Academic literature on the topic 'Interprétation collective de la musique'
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Journal articles on the topic "Interprétation collective de la musique"
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Dakovanou, Xanthoula. "Musique, Pouvoir et Identité collective." Topique 146, no. 2 (2019): 81. http://dx.doi.org/10.3917/top.146.0081.
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Nitrato Izzo, Valerio. "Interprétation, musique, droit : performance musicale et exécution de normes juridiques." Revue interdisciplinaire d'études juridiques 58, no. 1 (2007): 99. http://dx.doi.org/10.3917/riej.058.0099.
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3
Beaulieu, Marie-Louis. "L'interprétation arbitrale de la convention collective." Jurisprudence du travail 14, no. 1 (February 10, 2014): 101. http://dx.doi.org/10.7202/1022344ar.
Full textAbstract:
Sommaire Dans un cas de grief récent soumis à la législation fédérale du travail et entendu à Québec, l'arbitre patronal a proposé une définition étroitement restrictive de l' « interprétation d'une clause de convention collective », prétendant que des arbitres chargés d'interpréter une telle clause ne peuvent dire ni qui est couvert par elle, ni de quelle façon. Me Beaulieu, président du conseil d'arbitrage, donne ici son avis sur cette question.
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Veit, Patrice. "Bach à Berlin en 1829: une « redécouverte »?" Annales. Histoire, Sciences Sociales 62, no. 6 (December 2007): 1345–86. http://dx.doi.org/10.1017/s0395264900036234.
Full textAbstract:
RésuméEn 1829 à Berlin est rejouée une œuvre qui n’avait plus été entendue depuis la mort de son auteur: laPassion selon saint Matthieude Johann Sebastian Bach. Cette audition acquiert une dimension historique, considérée dès cette époque comme l’acte de naissance de la « redécouverte » de Bach et de sa musique, et fait entrer du même coup la capitale prussienne dans l’histoire de la musique occidentale. À partir d’une démarche d’histoire urbaine et culturelle, cet article se propose d’étudier cet événement en reconstruisant notamment les sociabilités musicales berlinoises, en interrogeant le caractère de la référence à Bach au début du XIXesiècle, en examinant les conditions de l’œuvre et de son exécution ainsi que son interprétation cent ans environ après sa première représentation.
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Santarpia, A., E. Brabant, and E. Dudoit. "Les effets narratifs de la musique classique dans les soins palliatifs." Psycho-Oncologie 11, no. 4 (December 2017): 243–51. http://dx.doi.org/10.3166/s11839-017-0637-7.
Full textAbstract:
Objectif : Cette étude qualitative vise à décrire les effets narratifs d'un protocole d'écoute musicale (musique classique) chez une patiente atteinte d'un cancer avancé, Mme M. (60 ans). Matériel et méthodes : Il s'agit d'un protocole d'écoute musicale composé de quatre étapes (temps) : l'entretien préliminaire (T1), un premier moment d'écoute musicale (T2), une deuxième rencontre d'écoute musicale (T3), l'entretien final (T4). Nous utilisons d'abord le logiciel T-Lab 9.1.3 pour le calcul des associations de mots (cooccurrences) et ensuite une interprétation du récit selon l'approche humaniste/existentielle. Résultats : Nous montrons les effets narratifs avant et après l'expérience d'écoute musicale. Plus précisément, dans un premier temps (T2), nous avons identifié un effet hédonique, sensoriel et imagé de la musique. Dans un second temps (l'entretien final, T4), nous avons observé un effet spirituel (mythologique et archétypique) de la musique classique centré sur l'évocation de l'image de la célèbre chanteuse française « Barbara ». Conclusion : Le « travail psychique avec la musique classique » peut non seulement éloigner le patient d'une narration somatique de la maladie (symptômes, plaintes, gènes et douleurs physiques), mais aussi générer des expériences corporelles agréables et une narration riche d'éléments symboliques et spirituels.
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Goldman, Jonathan. "L’interculturalisme à travers le filtre cognitif : comment Gilles Tremblay recompose le gamelan dans Oralléluiants." Circuit 28, no. 1 (April 6, 2018): 71–85. http://dx.doi.org/10.7202/1044377ar.
Full textAbstract:
Dans un article consacré à l’impact bien connu du gamelan sur le langage musical de Claude Debussy, Nicholas Cook propose une interprétation de l’oeuvre du compositeur français qui navigue entre une perspective qui prétend que le gamelan a eu une valeur de « confirmation » de principes déjà acquis et, à l’opposé, une autre qui ne considère les innovations de Debussy que comme de douteuses imitations superficielles d’une culture musicale étrangère. Le présent article est conçu dans la prolongation de l’article de Cook mais orienté vers l’inspiration de la musique javanaise dont témoigne l’oeuvre Oralléluiants (1975) de Gilles Tremblay (1932-2017), et tente, à l’instar de celui de Cook, d’aller au-delà d’une opposition entre un pastiche stylistique passablement orientaliste et une approche plus profonde d’« assimilation stylistique » dans la musique du compositeur québécois. L’article propose la notion de « filtre cognitif » pour comprendre la façon dont le gamelan a exercé une influence sur le compositeur sans qu’il ait pour autant affecté d’autres compositeurs de la même façon. Le terme « filtre cognitif » désigne ici toute schématisation de la musique que l’observateur doit à sa formation, son métier, son acculturation, la singularité de sa vie intérieure, etc., et qui représente et ordonne les données de la perception sensorielle permettant ainsi l’appréhension d’une musique jusqu’alors inconnue.
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Yannou, Démètre. "Ο Ορφέας στην μουσική και στην μουσικοθεωρητική σκέψη των νεότερων χρόνων (15ος-17ος αιώνας)." Σύγκριση 11 (January 31, 2017): 22. http://dx.doi.org/10.12681/comparison.10764.
Full textAbstract:
L a légende d'Orphée a eu un retentissement particulier dans la musique et dans la pensée musicale des temps modernes. Grâce à la transmission de la légende à travers la littérature et la théorie de la musique du Moyen Âge, le personnage d'Orphée se présente, surtout pendant le XVe, le XVIe et le XVIIe siècle, comme allégorie de la musique à laquelle se réfère aussi bien la musique que la théorie de la musique. Pour la théorie de la musique, la légende d'Orphée s'inscrit dans la tradition de la doctrine des effectus musices. Dans ce cadre, la légende, de même que tous les mythes antiques se référant aux effets de la musique, a une double fonction au début des temps modernes. La première est de livrer des exemples attestant la théorie. Ces exemples subissent un examen critique qui va de la réfutation des faits racontés jusqu'à leur interprétation au moyen de forces naturelles. La deuxième fonction est de fournir des points de repère pour la conception de la réalité musicale de l'époque. Cette fonction concerne le public des milieux de la vie musicale de la Renaissance et du début du XVIIe siècle et elle se manifeste plutôt dans l'historiographie galante que dans la théorie de la musique . proprement dite. Pour la création musicale, le personnage d'Orphée représente d'un côté l'allégorie de la force de l'homme, et de l'autre, à travers la dramatisation de la légende, la force de la musique et plus spécialement du chant — champ d'expression par excellence de l'opéra naissant. «A partir du XVIIIe siècle, avec la naissance de l'acoustique moderne, la référence aux légendes de l'Antiquité disparaît de la théorie de la musique. Par contre, dans la création musicale, la légende d'Orphée continue de susciter l'intérêt des compositeurs jusqu' à la fin du XXe siècle. Néanmoins, la place des premières œuvres musicales inspirées par cette légende au début des temps modernes reste unique dans l'histoire de la musique, parce que ces œuvres s'inscrivent dans une époque pour laquelle la référence aux légendes musicales de l'Antiquité constituait un lieu de convergence de la théorie de la musique, de la création musicale et de la conception que les contemporains eux-mêmes se formaient de la réalité musicale de leur temps.
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Kotnik, Vlado. "Lévi-Strauss et l’Opéra." Issues in Ethnology and Anthropology 4, no. 2 (February 28, 2016): 101–20. http://dx.doi.org/10.21301/eap.v4i2.6.
Full textAbstract:
Le présent travail est consacré à Claude Lévi-Strauss et à son interprétation structurale de l'opéra comme une ‘composition’ métaphorique d'un grand opéra anthropologique, matérialisé dans son étude Mythologiques en quatre volumes, en référence à L'Anneau de Nibelung, la tétralogie de Wagner. Il a créé le type d'étude comparative de la fonction et de la structure des schèmes mythiques dans la culture amérindienne et les partitions d'orchestre des opéras de Wagner, et a implicitement indiqué que la musique européenne, avec sa représentation éminente – l'opéra – avait la même valeur ou la même position symbolique dans l'esprit et la vie de l'Européen de l'époque que le mythe dans ‘la pensée sauvage'. C'est ainsi qu'il peut nous mener à une interprétation de l'opéra comme mythe et métaphore. Le travail portant sur Lévi-Strauss élargit néanmoins la discussion à une peinture historique plus large du rapport entre l'opéra et la mythologie comme deux systèmes symboliques de la culture européenne.
9
Stévance, Sophie. "Une lecture dialogique de l’improvisation libre et collective en musique actuelle et en contact-improvisation." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, no. 1-2 (September 21, 2012): 117–25. http://dx.doi.org/10.7202/1012357ar.
Full textAbstract:
Cet article propose une analyse de l’improvisation en musique actuelle, un courant musical d’avant-garde qui s’est développé au Québec en 1979, à la lumière du contact-improvisation (mouvement chorégraphique apparu aux États-Unis en 1972). L’objectif est de comprendre la nature de ces arts improvisés où le rapport avec autrui en est le fondement. Comment l’individu et l’autre agissent-ils l’un sur l’autre? Comment prennent-ils la place qui leur revient dans le cadre d’un même processus conversationnel en cours? Le dialogisme selon Bakhtine, ici considéré comme métaphore, permet d’illustrer les interactions en jeu dans la musique actuelle et le contact-improvisation. Le dialogisme offre également l’occasion d’interroger la notion d’improvisation libre et collective, dont la musique actuelle et le contact improvisation sont les dignes représentants.
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Ruiz, Émilie, Albéric Tellier, and Julien Pénin. "Comprendre les transformations de l’industrie musicale." Revue Française de Gestion 47, no. 294 (January 2021): 79–97. http://dx.doi.org/10.3166/rfg.2021.00505.
Full textAbstract:
L’objectif de cet article est de revenir sur les profonds bouleversements touchant la musique enregistrée depuis l’avènement de la numérisation, qui a permis la dématérialisation des œuvres. Nous proposons un cadre général pour mieux cerner les défis à relever par les acteurs, en mobilisant une approche fondée sur le modèle d’affaires. Nous défendons l’idée qu’un nouvel écosystème de la musique est en train de se développer, nécessitant l’acceptation collective d’un « méta-modèle d’affaires » pour fonctionner. L’article présente également les travaux de ce numéro spécial.
Dissertations / Theses on the topic "Interprétation collective de la musique"
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Giura, Longo Alessandra. "Communication et interaction dans la musique de chambre : l'exemple de l'oeuvre ouverte dans la musique contemporaine anglo-saxonne." Thesis, Evry-Val d'Essonne, 2015. http://www.theses.fr/2015EVRY0023.
Full textAbstract:
Cette recherche explore le partage de l’interprétation de la musique à partir du point de vue des interprètes. Elle est fondée sur une expérimentation sur le terrain conduite avec un ensemble professionnel. Le travail de l’ensemble a été observé et analysé selon les principes de la Recherche Action et du Constant Comparative Method de Strauss et Corbin, avec l’objectif de décrire et classer les comportements des musiciens et éclaircir les modalités de communication et d’interaction entre eux. L’expérimentation a été conduite sur deux œuvres ouvertes, répertoire qui sollicite un processus de travail sur l’interprétation qui démultiplie la communication et l’interaction entre les musiciens. L’analyse des données nous a amené à penser que le noyau expressif de la musique–de nature indicible-est partagé grâce à un savoir incarné du corps qui relève de l’intuition, et qui se produit seulement si chacun est à l’écoute des autres. La qualité des relations entre les musiciens est la condition indispensable pour le partage de l’interprétation. Ses éléments fondamentaux ne sont pas véhiculés par la parole, mais circulent entre les musiciens grâce à l’identification avec l’autre et à travers la matière musicale même: le son. La communication verbale, indispensable, est néanmoins limitée, dans la majorité des cas, au discours technique et pratique, qui révèle aussi des souhaites expressives cachés derrière les mots. Nous formulons l’hypothèse que l’activation du système des neurones miroir permet de comprendre les gestes des partenaires aussi comme leurs émotions, mais la vérification de cette hypothèse doit attendre ultérieures recherches dans le domaine des neurosciencesThis research explores the mechanisms for sharing the interpretation of music from the point of view of the performers. It is based on an experiment on the ground realised with a professional contemporary music ensemble. The work was observed and analised according to the principles of the Action Research and the Constant Comparative Method of Strauss and Corbin, with the purpose of describing and classifying the behavior of musicians and understanding and clarifying the modality of communication and interaction between them. The experiment was about two works of Anglo-Saxon composers (Ensemble by Tim Parkinson and Treatise by Cornelius Cardew) issued from ‘open works’ repertoire, because its demand to the interpreters to define the final form of music lead to a collective process on the interpretation that multiplies communication and interaction between musicians.Data analysis led us to think that the musicians share the expressive core of music–for his nature unspeakable–through a kind of embodied knowledge and intuition, that can exist only if every participant is open to the others. The quality of relationships between musicians is a prerequisite for sharing the interpretation.Its fundamentals are not conveyed by words but flows between the musicians through the identification with the others and through the musical material itself, the sound.Verbal communication is limited, in most cases, to the technical speech, that, often hiddens expressive thoughts behind the words. Our hypothesis is that the activation of the mirror neurons system allows partners to understand gestures such as emotions, but verification must await further research in the field of neurosciences
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Landry, Pascal. "Étude du processus de production allographique et autographique du groupe d'improvisation collective libre The Contest of Pleasures." Master's thesis, Université Laval, 2018. http://hdl.handle.net/20.500.11794/34462.
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3
Rothmund, Elisabeth. ""Afin que prospère la musique et que s'accroisse la renommée de notre nation" : Henrich Schütz (1585-1672) : conscience identitaire allemande et patriotisme culturel entre musique et littérature." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040242.
Full textAbstract:
Au-delà de son importante production dans le domaine de la musique vocale sacrée, Henrich Schutz (1585-1672), qui fut pendant un demi-siècle maitre de chapelle à la cour de l'électeur de Saxe, joua également un grand rôle à la charnière de la musique - profane- et de la littérature allemandes. Il s'assura la collaboration de grands auteurs, notamment celle du poète et théoricien silésien Martin Opitz, pour tenter d'implanter et de développer en Allemagne, sur des textes en langue allemande, les genres de musique vocale qui faisaient le succès des musiciens italiens : le madrigal et l'opéra. Malgré le relatif échec de ces tentatives, imputable à des facteurs tant inhérents au projet lui-même (notamment d'ordre littéraire) que conjoncturels (historiques, politiques et sociologiques), elles apparaissent comme l'expression d'une conscience identitaire allemande particulièrement développée. C'est pourtant moins dans l'évolution de la musique vocale allemande que dans celui de la littérature que les influences de ce patriotisme culturel, résultant d'un travail de réflexion interdisciplinaire, affirmé sans agressivité et visant uniquement à faire rattraper à l’Allemagne son retard sur les nations voisines, furent le plus sensiblesBeyond his large production in the field of sacred vocal music, Henrich Schutz (1585-1672), who was during fitty years Kapellmeister at the court of the elector of Saxony, also played a large role at the turning point of the German-secular music and the German literature. He was helped by many great authors, in particular by Silesian poet and theorician Martin Opitz, in his attempts to establish and develop in Germany, on texts in German language, the vocal music kinds that ensured the success of Italian musicians: madrigals and opera. Despite the relative failure of his attempts, imputable to factors as inherent to the project itself (particularly of literacy order) as cyclical (historical, political and sociological), they appear as the expression of a particularly developed German identity consciousness. It is less in the evolution of the German vocal music than in the evolution of the literature that the influences of this "cultural patriotism", resulting from an interdisciplinary work of reflection, asserted without aggressivity and only aiming at helping Germany to fill the gap that existed with its neighbours, were the most sensitive
4
Ramialison, Ifaliantsoa. "Les représentations de l’identité culturelle britannique dans la musique de Damon Albarn (2000-2012)." Thesis, Paris Est, 2016. http://www.theses.fr/2016PESC0032.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d’analyser les processus de représentation de l’identité culturelle britannique en prenant comme objet d’étude une sélection des productions musicales du musicien anglais Damon Albarn. Avec le groupe Blur, Albarn émerge sur la scène britannique dans les années 1990. Le groupe est l’un des fers de lance du mouvement Britpop qui se caractérise par une imagerie et un propos associés à l’identité britannique. Cette dernière est symbolisée par la grande majorité des groupes du mouvement qui sont anglais, blancs, masculins et appartiennent au paradigme pop/rock.Cette thèse s’intéresse à l’évolution des représentations de l’identité dans la musique d’Albarn à partir des années 2000 et jusqu’aux Jeux Olympiques de Londres en 2012, dans un contexte marqué par la remise en cause du modèle multiculturaliste, la poursuite de l’élargissement de l’Union Européenne et le début des discussions sur un référendum portant sur l’éventuelle indépendance de l’Écosse. Cette période se caractérise également par une diversification des genres musicaux abordés dans les projets d’Albarn qui s’éloigne lui-même du discours identitaire exclusif de la Britpop. La thèse propose une analyse critique des productions d’Albarn qui opèrent ce glissement d’une identité Britpop exclusive à une identité inclusive et multiculturelle. Ce faisant, le travail permettra de dégager la spécificité de la musique, conçue comme un espace d’observation et d’élaboration d’une identité culturelle britannique en perpétuelle mutationThis study analyses representations of British cultural identity in Damon Albarn's music. Albarn became a household name with Blur, an English band that was associated with the Britpop movement in the 1990s. Britpop openly articulated popular music and the question of Britishness which was defined in exclusive terms as most Britpop artists were white, male, guitar-based, English bands.By focusing on Albarn’s various musical projects after the end of Britpop, the aim is to understand how its aesthetics and politics are de-constructed. At the turn of the century, Albarn distanced himself with the exclusive rhetoric of Britpop as he started to express a more inclusive, multicultural understanding of British identity. Through three different case studies, it is contended that Albarn’s understanding of British cultural identity is predicated on specific music genres and their own sets of discourse. The study spans over a period of twelve years marked by a renewed interest in Britishness as the multicultural model in British politics is questioned, new countries join the European Union and more devolution for Scotland is discussed. The last part of the study focuses on Albarn’s involvement in the Cultural Olympiad in 2012 and serves to show how music works as a medium that allows the articulation of contrasted, and at times, contradictory representations of British cultural identity
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Himbert, Clément. "Entre compositeur et interprète : analyse d’un processus de fabrication d’une œuvre." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040062.
Full textAbstract:
À la croisée des études sur les processus créateurs en musique et sur l’interprétation (performance studies), la recherche interroge le rôle de l’interprète dans la création contemporaine. L’œuvre musicale est considérée selon quatre états (œuvre projetée, écrite, jouée et entendue) et selon les interactions intervenant dans le processus de création, particulièrement entre compositeur et interprète en situation de collaboration directe. L’étude de cas au centre de ce travail est la création d’une œuvre nouvelle avec le compositeur Gérard Pesson, Blanc mérité (d’après Roman Opalka) pour saxophone et ensemble, dont la genèse est documentée dans une perspective « auto-ethnographique ». Le processus, étalé sur sept années, génère une importante quantité de données dont le traitement et l’analyse impliquent le développement d’outils méthodologiques adaptés. Permettant de retracer l’origine et la place des interactions dans la genèse des objets constitutifs de l’œuvre, la recherche apporte des éclairages sur la dimension infralinguistique du travail et participe à la réflexion sur les enjeux de la création artistique dans sa dimension collaborativeDrawing on studies focused on creative processes in music as well as performance, the research questions the performer’s role in contemporary creation. The creative process is considered here as evolutions of the musical work between four interconnected stages: work as project, work as score, work as sound production and work as sound perception, among which the nature of the interactions between actors evolves constantly.The main case study is the creation of a new work with composer Gérard Pesson. Blanc mérité (referring to Roman Opalka), for saxophone and ensemble, is observed and analysed by the dedicatee all along a seven years process. Adopting an “autoethnographic” point of view and a “naturalistic” approach, the research draws upon data collected since the project’s premises, by recording exhaustively the interactions between composer and performer. Quantitative and qualitative analysis methods are applied to the amount of verbal data, and crossed with musical analysis of the scores and recordings. Allowing to retrace origins of musical objects as well as interactions in their genesis, the research enlightens an “infralinguistic” dimension of the artistic work and therefore takes part in the reflection about creative collaboration
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Galluzzo, Anthony. "Interprétations collectives et mythifications dans les communautés de fans de stars musicales." Thesis, Toulouse 1, 2013. http://www.theses.fr/2013TOU10043.
Full textAbstract:
Cette thèse porte sur les processus d’interprétations collectifs dans les communautés de fans de stars musicales. Elle vise à cerner par quels mécanismes émerge une sous-culture de consommation autour de la star. Après avoir rendu compte du concept de fan dans la littérature, nous déployons un projet de recherche basé sur une épistémologie constructiviste et sur une démarche ethnographique multisite, comparative et itérative, qui consiste en l’immersion participante dans quatre communautés de fans : Tokio Hotel, Johnny Hallyday, Michael Jackson et Lady Gaga. Notre recherche propose un cheminement en trois étapes. Tout d’abord, l’interactionnisme symbolique nous permet de comprendre selon quelles structures sociales s’organise le processus d’interprétation collectif dans un fandom. Ensuite, la Reader Response Theory nous sert à affiner notre théorie par la compréhension des schismes survenant dans la construction de l’imaginaire fan. Et enfin, la méthode mythocritique nous aide à développer une réflexion sur les résurgences de la pensée mythique dans les sous-cultures fans que nous avons étudiées. Ces résultats de recherche en trois temps nous permettent de conclure sur une mise en perspective pratique à propos du marketing des communautésThis thesis questions collective interpretative process in fan communities of musical stars. Its aim is to outline the mechanisms by which a subculture of consumption springs up around a star. We start our inquiry by questioning the literature about fans and defining our research project. Our fieldwork can be described as based on a constructivist epistemology and on a multisited, comparative and iterative ethnography. This ethnography is about a participant observation within four fan communities: those of Tokio Hotel, Johnny Hallyday, Michael Jackson and Lady Gaga. Our research results are structured according to three steps. First, symbolic interactionism allowed us to understand the social structures by which emerges the collective interpretative process in a musical fandom. Then, Reader Response Theory helped us to refine our theory by understanding the schisms that divide fans while they collectively develop their imaginary world. Finally, the mythocritic method helped us to develop our reflection about resurgence of mythical thought in the fan subcultures we studied. These research results allowed us to close our thesis with a discussion on community management and marketing
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Bittencourt, Maria Cristina. "Image et interprétation : la réalité musicale interprétative." Aix-Marseille 1, 2005. http://www.theses.fr/2005AIX1A041.
Full textAbstract:
Les écrits des interprètes sont ici envisagés comme des témoignages et des indices de la "réalité musicale interprétative" ; ils constitutent une source documentaire sur la musique encoure sous-estimée par la musicologie officielle. A partir d'un cadre conceptuel formé essentiellement par la philosophie de G. Deleuze, l'interprétation musicale est comprise comme une activité créatice qui exige une perception et un imaginaire actifs de l'oeuvre musicale. Des exemples de création interprétative et de descriptions esthétiques d'oeuvres musicales faites par interprètes renommés sont présentés dans ce travail qui s'oriente aussi bien vers la pédagogie instrumentale que vers l'esthétique de l'interprétation musicale.
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Castelain, Flavie. "L'improvisation libre et l'interprétation au cœur de l'acte musical." Lille 3, 2001. http://www.theses.fr/2001LIL30027.
Full textAbstract:
Dans cette thèse, l'auteur tente d'approcher le musical et certaines notions abstraites qui lui sont intrinsèques, tels l'infiniment petit, l'écoute de la vibration des sons, le flux dynamique, l'engagement physique du musicien, l'origine de son inspiration, l'analyse de sa concentration, la nature de ses désirs et la place de l'émotion. Il s'appuie sur une expérience personnelle, en l'occurence la pratique de la contrebasse parallèlement à celle du piano, et compare deux univers musicaux qui lui sont familiers : l'interprétation et l'improvisation libre. Ainsi, la complémentarité présente dans ces apparentes oppositions binaires l'incite à étendre le procédé, c'est-à-dire à le faire apparaître au niveau de l'analyse de la musique et de la division des voix. Dans ce contexte, trois œuvres sont abordées : l'Opus 7 d'anton Webern, Alamari de Franco Donatoni et Unguis Incarnatus Est de Mauricio Kagel. Par ailleurs, l'auteur fait des incursions dans d'autres disciplines que la sienne (la littérature, les arts plastiques, la danse, la philosophie, la psychologie, la sociologie) car la variété de ces champs disciplinaires lui permet de mettre à l'épreuve ce qu'il ressent ou ce qu'il a pu expérimenter. Par conséquent, l'acte musical demeure tour au long de ce travail interrogé sous l'angle du décentrement perpétuel. In en ressor que l'inconscient et la réalité musicale semblent pouvoir entretenir des rapports privilégiés, et qu'interrogés sur un laps de temps très court, celui de l'instant donné, les paradoxes l'incitent à rester vigilant. En conclusion, la notion proposée est celle de "l'esthétique de l'expérience" : elle correspond à une attitude musicale et à l'expression sensible de la pensée qui favorisent la recherche d'un épanouissement
9
Daynes, Sarah. "Le mouvement Rastafari : mémoire, musique et religion." Paris, EHESS, 2001. http://www.theses.fr/2001EHES0031.
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10
Moll, Olga. "Structures de la jouissance musicale : une interprétation psychanalytique." Paris 8, 2003. http://www.theses.fr/2003PA082350.
Full textAbstract:
Parler de la musique avec les concepts de la psychanalyse, tel sera notre propos. Nous nous appuierons sur la pensée de Freud et Lacan. Nous retracerons d'abord le parcours qui, de la linguistique à la psychanalyse situe la signification dans un champ nouveau et permet de considérer la musique comme un discours, au même titre que le rêve ou le symptôme. Nous confronterons l'activité musicale au schéma lacanien de l'intersubjectivité. Les travaux de psychanalyse " appliquée " ont démontré que le désir et sa réalisation étaient les moteurs du développement humain. Nous examinerons ainsi la musique dans le champ du désir. La question de la singularité de cet art parmi les autres sublimations s'imposera. Le mythe d'Orphée, central pour l'activité musicale, sera analysé dans ses premières versions puis dans ses adaptations musicales. Enfin nous fixerons notre attention sur le discours musical lui-même, cherchant à déceler si l'on peut y trouver trace de déplacement ou de condensationMusic will be discussed hereunder using psychoanalytical concepts. The ground will be Freud's and Lacan's theories. First, the road from linguistic to psychoanalysis , that places meaning in a new field and lets music be considered a discourse, as well as dreams or symptoms. Musical activity will be confronted to Lacan's intersubjectivity diagram. Applied research studies demonstrated that human development was driven by desire and its realisation. Music will therefore be analysed from the angle of desire. Music's singularity among other forms of sublimation will be obvious. The Orpheus myth, which is of paramount importance for musical activity, will be analysed through its early versions, then through its musical adaptations. The musical discourse will be finally focused on, searching for clues of displacement or condensation
Books on the topic "Interprétation collective de la musique"
1
Bernatchez, Jean-Claude. La convention collective: Savoir la négocier, l'interpréter, l'appliquer. Sainte-Foy: Presses de l'Université du Québec, 2003.
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2
Timothy, Gallwey W., ed. The inner game of music. Garden City, N.Y: Anchor Press/Doubleday, 1986.
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4
Herb, Snitzer, ed. Reprise: The extraordinary revival of early music. Boston: Little, Brown, 1985.
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5
Music performance practice in the early ʻAbbāsid era, 132-320 AH/750-932 AD. 2nd ed. Ottawa: Institute of Mediaeval Music, 2004.
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6
Sawa, George. Music performance practice in the early ʻAbbāsid era 132-320 A.H./750-932 A.D. Toronto: Pontifical Institute of Mediaeval Studies, 1989.
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7
Sawa, George. Music performance practice in the early ʻAbbāsid era 132-320 AH/750-932 AD. Toronto, Ont., Canada: Pontifical Institute of Mediaeval Studies, 1989.
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8
Letnanova, Elena. Piano interpretation in the seventeenth, eighteenth, and nineteenth centuries: A study of theory and practice using original documents. Jefferson, N.C: McFarland, 1991.
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9
Performance practices in classic piano music: Their principles and applications. Bloomington: Indiana University Press, 1988.
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10
Joseph Gelineau, pionnier du chant liturgique en Français: La redécouverte des formes. Turnhout: Brepols, 2004.
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1
Trevarthen, Colwyn, and Laurence Richelle. "L'art musical et conversationnel du bébé: narrations dans le temps du vécu partagé, sans interprétation rationnelle, avant les mots." In Musique et évolution, 101–22. Mardaga, 2010. http://dx.doi.org/10.3917/mard.delie.2010.01.0101.
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Arzú, Marta Casaús. "Le génocide comme expression maximale du racisme au Guatemala : une interprétation historique et une réflexion." In Entre mémoire collective et histoire officielle, 83–111. Presses universitaires de Rennes, 2009. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.100970.
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