To see the other types of publications on this topic, follow the link: Imitation in art.
Dissertations / Theses on the topic 'Imitation in art'
Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles
Consult the top 50 dissertations / theses for your research on the topic 'Imitation in art.'
Next to every source in the list of references, there is an 'Add to bibliography' button. Press on it, and we will generate automatically the bibliographic reference to the chosen work in the citation style you need: APA, MLA, Harvard, Chicago, Vancouver, etc.
You can also download the full text of the academic publication as pdf and read online its abstract whenever available in the metadata.
Browse dissertations / theses on a wide variety of disciplines and organise your bibliography correctly.
1
Giang, Leon. "The Art of Imitation : A Pedagogy for Developing Language Awareness." Thesis, Örebro universitet, Institutionen för humaniora, utbildnings- och samhällsvetenskap, 2017. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:oru:diva-58740.
Full textAbstract:
Although imitation pedagogy is not specified in the subject syllabus in GY 11, English teachers in upper-secondary school can apply this pedagogy in their teaching to enhance students’ language awareness. The subject syllabus specifies that teaching should help students develop language awareness. Imitation pedagogy that involves scaffolding a model can give students the opportunity to develop their language awareness, which in turn can enhance their production and reception skills. In addition, teaching students how to imitate a model work, using scaffolding as a strategy, allows them to practice deep analysis and to study how language works in different contexts and for different purposes. Imitation pedagogy that involves scaffolding a speech not only gives students the opportunity to pay attention to form, such as morphology and syntax, while maintaining emphasis on meaning, but also to notice the gap between the model work and their own compositions, which is beneficial for developing students’ reception and writing skills.Through the analysis of a model work combined with their writing practice, students learn about how language can create meaning, emphasis, rhythm, clarity, coherency and power. In addition, power is produced through language; therefore, equipping students with the capacity to understand how compositions written in English can be used for a range of different functions and purposes and how to adapt their own compositions to rhetorical context enables them to work towards participatory democracy. Furthermore, this essay will show how imitation pedagogy could enhance students’ language awareness by analyzing passages from the speech “A More Perfect Union” by Barack Obama. This essay will also demonstrate how this pedagogy could be applied in the English classroom for upper-secondary school through a lesson plan.
2
Ammann, Daniel. "David Lodge and the art-and-reality novel /." Heidelberg : C. Winter, 1991. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35534512w.
Full text
3
McBriar, Shannon Ross. "Shining through the surface : Washington Allston, Samuel Taylor Coleridge and imitation in romantic art criticism." Thesis, University of Oxford, 2007. http://ora.ox.ac.uk/objects/uuid:67bc3d1d-ad3f-4e93-b774-5055f1e350b8.
Full textAbstract:
This thesis has evolved from William Blake's phrase, "Imitation is Criticism" written in the margin of Sir Joshua Reynolds's Discourses on Art. As a concept central to the production and criticism of art, imitation has largely been explored in the philosophical context of aesthetics rather than in terms of its practical application in image-text studies of the Romantic period. It has also traditionally served as a marker for the period designation 'Romantic', which in image-text studies continues to be played out in terms of the transition from imitative to expressive modes of making and response. Yet this notion of periodization has proven problematic in studying the response to 'false criticism' within what Wallace Stevens calls that 'corpus of remarks about painting'. These remarks reveal an important tension within imitation as a way of making something like something else, but also as a means of characterizing the relationships that underpin that resemblance. This tension not only occupies a central place in the concurrent development of art criticism and literary criticism in the period, but also offers a new foundation for the interdisciplinary study of image-text relationships in the period. The thesis is divided into two parts, each guided by the important role that imitation plays in the fight against 'false criticism' with respect to the visual arts. The first part examines the tension within imitation from the standpoint of artists and connoisseurs who expressed concern about the excesses of description in asserting the need for a credible art criticism while at the same time realizing its inevitability. The second part examines the tension within imitation from the standpoint of the American artist Washington Allston and his friend Samuel Taylor Coleridge, both of whom used this tension to advantage in setting forth a lexicon and methodology that could account not only for the 'specific image' described, but also the geometrical and structural relationships that underpin that image.
4
Parise, Maddalena. "Ressemblance et détail dans le portrait photographique : De l'exactitude à la saturation : pour une réception des épreuves photographiques 1840-1860 /." Paris : M. Parise, 2003. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb393023024.
Full text
5
Niemeier, Jörg-Peter. "Kopien und Nachahmungen im Hellenismus : ein Beitrag zum Klassizismus des 2. und frühen 1. Jhs. v. Chr. /." Bonn : R. Habelt, 1985. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb34829252p.
Full text
6
Wat, Pierre. "Un jeu sérieux : la théorie de l'imitation dans les écrits des artistes romantiques allemands et anglais." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010516.
Full textAbstract:
En choisissant d'aborder le romantisme par le biais de l'imitation, cette thèse a une double visée : - éclairer les rapports confus entre romantisme et néo-classicisme. C'est en effet là le point de départ et l'enjeu majeur de ce travail. Définissant le romantisme comme stratégie de subversion, il offre une vision singulière du romantisme : une vision d'où se dégage l'idée d'une cohérence romantique, là ou l'on a l'habitude de souligner les contradictions que recouvrent le terme "romantisme". Sans chercher à aplanir les différences, voire les contradictions, cette thèse tente en effet de démontrer que celles-ci entrent dans un "projet" romantique au sein duquel elles acquièrent un statut nouveau, participant à cette "subversion" de la mimesis néo-classique. - la deuxièmes visée de cette thèse, qui découle de la première, est de mesurer l'ambition et les limites de ce projet, les limites de ce que nous appelons "l'ambition romantique". (cette visée conduit à convoquer un vaste corpus de textes : les manuscrits (inédits) des conférences de Turner sur la perspective. Les textes théoriques de Blake : descriptive catalogue et annotations to the discourses of sir Joshua Reynolds. Les écrits de Constable. Un vaste corpus allemand et en particulier la sphère des couleurs de Runge. )This PhD on the romantic theory of imitation has a double aim : - first, to shed new light on the confused relations between romanticism and neo-classicism. This, in fact, is the very strarting point of this work and the major one at stake. By defining romanticism as a strategy of subversion, it offers an uncommon vision of romanticism, a vision from wich the idea of a romantic coherence emerges where we tend to emphasize the contradictions inherent to the term "romanticism". Without trying to smooth out the differences or even the contradictions, this works tends to demonstrate that these enter a romantic project within which they can acquire a new status, sharing this subversion of the neo-classical mimesis. - the second aim of this study which ensues from the first, is to measure both the ambition and the limits of this project which may be referred to as the "romantic ambition". (such views lead us to call up a large corpus of texts. The unpublished mss of turner's lectures on perspective, the theoretical writings of William Blake - descriptive catalogue, annotations to the discourses of sir Joshua Reynolds - John Constable's writings, together with a vast German corpus, and, in particular, Runge's works on colour)
7
Fouyer, Tony. "En métal et en céramique : production, imitation, circulation des œnochoés « rhodiennes » entre l’Italie, la Méditerranée et les communautés nord-alpines." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2019. http://www.theses.fr/2019UBFCH036.
Full textAbstract:
Il n’existe pas, à l’heure actuelle, d’étude prenant en compte trois classes de récipients, dans différents matériaux et sur un espace géographique aussi vaste. Il est en effet, nécessaire de mettre en relation les différentes productions de ces classes de vases, des prototypes aux imitations locales, afin d’appréhender le rôle de ces produits dans des contextes similaires ou différents. L’objectif est d’aborder à partir de différents aspects les contacts entre l’Italie, la Méditerranée et les communautés nord alpines :- tout d’abord à partir des productions et des aspects techniques,- puis par l’identification et l’étude approfondie des imitations locales de ces trois classes de récipients,- ensuite par la circulation des objets importés (voies et nature des échanges),- et enfin en clarifiant la place et le rôle des modèles importés et de leurs imitations au sein des contextes de découvertes et pour les clients.L’intérêt de cette thèse est de restituer un cadre complet et structuré des relations reliant le monde transalpin et les mondes grecs et étrusco-italiques à travers l’inventaire de trois classes de vases dont les fonctions rituelles et idéologiques sont intimement liées à leur utilisation dans le cadre du banquet d’origine gréco-méditerranéenne, dans laquelle l’interdisciplinarité est essentielle (archéologie classique, archéologie protohistorique et étruscologie). Il s’agit, à partir d’un autre point de vue sur les objets et sur les contextes de découverte, d’apporter des éléments de réponse en ce qui concerne les pratiques fonctionnelles, rituelles et idéologiques liées à ces objets qui sont rares et précieux, qu’ils soient importés ou réalisés in situ (acquérant de la valeur grâce à la technique de fabrication ou encore au caractère exotique auquel ils renvoient)At present there is no study taking into account three classes of containers, in different materials and in such a vast geographical area. It is necessary to relate the different productions of these classes of vases, from prototypes to local imitations, in order to understand the role of these products in similar or different contexts. The objective is to approach the contacts between Italy, the Mediterranean and the northern Alpine communities from different aspects:- first of all from the productions and the technical aspects,- then by the identification and in-depth study of the local imitations of these three classes of receptacles,- second, by the circulation of imported objects (routes and nature of trade);- and finally clarifying the role and role of imported models and their imitations in the contexts of discovery and for customers.The interest of this thesis is to restore a complete and structured framework of the relations linking the transalpine world and the Greek and Etrusco-italic worlds through the inventory of three classes of vases whose ritual and ideological functions are intimately linked to their use in the framework of the banquet of Greco-Mediterranean origin, in which interdisciplinarity is essential (classical archeology, protohistoric archeology and etruscology). From another perspective on objects and contexts of discovery, it is a question of providing answers about the functional, ritual and ideological practices associated with these objects which are rare and whether they are imported or made in situ (acquiring value through manufacturing technology or the exotic nature to which they refer)
8
Curcio, Mariateresa. "Le problème de l'auteur dans la culture artistique romaine : originalité et imitation." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010502/document.
Full textAbstract:
Normalement, la première question que l'observateur se pose quand il se trouve en face d'une image, d'une œuvre visuelle est "De qui est-ce?". Comme si l'auteur était la première condition pour attribuer à un objet une valeur artistique. Il n'y a pas d'art sans auteur, ni de chef-d'œuvre qui n'ait été conçu à partir d'un artiste singulier, en assurant l'originalité. D'une certaine manière, la prérogative autorielle est le sceau qui transforme J'image en une œuvre d'art, considérée par les spécialistes et appréciée par les utilisateurs, par le public. Il semblerait donc que l'auteur soit le sujet actif de la production artistique, acteur principal du besoin expressif des hommes, c'est du moins ce que l'on a longtemps pensé. En vérité, l'autorialité (difficile traduction de l'anglais autorship) et toutes les pistes sémantiques qui s'y réfèrent (comme la dichotomie original/faux) ne sont que des significations modernes, nées pendant la période de la modernité. Mais d'abord il faut faire quelques remarques de méthode. Dans ma recherche, je ne veux pas annuler le rôle de l'autorialité dans le production visuelle, ni proclamer la mort de l'auteur. Le but de mon travail sera de déconstruire la notion d'auteur considérée comme l'expression d'un sujet unique dans l'acte de création (dans ce cas artistique). Il s'agit de comprendre quels sont les différents acteurs qui ont contribué à définir le travail artistique (dans ses caractéristiques formelles et sémantiques) dans la complexité de la culture visuelle romaine. Mon travail de recherche porte sur la culture artistique romaine située dans la structure sociale et politique spécifique de Rome. Pour atteindre cet objectif, il faut d'abord essayer de «déconstruire» certains axiomes qui définissent la structure du langage visuel romain. À cet effet, j'ai essayé d'entreprendre un travail d'analyse qui, partant de la question de l' originalité artistique dans le cadre de la culture romaine, retrouve l'origine du problèmeThe topic of my research has been to deconstruct the authorship as expression of a unique subject within the artistic creation. act, in order to understand the different elements composing an art-work in the elaborated Roman visual culture. I tried to investigate how the modern concept of author has influenced the analysis of Roman art and I have offered new paradigms useful for dealing with the investigation of some components of the Roman artistic culture. Now it's widely recognized that the aesthetic paradigms that consider the art-work separated from contexts (whether cultural or physics) can't thoroughly read Rome's artistic production. For that reason, redefining the authorial contents and introducing in the artistic vocabulary words such as emulation and reproduction, allows to analyze the who le artistic culture under a different interpretative point of view. Indeed the preponderance of the author in the creative process has influenced the modem study of the ancient works of art: an author has argued and verified the idea that any art-work has only a style, a period, and a unique culture. If we go beyond this reasoning, we can understand that the production of certain artistic categories, above all in Roman cultural world, is the result of a mix of formals features and cultural models that can't be isolated within a style, a period or geographical borders. As a consequence, my work tried to propose new contents and theories more suitable for the understanding of the Ancient cultural processes. Thus I have analyzed a specific sculptural group (the honorary nude-portraits), which generally isn't particularly appealing as work of art, in order to understand its cultural and social value, turning away from a purely aesthetic assessment
9
Sewell, Janice. "The art of imitation in the order of things : poetry, rhetoric, and the discursive formation of English." Thesis, University of Birmingham, 2003. http://etheses.bham.ac.uk//id/eprint/1794/.
Full textAbstract:
The first part of this thesis offers an analysis of Elizabethan poetical treatises, such as Philip Sidney’s Apology for Poetry, in terms of Michel Foucault’s discursive formations, and the ways in which they were instrumental in redefining the sixteenth century literary terrain of poetry, prose, drama, poetics and literary criticism. It examines the role of contributory factors such as the Puritan attack, Renaissance humanism, the Ramist reform of logic and rhetoric, increased levels of literacy and printing. It explores conflicting definitions of poetry in the early modern period and its changing role and function, and the appropriation of significant elements from other discourses, notably rhetoric, arguing that this process constituted part of the wider reorganisation of contemporary knowledges. The second part of the thesis is concerned with the work and practice of the writer George Gascoigne, author of the first poetical treatise in English and his importance as an Elizabethan poet.
10
Marcangeli, Catherine. "La troisième main : la citation dans la peinture américaine contemporaine." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030121.
Full textAbstract:
Cette thèse analyse les manifestations de la citation dans la peinture américaine entre les années 1950 et 1990. La citation est ici entendue comme un phénomène de co-présence, comme présence partielle, fragmentaire ou totale, d'une oeuvre dans une autre. Larry Rivers cite des oeuvres célèbres et les réinterprète avec humour, nostalgie ou ironie. Peter Saul s'adonne au travestissement burlesque : estimant que le musée paralyse les oeuvres à force de respect, il entreprend de "réactiver" les toiles dont il peint des versions iconoclastes. Qu'en est-il de la citation à l'âge de la reproduction mécaniséé ? Les oeuvres Pop de Roy Lichtenstein et Andy Warhol seront prétexte à examiner la notion de transformation dans ses rapports avec la citation, la mimesis et la représentation. Les années 1980 ont vu un retour en force de la figuration sur la scène artistique. L'usage que font de la citation les Néo-Expressionnistes et les Appropriationnistes met en question le statut de l'artiste et de l'art-même dans un contexte post-moderne où les notions d'originalité et d'avant-garde sont mises en douteThis thesis analyses contemporary American paintings (from the 1950s to the 1990s) which quote from previous works of art. Quotation is understood here as the literal presence of one work of art within another. Larry Rivers produces his own versions of famous paintings and develops his own personal style in the process. Peter Saul is an iconoclast ; his aim is to "reactivate" paintings which have been numbed by too much reverence, and he translates the pictures he quotes into the idiom of the comics. In the Pop Art works of Roy Lichtenstein and Andy Warhol, mechanical reproduction becames an issue : what of transformation and originality when the work of art is no longer given birth to by the sacrosanct hand of the painter ? the 1980s saw a spectacular return of figurative painting on the art scene. Historicism and quotation are part and parcel of the so-called postmodern era, as it centres round notions of originality, progress and avant-garde
11
Tzeng, Shai-Shu. "Imitation und Originalität des Ornamentdesigns : Studien zur Entwiclung der kunstgewerblichen Musterbücher von 1750 bis 1900 in Frankreich, Deutschland und besonders England /." München : Scaneg, 1994. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb376297090.
Full text
12
Phay-Vakalis, Soko. "Le miroir comme emblème de la peinture : ses figurations et transfigurations de Vermeer à Richter." Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081619.
Full textAbstract:
La premiere image qui se faconne dans le miroir est celle du corps qui s'y decouvre. Le miroir est essentiel pour l'homme, qui n'a cesse de vouloir y distinguer ses propres traits, comme en temoigne le mythe tragique de narcisse. Or, dans de pictura, alberti pretend precisement que l'inventeur de la peinture est narcisse. C'est supposer que la peinture doit etre reflexive, c'est-a-dire une copie de la realite. Des la renaissance, le miroir devient un critere, une reference pour les peintres, car l'image dans le miroir (comme le tableau) est regie par les lois de la perspective. Le narcisse d'alberti est une invention moderne que la peinture de siecle en siecle va reprendre a son compte comme une fonction de legitimation ou d'ecart. Mais, la fonction du miroir comme embleme de la peinture est remise en question par l'invention de la photographie qui peut, grace a la finesse du detail, mieux rendre compte de la realite meme. Le miroir comme embleme de la peinture va evoluer. Au xxe siecle. Le miroir comme "motif", utilise par des peintres comme matisse, bacon ou magritte, connait des deformations, des subversions et des metamorphoses. Ces "manieres" de contourner, voire de deconstruire la theorie qui soutient que l'art est le miroir de la realite, montrent cependant une volonte de continuer la tradition de la peinture figurative et imitative. Comme la peinture ne peut pour l'exactitude rivaliser avec la photographie, le miroir va finir par se substituer a la toile, devenir support et surface. Il est, alors, tranforme en "medium artistique", c'est-a-dire qu'il n'est plus seulement objet de representation ou metaphore de la mimesis, mais il accede au statut "d'oeuvre d'art". N'etant plus seulement critere, reference, le miroir tient un autre role, celui d'un "operateur d'echanges" entre le spectateur et son environnement. Pistoletto avec ses tableaux-miroirs ou encore richter, kowalski ont voulu deconstruire le "point de vue divin" de la renaissance, pour construire denouvelles voies de visibilite.
13
Boucherat, Véronique. "Recherches sur le rôle des modèles dans la production artistique en Champagne méridionale à la fin du Moyen Age : (v. 1485 - v. 1535)." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040148.
Full textAbstract:
A la fin du Moyen Age, des conditions économiques fastes déterminent, en Champagne méridionale et dans sa capitale, Troyes, l'émergence d'une production artistique nombreuse, notamment caractérisée par un usage important de modèles, souvent gravés et étrangers. Après avoir précisé les conditions de cet essor et l'ancienneté d'un style annoncé par la statuaire des XIVe et XV e siècles, la thèse présente les spécificités de cette production. Une mise en évidence appuyée fait ressortir les rôles multiples de l'usage des modèles, par exemple essentiel dans la structuration du style troyen et dans l'affirmation d'une identité culturelle puissante. Etonnamment variés et nombreux, ces modèles nuancent une production qui reflète un milieu champenois curieux, cosmopolite dans ses relations, mais à l'identité parfaitement structuréeAt the end of the Middle Ages, many works of art, based on engraved foreign models, were produced in Southern Champagne and its capital Troyes. After explaining the conditions, the thesis reveals the particulars of the works, underscoring the use of models essential to the structuring of the Troyes style and the affirmation of a powerful cultural and perfectly structured identity. The models are amazingly varied and large and reflect the cosmopolitan relations of Champenois milieu
14
Muresan, Bianca. "L'émergence de l'idée moderne d'art dans Les Réflexions critiques sur la poésie et la peinture (1719) de l' Abbé Dubos (1670-1742)." Phd thesis, Université Nice Sophia Antipolis, 2014. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01063893.
Full textAbstract:
La thèse se propose de faire une incursion dans la pensée esthétique du fin XVIIe siècle-début XVIIIe, c'est-à-dire dans les débuts de cette nouvelle discipline en tant que science à part. Les contributions de Jean-Baptiste Dubos à la naissance de cette discipline sont massives, donc ce philosophe de l'art retient et mérite toute notre attention. D'abord, grâce à la Querelle des Anciens et des Modernes, son esprit s'enrichit et se forme, ses connaissances se multiplient de façon à lui permettre de réaliser une synthèse, dans son système d'esthétique, de la riche palette eidétique déployée jusqu'à lui. Ayant comme point de départ le cartésianisme, dont il se distingue entièrement, et dont il hérite uniquement le dogmatisme (l'universalité), cette fois-ci appliqué au sixième sens, celui qui juge de la valeur d'une œuvre artistique, il aboutit à s'ériger en auteur d'un courant opposé, apparenté au sensualisme. L'éloge des sens, au détriment de la raison, qui sont impliqués dans le jugement de goût du public invité à la diffusion de l'art, témoigne d'une coupure entre les époques ; la nouvelle ère appartient à Dubos et à ses disciples, qui répondent même des territoires étrangers, de l'Angleterre et même d'Allemagne. Les cinq parties de la thèse contiennent la description de la marche en avant, des pas de géant effectués dans le domaine des idées esthétiques par l'abbé Dubos. Si, dans la première partie, à l'occasion de la Querelle des Anciens et des Modernes, on découvre une rupture au sein des notions ; la notion de climat étant le noyau d'une théorie esthétique formulée avec le plus grand soin de détail par Dubos ; on découvre donc aussi une focalisation sur le sujet, créateur ou récepteur, siège du sentiment, la deuxième partie vient pour continuer à relever les mérites de Dubos, qui rend possible une attitude différente du public, public qui ne cherche plus l'instruction dans l'art, mais le plaisir, né de la satisfaction du besoin d'être occupé. Les trois autres parties explorent d'une façon plus profonde l'apport esthétique de Dubos : la critique psychologique, la critique scientifique et la critique comparée poésie/peinture. Les qualités de bon psychologue de Dubos, qui plonge dans l'âme du public au moment où il est attendri, rendent possible une meilleure création du génie, qui sait désormais s'adresser au public, de façon émouvante. À cet usage, Dubos formule une théorie du plaisir de l'art, du beau artistique et de l'émotion, qu'il incorpore de façon soudée à son système. Dans la quatrième partie, la critique scientifique, Dubos sonde l'âme du génie, le créateur surpris dans l'enthousiasme nécessaire à la naissance de l'œuvre d'art véritable, créée en vue de plaire. Lors du devenir du génie, les causes formatrices comme les causes morales ou les causes physiques se veulent responsables de ses productions artistiques, poésies ou peintures. De ces dernières nous nous sommes occupés dans la cinquième partie, en réalisant un parallèle, non seulement chez Dubos, mais aussi chez ses successeurs, comme Lessing, prioritairement. Une conclusion nous rappelle les mérites de l'abbé Dubos dans la fondation de l'esthétique moderne.
15
Casal, dit Esteban Karine Lourdin. "Recherches sur la diffusion des modèles corinthiens dans les céramiques d'Occident aux VIIIème et VIIème siècles av. J. -C. : trois études de cas : Sicile, Basilicate, Étrurie." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010666.
Full textAbstract:
Cette étude propose une synthèse sur la diffusion et les modes de réception des modèles stylistiques corinthiens dans les milieux coloniaux et indigènes de l'Italie des VIIIème et VIIème siècles avant J. -C. Le corps de cette recherche est essentiellement constitué par l'étude des vases que l'on désigne parfois d'un terme commode mais impropre de "corinthianisant" ou "italo-corinthien". Un "décodage" des imitations et des adaptations des vases corinthiens est proposé grâce à la mise en place d'une grille de lecture pour les formes et les motifs empruntés à Corinthe. Il s'agit de donner une définition claire de la présence corinthienne en Occident, de manière à voir si elle se manifeste partout de la même façon, suivant que l'on soit dans une des zones où le monde grec est très présent (colonies, établissements commerciaux), ou dans d'autres où il l'est moins (Etrurie et milieux indigènes).
16
Angers, Philippe 1968. "Principles of religious imitation in mediaeval architecture : an analysis of the Holy Sepulchre in Jerusalem and its European copies from the Carolingian period to the late Romanesque." Thesis, McGill University, 2006. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=98534.
Full textAbstract:
This study concerns the concept of sacred architectural imitation, using the Platonic notion of mimesis which then later finds expression in the medieval idea of imitatio. In Religious as well as in artistic and architectural forms of expression, the notion of imitation is indeed a very central and complex issue. At the heart of this concept is the question of meaning, or, more precisely, the transference or translation of meaning; from original to copy, from prototype to reproduction.In order to better illustrate and understand the principles guiding the notion of medieval sacred architectural imitation I have chosen to focus on five specific instances surrounding the replication of the Holy Sepulcher in Jerusalem, arguably the most revered landmark in Christendom.
A close examination of the relationships which exist between model and copy will bring to the fore the dynamics which govern the process of mimesis by which meaning is reproduced in the architectural replicas.
From this comparative analysis will emerge a more universal picture of the medieval concept of religious imitation. Indeed, if anything, a preliminary survey of the great many imitations of the Holy Sepulcher spread throughout Europe reveals to the observer a surprising trend, namely a consistency of inconsistencies in their effort to "copy".
The present study will demonstrate that these seeming inconsistencies within the application of the mimetic process nevertheless reveal a somewhat unexpected structure.
From the pattern of these inconsistencies will emerge a clearer picture of the principles governing the transfer of sacred meaning via the method of imitatio during the Middle Ages.
17
Jonaitis, Dalius. "Tikrovės ir imitacijos problema fotografijoje pagal Jean‘ą Baudrillard‘ą. Fotografijų ciklas „Pajūrio peizažas“." Bachelor's thesis, Lithuanian Academic Libraries Network (LABT), 2010. http://vddb.laba.lt/obj/LT-eLABa-0001:E.02~2010~D_20100907_094937-20934.
Full textAbstract:
Darbe nagrinėjama tikrovės ir imitacijos problema fotografijoje pagal Jean‘ą Baurillard‘ą, menamos ir realios tikrovių koegzistavimo bei sąveikos problema. Darbe keliamas tikslas – imituotas peizažas: nagrinėjama imitacijos tendencija šiuolaikinėje kūrybinėje fotografijoje, kai išryškinami realybės neatitikimai, t.y. kur „imituotas peizažas“ prasilenkia su menamu realiu peizažu. Darbo objektas yra „imituoto peizažo“, kaip šiuolaikinio meno objekto, vaizdavimas, konstravimas. Klausimai, susiję su tokiu peizažu, yra nagrinėjami, vadovaujantis simuliakrų teorija. Šio tikslo siekiama analizuojant imituotą peizažą, kuris yra susijęs su šiomis problemomis: jis nėra pasaulio (tikrovės) atspindys, tačiau, nebūdamas pasaulio atspindžiu, vis tiek atspindi pasaulį (klausimas: kokį), erdvę ir laiką, aptariami tokio peizažo šifravimo kodai, ženklai ir nusakoma, kaip tai susiję ar nesusiję su simuliakrų teorija. Tyrimo metodai, naudoti teoriniame darbe: menotyrinės literatūros analizė ir apibendrinimas, komparatyvinė analizė, menininkų darbų analizavimas ir interpretavimas, sisteminimas. Tikrovės ir imitacijos problemos fotografijoje analizė išryškino, jog šiuolaikinė fotografija, dažnai apibūdinama simuliakro sąvoka, neneigia galimybę fotografuojant fiksuoti objektyvią tikrovę.
Pagrindus simuliacijos esmę, išryškėja jos didelis vaidmuo šiuolaikinėje fotografijoje: menininkai kartu kelia klausimą dėl fotografijos kuriamo tikrovės atvaizdo patikimumą, parodo, kad fotografija nėra... [toliau žr. visą tekstą]This work analyzes the problem of imitation and reality in the photography according to Jean Baurillard. Also it is looked into the problem of coexistence and interaction of apparent and actual realities. The aim of this work is the imitated scenery: the tendency of imitation in the modern creative photography is examined; the inadequacies of reality are highlighted that is how “the imitated scenery” is inadequate to the apparent real scenery. The object of this work is to construct and depict “the imitated scenery” as an object of postmodern art. The questions concerned with the imitated scenery are analyzed in accordance with Jean Baurillard’s simulacra and simulation theory. In order to reach this goal the imitated scenery is analyzed, which is concerned with these issues: the imitated scenery is not a reflection of real-life (reality), however, it still reflects the world (the question is what world it reflects), space and time. Furthermore, the encoding of codes and signs in such scenery is discussed with reference to the simulacra and simulation theory. The research methods used in this work are: the analysis and generalization of literature on art criticism, comparative analysis, the analysis and interpretation of artistic works, the systemization of accomplished analyses. The analysis of the problem of reality and imitation in the photography has revealed that contemporary photography, which is often described by the concept of simulacra, do not deny the possibility... [to full text]
18
Paraone, Israe. "Urban Voodoo an ambiguity document, seeking to record the disruption of language through imitation : a thesis/dissertation submitted to AUT University in partial fulfilment of the requirements for the degree of a Master of Art and Design, 2007 /." AUT University, 2007. http://hdl.handle.net/10292/135.
Full textAbstract:
Urban Voodoo mimics semiotic phenomena, which constitute language and functions as a system of signs that intra-act ambiguously within their own system. This project explores the link between the ambiguous signs of the worm, what looks like a mimesis of icons/symbols, and the way in which simulations are caught up in semiotic implications. Urban Voodoo, which followed on from my earlier Project Iroiro, developed language precursors from the study of the marks of the worm, creating different patterns and styles, and generating language-like effects. Using this system of signs, my project explores the idea that humans are part of a system operated by language, and examines the notion that language itself may be disrupted. To explore this, my project is about layers of competing imprints, about 'languages' tagged into spaces occupied by several graffiti artists within a local skate park. Urban Voodoo acts as a new Graffiti system. In mimicry, organisms make themselves resemble others or their environment. Icons 'look like' what they represent; simulation proposes 'to be' what it suggests. These concepts of assimilation and representation will be explored to understand and interrogate the power balance of language systems, starting with a specific local situation, the skate park. Latin; Inter" denotes "among" or "between," so "between symbols" or "among symbols" is a reasonable meaning. "Intra" denotes "within," as "intra muros," meaning "within the walls.". See also http://arden.aut.ac.nz/moodle/login/index.php#_ftn1 Iroiro, the mark of the worm found in nature, under the bark of trees or etched into the surface of seashells. It is these intriguing patterns that are of interest to this research. These marks perform a role in which systems of language surface. See also http://arden.aut.ac.nz/moodle/login/index.php#_ftn2 Graffiti Piece; the terminology used to define larger works of graffiti art as opposed to tagging, a form of territory recognition mark. See also http://arden.aut.ac.nz/moodle/mod/forum/discuss.php?d=3410#_ftn3
19
Parise, Maddalena. "Du portrait ressemblant à l'excès de détails : le daguerréotype, une technique à l'épreuve de l'art." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010591.
Full textAbstract:
Dans quelle mesure la question de la ressemblance est-elle essentielle à la formation d'une esthétique de la photographie à l'ère de son invention? Quels en sont les enjeux à une époque où le nouveau médium expérimente une technique inédite dans le genre artistique du portrait? Nous partons de l'hypothèse que les premières épreuves photographiques se caractérisent par une dichotomie fondamentale entre un art de la représentation et un art de l'enregistrement. À cette époque, esthétique et technique sont étroitement liées et si les photographes se révèlent conscients des possibilités offertes par le nouveau médium, ils sont aussi continuellement confrontés à la tradition picturale. Notre approche cherche ainsi à croiser théorie et histoire, technique et esthétique dans le but d'examiner la construction de la ressemblance sous ses multiples aspects. Le portrait daguerréotype (1830-1855) matérialise la réflexion contemporaine sur la question de la ressemblance qui se présente construite autant qu'exacte. Le rôle crucial des détails dans la construction des portraits daguerréotypes nous a conduits à l'analyse des photographies et à l'étude des textes, de la production à la réception des images. La fonction paradoxale que ces détails exercent au sein des épreuves est symptomatique de la dualité de la ressemblance photographique, scindée entre un excès de précision et une extrême composition des images. La fonction du détail à l'intérieur de la composition des images, aléatoire ou participant à leur construction, ouvre une question plus vaste : celle du paradoxe de la représentation ressemblante et pourtant enregistrée.
20
Lopes, Rodrigo 1976. "Ópera inglesa do século XVIII em debate : os vários sentidos do conceito de imitação /." São Paulo, 2019. http://hdl.handle.net/11449/183478.
Full textAbstract:
Orientador(a): Lia Vera TomásBanca: Yara Borges Caznok
Banca: Graziela Bortz
Banca: Carin Zwilling
Banca: Mário Videira
Resumo: Este trabalho tem como objetivo discutir os vários sentidos do conceito de imitação relacionados à ópera inglesa do século XVIII. Através do exame de textos britânicos do século XVIII quanto à estética musical e de teóricos como Thomas Rymer, John Dennis, Thomas Twining, dentre outros, que se referiram à imitação e expressão em música, nos perguntamos: quais concepções imitativas e modelos miméticos foram de uso corrente na Inglaterra daquele período? De que modo as teorias imitativas foram estabelecidas e utilizadas como critério de julgamento estético para a ópera e porque esse critério foi visto com ressalvas por autores como Daniel Webb e John Hawkins? O que podemos derivar dos ataques e defesas feitos a elas? Em que medida a Inglaterra dialoga (ou não) com a França sobre esse problema? Para responder a essas questões, consideramos o modo como a música, a ideia de natureza e razão foram compreendidas no século XVIII, e como essa compreensão atuou na concepção estética da música. Procurou-se seguir a trajetória da imitação como prerrogativa para a execução da ópera, e como ela se perdurou no decorrer desse século, mesmo em meio às polêmicas e à instauração da ideia de expressão em música, que trouxe possibilidades autônomas para a música, tornando-se independente das teorias imitativas em música. Os resultados a que se chegou foram que a estética musical vinculada aos sentimentos como critério de gosto e de valoração da música a partir da expressão musical foi suplantando... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Résumé: Cet article vise à discuter des différentes significations du concept d'imitation lié à l'opéra anglais du 18ème siècle. En examinant des textes britanniques du XVIIIe siècle sur l'esthétique musicale et des théoriciens tels que Thomas Rymer, John Dennis, Thomas Twining, entre autres, qui ont évoqué l'imitation et l'expression en musique, nous nous sommes posé la question suivante: quelles conceptions imitatives et quels modèles mimétiques étaient utilisation actuelle en Angleterre de cette période? Comment les théories imitatives ont-elles été établies et utilisées en tant que critère de jugement esthétique pour l'opéra et pourquoi ce critère a-t-il été interprété avec réserve par des auteurs tels que Daniel Webb et John Hawkins? Que pouvons-nous tirer des attaques et des défenses qui leur ont été faites? Dans quelle mesure l'Angleterre dialogue-t-elle (ou pas) avec la France sur ce problème? Pour répondre à ces questions, nous examinons comment la musique, les notions de nature et de raison ont été comprises au XVIIIe siècle et comment cette compréhension a agi dans la conception esthétique de la musique. Nous avons cherché à suivre la trajectoire de l'imitation comme une prérogative pour la représentation de l'opéra et comment elle a duré tout au long de ce siècle, malgré les controverses et l'instauration de la notion d'expression dans la musique, qui a apporté des possibilités autonomes de indépendant des théories imitatives en musique. Les résultats ont été que... (Résumé complet accès életronique ci-dessous)
Abstract: This paper aims to discuss the various meanings of the concept of imitation related to 18th century English opera. By examining eighteenth-century British texts on musical aesthetics and theorists such as Thomas Rymer, John Dennis, Thomas Twining, among others, who referred to imitation and expression in music, we ask ourselves: what imitative conceptions and mimetic models were of current use in England of that period? How were imitative theories established and used as an aesthetic judgment criterion for opera, and why was this criterion viewed with caveats by authors such as Daniel Webb and John Hawkins? What can we derive from the attacks and defenses made to them? To what extent does England dialogue (or not) with France about this problem? To answer these questions, we consider how music, the idea of nature and reason were understood in the eighteenth century, and how this understanding acted in the aesthetic conception of music. We sought to follow the trajectory of imitation as a prerogative for the performance of opera, and how it lasted throughout this century, even amid the controversies and the establishment of the idea of expression in music, which brought autonomous possibilities for music, making independent of imitative theories in music. The results were that the musical aesthetics linked to feelings as a criterion of taste and appreciation of music from musical expression was supplanting the power of imitative theories, making the music adapt to the... (Complete abstract click electronic access below)
Doutor
21
Henry, Christophe. "Aux sources du style : l'imitation et le culte des grands maîtres dans la peinture française de 1708 à 1799." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010597.
Full textAbstract:
Cette thèse de doctorat s'est efforcée autant que possible de démontrer que l'imitation des grands maîtres, en tant que. Théorie de la création, constituait un débat singulier dans l'espace de la pensée française de l'art des XVIIe et XVIIIe siècle. Appuyée sur de vénérables fondements hérités de l'Antiquité et de la Renaissance, l'imitation des maîtres fait l'objet d'une critique et d'une redéfinition auxquelles prennent part les savants comme les peintres, à dessein de faire de ce principe, encore mâtiné d'incohérences vers 1650, une véritable méthodologie de la création picturale. Dans un premier temps néanmoins (1650-1700), cette méthode encore contestée semble. Avoir été particulièrement destinée à la sauvegarde de prérogatives corporatives, au sein d'une Académie Royale désireuse de redéfinir la pratique de la peinture et la perception des oeuvres. Mais très rapidement, et au prix de quelques querelles mouvementées, l'imitation savante des grands maîtres est distinguée de l'imitation servile ou monolithique d'un seul maître. De fait, c'est une grande part de la pratique obscure des peintres, et notamment les jeux idiomatiques de. "réflexion " (référence), de citation ou de " larcins " (emprunts) qui se trouve réintégrée dans le corpus des pratiques appréciées, dès lors que l'artiste n'en abuse pas, et qu'elles peuvent être justifiées du point de vue de l'esprit. À l'appui de l'affirmation sociale d'un public particulièrement soucieux de satisfactions visuelles et sensibles, une certaine substitution de la référence à la représentation est bien ce qui caractérise au premier chef la peinture du milieu du XVIIIe siècle, et cela dans des proportions qui eurent d'évidentes conséquences qualitatives. Ce basculement du statut interne des oeuvres ne fut pas perçu comme une catastrophe artistique/
22
Sabino, José Feres. "Ensaios de Karl Philipp Moritz: linguagem, arte, filosofia (seleção, intodução, tradução e notas)." Universidade de São Paulo, 2010. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8133/tde-30042010-100308/.
Full textAbstract:
Após mais de duzentos anos, o interesse pela obra de Karl Philipp Moritz (15 de setembro de 1756 26 de junho de 1793) só tem aumentado. Diferentes autores como Herman Hesse e Walter Benjamin, e, mais recentemente, Hans Joachin Schrimpf, Tzvetan Todorov, Peter Szondi, Arno Schmidt e Peter Handke têm escrito ressaltando a importância e a fecundidade desse autor. Moritz pode ser considerado um dos autores inaugurais do romantismo alemão. Este mestrado em filosofia, área de estética, pretende, por meio de seleção, tradução e introdução dos textos de Karl Philipp Moritz, contribuir para a valorização dessa importante obra em nossa cultura. Os textos selecionados são de teoria da linguagem, estética e filosofia.After over two hundred years, the concern for the works of Karl Philipp Moritz (September 15th 1756 June 26th 1793) has increased steadily. Different authors such as Herman Hesse and Walter Benjamin and more recently Hans Joachin Schrimpf, Tzvetan Todorov, Peter Szondi, Arno Schmidt and Peter Handke have written on the relevance and fecundity of this author. Moritz can be said to be one of the inaugural authors of German Romanticism. This Masters in Philosophy, in the Aesthetics field, intends, by means of selection, translation and introduction of Karl Philipp Moritz texts, to contribute to the appreciation of this important work in our culture. The selected texts belong to the fields of Language Theory, Aesthetics and Philosophy.
23
Abecassis, Anne-Catherine. "Per Kirkeby : une histoire géologique de l'art : l'oeeuvre comme incarnation de l'histoire de l'art : de l'imitation à la citation." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010689.
Full textAbstract:
Per Kirkeby ( 1938, Copenhague), sculpteur, graveur, cinéaste, architecte, géologue et peintre avant tout, compte parmi les artistes contemporains les plus médiatisés, les plus exposés et publiés. Cet artiste, dont l'œuvre picturale s'impose comme une des plus marquantes au Danemark dès la fin des années soixante, prendra une part importante au renouveau général de la peinture dans les années quatre-vingt. Il reste cependant loin d'occuper en France la place qu'il mérite et son œuvre y demeure encore relativement mal connue. Nous avons ici entrepris de sortir l'œuvre de Kirkeby de sa traditionnelle réception nordique, du romantisme comme de l'expressionnisme, auxquels elle est généralement rattachée afin de mesurer l'importance de sa contribution dans le cadre d'une réflexion neuve sur l'histoire et sur l'art. Par une approche de son ouvre formulée autour d'une problématique appropriative, et plus particulièrement citationnelle, notamment justifiée par une conception géologique de l'art, les travaux de l'artiste danois nous amènent en effet à repenser les fondements mêmes de la création artistique, à partir du moment où elle acquiert le statut d'artes libérales à la renaissance, et de leur devenir au sein de la période contemporaine.
24
Jiméno, Frédéric. "La peinture espagnole et la diffusion des modèles français aux XVIIe et XVIIIe siècles : les enjeux de la copie." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010638.
Full textAbstract:
L'objet de cette étude est de mesurer la culture visuelle des artistes espagnols face à la peinture française par le biais de la gravure et de la copie. Avant tout, on devait préciser le contexte et notamment le statut de la copie en Espagne ou le rôle des académies dans la diffusion de modèles français. Il ne fallait pas négliger les français qui résidèrent dans la péninsule ibérique ou bien le commerce d' œuvres d'art et notamment de peintures. La commercialisation de gravures françaises commença et se structura au XVIe siècle. Les documents témoignent d'une importation massive et variée de gravures dans toute l'Espagne. Il permit à G. Audran, Edelinck ou P. Drevet d'être considérés comme les plus grands praticiens de l'histoire de la technique. Les Français gravèrent aussi des modèles espagnols. Au XVIIIe siècle, les séjours de graveurs espagnols à Paris et la formation de collections de gravures favorisèrent cette diffusion. Les copies inventoriées (plus de 400) confirment ces données. Les plus anciennes datent des années 1630 et les artistes du Grand Siècle furent copiés de leur vivant. Si les modèles du XVIIIe siècle sont plus rares, ils représentent un quart de l'ensemble. Les copies nous permettent d'affirmer que les modèles français furent multiples et bien diffusés en Espagne. Nous avons pu ainsi préciser la chronologie des faits, l'identité des intervenants, expliciter et enrichir ce contexte négligé.
25
Nilsson, Amanda. "Imitation & Sprezzatura : En komparativ studie av Machiavellis furstespegel och Castigliones hovmannaideal speglade i fyra porträtt av Cosimo I de' Medici och Eleonora di Toledo." Thesis, Stockholms universitet, Institutionen för kultur och estetik, 2018. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:su:diva-157540.
Full textAbstract:
Följande uppsats behandlar fyra hovporträtt av konstnären Bronzino föreställande fursteparet Cosimo I de’ Medici och Eleonora di Toledo speglade mot de litterära källorna Machiavellis Fursten och Castigliones Boken om hovmannen. Uppsatsen empiriska material kommer således att bestå av ovanstående material placeras framför varandra för att belysa dess beröringspunkter, både i fråga om likheter och olikheter. Analysens teoriangrepp kommer med avstamp i Roland Barthes semiotiska bildanalys att närma sig porträttens denotativa men främst konnotativa uttryck. Vidare har Shearer Wests bok Portraiture använts för förståelsen kring porträttet som genre i dess historiska kontext. Undersökningens disposition består av två huvudrubriker varav den första behandlar den historiska kontexten och den sista delen själva bildanalyserna. Resultatet visar på att samtliga porträtt av Cosimo och Eleonora finner flera beröringspunkter i Machiavellis furstespegel som Castigliones hovmannaideal, men skiljer sig delvis beroende på porträtt. Vidare har undersökningen visat på att Cosimo i sina två utvalda statsporträtt – valde att i det senare gestalta sig själv i en måttfullare stil – inte helt olik den måttfullhet som skildras i såväl Castigliones litterära verk som visuella porträtt. Cosimos tidigare porträtt svarar dock bättre mot Machiavellis idé om imitering. De två porträtten av Eleonora finner även dom olika samband med textmaterial och där Eleonoras senare statsporträtt tycks besitta flera av hertiginnans drag – något som inte med samma tydlighet framträder i det tidigare porträttet. Gemensamt för alla porträtt är deras avsaknad av sprezzatura som den allra viktigaste egenskapen för en person vid hovet.
26
Martin, Marie-Pauline. "Juger des arts en musicien : un aspect de la pensée artistique du siècle des Lumières en France (1741-1803)." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010708.
Full textAbstract:
La théorie musicale du siècle des Lumières met en jeu certains principes communs à l'ensemble des arts, telles les notions d'imitation, d'illusion et d'expression. A partir d'une confrontation des sources théoriques françaises consacrées à la peinture, la sculpture, l'architecture, la pantomime et la musique, ce travail tente de rétablir la vision du système des beaux-arts tels que la cultivent de nombreux théoriciens et artistes (Rousseau, Diderot, Watelet, Quatremère de Quincy. . . ). Dans leurs écrits, la musique s'impose comme un modèle ou un argument, plaidant en faveur d'une redéfinition de la théorie classique de l'imitation et de la hiérarchie des arts. Elle est aussi pensée comme l'outil d'une éducation de la sensibilité et de la morale républicaine, incitant à examiner l'importance de cet art dans la culture de certains peintres, dans le débat sur l'instruction publique et la réorganisation des académies sous la Révolution, et finalement au sein même de la fête révolutionnaire
27
Lagouarde, Clément. "Le "pour de vrai" et le "vrai" en art performance : fiction vs trace." Thesis, Bordeaux 3, 2018. http://www.theses.fr/2018BOR30017/document.
Full textAbstract:
L’art performance est un art contemporain difficile à définir. Néanmoins il peut se décrire par l’action d’un artiste de performance qui, à la différence du théâtre traditionnel, se présente lui-même devant un public, s’infligeant parfois de véritable blessure. Cet art questionne le « pour de vrai » et le « vrai ». En le comparant au théâtre il semble moins fictif car les blessures est le sang sont « vrais », et sa trace (captations vidéos, captations sonores, photographies, objets, croquis, écrits, etc.) le prouve. La fiction et la trace paraissent opposées, là où la première est une invention (le « pour de vrai ») l’autre est un élément pérenne d’une action vécue (le « vrai »), l’art performance permettrait alors de penser ces deux notions non plus comme opposés mais comme corrélatives. L’art performance présente sa trace comme un élément pérenne d’une action plus ou moins inventée : le « vrai » dont la frontière avec le « pour de vrai » peut être questionné. Cette thèse argumente ces hypothèses à travers une première partie comparative entre l’art performance et l’art théâtral, avec comme problématique la fiction qui semble opposée au « vrai ». Et une seconde partie corrélative sur le possible « pour de vrai » de la trace, qui permet l’étude de trois traces épistémologiques : la mémoire, l’écriture et l’indice à travers des exemples respectifs d’artistes de performancePerformance art is a contemporary art is hard to define but which can be described as an action made an audience by a performance artist who, in contrast to the traditional theater, is the artist himself is inflicting sometimes real physical injuries. This art questions the 'like true' and the 'true' and seems less fictitious than traditional theater because blood’s physical injuries is 'true' and that he uses his trace as evidence (video recordings, sound recordings, photographs, objects, sketches, written, etc.). If the fiction and the trace seem opposed, because the first is an invention (the "like true") the other is a sustainable living action (the ' true') element, performance art then would think these two concepts not as opposites but as Horn related. As performance art, object of study here, presents his trail as a perennial element of a more or less invented action: as the 'true' including the border with the "like true" can be questioned. This thesis argues its assumptions through a comparative part between performance art and theatrical art, with as problematic fiction that seems opposite to 'true'. And a second consequential part on the possible "like true" of the trace, which allows the study of three epistemological traces : memory, writing, and trifle through respective examples of performance artists
28
CHALLEAT, CLAIRE. "Le relazioni artistiche tra la corte di Borgogna e la corte di Napoli all'epoca di Alfonso d'Aragona." Doctoral thesis, Scuola Normale Superiore, 2006. http://hdl.handle.net/11384/85746.
Full text
29
Van, Heerden Leanri. "Detecting Internet visual plagiarism in higher education photography with Google™ Search by Image : proposed upload methods and system evaluation." Thesis, Bloemfontein: Central University of Technology, Free State, 2014. http://hdl.handle.net/11462/249.
Full textAbstract:
Thesis (M. Tech. (Design and Studio Art)) - Central University of Technology, Free State, 2014The Information Age has presented those in the discipline of photography with very many advantages. Digital photographers enjoy all the perquisites of convenience while still producing high-quality images. Lecturers find themselves the authorities of increasingly archaic knowledge in a perpetual race to keep up with technology. When inspiration becomes imitation and visual plagiarism occurs, lecturers may find themselves at a loss for taking action as content-based image retrieval systems, like Google™ Search by Image (SBI), have not yet been systematically tested for the detection of visual plagiarism. Currently there exists no efficacious method available to photography lecturers in higher education for detecting visual plagiarism. As such, the aim of this study is to ascertain the most effective uploading methods and precision of the Google™ SBI system which lecturers can use to establish a systematic workflow that will combat visual plagiarism in photography programmes. Images were selected from the Google™ Images database by means of random sampling and uploaded to Google™ SBI to determine if the system can match the images to their Internet source. Each of the images received a black and white conversion, a contrast adjustment and a hue shift to ascertain whether the system can also match altered images. Composite images were compiled to establish whether the system can detect images from the salient feature. Results were recorded and the precision values calculated to determine the system’s success rate and accuracy. The results were favourable and 93.25% of the adjusted images retrieved results with a precision value of 0.96. The composite images had a success rate of 80% when uploaded intact with no dissections and a perfect precision value of 1.00. Google™ SBI can successfully be used by the photography lecturer as a functional visual plagiarism detection system to match images unethically appropriated by students from the Internet.
30
Scalco, Diego. "L’art abstrait et la tradition du sublime : du sublime comme principe de critique d’art." Thesis, Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100143.
Full textAbstract:
Le présent travail a pour objectif de montrer que les réflexions théoriques et les remarques à caractère technique suscitées au cours de l’histoire par le sublime permettent d’approfondir la question du sens de l’art abstrait. En retour, il vise à tracer les voies par lesquelles l’art abstrait porte à témoigner du sublime, à le penser et à le reconnaître. La relation que l’art abstrait entretient avec la tradition du sublime n’est pas univoque, car certaines parmi ses manifestations tendent à confluer dans la tradition du beau et à renouer avec la pratique de la mímēsis (dont la notion classique déborde les notions modernes d’imitation, de représentation et de figuration). Force est de constater que l’impression d’étrangeté provoquée par le sublime se distingue du plaisir de la reconnaissance qui accompagne le beau et qui est l’effet de la mímēsis accomplie. Ainsi il s’agira de départager l’abstraction, laquelle aurait pour objet l’harmonie sous sa forme abstraite, et l’art abstrait, lequel procurerait un émoi propice au sublime. Cet émoi ne constituera pas le seul critère discriminant en matière de choix des démarches à comparer. D’autres aspects seront pris en considération, à savoir la simplicité, la grandeur et l’obscurité, qui, sous certaines conditions et une fois réunies, peuvent prêter existence au sublime. L’intérêt de l’approche proposée consiste à considérer différentes pratiques abstraites sous un angle, celui du sublime, qui offre la possibilité de les relier à des pratiques figuratives, poétiques, oratoires ou architectoniques dans une perspective historique, mais aussi d’en reconnaître les enjeux et les difficultés spécifiquesThe objective of this thesis is, on the one hand, to show how the theoretical reflections and technical considerations raised throughout history by the sublime allow a deeper understanding of the meaning of abstract art. On the other hand, this thesis explores the way in which abstract art gives rise to the experience of the sublime and therefore to a reflection on it and to its recognition. The relation between abstract art and the tradition of the sublime is not unproblematic. Some of the manifestations of abstract art have a tendency to relate to the tradition of beauty and the practice of mímēsis (whose classical meaning goes beyond the modern notion of imitation, representation and figuration). It is important to note that the impression of strangeness provoked by the sublime differs from the pleasure gained from the recognition that accompanies beauty and is the effect of the accomplished mímēsis. Therefore, it is a question of distinguishing between abstraction, whose objective is harmony in its abstract form, and abstract art, which provokes an agitation that can generate the sublime. In addition to agitation, other aspects will be taken into consideration, namely simplicity, grandness and obscurity. These aspects can, under certain conditions and once they are brought together, give rise to the sublime. The approach of this thesis is important because it considers abstract practices from the angle of the sublime which offers the possibility (a) to link abstract practices with figurative, poetic, oratory or architectural practices in a historical perspective, and (b) to identify specific issues and problems of abstract practices
31
Bertron, Juliette. "De la parodie dans l'art des années 1960 à nos jours." Thesis, Dijon, 2014. http://www.theses.fr/2014DIJOL028/document.
Full textAbstract:
Si la parodie est loin d'être une pratique nouvelle, la première occurrence connue du terme remontant à l'Antiquité, elle a été jusqu'alors principalement envisagée comme un genre ou comme une figure littéraires. Et pourtant ses formes, ses connotations et ses procédés sont exploités par de nombreux artistes plasticiens. Dans les années 1960, l'avènement de la société de consommation et ses effets sur la reproductibilité de l'œuvre d'art donnent à la parodie un essor nouveau. Transformant l'histoire de l'art en un répertoire accessible dans lequel puiser à loisir pour créer à partir de, la reproductibilité offre des conditions idéales au jeu parodique. Comprendre comment et pourquoi des artistes d'horizons fort divers, des années 1960 à nos jours, se saisissent de la parodie, à des fins aussi bien personnelles que contextuelles, est l'objet de cette étude. État des lieux de la notion, la première partie s'attache à définir le terme et se penche sur les parodies réalisées depuis le milieu du XIXe siècle, des Salons caricaturaux au postmodernisme en passant par les avant-gardes historiques. La deuxième partie se construit autour du ludique, du comique et du satirique, compris comme autant de couleurs et de régimes. Enfin, la troisième partie est consacrée à la part réflexive de la parodie. Art sur l'art, cette dernière participe à une mise en cause institutionnelle et aspire à la dénudation du faire artistique lui-même. Tout au long de cette étude, la parodie apparaît comme une pratique essentiellement ambivalente, entre mauvais genre et pratique cultivée, gaminerie et jeu élitiste, dégénérescence de l'art et sursaut de créativité, destitution et aveu d'admiration, outrage et hommageThe word parody has been coined during classical antiquity and has since been considered mostly as a literary genre or figure. Nevertheless, numerous plastic artists are making use of its forms, processes and connotations. During the 1960s decade, the advent of consumerism and its effects on the work of art duplicability gave a new rise to parody. Reproducibility allowed the transformation of history of arts into a vast repertoire in which one may draw to create from and thus, offered a fertile ground for parodic creation. This study focuses on understanding why and how such a wide range of artists are taking advantage of parody for personal or contextual ends from the 1960s to nowadays. The first part of this study is articulated around the precise definition of the term and a chronological view of the parodic art since the middle of the 19th century, from the Salons caricaturaux to postmodernism including historical avant- gardes. The notions of playfulness, comic and satiric will be discussed in the second part, in order to grasp the multiple shades of parody. The third and last part is devoted to the specular aspect of parody that leads to a questioning of the artistic institutions and aims to unveil the artistic practices themselves. Across these pages, parody appears as an ambivalent process, oscillating between mauvais genre and sophistication, childishness and elitism, barrenness and creative rebirth, destitution and admiration, outrage and tribute
32
Bernard-Faivre, Dominique. "Esthétique de l'oeuvre et/ou esthétique des effets. Continuité et/ou rupture dans les arts plastiques contemporains : vers une esthétique de la réception ?" Thesis, Besançon, 2012. http://www.theses.fr/2012BESA1001/document.
Full textAbstract:
Notre thèse aborde la question de la beauté dans les arts plastiques d'aujourd'hui. Celle-ci en effet ne va pas de soi, si l'on en croit notamment les multiples publications manifestant un rejet de l'art contemporain. Peut-on parler, actuellement, d'une esthétique de l'œuvre renvoyant à une science du beauté à une satisfaction d'ordre essentiellement intellectuel? Soit de beauté intrinsèque qui, comme dans l'art de la Renaissance, relève tant de l'harmonie et de la justesse de ses formes que de la légitimité de son contenu, grâce à la mise en évidence du bien-fondé de la mimêsis, de la perspective ou des motifs religieux ? Ou bien faut-il plutôt, pour pouvoir juger de la valeur esthétique de l'art contemporain, accorder une place de choix à la singularité de ses causes et effets, en opérant notamment un inévitable glissement vers une science du sensible ? Or notre parallélisme entre "esthétique de l'œuvre" et "continuité" dans l'histoire de l'art d'une part, puis "esthétique des effets" et éventuelle "rupture" d'autre part, nous a conduits à interroger d'abord ces éléments de rupture tels que le refus de la profondeur ou de la représentation figurative, mais aussi celui de la réalisation ouvragée et de la matière noble. Mais il nous a aussi amenés, malgré des conditions politiques ou techniques spécifiques de réalisation, à nous pencher sur une véritable poiêsis contemporaine. Car avec les œuvres plastiques de notre époque, il s'agit bien, toujours et incontestablement, d'art et même "d'épiphanie", dès lors que l'on s'en réfère à la vision ontologique et apologétique du philosophe François DagognetOur thesisconcerns the question of beauty in the contemporaries plastic arts. But this one does not without saying, if we consider the simple fact of the numerous publications concerning the rejection of contemporary art. May we speak, today, of a "work's esthetic" which refers to a "science of beauty" and to an essentially intellectual satisfaction? We mean an intrinsic beauty, like the one of the Renaissance's art, concerning as much the harmony as the exactness of the forms or the legitimacy of its contents. We mean an art which puts in a prominent position the mimêsis, the perspective's method or the religious motifs. Or would not it be better, in the intention to become able to judge of the esthetic value of contemporary art, to give a first place to the singularity of his causes and effects, at the same time we slide towards a "science of the sensibility" ? In fact, our parallelism between "work's esthetic" and "continuity", then between "effect's esthetic" and a possible "breaking" makes us think about reasons of this breaking, such as the refusal of profundity or as the figurative representation, as well asthe rejection of construction works or noble material. However, we have succeded to consider contemporary art as a real and new poiêsis, in spite of his specific political and technical ways of realisation. And we may assert that, today, undeniably, it is the matter of real art, and even of "epiphany", as soon as we refer to the ontological and laudatory point of view of the philosophe François Dagognet
33
Österberg, Jonathan. "Skill Imitation Learning on Dual-arm Robotic Systems." Thesis, KTH, Skolan för elektroteknik och datavetenskap (EECS), 2020. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:kth:diva-283361.
Full textAbstract:
A control system used to control two Panda Franka Emika robots online and simultaneously with two HTC Vive controllers is presented, with the primary purpose of demonstrating tasks for robots. The system is validated by learning from demonstration/imitation learning task via Principle Component Analysis (PCA). The task consists of learning different bimanual movement patterns e.g. for drawing sketches, with latent variables that then can be manipulated by the user to generate new shapes of similar structure. Tasks of various correlations between the arms are tested and compared. The system uses components and adaptations e.g. preexisting modules for sensing, communication, motion planning, etc. to realize the goal of modularity and support for other robots than the one used in this thesis. The most prominent systems used are the Robot Operating System (ROS) for the base framework for handling packages and sending information between different parts of the system, and MoveIt’s planning library (running on ROS) for managing kinematics and collision.Ett kontrollsystem för att styra två Panda Franka Emika robotar online och samtidigt med två HTC Vive kontroller presenteras, med det primära syftet att demonstrera uppgifter för robotar. Systemet valideras genom att lära sig från demonstrering / imitation inlärningsuppgift via Principle Component Analysis (PCA). Uppgiften består av att lära sig olika bimanuella rörelsemönster, t.ex. för ritning av skisser, med latenta variabler som sedan kan manipuleras av användaren för att generera nya former med liknande struktur. Uppgifter med varierande korrelation mellan armarna testas och jämförs. Systemet använder komponenter t.ex. existerande moduler för avkänning, kommunikation, rörelseplanering, etc. för att förverkliga målet om modularitet och stöd för fler robotar än det som används i denna avhandling. De mest framstående systemen som används är Robot Operating System (ROS) som ram för att hantera paket och skicka information mellan olika delar av systemet, och MoveIts planeringsbibliotek (körs ovanpå ROS) för hantering av kinematik och kollision.
34
Delhorme, Carole. ""Pen, Pencil and Poison" : les relations entre les arts à la lumière des théories esthétiques d'Oscar Wilde." Thesis, Lyon, 2019. http://www.theses.fr/2019LYSE3039.
Full textAbstract:
Cette étude prend son point de départ dans la doctrine de l’art pour l’art telle qu’elle est défendue par Oscar Wilde. Redéfinissant le rapport de l’art au réel, l’autonomie de l’esthétique consacre le culte de la beauté et sape la notion de représentation en tant que principe régissant la création occidentale. Cette remise en cause a de profondes implications en ce qui concerne les relations interartistiques ; l’objectif principal de ce travail est d’analyser dans quelle mesure elle en refaçonne les modalités. En tant que théoricien, Wilde s’inscrit dans le cadre d’un débat millénaire portant sur l’analogie entre les arts. Prenant à rebours la tradition classique de l’ut pictura poesis, il renouvelle les rivalités entre les disciplines en proposant de nouveaux modèles et de nouvelles correspondances. En outre, il propose une théorie de la critique d’art qui élève le critique au rang d’artiste, remodelant ainsi les relations qu’entretiennent le texte et l’image. Ses comptes-rendus des expositions de la Grosvenor Gallery recèlent les prémisses d’une écriture dans laquelle l’œuvre d’art n’est plus objet d’étude, mais source d’inspiration. En dernière instance, c’est un idéal de création que vient fonder la critique, idéal qui repose sur la circulation entre les œuvres par-delà les disciplines. Enfin, la théorie de Wilde s’inscrit dans le prolongement de querelles contemporaines et fait écho aux pratiques du mouvement esthétique, qui multiplie les exemples de rencontres entre la littérature, la musique, les beaux-arts et les arts décoratifs. À l'approche comparative de ces dialogues et transpositions génériques s'ajoute un autre enjeu : il s'agit de voir comment l’idéal de l'inspiration interartistique vient parachever l’autosuffisance et l’autoréflexivité du monde de l’artThe starting point of this study is the doctrine of art for art’s sake as it is defended by Oscar Wilde. The autonomy of aesthetics redefines the relationship between art and life, as it celebrates the cult of beauty and as it undermines the notion of representation understood as the main principle governing artistic creation in the Western tradition. This study sets out to analyze to what extent the doctrine refashions the relations between the arts. Wilde indeed reignites a century-old debate on the analogy between the arts. He challenges the classical tradition of ut pictura poesis and rekindles the rivalries between artistic disciplines by devising new models and correspondences. Furthermore, he formulates a theory about art criticism in which the critic is elevated to the rank of artist, thus remodeling the relations between text and image. His reviews of the exhibitions of the Grosvenor Gallery are preludes to a type of writing in which the work of art is not an object of study, but is taken as a source of inspiration. Wilde’s idea of criticism ultimately serves as the basis for a theory of creation which relies on circulation between works of art and across disciplines. Finally, Wilde’s theory engages in contemporary arguments and echoes the practices of the Aesthetic Movement, which features numerous instances of cross-fertilization between literature, music, the fine arts and the decorative arts. In addition to adopting a comparative approach to those generic transpositions and dialogues, this dissertation shall examine how Wilde’s ideal of interartistic inspiration firmly entrenches the self-sufficiency of the artistic realm
35
Islert, Camille. "Renée Vivien, une poétique sous influence ?" Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2021. https://bsnum.sorbonne-nouvelle.fr/files/original/1338/6773/These_en_cours_de_traitement.pdf.
Full textAbstract:
La valeur génératrice accordée à l’influence des œuvres masculines sur les écrits poétiques des femmes au tournant du XXe siècle a durablement conditionné leur lecture. À ce titre, le cas de Renée Vivien est exemplaire : embarrassée par une œuvre à rebours de la « poésie féminine » de la Belle Époque, la critique l’a volontiers analysée au prisme exclusif des jalons symbolistes, décadents et parnassiens masculins. Contre cette tendance, la thèse propose une autre lecture de la poésie de Renée Vivien. Partant de la quantité de réflexions sur l’imitation qui s’y développent, la présente analyse montre le travail de reprise, de subversion et d’émancipation qui conditionne l’émergence d’une subjectivité poétique lesbienne dans les recueils de la poétesse. Sont notamment analysés dans cette voie le complexe maillage intertextuel, le renouvellement de l’esthétique fin-de-siècle et le renversement des représentations féminines décadentes qui s’y jouent, afin de souligner la réflexivité qui préside au processus de création. La posture parodique caractéristique de la période prend, au regard des enjeux de pouvoirs qui contraignent la prise de parole féminine et lesbienne, un tour singulier. Alors même que le texte s’écrit, il exprime la difficulté à composer avec un déjà-là aliénant à plusieurs titres. La thèse montre comment cette tension existentielle y catalyse la coexistence de deux poétiques - qui sont aussi deux rapports à l’influence - représentées par les figures à la fois semblables et inverses de l’Androgyne et de l’Être double, dont les images se diffusent dans tous les aspects de l’œuvreThe generative value given to the influence of male works on women’s poetic writings at the turn of the 20th century has durably conditioned their reading. A prime example of this is the case of Renée Vivien: embarrassed by a work that is going backward Belle Epoque’s “feminine poetry”, critics have willingly analysed it exclusively through the prism of symbolist, decadent and Parnassian male milestones. Going against this tendency, the thesis proposes another interpretation of Renée Vivien's poetry. Taking as a starting point the abundance of remarks about imitation developed in her writing, the present analysis underlines the rework, subversion and emancipation process which conditions the emergence of a lesbian poetic subjectivity. In particular, the complex intertextual mesh, the renewal of fin-de-siècle aesthetics, and the reversal of decadent feminine representations are analysed in order to emphasize the reflexivity that presides over the whole creative process. With regards to the power stakes which constrain female and lesbian speech, the parodic posture – characteristic of the period – borrows here a singular turn. While being written, the text expresses the difficulty to compose with an alienating material in several ways. The thesis shows how this existential tension catalyzes the coexistence of two poetics - which are also two visions of influence - represented by the figures, both similar and inverse, of the “Androgyne” and the “Double Being”, whose images are diffused throughout the work
36
Moura, Tiago Gomes. "Development of a dual-arm robotic system for gesture imitation." Master's thesis, Universidade de Aveiro, 2015. http://hdl.handle.net/10773/14405.
Full textAbstract:
Mestrado em Engenharia de Automação IndustrialA investigação dedicada à área de robótica tem vindo a desempenhar um papel fundamental no que diz respeito à interação humano-robot. Esta interação tem evoluído em aspetos como reconhecimento de voz, caminhar, imitação gestual, exploração e trabalho cooperativo. A aprendizagem por imitação traz várias vantagens em relação aos métodos de programação convencionais, pois possibilita a transferência de novas habilidades ao robot através de uma interação mais natural. O trabalho desenvolvido pretende a implementação de um sistema robótico para imitação gestual que sirva como base para o desenvolvimento de um sistema capaz de aprender recorrendo à imitação gestual de um humano. As demonstrações foram adquiridas recorrendo a um sistema de captura de movimento humano baseado no sensor Kinect. O sistema desenvolvido permite reproduzir os movimentos capturados num robot humanoide composto por dois braços Cyton Gamma 1500 em tempo real, respeitando as restrições físicas e de espaço de trabalho do robot bem como prevenindo possíveis colisões. Os braços robóticos foram fixados numa estrutura mecânica, similar à estrutura do torso humano, desenvolvida para o efeito. Foi estudada a cinemática do manipulador com o objetivo de desenvolver algoritmos base de controlo. Estes foram desenvolvidos de forma modular de modo a criar um sistema que permite vários modos de funcionamento independentes. Foram elaborados testes experimentais com o intuito de avaliar o desempenho do sistema em diferentes situações. Estas estão relacionadas com limitações físicas associadas à imitação, como por exemplo: limites físicos das juntas, limites de velocidade, limites do espaço de trabalho, configurações singulares e colisões. Foram assim estudadas e implementadas soluções que permitem resolver estas situações.
Research in robotics has been playing an important role in human-robot interaction field. This interaction has evolved in several areas such as speech recognition, walking, gesture imitation, exploring and cooperative work. Imitation learning has several advantages over conventional programming methods because it allows the transfer of new skills to the robot through a more natural interaction. The work aims to implement a dual-arm manipulation system able to reproduce human gestures in real-time. The robotic arms are fixed to a mechanical structure similar to the human torso developed for this purpose. The demonstrations are obtained from a human motion capture system based on the Kinect sensor. The captured movements are reproduced in a two Cyton Gamma 1500 robotic arms assuming physical constraints and workspace limits, as well as avoiding self-collisions and singular configurations. The kinematics study of the robot arms provides the basis for the implementation of kinematics control algorithms. The software development is supported by the Robot Operating System (ROS) framework following the philosophy of modular and open-ended development. Several experimental tests are conducted to validate the proposed solutions and to evaluate the system’s performance in different situations, including those related with joints physical limits, workspace limits, collisions and singularity avoidance.
37
Gatlin, Charles Morgan. "Inventions, Dreams, Imitations." Thesis, University of North Texas, 1997. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc277655/.
Full textAbstract:
Eight short selections of fiction. "Inventions" consists of two invented creation myths. The three stories in "Dreams" are fantasy tales set in a common dream-world. The selections in "Imitations" are neither fantasy nor science fiction: "Time's Tapering Blade" is an experiment in form; "The Wake" concerns a group of friends dealing with a death; and "Janie, Hold the Light" is based on stories from the author's family about Christmas during the depression of the 1930's.
38
Philippe, Luc. "Imitation et diffusion internationale des innovations." Lille 3 : ANRT, 1985. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb375943434.
Full text
39
Winnykamen, Fayda. "Imitation, modélisation modalités sociales des acquisitions /." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37610761q.
Full text
40
Olariu, Dominic. "L'avènement du portrait à partir du XIIIe siècle : étude d'histoire, d'anthropologie et d'esthétique sur l'avènement des représentations ressemblantes de l'homme en Occident." Paris, EHESS, 2006. http://www.theses.fr/2006EHES0064.
Full textAbstract:
La thèse est la première analyse de l'avènement du portrait ressemblant à partir du XIIIe siècle (jusqu'à présent daté du XVe ou XIVe s. ). Reconstitue une structure globale de la mimesis et de l'image ressemblante de l'homme, retient qu'un nouveau courant apparaît (au XIIIe s. ), manifestant un intérêt particulièrement vif pour l'aspect corporel de l'homme (témoignage sont : embaumement de longue durée, resurgissement du masque mortuaire, effigies, substitution des blasons par image ressemblante, etc. ). Phénomène lié aux changements de conception de l'être humain (valorisation du corps !). Influence byzantine démontrée, comparaison avec usages de mimesis antique. Portrait (divers matériaux de production analysés) représente d'abord une référence à des dignitaires précis. Plus tard, il renvoie, d'une manière générale, à une personne précise. Analyse approfondie de l'étymologie de «portrait» (ca. 200 occurence depuis le XIIe s. ) ainsi que de la notion d'individu vérifie ce développementThe doctoral thesis is the first study of the rise of resembling portraits since 13th century. It reconstitutes a global structure of mimesis and resembling representation of man ; demonstrates that a new current emerges in 13th cent. Showing a particularly strong interest in physical appearence of man. Evidence of this are : new long-term embalming methods, re-emerging of death masks, effigies, substitution of the coat of arms by resembling figures, etc. Trend is linked to changes in view of man (giving higher value to human body). Antique interest in human physiognomy (death masks in wax) is shown very likely to have been transmitted to 13th cent. Occident (via Byzantium). The likeness of portraits (various mediums of making are analysed) is a prestige reserved for personages, meaning their dignity. Later, the likeness comes to stand for an individual in general. Comprehensive etymology of the word portrait (ca. 200 examples from 12th cent. On) and of "individual" confirm this evolution
41
Previtera, Roberta. "Le cinéma dans la fiction Hispano-Américaine." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040192.
Full textAbstract:
Ce travail a pour objectif l’analyse de l’influence du cinéma dans la littérature hispano-américaine. L’hypothèse centrale est que dès que le cinéma, par essence un art de masse, a commencé à gagner sa place dans le système des arts, il a influencé la façon dont les écrivains représentent la réalité. L’enthousiasme que le cinéma a réveillé chez de nombreux écrivains latino-américains depuis le début, et la pénurie d’études critiques à ce sujet, font de l’Amérique Latine un terrain très fécond pour mener à bien nos recherches. Notre travail est structuré en trois parties. Dans la première nous introduisons la problématique qui nous intéresse avec une attention spéciale aux travaux de sémiologie et de narratologie élaborés à partir des années soixante. Nous reprenons la séparation structuraliste entre « histoire » et « narration » pour distinguer deux niveaux d’emprunt différents, que nous analysons séparément dans la deuxième et la troisième partie.Dans la deuxième, nous considérons le concept d’influence depuis une perspective intertextuelle, en regardant comment certains récits littéraires ont assimilé des histoires racontées précédemment par le cinéma, les intégrant sous la forme de l’ « insertion » ou à travers un processus de « réécriture ».Dans la troisième partie nous étudions l’influence cinématographique depuis une perspective intermédiale, c'est-à-dire en analysant des cas où le cinéma est évoqué dans sa spécificité médiatique. Dans ces cas, l’emprunt n’a pas lieu au niveau de l’histoire, mais à celui de la narration et les auteurs tentent de reproduire à l’écrit une série de procédés narratifs utilisés à l’écranThis work aims to analyze the influence of cinema on Latin American literature. The central hypothesis is that as soon as cinema, by essence a mass art form, started to win its place in the system of the arts, it influenced the way writers represent reality. The enthusiasm that cinema awoke in many Latin American writers since the beginning, and the lack of critical studies on the subject, make Latin America a very fertile ground for our research. Our work is separated in three sections. First, we introduce the issue at hand, paying special attention to semiology and narratology works starting from the 1960’s. We use the structuralist separation between “story” and “narration” to establish two different levels of borrowing, which we analyze separately in the second and third sections.In the second section, we consider the concept of influence from an intertextual perspective, observing how certain literary texts have assimilated stories previously told by cinema, integrating them under the form of insertion or through a process of rewriting.In the third section we study cinematographic influence from an intermedial perspective, by analyzing cases in which cinema is considered in its specificity as a medium. In these cases, borrowing doesn’t take place at the level of the story, but at that of the narration and the authors attempt to reproduce in writing a series of narrative methods used for the screen
42
McNellis, Rachel. "Imitating Christ in Ars Subtilior Picture Music: Intersections with Theological Symbolism and Visual Traditions." Case Western Reserve University School of Graduate Studies / OhioLINK, 2019. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=case1554293604378994.
Full text
43
Posthumus, Michaela. "“Art with poisonous honey stolen from France” : Oscar Wilde and Decadent imitations between England and France." Thesis, University of British Columbia, 2014. http://hdl.handle.net/2429/46923.
Full textAbstract:
This thesis studies national conceptions of sexuality and the geo-politics of the Decadent movement in the writing and the literary afterlife of the Irish author and critic Oscar Wilde. In his only novel, The Picture of Dorian Gray, and his play Salomé, Wilde’s French influences are immediately apparent, but their purpose demands critique. I argue Wilde’s use of French Decadence functions as a code for types of art and sexuality that were not permissible to express in the social and legal environment of England in the late 19th century. French Decadence exemplified contrasting and complementary ideas of beauty and perversity which Wilde incorporated into his own writing. From his engagement with French Decadent art arose an idealised vision of Paris as a region where individuals may practice unconventional types of art and sexuality with greater freedom in comparison to the oppressive moral atmosphere of England. In Wilde’s works, modern Paris holds affinities with the Classical Mediterranean world not only through her literature, but through her law. After 1791, sodomy was no longer a criminal offense in France: this legal circumstance in combination with the unrestrained eroticism in French art produced a tempting fantasy of sexual tolerance in France at the fin-de-siècle.
44
De, Rentiis Dina. "DieZeit der Nachfolge : zur Interdependenz von "imitatio Christi" und "imitatio auctorum" im 12.-16. Jahrhundert /." Tübingen : M. Niemeyer, 1996. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37683925k.
Full text
45
Medeiros, Marinaldo Hor?cio de Oliveira. "Imitating art ? estrat?gia inovadora de educa??o m?dica: identificando desafios e possibilidades." Universidade Federal do Rio Grande do Norte, 2014. http://repositorio.ufrn.br/handle/123456789/19753.
Full textAbstract:
Submitted by Automa??o e Estat?stica (sst@bczm.ufrn.br) on 2016-02-03T20:17:20Z
No. of bitstreams: 1
MarinaldoHoracioDeOliveiraMedeiros_TESE.pdf: 3369903 bytes, checksum: 45c547e4cf7c0d4818b6a143d05aff9e (MD5)Approved for entry into archive by Arlan Eloi Leite Silva (eloihistoriador@yahoo.com.br) on 2016-02-03T23:46:59Z (GMT) No. of bitstreams: 1 MarinaldoHoracioDeOliveiraMedeiros_TESE.pdf: 3369903 bytes, checksum: 45c547e4cf7c0d4818b6a143d05aff9e (MD5)
Made available in DSpace on 2016-02-03T23:46:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 MarinaldoHoracioDeOliveiraMedeiros_TESE.pdf: 3369903 bytes, checksum: 45c547e4cf7c0d4818b6a143d05aff9e (MD5) Previous issue date: 2014-12-19
Este estudo de car?ter qualitativo, com base em metodologia pesquisa ? a??o, procurou descrever caracter?sticas funcionais da estrat?gia de ensino ?Imitating Art?, constru?da com base em m?todos de dramatiza??o, solu??o de problemas e tempestade cerebral e alicer?ada no processo de ensino de arte do conhecer, apreciar e fazer arte. Participaram da pesquisa 96 alunos do ensino em sa?de com idade m?dia de 21 anos. Com o objetivo de desenhar as caracter?sticas funcionais da estrat?gia, a mesma foi planejada, descrita, modificada e avaliada em 4 etapas: experimenta??o, metodiza??o, adequa??o e replica??o. Cada etapa foi verificada a partir de avalia??o observacional pelos docentes envolvidos e an?lise de conte?do sobre as respostas dos alunos participantes, em instrumento de avalia??o pr?prio. Da fase experimental participaram 14 alunos dos quais 100 % aprovaram a estrat?gia. A an?lise de conte?do mostrou Identifica??o de ferramentas cognitivas e afetivas (30,6%), caracter?sticas da atividade (22,2%), e media??o de trabalho em grupo (16,7%). A observa??o identificou ativo trabalho atitudinal em uma din?mica de grupo criativa. Na fase de metodiza??o participaram 31 alunos, dos quais 96,9% aprovaram a estrat?gia. Na an?lise de conte?do, as ideias mais presentes foram, dificuldades encontradas pelos participantes (28%), identifica??o de ferramentas cognitivas e afetivas (17,6%), Implica??o da estrat?gia no cotidiano profissional (13,2%) e media??o do trabalho em grupo (13,2%). Na fase de Adequa??o, participaram 32 alunos, dos quais 90,7% demonstraram aprova??o da estrat?gia. A avalia??o dos participantes evidenciou como mais importante a media??o do trabalho em grupo (29,6%), identifica??o de ferramentas cognitivas e afetivas (21,3%) e caracter?sticas da atividade (19,7%). A fase de replica??o teve 19 alunos, dos quais 100% aprovaram a estrat?gia e cuja avalia??o demonstrou principalmente dificuldades encontradas pelo participante (27,8%), media??o do trabalho em grupo (25%) e Habilidade criativa da atividade (22,2%). A avalia??o bidimensional mostrou que se constitui como uma estrat?gia de abordagem ativa e colaborativa, podendo ser usada como instrumento linear de diagn?stico e incremento de compet?ncias atitudinais tais como criatividade e trabalho em grupo.
46
Howe-Martin, Laura S. "Adolescent Self-Mutilating Behaviors: Experiential Avoidance Coupled with Imitation?" Thesis, University of North Texas, 2008. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc9087/.
Full textAbstract:
Repetitive self-mutilation (RSM) has become increasingly prevalent among adolescents. Empirical research has pinpointed several correlates of this behavior, but the initiation and maintenance of RSM among adolescents are not well understood. The experiential avoidance model (EAM) proposes that self-mutilation is a behavior that allows for the avoidance or alteration of unwanted internal experiences, and that it is negatively reinforced with repetition. The current study explored the usefulness of the EAM as an explanatory theory for adolescent RSM, with the additional incorporation of issues of social context. Adolescents (N = 211) from three school-based samples completed self-report questionnaires. One-third of students reported at least one incident of purposeful, non-suicidal self-mutilation and 16% had engaged in self-mutilation repeatedly within the past 6 months. Both regression and group analyses indicated that adolescents who engage in RSM report greater psychological distress, a greater incidence of functionally equivalent behaviors, and greater exposure to self-mutilation among peers and/or in the media, when compared to their counterparts who have not engaged in RSM. Suicidal ideation/behaviors were consistently the strongest predictors of current self-mutilation behaviors. Clinical implications, limitations, and suggestions for future research are discussed.
47
Dahhaoui, Yann. "L'évêque des Innocents dans l'Europe médiévale (XIIe-XVe siècle)." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010583.
Full textAbstract:
L'évêque des Innocents est un dignitaire festif désigné chaque année dans les églises d'Europe occidentale. A l'occasion des Saints-Innocents (28 décembre), il préside à la liturgie et célèbre le culte assis dans le siège de l'évêque en titre et revêtu des insignes épiscopaux. Ce travail propose d'étudier les liens qui unissent évêque festif et évêque en titre à partir des sources ecclésiastiques et en particulier des ordinaires liturgiques. Après une évaluation des principales études consacrées au sujet depuis le XVIe siècle, il propose, sur la base d'un corpus renouvelé, une étude des titres attribués au dignitaire, du groupe clérical dont il est issu et des institutions dans lesquelles il est nommé. Les règles qui fixent le processus de son élection et sa participation à l'office sont analysées à la lumière des normes de droit canonique en vigueur pour les élections épiscopales et des prescriptions relatives à la participation de l'évêque en titre à la célébration liturgique.
48
Harston, Stephen P. "A Methodology for Strategically Designing Physical Products that are Naturally Resistant to Reverse Engineering." BYU ScholarsArchive, 2012. https://scholarsarchive.byu.edu/etd/3128.
Full textAbstract:
Reverse engineering - defined as extracting information about a product from the product itself - is a design tactic commonly used in industry from competitive benchmarking to product imitation. While reverse engineering is a legitimate practice - as long as the product was legally obtained - innovative products are often reverse engineered at the expense of the pioneering company. However, by designing products with built-in barriers to reverse engineering, competitors are no longer able to effectively extract critical information from the product of interest. Enabling the quantification of barriers to reverse engineering, this dissertation presents a set of metrics and parameters that can be used to calculate the barrier to reverse engineer any product as well as the time required to do so. To the original designer, these numerical representations of the barrier and time can be used to strategically identify and improve product characteristics so as to increase the difficulty and time to reverse engineer them. On the other hand, these quantitative measures enable competitors who reverse engineer original designs to focus their efforts on products that will result in the greatest return on investment. In addition to metrics that estimate the reverse engineering barrier and time, this dissertation also presents a methodology to strategically plan for, select, design, and implement reverse engineering barriers. The methodology presented herein considers barrier development cost, barrier effectiveness in various product components, impact on performance, and return on investment. This process includes sensitivity analysis, modeling of the return on investment, and exploration of multiobjective design spaces. The effectiveness of the presented methodology is demonstrated by making a solar-powered unmanned aerial vehicle difficult to reverse engineer. In the example, the propeller is selected to be the critical component where a series of voids are introduced to decrease the propeller weight and increase the flutter speed (a desirable attribute in propellers). Our tenet is that the use of such a framework contributes greatly to the sustainability of technological, economical, and security advantages enjoyed by those who developed the technology. Designers benefit because (i) products do not readily disclose trade secrets, (ii) competitive advantages can be maintained by impeding competitors from reverse engineering and imitating innovative products, and (iii) the return on investment can be increased.
49
Paya, Laurent. "Les parterres des jardins à compartiments en France et dans le monde (1450-1650) : entre figures de pensée et ornements de verdure." Thesis, Tours, 2012. http://www.theses.fr/2012TOUR2027.
Full textAbstract:
Il est possible de mener une étude sur les « Parterres » considérés comme des « lieux communs » de la fabrique des Jardins de plaine de la Renaissance, au sens rhétorique, fédérateur et prospectif du terme. Comme les tropes d'un discours, ils sont répartis sur la « plate forme » du jardin afin d'agir sur les émotions, dans les catégories rhétoriques et poétiques de l'amplificatio, l'inventio, la dispositio, l'elocutio, l'imitatio et la copia. Ces ornements sont des moyens d'expression au service d'un vaste projet d'harmonisation décorative de la demeure aristocratique et de son environnement à toutes les échelles matérielles et imbriquées ; cette coordination formelle doit satisfaire la double exigence de concinnitas et de varietas comme principes de plaisir et de bienséance. Afin d'expliciter la conception des jardins intégrés à ce « grand dessein », les artistes font intervenir une représentation cognitive par analogie (paradeigma) impliquant le revêtement décoratif des sols, soit la ressemblance de la composition du jardin avec celle d'un « tapis de Turquie » orné de « Moresques ». La diffusion de ces formes est assurée par des suites de modèles imprimées dont nous faisons la bibliographie critique. Nous abordons aussi leur mise en œuvre au jardin qui est obtenue par la compartimentation de la matière première végétale déclinée dans les catégories changeantes et mélangées du « Verger », de « Préau », du « Potager », du « Jardin de Simples », et du « Bouquetier »It is possible to undertake a study on the "Paterres" (Flower beds) regarded as 'common places" of the invention of the plain Gardens of the Renaissance, in the rhetorical, inclusive and forward sense of term. Like the Tropes of a speech, they are divided on the "plate forme" of the garden to act on emotions in poetic and rhetorical categories of amplificatio, inventio, dispositio, elocutio, imitatio and copia. These ornaments are a means of expression in the service of a larger project of decorative harmonization of a place and its environment at all scales and imbricated material, which must satisfy the dual requirement of concinnitas and varietas as principles of pleasure ad propriety. In order to clarify the design of gardens included in this "grand design", artists involve a cognitive representation by analogy (paradeigma) involving decorative coating of soil or the resemblance of the composition of the garden with a "Turkey carpet" decorated with "Moresques". The diffusion of these forms is provided by sequences of models of which we create a critical bibliography. Their implementation in the garden is achieved by compartmentalization of vegetable raw materials declined in changing and mixed categories of "Orchad", "Medow", "Potager", "Jardin de simples" and "Bouquetier"
50
Wheeler, Angela J. "English verse satire from Donne to Dryden : imitation of classical models /." Heidelberg : C. Winter, 1992. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35716182c.
Full text