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Dissertations / Theses on the topic 'Intermédialité'
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Binette, Cindy. "Intermédialité et intergénéricité dans la télésérie « Les invincibles »." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/29929/29929.pdf.
Full textAbstract:
Ce mémoire se consacre à l’analyse de la série télévisuelle Les Invincibles, diffusée sur les ondes de Radio-Canada entre 2005 et 2009. Il questionne la relation entre les trois récits mis en cause au sein de la télésérie, soit le récit principal qui est une fiction vraisemblable, le premier récit secondaire qui évoque la téléréalité et le deuxième récit secondaire aux allures de bande dessinée. Par le recours à l’intermédialité et l’intergénéricité, ce mémoire s’intéresse principalement aux emprunts de formes filmiques, télévisuelles et bédéiques et aux dimensions génériques dont la fiction, le documentaire et le fantastique qui sont associées à ces formes. En participant à la construction de l’histoire, cette tresse de récits témoigne des transformations que subissent les fictions télévisuelles québécoises actuelles et contribue ainsi à l’évolution du genre.
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Xiang, Weiwei. "Interculturalité et intermédialité chez les auteurs francophones chinois." Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAC018/document.
Full textAbstract:
Dans le domaine des littératures francophones, on peut dénombrer actuellement une vingtaine d’auteurs chinois francophones : Tcheng Ki-Tong, Sheng Tcheng, Chow Ching Lie, François Cheng, Gao Xingjian, Shen Dali, Ya Ding, Dai Sijie, Ying Chen, Wei Wei, Shan Sa, et Ling Xi… Ces écrivains circulent dans différentes cultures, se servent de deux langues, et, par conséquent, leurs écritures mélangent une couleur chinoise avec une couleur occidentale. À travers leurs expériences, nous remarquons que certains d’entre eux ont développé une double pratique artistique, en accord avec leur identité culturelle désormais duelle. Ils construisent ainsi non seulement un pont entre deux langues et deux cultures, mais aussi un pont entre différents médias ou supports artistiques (romanesque et cinématographique ou pictural). Comment s’est développée la littérature francophone chinoise ? Et comment appréhender l’écriture romanesque et la pratique artistique des auteurs francophones chinois ? Centré sur des auteurs francophones chinois et leurs œuvres, notre travail formule une hypothèse sur l’articulation entre interculturalité et intermédialité au sein de la francophonie chinoiseIn the field of francophone literature, there are currently about twenty French-speaking Chinese authors : Cheng Ki-Tong, Sheng Cheng, Cheng Ching, Francois Cheng, Gao Xingjian, Shen Dali, Ya Ding, Dai Sijie, Ying Chen, Wei Wei, Shan Sa, and Ling Xi... These writers circulate in different cultures, use two languages, and consequently their writing mixes a Chinese color with a Western one. Through their experiences, we note that some of them have developed a double artistic practice, in accordance with their cultural identity, which is now dual. They thus build not only a bridge between two languages and two cultures, but also a bridge between different media or artistic supports (novelistic and film or pictorial). How has Chinese francophone literature developped itself ? And how can we understand the novelistic writing and the artistic practice of the French-speaking Chinese authors ? Focused on French-speaking Chinese authors and their works, our research formulates a hypothesis about the articulation between interculturality and intermediality within the Chinese Francophonie
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Surmann, Caroline. "Intermédialité et esthétique – Cinéma et théâtre chez Jean Cocteau." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040032.
Full textAbstract:
Ce travail investit l’œuvre de Jean Cocteau et plus particulièrement son cinéma à partir d’une perspective intermédiale. Les questions de l’intermédialité sont mises en rapport avec des questions relatives à l’esthétique, confrontant l’évolution et l’invention des formes aux réflexions sur la connaissance et la perception du réel qui les ont engendrées. Etant donné que la forme concrétise ce qui se passe entre le réel et le sujet et véhicule les réflexions sur le réel et sa connaissance, les problèmes de perception et de construction de réalité, d’illusion et de représentation sont investies. Les conceptions esthétiques du poète sont confrontées aux mentalités qui les ont vues naître, aux conditions ontologiques et épistémologiques qui les ont rendues possible. Les analyses des six films que Cocteau a écrits et réalisés évaluent comment il a mis en pratique ses conceptions. Elles décrivent comment et pourquoi Cocteau intègre l’autre au cinéma et ‘impurifie’ sa matière. A la recherche d’une esthétique qui lui serait propre, le premier art auquel le cinéma se confronte est le théâtre. Il impose ses solutions lorsque le cinéma n’a pas encore développé ses propres formes de représentation. Faut-il aller avec le théâtre ? faut-il le contredire ? Dans ce travail, le théâtre est compris comme modèle artistique (théâtre) et comme élément esthétique (théâtralité). Il retrace ainsi, d’une part, les rapports cinéma-théâtre dans l’œuvre du poète et décrit, d’autre part, une théâtralité proprement cinématographique dont le modèle n’est plus immédiatement le théâtre et qui saisit des structures esthétiques du cinéma qui seraient en concordance avec celles du théâtreThis dissertation investigates the work of Jean Cocteau and particularly his cinema from an intermedial perspective. The questions relevant to intermediality are addressed in relation to aesthetic considerations, thus confronting the configuration and invention of forms with the reflections on reality – its perception and knowledge – that generated them. As form itself marks the interface of reality and the subject and mediates between reality and the perceptive knowledge of it, this paper investigates the perception and filmic construction of reality, questions of illusion and representation that constitute the primordial preoccupations of Cocteau. His aesthetic conceptions are confronted with their ontological and epistemological conditions. The analysis of the six films that Cocteau has written and directed shows how the poet has put into practice his ideas and conceptions. They respond to the question how and why Cocteau integrates the other in the cinema and ‘impurifies’ its surface. Looking for an aesthetic of its own, the first art form cinema referred to was the theatre. It imposed its solutions where the cinema had not yet solved its own questions of representation. Should one go with the theatre? or against it? In this dissertation, theatre is understood both as artistic model (theatre) and as an aesthetic element (theatricality). Thus, on the one hand, we retrace the relations of cinema and theatre in the work of Jean Cocteau and, on the other hand, we describe a cinematographic theatricality that is no longer immediately related to theatre, but that refers to the aesthetic structures of the cinema that are in concordance with that of the theatre
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Söderholm, Matillda. "Intermédialité photographie/texte dans Rimbaud le fils de Pierre Michon." Thesis, Linnéuniversitetet, Institutionen för språk (SPR), 2015. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:lnu:diva-41455.
Full textAbstract:
The novel Rimbaud le fils written by Pierre Michon is analysed in this study, using the theoretical model of modalities and modes of media elaborated by Lars Elleström (2010), the typology of intermediality defined by Werner Wolf (2002) and Irina Rajewsky’s (2010) metatheoretical reflections upon the concept of borders. The novel by Michon relates to some famous photos that have become important in creating the understandings of Arthur Rimbaud as a poet and a myth. The guiding question of the analysis has been: How can the intermedial relations to the photos create meaning in the novel? The theoretical model of Elleström has been applied in order to define the modalities and modes involved in the photography and in the written text of the novel. Thereby the significant differences and similarities between the different media have become distinguishable. The categorization proposed by Wolf and the remarks made by Rajewsky on the concepts of borders, have helped to link together the observations of modalities and modes with the hermeneutic reading of the text. Using the intermedial references has shown to be a possible way to express or to reinforce the literary expression of for instance: the heaviness of the literary legacy and mythology, the absent, the genius, the departure, the silence, the religious language, the unknown, the literary sham, the survival and the protective power of an expressive richness that relates to or implies several semiotic systems.
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Péron-Douté, Eugénie. "Le Corps-laboratoire. Plasticité et intermédialité du Je chez Chloé Delaume." Electronic Thesis or Diss., Limoges, 2024. http://www.theses.fr/2024LIMO0041.
Full textAbstract:
Le présent travail, situé au croisement de la recherche en littérature et en arts contemporains, met au jour et questionne l’ensemble de la création de l’écrivaine et artiste contemporaine Chloé Delaume. Il envisage le recours à l’intermédialité en tant que mise en œuvre d’une forme de plasticité dans les écritures du Je afin d’en opérer la métamorphose. Pour ce faire, il étudie les autofictions élaborées par l’autrice, ainsi que ses romans, nouvelles, essais, pièces de théâtre, courts-métrages, performances et créations design, musicales et scénaristiques. S’appuyant sur un corpus diversifié, riche de plus d’une centaine d’œuvres réalisées depuis le début des années 2000, cette étude a pour fin d’analyser l’hypothèse selon laquelle le corps est à la fois vecteur de modification de la subjectivité de l’autrice et performeuse – et de son public – et média féministe visant à influencer les récits contemporains. L’approche en études de genre, qui oblige à interroger l’objet d’étude, sa méthodologie ainsi que son écriture, implique l’adoption d’une posture et d’un point de vue situés entre l’objectivité et la subjectivité induite par un travail inséparable de la dimension affective, dès lors qu’une proximité avec l’écrivaine s’établit. Dans le prolongement de cette réflexion qui interroge sa propre élaboration en termes de stylistique tout autant que de contenu, la recherche laisse place à une dimension méta-artistique. En effet, une enquête de terrain qui a pris la forme de résidences de recherche et d’écriture au domicile de l’autrice a permis d’envisager les conditions de possibilité de l’accès à l’univers d’une créatrice. L’écriture académique se mue alors en écriture littéraire. Cette première monographie portant sur l’œuvre delaumienne met en évidence la porosité existant entre la littérature contemporaine et l’art contemporain, et démontre le caractère performatif des dispositifs fictionnelsThis research delves into the multifaceted creations of contemporary writer and artist Chloé Delaume, situated at the nexus of literature studies and contemporary arts. It aims to shed light on her oeuvre and analyze the role of intermediality as a vehicle for plasticity within the self-referential narratives. By examining Delaume's autofictions, novels, short stories, essays, plays, short films, performances, and various creative endeavors encompassing design, music, and screenwriting, this study seeks to elucidate the transformative potential inherent in her artistic expression. Drawing upon a diverse corpus comprising over a hundred works created since the early 2000s, this study aims to analyze the hypothesis that the body serves as both a catalyst for the alteration of the author's subjectivity and as a performer—along with its audience—and a feminist medium seeking to influence contemporary narratives. The gender studies approach, which necessitates questioning the object of study, its methodology, and its writing, implies the adoption of a position and perspective situated between objectivity and subjectivity induced by work inseparable from an affective dimension, especially when proximity with the writer is established. In the extension of this reflection, which questions its own elaboration in terms of stylistics as much as content, the research opens up to a meta-artistic dimension. Indeed, fieldwork in the form of research and writing residencies at the author's residence has allowed for the exploration of the conditions of possibility for accessing a creator's universe. Academic writing then transforms into literary writing. This first monograph on Delaume's work highlights the permeability between contemporary literature and contemporary art, demonstrating the performative nature of fictional devices
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Mussard, Alice. "Intertextualité et intermédialité dans l'œuvre de Jane Campion : vers un métacinéma postmoderne." Thesis, La Réunion, 2010. http://www.theses.fr/2010LARE0012.
Full textAbstract:
L'étude des ressorts de l'intertextualité et de l'intermédialité dans l'œuvre de Jane Campion met en relief les enjeux d'un métacinéma postmoderne, tout d'abord à travers la question de l'adaptation. Illustrant le processus de novellisation, le roman Holy Smoke (1999) se clôt avec une mise en abyme fictionnelle qui, en proposant une fin alternative au roman au carrefour entre fiction policière et pastiche de texte biblique, place la question de l'écriture au centre de l'œuvre. Dans In the Cut [2001], les multiples citations littéraires du récit constituent des points névralgiques qui remettent régulièrement en question le devenir de l'œuvre et de l'héroïne. Enfin, dans An Angel at my Table [1991], le leitmotiv du cheminement et les fuites répétées d'une insaisissable protagoniste, combinés à l'utilisation d'une caméra aérienne dans le prologue et l'épilogue filmiques, se rapportent à une dimension réflexive du projet biographique. Dans le droit prolongement de ces dispositifs métatextuels, la mise en abyme des modes d'expression artistique permet à la fiction campionienne de faire retour sur elle-même. Le flash de dessin animé illustre la force de l'hypotypose en déployant des micro-fictions enchâssées, tandis que l'utilisation du tableau comme instrument métatextuel, l'allusion au conte ou encore la mise en scène du geste créatif transcendant donnent au film les moyens de se sonder lui-même. Pour finir, dans une démarche typiquement lacanienne qui distingue irrémédiablement le réel de sa représentation symbolique, Campion place sur un même plan fiction et documentaire. L'insert du documentaire botanique, du reportage sur les sectes ou des images d'archives dans la fiction dessinent des formes spécifiques de rencontres médiatiques, à travers lesquelles peuvent être identifiées l'anamorphose, la métalepse ou l'homologie intermédiales. Dans ce jeu permanent avec la frontière, l'iconographie fictionnelle emprunte les codes de représentation du réel comme avec Peel [1982], le biopic réalistico-magique, Passionless Moments [1984], le pastiche de documentaire, ou encore l'imitation d'images d'archives associées à des motifs surréalistes dans le travelogue de Portrait of a Lady. Dans cette confrontation des images documentaires et fictionnelles, le film engage à nouveau une réflexion métafilmique où le réel se donne comme l'impossible horizon de toute représentationThe study of intertextuality and intermediality in Jane Campion’s artistic creations casts light upon the mechanism of postmodern metacinema, an issue that is raised first through the question of adaptation. Holy Smoke (1999) ends with a mise en abyme through which the writing process is put at the core of the novel. With In the Cut [2001], the literary quotations are landmarks that regularly put into question the destiny and destination of the heroïn and of the fiction. Finally, in An Angel at my Table [1991], the recurrent images of Janet’s itinerary and the use of aerian tracking shots can be viewed as autoreferential devices. The embedding of other artistic genres within the movie also allows the fiction to comment on itself. The cartoon sequences bring about the essence of hypotyposis. The use of paintings as referential material, the allusions to fairy tales and the shooting of transcending creative moments give to the movie the tools to speak about itself. Lastly, in a typically lacanian approach, Campion puts fictions and documentaries on the same level when contrasted to the real. The botanical documentary footage, the report on sects or the archives shed light upon specific types of intermediality : the anamorphosis, the metalepsis and the homological structure. Moreover, the fiction borrows the codes of representation to the informational genres with the magical-realistic biopic, the imitation of the documentary footage or archives sometimes combined with surrealistic developments. In contrasting the fictional and the informational, the movie leads to a metafilmic reflection, in which the Real stands for the unreachable horizon of any form of representation
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Gondar, David. "Les voies de la poésie espagnole actuelle (1990/2010) : marginalités, hybridations, porosité, intermédialité." Thesis, Strasbourg, 2016. http://www.theses.fr/2016STRAC045.
Full textAbstract:
Notre travail de recherche a porté sur quatre des caractéristiques principales de la poésie espagnole la plus contemporaine : l'hybridation, l'intermédialité, la porosité et la marginalité. Nous avons examiné les écritures poétiques de sept poètes nés entre 1962 et 1990, Manuel Vilas,Jorge Riechmann, Agustin Fernandez Mallo, Vicente Luis Mora, Pablo Garcia Casado, Begona Callejon et Luna Miguel. Ces sept poètes sont paradigmatiques d'un renouveau créatif qui prend appui sur une ouverture forte sur le monde social, scientifique mais aussi populaire et quotidien. La question de la définition de la poésie revient dans ce contexte avec plus de force. Tout semble plus brouillé que jamais avec ces incursions de la poésie dans des univers non-poétiques. Ces franchissements de frontières permettent de saisir l'acte de création poétique, ce qu'est la poésie : une poésie en mutations rétro-alimentées dans ses explorations méta-poétiques et son rapport au monde qui l'entoureOur research work was concerned with four main characteristics of Spanich poetry in its most contemporary form : hybridations, intermedialities, porosity and marginality. We studied the poetic writings of seven poets born between 1962 and 1990 : Manuel Vilas, Jorge Riechmann, Agustin Fernandez Mallo, Vicente Luis Mora, Pablo Garcia Casado, Begona Callejon and Luna Miguel. These seven poets are representative of a creative revival that leans heavely on an openness towards concerns of a social and scientific nature but also common and day-to-day lite. Within this context, the question of what defines poetry becomes ail the more powerful. As never before,theses-poetic incursions within the non-poetic world throw everything into flux. These boundary crossings enable one to better grasp the process of poetic creation and what is : poetry undergoing transformations via feedback with regard toits metapoetic explorations and its relationship with the outside world
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Rascle, Laetitia, and Laetitia Rascle. ""Empreintes" : suivi de Création littéraire et photographie argentique : intermédialité pour une poétique de l'image." Master's thesis, Université Laval, 2016. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33310.
Full textAbstract:
Le présent mémoire de maîtrise s'intéresse à la question de l'image et en propose une exploration placée sous le signe du double. Entre recherche et création, poésie et photographie, éclatement formel et méditation ontologique, ce mémoire ouvre des dialogues pour tenter de comprendre, en deux temps, la mécanique des confluences et leur intérêt sur le plan des processus créateurs. À la croisée des notions qu'il embrasse : l'image ; et le faisceau de ses manifestations, qu'elles soient de l'ordre de l'empreinte (trace), de l'archive (souvenir) ou encore de l'aura (lumière). Fruit d'un travail à quatre mains, Empreintes invite tout d'abord à entrer en immersion dans un monde duel où le fond comme la forme participent de la perte des repères. Présenté dans un format hors norme (deux fois 66 pages disposées tête-bêche) , le recueil photo-poétique joue avec l'espace et le temps, proposant d'arpenter en cinq tableaux les paysages laissés par des êtres qui ont été aimés, qui ont été perdus. Une parole s'élève des blessures et du silence pour retrouver leur trace , se dégage peu à peu de ses propres ruines pour naître à elle-même – puis mourir à nouveau – en un cycle sans fin. Empreintes laisse ainsi sourdre la parole vivante en abordant, par le thème de l'eau, le deuil sous toutes ses formes. Pour soutenir ce recueil, la partie Création littéraire et photographie argentique : intermédialité pour une poétique de l'image offre ensuite une réflexion en deux parties . Un rapport de laboratoire permet de remonter le fil du processus créateur pour mieux saisir, par l'archivage, la genèse du recueil. Il présente les trois méthodes de création intermédiatiques expérimentées entre écriture et photographie. Un essai lyrique sur la photographe franco-canadienne Alix Cléo Roubaud (1952-1983) aborde enfin la magie du nu féminin pour clore cette quête de l'image en pleine lumièreLe présent mémoire de maîtrise s'intéresse à la question de l'image et en propose une exploration placée sous le signe du double. Entre recherche et création, poésie et photographie, éclatement formel et méditation ontologique, ce mémoire ouvre des dialogues pour tenter de comprendre, en deux temps, la mécanique des confluences et leur intérêt sur le plan des processus créateurs. À la croisée des notions qu'il embrasse : l'image ; et le faisceau de ses manifestations, qu'elles soient de l'ordre de l'empreinte (trace), de l'archive (souvenir) ou encore de l'aura (lumière). Fruit d'un travail à quatre mains, Empreintes invite tout d'abord à entrer en immersion dans un monde duel où le fond comme la forme participent de la perte des repères. Présenté dans un format hors norme (deux fois 66 pages disposées tête-bêche) , le recueil photo-poétique joue avec l'espace et le temps, proposant d'arpenter en cinq tableaux les paysages laissés par des êtres qui ont été aimés, qui ont été perdus. Une parole s'élève des blessures et du silence pour retrouver leur trace , se dégage peu à peu de ses propres ruines pour naître à elle-même – puis mourir à nouveau – en un cycle sans fin. Empreintes laisse ainsi sourdre la parole vivante en abordant, par le thème de l'eau, le deuil sous toutes ses formes. Pour soutenir ce recueil, la partie Création littéraire et photographie argentique : intermédialité pour une poétique de l'image offre ensuite une réflexion en deux parties . Un rapport de laboratoire permet de remonter le fil du processus créateur pour mieux saisir, par l'archivage, la genèse du recueil. Il présente les trois méthodes de création intermédiatiques expérimentées entre écriture et photographie. Un essai lyrique sur la photographe franco-canadienne Alix Cléo Roubaud (1952-1983) aborde enfin la magie du nu féminin pour clore cette quête de l'image en pleine lumière
This Master's thesis deals with the topic of images and leads its exploration with a dual-view. Midway between research and creation, poetry and photography, formal fragmentation and ontological meditation, this memoir opens dialogues in a two-stage attempt to understand the mechanics of confluences and their relevance with regard to creative processes. At the crossroads of notions covered : images ; and the irrange of manifestation, whether in terms of footprints (trace), archives (memory) or aura (light). Fruit of a four-hands work, Empreintes is first of all an invitation to immerse oneself in a dual world where both substance and form contribute to a loss of bearings. Presented in a non-standard size (twice 66 pages arranged head to tail), the photo-poetic collection plays with space and time, offering a five-step walk among landscapes deserted by beings once beloved, now forever lost . A Word rises from wounds and silence to recount them, emerges gradually from its own ruins to self- originate - then die again - in an endless cycle. Empreintes then lets the living Word arise in addressing mourning in all its forms by the theme of water. To support this collection, the Création littéraire et photographie argentique : intermédialité pour une poétique de l'image part then offers a reflection in two stages. A lab report traces back the thread of the creative process to better understand, via archiving, the genesis of the collection. It presents three methods of intermedia creation experienced between writing and photography. A lyrical essay on the French-Canadian photographer Alix Cléo Roubaud (1952-1983) eventually addresses the magic of the female nude in order to end this quest for images in full light.
This Master's thesis deals with the topic of images and leads its exploration with a dual-view. Midway between research and creation, poetry and photography, formal fragmentation and ontological meditation, this memoir opens dialogues in a two-stage attempt to understand the mechanics of confluences and their relevance with regard to creative processes. At the crossroads of notions covered : images ; and the irrange of manifestation, whether in terms of footprints (trace), archives (memory) or aura (light). Fruit of a four-hands work, Empreintes is first of all an invitation to immerse oneself in a dual world where both substance and form contribute to a loss of bearings. Presented in a non-standard size (twice 66 pages arranged head to tail), the photo-poetic collection plays with space and time, offering a five-step walk among landscapes deserted by beings once beloved, now forever lost . A Word rises from wounds and silence to recount them, emerges gradually from its own ruins to self- originate - then die again - in an endless cycle. Empreintes then lets the living Word arise in addressing mourning in all its forms by the theme of water. To support this collection, the Création littéraire et photographie argentique : intermédialité pour une poétique de l'image part then offers a reflection in two stages. A lab report traces back the thread of the creative process to better understand, via archiving, the genesis of the collection. It presents three methods of intermedia creation experienced between writing and photography. A lyrical essay on the French-Canadian photographer Alix Cléo Roubaud (1952-1983) eventually addresses the magic of the female nude in order to end this quest for images in full light.
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Bomy, Charlotte. "Théâtralité et intermédialité dans les spectacles de Frank Castorf, Einar Schleef et Heiner Goebbels." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2008. http://www.theses.fr/2008STR20067.
Full textAbstract:
À partir de l’étude de trois metteurs en scène allemands, nous proposons d’éclairer le fonctionnement de pratiques théâtrales dans lesquelles le texte dramatique ne représente plus une instance déterminante, mais où sont conviées différentes formes artistiques. Pour situer la logique esthétique de ces productions « postdramatiques », nous avons choisi de travailler à partir de la notion de théâtralité, afin d’interroger la spécificité de ces langages scéniques où la place du spectateur devient primordiale, et de celle d’intermédialité, permettant de mesurer l’importance des interactions entre les « médias » au sens le plus large, qu’il s’agisse de la reprise d’un procédé ancestral (comme le chœur chez Einar Schleef), du recours aux médias audiovisuels (comme la vidéo et le cinéma chez Frank Castorf) ou encore de l’imbrication de plusieurs pratiques artistiques (par exemple entre le théâtre et la musique chez Heiner Goebbels)This study of the stage work of three German directors wishes to throw light on the functioning of stage languages that seek emancipation from the dramatic text and incursion of other art forms. The concept of “theatrality” will be used to bring out the specific aesthetic logic of these post-dramatic productions in which the role of the spectator has become absolutely central. The concept of “intermediality” will allow us to assess how these works feed on interactions between all types of “media”, whether this includes reworking ancestral processes (like Einar Schleef’s use of the chorus), incorporating audiovisual media at various degrees (like film and video in Frank Castorf’s work) or the interweaving of several artistic practices (for example Heiner Goebbels’ merging of theatre and music)
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Strignano, Julien. "L’imagerie ramonienne : intermédialité picturo-littéraire dans les récits brefs de Ramón Gómez de la Serna." Thesis, Lyon, 2020. http://www.theses.fr/2020LYSES007.
Full textAbstract:
Chez Ramón Gómez de la Serna, prolifique écrivain avant-gardiste espagnol de la première moitié du XXe siècle, la place de l’image dans la création littéraire amène à considérer plusieurs hypothèses concernant les modalités d’interrelation texte-image qui existent dans ses œuvres. Un nouvel éclairage est à envisager plus particulièrement sur l’auteur à travers les allusions et les références picturales dont il fait usage dans un corpus déterminé, celui des recueils de microrécits d’inspiration goyesque (Caprichos). Le questionnement autour de l’insertion de l’image dans les récits de Ramón Gómez de la Serna peut s’établir selon divers axes d’étude depuis la complexe intégration explicite ou implicite de l’œuvre picturale-source jusqu’à la plus simple illustration produite par l’écrivain lui-même.Ces cas d’intermédialité picturo-littéraire s’expliquent tout d’abord dans cette étude par une contextualisation de l’approche artistique ramonienne. Puis, dans un deuxième temps, l’expérience intermédiale à travers divers procédés (translation et traduction de la source picturale, ekphrasis, insertion intratextuelle et plus globalement principe de la transposition d’art) argumente en faveur d’un dispositif de systématisation intermédiatique dans les récits brefs de l’auteur. Enfin, il est question dans certains recueils (Gollerías, Trampantojos) d’analyser l’origine et la portée des auto-illustrations de Ramón Gómez de la Serna. La pratique artistique de l’auteur madrilène propose une nouvelle interprétation de ses écrits en considérant les gravures et les peintures de multiples artistes comme des substrats à une création littéraire déterminée à laisser librement entrer l’imageIn Ramón Gómez de la Serna’s case, prolific writer of the Spanish vanguard in the first half of the XX century, the place of the picture into his literary creation brings to consider various hypothesis about the picture-text interrelation modalities in his works. A new lighting is worth to see by the hints and references about image in a determinate corpus: the collections of short stories with Goya’s inspiration (Caprichos). The question about image inserted in Ramón Gómez de la Serna’s text is established according to several lines of study from explicit or implicit and complex integration of the original picture until the more simple illustration drawn by the writer himself.Those cases of image-text intermediality are explained first of all by a contextualization of Gómez de la Serna’s artistic way of life. Then, in a second time, the intermediatic experience through various process (stylistic and translation of the image origin, ekphrasis, art transposition…) promote the idea about the reality of an intermediatic system into the writer’s short stories. Finally, in some of stories collections (Gollerías, Trampantojos), we must analyze the root and the reach of the illustration by the author himself.Ramón Gómez de la Serna’s art practice suggest a new interpretation of his texts by considering engravings and paintings of a lot of artists like substrates that allow the image to enter in a determinated literary creation
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Kataeva, Olga. "Le statut du dessin dans l'œuvre de Sergueï M. Eisenstein. Mise en scène, montage, intermédialité." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA009.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie le statut du dessin dans l'œuvre de Sergueï M. Eisenstein, à partir de l’étude des rapports entre dessin et montage, entre dessin et mise en scène et de l’examen de la nature intermédiale de l’œuvre d’Eisenstein. Dans le système de ce réalisateur le dessin est au cœur de son processus créatif et devient un milieu-médium à l’intérieur duquel des transferts, passages, transportations de formes, d’images et d’idées sont possibles. Eisenstein s’intéresse au dessin, à la fois, comme processus et comme méthode visuelle universelle de la créativité.On constate l’analogie entre la structure globale du film Ivan le Terrible et les axes essentiels de sa réflexion théorique, en particulier les principes de sa méthode créatrice (la pars pro toto, le MLB, la plasmaticité et le montage). Subordonnée à une architectonique spatio-temporelle rigoureuse, la structure du film est en même temps une structure ouverte, vivante en évolution perpétuelle, et cela tant à l’étape de sa conception qu’au niveau de sa perception et de sa post-analyse.Les analyses conduites dans cette thèse sur la production graphique d’Eisenstein, et à partir de celles-ci sur l’ensemble de ces travaux et de ces concepts, démontrent clairement la corrélation entre la structure de l’œuvre d’Eisenstein, en particulier pour celle du film Ivan le Terrible, et le fondement de son processus de pensée créative, processus qui traduit son propre rythme intérieur et la structure de sa conscience, les deux donnant l’impulsion à son expression artistique. Le dessin devient pour Eisenstein le milieu de réflexion sur lequel il s’appuie pour exposer la problématique du médium, mais aussi celle de l’histoire du cinéma en son lien avec l’histoire des médiums expressifs. Les dessins préparatoires constituent le médium visuel d’élaboration, de vérification et de mise en pratique de ses concepts théoriques dans une situation réelle de création de film.Eisenstein a ainsi constitué, à travers ce projet transversal et intermédial du film, un dispositif sphérique d’écriture de la méthode et de l’histoire générale du cinéma, en réalisant ainsi un modèle du « livre sphérique »This thesis studies the status of drawing in the work of Sergei M. Eisenstein, based on the study of the relationship between drawing and montage, between drawing and staging and the examination of the intermedial nature of Eisenstein’s work. In the system of this film director, the drawing is at the heart of his creative process and becomes an environment-medium in which transfers, passages, transportations of shapes, images and ideas are made possible. Eisenstein is interested in drawing, both as a process and as a universal visual method of creativity. An analogy exists between the overall structure of the film Ivan the Terrible and the essential axes of his theoretical reflection, in particular the principles of his creative method (pars pro toto, MLB, plasmaticity and montage). Subordinated to a rigorous spatial and temporal architectonics, the structure of the film is at the same time an open, living structure, in perpetual evolution, this as much at the stage of its conception as at the level of its perception and its post-analysis.The analyzes led in this thesis on the graphic production of Eisenstein, and from them on all his works and concepts, clearly demonstrate the correlation between the structure of the work of Eisenstein, and in particular that of the film Ivan the Terrible, and the foundation of his creative thought process, a process that reflects his own inner rhythm and the structure of his consciousness, both giving an impetus to his artistic expression. Drawing becomes for Eisenstein the medium of reflection on which he relies to develop the problematic of the medium, but also the one of history of cinema in its connection with the history of expressive mediums. The preparatory drawings constitute the visual medium of elaboration, verification and putting into practice of his theoretical concepts in a real situation of film creation.Eisenstein thus constituted, through this transversal and intermedial film project, a spherical system of writing of the method and the general history of the cinema, thus realizing the model of the "spherical book"
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Paul, Claude. "Le Faust de Goethe : étude de réception intermédiale comparée du personnage diabolique (Méphistophélès) dans les aires culturelles germanophone et francophone (1775-1870)." Thesis, Metz, 2011. http://www.theses.fr/2011METZ006L.
Full textAbstract:
Le Faust de Goethe a provoqué une réelle onde de choc dans la vie culturelle des pays germaniques et des territoires francophones. Mais le drame allemand, et plus encore son personnage diabolique, n’ont pas fait l’objet d’une réception identique des deux côtés du Rhin, comme le révèle un examen détaillé du discours de la presse : tandis que les artistes et hommes de lettres germaniques rapportent le personnage aux incarnations infernales de la légende populaire faustienne, leurs homologues français y voient une réactualisation originale la figure mythique de Satan, dans la lignée des œuvres de Byron ou Milton. Après un état de la recherche portant sur le Méphistophélès de Goethe, nous avons dessiné l’évolution de son interprétation par la presse et de sa réutilisation par les artistes au-travers de l’analyse d’articles de presse, d’œuvres visuelles (Seibertz, Ramberg, Retzsch, Johannot), dramatiques (Holtei, B. v. Braunthal, Lesguillon) ou opératiques (Gounod). Enfin, l’analyse intermédiale comparée et détaillée des personnages diaboliques du Faust de Lenau, de la série lithographique de Delacroix et de La Damnation de Faust de Berlioz permet de reconstituer l’évolution des mythes de Faust et du diable au cours de la période étudiée, et de constater que, lorsque le diable s’humanise, l’homme se diabolise. Une réflexion sur le bienfondé des termes de « réécriture » et d’ « illustration », auxquels l’auteur préfère, selon l’opportunité, celui de « reformulation », clôt ce travail au carrefour des théories de la réception, de la mythocritique et de l’intermédialitéGoethe’s Faust had a significant impact on German and French cultural life in the nineteenth century. But the German drama, and even more his devilish character, were not perceived similarly on right hand side and the left hand side of the Rhine. Whereas the German artists and the literary critics associated Goethe’s Mephistopheles with the devilish character of the popular Faust’s legend, the French counterparts take Mephistopheles as the mythical character of Satan and a revision of the heroes of Byron and Milton. After a description of the state of the art about Goethe’s Mephistopheles, a depiction of the evolution of his interpretation in the press and of his re-utilisation by the artists through an analysis of articles and visual (Seibertz, Ramberg, Retzsch, Johannot), dramatic (Holtei, B. v. Braunthal, Lesguillon) and musical works (Gounod). Last but not least, the detailed intermedial comparative analysis of the devilish heroes of Lenau’s Faust, of Delacroix’s lithographs and of Berlioz’ The Damnation of Faust enable us to recreate the evolution of the myths of Faust and of the devil within the considered period. So we could point out that when devil is getting human features, man becomes a devil. Finally, a consideration about the french terms of “réécriture” and “illustration”, that the author propose, in some case, to replace with “reformulation”, conclude this work that crosses reception theory, mythocriticism and intermediality
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Vrijs, Anke. "Métamorphoses permanentes : image du corps reproduite, entre filiation et engendrement." Strasbourg, 2011. https://publication-theses.unistra.fr/public/theses_doctorat/2011/VRIJS_Anke_2011_1.pdf.
Full textAbstract:
Partie de l'intuition des liens intrinsèques entre corps et image, nous constatons que le corps et son image suscitent de nombreuses questions. Si pendant des siècles les filiations d'une image à l'autre étaient assez lisibles - copie, reprise, répétition, interprétation, plagiat ou remake par exemple -, aujourd'hui l'image du corps et les transformations multiples de cette image s'intègrent dans une démarche oscillant entre un travail sur l'image unique et l'image multiple. Copie et original sont des notions qui se brouillent et qui perdent leurs sens premier. Production et reproduction d’images se confondent. L'image se présente plutôt comme étant en transition dont les étapes de transformation successives sont plus ou moins lisibles. Nous postulons et supposons alors que l'image transformée est hybride (elle contient du neuf et de l'ancien, palimpseste et souvenir). L'interdépendance des images nous mènera à supposer que l'image est en métamorphose permanente, autrement dit, à voir si la production de l'image ne serait pas également recréation de celle-ci. Se pose alors la question du modèle en relation avec la production et la métamorphose par la reproduction partielle ou complète. Nous supposons que d'un médium à l'autre, l'image pourrait être recréée et que cette recréation se ferait au profit du mode de la récréation, du jeuStarting from the intuition that body and image are closely linked, we have then observed that this connection raises some interesting questions. Considering that for centuries, the relations of one image to another had been easily identifiable, it is to be admitted that today, the image of the body and its numerous transformations is part of a process involving a constant dialogue between unique and multiple images. The concepts of copy and original have become blurred and have lost their primary meaning. Actually, the production and reproduction of images have gotten mixed up. The image should therefore be considered as being in permanent transition, the steps of its successive transformations being more or less legible. We postulate and suppose that the transformed image is a hybrid, containing new and ancient elements, superimpositions and memories. The interdependence of images leads us to consider that the image is in a state of permanent metamorphosis and that its production may also be a re-creation. This raises the question of the relationship between the model, the production process and the idea of metamorphosis through partial or total reproduction. We suppose that from one medium to the other, the image can be recreated. This recreation could then lead to the idea of fun and games
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Catoir-Brisson, Marie-Julie. "L' hybridation esthétique et culturelle dans le cinéma mexicain contemporain : approches intermédiales et interculturelles." Bordeaux 3, 2011. https://extranet.u-bordeaux-montaigne.fr/memoires/diffusion.php?nnt=2011BOR30037.
Full textAbstract:
Le cinéma mexicain contemporain se situe dans un entre-deux, tant d’un point de vue géographique, qu’esthétique et culturel. En son sein se jouent des tensions, des formes de négociation avec le cinéma hollywoodien d’aujourd’hui mais aussi avec d’autres cinématographies et formes artistiques. L’objectif de cette recherche est d’appréhender la tension qui anime toute image métisse et s’exprime de manière particulière dans l’histoire et la culture de l’image mexicaines. Nous avons cherché à savoir si l’on peut considérer le cinéma mexicain contemporain comme le lieu d’une appropriation de différentes cultures médiatiques dans un rapport interculturel. Notre corpus se compose de films réalisés entre 2000 et 2008 par A. G INARRITU et C. REYGADAS notamment. Ils sont étudiés dans leur dimension intermédiale, c'est-à-dire dans les liens qu’ils entretiennent avec d’autres médias ou d’autres genres. Les processus communicationnels intervenant dans la production et la réception des films sont aussi analysés, sous l’angle spécifique des médiations. Nos analyses ont mis en évidence les tensions entre le local et le global qui traversent le cinéma mexicain contemporain et en font un objet de recherche pertinent pour comprendre les enjeux de la communication interculturelle. Notre approche communicationnelle du cinéma nous a permis d’étudier l’image comme un objet complexe, à partir d’un raisonnement dialogique entre différents savoirs disciplinaires. L’enjeu de cette recherche est donc d’articuler de manière dynamique l’approche sémio-pragmatique avec une approche historique, anthropologique et culturelle de l’imageContemporary Mexican cinema is located in-between, as much in geographical terms as in aesthetic and cultural ones. Many tensions reside within it, such as the ways in which it negotiates with contemporary Hollywood film and also with other cinemas and artistic forms. This research aims to explore the tension that animates every cross-cultural image and is expressed so distinctively within Mexican history and visual culture. This thesis seeks to investigate the extent to which contemporary Mexican cinema can be considered a site of appropriation of different media cultures in intercultural relations. The main corpus of study comprises the films of A. G-INARRITU and C. REYGADAS, which were released during 2000-2008. These films were analyzed using an intermedial approach, in order to emphasize their links with other media (such as television, comic strip, literature, painting) or other genres (advertisement, documentary, video-clip). The processes of communication that inform the films’ production and reception are considered, and the recurrent tensions between notions of the local and the global that characterize contemporary Mexican cinema are also highlighted. Moreover, this essential characteristic of contemporary Mexican cinema emphasizes its importance for understanding the factors at stake within intercultural communication. Adopting a communicational approach towards cinema, this thesis analyses images as complex objects and uses a dialogical reasoning that crosses different disciplinary boundaries. It aims to utilize productively a semiotic (more precisely semio-pragmatic) approach and a historical, anthropological and cultural approach towards images
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Rauzier, Valérie. "Diamanda Galás et Kathy Acker : contre-pouvoir à corps et à cris." Thesis, Montpellier 3, 2016. http://www.theses.fr/2016MON30051/document.
Full textAbstract:
Ce travail propose d'observer les stratégies d'individualisation, de résistance et de subversion mises en place dans les œuvres d'artistes américaines ces 40 dernières années en me penchant tout particulièrement sur les productions de Kathy Acker et de Diamanda Galás. À travers leur pratique de la performance, de la musique, des textes et divers travaux visuels ancré dans l'expérimentation, je voudrais analyser comment elles révèlent, explorent et déconstruisent les dynamiques de pouvoirIn this paper, I wish to explore and discuss the strategies of resistance and of subversion implemented in the works of Kathy Acker and Diamanda Galás. Using the voice and the body as spaces of experimentation and emancipation, these artists, I will argue, both reveal and deconstruct the dynamics of power
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Bertrand-Savard, Sarah. "Alessandro Baricco littérature, musique, peinture, cinéma, etc." Mémoire, Université de Sherbrooke, 2011. http://hdl.handle.net/11143/5657.
Full textAbstract:
Dans l'oeuvre contemporaine d'Alessandro Baricco, des références de toutes sortes attirent l'attention de ceux et celles qui s'intéressent aux récits et romans de l'écrivain italien. De cette esthétique néo-baroque, c'est la rencontre avec d'autres formes d'art qui nous a ici interpelée. Autant sur le plan formel que thématique, les références à la musique, à la peinture et au cinéma, entre autres, offrent de remarquables exemples d'intermédialité. Cette diversité de disciplines convoquées dans le texte de Châteaux de la colère (1995), Soie (1997), Océan mer (1998), City (2001) et Novecento : pianiste (1997), constitue l'originalité forte de l'oeuvre de Baricco. Ces formes artistiques produisent une ambiance qui plonge le lecteur dans le domaine de l'art et accorde à l'auteur la possibilité de déployer avec une grande maîtrise de moyens et d'effets son style unique. Les renvois intermédiatiques relevant principalement des personnages soutiennent les propos de Baricco au sujet de l'art : ils permettent d'établir l'importance qu'accorde ce dernier au métalangage artistique et à la création sous toutes ses formes. Par là, il devient possible de mieux comprendre sa propre oeuvre littéraire qui valorise, au détriment de la prétention réaliste, une fantaisie ludique qui relève du spectaculaire. Le premier chapitre présente les procédés formels au service de la musicalité dans l'écriture de Baricco et les personnages de musiciens - ou en lien avec la musique - qui évoquent cette forme artistique privilégiée. Dans le deuxième chapitre, il est question des moyens techniques qui permettent aux textes de Baricco de rappeler l'art pictural ainsi que des personnages qui, par le truchement de la peinture, tiennent un discours sur la création artistique. Dans le troisième et dernier chapitre, nous nous intéressons à la structure romanesque qui, par diverses stratégies formelles, imite le scénario. Les personnages qui renvoient à l'art dramatique sont aussi abordés, de façon à tenir compte de la vision artistique qu'ils mettent en place. Enfin, la conclusion nous permet, à la lumière des informations recueillies, de relever les effets entrainés i.e. [entraînés] par ces jeux intermédiatiques. Celle-ci est aussi pour nous l'occasion de dégager, en son caractère unitaire, la vision artistique à l'oeuvre chez Baricco.
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Keller, Damien. "Dialogues entre l’art et la vie : interactions, circulations, débordements : l'oeuvre cinématographique et télévisuelle de Jacques Rozier." Thesis, Rennes 2, 2015. http://www.theses.fr/2015REN20003.
Full textAbstract:
Cette thèse propose d’étudier l’oeuvre tant cinématographique que télévisuelle d’un cinéaste singulier, Jacques Rozier, au regard des différents dialogues qu’elle engage entre l’art et la vie afin de questionner ce couple conceptuel. Auteur d’une oeuvre prolifique et figure emblématique de la Nouvelle vague avec Adieu Philippine (1963), Rozier constitue un modèle de cinéaste atypique tant par ses méthodes de création par la forme que prend son parcours du milieu des années 1950 à aujourd’hui. Son rapport à l’écriture cinématographique se caractérise notamment par une conception de la création comme aventure justifiant l’invention de conditions de tournage susceptibles de faire advenir l’imprévisible. Ces méthodes engagent ainsi un type de relation au réel, à la technique, aux acteurs, au tournage, soit plus généralement à la mise en scène, qu’il s’agira de qualifier. Naviguant au gré du vent, il ne cesse d’effectuer des va-etvient entre long et court métrage, fiction et documentaire, cinéma et télévision, culture savante et culture populaire. En s’intéressant à l’ensemble de ces objets autant du point de vue de l’étude esthétique que de l’analyse génétique en passant par la compréhension des modalités de fabrication ou de réception par le spectateur, il s’agit de définir une stylistique et d’interroger le fonctionnement des différents mécanismes d’interactions, de circulations et de débordements en jeu dans ce travailThis doctoral dissertation aims to investigate the cinematographic as well as televisual work of a singular filmmaker, Jacques Rozier, in the light of the different dialogues it engages between art and life in order to interrogate this conceptual couple. Author of a prolific work and emblematic figure of the French New wave with Adieu Philippine (1963), Rozier represents an atypical template of filmmaker, both because of the ways he used to create and of the shape taken by its career from the mid-1950s until today. His relationship with cinematographic writing is notably characterised by the conception of creation as an adventure, justifying the invention of a shooting environment allowing the unpredictable to happen. Such methods thus engage a kind of association with reality, with technique, with performers, with shooting, infact more generally with mise-en-scène, which is going to be characterised here. Sailing with the wind, he is continually going back and forth between long and short films, between fiction and documentary, between cinema and television, between intellectual and popular culture. By focusing on all these items in terms of aesthetic study as well as genetic analysis, and through an understanding of the terms of creation or reception by the viewer, it is about defining stylistics and interrogating the operations of the different mechanisms of interactions, of motions and of overflows involved in this work
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Martel, Alexandre. "Intermédialité et déconstruction de la fiction chez Alain Robbe-Gillet : analyse comparative de "La maison de rendez-vous" et de "L'homme qui ment"." Master's thesis, Université Laval, 2016. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26823.
Full textAbstract:
Alain Robbe-Grillet, d’abord connu en tant que romancier, a dès le début des années 1960 partagé son temps entre le cinéma et la littérature. Après avoir fourni le scénario de L’année dernière à Marienbad, il est passé derrière la caméra et a réalisé une dizaine de films qui, tant par leur forme que leur propos, poursuivent les recherches esthétiques entreprises dans sa pratique littéraire. Plus encore, il nous semble que le début de cette aventure cinématographique marque un tournant dans son œuvre. Alors que le point de vue qui portait les premiers romans — point de vue que les critiques ont rapproché de celui d’une caméra —, marquait déjà la dimension intermédiale de son œuvre, il apparaît que son passage dans la chaise du réalisateur a été le germe d’une radicalisation de sa pratique. Ainsi, les romans et les films qui ont suivi possèdent une portée intermédiale beaucoup plus large. De fait, c’est l’ensemble de la narration qui s’y trouve remise en question par la mise en évidence des spécificités de chacun des médias et par la transposition de procédés propres à la littérature dans le film, et vice versa. C’est par une étude comparative de La maison de rendez-vous (1965) et de L’homme qui ment (1968) que nous montrons en quoi consiste la relation intermédiale que Robbe-Grillet établit entre les disciplines, en plus de mettre en évidence les mécaniques qui, ancrées dans la matérialité des médias, fondent le roman et le film.
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Perovic, Sofija. "Déplacements spatio-temporels dans le spectacle lyrique contemporain." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2021. http://www.theses.fr/2021PA080076.
Full textAbstract:
Cette thèse porte sur les déplacements spatio-temporels dans le spectacle lyrique contemporain dans toutes leurs formes et expressions et cherche à offrir un panorama d’œuvres lyriques (et leurs interprétations scéniques) exemplaires à travers le prisme des déplacements. La scène lyrique aujourd’hui est une scène en mouvement, elle est globalisée, internationale, interculturelle et intergénérationnelle. Compte tenu de cette richesse et diversité, plusieurs méthodologies différentes ont été appliquées et croisées afin d’interroger la nature du lien entre les fictions opératiques du déplacement et leurs réalités matérielles. Les déplacements réalisés par un moyen de transport ou simplement en esprit sont parfois présents déjà dans les livrets des œuvres lyriques, mais ils peuvent aussi être imaginés par les metteurs en scène. La deuxième partie de la thèse porte sur les nouveaux et différents contextes vers lesquels les actions des spectacles lyriques peuvent être déplacées et est concentrée sur les transpositions imaginées par les metteurs en scène dans les œuvres qui ne font aucune référence au voyage, ni aux déplacements, dans leurs livrets.La troisième partie aborde la relation complexe entre l’opéra et les médias et montre que les déplacements dans le spectacle lyrique contemporain ne sont pas réservés uniquement à ce qu’on peut voir sur les scènes.Vu le caractère éphémère du spectacle vivant, cette thèse ne prétend pas à l’exhaustivité car la tâche de regrouper et créer une sorte d’archives des spectacles lyriques contemporains ayant pour le sujet le déplacement ou étant l’objet de divers déplacements serait un travail impossibleThis thesis focuses on space and time displacements in contemporary opera productions in all its forms and expressions and seeks to offer a panorama of exemplary lyrical works (and their stage interpretations) through the prism of displacement. The opera scene today is a scene in movement, it is globalized, international, intercultural and intergenerational. Given this richness and diversity, several different methodologies were applied and crossed in order to question the nature of the link between the operatic fictions of displacement and their material realities. Displacement by means of transport or simply in spirit is sometimes already present in the libretti of operatic works, but it can also be imagined by the stage directors. The second part of the thesis deals with the new and different contexts to which the actions of opera performances can be moved and focuses on the transpositions imagined by directors in works that make no reference to travel, or to displacement, in their libretti.The third part addresses the complex relationship between opera and the media and shows that displacement in contemporary opera is not restricted to what can be seen on stage.Given the ephemeral nature of live performance, this thesis does not claim to be exhaustive, as the task of gathering and creating a kind of archive of contemporary operatic performances that have travel as their subject or are the object of various displacements would be an impossible task
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El, Sonbati Karim Alexandre. "Le chamanisme : une traduction socioanthropologique à travers l'art." Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2011. http://hdl.handle.net/10393/20318.
Full textAbstract:
Comment traduire le chamanisme en termes socioanthropologiques? Pour répondre à cette question cette étude du chamanisme s'articule autour de trois niveaux d'analyse. Une compréhension des dynamiques, sociohistoriques et ontologiques, ainsi qu'une focalisation sur les facultés de médiation de l'art et de la science, entourant et animant des pratiques chamaniques; offrent un tremplin réflexif engendrant des parallèles entre des collectifs issus des deux hémisphères. Une sociologie phénoménologique, combinée à un empirisme post-positiviste, esquissent des trames théoriques et méthodologiques, s'appuyant sur une réflexivité expériencielle et institutionnelle. Elles se résument en une tentative d'attiser la réflexivité des savoirs. Cette mise en forme de l'agencéité, immanente aux science sociales, veut inviter aux possibilités d'assouplissement de contours conceptuels; induites par le travail intellectuel. L'art, aussi bien visuel que sonore, se trouve employé à la fois comme support empirique, et comme toile heuristique; dévoilant des modes de compréhension transcendant les marges de la physicalité cartésienne. Cette traduction tisse donc une matrice épistémologique, aiguisant des optiques inédites, pour cerner ce qui semblerait se profiler hors des marges de la scientificité communément entendue. Les sphères étudiés affichent des similarités, par moments ontologiques et, par d'autres, d'ordre historiques enrichissantes du point de vue sociologique. Aussi, cette thèse explore, et devient en soi, une tentative d'application d'un potentiel, à la fois structurant et transformateur, qui semble octroyé à certains acteurs sociaux que sont les artistes et les chamanes et les intellectuels.
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Blais, Amélie. "Préludes, nouvelles. Suivi de Entendre pour mieux lire : Étude des relations musique texte dans L'art de la fugue de Guillaume Corbeil, essai." Mémoire, Université de Sherbrooke, 2012. http://hdl.handle.net/11143/6494.
Full textAbstract:
Le présent mémoire consiste en une étude des possibilités qu'offr l'intermédialité dans la nouvelle littéraire, plus précisément l'apport de la musique dans le texte nouvellier. Il se divise en deux volets, soit un recueil de nouvelles, intitulé Préludes, et un essai, Entendre pour mieux lire. Étude des relations musique / texte dans le recueil de nouvelles L'art de la fugue de Guillaume Corbeil. Dans un premier temps, le recueil de nouvelles Préludes explore les possibilités offertes par la musique tant sur le plan thématique que sur les formes que peut prendre le texte narratif bref. En tout, neuf nouvelles sont coiffées d'un intertitre musical indiquant une contrainte à respecter, tout comme le musicien doit tenir compte des indications de tempo ou de nuances inscrites à même sa partition. Préludes met en scène des personnages en équilibre entre l'immobilité et le prochain pas à franchir, telle une métaphore du musicien qui cherche à entendre la mélodie dès que la dernière ligne de sa partition est lue et avant même quelle ne soit jouée. Dans un deuxième temps, l'essai vise à relever les traits propres à la forme musicale de la fugue dans deux nouvelles tirées du recueil de Guillaume Corbeil, L'art de la fugue. Par le biais d'une méthode alliant outils musicaux et littéraires, je cherche à cerner les caractéristiques propres au genre nouvellier, lesquelles seraient susceptibles de favoriser l'intermédialité musique / texte. Tout en tenant compte des limites de chaque art, le traitement des motifs, la superpositon de voix et la structure des nouvelles sont ici analysés. Enfin, un bref retour sur les défis d'écriture que j'ai dû relever est effectué.
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Delage, de Luget Marion. "Du monstre dans l’œuvre intermédiale de David Lynch : ou comment les arts peuvent déborder le cadre formel de l’identité." Paris 8, 2012. http://www.theses.fr/2012PA083543.
Full textAbstract:
L’Œuvre de Lynch, intermédiale, déconstruit les canons. Elle dit ce monstre dont l’organisation formelle ne respecte pas l’économie symbolique : celui qui s’émancipe du mythe de l’archétype, sur lequel reposent les constructions identitaires. Quels mécanismes produisent le genre, l’archétype (Aristote), et conséquemment l’exception ? Quels appareils sont élaborés pour générer ces représentations itératives (J. -L. Déotte) ? Un modèle édicte toujours corrections et disqualifications (Derrida) ; en contre, Lynch propose une utilisation irrévérente des notions d’anomalie, de défaut. Des partitions arbitraires distinguent le tabou du sacré (M. Douglas). Interrogeons ces limites, qui attestent d’une totalité en en garantissant l’homogénéité : le cadre – structure prédicative –, pour dénoncer son caractère fabriqué. Critiquons la complétude que suppose le Beau : Lynch y oppose une dislocation des corps, générant cet ensemble, non plus unité insécable et exclusive, mais réseau d’enchaînements. Et envisageons des stratégies déjouant la reproduction du même. Contre l’invariant de la summetria, la négentropie (R. Caillois). Contre ces hiérarchies distinguant bonnes et mauvaises formes, les solutions critiques du bas matérialisme (G. Bataille), de la performativité (J. Butler), de l’informe (Y. -A. Bois, R. Krauss). Lynch moque ce standard qui conduit à la perte de toute identité, insistant : viabilité et reproductibilité ne sont pas indissociablement couplées. Ceci pour une définition du monstre en art, fécond, métastable, en progrès (Lyotard) : une opération proposant une re-signification des normes établies – la bonne forme de l’individu, de l’œuvre, et l’idéal des pratiquesThe intermedial Work of Lynch deconstructs canons: it says this monster, formal organization which does not respect the symbolic economy, the one who becomes emancipated of this myth of the archetype, on which identical constructions are based. Which mechanisms produce the genre, the archetype (Aristotle), and consistently the exception? Which devices are elaborated to generate these iterative representations (J. -L. Déotte)? A model always promulgates corrections and disqualifications ( Derrida); against it, Lynch proposes an irreverent use of the notions of anomaly and defect. Arbitrary partitions distinguish the taboo and the sacred (M. Douglas). Let us question these limits which attest to a totality by protecting its homogeneity: the frame, predicative structure, to denounce its artificiality. Let us criticize the comprehensiveness that Beauty supposes: Lynch put dislocation of bodies forward against it, generating this set, not an indivisible and exclusive unity, but network of linkings. And let us envisage strategies thwarting the reproduction of the same. Against the invariant of the summetria, the négentropie (R. Caillois). Against these hierarchies distinguishing good and bad forms, the critical solutions of bas matérialisme (G. Bataille), performativity (J. Butler), informe (Y. -A. Bois, R. Krauss). Lynch parodies this standard which leads to the loss of identity, insisting: viability and reproducibility are not indossociably coupled. This for a definition of the monster in art, fertile, métastable, in progress ( Lyotard): an operation proposing a re-meaning of the established standards - the good shape of the individual, of the work, and the ideal of the practices
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Argod, Pascale. "Le carnet de voyage : approches historique et sémiologique." Bordeaux 3, 2009. https://hal.science/tel-04218581v1.
Full textAbstract:
Essai de définition du genre hybride du « carnet de voyage » à la croisée du documentaire et du livre d’artiste à partir d’un panorama de l’édition actuelle (800 titres en corpus) et d’une recherche sémiologique et historique des emprunts et des interactions en arts et en sciences humaines à l’origine du mélange des genres. Objet culturel des paralittératures et des « Cultural Studies » au croisement des arts graphiques et de l’anthropologie, l’histoire de l’art pictural permet de mieux le circonscrire en tant que genre mineur artistique, éditorial et médiatique lié à l’essor de l’aquarelle et du voyage de formation puis à l’engouement pour le tourisme, l’illustration exotique et la bande dessinée reportage et récemment à l’intérêt pour le blog et le reportage audio-visuel. Le reportage graphique ou dessiné sur le vif, entre point de vue ethnographique et regard exotique, entre objectif et subjectif, entre documentaire et œuvre d’art, relève d’un mélange des genres, du collage des images, du métissage des arts plastiques et de la rencontre de deux cultures, champs d’étude de la sémiologie. La recherche d’une typologie du genre éditorial révèle des limites et des caractéristiques génériques floues puisqu’il est issu d’une hybridation, d’une circulation artistique (artialité) et médiatique (intermédialité), propices à des développements communicatifs et éducatifs autour des notions d’interculturel, de médiation culturelle de l’altérité et de vision de l’ailleurs à travers une géopoétique. Les arts visuels et plastiques sont, à travers cet outil pédagogique, au service de l’enseignement et de l’expression personnelle créative pour éduquer à l’interculturel et à la citoyennetéAn attempt to define the hybrid genre “travel sketchbook” between a documentary and a artist book from an overview of the current edition (800 titles in the corpus) and from an semiotic and historical research influenced by the arts and humanities originated from a mixture of genres. The history of painting, as literacy works and cultural studies central to graphic arts and anthropology can best be articulated as a minor artistic genre in the media and editorial and media sectors related to the development of watercolour and educational travel experiences, increasing enthusiasm for tourism and exotic illustrations and covering comic strips most recently an interest in blogging and audio-visual documentaries. The graphic reports, or life drawings, lie between an ethnographic perspective and an exotic look, between an objective and a subjective view, between a documentary and a work of art. This is a mixture of genres, collage crossing of fine arts, mixed-media and the meeting of two cultures studied by the semiotics. The search for a typology that has been published reveals the limitations and generic features as indefinite; it is the subject of hybridisation, artistic movement and media influence. This is conductive to communicative and educational development, around the concepts of intercultural mediation and vision of others across geopoetics. Through this educational tool, visual and plastic arts serve education and personal creative expression to promote education to intercultural and citizenship
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Vion, Magali. "Nouvelles écritures du réel : les romans de la "generación X" en Espagne." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017GREAL027/document.
Full textAbstract:
Le roman espagnol contemporain a vu l’émergence dans les années 1990 d’un ensemble de romans publiés par une cohorte de jeunes auteurs regroupés par les critiques sous le nom de «Generación X», appellation sans doute problématique dont nous tenterons néanmoins de délimiter les contours. Nés dans les années 1960, ces auteurs mettent en scène une jeunesse désenchantée dans l'ère des mass media et empreinte de culture rock et punk, à laquelle les critiques les ont souvent assimilés, évoluant dans un cadre résolument urbain (généralement Madrid), qu’ils connaissent pour en avoir souvent été acteurs avant de le mettre en scène. Représentants d’une culture éclectique et contemporaine, la ville et l’univers « underground » et marginal que les romans représentent sont profondément marqués par l’omniprésence de l’image et de la musique, et par le rythme accéléré de la vie moderne. Cela se manifeste dans les modalités d’une écriture novatrice et hétérarchique qui repose sur un mécanisme référentiel imposant et où s’entremêlent différents codes sémiotiques et où le langage de la rue est reproduit de façon mimétique. Ces aspects sont ceux qui permettent d'affirmer la convergence de ces auteurs dans un ensemble de textes qui davantage que le critère biologique permet de les rassembler et de dire que ces romans constituent un jalon dans le mouvement généralisé de retour au réel. Notre thèse consistera à étudier ces aspects, la représentation de la société qui se dégage des romans à travers le traitement et le dépassement des instances classiques du réalisme, et notamment la façon dont les différentes visions et représentations de la ville s’opposent et se superposent pour participer à l’élaboration du portrait d’un secteur dérangeant de la société espagnole de la fin du XXème siècle, qui justifie l’emploi du terme de "realismo sucio" pour qualifier l’esthétique de ces romans. Nous proposerons une approche d’une pluralité de textes représentatifs publiés entre 1990 et 1999 par Francisco Casavella,Lucía Etxebarria, Ismael Grasa,José Angel Mañas, Ray Loriga, Benjamin Prado, Pedro Maestre ou encore Roger WolfeContemporary Spanish novel saw the emergence in the 1990's of an ensemble of novels published by a group of young authors gathered together by critics under the name of " Génération X ", doubtless problematic naming of which limits we shall nevertheless try to define. Born in the 1960s, these authors represent a disillusioned youth in mass media's era,a youth suffused with rock and punk culture to which the critics often likened them, evolving in a decisively urban space (generally Madrid), that they know for being themselves actors of this scenery before staging it. Representatives of an eclectic and contemporary culture, the city and the " underground " and marginal universe which they represent are profoundly marked by the omnipresence of image and music, and by the accelerated rhythm of modern life. It shows in the modalities of an innovative writing based on an imposing mechanism of references, where various semiotic codes are mixed and where language of the street is mimetically reproduced. These aspects are what authorize us to mantain that more than the authors it is an ensemble of novels that converge and constitute a stage in a generelized realistic turn. Our thesis will consist in studying what kind of overview of spanish society emerges from the way this litterature processes the construction of characters, time and space, and how various visions and representations of the city get confronted and overlap to participate in the elaboration of the portrait of a disturbing sector of the end of the XXth century Spanish society, which justifies the use of the term of " realismo sucio " to qualify the esthetics of these authors. We shall propose an approach of representatives published between 1990 and 1999 by Francisco Casavellas, Lucía Etxebarria, Ismael Grasa, José Angel Mañas, Ray Loriga, Benjamin Prado, Pedro Maestre and Roger Wolfe
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Letessier, Anne-Sophie. "Paysage(s) : l'écriture et l'image dans l'oeuvre romanesque de Jane Urquhart." Thesis, Montpellier 3, 2016. http://www.theses.fr/2016MON30064.
Full textAbstract:
Cette étude se propose d’analyser les relations entre le paysage, l’écriture et l’image dans les romans de Jane Urquhart afin de rendre compte des enjeux politiques et esthétiques des interrogations qui sous-tendent l’écriture paysagère dans son œuvre. En mettant en scène différentes manières de voir, de regarder et d’appréhender l’environnement, la romancière fait perdre son caractère d’évidence au paysage, défini comme une vue que le regard du spectateur embrasse. En effet, chez Urquhart, il n’y a pas du paysage, mais des paysages, le texte travaillant les cadres intertextuels et interpicturaux pour faire jouer les écarts entre les différentes formes que peut prendre le paysage. Il ne convoque pas l’image pour dire le paysage, mais pour mettre en lumière les limites de sa définition visuelle et esthétique. Ceci nous invite donc à repenser le lien entre visibilité et paysage. Refuser de dire le paysage par le biais de l’effet-tableau et de l’ekphrasis paysagère pour mieux le dissocier de sa définition picturale permet à Urquhart de réfléchir au rapport analogique entre le faire de l’image et l’épreuve paysagère. L’effacement du visible, par lequel le texte cherche à détacher le paysage et l’image de leur définition aspectuelle, est ainsi une problématique d’écriture. Si, dans tous les romans d’Urquhart, la langue s’affronte à un espace, ce qu’elle cherche à en dire et à mettre en œuvre varie. On peut rendre compte de cet infléchissement en faisant jouer l’ambivalence de l’expression « l’épreuve de l’écriture », expression dans laquelle l’écriture est à la fois matière et sujetThis dissertation proposes to analyze the relations between landscape, images and text in the novels by Jane Urquhart in order to shed light on the political and aesthetic interrogations underlying her landscape writing. As Urquhart dramatizes different ways of seeing, representing and experiencing landscape, the very term no longer appears self-evident, which may prompt the reader to prefer the plural form: landscapes. Indeed, the interplay between the intertextual and interpictorial frames the novelist draws upon and displaces becomes a field of investigation. She does not conjure up the pictorial image to better describe landscape, but rather to probe the limits of its visual and aesthetic definition as “a view or prospect of natural scenery.” By doing so, she reconsiders the relation between visibility and landscape. Refusing to write about the latter through “painting-effects” or ekphrasis, she reflects upon the analogy between the efficacy of images and landscape as an event in the course of which the beholder is affected by his/her surroundings. The erasure of the visible provides her with a device to dissociate both the pictorial images and landscape from aspectual apprehension. While in each of her novels language is confronted with the challenge of representing space, one may read them as a series of reconfigurations which can be accounted for by considering what the text does in relation to landscape
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Obieje, Oluchi Patricia. "Littérature et musique : esthétique et éthique du sujet "afro-descendant " dans quelques œuvres poétiques ou romanesques de Sterling Brown, Langston Hughes, Toni Morrison, Henri Lopes, Leonora Miano." Electronic Thesis or Diss., Strasbourg, 2024. http://www.theses.fr/2024STRAC014.
Full textAbstract:
Les rapports entre littérature et musique et l’entremêlement des genres artistiques renvoient à une notion de mélange artistique impliquant une modalité littéraire et culturelle. Le maintien de différents genres artistiques dans la littérature évoque la production d’une intermédialité. L’implication inter-médiale dans ce contexte génère une variété littéraire et une diversité culturelle indiquant l’esthétique de l’hétérogénéité, de la réitération et de la mélodie dans la littérature. L’unification de ces deux arts distincts - la littérature et la musique - est reconnu comme une construction « musico-littéraire ». Le concept de création « musico-littéraire » pose en effet la question de l’intermédialité en littérature, de sa construction, de sa quête et du déchiffrement de son usage symbolique. Cette étude vise donc à étudier l’esthétique des effets musicaux en littérature et les usages symboliques de valeurs culturelles et musicales d’origine afro-descendante dans quelques œuvres poétiques et romanesques de Sterling Brown, de Langston Hughes, de Toni Morrison, d’Henry Lopes et de Léonora Miano. L’analyse « musico-littéraire » de ces textes révèlent une esthétique littéraire et culturelle ; concernant le mélange d’héritage musical et culturel afro-descendant et d’empreinte culturelle occidentale. Nous menons une étude thématique et comparée des œuvres du corpus pour identifier le rôle esthétique et l’éthique du mélange des genres littéraires et musicaux pour interroger les enjeux de l’intermédialité en littératureThe relationship between literature and music and the intermingling of artistic genres refer to a notion of artistic mixture involving a literary and cultural modality. The maintenance of different artistic genres in literature evokes the production of intermediality. The intermedial involvement in this context generates a literary variety and a cultural diversity indicating the aesthetics of heterogeneity, reiteration and melody in literature. The unification of these two distinct arts - literature and music - is recognized as a “musico-literary” construction. The concept of “musico-literary” creation indeed poses the question of intermediality in literature: its construction, its quest and the deciphering of its symbolic use. This study therefore aims to study the aesthetics of musical effects in literature and the symbolic uses of cultural and musical values of Afro-descendant origin in some poetic and novelistic works by Sterling Brown, Langston Hughes, Toni Morrison, Henry Lopes and Léonora Miano. The “musico-literary” analysis of these texts reveals a literary and cultural aesthetic concerning the mixture of Afro-descendant musical and cultural heritage and Western cultural imprint. We conduct a thematic and comparative study of the works in the corpus to identify the aesthetic role and ethics of the mixture of literary and musical genres to question the issues of intermediality in literature
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Cassigneul, Adèle. "Voir, observer, penser : Virginia Woolf et la photo-cinématographie." Thesis, Toulouse 2, 2014. http://www.theses.fr/2014TOU20048.
Full textAbstract:
Partant de l'influence de la photographie victorienne de Julia Margaret Cameron, de la photographie et du cinéma d'avant-garde des années 1920 et de la production photographique de Virginia Woolf elle-même (albums de Monk's House), cette étude pose l'hypothèse que l'écriture de Virginia Woolf s'en inspire pour devenir à la fois photographique et cinématographique, photo-cinématographique. Explorant le texte comme dispositif complexe, nous analysons la plasticité de sa prose à travers motifs et stratégies de représentation afin de voir dans quelle mesure photographie et cinéma réforment et reforment le texte woolfien, dans ses modalités formelles et esthétiques, ainsi que dans sa portée éthique et politique. Après avoir replacé l'œuvre dans son contexte moderniste et souligné l'importance du rôle joué par la Hogarth Press, qui permet à l'écrivaine d'intégrer des images en texte, nous mettons en évidence le cinématisme de ses œuvres à travers l'exploration photo-filmique de la ville moderne et la structuration en montage du flux de conscience. Nous considérons ensuite le battement anachronique des fluctuations temporelles qui structurent l'œuvre dans ses phénomènes mémoriels de hantise et de survivance, l'image faisant retour en texte dans une durée contractée (instantané) ou dilatée (défilé d'images), à la fois personnelle et intime, collective et historique. Nous envisageons enfin le texte comme un espace de négociation subversif où l'image permet à l'auteure de prendre position "poéthiquement", alors que sont mis en scène des personnages atypiques à l'identité inassignableThis study contends that Virginia Woolf's writing draws its inspiration from Julia Margaret Cameron's Victorian photographs, the 1920s avant-garde photography and cinema, and Woolf's own Monk's House Albums, making her work at once photographic and cinematographic, or photo-cinematographic. Exploring the Woolfian text as a complex representation device, I examine the plasticity of its prose and narrative strategies to show how photography and cinema help to shape its aesthetic, but also ethical and political contents. This thesis first places Woolf's works in their modernist context and underlines the part played by the Hogarth Press, enabling Woolf to include images in her texts. I then shed light on the kinematic aspect of her work by analysing the photo-filmic exploration of the London scene and the montage of stream of consciousness. The third part probes into the anachronic rhythm of fluctuating time, emphasising the haunting aspects of memory through surviving images that condense their temporality in the instant (snapshot) or unroll it (streaming images) ; thus time achieves a personal and intimate, but also collective and historical dimension. Finally, I look at the Woolfian text as a subversive place of negotiation inhabited by eccentric characters with elusive identities and in which images help the author to make a "poethical" stand
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Lebita, Galbert Davez. "Forme et sens dans la tétralogie de Wajdi Mouawad : lecture du thème de la transmission de la mémoire." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA025/document.
Full textAbstract:
Cette thèse effectue une analyse théorique et esthétique du thème de la transmission de la mémoire dans la tétralogie de Wajdi Mouawad. Cette approche nous permet d’identifier la structure des spectacles de Wajdi Mouawad et de voir en quoi cette structure participe non seulement d’une pratique théâtrale nouvelle mais également d’une figuration du thème de la transmission de la mémoire. La forme traditionnelle du drame connaît à la fin du XIXe siècle une crise profonde due notamment à l’introduction en son sein d’éléments propres à la forme épique. Aujourd’hui, on assiste dans les spectacles de Wajdi Mouawad à un éclatement de la forme, à des références à l’art, au mythe et à l’histoire liés à la problématique de la mémoire. Le théâtre de Wajdi Mouawad fait coexister plusieurs temporalités, mêle l’intime et l’universel dans des récits épiques d’une grande puissance narrative racontant la vision du monde contemporain de l’auteur. L'imbrication des récits dans l'œuvre dramatique de Wajdi Mouawad amène à découvrir une vérité factuelle sur soi et les autres. Mais cette vérité factuelle ne semble pas véritablement apaiser la soif de sens des personnages. Même la quête de beauté, c'est-à-dire la création esthétique, est en relation avec d'autres questionnements d'ordre éthiqueThis thesis does a theorical anylsis and esthetical of the theme of the transmission of the memory in the Wajdi Mouawad’s tetralogy. This approach allows to identify the structure of Wajdi Mouawad’ spectacles and to see in what this structrure participates not only a new theatral pratic but also the theme figuration transmission of the memory. At the end of XIXth century, the traditional form of drama has undergone deep changes due especially to the introduction within it elements specific to the epic form. Today, we assist in Wadji Mouawad’ spectacles to the bursting of the form, to the references to art, myth and history related to the memory matter. Wadji Mouawad’s theatre several temporalities make coexist, combines the intimate and the universal in epic tales of powerful narrative telling the wiew of the contemporary of the author. The imbrication of tales in Wadji Mouawad’s dramatical work drives to find a factual thruth about oneself and others. But this factual truth doesn’t really seem to appease the characters’ thirst. Even the research of beauty, means the artistical creation, is related on others questionnings of ethic order
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Gaudeaux, Ariane. "Petites lucarnes sur grands écrans. Poétique historique de la télévision au cinéma.États-Unis, 1954-2002." Thesis, Paris Est, 2014. http://www.theses.fr/2014PEST0030.
Full textAbstract:
De même qu’un acteur, lors de chacune de ses apparitions, colore la pellicule cinématographique de toute son histoire, la présence d’une télévision à l’écran d’un film de fiction cinématographique est la source d’une infinité de significations historiques, esthétiques, sociologiques et politiques. De Rear Window (Fenêtre sur cour, Alfred Hitchcock, 1954) à Far From Heaven (Loin du paradis, Todd Haynes, 2002), cette thèse observe la façon dont les cinéastes américains critiquent les effets de la télévision sur le spectateur et sur la société, en adoptant une approche poéticienne, sociologique et historienne. Existe-t-il, comme Marshall McLuhan semble le penser, une essence des médias, et par conséquent, une essence de la télévision ? Si cette dernière en a une, est-elle négative ? La télévision apparaît-elle comme un « médium froid » (McLuhan) aux yeux des cinéastes américains ? Les cinéastes utilisent-ils la télévision comme point de comparaison pour affirmer le caractère artistique du cinéma ? Les films de nombreux cinéastes sont analysés (parmi lesquels Douglas Sirk, Billy Wilder, John Carpenter, Richard Fleischer, Sidney Lumet et David Cronenberg) pour permettre une réflexion sur ces questions. En filmant la télévision, les cinéastes créent un phénomène d’hypermediacy (Jay David Bolter et Richard Grusin), où s’affrontent réflexivité et fascination pour le médiumAs well as an actor brings with him his whole history each time he appears on the screen, television’s presence in a movie generates an infinite source of historical, aesthetical, sociological and political meaning. From Rear Window (Alfred Hitchcock, 1954) to Far From Heaven (Todd Haynes, 2002), this thesis observes the way american directors criticize the effects of television on the spectator and on society, adopting an approach inspired by poetics, sociology and history. Is there, as Marshall McLuhan seems to think, an essence of medias, and consequently, an essence of television ? If so, is it negative ? Does television appear as a « cool medium » (McLuhan) in the American director’s eye ? Do directors use television as a comparing point to assert the artistical quality of cinema ? Many directors’ movies are analyzed (including Douglas Sirk, Billy Wilder, John Carpenter, Richard Fleischer, Sidney Lumet and David Cronenberg) to allow a reflection on those questions. By filming television, directors create a hypermediacy phenomenon (Jay David Bolter et Richard Grusin), where reflexivity faces a fascination for the medium
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Roche-Liger, Cathy. "Poétique du pictural dans l'oeuvre de Paul Ducan." Poitiers, 2010. http://www.theses.fr/2011POIT5009.
Full textAbstract:
Paul Durcan est un poète contemporain dublinois qui recherche la transcendance à travers l'art, la religion et l'amour. Ce blasphémateur religieux exprime sa foi en l'art dont il refuse la séparation entre les différentes formes. Son oeuvre s'inscrit dans un dialogue toujours renouvelé avec les Anciens Maîtres et ses contemporains. Le pictural et ses degrés ne font pas que parcourir son oeuvre. L'essence de sa poétique est sa picturalité. Le poète a une conception très personnelle de l'ekphrasis. Il exprime les tensions au coeur même de ce genre : l'opposition entre désir de fixité et de mouvement. Il place sa relation avec les oeuvres du côté de l'histoire d'amour et de l'échange entre peintures et mots. Il entretient un rapport intime et sensuel à l'art. Cela se traduit par une dégustation du détail qu'il érotise et qu'il savoure à nouveau en l'écrivant. Explorant les limites de l'art, il dessine des cartes anthropomorphes à travers lesquelles il cherche aussi à tracer le contour de son propre visage. Son esthétique est sous le signe de la transformation. Il crée des portraits composites à la Arcimboldo et quand ces derniers mutent, le poète semble alors faire fusionner l'esthétique de la mobilité arcimboldesque et celle de la métamorphose baconienne. La poétique de Durcan est une écriture picturale du mouvement métamorphique, de la mobilité et de la superposition qui peut se faire anamorphique. Elle s'inscrit dans un rapport vivant à l'art que nous retrouvons aussi dans l'écriture anthropomorphique qu'il fait du monde et de la création. Tout comme Bacon, il cherche la trace mouvante de l'homme. Ce qu'il souhaite, c'est un enchantement de vie et non une fixité mortifèrePaul Durcan is a contemporary poet, a Dubliner who seeks transcendence through art, religion and love. He is paradoxically both blasphemous and religious. He expresses his faith through an art which he refuses to divide into different forms. His work subscribes to a continually renewed dialogue, both with the Old Masters and with contemporary artists. The pictorial in its different degrees of saturation does not merely run through his work; the particular nature of Paul Durcan’s poetry lies specifically in its visual dimension. The poet has a very personal conception of ekphrasis. He expresses the tensions present within this genre: the dynamic between stillness and movement. His relationship with the works of art is within the context of a love story, of a real exchange between painting and words. The poet has an intimate and sensual relationship with art. This is transcribed by his savouring of details which he eroticizes, enjoying them again through words. Exploring the limits of art he draws anthropomorphic maps, through which he also seeks to draw the outlines of his own face. His aesthetic is one of transformation. He creates Arcimboldo-like composite portraits. When these shift, the poet seems then to merge an Arcimboldo-like mobility with a Bacon-like metamorphosis, through words. Thus, Paul Durcan’s poetic is a pictorial writing of metamorphic movements, mobility, and superimpositions which can become anamorphic. It is part of a lively relation to art which is also conveyed by his anthropomorphic writing of the world and of creation. Like Bacon he seeks to capture the human trace. What he seeks to evoke is a lively enchantment and not a death-like fixedness
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Tudesque, Andrée. "Marcel Pagnol : aspects bucoliques, poétiques et classiques de son oeuvre." Thesis, Aix-Marseille, 2018. http://www.theses.fr/2018AIXM0137.
Full textAbstract:
RésuméLa notoriété de Marcel Pagnol n’est plus à attester, mais force est de reconnaître que les universitaires ne manifestent généralement pas de considération pour lui. Ce magicien des mots, ce conteur héritier de la tradition orale provençale, joue avec virtuosité de la parole, et sa création est le résultat d’interférences littéraires. Les différentes perspectives de l’œuvre de Marcel Pagnol, qui prend sa source dans sa formation classique, ont déterminé cette recherche, laquelle se concentre sur une analyse de certains de ses écrits. Ainsi vise-t-elle à une reconnaissance de son capital symbolique et de son apport à la littérature. Le classicisme qui imprègne l’éducation qu’il a reçue, a orienté l’ensemble de ses réalisations littéraires, théâtrales et cinématographiques; en conséquence, il en a déterminé sa réception, car le caractère de son œuvre, enrichie par l’héritage antique et le patrimoine culturel provençal, est d’avoir atteint l’universel. Ce travail porte sur les aspects de ses écrits qui reflètent non seulement l’éducation, mais surtout la capacité de l’auteur d’utiliser des genres différents tels que la bucolique et ses ramifications qui vont de la poésie au roman et au théâtre, puis au cinéma avec lequel il entretiendra des rapports étroits et complémentaires. Influencé par la musique et par la culture latine et provençale, Marcel Pagnol est sorti des sentiers battus de la littérature de son époque, en mettant son originalité créatrice au service de la poésie, de la prose, du théâtre et du cinémaAbstractThe notoriety of Marcel Pagnol is no longer to be attested to, but it is clear academics do not generally show any consideration for him. This magician of words, this storyteller heir to the Provencal oral tradition, plays as a virtuose with speech, and his creation is the result of literary interferences. The different perspectives of the work of Marcel Pagnol, which has its source in his classical training, have determined this research, which focuses on analysis of some of his writings. Thus, this aims at recognizing his symbolic capital and contribution to literature. The classicism that permeates the education he received has guided all his literary, theatrical and cinematographic achievements; consequently, it determined his reception because the character of his work, enriched by the ancient heritage and the Provençal cultural patrimony, is to have reached universality. This thesis focuses on aspects of his creations, which reflect not only his education, but especially the ability of the author to use different genres such as the pastoral and its ramifications, which range from poetry to novel and to theater, then to film with which he will maintain close and complementary relations. Influenced by Music, Latin and Provençal culture, Marcel Pagnol diverged from the beaten track of literature of his time, by putting his creative originality at the service of poetry, prose, theater and film
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Kolarova, Vassiléna. "Montaigne et le phénomène interartistique." Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0115.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie les œuvres de Montaigne qui constituent le corpus de la recherche - les Essais et le Journal de voyage. Nous démontrons l'existence du phénomène interartistique dans le contexte historique de la Renaissance et de son évolution à travers la pensée ancienne (Horace-Ut pictura poesis, Philostrate-ekphrasis), renaissante (Léonard de Vinci et le paragone) et moderne mais prise d'un point de vue théorique. Le phénomène interartistique exprime la relation entre les arts en un même lieu et en un même temps, lors de la perception esthétique singulière d'une œuvre d'art. L'objectif de la recherche est d'étudier l'œuvre de Montaigne comme une œuvre d’art en premier lieu. Nous analysons les variétés du phénomène interartistique dans toutes les manifestations qui existent chez Montaigne étant donné le lexique artistique dont il se sert pour qualifier son œuvre. Nous découvrons la ligne évolutive pour l'élaboration de la conception interartistique de son œuvre, dues au rapprochement qu'il fait entre la nature et l'art surtout lors de son voyage en ItalieThe thesis examines the works of Michel de Montaigne focusing the research on his famous "Essays" and "The Diary of Montaigne's Travels". The author of the thesis manifests the existence of the "interartistic phenomenon" in the historical context of the Renaissance and its evolution from ancient philosophy (Horace -Ut pictura poesis, Philostrate -ekphrasis) through Renaissance thought (Leonardo da Vinci's Paragone ("comparison of the arts")) to modern ideas whereas the research is done from a theoretical point of view. The "interartistic phenomenon" expresses the relation arising between arts at the time of an aesthetic perception of a work of art. The aim of the research is to study the work of Montaigne as a work of art in first place. The varieties of the "interartistic phenomenon" which exist in the work of Montaigne are analyzed in light of the artistic vocabulary he is using to qualify his work. The author of the thesis takes notice of the interartistic conception in the work of Montaigne revealed by the convergence of nature and art, particularly in the diary of Montaigne's travels
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Papantoniou, Nowak Stéphane. "Le livre. Dedans / Dehors. Autour des éditions Al Dante : la question du medium : Livre, transmédialité et intermédialité. Contemporanéité et avant-garde. Questions de création littéraire et artistique. L'édition comparée." Thesis, Lyon, 2018. http://www.theses.fr/2018LYSEN002.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d’étudier des pratiques poétiques dans et hors du livre à partir de parcours de poètes « passés » par les éditions Al Dante. Il s’agissait de questionner en particulier la notion de « performance », souvent réduite à une dimension scénique. Ou encore l’idée d’avant-garde, trop souvent limitée à une histoire politique close. L’idée d’avant-garde n’apparaît plus comme principe de structuration du groupe, mais comme spectralité agissante, conduisant à mêler des enjeux politiques — critique des institutions, critique de la langue dominante, contestations des places assignées par la culture — avec des enjeux esthétiques. Il est donc question de traduction poétique comme actualisation de la situation politique, et de transmédiation.L’approche stylistique a été progressivement supplantée par une approche médiologique pour problématiser des pratiques hétérogènes. La spécificité de la maison d’édition Al Dante nous permet de replacer le livre dans un écosystème poétique plus général, où le livre n’est plus la seule finalité, mais la médiation entre un processus de création et des manifestations publiques. Aussi peut-on lire ce moment contemporain non seulement comme l’émergence de thématiques dominantes, mais aussi comme une mise en crise de la centralité du livre et de son économie. La pratique des éditions Al Dante nous a donc amenés à défendre une « théorie du geste éditorial » qui ne se réduit pas à la mise en page d’un manuscrit, la production d’un livre et sa commercialisation, mais amène parfois à la création de livres qui ne possédaient pas d’espace éditorial. Repousser les frontières de l’édition, penser la spécificité du livre de « poésie-action » n’est pas sans paradoxes : déstructuration de la linéarité des discours, reconfiguration de l’espace de la page, adaptation spécifique des formats des livres et des polices de caractères. Ces pratiques ont pour enjeu la dimension performative du livre. En cela, on participe d’une manière renouvelée à une « performance typographique »This doctoral thesis offers to study poetic practices in and out of the book from poets’ itineraries published by the Al Dante publishing house. The thesis is questioning the performance's notion, most often reduced to its scenic's dimension, but also the avant-garde's idea, too often limited to a political history which has ended. The avant-garde notion doesn't appear anymore as the element structuring the group but as an acting spectrality, leading to mix political issues - criticism of the institutions, criticism of the dominant language, challenges the places assigned by culture - with aesthetic issues. It is therefore a question of poetic translation as actualization of the political situation, and of transmediation. The stylistic approach has been gradually supplanted by a mediological approach to problematize heterogeneous practices. The Al Dante publishing house specificities allow us to see the book in a more general poetic ecosystem, where the book is no longer the only purpose, but the mediation between a process of creation and public events. So we can read this contemporary moment not only as the emergence of dominant themes, but also as a crisis of the book’s centrality and its economy. The Al Dante publishing house practices has led us to defend a theory of “editorial gesture” that cannot be reduced to the layout of manuscript or the production of a book and its marketing, but sometimes leads to the creation of books that didn’t find an editorial space. To push the boundaries of edition, to think the specificity poetry-action’s book is raising paradoxes: the disintegration of the linearity of the speeches, the reconfiguration of the page’s space, the specific adaptation of the books forms and fonts. These practices concern the book’s performative dimension. So it participates in a renewed way to a "typographic performance"
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McKeown, Claire. ""L’implacable lumière du Nord" : l’impressionnisme littéraire chez les auteurs scandinaves et britanniques à la fin du XIXe siècle." Thesis, Mulhouse, 2018. http://www.theses.fr/2018MULH8892.
Full textAbstract:
L’impressionnisme littéraire, bien que traité dans nombre de travaux, demeure un concept vague, aux définitions multiples, et dont l’existence même est contestée par certains critiques. Afin de dépasser ces querelles, cette étude propose de l’analyser comme un moteur décisif du développement du modernisme dans le nord de l’Europe (Grande-Bretagne et Scandinavie) à la fin du XIXe siècle. Le corpus porte principalement sur des auteurs tels Henry James, Herman Bang, Stella Kleve et Thomas Hardy qui ont eux-mêmes fait des rapprochements entre impressionnisme et esthétique littéraire. A partir d’un repérage de caractéristiques stylistiques essentielles, fondée notamment sur des analyses texte-image, la thèse montre l’importance de l’impressionnisme littéraire dans l’émergence d’une nouvelle esthétique fondée sur la subjectivité et ouvrant la voie au « tournant vers l’intérieur » (le « inward turn » analysé par Erich Kahler). Elle établit un parallèle entre deux histoires littéraires : celle d’un terme ayant permis une théorisation autoréflexive du modernisme naissant, et celle de l’impression littéraire dans la fiction du nord de l’Europe, qui précède le mouvement artistique qui lui donnera son nom. Enfin, la mise en perspective des préoccupations esthétiques et des différentes formes d’engagement des auteurs aboutit à défendre l’hypothèse que l’empathie esthétique est un principe structurant du moment impressionniste, tant dans ses dimensions littéraires et artistiques que socialesLiterary impressionism is the subject of a large number of critical writings, and yet it remains a vague, catch-all notion which has even been disputed by some critics. This study postulates that despite its multiple definitions, literary impressionism is a key factor in the development of Northern European (British and Scandinavian) modernism at the end of the 19th Century. Through careful study of writers who themselves linked impressionism with literary aesthetics, including Henry James, Herman Bang, Stella Kleve and Thomas Hardy, I have identified the major characteristics of this multifaceted stylistic technique, and gone on to demonstrate their value in the development of a new literary aesthetics based on shared subjectivity, preparing the “inward turn” of modernism, as analysed by Erich Kahler. This thesis places two literary histories in parallel: that of a term which allowed for a conscious theorization of nascent modernism, and that of the literary impression in Northern European prose, which pre-dates the artistic movement which would give it a name. Finally, by taking into account the authors’ aesthetic preoccupations and varying degrees of social engagement, I suggest that aesthetic empathy plays an important role in impressionist thought, in its literary, artistic and social manifestations
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Chmurski, Mateusz. "Figures de la modernité. Théorie et pratique du texte dans les littératures d’Europe centrale (1900-1914) à travers les œuvres de Karol Irzykowski, Ladislav Klíma et Géza Csáth." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040178.
Full textAbstract:
Se donnant pour cadre chronologique la période charnière entre l’héritage du XIXe siècle etles mouvements artistiques modernes, cette thèse analyse les enjeux de l’écriture diaristiqueface à l’oeuvre de fiction de trois écrivains centre-européens : le Polonais Karol Irzykowski(1873–1944), le Tchèque Ladislav Klíma (1878–1928) et le Hongrois Géza Csáth (1883–1918). Seules leurs oeuvres des années 1900–1914 sont analysées, mais le corpus est triple :on y observe effet le croisement constant de la pratique diaristique avec l’écriture d’oeuvres defiction et les tentatives de théorisation de l’expérience moderne dans leurs essaispsychologiques, psychanalytiques ou (para)philosophiques. Le cadre commun de la réflexionreste, d’une part, l’exploration des dispositifs d’écriture au croisement du vécu et du littéraireà travers l’exploration des manuscrits ; de l’autre, la réflexion contemporaine sur laconstruction narrative de l’identité. La thèse proposée réside dans l’idée qu’à l’aune du siècledernier, une révision du partage fondamental entre genres littéraires s’est imposée comme unenécessité face à la crise de l’individu moderne. L’écriture du journal personnel en vient àdépasser son rôle de témoignage : le manuscrit révèle tous les aspects d’une existence quinous soient accessibles. Cinq chapitres consécutifs articulent le lien intrinsèque entrel’existentiel et le fictionnel dans l’ensemble de l’oeuvre de chacun des trois auteursThis thesis concerns the crucial time when the heritage of 19th century and the birth of modernartistic movements intertwine. It focuses on the relation between diaristic writing and fictionin the works of three Central-European authors: the Pole Karol Irzykowski (1873–1944), theCzech Ladislav Klíma (1878–1928) and the Hungarian Géza Csáth (1887–1919). Only theirworks from the period 1900–1914 are considered, but the corpus’ nature is threefold, since itreflects the constant interweaving of the diaristic practice in fiction, essays and psychological,psychoanalytical and (para)philosophical essays. The common frame of analysis is to befound, on one hand, in the exploration of writing deployments (dispositifs as defined byMichel Foucault) connecting the existential and literary dimensions through the examinationof the manuscripts, and on the other, in the contemporary idea of the narrative constitution ofidentity. The thesis proposed is that at the beginning of the last century the crisis of modernsubject abolished the borders between literary genres. Keeping a diary became far more than atestimonial practice: its manuscripts reveal all the accessible aspects of one’s existence. Fiveconsecutive chapters explore this intrinsic junction between the existential and the fictional inthe entire oeuvre of the three authors
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Neau, Jessy. "L'écran de l’écriture : les adaptations cinématographiques de Wojciech J. Has comme opérateurs de lecture des textes de Jean Potocki, Bolesław Prus et Bruno Schulz." Thesis, Poitiers, 2017. http://www.theses.fr/2017POIT5001/document.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une approche renouvelée de l’adaptation cinématographique de la littérature, par l’étude d’un corpus composé de plusieurs textes littéraires et de leurs adaptations cinématographiques réalisées par le même cinéaste, Wojciech Jerzy Has (1925-2000). L’originalité de notre analyse de corpus réside dans le fait de placer les films, et non les textes, comme éléments premiers et centraux dans l’organisation de notre démarche. Les textes littéraires, par le choix de cette approche target-oriented (Cattrysse 2014) qui part plutôt de la cible que de la source, deviennent ainsi les points d’arrivée plutôt que les points de départ de l’épreuve du corpus. Nous proposons un champ d’expérimentation qui fait de trois films réalisés par Wojciech Has l’impulsion d’un itinéraire d’analyses à la fois textuelles et filmiques, incluant les textes hétérogènes adaptés par ce réalisateur (ceux de Jean Potocki, Bruno Schulz et Bolesław Prus). Ce mode d’organisation crée des modes de relation inédits entre les textes et les films, mais aussi des textes entre eux, alors qu’aucune relation d’intertextualité déclarée ne motive leurs mises en rapport : le roman de Potocki, Manuscrit trouvé à Saragosse, les nouvelles de Bruno Schulz ainsi que La Poupée de Bolesław Prus appartiennent à trois siècles différents, des Lumières finissantes à l’entre-deux guerres mondiales. La logique de renversement du trajet critique traditionnel que nous mettons en œuvre, en mobilisant les ressources du cinéma à capter et projeter une expérience de lecture, révèle des analogies avec l’analyse textuelle : les notions de figure et de montage permettent de faire de l’adaptation un jeu de réécriture (Ropars 1990), ayant vocation à altérer le texte. C’est notamment par un certain nombre de figures apparentées au fantastique qu’une cohérence a posteriori est donnée au corpus textuel : les trois films de Has mettent en scène des doubles, des automates, des labyrinthes et des configurations autoréflexives qui créent de nouveaux points de contact entre les textes. Notre recherche double alors l’expérimentation de cet opérateur cinématographique de la littérature d’un opérateur fantastique, qui agit comme élément de cohésion dans le jeu différentiel entre littérature et cinémaThis dissertation proposes a renewed approach to the topic of film adaptation, by studying several literary texts together with their film adaptations directed by the same filmmaker, Wojciech Jerzy Has (1925-2000). The originality of our analysis lies in placing films, not texts, as primary and central elements in the organization of our approach. By the choice of a target-oriented approach (Cattrysse 2014), literary texts become the points of arrival rather than the starting points of this comparative analysis. Three films directed by Wojciech Has give the impulse to an itinerary of analyzes that includes various texts adapted by this director (those of Jan Potocki, Bruno Schulz and Bolesław Prus). This mode of organization creates unprecedented modes of relation between the texts and the films, but also between texts themselves, while no relation of explicit intertextuality justifies their connections: Jan Potocki’s Zaragoza Manuscript (1794-1810), Bolesław Prus’ The Doll (1890) the short stories of Bruno Schulz (1934-1937) belong to three different centuries. The reversal of the traditional critical path that we are implementing in this work, by mobilizing the resources of films to capture and project the experience of reading, reveals analogies between filmic and textual analysis. The notions of figure and montage will allow to discover how adaptations can also qualify as rewritings (réécritures) (Ropars 1990), a concept that points towards films that alter the text.It is by the unveiling of some figures related to the fantastic genre that a posterior coherence is given to the texts adapted by Has: the three films present doubles, automata, labyrinth experiences and self-reflexive configurations, creating new relationships between heterogeneous texts. Our research doubles the experimentation of this cinematographic operator of the literature with a fantastic operator, which acts as an element of cohesion in the differential game between literature and cinema
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Croteau, Stéphanie. "Le personnage vu de dos au cinéma et dans les autres arts ˸ esthétique, migrations et imaginaires d’une histoire à revers." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA033.
Full textAbstract:
Ce doctorat porte sur un motif visuel qui circule entre les arts : le personnage vu de dos. Par l’entremise de notions que j’ai approfondies ou développées – l’apparaître, l’inévidence, la dorsalité –, j’interroge comment cette posture fait naître une manière d’habiter l’image et le monde, et j’analyse ses implications dans les pratiques artistiques comme dans le champ philosophique et social. Pour mener cette enquête, je me suis inspirée d’un geste d’Aby Warburg, celui de la fabrication d’atlas d’images. La fabrication d’atlas m’a permis de faire apparaître trois modalités expressives du dos qui traversent l’histoire de l’art et du cinéma, et qui se retrouvent au sein de mes planches. J’aborde ces questions dans le premier chapitre de la thèse. Le deuxième chapitre, intitulé « Repli(s) », porte sur ma première planche d’images, consacrée aux personnages de dos qui se dérobent et s’esquivent, exprimant un retrait de la signifiance expressive. Le troisième chapitre aborde ma deuxième planche d’images, dans laquelle je cherche à faire voir une forme d’absorbement mené par le personnage de dos depuis l’âge romantique. Le quatrième et dernier chapitre, intitulé « Exclusion(s) », traite d’une violence faite au sujet. En me penchant sur la représentation des Afro-Américains dans les films de plantation états-uniens, j’explore comment une forme d’exclusion esthétique, sociale et politique s’est fabriquée par la posture de dos. Que nous disent les personnages repliés, absorbés ou exclus en regard de la frontalité qui prévaut encore aujourd’hui ? Les personnages vus de dos présentés dans ma thèse introduisent une dorsalité des représentations et de l’existenceThe research topic addressed in this paper is a visual motif circulating widely among the arts: the figure seen from behind. Through notions that I have been led to further or develop – appearance, inevidence, dorsality, I examine how this posture depicts a way of inhabiting the image and its world, and analyze its implications in artistic practices as well as in the philosophical and social field. In order to carry out this survey, I was inspired by a gesture of Aby Warburg, the creation of atlases of images. Atlas making allowed me to reveal three expressive modalities of the back running through the history of art and cinema, and which are also found within my boards. I address these questions in the first chapter of the thesis. The second chapter, titled "Repli (s)", focuses on my first picture board, devoted to figures from behind who avoid and sneak away, conveying a withdrawal of expressive meaning. The third chapter addresses my second picture board, in which I sought to depict a form of absorption led by the figure from behind since the Romantic Age.The fourth and last chapter, entitled "Exclusion (s)", examine a violence committed upon the subject. By focusing on the portrayal of African-Americans in American plantation films, I try to show how a form of aesthetic, social, and political exclusion has been created by the representation from behind. What are withdrawn, absorbed or excluded characters telling us in view of the frontality that still prevail today? The figures seen from behind, as presented in my thesis, introduce a dorsality of representations and of existence
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Heidelberger, Aurore. "De la mesure à la démesure vers le dionysiaque : une étude de l'excès dans l'oeuvre du chorégraphe et cinéaste flamand Wim Vandekeybus : sous l'angle de l'intermédialité et de l'importance grandissante de la visualité." Phd thesis, Université de Strasbourg, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00922987.
Full textAbstract:
Wim Vandekeybus est l'un des chorégraphes majeurs de la nouvelle danse belge. Nous proposons à travers cette étude d'analyser son Œuvre sous l'angle de la démesure. Nous nous sommes attachés à un corpus limité d'œuvres appartenant à son travail chorégraphique et cinématographique. La fougue chorégraphique de ses débuts transparaît-elle toujours dans ses pièces les plus récentes comme Blush ou Sonic Boom, où la place de la narration est réévaluée ? Tout d'abord, nous nous sommes focalisés sur la violence du propos chorégraphique. Une temporalité de l'urgence ordonne les actions des interprètes. Les rapports humains sont eux-aussi emprunts d'une certaine tension, notamment les rapports hommes/femmes. Puis, nous nous sommes penchés sur les obsessions du chorégraphe, à la recherche d'un corps au comportement instinctif. La mise en scène d'un corps exacerbé, poussé jusque dans ses retranchements prédomine. Outre une recherche chorégraphique, Wim Vandekeybus s'intéresse à la création d'une image scénique, obtenue par les éclairages ou l'intrusion d'un écran de projection cinématographique. Au contact du médium audiovisuel le corps se déchaine et atteint un état dionysiaque. Le corps filmé dans Blush détient la même force, la même énergie excessive, qui caractérise sa scène. Enfin, la réintroduction du verbe, par les diverses collaborations avec des auteurs contemporains, comme Peter Verhelst, P. F. Thomèse ou Jan Decorte exacerbe les passions et ne conduit point à un assagissement du corps, ni même du propos chorégraphique.
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Délicat, Marcelle. "Le pictural dans la création artistique littéraire, bédéiste et cinématographique. Une lecture intermédiatique des fictions biographies des peintres du début du XXème siècle." Thesis, Pau, 2018. http://www.theses.fr/2018PAUU1041/document.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour objectif de lire à travers les médias hôtes que sont la littérature, la bande dessinée et le cinéma, la présence d’éléments picturaux au sein de fictions biographiques. Il s’agit d’une étude comparative qui considère l’art comme lieu de reconstruction mais aussi de conservation de l’histoire en général et de l’histoire artistique en particulier. De manière générale, les interactions entre le pictural et les autres arts prennent deux orientations. La première est la reconstitution du champ pictural et de son fonctionnement. Et la seconde orientation passe par la réappropriation des techniques et des moyens de création produisant des effets picturaux au sein des autres formes artistiques. L’insertion du pictural laisse donc entrevoir une tension entre le média qui recoit et la forme insérée et le résultat se partage entre opacité et transparence; homogénéité et hétérogénéité du média hôteThe aim of this thesis is to read through the media hosts that are the literature, comics and cinema, the presence of pictorial elements in biographical fiction. Here is about a comparative study that considers art as a construction’s place but also the conservation of the history in general and artistic history in particular. In general, the interactions between the pictorial and other arts take two ways. The first way or orientation is the reconstitution of the pictorial field and it's functioning. And the second way or orientation goes through the reappropriation of techniques and means of creation producing pictorial effects with other artistic forms. The insertion of the pictorial may suggests a clear tension between the host media and the inserted form and the result is divided between opacity and transparency; homogeneity and heterogeneity of the host media
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Picard, Julie. "Compter mes jours : recherche explorant l'espace entre ma pratique artistique et ma pratique comptable." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/29477.
Full textAbstract:
Cette recherche propose d’investiguer l’espace entre ma pratique artistique et ma pratique comptable à travers une approche qui déploie des activités de recherches théoriques sur l’art, des activités de recherches théoriques en comptabilité, la réalisation d’un protocole de création en atelier, et la prestation d’une conférence. L’approche flexible, multifocale et exploratoire adoptée se situe en affinité avec Intermedia, développé par Dick Higgins. Partant de ces deux figures type d’opposition, l’art et la comptabilité, je contextualise cette opposition avec l’analyse socio-historique d’Ève Chiapello. Je présente plusieurs pratiques artistiques contemporaines et actuelles de la posture d’opposition spécifique appelée critique artiste. Ces artistes représentent une pluralité de figures d’opposition que j’explique, pour ensuite proposer d’autres figures telles la permutation, la fusion par That’s Painting et la confusion par Dick Higgins et Intermedia. Je convoque les recherches comptables aux fondements historiques de la comptabilité hors de l’implication monétaire et se situant majoritairement dans le champ interprétatif de la recherche selon Burrell et Morgan. La comptabilité moderne ayant comme point de repère Fra Luca Pacioli, j’y relie mes recherches comptables aux recherches de l’archéologue Denise Schmandt-Besserat afin de développer une réflexion sur l’objet analogique dans l’histoire du calcul comptable, et ce, jusqu’à la mise en place de la monétarisation que l’on connait aujourd’hui. Je convoque les écrits de Bernard Colasse portant sur les principes comptables. J’engage les principes de monétarisation, d’indépendance des exercices et le principe de continuité à travers une réflexion critique sur la valeur, la durée et la finitude. Ce mémoire privilégie les recherches théoriques expliquant la quête humaine de savoir combien et les fonctions de mémoire et de contrôle de la comptabilité. Je présente le protocole d’atelier intitulé Compter mes jours de même qu’une analyse dialectique qui convie ces théories comptables et des pratiques artistiques, en particulier Tehching Hsieh. J’exprime comment Compter mes jours est le récit qui rend compte et devient l’archive d’un récit, un compte rendu. Cette comptabilité domestique a été divulguée lors de La Conférence présentée le 30 mai 2017. La Conférence poursuit l’analyse d’une pratique rituelle, morale et politique, soulignant les recherches de James A. Aho, Ève Chiapello, Hans Derks, Mahmoud Ezzamel, Basil S. Yamey. L’ensemble de cette recherche exploratoire engage une réflexion singulière sur l’existence.
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Pages, Hippolyte. "Les imaginaires mythiques du métal et leurs survivances : un exemple d'intermatérialité artistique." Thesis, Toulouse 2, 2018. http://dante.univ-tlse2.fr/id/eprint/9305.
Full textAbstract:
Dans un contexte artistique où les formes plastiques se démultiplient, cette thèse propose un retour à uneapproche matérielle et concrète de ces dernières, et plus spécifiquement de la sculpture métallique telle queproposée par les artistes depuis le début du XXe siècle. L’examen de la matière métal qui substantialise cesoeuvres modernes et contemporaines se fera, tout au long de cette recherche, au travers du prisme desimaginaires qui l’habitent et la traversent. Ces imaginaires, pouvant provenir d’horizons aussi variés queles mythologies antiques gréco-romaines et scandinaves, les mythes populaires de l’époque industrielle ouencore la littérature et le cinéma de science-fiction, seront ainsi envisagés comme autant de vecteurspermettant de mettre en exergue les différentes caractéristiques et les multiples usages qui peuvent être faitaujourd’hui des métaux dans le monde de l’art. Le rapport intrinsèque qui lie les attributs physiques dumétal, l’onirisme que cette matière véhicule et la manière dont il ressurgit dans les sculptures sera d’ailleursau coeur de cette étude.L’analyse des imaginaires des matières métalliques et de leurs survivances artistiques est menée au traversd’une recherche scientifique pluridisciplinaire. Elle sera impulsée par une démarche historique surl’apparition et l’évolution de la métallurgie, des mythes que cette pratique a fait naître et des créationssculpturales associées (I). Avec l’arrivée de la révolution industrielle, ces rêveries matérielles évoluent etentrainent une métamorphose profonde de la plasticité et de la sémantique des créations artistiques en métal(II). Enfin, au sortir de l’époque postmoderne, de nombreuses songeries utopiques autant que dystopiquesapparaissent quant au rapport entre l’être humain et les métaux, et c’est sur ces interrogations ultracontemporainesque cette thèse se clôturera (III).Tout au long de la recherche, et dans l’aspiration à mettre en avant le rapport essentiel entre les matières,la question transversale de l’intermatérialité, prenant modèle sur celle de l’intermédialité, seraanalogiquement développée, questionnée et illustréeIn a context of artistic production where the diversity of plastic form is widely increasing, this thesis offersto go back to a material and practical approach of the latter, and more specifically of metal sculpturespresented by artists from the beginning of the 20th century. The analysis of the metallic matter whichcomposes these modern and contemporary works will, throughout this research, be operated through thelens of the different imaginaries animating and pervading it. Those imaginaries, coming from such variedhorizons as Ancient Greek, Roman or Scandinavian mythologies, the popular mythology of the IndustrialRevolution or even literature and Science Fiction cinema, will serve as vectors allowing to bring forwardthe different characteristics and various uses of metals in the contemporary art world. The intrinsic linkbetween the physical attributes of metal, the oneirism it conveys, and the way it re-surfaces in sculptureswill be at the core of the present study.The analysis of metal imaginaries and their artistic legacy calls for a pluri-disciplinary scientific research.It starts with a historical approach of the birth and evolution of metallurgy, the myths and the consequentcreations it has generated (I). With the industrial revolution, these metallic dreams have evolved and causeda deep metamorphosis of plastic and semantic qualities of metallic artworks (II). Finally, in the last days ofpost-modernism, either utopian or dystopian vistas are emerging to question the relations between man andthe metallic matter, and these contemporary enquiries will be this work’s last point of focus (III).Throughout the research, the running question of intermateriality (owing to the pre-existing model ofintermediality) – meant to reveal the essential relationship between matters – will be developed, questionedand illustrated simultaneously
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Brun, Marion. "Marcel Pagnol, un « illustre méconnu » : réflexions sur les valeurs d'une œuvre littéraire et cinématographique." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040118.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une étude inédite sur un auteur négligé par l’Université et la recherche : Marcel Pagnol. À partir de son cas, ce travail interroge les processus de légitimation et déconstruction du canon. Cette recherche, qui s’inspire de la sociologie de la littérature, explore les paradoxes d’un « illustre méconnu » qui relève d’une littérature officielle, classique, patrimoniale, mais se trouve déconsidéré à plusieurs titres. Sa célébrité et ses succès nuisent à son capital symbolique ; son particularisme régional l’empêcherait d’atteindre l’universel. Entre institutionnalisation et discrédit, Pagnol dessine une voie moyenne et réalise un art moyen (middlebrow culture) qui concilie bonne littérature et grand public. Au théâtre, il met d’accord le théâtre commercial, le théâtre de boulevard et une partie de l’avant-garde, démontrant la perméabilité du champ dramatique. Au cinéma, il associe le cinéma d’auteur, le scénario littéraire et l’avant-garde néoréaliste aux mélodrames populaires. Dans ses récits, il met en valeur la continuité entre tradition orale et innovation médiatique. Ce classique-populaire, ce conservateur moderne se tient en équilibre entre régionalisme et parisianisme, entre intellectualisme et pragmatisme, sur une voie moyenne qui hybride cinéma et théâtre, théâtre et music-hall, conte et radioThis thesis provides a new study on a writer usually neglected by scholarship : Marcel Pagnol. Taking his case as a starting point, this study aims to analyze the processes of legitimation and construction of canon. This research, building on sociology of literature, investigates the paradoxes of an “illustrious unrecognized” who pertains to official, classical and patrimonial literature but that nonetheless remains discredited by several matters. His fame and successes damage his symbolic capital; his regional particularism may prevent him from reaching universality. Between institutionalization and disrepute, Pagnol draws a medium path and carries out a medium art (middlebrow culture) which reconciles goodliterature and general public. In theater, he makes commercial theater, boulevard theater and some of the avant-garde come to an agreement, proving the permeability in dramatic field. In cinema, he combines art-house movies, literary script and neorealist avant-garde with popular melodramas. In literature, he emphasizes continuity between oral tradition and media innovation. This middlebrow author, this modern conservative balances regionalism against parisianisme, intellectualism against pragmatism, in a medium way that makes cinema and theater, theater and variety, tale and radio interact
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Mohring, Agatha. "Les dispositifs de l'intime dans le roman graphique espagnol contemporain : une approche intermédiale." Thesis, Toulouse 2, 2018. http://www.theses.fr/2018TOU20040.
Full textAbstract:
Les romans graphiques contemporains abordent des thématiques intimistes telles que l’autobiographie et le récit de la vie quotidienne. Ils se confrontent aux problématiques de représentation de l’indicible, de l’intériorité qui résiste à la monstration directe face auxquelles ils doivent inventer des modalités de dévoilement qui ne risquent pas de dénaturer l’intime. Pour ce faire, les artistes ont fréquemment recours à des procédés propres à d’autres médias, ou à des références à ceux-ci, qui créent une brèche dans la narration et la figuration, et permettent de laisser entrevoir l’intime. Le théâtre, la photographie, le carnet de voyage et de croquis, la danse et le cinéma font fréquemment irruption au détour d’une case et vont même jusqu’à modifier en profondeur la forme des roman graphiques. Il s’agira, à travers un corpus d’une quarantaine d’œuvres espagnoles contemporaines, intimistes et intermédiales, d’analyser les modalités de représentation de l’intime, de redéfinir ses enjeux au XXIème siècle, et de démontrer que les références intermédiales permettent de réarticuler le texte et l’image dans le roman graphique pour le suggérer. La Critique des dispositifs et l’approche intermédiale constituent des outils pertinents pour examiner les différents niveaux d’imbrication entre les différents médias, et leurs incidences sur la figuration de l’intime. La porosité intermédiale du roman graphique interroge également son statut médiatique et sa place dans le panorama éditorial et culturel contemporain. Ses rapports avec la bande dessinée et le roman s’avèrent en effet ambigus, puisqu’ils oscillent entre rapprochement et différenciation, tantôt affirmant, tantôt remettant en question l’indépendance médiatique du roman graphique. Il s’agira donc de déterminer, au terme de ce travail, si ce dernier s’est établi en tant que série culturelle séparée de la bande dessinée, ou s’il s’inscrit encore dans une phase d’émergenceContemporary graphic novels address intimate themes such as autobiography and everyday life. They try to represent the unspeakable, the interiority that resists direct figuration, and they have to create modalities of disclosure that do not imply the distortion of intimacy. To do so, graphic novel artists often resort to strategies used by other media. They can also refer to them in order to cause a breach in the narrative and the figuration through which the reader can catch a glimpse of intimacy. Theater, photography, sketches or travelbooks, dance or cinema often break into the panel. They can even deeply modify the form of graphic novels. Analysing nearly forty intimate and intermedial contemporary Spanish graphic novels, this thesis studies the modalities of representation of intimacy. Moreover, it aims at defining its challenges in the 21st century. It also shows that intermedial references allow the artist to articulate the text and the image in a different way to suggest intimacy. Apparatus and intermediality theories turn out to be relevant tools to examine interconnection levels between different media, as well as their impact on the figuration of intimacy. The intermedial porosity of the graphic novel also questions its media status and its position in the contemporary editorial and cultural context. Its relations with the comic and the novel are ambiguous, since they oscillate between distancing and approaching. Moreover, on the one hand, they corroborate the mediatic independence of the graphic novel, while, on the other hand, they invalidate it. This thesis aims at finding out if the contemporary Spanish graphic novel is already established as a cultural series differentiated from the comic, or if it is still in an emerging stage
Las novelas gráficas contemporáneas tratan temáticas intimistas, por ejemplo la autobiografía o el relato del día a día. Plantean cómo representar lo indecible, la interioridad que resiste a la figuración directa, y tienen que inventar modalidades de desvelamiento que no impliquen la desvirtuación de lo íntimo. Entonces, los artistas recurren con frecuencia a estrategias propias de otros medios, o se refieren a ellos para crear brechas en la narración y en la imagen a través de las cuáles lo íntimo se deja entrever. El teatro, la fotografía, el libro de bocetos y de viaje, la danza o el cine irrumpen a menudo en las viñetas, y hasta pueden modificar en profundidad la forma de las novelas gráficas. Este trabajo observa, en unas cuarenta obras españolas contemporáneas, intimistas e intermédiales, las modalidades de representación de lo íntimo, y define sus retos en el siglo XXI. Demuestra también que las referencias intermediales permiten articular de una manera distinta el texto y la imagen en la novela gráfica para sugerirlo. La Crítica de los dispositivos y las teorías intermediales resultan ser herramientas pertinentes para examinar los niveles de interconexión entre los distintos medios, y sus incidencias en la figuración de lo íntimo. La porosidad intermedial de la novela gráfica también pone en tela de juicio su estatuto mediático y su ubicación en el panorama editorial y cultural contemporáneo. Sus relaciones con el cómic y la novela son ambiguas, puesto que oscilan entre distanciamiento y acercamiento, y que, por un lado, corroboran la independencia mediática de la novela gráfica, y, por otro lado, la invalidan. Esta tesis intenta averiguar si la novela gráfica española contemporánea ya está asentada como serie cultural diferenciada del cómic, o si sigue involucrada en una fase de emergencia
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Sukle-Zanone, Therese. "La métamorphose dans l'oeuvre de Steven Millhauser." Thesis, Grenoble, 2013. http://www.theses.fr/2013GRENL016/document.
Full textAbstract:
La fiction de Steven Millhauser est caractérisée par le mouvement perpétuel : un mouvement générique du réalisme au fantastique, avec des intrigues qui résistent aux dénouements et des personnages, des lieux et des objets en transformation constante. Son œuvre nous présente exploration de la métamorphose littéraire, qui se manifeste à la fois comme style d'écriture et comme motif. Enracinée dans une conception typiquement américaine de la métamorphose, née de la philosophie Ralph Waldo Emerson, la métamorphose millhauserienne attire l'attention du lecteur sur le pouvoir transformateur de l'art et plus spécifiquement de la littérature. Utilisant la relation entre l'art et l'identité culturelle comme point de départ, notre thèse montre que la fiction de Millhauser développe la nature métamorphique de l'expérience esthétique. Au cœur de la dynamique de la métamorphose littéraire se trouve la relation entre lecteur, texte et auteur, relation transformatrice que Millhauser met en scène à plusieurs reprises, afin d'explorer les possibilités et les limites du language. Si sa fiction illustre le potentiel destructeur de la métamorphose linguistique, et manifeste aussi une certaine angoisse concernant les limites du langage, son œuvre est néanmoins dominée par un sentiment d'émerveillement et d'espoir dans la valeur régénératrice de la fiction, et son pouvoir de faire resurgir la beauté d'un monde devenu ordinaireSteven Millhauser's fiction is characterized by perpetual movement: a transition from realism to the fantastic, with plots which resist denouement and characters, places and objects in constant transformation. Millhauser's work offers the reader a literary metamorphosis which is both stylistic and thematic. The millhauserien metamorphosis is typically American, the offspring of Emersonian philosophy, and it highlights the transformative power of art and, specifically, of literature. Using the mutually transformative relationship between art and cultural identity as a starting point, this thesis demonstrates the ways in which Millhauser's fiction develops the metamorphic nature of the esthetic experience. The relationship between the reader, the text and the author is at the heart of literary metamorphosis, and this transformative relationship, which often appears in Millhauser's work, sets the stage for an exploration of the possibilities and limits of language. If Millhauser's fiction illustrates the destructive potential of linguistic metamorphosis, and articulates a certain anxiety concerning the limits of language, his work is nonetheless dominated by the sentiment of wonder and hope in the regenerative value of fiction and its power to reveal the unusual beauty of a world which has become ordinary
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Wang, Yu. "Sémiotique et rhétorique des codes socio-culturels de l’affiche et de l’affichage : le cas des campagnes de prévention contre le SIDA." Electronic Thesis or Diss., Université de Lorraine, 2017. http://www.theses.fr/2017LORR0382.
Full textAbstract:
Ce travail de recherche propose une analyse sémiotique et rhétorique du discours de l’affiche et de l’affichage, relatif à la prévention contre le SIDA via la transmission sexuelle. Dans le sillage des travaux sémiotiques de l’École de Paris et du Groupe μ, notre recherche se divisera ainsi en trois grandes parties, respectivement la sémiotique de l’affiche, la rhétorique de l’affiche et la sémiotique de la pratique de l’affichage, afin de conduire une étude complète et approfondie du discours visuel et communicatif. En partant de l’hypothèse de l’existence d’une influence étroite du contexte socio-culturel sur l’affiche et l’affichage, l’analyse sémiotique et rhétorique, basée sur un corpus varié multiculturel, met en lumière le rôle important et significatif des codes socio-culturels dans tous les aspects constitutifs de l’affiche et de l’affichage dans notre rechercheThis research proposes a semiotic and rhetoric discourse analysis of the poster and the display, about the prevention of AIDS through sexual transmission. In the wake of the School of Paris and the Groupe μ, our research is divided into three parts, respectively: the semiotics of the poster, the rhetoric of the poster and the semiotics of the display, in order to have a complete and extensive study of the visual and communicative discourse. Based on the hypotheses about the influence of the socio-cultural context of the poster and the display, the semiotic and rhetoric analysis through a multicultural corpus illustrates that the socio-cultural codes concern with all aspects of the poster and the display in our research
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Charette, Luc. "Imagité [image_magie_agité]." Master's thesis, Université Laval, 2003. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33846.
Full textAbstract:
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2003-2004La réflexion présentée dans ce mémoire de maîtrise en arts visuels vise à mettre en contexte ma pratique artistique la plus actuelle. Ce mémoire accompagne une exposition intitulée IMAGITÉ [ image_magie_agité ], une œuvre installative in situ présentée à la Galerie d’art de l’Université de Moncton.Ce mémoire contextualise et qualifie mon processus de création en tant qu'artiste visuel produisant dans le domaine de l'intermédia. C'est de mon approche artistique dont il est question, de ma pensée la plus récente vis-à-vis de mon art élaboré à l'aide d'éléments du monde médiatique et des nouvelles (ainsi que les plus anciennes) technologies des communications. Dans ma production hybride j ’explore les espaces réels (installations) — visuels (imagerie) — virtuels (Internet), par l'entremise de questionnements en rapport avec le concept du temps, les systèmes de langages, l’identité et la représentation.L’objet de mon expression, comme on sera en mesure de le constater par la lecture de ce mémoire, reflète un caractère qui se situe davantage dans le domaine de la poésie urbaine.
Québec Université Laval, Bibliothèque 2019
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Becquet, Alexandra. "Ford Madox Ford et les arts : peinture, musique et arts du spectacle dans l'oeuvre romanesque." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030166.
Full textAbstract:
Ford Madox Ford est un écrivain impressionniste qui se veut historien de son temps et paraît représenter la vie moderne grâce à un texte envisagé à partir du visuel pour faire voir. Il encourage ainsi le rapprochement de son écriture avec l’art des peintres français du XIXème siècle, mais il engage dans ses récits une multitude d’arts et d’esthétiques afin de produire son impression suivant sa pensée originale et singulière. Celle-ci soutient l’accumulation et l’association artistiques mises en œuvre dans les romans en brisant les cadres esthétiques établis pour fusionner arts et esthétiques dans une forme qui s’adapte au réel afin d’en structurer l’informe et de le révéler pour en offrir une expérience au lecteur. Soumis au pictural et au théâtral pour se donner à voir dans des tableaux et des scènes, le récit dévoile en fait comment la modernité résiste à l’illusion mimétique. Peinture et théâtre figurent donc non le visible mais sa perte, et les romans sont poussés par leur objet à la dé-figuration proprement moderne que l’esthétique fordienne promeut et que le cinéma porte. Celui-ci donne alors accès à la vision d’un monde fragmenté et en mouvement par sa totalisation dans la métamorphose continue du filmique, qui en outre invite l’identification visuelle. Mais le cinématographique n’ouvre pas à la totalisation du roman, ni à ce dialogue que l’auteur entend engager avec son lecteur sym-pathique pour lui transférer son œuvre. Ce transfert se fait bien par le texte et sa structure mais en définitive hors de la figuration, grâce à la musique du roman qui à la fois gouverne, rassemble et abolit la représentation, les arts et le texte pour faire com-prendre l’œuvreFord Madox Ford is an impressionist writer who purports to be a historian of his own time and seems to represent modern life in a text conceived visually to make you see. He thus encourages a parallel between his writing and the nineteenth-century French painters’ art to be drawn ; yet he draws on a vast array of arts and aesthetics in his narratives to forge his impression according to his original and singular conception of art. That conception supports the artistic accumulation and association exercised in the novels while it shatters established aesthetic frameworks to merge arts and aesthetics in a form which adapts to reality to structure its formlessness and reveals it to offer an experience of it to the reader. In obeying pictorial and theatrical norms to be seen as pictures or in scenes, the narrative in fact discloses how modernity resists mimetic illusion. So painting and the theatre do not represent visibility but its loss, and the novels are forced by their object to embrace a thoroughly modern de-figuration which Fordian aesthetics endorses and the cinema realises. The latter then grants access to the vision of a fragmented and moving world totalled by the continuous metamorphosis of film, which besides encourages visual identification. However the cinema does not lead to the totalisation of the novel, nor to the dialog which the writer intends to have with his sympathetic reader in order to transfer his artwork onto him. That transfer does happen by means of the text and its structure but ultimately without figuration, through the music of the novel which at once governs, unites and abolishes representation, the arts and the text so the artwork be com-prehended
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Gondouin, Tiphaine. "Médium et appareil dans la création photographique." Thesis, Strasbourg, 2012. http://www.theses.fr/2012STRAC022.
Full textAbstract:
Lorsque la création d'une image se fait grâce à l'utilisation, la manipulation d'un appareil, il arrive un moment où celui-ci devient central et le sujet de tous les questionnements. La pratique de la photographie m'a amenée à ce type d'interrogation. Comment photographier devient soudain une question aussi récurrente qu'essentielle. Une réflexion critique sur ce que l’on croit être une simple technique et que l'on emploie pour faire une image photographique, libérée alors de toutes fascinations, devient possible. Mais comment procéder à l'analyse de l'appareillage photographique? C'est en considérant l'appareil comme un ensemble global, un paradigme, participant pleinement à la création et la conditionnant en même temps, qu’il paraît possible de mener une réflexion sur cette place particulière qu'occupe l'appareillage photographique dans la réalisation d'image ou (/ et) d'installation de celle-ci. Cette interrogation peut dès lors être étudiée à travers une mise à plat de l'appareil photographique dans une définition plus élargie de ce dernier que la simple considération de l’appareil de prise de vue afin de savoir ce qu’il est par nature mais aussi dans ses usages, et alors de découvrir sa poïétique propre ainsi qu’un rapport singulier au réel. Cette méthodologie s'apparente à une déconstruction, puis une monstration, voire une mise en excès pour eux-mêmes des éléments premiers et fondamentaux de l'appareil producteur d'image photographique (grain, brûlure, planéité, obscurité...) ; ce qui le constitue et en fait sa particularité. D'une autre manière, le conditionnement qu'opère l'appareillage photographique dans la réalisation d'images peut se penser par une mise en évidence du procès : une mise en valeur, une exhibition du processus du faire, de la démarche, de la méthode qui permet à l'image d'être. Cette démarche et cette recherche recontextualisent le faire, l'expérimentation, la poïétique à l'oeuvre dans chaque réalisation plastique d'image photographiqueWhen creating a picture is done by using and operating a camera there comes a time when this device becomes essential and a subject for all kinds of questioning. Photography brings this type of questioning to my mind. How to take a picture all of a sudden happens to be an essential as well as recurring question. Then a critical appreciation free from fascination may be undertaken on what we consider as a mere technique that is used to take a picture. But how to proceed to the analysis of the photographic medium ? Considering the medium as a global set a paradigm taking full part in the creation and conditioning it at the same time allows the carrying out of an appreciation on this particular part taken by the photographic medium in the realization (or installation) of a picture. From that moment this appreciation can be studied by examining all the elements of the camera in a wider definition of the latter than a mere consideration of the camera itself in order to know not only what it is but also how to use it and thus to find out its own “poïétique” as well as its unique connection to reality. This method relates to a deconstruction then a bringing forward of the primary and fundamental elements of a photographic medium (grain, burn, flatness, darkness…) ; what it is made of and makes it unique . In a different way, the conditioning that the photographic equipment operates in the realization of pictures can be considered as a disclosure of the process : an emphasis on the process, the approach, the method that allows the picture. This approach and this research make it possible to recontextualize the process the « poïétique » at work in each artistic creation of photographic pictures
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Rojas, Amador Paula. "Les médias numériques dès une écriture intermédiale : suivi de Le monde n'arrête pas, scénario dramaturgique." Doctoral thesis, Université Laval, 2018. http://hdl.handle.net/20.500.11794/34123.
Full textAbstract:
Notre recherche-création porte sur la problématique que représente l’adaptation d’un texte narratif au théâtre lorsqu’il s’agit d’y incorporer les possibilités offertes par les médias numériques, et d’adopter la forme d’écriture élargie qui en découle. Pour ce processus d’adaptation qui s’éloigne de la façon de procéder traditionnelle, nous optons pour une approche intermédiale. Nous nous penchons plus particulièrement sur le théâtre hypermédia, ce qui nous permet de nous interroger sur les connexions qui surviennent entre les écritures visuelles, sonores, spatiales et textuelles, ainsi que sur leurs dynamiques de coprésence dans la scène théâtrale. Une partie essentielle de la méthodologie de cette recherche-création repose sur l’élaboration d’une série de laboratoires de recherche scénique dans lesquels ont été créés des dispositifs vidéographiques, sonores et spatiaux. Ces dispositifs ont été intégrés dans la création dramaturgique, présentée sous la forme d’une écriture intermédiale. Les chapitres 1 et 2 touchent le cadre conceptuel. Dans le premier chapitre, nous présentons les concepts d’intermédialité, de théâtre comme hypermédia, d’écriture intermédiale ainsi que d’autres notions qui nous permettent de discuter l’adaptation et sa relation avec les médias. Dans le deuxième chapitre, nous étudions la vidéo, le son, l’espace et le texte en relation avec les médias numériques. De plus, nous réfléchissons à la composition dramaturgique de chacun de ces éléments expressifs et aux points de repère qui peuvent contribuer à concevoir la dramaturgie. Les chapitres 3 et 4 discutent le volet pratique et la création. Dans le troisième chapitre, nous décrivons les dispositifs scéniques créés dans les quatre laboratoires de recherche scénique et les processus de création. Nous en faisons une analyse intermédiale. Nous présentons également un modèle de protocole de recherche en création qui a émergé de ces expériences pratiques réalisées au Laboratoire des Nouvelles Technologies de l'Image, du Son et de la Scène (LANTISS). Enfin, dans le quatrième chapitre, nous présentons l’œuvre dramaturgique intitulée Le monde n’arrête pas et son processus de création.Our research-creation addresses the problematic of adapting a narrative text to the theater when it comes to incorporating the possibilities offered by the digital media, and adopting the expanded text that follows. For this adaptation process, which is moving away from the traditional process, we opt for an intermedial approach. We focus more particularly on the hypermedia theater, which allows us to question the connections that occur between the visual, sonic, spatial and textual writings, as well as on their dynamics of co-presence in the theater scene. An essential part of the methodology of this research-creation rests on the development of a series of scenic research laboratories in which videographic, sound and spatial devices have been created. These devices have been integrated into the dramaturgical creation presented in the form of an intermedial script. Chapters 1 and 2 touch on the conceptual framework. In the first chapter, we present the concepts of intermediality, theater as hypermedia, intermedial writing and other concepts that allow us to discuss adaptation and its relationship with the media. In the second chapter, we study video, sound, space and text in relation to digital media. In addition, we reflect on the dramaturgical composition of each of these expressive elements and the points of reference that can contribute to the conception of dramaturgy. Chapters 3 and 4 discuss the practical and creative aspects. In the third chapter, we describe scenic devices in the four scenic research laboratories and creative processes. We make an intermedial analysis. We also discuss the working protocol that emerged from these practical experiences in the Laboratory of New Technologies of Image, Sound and Scene (LANTISS). Finally, in the fourth chapter, we present the dramaturgical work entitled “The World Does Not Stop” and its process of creation.
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Salari, Chiara. "Le paysage explosé : Atlas contemporain des circulations photographiques et médiatiques du paysage. Perspectives américaines, italiennes et françaises." Thesis, Université de Paris (2019-....), 2019. http://www.theses.fr/2019UNIP7175.
Full textAbstract:
Cette recherche explore la transformation du paysage dans la culture visuelle contemporaine, dans une perspective interculturelle entre États-Unis, Italie et France, et sous une acception où l’esthétique dialogue étroitement avec le politique et le social. Contre la thèse dépassée d’une « mort du paysage » comme développée dans les années 1980, et plutôt que d’un seul point de vue artistique ou géographique, le paysage est considéré comme une notion et un objet médiatique en circulation, un moyen pour la création des identités visuelles culturelles et nationales, des imaginaires et des sens des lieux. Un premier axe situe le paysage photographique contemporain dans sa relation à des traditions artistiques et des pratiques cinématographiques euro-américaines, avec les questions sous-jacentes d’intericonicité et de regards croisés. Un second axe examine le rôle de la photographie de paysage contemporaine dans les outils et les stratégies de visualisation et d’aménagement des territoires et des environnements, donc sa fonction documentaire pour des recherches et projets géographiques, architecturaux ou urbanistiques, souvent matérialisés par des expositions. Un troisième axe observe les transformations du paysage au gré de l’évolution des médias numériques. Le « tournant web » permet en effet une nouvelle hybridation entre images artistiques, institutionnelles et amateurs qui circulent toutes sur les mêmes réseaux, et une fracturation de la barrière ontologique entre images fixes et mobiles. La géolocalisation, l’articulation des images à des systèmes d’information géographique et la miniaturisation des dispositifs mobiles contribuent à la constitution d’un nouveau système scopique qui ne respecte plus les conventions visuelles de la « vue » paysagère traditionnelle et de la perspective centraleThis research explores the transformation of landscape in contemporary visual culture, where aesthetics dialogues intensively with the political and social, through an intercultural perspective between the United states, Italy and France. Rather than from an exclusively artistic or geographic point of view – moving beyond the outdated thesis of a “landscape death” as developed in the 1980s – the landscape is considered as a notion and a media object in circulation, a potential medium for the creation of national and cultural visual identities, of the imaginaries and the sense of places. Firstly, we situate the contemporary photographic landscape in its relation to some Euro-American artistic traditions and cinematographic practices, addressing and developing underlying questions of intericonicity and crossed gazes. Secondly, we investigate the role of contemporary landscape photography within the strategies of visualization and planning of territories and environments, in other words in its documentary function for geographical, architectural or urban projects, which are often materialized by exhibitions. Thirdly, we observe the transformation of the landscape according to the evolution of digital media. Indeed, starting from Web 2.0 we see a new hybridization between artistic, institutional and amateur images which circulate on the same networks and a fracturing of the ontological barrier between fixed and moving images. The geo-localization and the articulation of images to geographic information systems, as well as the miniaturization of mobile devices, contribute to the constitution of a new scopic system which no longer respects the visual conventions of the traditional landscape “view” and of the central perspective