation and processing? To understand the artistic implications behind the techniques of voice simulation and processing, we shall examine the means and the models employed, as well as their stylistic consequences. The vital lead in this research is therefore the study of the contributions made by artificial processes in association with vocality to the electroacoustic and computer musics so as to define, consolidate and prolong the concept of artificial vocality. Beyond exposing the conditions required for the emergence of artificial vocality and its blossoming, we shall point out the existence of musical gestures that are either distinct or influenced by mechanical processes. Finally, the paradigms of artificial vocality - between rupture and continuity, figuration and disembodiment, ambiguity and paradox - nourish the future of artificial vocality and open the perspective of its imaginary space

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Pages, Hippolyte. "Les imaginaires mythiques du métal et leurs survivances : un exemple d'intermatérialité artistique." Thesis, Toulouse 2, 2018. http://dante.univ-tlse2.fr/id/eprint/9305.

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Abstract:

Dans un contexte artistique où les formes plastiques se démultiplient, cette thèse propose un retour à uneapproche matérielle et concrète de ces dernières, et plus spécifiquement de la sculpture métallique telle queproposée par les artistes depuis le début du XXe siècle. L’examen de la matière métal qui substantialise cesoeuvres modernes et contemporaines se fera, tout au long de cette recherche, au travers du prisme desimaginaires qui l’habitent et la traversent. Ces imaginaires, pouvant provenir d’horizons aussi variés queles mythologies antiques gréco-romaines et scandinaves, les mythes populaires de l’époque industrielle ouencore la littérature et le cinéma de science-fiction, seront ainsi envisagés comme autant de vecteurspermettant de mettre en exergue les différentes caractéristiques et les multiples usages qui peuvent être faitaujourd’hui des métaux dans le monde de l’art. Le rapport intrinsèque qui lie les attributs physiques dumétal, l’onirisme que cette matière véhicule et la manière dont il ressurgit dans les sculptures sera d’ailleursau coeur de cette étude.L’analyse des imaginaires des matières métalliques et de leurs survivances artistiques est menée au traversd’une recherche scientifique pluridisciplinaire. Elle sera impulsée par une démarche historique surl’apparition et l’évolution de la métallurgie, des mythes que cette pratique a fait naître et des créationssculpturales associées (I). Avec l’arrivée de la révolution industrielle, ces rêveries matérielles évoluent etentrainent une métamorphose profonde de la plasticité et de la sémantique des créations artistiques en métal(II). Enfin, au sortir de l’époque postmoderne, de nombreuses songeries utopiques autant que dystopiquesapparaissent quant au rapport entre l’être humain et les métaux, et c’est sur ces interrogations ultracontemporainesque cette thèse se clôturera (III).Tout au long de la recherche, et dans l’aspiration à mettre en avant le rapport essentiel entre les matières,la question transversale de l’intermatérialité, prenant modèle sur celle de l’intermédialité, seraanalogiquement développée, questionnée et illustrée
In a context of artistic production where the diversity of plastic form is widely increasing, this thesis offersto go back to a material and practical approach of the latter, and more specifically of metal sculpturespresented by artists from the beginning of the 20th century. The analysis of the metallic matter whichcomposes these modern and contemporary works will, throughout this research, be operated through thelens of the different imaginaries animating and pervading it. Those imaginaries, coming from such variedhorizons as Ancient Greek, Roman or Scandinavian mythologies, the popular mythology of the IndustrialRevolution or even literature and Science Fiction cinema, will serve as vectors allowing to bring forwardthe different characteristics and various uses of metals in the contemporary art world. The intrinsic linkbetween the physical attributes of metal, the oneirism it conveys, and the way it re-surfaces in sculptureswill be at the core of the present study.The analysis of metal imaginaries and their artistic legacy calls for a pluri-disciplinary scientific research.It starts with a historical approach of the birth and evolution of metallurgy, the myths and the consequentcreations it has generated (I). With the industrial revolution, these metallic dreams have evolved and causeda deep metamorphosis of plastic and semantic qualities of metallic artworks (II). Finally, in the last days ofpost-modernism, either utopian or dystopian vistas are emerging to question the relations between man andthe metallic matter, and these contemporary enquiries will be this work’s last point of focus (III).Throughout the research, the running question of intermateriality (owing to the pre-existing model ofintermediality) – meant to reveal the essential relationship between matters – will be developed, questionedand illustrated simultaneously

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Paquet-Becker, Cécile. "Recherches sur les stèles bouddhiques Pala-Sena : pour une nouvelle approche des modes d'affirmation d'un imaginaire tantrique dans l'art du Bihar et du Bengale (VIIIè -XIIè siècle)." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040036.

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Abstract:

Cette étude se propose d'engager une réflexion sur le sens et les choix de l'iconographie des stèles Pala-Sena, d'éclairer ce qu'ils révélèrent de l'identité des grandes figures sacrées et les modes d'affirmation du bouddhisme tantrique. Elle montre dans un premier temps que la présence des grands sites de pèlerinages, l'accueil des pèlerins et des étudiants étrangers et la vigueur des université firent du Bihar et du Bengale des terres de tradition, d'échange et d'approfondissements doctrinaux. Le tantrisme s'y affirma comme un effort de création et de synthèse philosophique, symbolique et liturgique revendiquant sa filiation au Mahayana. La deuxième partie de ce travail propose un nouvel éclairage sur huit grands motifs symboliques présents dans l'iconographie Pala-Sena. Ils révèlent toute l'autonomie de l'imaginaire bouddhique face à son imposant frère brahmanique. La troisième partie propose une lecture renouvelée des grandes personnalités du panthéon tardif et permet de déterminer les critères permettant de parler de l'art Pala-Sena comme d'un art tantrique
As new informations allow us to have a new approach on Pala-Sena history and religion, this study undertakes to highlight options and meanings of Pala-Sena slab stone sculptures' iconography. The first part of this work reveals the richness of the Indian Pala-Sena religious universe. Bihar and Bengal were places of tradition, intellectual meetings and religious developments. Tantrism was systematised and spread from there as a creative philosophical ritual and symbolical movement which fully claimed its relation with Mahayana. The second part of this study emphasizes the specificities of the Indian Buddhist "mythology", and proposes a new interpretation of eight important symbolic themes of Pala-Sena 's iconography. At least, we propose a new interpretation of the major sacred beings of the late Indian Buddhist pantheon. It reveals the new power of the fivefold manifestation and the decline of Maitreya. It was thus possible to define the elements able to reveal the Tantric identity of the Pala-Sena art

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Dauvergne, Benoît. "Images et imaginaire des Ordres du Roi." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL099.

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Abstract:

Si les membres des « Ordres du roi », expression désignant, sous l’Ancien Régime, l’Ordre de Saint Michel créé en 1469 par Louis XI, et l’Ordre du Saint-Esprit créé en 1578 par Henri III, sont connus et précisément recensés, l’histoire de l’art, en l’occurrence l’examen des toiles, gravures ou sculptures produits entre les XVe et XVIIIe siècles, et en particulier des portraits peints et gravés de chevaliers, permet de progresser dans la compréhension de la fonction et du fonctionnement de ces deux institutions. L’invention et le recours aux ordres de chevalerie par des puissances étatiques centralisatrices ne peuvent être dissociés du processus qui vit en Europe, du Moyen Âge à nos jours, l’affirmation et l’ascension progressive de l’individu, sinon de l’individualisme, face à la collectivité, aux corporations, aux « castes » d’un « vieux monde » solidement organisé. Loin de servir cette vaste émancipation, comme on le conçoit a priori, les ordres de chevalerie agissent à son encontre en permettant certes aux chevaliers décorés d’assouvir leur désir de distinction, mais uniquement de façon superficielle – en leur offrant la possibilité de ressembler au roi –, sans conséquence sur l’ordonnancement des affaires de l’État. À partir de l’étude du don du cordon bleu aux fils de France, des insignes accaparés et des signes que l’on prend pour des insignes alors qu’ils n’en sont pas et de l’altération, par accident, par intention ou par incompréhension des motifs visuels des Ordres du roi, il s’agit de démontrer comment ces derniers constituent des outils de neutralisation d’ordre esthétique, par le pouvoir, des ambitions aristocratiques
If the members of the "Orders of the King", which refer, under the Ancien Régime, to the Order of Saint Michael created in 1469 by Louis XI of France, and the Order of the Holy Spirit created in 1578 by Henry III of France, are well known and precisely identified, history of art, through the examination of canvases, engravings or sculptures produced between the 15th and the 18th centuries, and in particular painted and engraved portraits of knights, paves the way to a better understanding of the Orders in terms of roles and operation. The invention and the use of chivalric orders by a centralized state is intimately linked to the process that led in Europe, from the Middle Ages to present days, to the rise of the individual, if not the rise of individualism itself, in a strong society made up of corporations and “castes”. These orders were not founded to strengthen this dynamics of emancipation, as one could think. Even if the knights were given the right to stand out from the crowd, thanks to insignias that give them the illusion to look like the king, it was only in a superficial way, without affecting the affairs of the state. Our thesis, which consists in demonstrating how the “Orders of the King” were used as a tool of aesthetic neutralization, by the King, of aristocratic ambitions, relies on the study of the Sons of France’s Cordons Bleus – the ribbon from which the Cross of the Holy Spirit was hung was blue –, insignias that are not precisely insignias of the Orders of the King, and the modification by accident, intent or misconception of the Orders of the King’s symbols and representations

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Salas, Irène. "À la frontière du corps : l’imaginaire de la peau à la Renaissance." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0138.

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Abstract:

À la Renaissance, la peau – souvent oubliée dans les récentes études sur le corps – se prête à de nouvelles approches, suscite de nouvelles rêveries, contribue à de nouveaux savoirs. Notre propos est de montrer comment ce singulier organe peut devenir un objet théorique privilégié pour la pensée de l’époque, que structurent de grands couples conceptuels : surface/profondeur, intérieur/extérieur, être/paraître, visible/invisible, sensible/intelligible, corporel/spirituel. Dans cette enquête, qui ne néglige ni les enveloppes végétales et animales (pellicule, écorce, fourrure, cuir, coquille, carapace) ni les « secondes peaux » que peuvent être les tissus, les fards, les parures ou les armures, ont été pris pour guides non seulement des philosophes et des médecins, mais plus encore des écrivains et des peintres. Car si la peau semble disparaître sous le couteau des anatomistes, en revanche les arts de la plume, du pinceau et du burin ont su la mettre en pleine lumière : « épiphanie » dont témoignent aussi bien Montaigne, Ronsard ou Shakespeare que Léonard de Vinci, Michel-Ange ou Titien… Sans oublier les humanistes dont l’imagination a pu se nourrir d’histoires légendaires : comme celles des écorchés Marsyas et saint Barthélémy, ou celle d’Épiméthée qui interroge la nature de l’humain. Une attention particulière a été prêtée à la peau en tant que « support-surface » de l’écriture et de la peinture : car elle a offert aux écrivains et aux artistes l’occasion de réfléchir à leur propre pratique, à la corporéité de l’image et du langage, aux qualités plastiques de la représentation
During the Renaissance, the skin – which has often been overlooked in recent studies on the body – allowed new approaches, initiated new speculations and contributed to a new knowledge. Our purpose is to show how this singular organ became a privileged theoretical object in a time when thought was structured by conceptual couples such as surface and depth, interiority and exteriority, being and appearing, the visible and the invisible, the sensible and the intelligible, the corporeal and the spiritual. In this survey, which also takes into account vegetable and animal skins (membrane, bark, fur, leather, shell) and “second skins” such as clothing, make-up or armours, our guides were not only philosophers and physicians, but mostly writers and painters, who brought the skin into light while it seemed to disappear under the blades of anatomists. Its “epiphany” can be seen in Montaigne, Ronsard and Shakespeare, as well as in Leonardo da Vinci, Michelangelo or Titian. . . Not to mention those whose imagination was nourished by the legendary stories of the flaying of Marsyas and Saint Bartholomew – or by the myth of Epimetheus that questions the human nature. Particular attention was paid to the skin as “support-surface” of writing and painting, because it offered writers and artists the opportunity to reflect on their own practice, on the materiality of language and images, on visual and tactile qualities of representation

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Hita, Michèle. ""The Lord of the rings" : enfance de l'art et grammaire de l'imagination." Montpellier 3, 1996. http://www.theses.fr/1996MON30039.

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Abstract:

Cette etude repose entierement sur les jeux auxquels le professeur tolkien se livre a tous les niveaux de la creation de the lord of the rings - jeux de conteur et de linguiste qui donnent a l'oeuvre sa richesse autant que son ambi- guite generique. La premiere partie analyse la place de l'enfant l'enfance dans l'imaginaire des personnages et de leur auteur et met en evidence la symbolique de l'anneau dans un contexte de "roman familial". La seconde partie s'applique a repertorier tous les jeux mis au service de la narration, faisant apparaitre la fonction narrative des jeux de roles entre les personnages, des jeux d'ombre et de lumiere, ou encore des jeux de mots, proverbes et devinettes. La troisieme partie veut enfin demontrer que le jeu auquel tolkien soumet toute voix et tout signe peut se lire comme un veritable manuel du fonctionnement de l'imaginaire, tandis qu'il commande une reflection sur le genre de the lord of the rings et sur la tension entre ethique et esthetique dans cette oeuvre. Peut se lire comme un veritable manuel du fonctionnement de l'imaginaire, tandis qu'il commande une reflection sur le enre de the lord of the rings et sur la tension entre ethique et esthetique dans cette oeuvre
This dissertation analyses the games professor tolkien plays at every level of the creation of the lord ot the rings. Those are both a writer's gates and a philologist's play on words, which lend the tale its wealth and its ambiguity. The first part studies the place of children/childhood in the characters" imag- ination and in their author's as well. It focuses on the symbolical meaning of the ring in such a context as freud's family novel. The second part tries to list all the games involved in the narrative process, highlighting the narrative function of the characters' role playing, of the play of light and darkness, and such play on words as proverbs and riddles. The third part intends to show that tolkien's interplay with voices and signs can be read as a real grammar book for fantasy, while it entails a questioning of the genre of the lord of the rings and a reflection on the tension existing between ethics and aethetics in this work of fiction

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Degorge, Virginie. "Ac cadaver : Etude psychanalytique d'une figure du contemporain à partir du phénomène de plastination anatomique de Gunther von Hagens." Paris 7, 2013. http://www.theses.fr/2013PA070104.

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Abstract:

La plastination est une méthode de conservation inventée par l'anatomiste G. Von Hagens. Développée industriellement, elle donne lieu à des expositions controversées de cadavres anonymes et préservés dans des positions de vie. Comment comprendre le succès de ces expositions, alors qu'il est devenu commun de dire la mort tabou ? En quoi les plastinats s'inscrivent-ils dans l'histoire de la représentation du corps et de l'exposition du cadavre, tout en témoignant du monde qui les a produits ? Echos des discours de l'époque et miroirs de ses corps, les plastinats permettent de penser les tensions contemporaines, lorsqu'ils génèrent des théories de la rupture anthropologique et subjective. Ils supportent les illusions moïques de complétude, au prix d'une recomposition tantalisante, et illustrent l'obsessionnalisation favorisée par la science. Abordant ce phénomène comme un symptôme, ce travail questionne le discours de l'inventeur, des visiteurs, des candidats à la plastination et de ses détracteurs, mais également les particularités esthétiques et signifiantes de ces corps
Plastination is a method of conservation invented by anatomist G. Von Hagens. Developped industrial way, it gives rise to controversial exhibitions of anonymous corpses preserved in life-like positions. How to fathom the success of those exhibitions whereas it is commonplace to consider death as a tabou ? How the plastinates fit in the history of representation of bodies anc exposure of corpses while they testify of the world they were created in ? Echoing the ideas of an era and mirroring its bodies, plastinates underline contemporary tensions, when they generate theories of anthropological and subjective rupture. They support the ego-illusions of completeness, at the cost of a tantalizing redial, and lets us see the effects of obsessionnalisation favored by science. Approaching this phenomenon as a symptom, this work questions the point of view of the inventor, visitors, candidates for plastination and its detractors, but also sensitive and significan features of these bodies

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Captain-Sass, Sylvie. "La plasticité neuronale comme nouveau territoire de l'imaginaire." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010571/document.

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Abstract:

La collaboration entre artistes et scientifiques accompagne, depuis le XVIe siècle, une évolution des représentations d’un corps de plus en plus morcelé. La théorie de la plasticité neuronale, aussi révolutionnaire pour certains que celle de Copernic ou de Darwin, a esquissé les lignes de nouveaux paradigmes scientifiques, mais aussi philosophiques et sociaux, sur lesquels les artistes contemporains s’appuient de manière poétique, parfois ironique et dénonciatrice. De la fétichisation de la science à la manipulation des concepts et protocoles récents, certains modes d’expression plastiques s’appuient aussi sur l’avancée spectaculaire et stimulante des biotechnologies. Les questions de déformation, d’impermanence et d’interaction accompagnent celle de plasticité, qu’elle soit neuronale, physique ou qu’elle concerne les matériaux. Cette thèse analyse, à partir des éléments de ce contexte, les enjeux de démarches d’artistes aux prises avec ces plasticités à l’œuvre. Prenant en considération le rapport d’influence réciproque qui existe entre plasticité cérébrale et corporelle, j’analyse aussi l’impact d’une pratique méditative ou énergétique sur toute démarche humaine, et plus précisément sur celle de l’artiste par l’élargissement de ses champs perceptifs et créatifs. Je questionne ainsi l’impact du shintaïdo, art martial japonais, sur ma poïèse. L’usage de la cire, matériau plastique à la fois modeste et sacré, est confronté à celui de la toile brute, extirpant de la matière cérébrale mais aussi corporelle des cartographies à la syntaxe mystérieuse, telles des errances nomades telluriques devenues aujourd’hui plus aériennes
Since the 16th century, the collaboration between artists and scientists has gone along with an evolution of representations of a more and more fragmented body. The neuroplasticity theory, as revolutionary for some people as the one of Copernicus or of Darwin, has made a start on the lines of new scientific, but also philosophical and social paradigms, on which contemporary artists rely in a poetic, sometimes ironic and denunciatory way. From the high value given to science to the recent protocols and concepts manipulation, some artistic techniques also rely on the spectacular and stimulating breakthrough of biotechnologies. The questions linked to distortion, impermanence and interaction come with those of plasticity, being neuronal, physical or in connection with materials. From these context elements, this thesis analyzes the issues linked to the approaches from artists grappling with these plasticities at work. Taking into consideration the mutual influence relationship existing between brain and body plasticity, I also analyze the impact of Shintaido, a Japanese martial art, on my poïesis. The use of wax, a both modest and sacred plastic material, is confronted to the use of raw canvas, dragging out maps with a mysterious syntax from brain and body matter, like telluric nomadic wanderings that have become more ethereal today

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Lavergne, Pascal de. "Approche(s) de l'imaginaire dans l'oeuvre photographique de J. H. Lartigue : du reflet à la part de l'ombre." Rennes 2, 2000. http://www.theses.fr/2000REN20059.

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Abstract:

La signature de Lartigue invite à reconsidérer son œuvre photographique sous l'angle de l'imaginaire. L'artiste a laissé une œuvre complexe, monumentale, inachevée, qui sollicite notre regard et pose la question de l'imaginaire pour donner à voir les images. Lartigue a vécu sa vie en la rêvant par la photographie, il a inventé une pratique qui ne répond à aucun critère établi : elle correspond à un jeu venu de l'enfance, un secret, un mystère. Comment un corps pris dans un "devenir-photographie" s'exprime-t-il en images ? Dans cette enquête, l'écriture du journal intime apporte un écho déterminant aux albums. Avec Lartigue, la photographie devient un acte de croyance, de foi, de connaissance qui engage le corps dans le temps avec l'image, et donne vie à une Histoire. L'imaginaire se profile à travers une "Image-Mémoire" construite par la photographie, dans l'ombre du père et de la mère. Le geste photographique révèle une recherche du temps perdu dans l'apparaître d'une enfance retrouvée. Notre approche s'inscrit dans une pratique réflexive qui traverse les champs de l'Esthétique et des Arts Plastiques, dans le souci permanent de remonter à la source du système Lartiguien, de l'expérimenter au contact d'une dynamique possible entre philosophie, littérature et cinéma. La notion de montage envisage de reconstituer l'expérience d'un "corps-image ", de décomposer le temps cristallisé, et d'éclairer le processus des métamorphoses. Notre projet vise à ausculter les signes de cette image inclassable, nouvelle et puissante, mélancolique du cinématographe, et à découvrir ses mécanismes internes qui mettent en continuité le mouvement des formes entre les formes
Lartigue's signature invites one to reconsider his photographic work from the stand point of the imaginary. Lartigue has left us with an unfinished piece of work which is both extremely complex and monumental and which cannot but catch one's eye and leave one faced with the question of the imaginary. Lartigue dreamed his life through photography: he invented a method which was trail-brazing : it mirrors a childhood game, a secret, a mystery. How does a body express itself in images when taken for a "photograph to be" ? ln this study, reading of his personal diary is of precious importance when trying to comprehend his albums. Photography becomes an act of faith, of belief, of knowledge mingling body and image in time, and giving life to a Story. The imaginary emerges via an "Image-Memory" created by the photograph, with father and mother' s images in the background. The photographic movement is a symbol of the search of times past and of a renewed childhool to brought to life via the magic of photography. Our study is an analysis which brushes through the Esthetic as well as the Plastic Arts, with the ain of going back to the origins of Lartigue' s method of work and to confront it to philosophy, literature and to the cinema. The idea of mounting will enable one to relive the " body-image" experience, to break down time, bring it to a stand still and to enlighten our understanding of the process of metamorphosis. Our project is aimed at studying the marks of this new, powerful and. Melancolic cinematographic work, which cannot be put into any category, and to try and find what internal mechanisms bring in perpetual movement of shapes between shapes

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Falci, Bitarelli Medeiros Laura. "Le réel et le merveilleux : représentations de la culture populaire du nord-est brésilien dans l’œuvre de J. Borges." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA117.

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Abstract:

Ce travail de recherche vise à étudier les expressions écrites de la littérature du cordel et les représentations visuelles de la xylographie de l'auteur José Francisco Borges, connu par son abréviation J. Borges, l'un des artistes populaires les plus reconnus d'Amérique Latine. La littérature de cordel est une forme de manifestation culturelle de la région du Nord-est du Brésil. C’est une poésie orale qui dépeint la mémoire et l’imaginaire de cette région. Le cordel sera souvent lié à la xylographie, gravure sur bois qui illustre ses couvertures. La lecture des folhetos de cordel se rapproche intimement de la tradition de l’oralité, elle permet de parcourir le contexte social, historique et culturel de la région Nord-est En plus de sa fonction linguis-tique et littéraire, on retrouve dans la littérature de cordel l’identité d’un peuple, qui, à travers le langage, les croyances, l’humour et la culture en général, dévoile toutes les caractéristiques de sa société. De même, les xylographies expriment en images cette identité populaire. Il appa-raît donc que le cordel et la xylographie se manifestent comme une identité socio-historique et culturelle de la région Nord-est du Brésil. Cette investigation est multidisciplinaire car elle s’appuie sur les réflexions d’auteurs évoluant dans les domaines de la culture populaire et de la sémiologie d’images. Ces deux éléments établissent les questions théoriques de ce travail. Les relations entre le verbal et le visuel sont étroitement liées dans l’œuvre de J. Borges. Nous chercherons donc à analyser quel sens prennent le cordel et la xylogravure dans l’univers créa-tif de cet auteur. Nous avons adopté comme stratégie de recherche l’analyse du langage dans ces deux formes de création : le texte et l’image. Ces stratégies nous amèneront à réfléchir sur les spécificités de la parole dans le texte et le visuel des xylographies
This research work aims to study the written expressions of the cordel literature and the visual representations of the xylography made by José Francisco Borges, known as J. Borges, one of the most recognized popular artists in Latin America. The cordel literature is a form of cultural demonstration from the north east of Brazil. It’s an oral poetry that depicts the memory and the imagination of this region. The cordel is often associated to the xylo-graphy, woodblock prints that illustrate its covers. The reading of the folhetos of cordel is deeply rooted in the oral tradi-tion, revealing the social, historical and cultural context of the north east region. In addition to its linguistic and literary role, the cordel literature gives a pic-ture of the people’s identity, that unveils all the society’s characteristics through language, belief, humor and culture in general. Likewise the xylographs express this popular identity through images. Thus, it appears that the cordel and the xylography establish themselves as a socio-historical and cultural identity of the north east region of Brazil. This investigation is multidisciplinary since it is based on the thoughts of authors who evolve in the fields of popu-lar culture and visual semiotics. These two elements establish the theoretical questions of this work. Hence, we will analyze the meaning of the cor-del and the xyloghraphs within the crea-tive universe of the author. We adopted as a research strategy, the analysis of the language in these two forms of creation: the text and the image. These strategies will lead us to reflect on the specificities of the oral in the text and the visual of the xylographs

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Li, Jialin. "Entre symbolique et imaginaire : étude comparée de deux symboles nationaux, le dragon chinois et le coq français, origine, élaboration, utilisation et réception de 1500 à l'époque contemporaine." Thesis, Lyon, 2019. http://www.theses.fr/2019LYSE3021.

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Abstract:

Le dragon est le symbole national de la Chine et le coq de la France. Le dragon est un animal imaginé, le coq un animal réel. Ils diffèrent d’autres symboles nationaux comme l’aigle germanique dont l’image évoque d’emblée la force et l’autorité. Pourquoi les deux ont pu servir de façon stable de symbole national : quelles caractéristiques ont-ils ? quelles conditions ont-ils remplies dans l’Histoire pour acquérir ce statut ? On essaye de répondre à ces questions en trois parties. La Partie I étudie la présence des deux symboles dans des domaines de la vie courante. On trouve que cette présence produit une familiarité qui permet à tous les groupes sociaux d’identifier leur apparition. La Partie II concerne l’iconographie et l’esthétique. Leurs évolutions morphologiques révèlent une combinaison d’humain-animal. On découvre ainsi que les deux symboles présentent des schèmes communs : la force, le privilège, le pouvoir, etc. Cette image est néanmoins obtenue de façon différente : le dragon de face est lié à l’empereur et le coq à une image de chevalier et de héros. La Partie III aborde la littérature à travers l’étude de la nomination et du rôle. L’étude sur la nomination révèle que leurs nom et appellation confirment les schèmes déjà identifiés de leader, d’empereur et d’élite, permettant au dragon ou au coq, de manifester l’autorité d’empereur (roi), de héros civilisateur ou d’ancêtre mythique. Ces similitudes rapprochent leur image du symbole national. A côté de ces aspects homogènes, se dessine une hétérogénéité dans la construction de l’image des deux symboles sur la personnalité idéale : l’empereur pour les Chinois et le héros pour les Français
The dragon is the national symbol of China and the rooster is of France. The dragon is an imagined animal; the rooster is a real. They are different from other symbols such as Germanic eagle who evokes strength and authority at the first sight. Why the dragon and the rooster could have been served as a country’s symbol: what characteristics do they have? what conditions have they fulfilled in the history to win this place? We try to answer the questions with three parts. The part I studies the two symbols’ presence in daily life. We find that a frequent presence produces a familiarity that allows all social communities to identify the appearance. The part II is on the iconography and aesthetics. The morphological evolutions of the two symbols reveal that their image combines the human and the animal. We discover that the two symbols present common schemas: strength, privilege, power, etc. Nevertheless, their image is obtained in a different way. The frontal dragon is in connection with the emperor, the rooster with an image of knight and hero. The part III focuses on the literature, discusses the nomination and the role. The study on the nomination reveals that the two animals’ name and appellation confirm the identified schemas of leader, emperor and elite, which allow the literary character, dragon or rooster, to manifest their authority of emperor (king), civilizing hero or mythical ancestor. These similarities bring their image closer to the national symbol. Besides the homogeneous aspects, we find a heterogeneity in the construction of the two symbols’ image on the ideal personality of the two countries: the emperor for the Chinese and the hero for the Frenchmen

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Grosbusch, Lisa. ""Of course I love you, the flower said" Creation of a visual, fantastic and immersive installation based on classic literature for children." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30254/30254.pdf.

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Abstract:

Le texte suivant est une réflexion sur la création et la théorie derrière mon projet de maitrise appelé ‘Of course I love you, the flower said’. Cette installation, basée sur la littérature classique pour enfants, est composée de plusieurs éléments dont trois cabanes distinctes et un environnement qui les entoure. Cette installation a comme but d’entièrement transformer la salle d’exposition afin de créer une possibilité d’immersion pour le visiteur. Elle est de l’ordre du fantastique et de l’imaginaire et prend son point de départ dans la dualité entre l’enfance et l’état adulte. Chaque cabane présente un diffèrent type d’art à l’intérieur, notamment un surplus de dessins, une muraille et une projection d’images virtuelles. Ainsi chaque forme d’art, l’élément de la cabane et le jardin entourant sont discutés prenant en compte comme ensemble, ils créent l’effet d’immersion désirée.
The following text is a reflection on the creation and theory behind my master’s project titled ‘Of course I love you, the flower said’. This installation, based on classic literature for children, is composed of various elements such as distinct cabins and the environment around them and aims to entirely transform the gallery space in order to create a possibility of immersion for the viewer. The installation itself is of the order of the imaginative and the fantastic and has a starting point in the child-adult duality. Each cabin features a different type of art on the inside, namely a surplus of drawings, a mural and a projected slideshow of virtual images. Hence each of these different art-forms, alongside the element of the cabin and the outside ‘garden’, are discussed with special regards to how together, they achieve the aimed for immersion.

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Toillon, Valérie. "Corps et âme en mouvement. Expression et signification du mouvement dans la peinture de vases en Grèce ancienne (Ve s. av. J.-C.). Ivresse, possession divine et mort." Thesis, Besançon, 2014. http://www.theses.fr/2014BESA1009/document.

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Abstract:

Cette thèse se propose d’étudier l’expression du mouvement dans la peinture grecque ancienne, ici la peinture de vases, source très riche concernant l’univers visuel des Grecs de l’antiquité, et plus particulièrement le lien qui unit les émotions aux mouvements corporels. Les théories anciennes à propos de la représentation figurée sont unanimes : l’objet de la peinture est l’être humain et le peintre, dès les mythes qui relatent la création de la peinture et plus généralement des arts plastiques (sculpture et modelage), se doit de représenter le vivant sous tous ses aspects, extérieur comme intérieur; autrement dit, le corps humain apparaît comme le moyen le plus efficace pour exprimer et transmettre les émotions qui l’animent, par les mouvements ou les attitudes que le corps adopte ou encore les expressions faciales. Ce constat s’applique à l’expression des états émotionnels intenses ou altérés comme par exemple : les modifications qu’entraînent la consommation de vin, une action divine comme la possession par un dieu ou encore l’imminence de la mort. Il faut, pour mieux comprendre ces phénomènes, se tourner vers la conception ancienne de l’âme (θυμός et/ou ψυχή), qui dès l’époque homérique est conçue comme le siège des sentiments mais aussi comme un souffle qui entre et sort du corps. C’est une notion primordiale pour saisir la nature des mouvements qui animent les personnages figurés en proie à l’ivresse, sous le joug d’une possession divine ou sur le point de mourir : dans chacun de ces cas, l’âme est sollicitée d’une manière ou d’une autre, soit que ses liens avec le corps se trouvent relâchés ou qu’elle quitte temporairement ou définitivement le corps. Il apparaît que l’expression de ces états particuliers, dans l’imagerie grecque ancienne, n’ignore pas de tels concepts que ce soit à propos du but fixé à l’art ou sur la relation que l’âme entretient avec le corps : les mouvements corporels expriment clairement un état qui sort de l’ordinaire par l’orientation des corps, les gestes, les actions et les expressions faciales et ne semblent pas se borner à la figuration d’une simple réaction physiologique. Il s’agira également d’établir un lien entre les images anciennes et les théories modernes développées à propos de la figuration des mouvements dans l’art : le but étant de montrer que les peintres de vases privilégiaient bien plus l’expressivité, dans le but d’illustrer un concept, une idée, plutôt que de rendre compte d’une parfaite réalité
This thesis proposes to study the expression and depiction of movement in ancient Greek painting, specifically vase painting. While illustrating the very rich and unique source of the visual world of ancient Greece, the emphasis is kept on the link which unites the emotions to the body movements, gesture or posture. Theories about ancient pictorial representations are unanimous on the subject of painting the human figure. From the myths concerning the creation of painting and visual arts (sculpture & modeling), the artist must portray and illustrate the living in all aspects, external and internal. Using the human figure and representation of the anatomy, appears to be the most effective way to convey the emotions and feelings that animate the body through the depiction of gesture, posture or facial expression. This portrayal applies to the expression of intense emotion or altered state of being such as: the over consumption of wine, being possessed by a god (divine action) or the imminence of death. For a better understanding of the portrayal of this phenomenon, it is necessary to turn to the origin of the ancient Greek idea of the soul (θυμός or/and ψυχή). From the Homeric age this concept can be understood as the basis of sentiment and emotion and can be seen as natural as a breath which enters and exits the body. This notion is of key importance, to understand the origin of movement that brings to life the characters depicted in the images, whether consumed by drunkenness, under the yoke of divine possession or about to die. In each case, the soul is solicited, in one way or another, whether in its temporary or permanent separation or dissociative state from the body. Whether the aim is set out in art or in the relationship that the soul maintains with the body, Ancient Greek imagery does not ignore such concepts as the expression of these intense emotional and altered states whatsoever. Bodily movements clearly articulate an out of the ordinary state by the orientation of the body, gestures, actions and facial expressions and does not seem to be limited to the representation of only a physiological reaction. A link will be established between ancient images and modern theories developed on the subject of representation of movement in art. The objective: To demonstrate that the artists who adorned ancient vases favored the illustration of a concept or an idea, by imagination and expressivity, above the reporting of a perfect reality

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Castro, da Cunha Luiz Manoel. "Les drailles féminines de « Grande Sertão Veredas » de João Guimarães Rosa, dans la traduction intersémiotique photographique de Maureen Bisilliat." Thesis, Grenoble, 2014. http://www.theses.fr/2014GRENL017/document.

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Abstract:

Cette thèse a été conçue comme une analyse des relations existantes entre la littérature et la photographie. Elle a pour objet d'étude l'oeuvre littéraire Grande Sertão: Veredas (1956) de João Guimarães Rosa, traduite par des photographies de Maureen Bisilliat à partir de l’original de João Guimarães Rosa (1969). Bien que la photographie ait essayé d’interagir avec la littérature dès ses prémices en 1849, ce ne sera qu'avec l'arrivée des mouvements avant-gardistes qu'apparaîtra une plus grande interaction entre les deux arts. Ceci favorisera des questionnements sur le « travail artistique », et ce, pas uniquement pour le domaine de la photographie, mais pour l'Art, en général. L'accent est mis sur cette période de grande interaction, s’appuyant surtout sur l'école surréaliste, considérée comme innovante et pionnière artistique pour son interaction entre ces deux langages. Dans le domaine littéraire, l'étude sur l'interaction avec les écrivains a favorisé une connaissance sommaire de quelques noms qui ont dialogué avec la photographie dans leurs œuvres, écrivains passionnés par la photographie, considérés également comme photographes. Dans cette étude s’opère une traduction intersémiotique, ou une transposition créative. L'image photographique ne sert pas uniquement à illustrer les mots de l'écrivain. Elle dialogue avec le texte et cette construction n'est ni aléatoire ni directe. Le travail démontre que le processus créatif des artistes est similaire, dans la diversité de leur esthétisme. Bien que tous deux expriment leur spécificité, ils partagent des équivalences, qu'elles soient convergentes ou divergentes, transmises grâce à des images métaphoriques de l'ambiance du Sertão et de ses habitants. Dans le dialogue inter-sémiotique construit à partir de A João Guimarães Rosa, le roman Grande Sertão: Veredas a dû être fragmenté en légendes, pour que la photographie puisse explorer à loisir l'univers féminin latent de l’œuvre. Cette féminité est dévoilée progressivement grâce aux théories littéraires émanant de l'ensemble des critiques parues sur le roman. Le reportage-photo fonctionne dès lors que les personnages affleurent dans les images, notamment grâce aux légendes, mais aussi grâce aux éléments silencieux qui jaillissent des clichés, rattachés à l'univers durandien: l'élément féminin présenté dans les images appartient au régime nocturne. Maureen Bisilliat nous laisse croire en la possibilité d'une nouvelle signification de l'oeuvre de Guimarães Rosa, des relations entre la réalité et la fiction, dualité présente depuis le surréalisme, en accord parfait avec l'Imaginaire de Gilbert Durand
This thesis conducted an analysis of the relationship between literature and photography, with the object of study the work: the novel Grande Sertão: Veredas (1956) by João Guimarães Rosa, which has translated for the photography of Maureen Bisilliat in the work, A João Guimarães Rosa (1969). Since its inception, photography rehearsed some steps in the dialogue with the literature. However, were the vanguard of movements that showed greater interaction, leading questions about the artistic work not only on the picture that tried to consolidate as art as well as art by itself in general. Surrealism can be considered as a landmark dialogue, innovation, artistic pioneer among these languages. In the literature, the study of the interaction with writers provided a brief knowledge of some names in the literature that dialogued with photography in his works, lovers of the photographic medium, were also considered photographers. In this work, we treat photography as a inter-semiotic translation, or even creative transposition. The photographic image is not only meant to illustrate the words of the writer. It dialogues with the text, and this construction does not occur randomly and direct way. The research demonstrated that the creative process is similar on both artists the diversity of its aesthetic. The two express their specificities, but at the same time, they nevertheless share equivalents, either convergences or divergences, enabled through metaphorized pictures of backcountry environment and its inhabitants. In intersemiotic dialogue built on João Guimarães Rosa, it was necessary to fragment the novel Grande Sertão: Veredas in captions for the picture to explore the latent feminine in this work. This femininity has been revealed through literary theory that presents a critical rich fortune about the female in Grande Sertão: Veredas. The photographic essay is driven in that the characters perceive the images surfacing through their legends, in addition to several female members silently emerge from images which related durandiano universe belonging to the nocturnal regime. Maureen Bisilliat, makes us believe in the possibility of reframing of Rosa's work, the relationships between reality and fiction, such as duality present from the surrealism that communes with the Imaginary of Gilbert Durand
Esta tese realizou uma análise das relações existentes entre literatura e fotografia, tendo como objeto de estudo a obra literária Grande Sertão: Veredas (1956) de João Guimarães Rosa, traduzida em fotografias de Maureen Bisilliat na obra A João Guimarães Rosa (1969). Apesar de a fotografia ensaiar passos na interação com a literatura desde o seu surgimento em 1849, os movimentos de vanguarda é que propiciaram questionamentos sobre o fazer artístico não só na fotografia, bem como da própria arte em geral. O diálogo entre essas linguagens enfatizou-se sobretudo na escola surrealista, considerada como um marco de inovação e pioneirismo artístico nessa inter-relação. Essa interação propiciou um breve conhecimento de alguns nomes da literatura que dialogaram com a fotografia em suas obras, escritores amantes da fotografia, alguns considerados também fotógrafos. Neste trabalho ocorre uma tradução intersemiótica, ou ainda, uma transposição criativa. A imagem fotográfica não serve apenas para ilustrar as palavras do escritor. Ela dialoga com o texto, e essa construção não se dá de maneira aleatória nem direta. A pesquisa demonstrou que o processo criativo de ambos os artistas é o mesmo na diversidade de suas estéticas. Os doisexpressam suas especificidades, mas, ao mesmo tempo, revelam equivalências, seja por convergências ou por divergências, viabilizadas por intermédio de imagens metaforizadas do ambiente sertanejo e em seus habitantes. No romance, foi necessária a fragmentação, em forma de legendas, por parte da fotógrafa para dialogar com as imagens, ao menos num primeiro momento. A feminilidade latente na obra é desvendada através da teoria literária, que apresenta um rica fortuna crítica acerca do feminino em Grande Sertão: Veredas. O ensaio fotográfico é acionado ao tempo que se percebe as personagens aflorando nas imagens literárias em suas legendas, além de diversos elementos que emergem, como as imagens relacionadas com o universo durandiano: o elementofeminino, pertencente ao regime noturno. Maureen Bisilliat faz acreditar na possibilidade de ressignificação da obra rosiana, das relações entre a realidade e a ficção, dualidade tão presente desde o surrealismo, que comunga com o Imaginário de Gilbert Durand

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Boullier, Jean-François. "L'ange et le monstre : esthétisation foetale et deuil d'enfant : le cas de l'interruption médicale de grossesse (I.M.G)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015PA030009.

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Abstract:

Cette thèse analyse l’évolution des imaginaires de la grossesse depuis 40 ans ainsi que certaines de ses incidences sociales.La science embryologiste avait installé depuis le 19ième siècle une tradition de représentation réaliste du foetus humain. Au cours de la 2ième moitié du 20ième, les choses semblent changer. En 1970, les photos de Lennart Nilsson notamment ont coloré, autonomisé, esthétisé et humanisé le foetus. En France, le ‟foetus anatomique” s’est vu par ailleurs retiré des muséums, son image s’absente du ‟Larousse médical illustré” et des manuels de sciences naturelles. Quant au foetus présent dans l’art contemporain, il est surdimensionné ou dégoûtant : ce qui ressemble donc le plus à un ‟vrai” foetus se déréalise. L’haptonomie et certaines technologies autour de la grossesse vont accentuer ces modifications de l’image du foetus au profit des imaginaires parentaux.Les effets sociaux de cette idéalisation foetale sont variés. L’humanisation du ‟beau foetus” enlaidissant l’anomalie, la hantise maternelle du ‟monstre foetal” est d’avantage intériorisée et trouble le travail en médecine foetale. Leur refus de l’anomalie devenant plus implicite, médecins et parents adoptent un langage euphémisé. Mais même l’image du foetus avorté s’humanise. Elle devient émouvante. Quand un foetus est condamné, il faudra donc le réparer, concrètement et symboliquement. Les soignants qui invitent les parents à voir le foetus après sa mort vont le présenter comme un bébé dormant, réparé de ses malformations. Certaines mères, surtout quand elles envisagent une nouvelle grossesse, le représentent alors comme un ange, cet ange devenu omniprésent sur les forums Internet.Ce dispositif questionne les sociétés contemporaines : les spécialistes de médecine foetale se retrouvent aujourd’hui confrontés à certains parents refusant la naissance d’un enfant atteint de malformations sans gravité. Au miroir de leur bébé surgit un indicible : l’horreur d’un foetus porteur d’anomalie. L’esthétisation ne rend-elle pas les imaginaires de l’anomalie d’autant plus puissants qu’ils n’ont plus d’espace, autre que le for intérieur, pour se déployer ?
This thesis analyses the evolution of imagination of the pregnancy for forty years as well as some of its social incidences.The science embryologist had installed since the 19 th century a realist tradition of presentation of the human foetus. During half of the 20 th, things seem to change. In 1970, the photographs of Lennart Nilsson in particular coloured, empowered, aestheticized and humanized the foetus. In France, the ‟anatomical foetus” saw itself besides out-of- the way of the museums, its image absent in in the ‟illustrated medical Larousse” and the textbooks of natural sciences. As for the foetus present in the contempory art, it is oversized or disgusting : what looks like mots of ‟real” foetus derealises. The haptonomy and certain technologies around the pregnancy are going to stress these modifications of the image of the foetus for the benefit of parental imagination.The social effects of the foetal idealization are varied. The humanisation of the ‟beautiful foetus” making ugly anomaly, the maternal obsession of the ‟foetal monster” is more interiorized and discorders work in foetal medicine. Their refusal of anomaly becoming more implicit, doctors and parents adopt an euphemized language. But, even the image of the aborted foetus fallen through humanizes. It becomes moving. When a foetus is condemned, it will thus have to be repaired concretely and symbolically. The nursing who invite the relatives to see the foetus after his death will present him as a sleeping baby, repaired by his deformations. Certain mother especially when they envisage a new pregnancy, represent him then as an angel, this angel become omnipresent on the Internet forums.This dispositf questions the contemporary societies : the specialists of foetal medicine are faced with certain parents refusing the birth of a child affected by deformations without gravity. In the miror of their baby appears an unspeakable : the horror of an expanding foetus of anomaly. Does not the esthetisation make the imagination of the anomaly all the more powerful as they do not have more space other than the heart of hearts to spread ?

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Ciavaldini, Rivière Laurence. "Imaginaires de l'Apocalypse : pouvoir et spiritualité dans l'art gothique européen /." [Paris] : CTHS : INHA, Institut national d'histoire de l'art, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41005950v.

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Abstract:

Texte remanié de: Thèse de doctorat--Histoire--Grenoble 2, 2000. Titre de soutenance : L'Apocalypse des ducs de Savoie : spiritualité et pouvoirs princiers dans l'art gothique.
Bibliogr. p. 334-362. Index. CTHS = Comité des travaux historiques et scientifiques.

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Pageard, Camille. "Utilisation et fonction de la reproduction photographique d’oeuvres d’art dans les écrits sur l’art d’André Malraux : formes et représentations de l’histoire de l’art." Rennes 2, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00585116/fr/.

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Abstract:

Après la Second Guerre mondiale, André Malraux publie en 1951 Les Voix du silence chez Gallimard, refonte en un volume des trois tomes de Psychologie de l’art édités par Albert Skira entre 1947 et 1950. Partant du constat que les reproductions d’oeuvres d’art permettent de constituer un « musée imaginaire » dépassant les divisions géographique et historique des musées et des oeuvres, l’auteur développe une théorie de l’art transgéographique et transhistorique dans une relation serrée avec l’iconographie. Malraux s’inscrit ainsi dans une histoire de l’histoire de l’art dont le propos en images contient une théorie liée à la monstration des oeuvres par la reproduction photographique. « Le musée imaginaire » est ici considéré comme un exposé de méthode informé par la lecture des textes de Walter Benjamin. C’est alors la méthodologie historique dans son rapport avec la forme de l’écrit qui peut être saisi, son travail sur l’image lui permettant de construire une théorie propre, mais aussi de représenter visuellement son histoire de l’art de manière « cinématique ». A partir de là, c’est l’histoire de la photographie et de l’édition d’histoire de l’art qui se révèle. Son utilisation de la reproduction photographique s’inscrit en effet dans le cadre d’une réflexion sur le médium même de diffusion du discours sur l’histoire de l’art en proposant une forme éditée jouant avec les codes du genre éditorial. Une série de comparaisons avec les ouvrages de Georges Bataille, de René Huyghe, de Georges Duthuit, d’Ernst Gombrich et de John Berger permet d’en révéler la spécificité et de situer les textes de Malraux au sein d’une de l’histoire de l’histoire de l’art
After World War Two, André Malraux publish in 1951 Les Voix du silence, edited by Gallimard. The book is a rewritten version in one volume of Psychologie de l’art’s trilogy, originally published by Albert Skira between 1947 and 1950. Based on the observation that artworks’ reproductions allow to constitute a “musée imaginaire” beyond geographical and historical divisions of museums and original artworks, the author develop a “transgeographica” and “trans-historical” theory by a close relationship with illustrations. Thus, Malraux is taking part in an history of art history in which the discourse with images contains a theory linked to artworks’ presence through photographic reproduction. The “musée imaginaire” is here considered as a methodological presentation informed by the reading of Walter Benjamin’s texts. Then, an historical methodology can be understood in its relation to the written form. Malraux’s studies of image allow him to define a peculiar theory as well as to visually represent his own version of art history in a « cinematic » way. From this point, history of photography and art history’s publishing are revealed. Indeed, his use of the photographic reproduction is motivated by a reflexion on the very means of diffusion of art history discourses. Malraux creates an edited form that plays with editorial codes in use in this field. A series of comparisons with books by Georges Bataille, René Huyghe, Ernst Gombrich and John Berger allow to notice its specificity and to locate Malraux’s texts in the history of art history

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Hassid, Sarah. "L'imaginaire musical et la peinture en France entre 1791 et 1863 : mythes, pratiques et discours." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H065.

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Abstract:

Durant une large première moitié du dix-neuvième siècle, la musique est érigée en modèle poétique et esthétique. Elle met les artistes au défi d’un idéal invisible, impalpable et éphémère. Du Sommeil d’Endymion de Girodet à la Jeune fille en blanc de Whistler, cette étude tente de comprendre l’origine, les raisons, ainsi que les modalités du dialogue qui s’est opéré, en France, entre un imaginaire sonore revivifié et le domaine pictural. Elle s’attache à en dégager les mythes fondateurs et les expressions concrètes au sein des œuvres, des pratiques et des discours. De Sainte Cécile au poète civilisateur et au musicien virtuose, l’art des sons est incarné par des figures inspirées ou possédées qui contribuent à modeler une nouvelle image de l’artiste. À mesure qu’elle s’affirme comme un phare au sein des Beaux-arts, la musique offre, de plus, des arguments originaux, en faveur d’une régulation ou, au contraire, d’une subversion des pratiques. Les modes d’appropriation qui naissent de ce nouveau paragone révèlent deux grandes tendances. Dès le début des années 1790, plusieurs artistes comme Valenciennes, David, Girodet ou encore Prud’hon s’emparent d’un idéal sonore mythique pour fonder une veine lyrique. Celle-ci se caractérise par des sujets sentimentaux, un essor du paysage, un culte voué à la manière vaporeuse du Corrège ou encore par la représentation de drames intériorisés. Une autre forme de musicalité picturale s’épanouit à partir des années 1820. Elle se traduit par une valorisation de la main du peintre, envisagée selon un rapport d’imitation et de rivalité avec celle du musicien. De Vernet à Ingres et à Delacroix, la “signature” de l’artiste s’exprime sur la toile, par le degré de fini de ses interprétations ou sa manière « symphonique » d’agencer les formes et les couleurs, indépendamment des contingences mimétiques. Absorbées, dès les années 1860, dans le giron baudelairien et wagnérien, cette passion artistique et les musicalités spéculatives qu’elle a générée semblent offrir, une fois mise au jour, un nouveau prisme pour ré-explorer le romantisme pictural et son historiographie
Throughout the first half of the 19th century, broadly-defined, music is instituted as a poetic and aesthetic model. Artists are challenged by its invisible, impalpable and ephemeral ideal. From The Sleep of Endymion by Girodet to The White Girl by Whistler, this thesis focuses on understanding the origins, the rationale as well as the different aspects of the dialogue that took place in France between a revivified musical imaginary and the field of painting. It aims at extracting its founding myths and its concrete manifestations in works, expressions, and discourses. From Saint Cecilia to the civilising poet to the musical virtuoso, the art of sounds is personified by inspirited or captivated figures who contribute to model a new image of the artist. Moreover, as it gradually becomes considered as a guiding light for the Fine arts, music offers original arguments in favour of regulating or, alternatively, subverting artistic techniques. The different modes of appropriation rising from this new paragone unveil two main tendencies. As early as the beginning of the 1790s, several artists like Valenciennes, David, Girodet or Prud'hon use a mythical ideal of music to lay the foundations for their lyricism. This lyricism is characterised by sentimental subject matters, an increase in landscape productions, a passion for Correggio’s misty manner or the representation of inner dramas. Another form of pictorial musicality arises from the 1820s onwards. It materialises through a positive re-evaluation of the painter's hand, either in emulation of or as a rival to the musician's. From Vernet to Ingres to Delacroix, the degree of finish of the artist’s interpretations or his “symphonic” manner to arrange shapes and colours, regardless of mimetic contingencies, express his “signature” on the canvas. Absorbed from the 1860s by the followers of Baudelaire and Wagner, this artistic passion and the speculative musicalities it generated seem to offer, once put to light, a new avenue to explore pictorial Romanticism and its historiography

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Kumar, Vinod. "Les représentations des « Indes » coloniales dans la bande dessinée contemporaine d’Europe francophone." Thesis, Rennes 2, 2020. http://www.theses.fr/2020REN20024.

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Abstract:

Le thème des Indes n’est pas une nouveauté dans la littérature française. Plusieurs œuvres se sont servies des Indes comme cadre de leur écriture, notamment, Le Tour du Monde en 80 jours de Jules Verne, et Un barbare en Asie d’Henri Michaux. Dans la littérature du XXe siècle les représentations changent dans la mesure où l’imaginaire a été remplacé en partie par une vision réelle mais cela ne donne pas lieu pour autant à une description réaliste. L’imaginaire français lié aux Indes au cours du XIXe siècle et du XXe siècle a été étudié par divers travaux de Catherine Weinberger-Thomas, et Jackie Assayag. Néanmoins, ces articles sont limités aux œuvres dites « littéraires ». Il n’existe rien sur la bande dessinée contemporaine. Donc, ce travail vise à traiter de l’image véhiculée des Indes dans la bande dessinée contemporaine d’Europe francophone. Cette thèse a pour objectif d’analyser les œuvres en question pour savoir si les auteurs contemporains ont tordu le cou aux clichés pour laisser place à des descriptions plus réalistes. Peut-être prolongent-ils encore les images littéraires héritées de la littérature du XIXe siècle comme celles que nous pouvons lire dans le Tour du Monde en 80 jours de Jules Verne ? Les résultats de notre recherche confirment que l’image des Indes que les auteurs représentent n’est pas entièrement soutenue par un goût de réalisme mais plutôt par l’envie de montrer à quel point le sous-continent indien est un territoire exotique, magique et plein d’aventures
The theme of India is not unknown in French literature; several works have used India as part of their writing, most notably Jules Verne's Around the World in 80 Days, and Henri Michaux's A Barbarian in Asia. In twentieth-century literature, representations have changed to a degree: the imagination has been partially replaced by real commentary. However, this evolution has not yet lent itself to a realistic description of the country. The French imagination of India during the nineteenth century and the twentieth century was studied by Catherine Weinberger-Thomas, and Jackie Assayag. Nevertheless, their articles are limited to so-called "literary" works. There is no academic writing on comic books. This work aims to deal with the image of colonial India in contemporary comic books conveyed by French-speaking Europe. The goal of this research is to analyse the works in question in order to study whether the contemporary authors have laid stereotypical clichés to rest and replaced them with more realistic descriptions, or, whether they perpetuate the literary images inherited from the nineteenth-century literature, such as those we can read in Jules Verne's Around the world in 80 Days. Our research confirms that the image of India that authors of comic books convey does not entirely stem from realism, but rather from a keen desire to portray the Indian subcontinent as an exotic, magical land of adventures

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Mollard, Ingrid. "L’homme volant : l’imaginaire aéronautique dans la culture visuelle européenne de 1903 à 1937." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040054.

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Abstract:

Le monde aéronautique a connu un essor significatif durant les premières décennies du XXe siècle. Propulsé par des avancées technologiques sans précédents, l’aéronautique fut rapidement omniprésente dans tous les secteurs de la vie et de la culture européennes. De la figure du pilote d’aéroplane émergea subtilement, puis avec force, l’image d’un homme robuste et valeureux qui personnifiait son pays. Trouvant un réceptacle favorable dans les héros nés de la Grande Guerre, les gouvernements totalitaires qui émergèrent façonnèrent le pilote comme l’avatar d’un homme idéal. L’imaginaire européen du premier tiers du XXe siècle vit alors naitre « l’homme volant », une facette de « l’homme nouveau », incarnant la grandeur de sa nation
Aeronautics underwent a significant development during the first decades of the 20th century. Helped by new technological advancements aeronautics quickly became omnipresent in all sectors of the European life and culture. From the figure of the airplane’s pilot emerged subtly, then with strength, the image of a strong and brave man personifying his country. Finding a favorable receptacle in the Great War’s heroes, the totalitarian governments shaped the pilot as the avatar of an ideal man. The European imagination of the first third of the 20th century gave birth to the "flying man", a facet of the “new man”, embodying the greatness of its nation

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Lebarbier, Amandine. "“Cette jolie muse chrétienne” : la figure de sainte Cécile dans la littérature et les arts en Europe au XIXe siècle." Thesis, Paris 10, 2017. http://www.theses.fr/2017PA100147.

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Abstract:

Cette thèse s’attache à montrer le rôle important qu’a joué la figure de sainte Cécile au XIXe siècle dans l’imaginaire musical européen. La première partie de ce travail est consacrée à l’historiographie de sainte Cécile, du Ve siècle au XIXe siècle, et à l’inscription de la figure dans l’espace culturel européen. Différents media ont contribué à faire de la patricienne romaine légendaire une sainte patronne reconnue et célèbre dont, au premier chef, le tableau de Raphaël, L’Extase de sainte Cécile. Cette œuvre du patrimoine artistique européen fait l’objet d’une véritable fascination auprès des écrivains, des musiciens et des peintres de la première moitié du XIXe siècle et ce travail tente d’en comprendre les raisons. Dans un deuxième temps, cette thèse montre que la figure de sainte Cécile est une figure trope, une allégorie vive, utilisée par de nombreux écrivains pour construire un discours sur la musique, sur l’art et sur le rapport entre les arts. Il y a véritablement des moments sainte Cécile au XIXe siècle qui conduisent à recharger la figure d’un souffle vivant ; elle s’impose alors, non plus comme une figure de rémanence, mais bien comme la possibilité de penser une transcendance et de construire un discours esthétique. Le troisième axe de cette recherche s’inscrit dans une perspective d’études de genres. Héritière de plusieurs types de traditions de représentations féminines, sainte Cécile apparaît comme un outil analogique riche de présupposés idéologiques sur la représentation de la femme et en particulier de la femme musicienne. Représentantes d’un Éternel féminin fantasmé, les femmes musiciennes comparées à sainte Cécile sont les garantes d’une mémoire idéologique qui enferme la femme musicienne dans un champ très restreint de la pratique musicale
This thesis aims to show the important role played by the figure of Saint Cecilia in the European musical psyche in the 19th century. The first part of this work is devoted to the historiography of Saint Cecilia, from the fifth century to the 19th century, and to the inclusion of the figure in the European cultural space. Various media have contributed to make this legendary Roman patrician a celebrated and famous patron saint but, first and foremost, is the picture of Raphael, The Ecstasy of St. Cecilia. During the first half of the 19th century this artistic European heritage artwork is the subject of a true fascination for the writers, musicians and painters. This thesis tries to understand the reasons why. In the second phase, this thesis shows that the figure of Saint Cecilia is a trope figure, a vivid allegory, used by many writers to construct a discourse on music, art and the relationship between the arts. During the 19th century there were several strong phases of focus on Saint Cecilia, each leading to recharge the figure with a vivid breath. She then imposes herself, no longer as a figure of persistence only, but rather as the possibility of thinking about transcendence and of constructing an aesthetic discourse. The third axis of this research focuses on gender studies. Heiress to several types of feminine representations, Saint Cecilia appears as an analogical tool, rich in ideological presuppositions on the representation of women and women musicians. Representation of an eternal feminine fantasy, the female musicians associated to Saint Cecilia are the guarantors of an ideological memory which encloses the female musician in a very restricted area of the musical practice

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Croteau, Stéphanie. "Le personnage vu de dos au cinéma et dans les autres arts ˸ esthétique, migrations et imaginaires d’une histoire à revers." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA033.

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Abstract:

Ce doctorat porte sur un motif visuel qui circule entre les arts : le personnage vu de dos. Par l’entremise de notions que j’ai approfondies ou développées – l’apparaître, l’inévidence, la dorsalité –, j’interroge comment cette posture fait naître une manière d’habiter l’image et le monde, et j’analyse ses implications dans les pratiques artistiques comme dans le champ philosophique et social. Pour mener cette enquête, je me suis inspirée d’un geste d’Aby Warburg, celui de la fabrication d’atlas d’images. La fabrication d’atlas m’a permis de faire apparaître trois modalités expressives du dos qui traversent l’histoire de l’art et du cinéma, et qui se retrouvent au sein de mes planches. J’aborde ces questions dans le premier chapitre de la thèse. Le deuxième chapitre, intitulé « Repli(s) », porte sur ma première planche d’images, consacrée aux personnages de dos qui se dérobent et s’esquivent, exprimant un retrait de la signifiance expressive. Le troisième chapitre aborde ma deuxième planche d’images, dans laquelle je cherche à faire voir une forme d’absorbement mené par le personnage de dos depuis l’âge romantique. Le quatrième et dernier chapitre, intitulé « Exclusion(s) », traite d’une violence faite au sujet. En me penchant sur la représentation des Afro-Américains dans les films de plantation états-uniens, j’explore comment une forme d’exclusion esthétique, sociale et politique s’est fabriquée par la posture de dos. Que nous disent les personnages repliés, absorbés ou exclus en regard de la frontalité qui prévaut encore aujourd’hui ? Les personnages vus de dos présentés dans ma thèse introduisent une dorsalité des représentations et de l’existence
The research topic addressed in this paper is a visual motif circulating widely among the arts: the figure seen from behind. Through notions that I have been led to further or develop – appearance, inevidence, dorsality, I examine how this posture depicts a way of inhabiting the image and its world, and analyze its implications in artistic practices as well as in the philosophical and social field. In order to carry out this survey, I was inspired by a gesture of Aby Warburg, the creation of atlases of images. Atlas making allowed me to reveal three expressive modalities of the back running through the history of art and cinema, and which are also found within my boards. I address these questions in the first chapter of the thesis. The second chapter, titled "Repli (s)", focuses on my first picture board, devoted to figures from behind who avoid and sneak away, conveying a withdrawal of expressive meaning. The third chapter addresses my second picture board, in which I sought to depict a form of absorption led by the figure from behind since the Romantic Age.The fourth and last chapter, entitled "Exclusion (s)", examine a violence committed upon the subject. By focusing on the portrayal of African-Americans in American plantation films, I try to show how a form of aesthetic, social, and political exclusion has been created by the representation from behind. What are withdrawn, absorbed or excluded characters telling us in view of the frontality that still prevail today? The figures seen from behind, as presented in my thesis, introduce a dorsality of representations and of existence

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Stellittano, Sabine. "Alchimie picturale des vies ordinaires, du récit de vie à l'hystérie du tableau." Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H309/document.

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Abstract:

Toute cette recherche se concentre sur le portrait en peinture comme possibilité de la rencontre, de moments d’amitié. Il s’agit d’en analyser les enjeux en utilisant la philosophie et la psychanalyse comme outils théoriques. Comprendre combien cette pratique de corps-à-corps, de présence à présence s’inscrit dans le temps, le déploie, le relate. La rencontre, tout comme ma pratique, a pour origine le désir de l’Autre. Chacune de mes peintures est une réponse à cette demande : «Comment désires-tu être peint ?». Mes pinceaux, guidés par les paroles livrées dans mon atelier, tentent de s’approcher au plus près de ce qui est dit : quête impossible !... tant le langage implique une perte, nous divise. Nous nous percevons comme uniques car nous sommes séparés de l’autre, nous sommes entourés de vide. L’autre et le vide ne sont pas seulement extériorités, ils sont en nous, et pour la psychanalyse c’est par l’imaginaire que nous trouvons notre unité. La psychanalyse, la méditation, l’alchimie et la peinture ont ceci de commun qu’elles sont toutes des disciplines construites à partir de la pratique et chacune d’entre elles aborde l’introspection à sa manière, qui peuvent s’enrichir les unes les autres
The present research work focuses on the painted portrait and the opportunity it offers to meet people and exchange moments of friendship. It aims at analyzing what is at stakes in this process by means of theoretical tools such as psychology and psychoanalysis. It is also concerned with the understanding of how this «hand to hand» and «presence to presence» practice gets its anchorage in time and how it unfolds it and refers to it. The get together process, as well as my own practice, are the expression of desire – desire of the Other. Each of my paintings is an attempt to answer this single question: «How would the person posing for me like to be painted?». Then, as if guided by his or her wish, my brushes enter into action in order to fulfill it to the best of my abilities – the task is of course impossible, because language implies a loss and gets us apart from one another. Each of us sees oneself as unique, for we are separated from each other: we are indeed surrounded by emptiness. The Other and emptiness don’t belong to the outside, they are part of ourselves. In the field of psychoanalysis, we manage to find our unity through imagination. Psychoanalysis, meditation, alchemy and painting have all in common to be based on practice. Each of these disciplines deals with insight in its own way: in the end they all benefit from each other

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Fetnan, Rime. "La fabrique des imaginaires de l’altérité dans les biennales internationales d’art contemporain depuis 1989." Thesis, Bordeaux 3, 2019. http://www.theses.fr/2019BOR30013.

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Abstract:

Cette thèse vise à interroger la façon dont les biennales internationales d’art contemporain, en tant qu’événements culturels et premiers temps d’historicisation des oeuvres et des artistes, contribuent à la fabrique des imaginaires de l’altérité. Le cadrage chronologique de notre recherche s’ancre à partir de 1989, date qui correspond à un « tournant global », un changement de paradigme qui aurait eu pour effet de repenser les rapports de domination et les logiques de centre/périphérie, notamment dans le champ de l’art contemporain. L’internationalisation de l’art contemporain et le renouvellement des cadres de pensées que l’on rattache au « tournant global » ont donné lieu à l’émergence d’un processus de labellisation de la différence, dont témoignent des catégories artistiques et esthétiques telles que « art non-occidental » ou « art global », porteuses d’imaginaires renouvelés que ce travail de recherche entend analyser. Notre démarche, qui s’appuie sur un corpus de six expositions ayant marqué le champ des événements culturels internationaux, est volontairement pluridisciplinaire et vise à considérer l’hétérogénéité du matériel qui compose ces expositions. En premier lieu, la mise en lumière des discours expographique résulte de l’analyse conjointe de trois composantes : les écrits, à partir desquels nous proposons une typologie spécifique qui considère la fois les intentions qui président à leur production et les usages qui en sont faits ; les pratiques artistiques, qui dans le cadre des biennales sont au service du discours expographique ; et les gestes de mise en exposition qui sont propres au dispositif médiatique spécifique des biennales. En deuxième lieu, la réalisation d’entretiens et la collecte d’archives ont permis de circonscrire le contexte d’énonciation et l’intentionnalité des événements. En tant que dispositif médiatique à part entière, le catalogue d’exposition a également donné lieu à une méthodologie adaptée à l’ensemble des éléments (discursifs et non discursifs) qui le caractérise. Plus particulièrement, les écrits de connaissances que l’on y trouve ont fait l’objet d’une analyse sémiolinguistique permettant de mettre en lumière les processus de concrétisation des concepts, et donc de saisir les imaginaires et valeurs qui sont attachés. L’approche privilégiée pour analyser ce corpus permet ainsi d’articuler à la fois les spécificités de chaque exposition (c'est-à-dire leur individuation à travers l’articulation de leur concept et de leur dispositif) et leur inscription dans un réseau (en tant que résultat d’un processus de réécriture), vis-à-vis du thème de l’altérité
This research aims to examine how contemporary international art biennials, considered as cultural events and as first step in the historicization process of works and artists, contribute to the making of « otherness » as an imagined community. The chronologic frame of our research is anchored in 1989, which correspond to the « global turn », a shift of paradigm that would have led to the rethinking of domination relationship and the logic center/periphery, especially in the field of contemporary art. The internationalization of contemporary art and the renewal of the frameworks of thought that are often connected with the global turn have led to a process of labeling the difference, as evidenced by artistic and aesthetic categories such as « non-western art » or « global art » that carry renewed representations that this research intends to analyze. Our approach, which is based on a corpus of six exhibitions that have marked the field of international cultural events, is deliberately multidisciplinary and aims to consider the heterogeneity of the material that composes these exhibitions. First, we highlight the expographic discourses from the analysis of three components : the writings, from which we propose a specific typology that considers both the intentions that preside over their production and the uses that are made of them ; artistic practices, which in the context of biennials are at the service of the expographic discourse ; and the gestures of exhibitions which are characteristics of the specific media device of the biennials. Secondly, interviews and the collect of archival documents have led us to circumscribe the context of enunciation and the intentionality of the events. As a media device in its own right, the exhibition catalog also gave rise to a metholody adapted to all the elements (discursive and non-discursive) that characterize it. More particularly, the writings of knowledge have been the subject of semiolinguistic analysis to highlight the processes of concretization of concepts, and thus have led us to grasp the artistic values that are attached to the imagined otherness. The preferred approach to analyze this corpus thus makes it possible to articulate the specificities of each exhibition (i.e their individuation through the articulation of their concept and their device), and their inscription in a network (as a result of a process of rewriting) at the same time

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Deneer, Eveline. "Une autre histoire : imaginaires historiques "privés" dans la peinture européenne au début du XIXe siècle, entre passé national et histoire partagée." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H048.

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Abstract:

Cette thèse porte un nouveau regard sur les imaginaires historiques « privés » qui, au cours du premier quart du XIXe siècle, viennent inaugurer un nouveau champ d’imagination picturale au-delà des cadres génériques conventionnels de la peinture d’histoire. De la grandiloquence, des noms et dates illustres et de l’action dramatique de la peinture d’histoire classique, le regard se tourne alors vers la face familière, intime, secrète ou « anecdotique » du passé ‒ longtemps négligée mais en voie de redécouverte depuis le milieu du XVIIIe siècle. Se focalisant sur trois pôles géographiques où s’est manifesté de bonne heure ce phénomène ‒ la France, la Prusse et la Lombardie ‒, ce travail s’est efforcé de mettre en lumière des veines picturales longtemps restées dans l'ombre, et d’apporter un nouveau regard sur le rapport de ces peintures avec le tissu culturel européen dans lequel elles s’inscrivent. Il s’agit en effet d’un phénomène profondément international, qui toutefois n’existe que sous la forme d’une variété de manifestations « nationales », locales et individuelles. La production picturale est reconsidérée à travers le prisme de ce paradoxe apparent, selon une démarche critique stratifiée : allant des peintures et du contexte de leur création à la question de leurs diffusion et circulation à l’échelle internationale, pour finir sur l’analyse des structures de pensée, discours rhétoriques et cloisonnements méthodologiques, ceux-là même qui ont orienté, fragmenté et même entravé la perception et le traitement des peintures et du phénomène d’ensemble par la critique et l’historiographie artistiques, au moment précis où se posent les fondements de l’histoire de l’art
This thesis proposes a new perspective on the “private” historical imaginaries that, during the first quarter of the nineteenth century, open up a new type of pictorial imagination beyond the traditional generic boundaries of history painting. From the grandiloquence, the illustrious “names and dates” and the dramatic action of classical history painting, the attention turns to the familiar, intimate, secret or “anecdotal” face of the past ‒ long neglected but progressively rediscovered since the middle of the eighteenth century. Focusing on three geographic regions in which this phenomenon manifested itself in an early stage ‒ France, Prussia and Lombardy ‒, the thesis intends to shed a new light on a type of painting that for a long time received little attention and consideration, and to reconsider the relationship between the paintings and the European cultural fabric in which they are embedded. It is in fact a profoundly international phenomenon, which existed however only in the form of a variety of "national", local and individual expressions. The pictorial production is examined through the prism of this apparent paradox, following a stratified critical approach: from the paintings and the context of their creation to the question of their international diffusion and circulation, on to the analysis of the structures of thought, rhetorical discourses and methodological classifications. It will be shown how these discourses oriented, fragmented and even hindered the reception and treatment of specific paintings and of the overall phenomenon by art criticism and historiography, during the very years in which the foundations of the discipline of art history were laid

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Cabau, Agathe. "L'iconographie amérindienne aux Salons parisiens et aux Expositions universelles françaises (1781-1914)." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010586.

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Abstract:

Cette thèse porte sur les représentations de l’Indien présentées dans les Salons parisiens et dans les sections des Beaux-Arts des Expositions universelles françaises. Elle débute avec la première apparition du thème au Salon, en 1781, et s’achève à sa disparition progressive, au commencement de la Première Guerre Mondiale. Le corpus rassemble des œuvres hétérogènes dont l’étude s’articule autour de trois grandes campagnes de représentation marquées par l’histoire des relations entre les Blancs et les Amérindiens. L’iconographie amérindienne dévoile une figure à la fois attractive et répulsive ; à l’esthétique de la disparition du «bon sauvage» répondent des mises en scène dégradantes. Notre étude rend ainsi compte des sources des imaginaires collectifs et des stéréotypes raciaux assignés à la représentation de l’Indien. Mais l’iconographie amérindienne survient également des impressions d’artistes ayant été à la rencontre de leur sujet. Pour ce groupe de quelques Français et Américains, la question de la représentation de l’«Autre» ne se joue pas exclusivement à travers les schèmes esthétiques abordés auparavant. Les déplacements répétés sur le continent nord-américain et l’attention portée à l’art amérindien favorisent un élargissement des horizons artistiques. Cette thèse est enfin l’occasion d’étudier l’image de l’«Autre» dans le cadre compétitif des Expositions universelles, où la figure de l’Indien tergiverse entre recherche de vraisemblance et sujet d’art. Il en ressort la constitution d’un discours visant à encourager la construction d’une identité esthétique nationale américaine au contact de l’art français
This Ph. D. dissertation investigates images of Native Americans displayed at the Paris Salons and in the Fine Art sections of the Great Exhibitions of 1855, 1868, 1878, 1889 and 1900. My analysis starts with the first outbreak of the theme at the 1781 Salon and ends following its gradual dismissal at the beginning of the First World War. The body of artworks I analyze documents three main campaigns of representation marked by the history of Native Americans and Whites relations. These representations reveal an artistic figure both attractive and repulsive at the same time. The rhetoric of the disappearance of the “Noble Indian” alternates with degrading images of the “Savage Indians”. Our study reveals the origins of collective imagination and racial stereotypes that originate representations of “Indians”. But this iconography is also based on artists’ itinerancies and their migration to the West in order to meet their models. The artistic production of this small group of French and American artists can not be reduced exclusively to the two aesthetic patterns previously discussed. Their travels on the North American territory and their attention to Native American Art encourage new artistic horizons at the Paris venues. This thesis is also an opportunity to study the image of the Native American “Others” displayed in the competitive Fine Art sections of the Great Exhibitions. It brings out a discourse promoting the figure of the “Indian” to build an American art with its own aesthetic in response to French artistic influences

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Touzin, Mario. "L'art de la bifurcation : dichotomie, mythomanie et uchronie dans l'œuvre d'Emmanuel Carrère." Mémoire, 2007. http://www.archipel.uqam.ca/786/1/M10050.pdf.

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Abstract:

L'oeuvre entière d'Emmanuel Carrère est fondée, dans une large mesure, sur trois principes que sont la dichotomie, la mythomanie et l'uchronie. Que ce soit dans ses romans, ses biographies ou ses essais, l'auteur met en scène ces trois principes de façon récurrente; or, ils sont tous assujettis à celui de la bifurcation. En effet, malgré la diversité des genres impliqués, l'ensemble des textes de Carrère convergent vers une même figure: celle de la bifurcation. Nous allons tenter, dans notre mémoire de maîtrise, de comprendre l'obsession d'Emmanuel Carrère pour tout ce qui touche à cette figure de la bifurcation. L'oeuvre entière de Carrère, allons-nous montrer, repose sur cette faille, cette disjonction à partir de laquelle tout chavire. Pour ce faire, nous prendrons, comme base de notre analyse, le récit L'adversaire, qui représente le mieux le rôle joué par la bifurcation. Mais nous aurons également recours à d'autres textes: à ses trois romans, La moustache, Hors d'atteinte? et La Classe de neige; à son essai sur l'uchronie, Le détroit de Béhring et à sa biographie sur l'auteur de science-fiction Philip K. Dick, Je suis vivant et vous êtes mort. Tous mettent en scène une semblable bifurcation. Emmanuel Carrère, tel un leitmotiv, va faire bifurquer chacun de ses personnages dans un monde où le réel et l'imaginaire s'entrechoquent. Bifurquer c'est se diviser en forme de fourche. Abandonner une voie pour en suivre une autre. Dans L'adversaire, le personnage de Jean-Claude Romand va bifurquer dans l'univers du mensonge, délaissant le monde réel pour un monde de fiction. Et il en est de même pour tous les autres personnages issus des textes de Carrère. Dans chacune des oeuvres citées, la dichotomie, la mythomanie et l'uchronie apparaissent comme des principes formels. Qu'un personnage croit avoir porté la moustache pendant plus de dix ans, qu'un autre mène une double vie dans les casinos ou qu'il joue au médecin, alors qu'il n'en est rien.. relèvent a priori d'un simple dédoublement, d'une bifurcation. Tout va pour le mieux jusqu'au jour où tout bascule, créant par le fait même un monde parallèle, et c'est à cet instant précis qu'entre enjeu dichotomie, mythomanie et uchronie. Ces principes sont tributaires de ce que nous nommons l'art de la bifurcation. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : L'adversaire, Bifurcation, Mythomanie, Uchronie, Imaginaire, Emmanuel Carrère.

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Pezolet, Nicola. ""Le Bauhaus imaginiste contre un Bauhaus imaginaire" : la polémique autour de la question du fonctionnalisme entre Asger Jorn et Max Bill /." 2008. http://www.theses.ulaval.ca/2008/25181/25181.pdf.

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Marcheterre, Hughes. "Théâtre de l'imaginaire /." 1997. http://proquest.umi.com/pqdweb?did=738272121&sid=2&Fmt=2&clientId=9268&RQT=309&VName=PQD.

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Dissertations / Theses on the topic 'Imaginaire dans l'art'

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