Dissertations / Theses: 'Into the wild (Film cinématographique)'

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Caron, Claudia. "L'art de marcher sur la neige : scénario de long métrage original. Suivi d'une étude du concept de norditude dans les fictions artistiques : essai." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26408.

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Abstract:

La première section de ce mémoire consiste en un scénario de long métrage original. L’art de marcher sur la neige est un film québécois de la route développant les thèmes de la fuite, de la solitude, du silence et de la quête de soi. Avant tout, nous aborderons la bible du scénario : le sujet, l’angle de traitement, le milieu et les personnages seront entre autres présentés. La seconde section du mémoire est consacrée à une étude du concept de norditude dans les fictions artistiques. L’étude vise à faire un tour d’horizon des trois composantes sous-jacentes à l’expérience de la norditude par les personnages des fictions de l’écran : les lieux de survivance, la solitude confidente et le silence.

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Soh, Tatcha Charles. "Sens et doublage cinématographique : étude de doublage de "Gone with the wind" (David O. Selznick et Victor Fleming, 1939), d'après le roman de Margaret Mitchell, traduit et doublé en français sous le titre "Autant en emporte le vent"." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1997PA030169.

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Abstract:

Doublage afin de rendre compte du mécanisme intellectuel mis en œuvre au cours d'un film, nous avons étudié le processus intellectuel de la compréhension et de la déverbalisation en vue d'une réexpression équivalente en version double. à partir d'exemples extraits d'"Autant en emporte le vent", cette analyse a permis d'expliquer les mécanismes de la constitution du sens en doublage, et de présenter les grands types de synchronisme (phonétique, syntaxique et artistique) dont dépend la qualité du doublage. L'étude nous a permis de montrer qu'en dépit de la complexité du texte de doublage qui est le produit de l'association de l'image et du son imposant le respect des différents synchronismes, le sens, objet du doublage et de toute traduction doit être cerné et réexprimé naturellement et spontanément In order to analyse the intellectual mechanism at work in the process of film dubbing, we have studied the intellectual process of film comprehension for an equivalent rewording of the dubbed version of the film. Basing our examples on extracts of "Gone with the wind", this study enables us to explain the mechanism through which meaning is formed and reworded during the process of film dubbing. We also analyse the major types of synchronisation (phonetic, syntactic and artistic) on which dubbing quality also depends. Finally, this study also enables us to show that regardless of the complexity of the film dubbing text which is an association of sound and image entailing the respect of synchronisation, meaning, which is at the heart of any form of translation, be it written or dubbed, should be clearly understood and reworded naturally and spontaneously

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Champetier, Dominique. "L' exploitation en salle du film cinématographique." Clermont-Ferrand 1, 1995. http://www.theses.fr/1995CLF10166.

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Abstract:

L’histoire du septième art a connu en l'espace d'un siècle une évolution constante. La multiplication des vecteurs de diffusion des images constitue un évènement, dans la mesure où elle engendre une demande croissante et une consommation plus individuelle des films cinématographiques. La salle de cinéma demeure néanmoins un mode d'exploitation important, en dépit de trois phénomènes : la baisse de la fréquentation, la concentration de celle-ci et l'augmentation de la part du cinéma américain. Ces paramètres impliquent une nécessaire adaptation du cadre juridique aux données économiques du marché cinématographique. Cet aménagement recouvre deux volets. Le premier est inhérent a la reconnaissance du rôle des différents partenaires lors de l'acquisition et de la transmission du droit d'exploiter. Le second réside dans la prise en compte de la destination de l'œuvre à travers la reconquête des spectateurs sur le territoire national et l'élargissement du marché d'exploitation The history of the seventh art has steadfastly developed throughout the last century. The multiplication of means of broadcasting pictures can be called a landmark in so far as it involves increasing demand and a more individual viewing of films. The movie theatre however remains a major mode of exploitation in spite of the three following phenomena : weaker attendance, more specific attendance and increasing american influence. Such parameters demand adaptation of the legal system to the economic data of the film market. This arrangement is twofold : the first aspect is inherent in the acknowledgement of the part played by the different partners while they purchase and hand over the right of exploitation. The second one to be taken into account lies in who the film is aimed at with a view to winning over new spectators within the nation and increasing the market

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Seguin, Gilles. "Le film d'ascension à l'épreuve du genre cinématographique." Phd thesis, Université Paris-Est, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00961192.

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Abstract:

Le présent mémoire de thèse a pour objet l'analyse d'une parenté formelle et symbolique susceptible de constituer en genre les œuvres cinématographiques particulières que nous nommons "films d'ascension". Cette volonté de mettre en évidence une structure narrative proche nous a amené à interroger la notion de genre cinématographique, ses caractéristiques, sa pertinence, ses limites. Les situations d'hybridation avec des genres tels que le mélodrame, le film policier, le film d'espionnage, par exemple, sont également évoquées. La singularité du "film d'ascension" nous a invité à examiner les contextes socio-historiques qui favorisèrent sa naissance et sa pérennisation malgré la disparition de son avatar historique qu'est le Bergfilm. D'autre part, la fonction sociale du film d'ascension a nécessité que nous nous penchions sur sa dimension symbolique et sur les ressorts mythiques qui le sous-tendent ainsi que sur son éventuelle adéquation avec les valeurs de représentation de l'imaginaire social des époques qu'il a traversées. Sont enfin abordées les questions que soulèvent le devenir, dans le contexte de l'appréhension nouvelle de la nature et des espaces naturels, d'un genre étroitement lié à la perception de la haute montagne.

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Seguin, Gilles. "Le film d’ascension à l’épreuve du genre cinématographique." Thesis, Paris Est, 2013. http://www.theses.fr/2013PEST0022/document.

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Abstract:

Le présent mémoire de thèse a pour objet l'analyse d'une parenté formelle et symbolique susceptible de constituer en genre les œuvres cinématographiques particulières que nous nommons «films d'ascension». Cette volonté de mettre en évidence une structure narrative proche nous a amené à interroger la notion de genre cinématographique, ses caractéristiques, sa pertinence, ses limites. Les situations d'hybridation avec des genres tels que le mélodrame, le film policier, le film d'espionnage, par exemple, sont également évoquées. La singularité du «film d'ascension» nous a invité à examiner les contextes socio-historiques qui favorisèrent sa naissance et sa pérennisation malgré la disparition de son avatar historique qu'est le Bergfilm. D'autre part, la fonction sociale du film d'ascension a nécessité que nous nous penchions sur sa dimension symbolique et sur les ressorts mythiques qui le sous-tendent ainsi que sur son éventuelle adéquation avec les valeurs de représentation de l'imaginaire social des époques qu'il a traversées. Sont enfin abordées les questions que soulèvent le devenir, dans le contexte de l'appréhension nouvelle de la nature et des espaces naturels, d'un genre étroitement lié à la perception de la haute montagne The subject of this thesis is to analyze formal and symbolic relationship being liable to form into gender the specific movies that we call " ascent movies." This will to highlight a narrative structure closer that led us to question us about the notion of genre, its characteristics, its relevance, its limits. The Situations of hybridization with genders such as melodrama, thriller, spy movie, for example, are also discussed. The peculiarity of "ascent movie" invited us to examine the socio-historical contexts that favored his birth and his sustainability despite the disappearance of its historical avatar that is the Bergfilm. On the other hand, the social function of ascent movie has required that we consider her symbolic dimension and his underlying mythical spring that as well as her possible appropriateness with values representing the social imaginary of eras that he has come down through. At last, are addressed the issues raised by the evolution, in the context of the new understanding of nature and natural areas, of a genre closely related to the perception of the high mountain

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Vanmalderghem, Olivier. "L'unité du film: une systémique du récit cinématographique." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 1995. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/212516.

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Granier, Laurent-Marie. ""La Momie à mi-mots" : un essai cinématographique : genèse d'un film." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010510.

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Abstract:

Cette thèse a pour projet d'évoquer mon expérience, mon apprentissage de la réalisation d'un film, " la momie à mi-mots": conte initiatique divertimento cinématographique danse. La première partie est centrée sur la naissance de l'idée qui a pour origine ma rencontre avec Jean Rouch. La trame principale du scenario, élaboré autour d'une idée originale, née de mon propre vécu, est la structure imaginaire "mort, momification, résurrection". La danse s'est imposée a moi, car c'est le langage du corps, universellement compréhensible, au-delà de la barrière des mots. La deuxième partie est consacrée au pré-tournage. Mon travail rigoureux et patient d'apprenti producteur, délégué et exécutif, a été de convaincre une centaine d'organismes et d'entreprises de participer au film en apportant des avantages soit en nature soit en argent, en échange d'un remerciement au générique du film. Dans le choix des acteurs, ma rencontre avec Carolyn Carlson (premier rôle) a été décisive. Une autre étape importante dans ce pré-tournage a été l'exploration des lieux de tournage (qui ont eux aussi provoqué des modifications de scenario) et les demandes d'autorisation de prises de vues. La constitution d'un plan de travail, de l'équipe technique et le rassemblement du matériel ont été la phase terminale du pré-tournage. La troisième partie propose une synthèse de mon travail, du premier tournage a la projection du "bout à bout". La quatrième partie propose une réflexion sur les nouveaux tournages, les nouveaux efforts de production et surtout sur les nouveaux montagnes, réduisant le film a une heure cinquante y compris les montagnes des différentes séquences vidéos. Au terme de ce travail, Jean Rouch m'a proposé de passer mon film muet à ce qu'il a appelé la "boucherie" de la cinémathèque française. La cinquième partie rend compte de la phase terminale de mon travail. À ce stade, la constitution d'une société de production s'est imposée, malgré moi. La pièce maitresse de la cinquième partie est. . The purpose of the present thesis is to show our own experience in life and our apprenticeship of the making of the film "La momie à mi-mots": an initiatory tale, a cinematographical danced divertimento. The first part is centered on the birth of the idea the origin of which is our meeting with jean rouch. The main structure of the scenario which has been built out of an original idea born from our own experience is the imaginary structure: "death-mummification rebirth". Dancing has imposed itself upon us for it is the language of the body understandable beyond the limit of the words. The second part is devoted to the pre-shooting. Our precise and patient work of the learning producer. Representating and executive, aims to convince hundreds of organisations and firms to support the film snaking cither in nature or with money. Having their name on the generic in exchange. Our choice of actors was determined by our meeting with Carolyn Carlson (first part) was conclusive. Another important step of the preshooting was the marking ad exploring of the shooting sites (places) (wich resulted in the modification of the scenario) and demands of shooting permits. Then the elaboration of the scheme of work, technical team and collectins the necessary materials have been the last phases of the pre-shooting. The third part gives a synthesis of our work from the first shooting to the showing of the "end to end". The fourth part is a reflexion about new shootings, new efforts of production and above all about new mountings of the film, reducing the film to one hour and fifty's including the setting of various video sequences. As a final of this work, jean rouch suggested to transfer our soundless film to what he called "slaughtering" of the "cinematheque francaise". The fifth part gives an account of the terminal phasis of our work, up to this stage, the organisation of a society of production was a logical step to take. The main part is the mounting of the film divided into three…

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Dubus, Swann. "À la recherche de l'intimité cinématographique : le film intime en questions." Paris 3, 2006. http://www.theses.fr/2006PA030126.

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Abstract:

Qu’est-ce que le cinéma intime ? La plupart des études consacrées au sujet semblent assimiler cinéma intime et intimité à l’écran, considérant intime tout film qui admet des thématiques privées lorsque celui-ci pénètre l’espace publique de diffusion. Or, comment définir précisément ce qui est ou non de l’ordre de l’intime tant cette notion reste subjective ? Et une œuvre qui met en scène un espace ou une relation intime est-elle nécessairement intime ? La multiplication de productions usant de cet appât comme argument commercial nous incite à ne pas retenir le critère thématique. Nous tenterons plutôt de découvrir, à travers l’étude de formes originales crées par des réalisateurs mettant leurs vies en jeu dans leurs oeuvres, une intimité d’essence cinématographique What is intimate cinema ? Most of the studies about this subject don't make any differenciation between intimate cinema and intimacy on screen, considering that any private thematic in a film would make it intimate if it was shown in a public diffusion. But who can say for sure what is intimacy ? It is such a subjective notion. And we disagree that having a private subject in a film makes it intimate as sometimes it is just done to bring in more audience. We will rather look at original cinematographic forms, created by directors that put all their life into their films, in order to find a real cinematographic intimacy

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Zhao, Haifeng. "Le cinéma muet chinois. Etude sur le langage cinématographique." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030028/document.

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Abstract:

Les premiers films chinois sont des documentaires de l’opéras traditionnels. Le langage cinématographique dans le cinéma chinois est née avec Tragédie de l’opium de 1916. L’industrie du cinéma a été fondée dans les années vingt avec la naissance de nombreux studios et avec une production débordante de long-métrage qui est très proche des films hollywoodiens. Le cinéma muet chinois est toujours présent dans les années trente. La mise en scène manifeste une conception cinématographique moderne en gardant la continuité de l’espace-temps. Dans l’utilisation du mouvement de caméra, SUN Yu garde une conception d’espace-temps rationaliste occidentale, tandis que FEI Mu respecte la fluidité d'image. Il y a trois styles principaux des cinéastes du muet : le "théâtre filmée", le modèle hollywoodien chinois et l’école de l’esthétique traditionnelle. La "tradition" du cinéma chinois n’est pas bien formée à l’époque du muet, pourtant elle est une tendance remarquable. Elle devient dans le début des années quarante avec le film parlant une conception générale de l’esthétique cinématographique qui est différente du cinéma d’autres pays. Elle se caractérise, par l’intégralité du plan avec l’utilisation fréquente du plan-séquence et le travelling continue. Cette esthétique cinématographique est influencée profondément par l’opéra traditionnel et la peinture chinoise, qui manifeste l’esprit de l’esthétique chinoise traditionnelle. La "tradition" du cinéma chinois se continue dans les films chinois d’aujourd’hui, pourtant, elle se trouve plutôt dans les films d’art The earliest film in China was the documentary of Chinese opera. It was the first time that the film language appeared in Victims of Opium of 1916. In the 1920s, the Chinese film industry came into being, building up many film studios and producing a quantity of Hollywood style feature films. The production of Chinese silent films had never stopped until the 1930s, when the concept of mise en scène had begun to pay attention to the continuity of time and space, showing the concept of modern film. As for the motion photography, the rational concepts of time and space in the West have been revealed in SUN Yu’s films while FEI Mu has created the implicit images by using motion photography. Thus, in the 1930s, there were three major types of film aesthetic tendencies: the dramatic films, Hollywood-style films and the films with Chinese traditional aesthetic tendency. In the silent era of films, the tradition had become the apparent aesthetic tendency in Chinese films, but it hadn’t developed into the mature film style. Not until the beginning of the 1940s of sound films had this tendency become a distinct national characteristic, which were keeping the integrity of single shot, frequently using le plan-séquence and ongoing motion photography. Chinese traditional opera and paintings have great influence on this film aesthetics, which shows Chinese traditional aesthetics revealed in the film art. The tradition in Chinese films has also been shown in today’s Chinese films; however, it is a style of the art film rather than the film aesthetics of those hot commercial films

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Cloutier, Caroline. "Le discours sur la ville dans les films d'anticipation." Master's thesis, Université Laval, 2003. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28613.

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Ouellet, Josiane. "Spectre des intramondes à l'ère du numérique : la réalité postmoderne dans des films mettant en scène le motif de la réalité virtuelle, notamment la trilogie «The Matrix, eXistenZ et Abre los Ojos». Suivi de: L'Empire des sortilèges (scénario)." Doctoral thesis, Université Laval, 2013. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25973.

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Abstract:

Cette thèse cherche à démontrer l’hypothèse selon laquelle la réalité virtuelle au cinéma renvoie à la réalité de notre société placée sous le signe des technologies numériques et que les films qui y ont recours tiennent sur notre monde un discours postmodemiste s'apparentant à celui de Jean Baudrillard. Ainsi, j’y avance qu'un certain nombre d’enjeux sont contenus en puissance dans les technologies numériques et que, alors qu’elles sous tendent désormais l'ensemble de la société occidentale, il est normal que ces questions se retrouvent, de manière directe ou indirecte, dans les discours dont notre réalité fait l’objet. Concrètement, j'aborde la réalité virtuelle en tant que motif au sein d’un corpus de films la mettant en scène. En tant qu'unité de contenu stable, le motif possède un noyau de sens permanent et indépendant, que je tente de cerner en identifiant les thèmes reliés à la nature même du virtuel technoscientifique. Cela dit, le motif comporte aussi un certain potentiel, qui se réalise de diverses manières selon le cas. Je m’intéresse donc également à la façon dont les thèmes sont développés à travers les fables et les discours des différents récits filmiques étudiés. Autrement dit, je tente de relever le potentiel thématique du virtuel technoscientifique, pour ensuite vérifier comment il s’actualise dans les discours postmodemistes et dans des films mettant en scène le motif de la réalité virtuelle. Pour ce faire, je m’applique d’abord à définir les concepts utilisés (réalité, virtuel et réalitévirtuelle) et à établir une typologie du virtuel et de la réalité virtuelle ou de l’image. Au terme de cet exercice, je propose divers modèles du virtuel et des réalités virtuelles, que je regroupe ultimement dans un modèle général du virtuel dans la société postmodeme. Ce modèle est à la fois typologique et dynamique, dans le sens où il expose divers types devirtualité, mais aussi les relations que les éléments présentés entretiennent entre eux. Il mepermet de mettre en relief le nouveau statut du virtuel dans le contexte d’un monde envahi par les technologies numériques et d’appréhender les enjeux qui y sont rattachés. Surtout, ce modèle me permet de formuler diverses questions (par exemple : « À quel type de programme avons-nous affaire ? », « Quelle forme concrète prennent les interfaces dusystème de réalité virtuelle ? », « Quelle forme prend l'espace virtuel ? ») afin d'appréhender efficacement le motif de la réalité virtuelle dans les films de mon corpus. De plus, je me sers de ce modèle pour étayer mon hypothèse quant aux thèmes dont ce motif est porteur (par exemple, celui des apparences trompeuses). Après quoi, j'essaie de définir la postmodemité et les thèmes qui la traversent. Pour ce faire, je me penche sur différents écrits et, plus précisément, sur ceux de Baudrillard, auteur que j'ai privilégié non seulement en raison de son importance dans le champ des sciences humaines, mais également, parce qu'il parle de notre société en termes de réalité virtuelle. Mon objectif est alors de dégager les grandes lignes de ces discours tentant de cerner l'époque actuelle. Puis, j’observe qu’effectivement, certains thèmes qui les parcourent se rapprochent de ceux contenus en puissance dans le virtuel technoscientifique (par exemple, les thèmes des apparences trompeuses, du pouvoir, du destin et du libre-arbitre, de l’identité, des désirs). Ensuite, je procède à une analyse de contenu des films de mon corpus, soit la trilogie cinématographique The Matrix (Andy et Lana Wachowski, 1999, 2003), eXistenZ (David Cronenberg, 1999) ainsi qu'Abre los Ojos (Alejandro Amenábar, 1997) et son remake Vanilla Sky (Cameron Crowe, 2001). Plus concrètement, j’en relève les récits, les thèmes et les discours en fonction du motif de la réalité virtuelle. Pourquoi ces films ? Parce qu’ils mettent en scène un cas limite : une réalité virtuelle idéale. Ils risquent donc d’explorer un plus large spectre de possibles, quant aux problèmes et aux questions soulevés par le virtuel technoscientifique, que des films mettant en scène d’autres cas de figure. Cela fait, je remarque que les thèmes abordés s’apparentent à ceux rattachés aux technologies numériques et que les discours mis de l’avant s’inscrivent dans la foulée du postmodemisme, voire de la pensée de Baudrillard. Enfin, une analyse comparative de ces oeuvres et d’un corpus élargi d’une trentaine de films me permet d’étendre mes conclusions au motif de la réalité virtuelle au cinéma en général. Au terme de cette étude, il m'est possible de confirmer mon hypothèse de départ, tout en la nuançant. Dans un monde où les technologies numériques sont devenues omniprésentes, la réalité n'est plus ce qu'elle était, ce qui ne signifie pas qu'elle ait disparu, pour peu qu'elle ait jamais existé. Une certaine idée de la réalité s'est estompée, celle qui nous la présentait comme substantielle, rationnelle, mais le phénomène demeure, tandis que de nouvelles réalités voient le jour. Ainsi, la réalité se fait dorénavant « méta-réalité ». où se multiplient des « intramondes » (des notions que j'introduirai au final en guise de synthèse des observations contenues dans cette étude), entre lesquels le sujet doit apprendre à naviguer sans se perdre. En fait, la réalité virtuelle entraîne une mise en abyme de la réalité, faisant en sorte que cette dernière se donne désormais pour ce qu'elle est : une fiction. Ce procédé de mise à distance nous ouvre de nouvelles perspectives. A condition que la réalité virtuelle ne cherche pas à remplacer la réalité, auquel cas elle perd sa fonction. Or, la seule chose qui puisse nous prémunir contre une telle éventualité est notre conscience, notre mémoire, l’inscription de nos expériences au sein d’un itinéraire, d’un récit, d’une histoire propre à nous orienter dans ce monde déspatialisé. En seconde partie, je propose un scénario de science-fiction mettant en scène le motif de la réalité virtuelle. Je présente d’abord le projet dans ses grandes lignes (résumé, personnages, synopsis, traitement cinématographique et lieux). Puis, je détaille le scénario en tant que tel. Enfin, je livre ma création à une analyse comparable à celle à laquelle j’ai soumis les film sde mon corpus pour pouvoir la situer par rapport à l’ensemble et approfondir encore davantage ma réflexion. En fait, ma recherche théorique et mon travail de création se sont continuellement nourri l’un l’autre tout au long de ma démarche. Mes découvertes sur le virtuel m’ont permis d’en exploiter différentes dimensions dans mon scénario, tandis que les aventures de mon personnage m ’ont amenée à mieux comprendre certaines notions en les ancrant dans le concret.

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Lu, Shenghui. "Du littéraire au cinématographique : transformation et réception du texte par le film." Paris 8, 1995. http://octaviana.fr/document/181459523#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Abstract:

Adaptation| apres balasz, bazin et mitry, une serie de questions theoriques et ou methodologiques se posent encore sur ce phenomene. Qu'est-ce que c'est l'adaptation? quel est son statut theorique? pourquoi la reprend-on comme objet d'analyse? si cette etude s'aventure, en methodologie, dans la reconciliation entre bakhtine et g. Genette par la demarche de m. -ci. Ropars-wuilleumier, elle fait preuve d'eclectisme theorique entre le texte kristevo-barthesien, le lecteur d'u. Eco et la reception de h. R. Jauss a la lumiere des notions de polyphonie et de dialogisme. Quoi, comment, pourquoi : ce raisonnement permet de problematiser le sujet et d'analyser l'adaptation avec un corpus d'enjeu : journal d'un cure de campagne (bernanos et bresson), paulina 1880 (jouve et bertuccelli), le sorgho rouge (mo yan et zhang yimou), macbeth (shakespeare et welles), l'idiot (dostoievski et kurosawa). L'adaptation etant problematisee comme transformation receptionnelle, le passage semiotique opere des changements structurels. Certes, la subjectivite de l'enonciation explique les modifications spatio-temporelles, mais le texte se reconstitue par la cooperation d'un lecteur pluriel convoquant la pragmatique dans le processus paradoxal d'ecriture et de reecriture. La reception chronotopique et socioculturelle s'avere consubstantielle a la translation structurelle operee dans un contexte concret de la production du sens. La notion de fidelite ne va pas de soi, parce que la transformation ne consiste pas a rechercher simplement des equivalences, mais a explorer le texte originel, a relire le texte aux textemes dont le textemere est a definir. Donc, la transformation receptionnelle du texte par le film intervient comme un operateur de dialogues entre les textes, les divers sujets parlants au sein du texte general Adaptation| after balasz, bazin et mitry, some theoretical and or methodological problems remain yet unresolved about this phenomenon. What is adaptation? what is its theoretical status? why do we take it as an object of analysis? if, in methodology, this study adventures reconciliation between bakhtin and g. Genette through m. -ci. Roparswuilleumier's approach, it shows a theoretical eclectism among the kristevo-barthesian text, u. Eco's reader and h. R. Jauss' reception with the help of the bakhtinian concepts of polyphony and dialogism. What, how, why : this reasoning permits to problematize the subject and to analysize adaptation with a corpus of gamble : diary of a priest of country (bernanos et bresson), paulina 1880 (jouve et bertuccelli), the red sorghum (mo yan et zhang yimou), macbeth (shakespeare et welles), the idiot (dostoievski et kurosawa). L'adaptation being problematized as receptional transformation, the semiotical passage operates structural changes. Certainly, the subjectivity of enunciation explains spatiotemporal modifications, but text can be reconstitued by the collaboration of a plurial reader, who appeals pragmatics in the paradoxical process of writing and rewriting. Chronotopical and sociocultural reception reveals itself consubstantial with structural translation, that is operated in concrete context of discourse. The notion of fidelity is considered as an impasse, because transformation doesn't consist only in simple researches of equivalences, but also in explorations of the original text, in rereading the text of textemes, of which the mother-text remains to define

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Jeudy, Olivier. "L'analyse de film et l'interprétation des mythes grecs." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010526.

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Abstract:

Notre recherche traite essentiellement des différentes corrélations mises en scène entre la croyance liée au mythe grec, et la croyance liée au médium cinématographique. Les transpositions des mythes grecs au cinéma, comme l'écrit Jean-Louis comolli, sont des évènements sociologiques : les narrations filmiques participent aussi bien d'expressions "transparentes" d'une réalité sociale, que d'expressions idéologiques ; elles ont ainsi une fonction sociale fondamentale par le traitement collectif de la représentation de l'"incroyable". Notre relecture des films, Orphée (1949) et Le testament d'Orphée (1959) de Jean Cocteau, Jason et les argonautes (1963) de Don Chaffey, Le mépris (1963) de Jean-Luc Godard, Oedipe-roi (1967) et Médée (1970) de Pier Paolo Pasolini, et Antigone (1991) de Danièle Huilet et Jean-Marie Straub, consiste à montrer comment les récits filmiques nous permettent de faire l'expérience d'une "plasticité du temps" et d'éprouver, dans un rapport esthétique, la tradition que nous entretenons à l'égard de la mythologie grecque et de nous-mêmes. Comprendre comment les mythes grecs sont réinvestis par le cinéma, c'est, de notre point de vue, analyser la nature du "processus filmo-diegetique", c'est-à-dire la relation entre le film et le spectateur. Notre thèse, qui est composée de trois parties intitulees : la symbolique des récits, mythiques : analyse des systemes d'interpretation, espaces filmiques et rythmes de perception; et les enjeux culturels de l'analyse de film, s'articule plus particulièrement autour d'une réflexion sur les systèmes d'interprétation et de représentation développés par les théories anthropologiques, cinématographiques et sociologiques Our research essentially deals with the different correlations shown between the belief related to the greek myth and the belief related to the cinematographic medium. The transpositions of greek myths to cinema, as Jean-Louis Comolli writes it, are +ociological events : the film narrations partake of "transparent" expressions as well of ideological expressions ; they have thus a basic social function through the collective processing of the representation of the "unbelievable". Or rereading of the films, Jean Cocteau's Orphée (1949) and Le testament d'Orphée (1959), Don Chaffey's Jason and the argonauts, Pier Paolo Pasolini's Odipo rey (1967) and Medea (1970), and Daniel Huillet and Jean-Marie Straub's Antigone (1991), consists of showing how film narrations allows us to experiment a "time plasticity" and to feel, in an aesthetic relationship, in the tradition we are maintaining with regard to the greek mythology and to ourselves. To understand how greek myths are reinvested by the cinema, in our point of view, is to analyze the nature of the "filmo-diegetic process" : the relation between film and spectator. Our thesis, is composed of three parts entitled : the symbolic systems of mythic narrations : analysis of interpretation systems, film spaces and perception rhythms, the cultural implications of the film analysis, it is structured around reflections concerning the interpretation and representation systems developed by the anthropological, cinematographic and sociological theories

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Labrecque, Maxime. "LE FILM CHORAL: Étude des composantes cinématographiques, des particularités littéraires et de la réception théorique de certaines oeuvres emblématiques depuis Short Cuts (1993) de Robert Altman." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/26994/26994.pdf.

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Moinereau, Laurence. "Le générique de film : du linguistique au figural." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030153.

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Abstract:

Le mot << generique >> ne trouve pas sa traduction exacte dans le terme anglais le plus proche, celui de credits. En effet, le second designe une liste de noms ; le premier, un fragment du film comprenant cette liste. Ce fragment est dote d'une autonomie qui menace l'unite organique de l'oeuvre : beneficiant d'un statut d'extra-territorialite, il echappe en partie a l'emprise de la fiction et constitue dans le film la trace d'un autre espace-temps, celui de la production. Ce statut singulier autorise le deploiement de configurations filmiques specifiques, sur le plan semantique comme sur le plan formel. Ce sont ces formes, et non le contenu des credits, que nous etudions, en essayant d'identifier les dynamiques sous-jacentes qui president a leur elaboration. Cette perspective nous amene a considerer le generique comme un champ de forces organise par trois couples de poles : renonciation et la diegese ; le texte et l'image ; le recit et la figure - qui font tour a tour l'objet de nos trois premieres parties. La notion de figure, elaboree a partir des travaux de jean-francois lyotard et georges didi-huberman, constitue l'axe theorique de notre recherche : elle fait le lien entre le figuratif et le figural, entre l'image et la rhetorique du reve telle qu'elle est decrite par freud, le generique apparaissant en dernier ressort comme un lieu d'expression privilegiee du figural. Enfin, la quatrieme partie est consacree a l'analyse des caracteristiques conferees au generique par son site, que l'on peut qualifier de frontalier. L'usage d'une derniere polarite conceptuelle associee ace site (continuite vs discontinuite) permet alors de reconstituer une dynamique globale dans laquelle s'articulent les unes aux autres les dichotomies precedentes.

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Zhao, Weiqing. "Pouvoir et espace - la censure cinématographique dans les concessions de Shanghai (1927-1943)." Thesis, Lyon, École normale supérieure, 2014. http://www.theses.fr/2014ENSL0917.

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Abstract:

Cette étude à l’intersection entre pouvoir et espace porte sur le contrôle du cinéma par les autorités des concessions, l’intervention de pouvoirs concurrents dans le champ du cinéma et les activités de l’industrie cinématographique entre 1927 et 1943. Dans les années 1920, Shanghai, en particulier par ses concessions, devient la capitale du cinéma en Chine. En 1927, les autorités de la Concession internationale et celles de la Concession française établissent l’une après l’autre un système de censure cinématographique en prenant en compte l’expérience de leurs métropoles ou de leurs colonies et coopèrent entre elles dans sa mise en œuvre. Pour maintenir les bonnes mœurs et l’ordre public, les censeurs examinent les films en fonction de critères qui relèvent de la morale publique, de la prévention de la criminalité, de la sensibilité nationale ou du rapport avec la politique. Le cinéma en effet n’est pas seulement un outil de divertissement. Il devient aussi un enjeu de la lutte croissante entre les divers pouvoirs. Ainsi les autorités chinoises utilisent le nationalisme en manipulant l’émotion populaire et parviennent à orchestrer des mouvements de protestation « spontanée » pour s’emparer du droit de censure dans les concessions. Le Japon, acteur clé dans l’histoire moderne de la Chine, joue également un rôle dans ce tableau. Avec l’occupation du territoire chinois de Shanghai à partir de 1937, dans la mesure où l’armée japonaise considère le cinéma comme un outil de propagande, elle cherche à contrôler ce secteur. Les autorités des concessions doivent adapter leurs critères de censure au gré des mutations politiques, sociales et culturelles afin de préserver la stabilité sociale ainsi que leurs propres intérêts. Ces mesures ont une influence sur l’industrie du cinéma qui doit trouver un équilibre entre le contrôle exercé par divers pouvoirs et le marché. Une culture spécifique du cinéma s’est ainsi construite. Cette étude entend analyser à la fois l’évolution du système de censure cinématographique et son influence sur l’industrie cinématographique dans le contexte historique, culturel, ethnique, économique et politique de Shanghai entre 1927 et 1943 This study at the crossroad of power and space focuses on the control of films the authorities of the foreign settlements implemented in Shanghai, the intervention of competing powers in the field of cinema and the activities of the film industry under their control between 1927 and 1943. In the 1920s, Shanghai, and particularly its settlements, became the capital of cinema in China. In 1927, the authorities of the International Settlement and the French Concession both established a system of film censorship that drew on the experience of their metropolitan states or their colonies and began to cooperate in its implementation. To maintain a sound moral environment and public order, the censors examined the films based on criteria such as morality, crime prevention, national sensitivity or politics. Movies were not only a means of entertainment, but also a major issue in the growing struggle among various authorities. In order to take hold of the right of censorship in settlements, the Chinese authorities took advantage of nationalism by manipulating popular emotion and succeeded in provoking campaigns of “spontaneous” protests. In such a context, Japan, a key player in modern Chinese history, also played an important role. After the occupation of the Chinese territory of Shanghai in 1937, the Japanese army, considering that movies were a means of propaganda, tried to control the film industry in Shanghai. The settlements’ authorities had to adapt their censorship criteria to political, social and cultural changes in order to maintain social stability and ensure their own interests. These measures influenced the film industry which had to find a balance between the control by various powers and market forces. A specific film culture thus emerged. This study aims at analysing both the evolution of the film censorship system and its influence on the film industry in the historical, cultural, ethnic, economic and political context of Shanghai between 1927 and 1943

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Hewitt, Jade E. "The Making of Just Like Wild Pete." ScholarWorks@UNO, 2016. http://scholarworks.uno.edu/td/2159.

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Abstract:

In this thesis paper, I will document and analyze the process of making my graduate thesis film, Just Like Wild Pete. I will start by stating my overall thesis statement, then move into each specific area of the filmmaking process. I will translate my learning at the University of New Orleans Film and Theatre program into real life situations with this film, as well as detail my successes and struggles throughout the process. I will analyze my own work, and constantly look to how I can improve in the future. In the end, I will determine if my thesis proves true, and if I was successful in the individual aspects of filmmaking, as well as the thesis film as a whole.

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Hallé, Esther. "Antonio Pietrangeli, critique et création (1940-1965). : pensées du réalisme cinématographique." Thesis, Normandie, 2017. http://www.theses.fr/2017NORMC042.

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Abstract:

Antonio Pietrangeli (1919-1968) est une figure incontournable du paysage cinématographique italien, en tant que critique tout au long des années 1940, puis comme réalisateur à partir de 1953. Formé par les débats critiques qui ont accompagné l’élaboration du néoréalisme, il place son premier film (Le Soleil dans les yeux, 1953) sous les auspices d’une saison néoréaliste finissante, ensuite réélaborée à travers un réalisme conçu sous les termes de la perte et de l’inachèvement, dont on trouve un écho dans son attention à la condition féminine. La présente étude propose une première monographie en langue française sur l’œuvre de Pietrangeli, conduite d’après l’ambition d’établir un dialogue entre son œuvre critique et filmique. L’hypothèse d’une pensée pietrangelienne du réalisme cinématographique, en mettant au jour des modalités de pensée spécifiques à la critique et la création, permet d’établir un dialogue dans lequel la question réaliste apparaît comme un outil conceptuel, qui éclaire la contribution de Pietrangeli à l’élaboration d’une modernité cinématographique. Les trois premiers chapitres retracent un « combat réaliste » qui s’inscrit pleinement dans l’historiographie du néoréalisme italien et se caractérise par sa spécificité morale. Elle annonce une transition épistémologique d’après laquelle la pensée du cinéma s’éloigne d’une tradition idéaliste au profit de perspectives existentielles, incarnées dans une filmographie où le réel, devenu objet de doute, dessine une phénoménologie sceptique que nous aborderons dans les quatrième et cinquième chapitres Antonio Pietrangeli (1919-1968) has been a prominent figure in Italian cinema, as a critic throughout the 1940’s and as a director from 1953. As an actor in the critical debates during the elaboration of neorealism, Pietrangeli places his first film (Empty Eyes, 1953) under the auspices of a neorealist ending season. This style will evolve afterwards towards a realism conceived under the concepts of loss and incompleteness, which is particularly visible in the light of his concern to the condition of women. The present study proposes the first french-language monography about the work of Pietrangeli, with the ambition to establish a dialogue between his critical and filmic work. The hypothesis of a Pietrangelian conception of cinematographic realism, by revealing specific relations between critics and creation, established a dialogue where the realistic question appears as a conceptual tool, which enlightens Pietrangeli's contribution to the elaboration of a cinematic modernism. The first three chapters trace back a "realistic struggle", which is fully part of Italian neorealism’s historiography, and is characterized by its moral specificity. It announces an epistemological transition, meaning that the conception of cinema moves away from an idealistic tradition in favor of existential perspectives, embodied in a filmography where reality, becoming questionable, indicates a skeptical phenomenology, which constitutes the core of the fourth and fifth chapters

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Nadeau-Bernatchez, David. "Le documentaire : rétrospective critique d'un genre cinématographique et applications dans le cadre académique contemporain." Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/24084/24084.pdf.

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Selçuk, Asli. "Le visage secret : approche d'un film et son insertion dans le contexte cinématographique turc actuel." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010642.

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Abstract:

Le cinéma, récente invention à l'époque, a été un des arts, qui ont eu un endorme impact sur les masses dans une Turquie sujette à d'importantes transformations après la proclamation de la république (1923). Apres les films tournes souvent dans un esprit populaire, des noms importants ont marqués les jalons du cinéma sur la voie de s'affirmer en tant qu'art. Parmi, les cinéastes qui, au fil des années, ont muri leurs travaux dans cette optique, se distingue notamment de nos jours, Omer Kavur. Dans ce doctorat, on se propose, d'une part, d'analyser la place d'Omer Kavur dans le cinéma turc et les relations de son cinéma mondial et, d'autre part, de cerner son positionnement dans l'histoire du cinéma turc. Cette thèse est le résultat d'une coopération en tant que assistant réalisateur, d'une connaissance profonde de l'évolution de la quête d'originalité de Kavur et d'un témoignage à la fois concret et abstrait de ce processus. Les raisons de la recherche d'originalité dans un cinéma, qui connait une grave crise économique, et de la rupture du public avec son cinéma, ont été exposées avec des données à l'appui. L'effort d’Omer Kavur, réalisateur d'un cinéma, dont les débouchés sont quasi nuls à l'étranger, comme c'est le cas des cinémas de plusieurs pays, de faire des films artistiques, s'avère être encore plus significatif de nos jours. La volonté d'atteindre les indices du contenu mystique du film "le visage secret", thème central de film, qui s'exprime dans la thèse, porte en soi simultanément celle de chercher et de déterminer la place du cinéma turc actuel dans le monde In the aftermath of the foundation of the republic of Turkey (1923), cinema, a new discovery, was one of the art forms that influenced the masses most. Following the early films made with popular approaches, several important names came to the fore in the making of cinema as art. Among contemporary directors who have developed their work through the years with this scope, omer Kavur is immediately noticed. This Ph. D dissertation analyzes the significance of Kavur in this country's cinema, and attempts to define the connection of this cinema to the global context and its specific place in the history of turkish cinema. The experience of having worked with Kavur as assistant director, having intimately witnessed the process of his search for originality, and participated in this process both physically and mentally, has been shaped into this dissertation. The search for identity in turkish cinema and the distancing of the viewer from his own cinema within a contracting economy and weakened box-office, are explained with data. It becomes all the more important today that, despite the disappearance of export markets, as for many other countries cinemas, Kavur attempts to make art films. The effort to reach the inner roots of the mystical content of "secret face", which forms the main theme, aims at the same time to search for and determine the place of turkish cinema in the contemporary world

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Giorgi, Sebastian Mariano. "Organisation et réception du discours cinématographique : L'analyse d'un film de Wilson Yip : L'esquisse d'une sémiotique intégrale." Limoges, 2013. http://www.theses.fr/2013LIMO2006.

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Abstract:

Puisque la forme de vie principale du discours cinématographique se déroule dans la scène pratique de sa projection sur l'objet écran, notre hypothèse soutient que la synergie entre ses différents niveaux de sa manifestation recherche le changement temporaire de position subjectale chez l'audio-spectateur, afin d'intensifier le plaisir esthétique de ce dernier. Une autre de nos hypothèses pose que cette synergie entre les différents dispositifs cinématographiques est homologable avec la stratégie de l'ellipse développée par Ivan Darrault-Harris et Jean-Pierre Klein. Au lieu d'amener le sujet vers un régime d'autonomie, l'audio-spectateur devient hétéronome durant la projection filmique. Car c'est bien l'en-deça du sujet, l'abandon temporaire d'une instance judicative, qui ouvre l'accès au plaisir esthétique. Ainsi notre troisième hypothèse suggère que la tension s'avère un outil au service du changement de position subjectale, car elle dirige le flux d'attention vers un univers de sensations prévu par le discours filmique. La non-généricité est l'un des dispositifs discursifs privilégiés pour créer cette tension. Et dans l'ensemble syncrétique, chaque langage apporte sa tension, sa valeur ajoutée : la valeur enthymémique de la musique composée par Kenji Kawai pour la séquence de combat entre Ip Man et les dix karatekas ; la valeur hyperbolique de la bande sonore et la valeur interpellatrice des images du film de Wilson Yip en sont des exemples. Analysant les comportements synchrones d'un public durant la projection de la séquence audiovisuelle de notre premier corpus, nous découvrons le rapport entre ces derniers et les moments les plus saillants Since the main form of life of the film takes place in the discourse practice stage of its projection on the screen object, our hypothesis supports that the synergy between the various levels of its manifestation searches a subjectale temporary changes of the audio-viewer position to intensify the aesthetic pleasure of him. Another of our hypotheses posits that this synergy between film devices is comparable to the strategy of ellipse developed by Ivan Darrault-Harris and Jean-Pierre Klein. Instead of bringing the subject to a regime of autonomy, the audio-viewer becomes heteronomous during the film projection. Because it is beyond of the subject, the temporary abandonment of a judgemental instance, which opens the access to aesthetic pleasure. Thus our third hypothesis suggests that the tension turns a tool for changing subjectale position because it directs the flow of attention to a universe of sensations provided by the filmic discourse. The non-generic is a privileged discursive device to create this tension. And in this syncretic set, each language makes its tension, the enthymematic value of music composed by Kenji Kawai for the fight sequence betwenn Ip Man and ten karatekas, the hyperbolic value of the soundtrack and the interpellation value film images of Wilson Yip are some examples. Analyzing the synchronic behavior's public during a screening of the audiovisual sequence of our first corpus, we find the relationship between them and the most important moments of the film

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SMITH, WENDY. "Stratégie d'un film portrait : un grand-père en son jardin." Paris 10, 1986. http://www.theses.fr/1986PA100199.

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Abstract:

Pourquoi réalise-t-on des portraits? Cette thèse a été l'occasion d'une réflexion sur quelque chose qui nous entoure quotidiennement (les portraits photographiques, littéraires, etc. ) mais sur lesquels nous ne nous posons pas de question. Le problème principal qui s'est posé à moi était de faire un portrait de mon grand-père, d'évoquer sa philosophie et, parallèlement, de réaliser un film. Il m'a semblé logique de traiter ce sujet en trois parties : la première partie est une réflexion sur le portrait dans sa dimension historique. En analysant ses transformations, j'essaie de dégager quelques axes de réflexion sur le genre. À partir de cet historique, je dégage des fonctions du portrait telles que je les vois, le rôle de la ressemblance et du modelé à travers les medias, pour tenter de définir le portrait cinématographique. La deuxième partie est établie à la lumière de la première c'est une réflexion sur le tournage proprement dit. Dans la troisième partie, je reviens à la première pour voir si "Perry en son jardin" peut figurer dans les catégories que j'ai dégagées dans la première partie. Lorsque j'ai décidé de faire le portrait de mon grand-père, ce dernier représentait non seulement un modèle et une éthique (l'éthique protestante), mais également mon pays (les Etats-Unis). Depuis que je vis en France, je vois en lui une simplicité, une harmonie dans son rapport au monde qui me fascinent sans que je sache qu'en penser. C’est ce trouble qui m'a poussée à faire ce film. Dans le commentaire du film, outre la description du tournage proprement dit, je traite trois problèmes principaux qui s'entremêlent tout au long du tournage : le choix du sujet, la méthode et les problèmes techniques inhérents aux systemes de tournage et de montage choisis. Cette étude s'inscrit aussi dans une dimension sociologique : c'est une étude sur les objets et notre rapport avec eux. Une réflexion sur le portrait veut dire réfléchir sur l'image que nous avons des autres Why do we make portraits? This thesis was an opportunity to think about something that surrounds us in our daily life (the portrait in its numerous forms) but that we rarely question. The principal question I asked myself was how to portray my grandfather and his philosophy in a film. It seemed logical to treat this subject in three parts. The first part is a reflection on the portrait taken from a historical point of view. I deduce several functions of the portrait, describe the role. The model and resemblance play in each medium, in order to try to define the film portrait. The second part is a reflection on the making of the film. In the third part, I try to see if "Perry in his garden" can be included in the categories I defined in the first section. When I decided to make this portrait of my grandfather, he represented not only a model and an ethic (the protestant work ethic) but also my country (the United States). Now that I live in France, I see a simplicity, a harmony in my grandfather's relationship with the world that fascinates me, without knowing what to think of it. This is why I made the film. In my film commentary, other than the description itself, I treat three principal problems: the choice of the subject, the method used and the technical problems encountered due to the shooting and editing systems I chose. This study also has a sociological dimension: it is a study about objects and our relationship to them. To think about portraits means thinking about the image we have of people around us

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Cibilleau, Aurélien. "Dialectique des regards : l'autre et la construction du récit de soi dans l'auto-filmage pathographique." Master's thesis, Université Laval, 2016. http://hdl.handle.net/20.500.11794/27120.

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Abstract:

Le présent mémoire entend analyser la pratique de l’auto-filmage dans deux films : La Pudeur ou l’impudeur (Hervé Guibert) et Tarnation (Jonathan Caouette). Nous regroupons ces long-métrages sous l’étiquette « auto-filmage pathographique ». Le malade, s’émancipant de l’imagerie médicale et des pratiques cinématographiques institutionnelles, reprend l’image filmique à son compte, aidé en cela par une technologie toujours plus ergonomique. Cette résurgence de l’image du corps malade dans le champ social ne se fait pas sans heurt ; l’exposition de corps décharnés et agoniques convoque un imaginaire catastrophiste et contredit les rituels d’effacement du corps auxquels procède la société occidentale. La forme que prend le récit de soi dans l’auto-filmage pathographique dépend de la maladie qui affecte chaque créateur. Nous observons une redéfinition de la sincérité, en lien avec l’exercice autobiographique. Il s’agit d’utiliser, dans l’auto-filmage pathographique, certains procédés fictionnels pour créer un discours sur soi-même dont la véracité repose sur d’autres critères que ceux communément admis. L’auto-filmage pathographique suppose en ce sens un véritable changement d’attitude et la mise en place de techniques de soi. Il induit une forme de réconciliation avec sa propre identité physique et psychique. En cela, l’écriture filmique de soi est un agent transformateur de la vie et un exercice spirituel. Les réalisateurs ne sont cependant pas uniquement tournés vers eux-mêmes. Chacun inclut quelques privilégiés au coeur de sa démarche. Le soin de soi, dans l’auto-filmage pathographique, ne se désolidarise pas du soin des autres. Auto-filmage et caméra subjective entretiennent un lien dialectique qui donne son sens à l’auto-filmage pathographique et voit leur antagonisme éclater. L’individu s’auto-filmant n’est pas seul ; sa démarche n’est pas qu’un solipsisme. Elle se voit dépassée par l’émergence de l’autre dans le champ ou parfois même, sa prise en main de la caméra. The aim of this essay is to analyse the use of filming oneself by certain film directors and particularly in the two following films: La Pudeur ou L’Impudeur (Herve Guibert) and Tarnation (Jonathan Caouette). We have grouped these movies into one category: “auto-filmage pathographique’’. Cameras are nowadays so much easier to use than in the past, so much so that patients are able to easily use them to challenge powerful medical and cinematographic institutions. These shocking images of wounded and mutilated bodies may also have a catastrophic impact on our imaginative minds as we are not accustomed to them. The author’s illness influences the way the self-narrative script is led. This autobiographical exercise enables a complete new redefinition of sincerity to be revealed. The aim is to use fictional processes to create a speech about oneself whose truth depends on other criteria than that commonly used. Therefore “l’auto-filmage pathographique” requires a profound change of behavior & the use of Michel Foucault’s “techniques de soi”. It implies reconciliation with one’s physical & mental identity. Therefore cinematographic self-narrative is not only a life changing element but also a spiritual exercise. The directors do not however uniquely point the cameras towards themselves. Each one includes a few privileged individuals, possibly family members, in their films. The focus on oneself is not meant to dissociate the director from the others around him. Therefore there is a link between self-filming and the use of subjective camera. The director is not alone, his approach is not a solipsism. Although self-filming may indicate egotistical intentions, it is not a selfish exercise, shown through the appearance of others, who may even take the camera into their own hands.

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Hamache, Soraya. ""Prabhat nagari" (1929-1953) : la contribution d’une compagnie cinématographique indienne à l’émergence du système Bollywood." Thesis, Bordeaux 3, 2019. http://www.theses.fr/2019BOR30027.

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Abstract:

Longtemps ignorée voire niée du fait de ses films jugés peu sérieux et de piètre qualité, l’industrie du cinéma indien basée à Mumbai est pourtant l’une des plus importantes et puissante au monde. Bollywood est à l’origine de classiques du cinéma à davantage considérer dans nos sociétés européennes et nord-américaines, et même en Inde. La vision occidentale de Bollywood, de par les productions en série de l’industrie cinématographique mumbaïte et de ses codes culturels spécifiques, est empreinte de stéréotypes. « Colorés », « kitsch », « acidulés », le cinéma indien pâtit de son image et peine à trouver l’audience qu’il mérite. Pour autant, les regards extérieurs au monde indien évoluent au miroir des mutations de la vision indienne portée sur l’Occident. Bollywood attire de plus en plus l’attention, ce qui explique une multiplication de définitions, d’articles, de sites Internet, de reportages consacrés notamment au star system mais peu d’intérêt a été accordé à l’envers du décor : Bollywood demeure une « usine à rêve » (H. Powdermaker). Les années 1930, avec l’arrivée d’une nouvelle innovation, le parlant, représentent une étape extrêmement importante dans l’histoire des cinémas indiens et du cinéma hindi en particulier. Le cas de la compagnie Prabhat (1929-1953), à la tête d’un des studios indiens les plus modernes de la période, semble pertinent à analyser pour comprendre l’émergence de ce système industriel, de l’intérieur. Du fait d'un parcours original de la compagnie de Kolhapur à Poona et de ses étroites relations avec Bombay, l'analyse de ce studio innovant permet véritablement de comprendre ses choix industriels, entre régionalisme, nationalisme et mondialisation. Ainsi, au regard de ce studio, il serait possible de saisir les multiples facettes du système Bollywood émergent alors. En effet, l'équipe de la Prabhat a pu produire au sein d'une "atmosphère industrieuse", des films de qualité en langues marathi et hindi, contribuant à l'essor de l'industrie du cinéma de Bombay, territoire de diffusion privilégié de la compagnie. Cette recherche consacrée à une industrie qui semble prendre dernièrement une envergure mondiale souligne qu'elle a pu connaitre des premières heures de gloire sur l’échiquier cinématographique international dans ces années 1930-1940, fresque historique qui semble se perdre aujourd'hui dans les mémoires du studio For a long time ignored even denied because of its movies considered less serious and mediocre, the industry of Indian cinema based in Mumbai is nevertheless one of the most important and powerful in the world. Bollywood produced several classic films that should be more considered in our societies in particular in Europe and North America but also in India itself. However, views outside India are evolving in the mirror of new Indian visions of West. Bollywood is being more attractive which explains an increase of articles, web sites, documentaries, especially on the star system, but less attention was paid to the industry and its history. The 1930's constitutes an important step in Bombay film history as Brian Shoesmith demonstrated. With the arrival of a new innovation, talkies, this decade represents a keystone in Indian cinemas' s history and Hindi cinema's in particular. The case of the Prabhat company (1929-1953), one of the leading studios in the 1930s, is in this connection extremely interesting to analyze in order to understand the emergence of this industrial system, from within. Due to its history from Kolhapur to Poona and its narrow relations with Bombay, the analysis of this company producing quality films in Marathi and Hindi contributed to the development of the cinematographic industry in Bombay. Moreover, it allows us to understand its industrial choices, between regionalism, nationalism and globalization. Thanks to Prabhat example, we are able to seize the multiple facets of this emergent Bollywood system and its territories. Although this industry seems to become renowned nowadays, Hindi films were already present at an international scale since the 1930s-1940s. Nowadays, this history seems to be lost in the memories of the studio

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Wang, Lihui. "L’influence de la convergence des médias dans l’économie cinématographique chinoise." Thesis, Paris 2, 2018. http://www.theses.fr/2018PA020033.

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Abstract:

Nous essayons tout au long de cette thèse de lever le voile sur les aspects obscurs d’une industrie particulière, celle des médias, dans un pays à l’environnement politico-économique d’autant plus complexe : la Chine. Après avoir dans un premier temps défini la convergence des médias, nous verrons quelles sont les différentes formes que celle-ci peut prendre dans l’empire du milieu en comparaison avec les pays occidentaux puis nous expliquerons les raisons qui nous permettrons de comprendre en quoi il est tout à fait logique que la Chine prenne sa propre voie dans tous les domaines et en particulier celui des médias. Nous montrerons ensuite les influences que la convergence peut avoir sur une industrie en particulier : celle du cinéma ; comment tous les maillons de la chaine de valeur, depuis l’investissement jusqu’à la distribution en passant par la production, connaissent grâce à l’évolution des nouvelles technologies médiatiques et leur convergence, une révolution constante. A travers l’étude des lois et autres consignes censés réguler cette industrie, mais aussi des flux complexes que la Chine échange avec l’extérieur tout en essayant de les contrôler, nous montrerons en quoi les enjeux sont si importants dans ce marché en constante évolution. Nous présenterons les principaux acteurs de cette convergence en Chine en les comparant notamment avec le géant américain Netflix puis nous nous poserons la question suivante tout au long de ce travail : comment ces entreprises d’Internet transforment-elles la face du cinéma d’aujourd’hui ? We will try all along this thesis to lift the veil on the vague aspects of a complex industry: medias, in a country with an even more complex political and economic environment: China. After defining de concept of media convergence, we will see what are its different forms in the Middle Kingdom in comparison with Western countries. We will explain the reasons why China is naturally taking its own path and not necessarily following the Western models, especially in the media industry. We will then show how the convergence influences one industry in particular: the film industry; how all the links of the value chain from investment to production and distribution are affected by the constant evolution of the new media technologies and how they merge with each other. By reviewing the different laws and other instructions that are supposed to rule the film media industry, but also by analyzing the complex flows between China and the rest of the world that the government tries to control, we will show how much is at stake in this huge market. We will present the main actors of this convergence in China comparing them particularly with the American giant Netflix. How these internet giants transform today’s film industry? This is the question we will try to answer all along this research

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Le, Maître Barbara. "L'ensemble visuel et l'idée de manque : un essai sur la relation entre film et photo." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030108.

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Abstract:

Quelquefois, les images filmiques et photographiques confluent, puis s'imbriquent pour former des representations composites. L'ensemble visuel est le nom que je leur donne. Comment s'effectue la rencontre entre ces images ? que produit leur confrontation ? comment comprendre leur relation ? je note d'abord ceci, que la confluence opere entre des images qui sont aussi bien des empreintes. Je noteencore que l'ensemble visuel s'offre comme une representation fracturee, litteralement ecartelee entre film et photo. De la que cet ensemble fonde deux problemes theoriques, dont le premier engage la comprehension de l'image-empreinte, et le second, celle de l'agencement entre les differents morceaux du tissu representatif. Il se trouve que la pensee freudienne place l'empreinte au coeur de la mecanique du desir et suggere un modele pour comprendre la maniere selon laquelle une simple trace se fait image. A partir des reflexions de freud, j'ai tente de montrer que les empreintes filmiques et photographiques ne constituent pas uniquement des objets visuels, mais encore de veritables instruments d'un travail psychique. Autrement dit, il y a un rapport tout a fait privilegie entre l'empreinte et le desir, entre le travail de l'image et le manque, rapport qu'il s'agit d'expliciter. Les analyses d'oeuvres de robert frank, de chris marker, d'agnes varda, de johan van der keuken, d'autres encore, sont autant d'occasions d'examiner les differentes manieres selon lesquelles l'image exhibe quelque chose du desir, quelque chose qui trouve la, non seulement a s'organiser visuellement, mais encore a s'accomplir.

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Lopez, Puebla Luis. "L'Inconscient et la création artistique : ou Comment des mythes et symboles archaïques font surface dans l'oeuvre cinématographique d'un cinéaste moderne : Raul Ruiz." Paris 3, 1998. http://www.theses.fr/1998PA030038.

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Abstract:

La creation artistique denombre plusieurs contenus. Nous nous sommes surtout interesses aux contenus inconscients et, parmi eux, aux rites, mythes et symboles archaiques. Nous avons observe que nous reproduisons ces mythes, rites et symboles, sans en etre conscient; nous nous sommes questionnes sur le pourquoi de cette reproduction, et, en vue de trouver des reponses, nous nous sommes tournes vers la psychanalyse et son rapport a la creation artistique. Nous sommes arrives a la conclusion que nous avons une "memoire" de ces mythes, rites et symboles anciens et que leur acquisition se situe avant meme notre naissance. Nous avons traite dans ce sens la theorie de platon sur l'immortalite de la memoire ainsi que les theories sur "l'heritage phylogenique" de sigmund freud et sur "l'heritage psychologique" de carl gustav jung. En application de ces theories, nous avons travaille sur l'oeuvre cinematographique de raul ruiz We find several contents in artistic creation. We mainly focused on unconscious contents and, among hem, on rites, myths and archaics symbols. We noticed that we reproduce those myths, rites and symbols, without being conscious of doing so; we asked ourselves what purpose such a reproduction could have and, in order to find out answers, we turned to psychoanalysis and its relation to artistic creation. We came to the conclusion that we have a memory for those myths, rites and symbols and that their acquisition takes place even before birth. With this approch in mind, we studied plato's theory on memory's immortality as well as sigmund freud's theories on "phylogenic heritage" and carl gustav jung's "psychological heritage". We then applied these theories to raul ruiz film works

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Mahmoudian, Eléonore. "Etude de l'adaptation cinématographique des textes de Hayashi Fumiko par Naruse Mikio." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCF006.

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Abstract:

Au début des années 1950, le cinéma japonais achève de se remettre des restrictions d'abord imposées par le régime militariste, puis entraînées par la défaite du pays. L'industrie cinématographique prospère rapidement et puise dans la littérature des histoires pour les films qu'elle doit produire à une cadence toujours plus élevée afin de répondre à la demande des salles de cinéma. C'est dans ce contexte que Naruse Mikio (1905-1969) a réalisé six films inspirés de textes de Hayashi Fumiko (1903-1951). Ces films sont représentatifs tout à la fois des relations que les institutions littéraires et cinématographiques entretenaient à l'époque où les films ont été réalisés, du rôle joué par la littérature dans la politique de production des studios de cinéma et de la façon dont l’adaptation était perçue par la critique de cinéma.Mais outre la présentation de ces aspects contextuels et historiques, l'objectif de cette thèse est de dégager des pistes qui aideraient à appréhender l'œuvre de Naruse Mikio à travers l'examen des choix qu'il opère lors du processus d'adaptation, que ce soit au niveau du sujet, de la construction du récit, ou encore de la mise en scène. Naruse parvient à trouver un équilibre entre ses ambitions formelles et les exigences du récit en élaborant avec virtuosité un style effacé ou « invisible ». Pour tenter d'en faire ressortir les particularités, notre effort s'est concentré sur l'analyse des éléments de notre corpus (films, textes et scénarios). Dans cette entreprise, les textes de Hayashi constituent un référent précieux qui aide à déterminer les rapports que le cinéaste entretient avec son sujet, avec le scénario ou encore avec les contraintes inhérentes au cadre dans lequel il travaille In the early fifties, the Japanese film industry had almost recovered from the restrictions imposed first by the military regime and then from Japan’s defeat in the Pacific War. The industry then prospered rapidly and found in literature the stories needed in order to produce enough movies to comply to the always growing demand of the cinemas. It was in this context that Naruse (1905-1969) realized six movies inspired by Hayashi Fumiko's (1903-1951) works. These movies are exemplary of the relationship between literary institutions and the film industry at the time they were shot. They are also typical of the importance of literature in the production policy of the diverse film studios as well as the manner movie critics received these screen adaptations.Besides the presentation of the contextual and historical aspects, our objective is to identify ways which would help to discover Naruse Mikio's works through the filter of choices made by him at the time of the adaptation, be it when choosing the topic, the story construction or the stage direction. Naruse was able to find a balance between his formal ambitions and the requirements of the story by skillfully elaborating a subdued or “invisible” style. In order to highlight the singularities of his personal style, we have concentrated our effort on the analysis of the diverse elements of our corpus: the films, texts and scripts. In this endeavour Hayashi’s writings are a precious point of reference helping us to determine the precise nature of the relationship the film director had with his subject, with the script as well as the constraints imposed by the frame he was working in

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Langlois-Marcotte, Dominic. "Adaptation cinématographique de la nouvelle Femme de lumière de Claude Vallières : scénario, film, démarche de création et réflexion sur la lumière dans le film noir." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28116/28116.pdf.

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Bernard, de Courville Florence. "Problématique du double cinématographique dans Oedipe roi de Pier Paolo Pasolini, Hiroshima mon amour d'Alain Resnais et dans les analyses critiques d'André Bazin." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030144.

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Abstract:

Œdipe roi de Pier Paolo Pasolini (1967), Hiroshima mon amour d’Alain Resnais (1959) et les textes critiques d’André Bazin se donnent à la fois comme les témoins et les acteurs d’une relation théorique en acte qui se propose de réfléchir à la notion de mimesis dans la modernité cinématographique. Ces trois systèmes sont le fondement d’une interrogation sur la représentation et l’imitation cinématographiques au sein de ce que Jacques Rancière nomme « le régime esthétique de l’art », à partir d’un retour vers ce qui constitue l’essence de la mimesis : les textes de Platon et ceux d’Aristote. Une hypothèse est ici avancée : du cinéma moderne émergerait un paradoxe, celui du double cinématographique, suivant lequel le cinéma serait à la fois présenté comme une duplication, la reproduction parfaite de son modèle, reproduction qui double le monde jusqu’à se confondre avec lui, et comme le double grotesque des corps, ressemblance trompeuse, épuisée, imitation dérisoire d’un modèle. Ce double statut implique que la duplication cinématographique soit régie par une logique du même et de l’autre, de l’identité et de la différence, de la présence et de l’absence. Cette émergence de la mimesis au cœur du cinématographique soustrait la copie cinématographique, le double, à la valeur de l’imitation ontique, saisie comme imitatio, comme action de reproduire ou de chercher à reproduire suivant la logique de l’homoïosis, d’où la nécessité d’étudier les conséquences de l’immersion de ce concept antique dans la notion de modernité cinématographique Edipo Re by Pier Paolo Pasolini, Hiroshima mon amour by Alain Resnais and reviews by André Bazin are the testimonies of a theory which tackles the problem of mimesis in the ²cinema modernity ²; this modernity has been raised by Gilles Deleuze. Those three systems are the basis of a questioning about the representation and imitation in cinema, within Jacques Rancière calls ² the ‘aesthetic’ form of art², a questioning based on the first texts dealing with mimesis : the works by Plato and Aristotle. Let’s bring forward the following hypothesis : modern cinema has emphasized a paradox entitled ² double cinématographique ², implying that cinema is both a duplication – a perfect reproduction of an original, a reproduction which copies the world to become one and the same thing – and a grotesque replica of a matter, a misleading resemblance, and a derisory imitation of an original. This double status implies that the cinema duplication is ruled by a logic of similarity and difference, a logic of presence and absence. This emergence of mimesis leads to the following awareness : the cinema replica does not only mean reproducing or trying to reproduce according to the homoïosis logic, hence the necessity of studying the consequences of the insertion of this antiquity concept in the "cinema modernity" notion

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Faucilhon, Emmanuelle. "Cinéaste amateur dans les colonies : expérience, filiation et reconstruction cinématographique." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3145.

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Abstract:

Le corpus de films est constitué par les films amateurs tournés par les coloniaux dans les colonies françaises, Madagascar et le Sénégal. Ce corpus source est enrichi des films contemporains les utilisant. Dans le cadre d'une pratique d'action-recherche, deux films ont été réalisés. En 3 mouvements nous avons essayé de déterminer la valeur des films amateurs coloniaux aujourd’hui. Nous nous sommes appuyés sur l’anthropologie pragmatique et la philosophie de l’ordinaire pour comprendre les enjeux de ces films. Nos enquêtes révèlent que cette absence de valeur correspond à un déni de réalité de la situation coloniale, niant à la fois les injustices et les liens affectifs qui avaient pu être créées principalement entre les enfants de colons et les domestiques. D'où le paradoxe : des films dits "domestiques", les domestiques sont absents. Cette absence est essentielle. Sans les nounous et les boys, ces films sont des no man’s land. De plus, le contexte colonial crée un rapport d'illégitimité voir d'illégalité de ces films. En conclusion nous proposons d'une part une méthode de reconstruction cinématographique qui mette au cœur de son dispositif les trois acteurs liés aux films amateurs : les filmeurs, les filmés, les personnes dans le Hors champs. D'autre part nous proposons la création d'un institut des films amateurs coloniaux reposant sur des principes établis par un éthique de l'archivistique audiovisuelle et qui permettrait aux anciens colonisés de se réapproprier les images spoliées de leur propre passé à une époque où il y avait un monopole des moyens de production audiovisuelle. Cela répondrait à une justice mémorielle, audiovisuelle et affective The films corpus is made by amateur films shot by colonials in the French colonies, Madagascar and Senegal. This source corpus is enriched by contemporary films using these amateur films and films from the colonial era. As part of a practice of action research, two films were made. In 3 movements we tried to determine the value colonial home movies may have today. We relied on the pragmatic anthropology and ordinary philosophy to understand the issues of these films. The starting assumption was that these films had been abandoned, they had no more value as a result of a colonial state denied by settlers. Our historical and sociological surveys show that this lack of value is a denial of reality of the colonial situation, denying both injustice and emotional ties that had been created mainly between the settler children and servants. Hence the paradox of films called "domestic" is that domestics are absent. This lack is essential. Without nannies and boys, these films are a no man's land. Moreover, the colonial context creates a report view illegitimacy illegality of these films. In conclusion we propose firstly a cinematic reconstruction method that puts the heart of its system linked to the three actors amateur films: the filmmakers, the filmed people and those in the fields Out. Secondly we propose the creation of an institute of colonial amateur films based on principles established by an ethic of audiovisual archiving that allow former colonized to reclaim the images of their own past at a time when there was a monopoly of audiovisual means of production. This would respond to a memorial, audiovisual and emotional justice

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Casgrain, Andrée. "Adaptation cinématographique de La chienne, suivi de, De la conception à la réalisation d'un film : le scénario comme intermédiaire." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2000. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp01/MQ55841.pdf.

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Gouyon, Jean-Baptiste. "Experts in the wild natural history film-making as a culture of knowledge-production." Thesis, University of York, 2009. http://etheses.whiterose.ac.uk/14122/.

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Abstract:

This thesis is about natural history film-making and how it relates to the public understanding of science. The word 'public' in the phrase is taken to designate in the first place the film-makers. The study is thus one which investigates how natural history film-makers negotiate their identity and situate their knowledge with relation to sciences. Drawing on an examination of the history of the development of natural history film-making in Britain, and on two case studies of contemporary examples of natural history films, this thesis first suggests that the culture of natural history film-making should be regarded as an offshoot of the Victorian culture of amateur natural history, thus as a form of knowledge production in its own right, instead of a form of popularisation of science. In this perspective, natural history film-makers appear as spokespersons for nature and not for science. Their relationship to scientific practitioners would be aptly described as one of co-existence on either side of a border, peopled with such objects as animals, plants, and the motion-picture camera. Natural history film-makers' cognitive authority stems from their status as amateurs naturalists-deriving their knowledge of the natural world from their capacity to engage intimately with it-as well as from their ability to use the film-making apparatus convincingly. The types of evidences supporting the claims to trustworthiness to be observed in natural history films do not appear to relate to the values and beliefs of professional science but to the culture of amateur natural history and to the conventions of the film medium. In order to account for the type of authority to speak for nature embodied in the culture of natural history film-making, this thesis proposes to use the word "telenaturalist".

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Fortin, Marie-Eve. "Parodies satiriques et documentaires expressionnistes : la représentation critique de la célébrité dans l'oeuvre cinématographique de William Klein." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA038.

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Abstract:

L’oeuvre de William Klein est reconnue pour ses stratégies formelles innovatrices et avant-gardistes qui attireront l'attention des artistes et des professionnels de sa génération non sans provoquer au passage quelques scandales ni sans subir les contrecoups de la censure. La trentaine de courts, moyens et longs métrages réalisés par Klein, forme un corpus hétérogène qui affiche à première vue des incohérences sociologiques, politiques, économiques et culturelles potentiellement discutables. Dans ces conditions, la position critique de Klein paraît ambiguë, inconséquente voire, contradictoire, parce que les films diffèrent également par leur thème, leur cible, leur mode de production et leur genre. Nous croyons cependant que l’engagement politique de Klein est le fil d'Ariane qui unit son oeuvre cinématographique et dissipe toute idée de rupture que ses contemporains pourraient lui reprocher. Au cours de cette période cruciale qui s'étend de 1965 et 1970, alors que le libéralisme en tant qu’idéologie officielle du système capitaliste cherche à vaincre le communisme pour s'imposer à l'échelle mondiale, Klein pose son regard sur les célébrités en tant que figures médiatiques et identitaires comme autant de moyens des pouvoirs politiques, économiques et religieux. À l'ère de la guerre froide, de la guerre du Vietnam et des combats pour la décolonisation, il prend le parti des mouvements de droits civils et de libération et se range du côté des révolutionnaires qui les défendent. Il brosse notamment le portrait de personnalités associées à la contre-culture américaine; il remet en question les modèles qui s'étaient jusque- là imposés dans la culture de masse et les idéologies dont ils étaient investis et va jusqu'à critiquer le concept même de célébrité. En procédant notamment à une démystification des moyens de la représentation de l'American Dream et de l’American way of life, William Klein s'en prend aux faux-semblants issus de ces industries (du divertissement) et de ce champ (politique) qui mettent en place des systèmes de production et d’exploitation de la célébrité en tant que symbole, destinée à orienter les goûts esthétique, les comportements commerciaux et/ou les opinions politiques des individus. Il dénonce ainsi les injustices raciales, les inégalités sociales, les abus de pouvoir et8les débordements des gouvernements attribuables à l’impérialisme occidental qui est à l'époque sous l'influence des États-Unis. Le corpus qui nous permettra de développer notre argumentation comprend quatre films, soit deux films de fiction et deux films documentaires. Qui êtes-vous, Polly Maggoo? (1966) et Mister Freedom (1968) sont les deux films de fiction que nous avons qualifiés de « parodies satiriques ». En ces termes, le film Polly Maggoo parodie les contes de fées pour faire la satire de l’industrie de la mode, tandis que le film Mister Freedom parodie les super-héros de bande dessinée et autres justiciers des films hollywoodiens, pour faire la satire de la politique étrangère américaine. Les documentaires politiquement engagés sont à notre avis expressionnistes, comme le propose le critique américain Jonathan Rosenbaum. Muhammad Ali, The Greatest (1964-1974) ; Eldridge Cleaver Black Panther (1970) mettent en scène ceux que William Klein appelle les « Super Noirs américains » et par des moyens réflexifs, ils démontrent de l’inter-subjectivité entre le cinéaste et ses sujets The films of William Klein are still little known. His filmography includes thirty titles which appear at first sight heterogeneous, while their sociological, political, economic, and cultural discrepancies seem questionable. As such, and because the themes of his films themes,targets, production modes and genres are constantly moving, Klein’s critical position seem ambiguous, inconsistent if not contradictory. Yet, we believe that the political commitment of William Klein is at the core of all of his films and dissipates all discrepancies.Between 1965 and 1970, while liberalism as the official ideology of the capitalist system is fighting against communism to expand its power around the world, Klein is looking at celebrities as vectors of the political, the economical and the religious powers. While the Cold War, the Vietnam War and the anti-colonial armed struggles are shaking the world, he associates with the counter-culture and youth culture and questions the role models advertised in the mass media, and the ideologies they represent. Portraying the modes of representation that shapes the American Dream and the American Way of Life, William Klein criticises the makes-believes found in the entertainment industry and the political field that aim at shaping our identities, our commercial behaviours and our political opinions. He condemns racism, social inequalities and abuses of power associated with Western imperialism. We propose to analyse two fiction films and two documentaries in the course of our argumentation. Qui êtes-vous, Polly Maggoo? (1966) and Mister Freedom (1968) are what we have called after Daniel Sangsue, satirical parodies. Accordingly, Polly Maggoo parodies fairy tales to satirize the fashion industry, while Mister Freedom parodies the superheros of the comic books to satirize American foreign policies.Based on Jonathan Rosenbaum thesis, we consider Muhammad Ali, The Greatest (1964-1974) and Eldridge Cleaver Black Panther (1970) as expressionist documentaries. The reflexive strategies found in these films is symptomatic of an inter-subjectivity between the filmmakerand his subjects

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Malo, Mélina, and Mélina Malo. "L’écran argenté : étude sur l’utilisation du miroir au cinéma." Master's thesis, Université Laval, 2013. http://hdl.handle.net/20.500.11794/24644.

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Abstract:

Dans ce mémoire, nous cherchons à poser un regard nouveau sur le miroir, cet objet apparemment anodin, dont la présence au cinéma dissimule souvent un sens caché, ainsi qu’à démontrer, à travers l’élaboration d’une typologie des différentes fonctions du miroir, que la surface spéculaire se révèle souvent une clé d’interprétation importante pour saisir le sens d’un film à l’échelle du plan, de la scène ou de l’ensemble de l’œuvre. Nous tenterons, dans un premier temps, de définir et distinguer les modes de réflexivité du miroir au cinéma – concret, métaphorique, métacinématographique – pour ensuite les associer aux différents rôles que le miroir peut prendre dans les films. Enfin, nous proposerons une analyse filmique de Black Swan de Darren Aronofsky (2010), laquelle prendra appui sur l’étude des miroirs employés dans l’œuvre. Dans ce mémoire, nous cherchons à poser un regard nouveau sur le miroir, cet objet apparemment anodin, dont la présence au cinéma dissimule souvent un sens caché, ainsi qu’à démontrer, à travers l’élaboration d’une typologie des différentes fonctions du miroir, que la surface spéculaire se révèle souvent une clé d’interprétation importante pour saisir le sens d’un film à l’échelle du plan, de la scène ou de l’ensemble de l’œuvre. Nous tenterons, dans un premier temps, de définir et distinguer les modes de réflexivité du miroir au cinéma – concret, métaphorique, métacinématographique – pour ensuite les associer aux différents rôles que le miroir peut prendre dans les films. Enfin, nous proposerons une analyse filmique de Black Swan de Darren Aronofsky (2010), laquelle prendra appui sur l’étude des miroirs employés dans l’œuvre.

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Korn, Mirabelle. "La Réconciliation de La Tradition et de La Modernité dans L’adaptation Cinématographique Contemporaine du Conte de Fées en France et en Allemagne." Scholarship @ Claremont, 2012. http://scholarship.claremont.edu/scripps_theses/49.

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Abstract:

This thesis examines the adaptation of fairy tales in ten recent French and German films. It looks specifically at narrative structures, representations of magic, portrayals of childhood, and manifestations of good and evil. This thesis asks how and why contemporary French and German filmmakers choose, consciously or not, to update some of the central motifs of fairy tales for a modern audience and what attitudes toward the reconciliation of tradition and modernity those choices express.

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Thibeault, François. "La dynamique de trouple ou la représentation de relations triangulaires dans le cinéma français : le cas de Wild Side, des Chansons d’amour et d’À trois on y va." Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2019. http://hdl.handle.net/10393/39602.

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Abstract:

Depuis les années 1950, la société occidentale vit de profondes modifications : la famille nucléaire laisse la place à de nouveaux construits familiaux et la société hétéronormative est de plus en plus remise en question par les chercheurs et théoriciens du mouvement queer. Les rapports amoureux ne se constituent plus nécessairement autour d’un homme et d’une femme et de nouvelles structures amoureuses sont recensées, dont les relations triangulaires. En marge de cette présence dans la société, les relations triangulaires sont aussi observées depuis quelques décennies au cinéma et elles intéressent de plus en plus de chercheurs. À l’aide des travaux de Serge Chaumier sur la représentation des triades au cinéma et de la recherche sur les coalitions au sein des triades de Theodore Caplow, nous souhaitons observer les rôles et les fonctions du tiers afin de savoir s’il contribue à la reconfiguration de la société patriarcale. Nous effectuons cette recension des rôles et des fonctions du tiers dans trois films français (Wild Side, Sébastien Lifshitz, 2004; Les Chansons d’amour, Christophe Honoré, 2007; À trois on y va, Jérôme Bonnell, 2015) à l’aide de l’analyse de contenu qualificative, qui nous permet de définir avec plus de précision ces nouvelles constructions identitaires. S’inscrivant dans la poursuite des recherches de Chaumier, notre étude permet de mieux comprendre les nouveaux rôles du tiers au cinéma : il est aujourd’hui perçu davantage comme un allié plutôt qu’une menace. De plus, il est moins représenté à titre d’amant caché. Par contre, les dictats de la société patriarcale imposent toujours leur joug et forcent souvent les relations triangulaires à vivre cachées ou à se déconstruire.

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Zambrano-Cardenas, Andrea. "Le spectacle cinématographique à Santiago du Chili entre 1920 et 1929." Thesis, Lyon, 2020. http://www.theses.fr/2020LYSE2003.

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Abstract:

Ce travail a comme objectif de reconstruire, à travers les annonces publicitaires parues dans la presse de l’époque, un pan de l’histoire cinématographique chilienne jusqu’ici relativement peu étudié et pourtant fondamental : le spectacle cinématographique muet à Santiago du Chili pendant les années 1920 – 1929, une décennie clé pour le cinéma national.Cette recherche utilise comme source principale les journaux El Mercurio de Santiago et El Diario Ilustrado. L’analyse des annonces publicitaires des salles de cinéma parues respectivement dans ces journaux, archives riches en contenu et qui participent du dialogue intertextuel et interculturel, a été le pilier fondamental de cette recherche.C’est par l’étude du spectacle cinématographique, des salles de projection, des cinémas et de leurs exploitants et leurs répercussions dans la presse écrite des années vingt, que ce travail, qui s’inscrit dans ce que Bongers appelle la « discusivacion del cine », initie, à notre sens, une approche nouvelle de cette mémoire culturelle que constitue le cinéma.Cette perspective amène à questionner précisément le rôle joué par la production cinématographique nationale, l’une des plus dynamiques dans l’histoire du cinéma chilien, et par la censure dans le spectacle cinématographique tel qu’il se construit à cette époque.Notre recherche aborde des sujets qui concernent la naissance du cinéma chilien, le début de la sédentarisation du spectacle cinématographique dans la capitale du Chili et le rôle socialisateur des salles de cinéma, la politique tarifaire appliquée par leurs exploitants, les productions cinématographiques locales et le rapport de ce spectacle avec la presse de l’époque The purpose of this work is to reconstruct, through the study of advertisements published in the press of the time, a part of Chilean film history that is so far relatively unstudied, but nevertheless fundamental: the silent film show in Santiago, Chile during the 1920 - 1929.This research uses as it's main sources the newspapers El Mercurio de Santiago and El Diario Ilustrado. The analysis of cinema advertisements published in these content-rich newspapers, which contribute to intertextual and intercultural dialogue, were the fundamental pillar of this research.It is through the study of the cinematographic show, projection rooms, cinemas and their operators, as well as and their repercussions in the press of the 20s, that this work, which is part of what Bongers calls the "discusivacion del cine", initiates in our opinion, a new approach to the cultural memory that constitutes the cinema.This perspective leads to a precise questioning of the role played by production one of the most dynamic in the history of Chilean cinema, and by censorship in the film show as it was being constructed at that time.Our research addresses topics related to the birth of Chilean cinema, the beginning of the sedentarisation of the cinematographic show in the Chilean capital and the socializing role of cinemas as well as the price policy applied by their operators, local film productions and the relationship of this show with the press of the time

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Theurel, François. "Le spectateur en mouvement : perspectives et impacts de la diffusion cinématographique numérique sur les pratiques spectatorielles en milieu festivalier." Thesis, Avignon, 2011. http://www.theses.fr/2011AVIG1116/document.

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Cette recherche, réalisée en partenariat avec le Marché du Film de Cannes, s’attache à appréhender l’impact qu’exercent les évolutions des outils numériques de diffusion sur les spectateurs de cinéma dans un contexte festivalier. A l’envers des rhétoriques fonctionnant sur l'idée d’une rupture positiviste dans les pratiques des individus, particulièrement dans un contexte où un grand nombre de représentations médiatiques présentent les évolutions numériques comme «révolutionnaires», nous nous sommes efforcé de saisir ce qui constitue la complexité des pratiques et représentations des spectateurs, tant dans leurs aspects évolutifs que dans leurs aspects de continuité, dans le contexte de ce que nous avons nommé le régime numérique. Nos deux principaux terrains d’étude, le Marché du Film de Cannes et le Festival de Kinotayo, nous ont permis de considérer notre questionnement sous deux angles : celui de l’impact direct des relais numériques sur les pratiques et représentations des spectateurs en situation collective, mais également celui de l’impact des technologies numériques de diffusion sur la forme de l’entité festivalière elle‐même.La problématique du mouvement spectatoriel permis par les usages des relais numériques de diffusion débouche ainsi, dans le contexte éminemment sédentaire de l’activité cinématographique, sur de multiples enjeux d’importance : questionnant à la fois la portée de l’hypothétique individualisation d’une pratique collective, les perspectives renouvelées d’interaction des individus avec la chaine cinématographique mais également les limites évolutives de ce qui constitue la forme «festival». C’est ainsi une dynamique de reconfiguration multidimensionnelle de l’expérience collective cinématographique et festivalière qui apparaît dans cette recherche. Entre sphère collective et sphère privée, entre imaginaires«traditionnels» et pratiques évolutives, elle ancre l’évolution des pratiques et représentations en régime numérique non dans une optique de rupture, mais bien dans une optique de continuité This research, conducted in partnership with the Cannes Film Market, seeks tounderstand the impact exerted by digital diffusion technologies on the movie goers in the collective context of festivals.Unlike theories associating the practices of individuals to the idea of a positivist break, particularly in a context where a large number of medias describe digital evolutions as"revolutionary", we have tried to grasp the complexity of the practices and representations of spectators, both in the irevolutionary and continuity aspects, in the context of what we have called the digitalera.Our two main studyfields,the Cannes Film Market and the Kinotayo Festival, have allowed ustotackle our questions from two perspectives : that of the direct impact of digital tools on the practices and representations of spectators in a collective situation,but also that of the impact of digital diffusion technologies on the festival entity itself. The question of the spectators ’movement allowed by the uses of digital diffusion tools leads us, in the context of the highlys edentary cinematographic activity, to several issues of importance : questioning the potential individualization of a collective practice, questioning the renewed possibilities of interaction between the spectators and the cinematographicchain,but also questioning the evolving limits of what is known as "festivals". Thus appears, in this research, a multidimensional dynamic of reconfiguration of the collective festival and cinema expériences. Between the collective and private spheres, between "traditional" representations and evolving practices, this study shows us that the evolution of practices and représentations in a digital context is not about the idea of a break, but about the idea of continuity

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Zéau, Caroline. "La politique de production de l’Office National du Film du Canada, 1939-2003 : un cas d’institution d’intervention publique dans l’activité cinématographique." Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA08A001.

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L' émergence du cinéma canadien résulte de l'existence de l'Office National du Film du Canada, un organisme de production d'Etat créé en 1939 par le documentariste britannique John Grierson. Cette thèse interroge son évolution et ses mécanismes internes de production pour dégager ce qui a fait de cette agence de propagande gouvernementale un modèle unique d'institution d'intervention publique dans l'activité cinématographique. L'historique de sa structure et de son mandat étudié dans un premeier temps, est suivi de l'examen, à partir d'un choix de films, de textes et d'archives, de sa politique de production. Une attention particulière est portée à la période qui en constitue "l'âge d'or" : le "cinéma direct", qui opère le renouveau du documentaire, devient l'autre domaine d'excellence de l'ONF, avec l'animation. Cette émancipation artistique permet l'accession au long métrage de fiction. Cette étude révèle les filiations entre l' ONF et le cinéma canadien depuis le début des années soixante.

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Ait, Belhoucine Mariam. "Evaluation des partenariats public-privé appliqués à la production cinématographique au Maroc entre 2004 et 2013." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA048/document.

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Abstract:

Depuis 2004, le Maroc a opté pour des partenariats public-privé pour augmenter le nombre de productions cinématographiques, et le montant budgétaire de quelques productions dans l’espoir d’avoir des films à haute qualité internationale. Dix ans après, le nombre des films produits est en augmentation devant un déclin du nombre de salles suite à la baisse des recettes. Devant ce constat, il devient nécessaire d’évaluer les projets choisis pour ce Partenariat, leurs sorties commerciales et par conséquent du travail du centre cinématographique représentant l’Etat, et de ses diverses commissions qui sélectionnent les films. Cette thèse évalue ces films produits en partenariat avec l’Etat en suivant la méthode d’analyse SWOT pour chacun des films bénéficiant de ce PPP. Chaque deux ans, la commission qui choisit les films produits en partenariat, est renouvelée. Cette commission, désignée par le ministre de tutelle, vient en grande partie de milieux politiques, ou idéologiques qui affecteront leurs choix des thématiques et aussi des traitements des histoires. Une synthèse des analyses SWOT des films choisis lors de chaque commission permet l’évaluation de son travail. Une synthèse générale des résultats des dix ans permet d’évaluer le dispositif en lui-même, le mode et les critères de sélection. Dans cette thèse, nous allons aussi investiguer le travail de l’Etat via le CCM pour remédier à ce constat, et les résultats des actions entreprises.En effet, mettre l’accent sur les obstacles handicapant les productions bénéficiant du PPP, permettrait une meilleure réorganisation des structures de ce fonds de Partenariat pour réussir les productions futures. Pour ce, après l’étude d’autres modèles de politiques culturelles cinématographiques de pays qui ont mieux réussi les sorties des films, cette thèse présente des propositions de restructuration du fonds de soutien au cinéma au Maroc Since 2004, the Moroccan government launched public-private partnerships (PPP) to increase the number of film productions, and leverage up the corresponding budgets in the aim for higher film and media quality. Ten years later, the number of films produced has increased, yet the gross income has dropped down, along with the number of movie theaters. In regard to the listed outcomes, reviewing the projects selected to benefit from state financial support, as well as the film release campaigns, and consequently the work of the Moroccan Cinematographic Center (CCM), the state Agency in charge of the selection and financial support of film projects, became an urgent necessity. The present thesis aims to evaluate the films produced in partnership with the State, based on a SWOT analysis method.The commission in charge of the film selection for the PPP support is renewed every two years. The ministry of communication and culture based on different criteria appoints this commission’s members. Among these criteria are the political and ideological beliefs, which indirectly influence the choice of the theme and the movie project to pick and put up front for the PPP sponsorship program.A summary of the two years' period SWOT analysis for the selected films helps evaluate the commission’s work. A more in depth study over the past ten years, yields a synthesis of the SWOT results for each of the movie projects reviewed. This synthesis allowed questioning the criteria, and the process of selection used by the CCM and thus the quality of its work. The present thesis will consequently, investigate the effectiveness of this state agency and highlight the corrective actions implemented by the state to remediate to the actual situation, then conclude with the results of these actions.Evaluating the Strengths, weaknesses, threats and opportunities of each and every film project as whole will certainly enable a better organization of the state funding, and thus help future productions success, making the funding purpose come true. Based on the study of several successful models in different countries, this thesis, suggests a new strategy to restructure the film support fund in Morocco, in order for a better commercial outcome of the film industry in Morocco

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Lavastrou, Marc. "La réception du cinéma allemand par la presse cinématographique française entre 1921 et 1933." Phd thesis, Université Toulouse le Mirail - Toulouse II, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00793003.

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Abstract:

Avant même la première distribution d'un film allemand en France, la presse spécialisée s'emploie à dénigrer les productions de l'ennemi héréditaire qui sont réduites à des œuvres de propagande. Ce n'est qu'à la fin de l'année 1921 que Louis Delluc parvient à projeter un premier film germanique. Aux réactions chauvines et nationalistes succèdent rapidement des commentaires plus réfléchis. Ces analyses sont construites sur des stéréotypes issus d'une vision romantique de l'Allemagne telle que Madame de Staël a pu la décrire. Pour les critiques, le succès mondial du cinéma d'outre-Rhin montre la supériorité des cultures européennes sur la " jeune " civilisation américaine. Dès lors, les productions allemandes deviennent un modèle pour le cinéma hexagonal. Avec Les Nibelungen ou Faust, le 7ème art allemand apparaît aux yeux de la critique comme l'archétype de la culture européenne. Ces longs métrages sont représentatifs de l'identité allemande mais dépassent les cadres nationaux pour atteindre une forme d'universel qu'atteste les réussites économiques des productions du milieu des années 1920. L'apparition du cinéma parlant renouvelle les relations franco-allemandes. Les collaborations sont désormais le lot commun des réalisations du début des années 1930 ce que symbolise la production de versions multiples. De part et d'autre du Rhin, les professionnels coopèrent à l'édification d'un cinéma européen sans pour autant perdre de vue l'indispensable ancrage national des films. Des transferts culturels franco-allemands seront multiples jusqu'en janvier 1933. Toutefois l'émigration allemande ne trouvera pas un accueil favorable dans les studios parisiens.

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Abhervé, Séverine. "Compositeur de musiques de films dans l'industrie cinématographique française : définition, caractérisation et enjeux d'un métier en mutationj." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010522.

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Abstract:

Cette thèse étudie le métier de compositeur de musiques de films au sein de l'industrie cinématographique française, selon une approche transversale et complémentaire (législation, sociologie du travail, psychologie sociale, économie). La première partie dresse un état des lieux de la profession et caractérise son statut de coauteur du film (loi 1957). Elle définit les rapports entre le compositeur et l'équipe du film afin de comprendre sa place dans l'industrie cinématographique, et tout particulièrement sa relation avec le réalisateur. La seconde partie présente les résultats d'une enquête réalisée auprès de 109 compositeurs travaillant pour le long-métrage français. Elle permet de définir et de caractériser le métier selon leur opinion. La vitalité de cette activité professionnelle est également mesurée autour de trois dates clefs (1985, 1995 et 2008) afin d'appréhender l'avenir de la profession dans l'industrie cinématographique française. La période analysée, 2000-2008, vise à mesurer la mutation que traverse le métier. Sa représentation est enfin esquissée du point de vue des cinéastes français, de l'industrie cinématographique et des compositeurs eux-mêmes. La troisième et dernière partie aborde l'aspect économique de la profession, ainsi que la politique de soutien au métier de la part des institutions (CNC et SACEM), puis les enjeux d'une formation apprenant au couple au couple réalisateur-compositeur à travailler de concert.

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Orlo, Alessandra. "Rendre les stéréotypes dans le film "Qu'est-ce qu'on a fait au bon Dieu?": transposition ou traduction ?" Bachelor's thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2015. http://amslaurea.unibo.it/8842/.

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Abstract:

Le rôle du traducteur est de permettre le dialogue entre deux « mondes autres », de connaître les éléments qui les différencient et de transmettre le message le plus fidèlement possible. Tout dans un texte peut résister à la traduction (vocabulaire, syntaxe, culture). Le but de la traduction est de recréer l’original, tout en sachant que la traduction a ses limites. Quelles sont les limites de la traduction ? Est-il suffisant de bien maîtriser une langue pour pouvoir la traduire ? Est-ce que tous nos mots ont une équivalence dans les autres langues ? Pouvons-nous faire rire l'autre avec les mêmes traits d’humour ? Une traduction, peut-elle transmettre au lecteur ou au spectateur cible toutes les nuances présentes dans le texte ou le film de départ ? Le film français Qu'est-ce qu'on a fait au bon Dieu ?3 sera l'objet de notre analyse. Tout comme le film de Dany Boon, il a eu beaucoup de succès en France et il a également été doublé en italien. Il s'agit ici aussi d'un film humoristique qui joue sur les stéréotypes que nous avons sur l'autre, d'où le choix de commenter le doublage et d'imaginer une piste de transposition italienne. Ce mémoire se propose de répondre aux questions posées ci-dessus, tout en proposant des commentaires de traduction et des pistes de transposition. Nous allons développer trois parties : tout d'abord, nous allons voir comment notre vision du monde influence notre langue et, vice versa, comment notre langue crée un ordre dans le monde. Ensuite, nous allons nous concentrer sur l'intraduisible verbal et non verbal, sur la traduction et l'adaptation de l'humour. Enfin, la troisième et dernière partie sera consacrée au thème de la transposition et, plus particulièrement, à la piste transposition du film Qu'est-ce qu'on a fait au bon Dieu ?.

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Russell, Diane. "Du storyboard au storyboardeur : étude comparative d'une activité cinématographique en France et aux États-Unis." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030067.

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Abstract:

Ce travail a pour point de départ une analyse quantitative de l’objet »storyboard » faite sur un large corpus. La taxinomie ainsi établie, croisée avec une approche qualitative, nous permet de mettre en lumière des codes de communication et des invariants inhérents à ce dispositif de pré-production. Cela aboutit, dans un premier temps, à la définition de l’outil storyboard parmi les autres dessins de préparation cinématographique. Le classement des données en fonction de leur période apporte ensuite une perspective nouvelle à l’analyse : c’est par l’objet, trace de sa propre histoire et vecteur de pensées, que se dessinent les interactions sociales et la professionnalisation de ceux qui le confectionnent. L’étude porte sur deux conceptions différentes de la pratique du storyboard, d’un côté et de l’autre de l’Atlantique The starting point of this work involves a quantitative analysis of the object »storyboard » applied on a large corpus. The taxonomy here established, crossed witha qualitative approach, allows one to reveal communication codes and invariantsinherent to this preproduction device. This first leads to the definition of the toolstoryboard among other film preparation drawings. The classification of the dataaccording to its period then brings a new perspective to the analysis: it is through theobject, vestige of its own story and vector of ideas, from which are drawn the socialinteractions and the professionalization of those who manufacture it. The studyconcerns two different conceptions of the storyboarding practice, on both sides of theAtlantic Ocean

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Le, Pallec Marand Claudine. "Réflexivité et anti-érotisme du film sexuel en France (1972-1976) : des auteur(e)s-cinéastes face au genre porno et au mouvement féministe." Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA084115.

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Abstract:

Sans que leurs différents (co-)auteur(e)s-réalisateurs/réalisatrices se soient concertés et sans qu’aucun parmi ces derniers ne revendique un genre de film déjà existant, La Maman et la Putain (1973, Jean Eustache), Je tu il elle (1974, Chantal Akerman), Numéro Deux (1975, Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville), La Dernière Femme (1976, Marco Ferreri), Anatomie d'un rapport (1976, Luc Moullet et Antonietta Pizzorno) et Une vraie jeune fille (1976, Catherine Breillat) sont six films tournés en langue française (langue du tournage) entre 1972 et 1976 qui possèdent des caractéristiques esthétiques communes. La valorisation de l'inspiration pornographique, une bande son sans cris et sans musique où les échanges dialogués dominent, l'intégration esthétique du mouvement féministe et le refus manifeste de l'érotisme cinématographique (et du sentiment de concupiscence sensé être produit par la représentation de la sexualité) permettent de réunir ces six films sous le terme de « film sexuel ». Cette expression reprend le néologisme proposé par Luc Moullet en 1969 pour distinguer une nouvelle représentation de la sexualité. La thèse porte sur une décennie peu étudiée du cinéma français, les années 1970, à un moment où l'explosion de la production pornographique, les propos des cinéastes sur l'engagement que constitue pour l'auteur(e)-réalisateur/réalisatrice (-acteur/actrice) la représentation de la sexualité et la poétique de chacun des six films complexifient comme rarement auparavant les catégories usuelles de la pornographie et de l’érotisme dans leurs rapports au domaine cinématographique Despite a total lack of concertation between their various creators and without discussion of an existing genre, La Maman et la Putain (1973, Jean Eustache), Je tu il elle (1974, Chantal Akerman), Numéro Deux (1975, Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville), La Dernière Femme (1976, Marco Ferreri), Anatomie d'un rapport (1976, Luc Moullet et Antonietta Pizzorno) et Une vraie jeune fille (1976, Catherine Breillat) are six french language films shot between 1972 and 1976 using a common set of esthetic characteristics. The valorisation of their pornographic inspirations, a dialogue laden sound track devoid of screaming and music, the esthetic integration of the feminist movement and the patent refusal of eroticism (along with the feeling of lust intended to be derived from the representation of sexuality) allow these six films to be termed « sexual films». This neologism was first used by Luc Mullet in 1969 to define a new way of representing sexuality. The thesis focuses on a much maligned decade in French cinema, the 1970’s, at a time when the explosion of pornographic production, the notions of the representation of sexuality propagated by the film makers (writers/directors/actors) and the poetry of each of the six films add a level of complexity rarely witnessed within traditional representations of sexuality (pornography and eroticism) prior to this point

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Weidemann, Henry [Verfasser]. "Into the Wild. Rhetorik der Landschaftsdarstellung im Hollywoodkino am Beispiel der Langfassung von Kevin Costners ''Dances with Wolves'' / Henry Weidemann." Aachen : Shaker, 2018. http://d-nb.info/1188550179/34.

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Michelon, Pierre. "Les déportations politiques au sein de l'empire colonial français. Des récits, des archives et des voix pour dessiner une carte cinématographique de la décolonisation, telle qu'elle n'a pas pu être, telle qu'elle n'est pas encore." Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2019. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-02873555.

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Abstract:

« Ubi solitudinem faciunt, pacem appellent » (italiques)« Là où ils ont créé la solitude, là où ils ont fait le vide et le silence, ils appellent cela la paix » (italiques)Tacite, Discours de Calgacus en 83, cité par l’historien Louis-José Barbançon dans « La Conférence de Louis-José Barbançon sur les déportations politiques », Mwà Véé, Revue culturelle kanak, n°51, 2006, p.51De Guyane française ("française" en italiques), de Kanaky, d’Algérie ou de France des voix s’élèvent, celles des condamné.e.s politiques déporté.e.s par la puissance coloniale face à laquelle ils ou elles tentaient de faire front.Une histoire méconnue se dévoile et se construit : elle mêle des espaces géographiques et des destins multiples ; des idéologies et des contextes de luttes qui se rencontrent, s’associent ou s’opposent ; des correspondances clandestines, acheminées ou non ; des « travaux » forcés, des évasions ou des disparitions. C’est un passé commun, un passé traduit et pluriel. C’est écrire ou parler l’histoire de la violence.Cette fable politique se construit avec celles et ceux qui se souviennent. Quelques enfants de condamné.e.s, quand ils le peuvent, quand ils le veulent, évoquent la mémoire de leurs parents déportés ; d’autres militant.e.s parlent de leurs luttes au présent de l’indicatif, depuis la « postcolonie », depuis « l’outre-mer ». Avec elles et avec eux, Pierre Michelon collecte et produit un ensemble de poèmes, de traductions et de films, qui raconteraient - conditionnel - une histoire des décolonisations, telles qu’elles n’ont pas pu être, telles qu’elles ne sont pas encore « Ubi solitudinem faciunt, pacem appellent » (italiques)« [...] and where they make a desert they call it peace » (trad. Oxfordrevised edition)« There where they brought desolation, where they imposed nothingness and silence, they call that peace » (italiques) (traduction : Tom Stockton)Tacitus, Discourse pronounced by Calgacus in 83, excerpt from Agricola, quoted by the historian Louis-José Barbançon in « La Conférence de Louis-José Barbançon sur les déportations politiques », Mwà Véé, Revue culturelle kanak, n°51, 2006, p.51Timidly the winds have been whispering in the rushes and from French Guiana ("french" en italiques), Kanaky, Viêt Nam, Algeria or France rising voices have started to escape. These voices are those of political prisoners, deported by the colonial powers that they were trying to oppose.Across this story’s complex cloth diverse geographies and multiple destinies have been woven ; manifold ideologies and contexts of struggle have met and thereafter twined or opposed one another ; bright threads from clandestine correspondences (arrived or not) have been stitched ; forced “labour”, stories of escapes and disappearances have recurred as disturbing patterns.With some of the prisoners descendants, when they are able to, when they want, Pierre Michelon is gathering a serie of poetic videos, translations, and collective memories.(traduction : Tom Stockton)

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Karadzha, Ksenia. "La politique de l'Etat russe en matière d'exploitation cinématographique. Analyses à partir du cas de Saint-Pétersbourg [1995-2005]." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030190.

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Abstract:

Comment penser les problèmes d'accessibilité relatifs aux prix et la politique de répertoire des cinémas contemporains ? Quels sont les déterminants de la fréquentation des salles de cinéma et les conditions de son augmentation ? Quelles formes pourrait prendre un système d’exploitation cinématographique alternatif ? Tels sont les questionnements qui sous-tendent la recherche doctorale présentée dans cette thèse. Ce travail vise à définir et élaborer des bases théoriques et méthodologiques afin d’augmenter l'efficacité de la gestion du système de distribution des films en Russie, en s’appuyant sur l'utilisation de l'expérience russe et française en matière de préservation de l'identité nationale de la culture cinématographique dans un contexte de mondialisation culturelle. Cette thèse a permis d’élaborer un projet de système de gestion de la structure intergouvernementale portant sur l'exploitation cinématographique dans ses dimensions d’économie politique, d'organisation et de marketing dans la perspective d’une efficacité accrue pour résoudre les problèmes d’ordres économique et socio-culturel. Les résultats de l'étude peuvent être utilisés pour contribuer à définir la politique de l’État dans la sphère de l'exploitation cinématographique aux niveaux fédéraux, régionaux et locaux ; dans le processus de réforme et d'amélioration de l'efficacité de la gestion du système d'exploitation cinématographique ; pour la détermination des orientations à long terme de l'activité de marketing dans le domaine de l'exploitation cinématographique What is the solution of the problems with the price accessibility and repertoire policy for the modern cinemas ? What are the determinants of cinemas attendance and how to increase the target audience of cinemas ? What is the suitable form for the "system of alternative film exhibition" ? These were the questions to answer with the recent thesis. The purpose of the research is consisted in the determination and elaboration of theoretical and methodological bases for increasing the efficiency of Russian film exhibition management using the accumulated Russian and French experience of maintaining the national identity of cinematograph culture in the conditions of cultural globalization. As a result of the conducted research the international structure of film exhibition was elaborated and presented widely in the organizational, economical and marketing aspects with the aim of increase the efficiency of the solution of economical and socio-cultural problems. The results of this scientific work can be used while defining the state policy in the film exhibition field on the federal, regional and local levels ; in the process of reforming and increasing the efficiency of film exhibition management ; during the practice of foundation the perspective directions of marketing activities in the film exhibition field

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Krey, Catellier Miriam. "A study of Margaret Atwood's The handmaid's tale, from novel to its film reading = La servante écarlate de Margaret Atwood : du roman à l'adaptation cinématographique." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk1/tape9/PQDD_0018/MQ48934.pdf.

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Dissertations / Theses on the topic 'Into the wild (Film cinématographique)'

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