Dissertations / Theses on the topic 'Installations sonores (Art)'

Loin des Yeux Près du Corps est un projet d’installation sonore qui s’intéresse tout d’abord à la notion de décalage entre ma perception et ce que les écrits stipulent au sujet des impacts sur la santé de la pollution atmosphérique. Cette notion de décalage est présente dans plusieurs aspects du texte qui mettent en relation des éléments artistiques et théoriques, notamment en parlant de la différence entre traduction et transduction, du rapport entre l’humain et la machine et de la rencontre de tous ces éléments. L’installation en question prend forme à partir d’instruments de musiques réels ayant été modifiés afin de répondre à la mesure de niveaux de polluants. Quelques explorations « parenthèse » ont également contribué à faire avancer la réflexion autour du projet principal.
Loin des Yeux Près du Corps is an art installation project about the notion of gap between my personal perception of air pollution and what the science says about it. This notion is declined in many ways in this research, putting in relation artistic and theoretical elements, exploring the differences between translation and transduction, the relations between humans and machines and the connexions between all those elements. This installation is made from "real" musical instruments that have been modified to react to the air pollution levels. Some “parallel” explorations are also documented here, having contributed to nurture the main research.

L’auteur de cette thèse a réalisé, en tant que compositeur, un ensemble d’installations sonores. Ce travail part d’une composition déterministe et linéaire et mène progressivement à une œuvre ouverte. Durant les dernières années, ce travail a été influencé par les méthodes d’écritures utilisées dans la conception de jeux vidéo, aboutissant à des œuvres sonores spatiales et interactives. Dans le processus de conception de ces dernières, le compositeur va être amené à penser la conception sonore dans un espace virtuel ou réel en fonction des déplacements d’un auditeur. Une façon de mener cette démarche est de laisser l'auditeur interagir avec le système au travers de personnages non joueurs (PNJ). Un tel choix témoigne de l'évolution du rôle du compositeur depuis la construction d’une œuvre linéaire et déterministe vers celle d’une œuvre ouverte et non déterminisme. Pour une pièce donnée, le créateur laisse à l’interacteur un certain degré de liberté et au système un certain degré d'autonomie.Nous débutons ce travail par un état de l'art couvrant divers domaines, de l'art interactif aux agents intelligents.Le troisième chapitre est consacré à l'analyse des pièces interactives conçues par des musiciens, plasticiens, designers de jeux. De cette analyse, nous dégageons un ensemble de critères de classification et nous plaçons ces œuvres d'art dans un triangle Concepteur/Interacteur/Système (C.I.S.). La position d’une œuvre dans ce triangle détermine la latitude que laisse le concepteur aux deux autres protagonistes.Le quatrième chapitre pose la problématique de cette thèse. Nous sommes partis du fait qu’une méthode et à fortiori des outils informatiques sont souvent liés à un style d’écriture. L’histoire des outils d’écriture informatique, jusqu’aux moteurs de jeux vidéo, reflète des visions différentes de ce qu’est la notion d’interactivité dans un domaine et à une époque donnée. Nous proposons ici que le concepteur puisse prendre le point de vue d’un des deux autres protagonistes: l’interacteur ou les PNJ. Ceci aboutit à deux styles que nous appelons le style scripté d’une part et le style émergent d’autre part. Nous comparons ces styles d’un point de vue de l’écriture dans les jeux, de la notion de narrateur, de l’ouverture de l’œuvre et du style de programmation. Cette première comparaison formelle ne permet pas de tirer des conclusions convaincantes. Le cinquième chapitre est consacré à la conception et au développement d’une même installation, Le promeneur écoutant, selon les deux styles cités au chapitre précédent. La version scriptée a été réalisée dans le cadre du projet Terra Dynamica. Nous en proposons une seconde écriture en style émergent et comparons le résultat des deux approches. Nous parcourons l’ensemble des étapes de conception et de réalisation, de la spécification informelle à la programmation. Nous analysons du point de vue du concepteur ces deux styles. Nous montrons que le style émergent, séduisant à priori, aboutit à une complexité de création et de mise en œuvre très importante. Dans les deux cas, les lacunes et besoins en matière de méthodes et d’outils sont mis en évidence.Dans la conclusion, ce travail d’expérimentation est complété par une enquête donnant le point de vue de plusieurs concepteurs d’œuvres interactives sur notre problématique. Nous concluons par une synthèse de ce travail et une analyse de ses développements possibles tant sur le plan conceptuel de l’écriture que sur le développement d’outils auteurs
The author of this thesis has worked as music composer on numerous sound walk art installations. During the last decade, this work has been influenced by the design methods used in video games, leading to interactive sound walk pieces. In the design process of such pieces, as compared with interactive music works, the composer must write her/his sound design in a real or a virtual space according to the listener’s promenade. A way to drive this walk is to let the listener interact with the System through Non Player Characters (NPC). Such an installation shows the evolution of the composer’s role from that of a deterministic creation to a non-deterministic one. For a given piece, the creator leaves to the interactor a certain amount of freedom and to the system, according its level of self-sufficiency, a certain amount of autonomy. According to these two parameters, each art piece can be positioned somewhere within a triangle D.I.S. which vertices are the Designer, the Interactor and the System. The main goal of this thesis is to analyze the goals and the needs of the designer of such interactive pieces, in terms of methodology and tools. We begin this work by a state of the art covering various fields, from interactive art to intelligent agents. The third chapter is devoted to the analysis of interactive pieces designed by musicians, plastic artists, game designers. From this analysis we propose a set of classification criteria and we place these art works in the DIS triangle. The fourth chapter raises the problematic of our research. We assume that the choice of a position in this triangle is directly related to a choice between two writing styles, the “scripting style” and the “emergent style”. In the scripting style, the designer takes the point of view of the interactor who becomes the narrator. In the emergent style, the designer takes the point of view of the NPC. The two styles are first compared according to the criteria presented in the previous chapter.For a deeper analysis of the two styles, we have designed, with the help of a development team, two versions of the same interactive sound installation The Listening Walker. The installation was created in Paris during the “Futur en Seine” Festival in June 2013 and shown as an art installation for ICEC 2013 in Sao paulo.The goal of this sound walk is to discover a virtual district of Paris around the Pantheon. This installation is designed as a video game with different levels of exploration. The player’s reward is the discovery of the city mainly via sound. Success depends on his listening behavior: NPC are moving around him, interpreting his moves, the direction he takes and the time spent listening particular sounds. Depending upon the listener’s attitude, each NPC has his own reaction such as running away, getting closer to the listener, ignoring him or helping him to discover secret areas. In the fifth chapter, we present the whole creation and development process of the two versions of the installation. It starts with the constraints and artistic choices. The informal specifications of the two versions are presented and the methods and programming methodologies used described. In both cases, the lack of efficient tools for non programmers is pointed out. This experiment shows also the great complexity of the emergent style compared to the scripting style: it is much more difficult to specify a world than to write a story, even an interactive one.In the conclusion, we corroborate our analysis with the point of view of creators working in different fields from interactive music to game design. Some possible extensions of this work are then presented

Notre recherche porte sur la manière dont nous pourrions agir, par une art urbain, sur cette ville contemporaine devenue le lieu des mutations les plus extrêmes. Comment les relations audio-visuelles pourront change l'espace urbain? Par notre travail nous essayons entre autres de la rendre la ville plus habitable, de créer des espaces de rencontre qui fassent appel a tous les sens, en particulier l'ouïe, et où le citadin soit acteur à part entière. En nous appuyant sur des matériaux élémentaires, tels l'eau, nous essayons aussi de réintroduire des éclats de nature dans le bourdonnement et le chaos urbain. A cet fin nous croyons qu'il est nécessaire de ne pas rejeter les apports des technologies mais au contraire de les investir pleinement dans nos installations qui ainsi, à des fins à la fois ludiques et méditatives, permettraient d'instaurer un dialogue entre nature et technique, et de faire des machines des supports de représentations archétypales susceptibles de toucher le plus grand nombre.

L’art expérientiel tend à confondre, par ses qualités, oeuvre et expérience. En art contemporain, certains artistes conçoivent des installations qui nécessitent une implication corporelle forte pour être reçue par leur visiteur, pour être vécue. Cette thèse est dédiée à l’étude du processus de réception de l’installation en tant qu’oeuvre d’art expérientiel. Comment se construit l’expérience de cette catégorie d’oeuvre ; quelles sont ses modalités et ses propriétés ? Après un bref état de l’art, nous avons étudié, dans une première approche théorique, le dispositif technique pour en dégager les spécificités liées à la situation ; spécificités spatio-temporelles, praxiques, formelles et structurelles. Une seconde approche théorique s’est orientée vers l’analyse de l’expérience du visiteur afin de comprendre comment les spécificités du dispositif pouvaient influer sur ses habitudes psychomotrices et sensorimotrices et ainsi lui offrir de nouvelles potentialités. Une dernière partie, pratique, expose les oeuvres créées durant le doctorat, ainsi que les résultats d’une étude comportementale. Cette thèse souhaite dresser les prémices d’une esthétique nouvelle en exposant le processus d’appropriation de l’installation immersive et interactive et en démontrant que, dans certains cas, elle peut proposer une expérience singulière, qui devient expérience de soi, d’un nouvel état d’agir et d’être esthétique
Via its qualities, experiential art tends to intermingle the actual artwork and experience. In contemporary art, certain artists produce installations that call for a strong corporeal investment on the part of the spectator/vistitor, that call to be experienced. This thesis studies the process of reception of the installation as experiential artwork. How does the experience of this kind of work get constructed ? What are its modalities and features ? After a brief presentation of this type of art, the thesis offers a first theoretical approach that focuses on the technical assemblage so as to single out the situationbased specificities of it : spatio-temporal, practical, formal and structural. A second theoretical approach then looks at the visitor's experience so as to make sense of how the assemblage's specificities can impact his/her psycho-motor and sensori-motor habits, and thus offer new potentialities. In the last part of the thesis, a practical approach is offered, whereby the various works created during the doctoral research are presented, along with the results of a behaviourist study. This thesis hopes to offer the premise of a new aesthetics by exposing the process of appropriation of immersive/interactive installations and by demonstrating that, in certain cases, such installations can propose a singular experience, a selfexperience, a new active and aesthetic state of being

Le son est souvent qualifié de postmoderne, dans la mesure où les installations sonores associent son et visuels, enfreignant ainsi le principe de la séparation des genres qui constitue l'un des fondements de l'art moderniste. Cependant, dans de nombreux cas, le son manifeste une matérialité et des fonctionnalités relevant du moderne. Cela est vrai dans l'architecture, où l'on retrouve la notion de son moderne associée aux techniques d'isolation sonore pratiquées dans les immeubles modernes des premières décennies du XXème siècle. Ces techniques ont donné lieu à un son qui incarnait l'idée d'efficacité et qui soulignait la maîtrise technique de l'homme sur son environnement physique - autant de caractéristiques de la culture moderne. Il existe d'autres situations dans lesquelles se manifeste le son moderne. L'installation associant le son et les visuels peut dans certains cas être qualifiée de moderne, et dans le cas d'œuvres sonores portant sur les notions de temps et d'espace, nous avons pu identifier une conception de la spatio-temporalité tout à fait moderne. Ce sont autant de domaines qui permettent de déceler l'empreinte du moderne non encore révélée. Car si le récit du moderne dans son ensemble a été raconté de nombreuses fois, ce n'est pas le cas de l'histoire peu connue, mais tout aussi mouvementée, du son moderne - une histoire qui permet de revenir sur la question du moderne, et de révéler son actualité
Sound installations are generally classified as postmodern: by associating sound and visuals, they infringe the principle of the separation of the genres typifying modernist art. Yet sound can nonetheless manifest a materiality and functionality that tie in with modem ideals. ln architecture for instance, we can identify the notion of modem sound in the context of the soundproofing techniques employed in modernist buildings in the early 20th century. These techniques gave rise to a sound that epitomized the modern idea of efficiency: stripped of any extraneous elements, it encouraged efficient behaviour among its listeners, while underscoring man's technical mastery over his physical environment - yet another modem trait. The notion of modem sound also manifests itself in other situations: certain installation associating sound and visuals can be described as modem, while many sound works addressing the notions of space and time testify to a modem concept of spatio-temporality. The story of modernist has been told many times, but yet to be told is the equally eventful story of modem sound - a narrative that revisits the question of modernism and underscores its relevance today

L’auteur de cette thèse a réalisé, en tant que compositeur, un ensemble d’installations sonores. Ce travail part d’une composition déterministe et linéaire et mène progressivement à une œuvre ouverte. Durant les dernières années, ce travail a été influencé par les méthodes d’écritures utilisées dans la conception de jeux vidéo, aboutissant à des œuvres sonores spatiales et interactives. Dans le processus de conception de ces dernières, le compositeur va être amené à penser la conception sonore dans un espace virtuel ou réel en fonction des déplacements d’un auditeur. Une façon de mener cette démarche est de laisser l'auditeur interagir avec le système au travers de personnages non joueurs (PNJ). Un tel choix témoigne de l'évolution du rôle du compositeur depuis la construction d’une œuvre linéaire et déterministe vers celle d’une œuvre ouverte et non déterminisme. Pour une pièce donnée, le créateur laisse à l’interacteur un certain degré de liberté et au système un certain degré d'autonomie.Nous débutons ce travail par un état de l'art couvrant divers domaines, de l'art interactif aux agents intelligents.Le troisième chapitre est consacré à l'analyse des pièces interactives conçues par des musiciens, plasticiens, designers de jeux. De cette analyse, nous dégageons un ensemble de critères de classification et nous plaçons ces œuvres d'art dans un triangle Concepteur/Interacteur/Système (C.I.S.). La position d’une œuvre dans ce triangle détermine la latitude que laisse le concepteur aux deux autres protagonistes.Le quatrième chapitre pose la problématique de cette thèse. Nous sommes partis du fait qu’une méthode et à fortiori des outils informatiques sont souvent liés à un style d’écriture. L’histoire des outils d’écriture informatique, jusqu’aux moteurs de jeux vidéo, reflète des visions différentes de ce qu’est la notion d’interactivité dans un domaine et à une époque donnée. Nous proposons ici que le concepteur puisse prendre le point de vue d’un des deux autres protagonistes: l’interacteur ou les PNJ. Ceci aboutit à deux styles que nous appelons le style scripté d’une part et le style émergent d’autre part. Nous comparons ces styles d’un point de vue de l’écriture dans les jeux, de la notion de narrateur, de l’ouverture de l’œuvre et du style de programmation. Cette première comparaison formelle ne permet pas de tirer des conclusions convaincantes. Le cinquième chapitre est consacré à la conception et au développement d’une même installation, Le promeneur écoutant, selon les deux styles cités au chapitre précédent. La version scriptée a été réalisée dans le cadre du projet Terra Dynamica. Nous en proposons une seconde écriture en style émergent et comparons le résultat des deux approches. Nous parcourons l’ensemble des étapes de conception et de réalisation, de la spécification informelle à la programmation. Nous analysons du point de vue du concepteur ces deux styles. Nous montrons que le style émergent, séduisant à priori, aboutit à une complexité de création et de mise en œuvre très importante. Dans les deux cas, les lacunes et besoins en matière de méthodes et d’outils sont mis en évidence.Dans la conclusion, ce travail d’expérimentation est complété par une enquête donnant le point de vue de plusieurs concepteurs d’œuvres interactives sur notre problématique. Nous concluons par une synthèse de ce travail et une analyse de ses développements possibles tant sur le plan conceptuel de l’écriture que sur le développement d’outils auteurs
The author of this thesis has worked as music composer on numerous sound walk art installations. During the last decade, this work has been influenced by the design methods used in video games, leading to interactive sound walk pieces. In the design process of such pieces, as compared with interactive music works, the composer must write her/his sound design in a real or a virtual space according to the listener’s promenade. A way to drive this walk is to let the listener interact with the System through Non Player Characters (NPC). Such an installation shows the evolution of the composer’s role from that of a deterministic creation to a non-deterministic one. For a given piece, the creator leaves to the interactor a certain amount of freedom and to the system, according its level of self-sufficiency, a certain amount of autonomy. According to these two parameters, each art piece can be positioned somewhere within a triangle D.I.S. which vertices are the Designer, the Interactor and the System. The main goal of this thesis is to analyze the goals and the needs of the designer of such interactive pieces, in terms of methodology and tools. We begin this work by a state of the art covering various fields, from interactive art to intelligent agents. The third chapter is devoted to the analysis of interactive pieces designed by musicians, plastic artists, game designers. From this analysis we propose a set of classification criteria and we place these art works in the DIS triangle. The fourth chapter raises the problematic of our research. We assume that the choice of a position in this triangle is directly related to a choice between two writing styles, the “scripting style” and the “emergent style”. In the scripting style, the designer takes the point of view of the interactor who becomes the narrator. In the emergent style, the designer takes the point of view of the NPC. The two styles are first compared according to the criteria presented in the previous chapter.For a deeper analysis of the two styles, we have designed, with the help of a development team, two versions of the same interactive sound installation The Listening Walker. The installation was created in Paris during the “Futur en Seine” Festival in June 2013 and shown as an art installation for ICEC 2013 in Sao paulo.The goal of this sound walk is to discover a virtual district of Paris around the Pantheon. This installation is designed as a video game with different levels of exploration. The player’s reward is the discovery of the city mainly via sound. Success depends on his listening behavior: NPC are moving around him, interpreting his moves, the direction he takes and the time spent listening particular sounds. Depending upon the listener’s attitude, each NPC has his own reaction such as running away, getting closer to the listener, ignoring him or helping him to discover secret areas. In the fifth chapter, we present the whole creation and development process of the two versions of the installation. It starts with the constraints and artistic choices. The informal specifications of the two versions are presented and the methods and programming methodologies used described. In both cases, the lack of efficient tools for non programmers is pointed out. This experiment shows also the great complexity of the emergent style compared to the scripting style: it is much more difficult to specify a world than to write a story, even an interactive one.In the conclusion, we corroborate our analysis with the point of view of creators working in different fields from interactive music to game design. Some possible extensions of this work are then presented

Dans la mesure où l’écriture n’est pas un médium qui parvient à véritablement alimenter ou à s’inscrire dans mon travail, je crains que ce texte soit extrêmement éloigné de mes créations, « le langage constituant une barrière entre le réel et nous, ne peut être aussi spontané que l’expérience elle-même ». La présente tentative de parler, non pas directement de ma recherche en arts visuels, mais de ce qui l’anime et de son aboutissement, est ainsi paradoxale. L’intuition qui guide mes réalisations, l’art et l’expérience de la création sont « incompatibles avec la certitude » et la structure du langage. Par les arts, je ne tente pas de faire état d’une idée, mais d’un monde sensible, d’expériences subjectives que je chercher à partager. Ainsi, bien que l’on voudrait que ce texte accompagne une exposition, il est davantage le récit sommaire de mon parcours universitaire, accompagné de quelques réflexions qui l’auront ponctué, que la théorisation d’une démarche artistique. D’ailleurs, au moment d’écrire ces lignes, aucun des éléments de mon exposition de fin de maîtrise n’a encore pris forme. Croyant que l’art et la création s’enracinent dans l’écart entre l’idée de départ et le résultat, je me permettrai simplement d’énoncer et de décrire les prémisses d’une installation qui fera office d’exposition de fin de maîtrise.

Sur la base d’une pratique artistique explorant le phénomène vibratoire de la matière, cette thèse propose une réflexion sur les interactions entre matières sonores et matières visuelles au sein d’une même production plastique. Il s’agit d’analyser l’acte de création composé d’un agencement sensible de divers éléments auditifs et visuels réagissant de manière réciproque et provoquant une mutation de leur perception sensorielle, émotionnelle et sémantique. Un tour d’horizon de certains grands acteurs de l’histoire des pratiques sonores au XX° et XXI° siècle permettra d’aborder la question de l’interaction entre l’ouïe et la vue dans une production artistique. Seront abordées les notions de plasticité sonore, de mouvement vibratoire par l’altération, ainsi que du métissage plastique issu du métissage culturel. Dans un second temps, mon étude portera sur le processus de création d’une installation sonore par mode vibratoire, à travers l’écoute, le processus d’écriture sonore et les caractéristiques des espaces publics en tant que lieu d’accueil d’une œuvre. En dernier lieu, l’étude de la spécificité de la vibration sonore à générer des émotions, mettant en relief les mécanismes cérébraux sollicités par la perception bi-sensorielle aussi bien au niveau du corps de l’artiste créant, que ceux du public expérimentant l’œuvre
On the basis of an artistic practice exploring the vibratory phenomenon of matter, this thesis proposes a reflection on the interactions between sound and visual materials within the same plastic production. It is a matter of analyzing the act of creation comprising a sensoriel arrangement of various auditory and ocular elements reacting reciprocally and causing a mutation of their sensory, emotional and semantic perception. A survey of some of the major 20th and 21st century players in the history of sonic cultural practices will address the issue of the interaction between hearing and sight in an artistic production. The notions of sound plasticity, of vibratory movement through alteration, as well as that of plastic mixing resulting from cultural intermingling will be discussed. secondly, my study will focus on the process of creating a sound installation by vibratory mode, through listening, the process of sound writing and the characteristics of public spaces as an artwork. Finally, the study of the specificity of sound vibration to generate emotions, highlighting the cerebral mechanisms required by bi-sensory perception both in the body of the creative artist and those of the public experiencing the 'artwork

On appelle installation sonore une forme d'art multimédia dans laquelle l'accent est mis en particulier sur l’aspect sonore, sans pour autant ignorer toutes les autres composantes qui constituent l’installation. Bien qu’elle soit une forme classée parmi les arts plastiques, l’installation sonore se rapporte plutôt à l’art sonore. En effet, l’art sonore se caractérise par la prééminence de l’usage du son comme moyen d’expression et comme préoccupation artistique (le grand nombre de manifestations, de blogs et de festivals d’art sonore en témoignent). Parmi les pratiques expérimentales ayant trait à l’art sonore, une nette préférence va à l’installation sonore et il semblerait qu’elle devienne une forme d’art en soi. On peut s’interroger sur la possibilité d’envisager ceci de cette manière. Dans cette thèse, il faut comprendre l’installation sonore comme une pratique artistique hétérogène, interdisciplinaire, expérimentale et hybride, pratique qu’on retrouve dans l’installation artistique en général. Cependant, on peut constater que des préoccupations reviennent souvent : la visualisation du son, la perception de l’espace à travers le sonore, l’écoute et sa relation avec la position et le déplacement du corps de l’auditeur. Afin de contribuer à une plus grande compréhension d’une culture sonore contemporaine qui est largement partagée, le propos de cette thèse est d’étudier les divers domaines auxquels l’installation sonore appartient et ceci à partir de plusieurs points de vue : historique, esthétique, culturel et médiatique
Sound installation is an inter media-based art form that draws particular attention to the component of sound, although not at the expense of its visual underpinnings. Considering that it is a form of art, sound installation refers to sound art, an area that requires separate recognition and independence among existing art forms, due to the use of sound as a means of expression as well as the current artistic preoccupation with it (as reflected in the growing number of sound art demonstrations, blogs and festivals).Among the different experimental practices within sound art, sound installation is clearly favored, thus it would appear that it is becoming an art form in itself. Could it be seen in this way? In this thesis, Sound Installation is viewed as a current art form connected to “Art installation”, a field with its own characteristics: heterogeneous, multi-disciplinary, experimental and hybrid. However, as a singular art form, it is a source of insight, which emerges repeatedly and is amplified by the exploration of both sound and sound perception; for example, sound imaging, the perception of space through sound, listening and its relationship to the position of the listener’s body in space. The purpose of this thesis is to approach the field in which Sound Installation belongs from different perspectives such as history, aesthetics, culture and media. With the question of how to conceptualize sound components always in mind, we intend to contribute to the understanding of an ever –growing contemporary culture of sound

Cette thèse explore les nombreux changements nés de la Révolution Numérique à travers l'esthétique. Elle aborde les questions essentielles en trois étapes: le discours, la création et la réception. La première partie rassemble les courants et les mots-clefs qui reflètent le discours principal dans son actualité et son historique. Une étude comparative analyse les approches esthétiques typiques. Que l'on étudie les nouveaux médias, l'art visuel, l'art numérique, le « computer art », l'art de l'information ou l'art du code: on cherche tous à définir les nouvelles qualités spécifiques du médium numérique. La deuxième partie se concentre sur les arts sonores et les drames audio en particulier, mais aborde également la musique assistée par ordinateur. L'attention portée au genre du Hörspiel permet de démontrer comment espace et temps évoluent dans le détail. La mise en place d'une hypothèse de travail portant sur les Sonarios - installations sonores spatiales à interactivité scénique - permet de comparer directement 1'« ancien» genre du Hörspiel au « nouveau» genre des Sonarios, en se fondant sur trois études de cas et un état des lieux de l'art. En outre, elle propose un modèle d'interactivité quantitatif et qualitatif. La troisième partie présente les courants prédominants en philosophie. Elle construit un modèle herméneutique à l'aide de l'ontologie, en commençant par la virtualisation et l'actualisation. Abordant philosophiquement des catégories esthétiques, elle affine ce modèle en y incorporant les découvertes de la deuxième partie. Un modèle graphique de signes algorithmiques, développé en sémiotique et en phénoménologie, est alors intégré au domaine de l'esthétique
This dissertation explores the numerous changes arising from the Digital Revolution through aesthetics. It takes on the essential issues in three steps, tackling discourse, creation and reception. The first part assembles trends and keywords that reflect the main discourse, covering both the present and the past. A comparative study analyzes typical aesthetic approaches: whether considering new media art, virtual art, digital art, computer art, information art or code art, it becomes apparent that almost ail approaches seek the specific new qualities of the digital medium. The second part concentrates on sound arts and on audio dramas in particular, but also tackles computer music. The focus on the genre Hörspiel allows demonstration of how space and time change in detail. The setting up of a working hypothesis of Sonarios, defining interactive scenic spatial sound installations, allows the direct comparison of the 'old' genre Hörspiel and the 'new' genre Sonario on the basis of three case studies and a consideration of the state of the art. It, moreover, suggests a qualitative and quantitative model of interactivity. The third part introduces the prominent research sectors of philosophy. Step by step, it constructs a hermeneutic model with the aid of ontology, starting with the processes of virtualization and actualization. Selected philosophical approaches on important aesthetic categories are presented in order to refine and discuss the model, together with an analysis of findings from the second part. A graphical model of algorithmic signs, developed in the context of semiotics and phenomenology, allows the analysis to be embedded in the context of aesthetics

La tapisserie narrative est le langage nouveau qui est né du besoin de poursuivre une démarche autobiographique. Mes tapisseries sont des actes d’amour à distance du corps et de la tête pensante du sujet qui est représenté. Elles sont le souvenir de celui qui n’est plus, le souvenir d’une vie terminée. La mort est passée, mais la mémoire permet aux souvenirs de rester actifs à travers une œuvre. Dans le cas qui nous occupe, une couronne de motifs peints. J’ai voulu que l’exposition Le Couronnement des vierges soit une trace visuelle et sonore de mes souvenirs. J’en fais le récit, celui de ce parcours de création nourri par le Moyen Âge, donc celui de l’autobiographie épuisée jusqu’à en faire des couronnes de motifs décoratifs. Ce texte accompagne l’exposition Le Couronnement des vierges tout d’abord présentée à Espace Projet art contemporain + design à Montréal du 5 octobre au 21 octobre 2012 et ensuite à La Chambre blanche en janvier 2013.

O presente trabalho versa sobre o aproveitamento compositivo dos entornos sonoros. Para esta pesquisa em composição musical, foram utilizados, como campo de estudo, entornos sonoros localizados dentro de perímetros urbanos e, como materiais na aproximação ambiente/composição explorada, diversas potencialidades musicais dos sons que constituem os entornos sonoros e as organizações deles emergentes. Também foram contempladas como motivadoras e força de coesão nos processos compositivos realizados diversas características da escuta no meio ambiente e do fluxo do entorno sonoro com suas variações. As composições foram realizadas para meios acústicos e eletroacústicos, considerando-se o espaço de diversas maneiras.
This work deals with the compositional use of sound environments and their reflection. For this research in music composition, sound environments located within urban perimeters were used as a field of study, and as materials for the approach environment / composition that explore the diverse musical capabilities of the sounds that make up the surroundings and the sound of these emerging organizations. As a motivating and cohesive force in the processes undertaken, several characteristics of the listening in the environment and the flux of the sound environment and its variations have been included also. The compositions were realized through acoustic and electroacoustic media comprising the space in different ways.

Submitted by NICOLAU ANDRE CAMPANER CENTOLA null (centola.nicolau@gmail.com) on 2016-06-27T12:40:35Z No. of bitstreams: 1 doutorado_final_Nicolau_Centola.pdf: 4044594 bytes, checksum: 9895713d712e6a74c342590dd2836715 (MD5)
Approved for entry into archive by Ana Paula Grisoto (grisotoana@reitoria.unesp.br) on 2016-06-28T16:53:47Z (GMT) No. of bitstreams: 1 centola_nac_dr_ia.pdf: 4044594 bytes, checksum: 9895713d712e6a74c342590dd2836715 (MD5)
Made available in DSpace on 2016-06-28T16:53:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 centola_nac_dr_ia.pdf: 4044594 bytes, checksum: 9895713d712e6a74c342590dd2836715 (MD5) Previous issue date: 2016-05-12
Esta tese de doutorado parte da hipótese de que a incorporação consciente do acaso no processo criativo artístico que envolve a arte sonora é um elemento fundamental para a configuração de uma estética própria na atualidade. Para testar esta hipótese, foi analisada a aplicação do acaso nas artes sonoras a partir do século XX e suas implicações na produção de linguagem baseada neste conceito utilizando dispositivos computacionais. Como consequência deste estudo, foi proposto o desenvolvimento e a implementação de uma instalação sonora, chamada Anthemusa, na qual foram aplicados os preceitos do acaso como elemento principal de criação artística.
This doctoral thesis develops from the hypothesis that the conscious incorporation of chance in sound art’s creative process is a key element in the configuration of its aesthetic. In order to test this hypothesis, we analyse twentieth century sound art and its use of computational devices. As a consequence of this study, we propose the development of a sound installation entitled Anthemusa that, invariably, applies the precepts of chance as its central element.

Orientadores: Denise Hortência Lopes Garcia, Jônatas Manzolli
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-27T20:30:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mamedes_ClaytonRosa_D.pdf: 10108591 bytes, checksum: 26cc15811eccc58549c0ee63faad6472 (MD5) Previous issue date: 2015
Resumo: A presente tese descreve o processo criativo das instalações audiovisuais interativas Abstrações, Cerejeira e Caminho das águas, relacionando-as ao objetivo principal da pesquisa, que consiste em analisar os mecanismos de integração entre o projeto conceitual de cada instalação, seu design sonoro e os processos que modelam a interação dos visitantes com a obra. Este objetivo é alcançado através de uma abordagem prática ao processo de pesquisa, a qual foi realizada através da criação de novas obras e a respectiva avaliação sobre o comportamento dos visitantes, processo repetido a cada etapa deste trabalho. O trabalho contempla a análise e a localização de nossas referências para os conceitos de instalações, design sonoro e interatividade. Apresentamos uma proposta para estruturação do design sonoro baseada na espectro-morfologia de Denis Smalley, utilizando este conjunto teórico como modelo para estruturar a relação entre o som e o conteúdo referencial da obra, e entre o som e o modelo interativo que se pretende abrir aos visitantes. Implementamos um conjunto de descritores de propriedades físicas para o movimento e desenvolvemos um conjunto de descritores baseados na fusão de dados sobre as propriedades físicas do movimento, com a intenção de descrever as classes de Esforço para a Análise de Movimento Laban. Estes descritores objetivam suprir deficiências do modelo interativo utilizado no início da pesquisa, durante o desenvolvimento das instalações Abstrações e Cerejeira. A instalação Caminho das águas integra os desenvolvimentos alcançados pela pesquisa: uma nova abordagem para a relação entre o projeto conceitual da obra, seu design sonoro e o modelo interativo revisado. Um extenso estudo com participantes aplicado sobre esta instalação permitiu avaliarmos os resultados alcançados a partir das hipóteses levantadas durante o desenvolvimento da pesquisa
Abstract: This thesis presents the creative process of the interactive audiovisual installations Abstrações, Cerejeira and Caminho das águas, relating them to the main objective of the research, which consists in the analysis of the models that integrate the conceptual project of each installation, its sound design and the interactive processes that model the relation between visitors and the work. This objective was achieved through a practical approach to the research process and was implemented by the designing of new installations and the respective evaluation about the behavior of visitors. This process was repeated at each step of the research. This work includes the analysis and origin of our references to the concepts of installations, sound design and interactivity. We present a proposal to structure sound design based on the spectro-morphology developed by Denis Smalley. We propose the use of this theoretical corpus as a model to structure the relation between the sound and the referential content of the work, and between the sound and the interactive model that is intended to be open for visitors' participation. We have implemented a set of descriptors to retrieve physical properties of the movement. We also developed a set of descriptors based on data fusion from these physical properties, intending to describe the classes of Effort for the Laban Movement Analysis. These descriptors aim to fulfill shortcomings observed in the interactive model adopted in the early part of the research, specifically during the development of the installations Abstrações e Cerejeira. The installation Caminho das águas integrates the developments achieved by this research: a new approach to the relation among the conceptual project of a work, its sound design and the interactive model adopted. An extensive study with participants applied over this installation enabled us to evaluate the results achieved from the hypotheses raised during the development of the research
Doutorado
Processos Criativos
Doutor em Música

Made available in DSpace on 2016-04-29T14:23:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Carlos Eduardo Tsuda.pdf: 20138115 bytes, checksum: 226dd399b6e3802c0d3749b3b6ccc005 (MD5) Previous issue date: 2014-03-13
Sound Art and Space: Aesthetics and New Poetic Possibilities (Goals) discusses the processes of hybridization between sound and space from a historical overview through areas such as music, architecture, visual arts, sound engineering and performance. Given the diversity of approaches to the topic, this dissertation intends to present alternative perspectives, focusing on the emergence of Sound Art. (Theoretical and Methodological Aspects) By dealing with changes in the ways of understanding sound, both in the world of contemporary music and in visual arts, the research describes different formats of the relationship between sound and space, which acquired new meanings in art installation after more recent experiments with sound. Moreover, it examines the forms of perception of sound and how they differ from other languages, since they imply specificities in their ways of spatialization. The concepts discussed here are applied in the analysis of relevant examples for the historical understanding of sound art and the relation between space and sound. (Results) These analysis serve as a theoretical basis for more in-­‐ depth case studies, in which the author reflects about his creativive process in different works, such as the sound creation and composition for the contemporary dance spetacle Branco and the sound installation Promenade
Arte Sonora e Espaço: Estética e Novas Possibilidades Poéticas (Objetivos) discute os processos de hibridização entre som e espaço, a partir de um percurso histórico por áreas como a música, a arquitetura, as artes visuais, a engenharia acústica e a performance. Diante da diversidade de abordagens sobre o tema, a dissertação busca relacionar as diferentes perspectivas a partir de um recorte baseado no surgimento da Arte Sonora. (Aspectos Teórico-­‐Metodológicos) Tratando das mudanças referentes às diferentes maneiras como o som passa a ser entendido, tanto no universo da música contemporânea como no das artes, a pesquisa intenta demonstrar como a relação entre som e espaço ganha novos sentidos diante das formas instalativas típicas nas experiências mais recentes com som. Além disso, examina diferentes modalidades de percepção do som, e de que modo estes diferem das demais linguagens, implicando em especificidades no que tocante às formas de espacialização. Os conceitos discutidos são aplicados na análise de exemplos pertinentes para o entendimento histórico da arte sonora e das relações entre som e espaço. (Resultados) Estas análises servem como ponto de partida para estudos de caso mais aprofundados em que o autor reflete sobre seu processo no desenvolvimento de obras, tais como a composição sonora para o espetáculo de dança contemporânea Branco e a instalação sonora Promenade

Esta pesquisa tem o objetivo de realizar um mapeamento de questões presentes em um conjunto de obras que, a partir de meados da década de 1970, vêm se agrupando sob o termo - arte sonora. Para tanto, este trabalho parte de uma aproximação com o repertório, na medida em que realiza um levantamento e análise, por meio de bibliografia, discografia, catálogos de obras e outras fontes, abordando o trabalho de vários artistas que se destacam nesse âmbito, bem como apontando diversas questões extraídas desse primeiro passo. A partir daí, constatou-se que esse repertório é bastante amplo e divergente, e que a delimitação desse campo pode ser apenas aproximada. Porém, para a realização de um mapeamento do ideário da arte sonora, foi estabelecido um levantamento e análise de obras de artistas que, de uma forma ou outra, influenciaram esse processo. Três referências fundamentais são levantadas e abordadas: a Música Eletroacústica, a Installation Art e a Performance Art. Posteriormente a pesquisa concentrou-se no que, no decorrer da dissertação, chamamos de arte sonora e a partir daí, extraiu-se cinco aspectos considerados fundamentais para a análise e compreensão desse repertório. São eles: Sonoridade, Tecnologia, Interação, Espaço e Tempo.
The main purpose of this research is to map the central aspects that can be observed in a representative repertoire of art works that since the 70\' is been labeled Sound Art. This work starts from the research and analysis of this repertoire based on the available bibliography, audiography, exhibitions\' catalogues and other sources. A representative number of artists are investigated and their work analyzed. From this research it becomes evident that this repertoire is extremely large ample and divergent, and that the delimitation of this field is a difficult task. However, for the accomplishment of a mapping of the main concepts that area related to Sound Art, we proceeded the analysis of a number of works. Three basic references are investigated: Electroacoustic Music; Installation Art and Performance. Afterward the research investigated five aspects that we consider to be of fundamental importance to the comprehension of this repertoire: Sound, Technology, Interaction, Space and Time

Depuis l'avènement des technologies portables et du réseau Internet, de nombreux artistes conçoivent leurs œuvres au delà d'un espace et d'un temps donnés et inventent des formes permanentes et immatérielles disséminées sur les réseaux. Dans le cadre de cette recherche, il s'agit de produire à la fois une série de travaux sonores utilisant le réseau, des modes de participation collaboratifs et également de proposer une pensée sur les concepts révélés par ces nouvelles pratiques et ces formes d'écritures artistiques comme celle du noise, de la poésie sonore et des musiques expérimentales. La recherche est concentrée sur les éléments nécessaires pour constituer un laboratoire connecté de production sonore partagée, dans lequel toutes les questions (et d'autres à venir et à définir ensemble) sont posées à travers notre pratique artistique, des formes d'installations “dé-géolocalisées” ou “non géolocalisées” et enfin des performances musicales en simultané sur Internet. Il est intéressant de pouvoir à la fois envisager une production avec une communauté d'artistes et de penseurs ayant une pratique et des connaissances dans le domaine mais aussi de savoir comment ces artistes, théoriciens formulent leurs pensées et créent de nouveaux concepts. Ainsi, le travail de recherche peut croiser un projet de création, une pratique, un savoir- faire et en dégager une méthodologie théorique qui donne accès à des clefs, à la compréhension de ces nouvelles formes d'écritures
Since the advent of portable technologies and the Internet, many artists conceive their works beyond a given space and time and invent permanent and immaterial forms scattered over the networks. Within the framework of this research, the aim is to produce a series of sound works using the network and collaborative modes of participation, as well as to stimulate discussion of the concepts revealed by these new practices and forms of artistic language: noise, sound poetry and experimental music. This research will focus on the key elements of a connected laboratory of shared sound production: questions will be raised through the lens of the author’s own artistic practice using geodelocalised forms of installation and simultaneous musical performances on the Internet. I will also consider the work and thinking of a community of artists within this field and seek to understand how these artists and theorists formulate their thoughts and create new concepts. Finally, this thesis addresses these creative projects, practices and expertise and articulates a theoretical methodology which draws together current forms of artistic language relating to cutting edge music and poetry and networked practices

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-08-05T14:37:54Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Guilherme de Castro Duarte Martins - 2016.pdf: 3312242 bytes, checksum: 3ed829717019a7e47206840d74e63a4b (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5)
Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-08-05T14:39:20Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Guilherme de Castro Duarte Martins - 2016.pdf: 3312242 bytes, checksum: 3ed829717019a7e47206840d74e63a4b (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5)
Made available in DSpace on 2016-08-05T14:39:20Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Guilherme de Castro Duarte Martins - 2016.pdf: 3312242 bytes, checksum: 3ed829717019a7e47206840d74e63a4b (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2010-07-11
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
The following work aims to investigate the presence of sound on contemporary visual arts, through the study of artworks from artists who make use of the sonic matter to change and make arise new time-spaces in the middle of the daily experience. I investigate mainly the works of the Scotish artist Susan Philipsz (Lowlands, 2010) and the Brazilian artist Raquel Stolf (Grilo, 2006). I start from coining the concept of cartophonies, that would mean sound maps resulting from the cross-over of noises emitted not only from the artworks I study, but originated also from its surroundings, composing puzzles audible and inaudible forces, that circulate around and through these works. As sound maps in constant mutation, the concept of cartophony was produced as a mobile tool for the present research, helping to understand how sound not only represents the space it traverses, but also participates on the creation of the volatile lines of this space, modifying it and being modified by it every second.
Essa dissertação tem por objetivo investigar a presença do som na arte contemporânea, a partir do estudo do trabalho de artistas que se utilizam da matéria sonora para modificar e fazer surgir espaços-tempos em meio à experiência cotidiana. Investigo, principalmente, obras da artista escocesa Susan Philipsz (Lowlands, 2010) e da brasileira Raquel Stolf (Grilo, 2006). Parto do conceito de cartofonias, que seriam mapas sonoros resultantes do cruzamento entre ruídos emitidos não apenas pelas obras estudadas, mas vindos também de seu entorno, compondo jogos de força, audíveis ou não, que rodeiam e atravessam essas obras. Enquanto mapas sônicos em constante mutação, o conceito de cartofonia foi criado como uma ferramenta móvel para a presente pesquisa, auxiliando-me no entendimento de como o som não apenas representa o espaço que percorre, mas também participa na criação e no traçado volátil desse espaço, modificando-o e sendo modificado por ele a todo instante.

Ce mémoire accompagne la création et la présentation de l'installation sonore interactive Le vivant bruit du corps. Le projet de production propose une œuvre ouverte de composition en direct dont le thème central est l'écoute. C'est le sens de l'audition qui va guider l'interacteur et le mener à donner forme à l'œuvre. À cette relation homme-machine s'en greffe une autre, celle d'homme à homme à travers la machine. La manipulation des interfaces appellera à une écoute de l'autre par le son. En s'inspirant d'œuvres de pionniers des domaines de la musique et des arts médiatiques, d'ateliers spécialisés en spatialisation sonore, d'articles sur les travaux d'artistes et en se référant à des auteurs dont les préoccupations les mènent à définir des questions de pointe en acoustique musicale, en musique expérimentale, en électroacoustique et en réalité virtuelle, l'auteure a tenté de préciser les modalités permettant la mise en place d'un environnement s'adressant à un public général et qui éveillerait sa curiosité pour le son. Ce mémoire présente les conditions d'une « chambre d'écoute » définie par le contexte d'une installation sonore interactive immersive, le concept de l'œuvre ouverte. Il comprend aussi une analyse d'un corpus d'œuvres de référence, le parcours du pan de production de type installatif de l'artiste, les aspects de conception et de réalisation de l'installation. Finalement, l'auteure considère les améliorations pouvant être apportées à la proposition initiale. Deux appendices complètent le document. L'appendice A est un schéma. L'appendice B détaille les composantes des modules des algorithmes. Un DVD, document d'accompagnement, contient un schéma structurel, des captations écran des sections des modules de programmation, les trois œuvres de référence (audio et vidéo), deux captations vidéo de la présentation de l'installation sonore Le vivant bruit du corps - exercice no 2 du 10 mars 2011 au Conservatoire de musique de Montréal. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Écoute, Immersion, Installation sonore interactive, Interactivité, Œuvre ouverte.

Le Générateur de conversations scolaires est le résultat d'un projet qui a commencé par quatre mois d'enregistrements vocaux dans une classe de quatrième année du primaire sur le plateau Mont-Royal. De ces enregistrements, j'ai isolé et classifié 2000 phrases d'élèves et de leur enseignante. À l'aide du logiciel Max/MSP, que j'ai appris spécialement pour concrétiser personnellement l'œuvre, j'ai programmé la recombinaison dynamique des 2000 phrases conservées dans le but de donner émergence à de nouvelles conversations. Autant pour la programmation que pour l'électronique, je tenais à tout faire moi-même. Je devais prendre connaissance de toutes les techniques requises, car, dès le début de ma recherche-création, je savais que j'aborderais le constructivisme chez Jean Piaget, théorie sur la connaissance. Par ailleurs, je croyais que l'expertise ainsi acquise me donnerait une crédibilité qui m'aiderait à m'ancrer dans le milieu de l'art interactif. La programmation, une fois fonctionnelle, permet aux participants du public d'influencer en temps réel le cours des conversations scolaires en manipulant de massifs panneaux de pupitres d'écoliers reliés à un ordinateur par un microcontrôleur Arduino. En tout, l'installation diffuse sur six canaux audio, quatre pour les voix d'enfants par le biais des pupitres et deux disposés face à la classe virtuelle. Ce dispositif participatif peut également se reconfigurer en instrument de musique. Il est effectivement possible pour les participants de boucler une conversation dans sa progression pour en manipuler les paramètres formels, c'est-à-dire la hauteur et le débit des voix, et la position et la longueur de la boucle conversationnelle ainsi créée. Le Générateur de conversations scolaires offre aux participants une expérience immersive qui implique le corps dans une combinaison d'actions, tout en incitant ultimement la coopération entre les participants. Motivé par des considérations constructivistes, le développement de cette œuvre m'a permis de combiner mon expérience d'éducateur, ma formation en enseignement et ma passion de musicien électronique autodidacte. Après avoir analysé, à l'aide de la méthode clinique décrite par Jean Piaget, les gestes et les réflexions de deux volontaires entrant en contact avec l'installation, je considère avoir réussi à créer un dispositif qui permet de partager une ambiance. Le public et moi partageons une ambiance, les gens du public en partagent une entre eux. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : interactivité, constructivisme, installation sonore, enfance, Max/MSP