Academic literature on the topic 'Jeux avec musique'
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Journal articles on the topic "Jeux avec musique"
1
Feryn, Mathieu. "Les mondes du jazz et leurs publics en France. Une réflexion sur les pratiques des acteurs de la création au cours des années 2000." Revue internationale animation, territoires et pratiques socioculturelles, no. 15 (March 8, 2019): 65–70. http://dx.doi.org/10.55765/atps.i15.223.
Full textAbstract:
L’étude du jazz permet d’observer les jeux de légitimité entre le monde de la musique savante, dont il imite l’organisation, et celui de la musique populaire, avec son vedettariat. Les changements que connaît le marché du jazz en France au XXIe siècle sont ici appréhendés à travers le système de récompenses, de prix et de distinctions décernés dans les concours. Après observations, l’image de l’amateur de jazz comme intellectuel bourgeois et savant s’effrite. La démocratisation et la médiation conduisent maintenant de considérer usagers, profanes et experts tour à tour comme récepteurs, diffuseurs et producteurs de l’information « jazzistique ».
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Fillion, Eric. "Le sahabi de Sonde : évolution d’une source sonore." Circuit 23, no. 1 (2013): 9–14. http://dx.doi.org/10.7202/1017207ar.
Full textAbstract:
Né des ateliers de design musical offerts à l’Université McGill par Mario Bertoncini, Sonde s’impose rapidement au Canada et à l’étranger. Partant de jeux exploratoires et d’improvisations méditatives, le groupe utilise des techniques électroacoustiques afin d’explorer les potentialités acoustiques de matériaux divers. Il arrive parfois que ces musiciens s’arrêtent sur une source sonore dont les qualités musicales dépassent toute attente. C’est le cas du sahabi, instrument constitué d’un cadre de métal au travers duquel sont tendues des dizaines de cordes métalliques. Deux exemplaires de cette source sonore existent et les membres du groupe les utilisent fréquemment depuis 1976. Pour ces raisons, le sahabi mérite le statut d’instrument de musique. Mais quels sont les enjeux qui accompagnent ce glissement sémantique ? Le présent article répond à cette question en s’appuyant sur un entretien réalisé par l’auteur avec Charles de Mestral, créateur du sahabi et figure importante de la nouvelle musique au Québec.
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Soulez, Antonia. "Phrases musicales." Circuit 17, no. 1 (2007): 27–47. http://dx.doi.org/10.7202/016772ar.
Full textAbstract:
L’auteure examine ici la portée du paradigme musical dans la philosophie de Wittgenstein. Le cadre de cet examen est l’approche à partir de Wittgenstein de ce que les philosophes ont aujourd’hui à dire de la signification musicale. Deux styles d’approche sont suggérés, l’un projectif bien marqué par l’idée de « musikalische Gedanke » dans le Tractatus et révélateur d’une filiation à laquelle appartient Wittgenstein, et l’autre horizontal suivant l’axe grammatical du rapport esthétique d’appropriation du geste de l’oeuvre à travers une écoute active. Cette conception intègre une exploration de la résonance des aspects, dans une troisième phase qui ne sera pas développée. Comment Wittgenstein remplit-il certains critères d’appartenance à ce que Lydia Goehr appelle « la quête formelle de l’autonomie du musical » est une question qui conduit l’auteure à re-situer le nouage musique et société chez Wittgenstein, par contraste avec Adorno, en mettant en relief les conditions auxquelles une compréhension interne d’un « contenu formel » (Granger) peut se combiner ici avec le contexte d’une pratique. Soulez met donc l’autonomie musicale selon Wittgenstein à l’épreuve du contexte des formes de vie, dans une phase où dominent les « jeux » d’une grammaire comparative motivée par l’analogie de la compréhension d’une phrase du langage avec celle de la compréhension d’une phrase musicale. Mettant l’accent sur le caractère actif de la compréhension, doublée d’une performance, l’auteure entend montrer comment Wittgenstein pense la musique avec la société autrement qu’Adorno, donc sans référence dialectique. La clef est une connexion inédite entre immanentisme de la signification musicale à l’échelle d’une phrase, comme le pense Wittgenstein et ses contemporains de l’École de Vienne, et un schéma esthético-pragmatique de « context-dependency ». De là s’ensuit une forme d’autonomie compatible avec la sphère extramusicale. Si « tout un monde se tient dans une phrase musicale », comme le dit Wittgenstein, c’est bien au sens où un motif répercute certains aspects d’un « monde » auquel nous contribuons en le « faisant ».
4
Donin, Nicolas. "Le moment Musique en Jeu." Circuit 20, no. 1-2 (2010): 25–31. http://dx.doi.org/10.7202/039640ar.
Full textAbstract:
L’auteur se penche sur l’histoire, qui reste encore à écrire, de Musique en jeu, la revue française mythique des années 1970, qui est un modèle explicite pour la revue Circuit. Cet article livre des propos tirés d’entretiens réalisés à l’occasion d’une rencontre publique sur le passé et l’avenir des revues musicales avec deux des fondateurs de Musique en jeu : son principal animateur, Dominique Jameux, ainsi que l’un de ses collaborateurs notables, Jean-Pierre Derrien. Sont esquissés des détails sur la naissance de la revue de même que sur son évolution au cours de la décennie.
5
Hétu, Joane. "Itinéraire à compléter." Circuit 6, no. 2 (2010): 9–10. http://dx.doi.org/10.7202/902128ar.
Full textAbstract:
Au travers de courtes contributions, parfois à caractère poétique, quelques acteurs de la musique actuelle (Hétu, Palardy Roger, Derome, Gervais, Côté) et des « décideurs » (Swift, du Conseil des arts, et Prévost, de la Société Radio-Canada) tentent de définir ce qu’on peut entendre aujourd’hui par « musique actuelle », souvent par différence avec la « musique contemporaine ». Certains auteurs jouent le jeu, d’autres dénoncent l’entreprise ou disent leur malaise devant un exercice considéré comme nominaliste. Tous insistent sur le métissage, le décloisonnement et l’hybridité des styles et des pratiques et font l’éloge de la spontanéité.
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Beaucage, Réjean. "Interprète et créateur." Circuit 15, no. 1 (2010): 65–72. http://dx.doi.org/10.7202/902342ar.
Full textAbstract:
Le violoncelliste français Benjamin Carat privilégie l’interprétation d’oeuvres nouvelles issues d’une étroite collaboration avec les compositeurs durant le processus de création. S’employant à développer un nouveau répertoire pour son instrument, il concentre son travail sur la musique mixte et les nouvelles techniques de jeu. Parcours biographique et réflexion sur le métier d’interprète.
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Stévance, Sophie. "Une lecture dialogique de l’improvisation libre et collective en musique actuelle et en contact-improvisation." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, no. 1-2 (2012): 117–25. http://dx.doi.org/10.7202/1012357ar.
Full textAbstract:
Cet article propose une analyse de l’improvisation en musique actuelle, un courant musical d’avant-garde qui s’est développé au Québec en 1979, à la lumière du contact-improvisation (mouvement chorégraphique apparu aux États-Unis en 1972). L’objectif est de comprendre la nature de ces arts improvisés où le rapport avec autrui en est le fondement. Comment l’individu et l’autre agissent-ils l’un sur l’autre? Comment prennent-ils la place qui leur revient dans le cadre d’un même processus conversationnel en cours? Le dialogisme selon Bakhtine, ici considéré comme métaphore, permet d’illustrer les interactions en jeu dans la musique actuelle et le contact-improvisation. Le dialogisme offre également l’occasion d’interroger la notion d’improvisation libre et collective, dont la musique actuelle et le contact improvisation sont les dignes représentants.
8
Morand, Louise. "Élèves difficiles : récompenser ou punir ? Une stratégie d’intervention pour les enseignants basée sur le dessin et le jeu." Notes from the Field 48, no. 1 (2013): 243–51. http://dx.doi.org/10.7202/1018411ar.
Full textAbstract:
Cet article relate une expérience menée par une enseignante en musique au primaire pour améliorer le comportement d’élèves qui perturbent la classe. Il s’agit d’une activité de dessin à la récréation présentée comme sanction pour les élèves ayant contrevenu aux règles du groupe dans le cours de musique. Cette expérience s’est avérée positive, car elle a permis à l’enseignante d’acquérir une meilleure compréhension des élèves difficiles et d’apaiser les tensions découlant des conflits vécus en classe. L’auteure démontre que le plaisir partagé de la création artistique et du jeu social ont permis d’établir une meilleure communication avec les élèves et d’éviter le recours à la violence et la coercition, tout en incitant les jeunes à coopérer davantage à l’école.
9
Leclair, François-Hugues. "Composer une musique nordique ?" Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 14, no. 1 (2013): 55–62. http://dx.doi.org/10.7202/1016199ar.
Full textAbstract:
La dimension nordique a toujours occupé une place centrale dans mon imaginaire, les images les plus présentes dans ce réseau de symboles étant l’espace, la rudesse des éléments, en particulier du vent et du froid, de même que les dimensions du silence et de la solitude. La manifestation musicale de ces qualités hivernales est étudiée dans l’analyse détaillée du Solstice d’hiver, pour sextuor de flûtes, ainsi que dans un panorama de mes oeuvres à caractère nordique : choix des textes en lien avec l’hiver à la source de l’inspiration ; choix de timbres instrumentaux fréquemment associés au froid ; utilisation de modes de jeu contemporains pouvant évoquer le vent glacial, l’espace boréal ; rudesse de certaines sonorités ; instillation du silence dans la composition ; évocation de l’espace dans les distances entre les différents plans sonores ; création d’ambiances empreintes du mystère lié à la solitude humaine face à l’immensité du paysage.
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Laplante, Chantale. "Le son généreux [pour une hyper-écoute]." Articles 26, no. 2 (2012): 69–74. http://dx.doi.org/10.7202/1013226ar.
Full textAbstract:
L’article que l’artiste propose au lecteur relate le processus de transformation de sa pratique artistique durant une période particulière. L’artiste nous entretient de la transformation dans sa manière de composer la musique et de travailler avec le son. Elle développe sa réflexion autour de deux notions principales : l’hyper écoute qui favorise une approche intuitive, le son devenant la source première d’information à être transmué par la sensibilité de l’artiste, et l’espace-surface issu d’un temps musical non linéaire inscrit dans la durée. Tout au long de l’article, le lecteur prendra connaissance d’un contexte de travail précis qui a favorisé l’émergence d’un questionnement sur le processus de composition musicale et la relation avec le matériau en jeu, le son.
Dissertations / Theses on the topic "Jeux avec musique"
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Thibault, Magalie. "L'écoute de la musique classique comme moyen de favoriser l'expression orale chez l'enfant d'âge préscolaire (4-5 ans)." Master's thesis, Université Laval, 2018. http://hdl.handle.net/20.500.11794/35466.
Full textAbstract:
Depuis quelques années, de nombreuses études se sont intéressées à la musique, particulièrement à l’influence que celle-ci peut apporter dans certains domaines. Ainsi, de récents travaux scientifiques menés en éducation et en psychologie démontrent l’importance de l’apprentissage de la musique pour le développement des jeunes enfants (McPherson, 2005; Hallam, Cross et Haut, 2008). La musique engage l’ensemble du cerveau à travers un nombre diversifié d’opérations perceptives et cognitives (Altenmuller, 2003). En outre, quelques études empiriques relèvent que de nombreuses habiletés musicales émergent et se consolident au cours des premières années de vie, particulièrement entre l’âge de quatre et six ans (Gordon, 2003 ; Ilari, 2002 ; Radocy et Boyle, 2003). L’écoute musicale semble faciliter le développement cognitif et plus particulièrement langagier (Kraus et al., 2014). Cette étude qualitative tisse les liens entre la musique et le langage. Elle a pour but d’explorer dans quelle mesure l’écoute de la musique chez des enfants d’âge préscolaire peut aider leur expression orale. Elle porte sur l’analyse de l’écoute de la musique classique pendant des moments de jeux de dix enfants de quatre et cinq ans et plus particulièrement pendant des causeries, afin d’examiner si la musique influence l’expression orale chez ces enfants. L’analyse des résultats soulignent que la majorité des participants sont devenus plus sensibles à l’écoute de la musique et que certains de leurs comportements et gestes suivaient le rythme des chansons. Par ailleurs, les résultats relèvent également que plusieurs participants du groupe ont amélioré leur expression orale et que celle-ci semblait influencée par l’écoute musicale.<br>In recent years, many studies have focused on music, especially the influence that it can bring in some areas. Thus, recent scientific work in education and psychology show the importance of learning music in the development of young children (McPherson, 2005; Hallam, Cross and Thaut, 2008). Music engages the whole brain across a variety of perceptual and cognitive operations. (Altenmuller, 2003). Moreover, according to the latest research, studies indicate that many musical skills emerge and consolidate during the first years of life, particularly between the ages of four to six (Gordon, 2003; Ilari, 2002; Radocy et Boyle, 2003). Musical listening seems to favor cognitive and more specifically language development (Kraus et al., 2014). This qualitative study forges the links between music and language. It aims to explore the extent to which listening to music in preschool children can promote their oral expression. It focuses on the analysis of listening to classical music during playful moments of ten children aged four and five, and more particularly on talks, to examine whether music influences oral expression in these children. The analysis of the results highlights that most participants became more sensitive to listening to music and that some of their behaviors and gestures followed the rhythm of the songs. In addition, the results also indicate that several of the group's participants improved their speaking skills and that this seemed to be influenced by musical listening.
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Eveno, Pauline. "L'impédance d'entrée pour l'aide à la facture des instruments de musique à vent : mesures, modèles et lien avec les fréquences de jeu." Phd thesis, Université Pierre et Marie Curie - Paris VI, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00787322.
Full textAbstract:
Ce travail porte sur l'évaluation et le choix de descripteurs objectifs pertinents du point de vue de la qualité des instruments de musique à vent. Il s'inscrit dans le cadre d'un projet collaboratif de développement d'une plate-forme d'aide à la facture instrumentale. Le travail s'appuie essentiellement sur la notion d'impédance d'entrée. Une étude comparative de diff érentes méthodes de calcul d'impédance d'entrée de pavillons sont confrontées à l'expérience. Les résultats montrent que les méthodes utilisant la théorie des lignes en abscisse curviligne et un modèle de rayonnement adapté, permettent d'obtenir les fréquences de résonance avec une précision de l'ordre de 8 cents. Au-delà de la fréquence de coupure, les méthodes numériques sont plus proches de la mesure mais les hautes fréquences ont une influence mineure sur les fréquences de jeu. Par ailleurs une étude sur les "résonateurs" de tampons de saxophone révèle que ceux-ci doivent être considérés comme des "raidisseurs". A partir d'enregistrements en situation de jeu, il apparaît que la présence ou non de "résonateurs", causant une différence visible sur l'impédance d'entrée, est aussi perceptible par le musicien. Enfin, une analyse comparative entre fréquences de résonance et fréquences de jeu d'une trompette à branche d'embouchure paramétrable a été conduite avec plusieurs musiciens. Après analyse statistique des résultats, il apparaît que la fréquence de jeu est contrôlée par la fréquence de résonance, à 8 cents près, valeur de l'ordre de grandeur de la répétabilité des musiciens. Pour les trompettes, les fréquences de résonance semblent donc être des descripteurs pertinents de l'intonation de l'instrument.
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Eveno, Pauline. "L' impédance d'entrée pour l'aide à la facture des instruments de musique à vent : mesures, modèles et lien avec les fréquences de jeu." Paris 6, 2012. http://www.theses.fr/2012PA066502.
Full textAbstract:
Ce travail porte sur l’évaluation et le choix de descripteurs objectifs pertinents du point de vue de la qualité des instruments de musique à vent. Il s’inscrit dans le cadre d’un projet collaboratif de développement d’une plate-forme d’aide à la facture instrumentale. Le travail s’appuie essentiellement sur la notion d’impédance d’entrée. Une étude comparative de différentes méthodes de calcul d’impédance d’entrée de pavillons sont confrontées à l’expérience. Les résultats montrent que les méthodes utilisant la théorie des lignes en abscisse curviligne et un modèle de rayonnement adapté, permettent d’obtenir les fréquences de résonance avec une précision de l’ordre de 8 cents. Au-delà de la fréquence de coupure, les méthodes numériques sont plus proches de la mesure mais les hautes fréquences ont une influence mineure sur les fréquences de jeu. Par ailleurs une étude sur les “résonateurs” de tampons de saxophone révèle que ceux-ci doivent être considérés comme des “raidisseurs”. A partir d’enregistrements en situation de jeu, il apparaît que la présence ou non de “résonateurs”, causant une différence visible sur l’impédance d’entrée, est aussi perceptible par le musicien. Enfin, une analyse comparative entre fréquences de résonance et fréquences de jeu d’une trompette à branche d’embouchure paramétrable a été conduite avec plusieurs musiciens. Après analyse statistique des résultats, il apparaît que la fréquence de jeu est contrôlée par la fréquence de résonance à 8 cents près, valeur de l’ordre de grandeur de la répétabilité des musiciens. Pour les trompettes, les fréquences de résonance semblent donc être des descripteurs pertinents de l’intonation de l’instrument<br>This work deals with the evaluation and the choice of relevant objective descriptors of the wind instruments quality. It is part of a collaborative project which aims at developping a platform helping instruments making. The work is essentially based on the notion of input impedance. A comparative study of different calculation methods for the input impedance of horns are compared with the measurement. Results show that the transmission line method used with curvilinear abscissa and a suitable model of radiation, allows predicting resonance frequencies with an accuracy of 8 cents. Above the cutoff frequency, numerical methods are closer to the measurement but high frequencies have a minor influence on playing frequencies. Furthermore, a study on the pad “resonators” of a saxophone shows that they have to be considered as “stiffeners”. The presence or absence of “resonators” can cause visible differences on the input impedance of the instrument, which can also be perceived by the musician in playing conditions. Finally, an analysis comparing the resonance frequencies and the playing frequencies of a trumpet with a parametrized leadpipe was led with various musicians. After a statistical analysis of the results, the playing frequency appears to be controlled by the resonance frequency, with a 8 cents precision, which is the order of magnitude of the musician repeatability. For the trumpets, the resonance frequencies seem to be suitable descriptors of the instrument intonation
Books on the topic "Jeux avec musique"
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Larkin, veronicah. Pirouettes et compagnie: Jeux d'expression dramatique, d'éveil sonore et de mouvement pour les enfants de 1an à 6 ans. Éditions de la Chenelière, 2002.
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2
Laberge, Jocelyne. Croque-musique: 20 comptines pour chanter et danser. Dominique et compagnie, 2001.
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Landi, Michela, ed. La double séance. Firenze University Press, 2018. http://dx.doi.org/10.36253/978-88-6453-665-1.
Full textAbstract:
Là où le spectacle, notre appareil, n'aurait d'autre fonction que de projeter, "à quelque élévation", certains manques dont nous serions à peine conscients, il ne peut y avoir dans les Lettres, au dire de Mallarmé, qu'un seul acte, capital: questionner les rapports que cet appareil entretient avec quelque état intérieur de nous-mêmes. Nous croyons, avec l'auteur de La Musique et les Lettres, que c'est par le jeu de leurs relations, souvent rivales, que les arts peuvent se comprendre et nous faire comprendre. Ce jeu, qui n'en finit pas de nous solliciter, nous demande sans cesse de nouveaux instruments pour sa mise en place – ou sa mise en scène.
6
Cobb, Jane. I'm a little teapot!: Presenting preschool storytime. Black Sheep Press, 1996.
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7
Cobb, Jane. I'm a little teapot!: Presenting preschool storytime. Black Sheep Press, 1996.
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9
herbe, guitariste en. Cahier de Tablature Guitare 6 Cordes : Cahier de Musique Pour Guitare Avec Tablatures et Portées Vierges - 150 Pages - Format A4 -: Carnet du Guitariste et Compositeur Comportant la Tablature, les Effets de Jeu Ainsi et le Rythme en Même Temps. Independently Published, 2020.
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Tablature - Cahier de Tablature Guitare 6 Cordes : Cahier de Musique Pour Guitare Avec Tablatures et Portées Vierges - 150 Pages - Format A4 -: Carnet du Guitariste et Compositeur Comportant la Tablature, les Effets de Jeu Ainsi et le Rythme en Même Temps. Independently Published, 2020.
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ROSEN REINHARDT, Evelyne. "De l’« émotissage » à la créativité dans la découverte et le partage de chansons du patrimoine francophone." In Langues chantées / Cultures mises en musique. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.5440.
Full textAbstract:
Dans cet article, nous souhaiterions présenter un dispositif mis en place depuis 2016 entre deux centres universitaires d’enseignement et d’apprentissage du Français Langue Etrangère (FLE), à Lille (France) et à Louvain-la-Neuve (Belgique) favorisant l’expérience de la découverte de la langue française (chantée) et de la culture francophone (mise en musique) ainsi que de la culture des autres participants internationaux en présence. Qu’est-ce qui est en jeu dans la découverte d’une chanson du pays d’accueil par des apprenants internationaux de français ? Quels sont les liens tissés avec les musiques et chansons des pays d’origine des apprenants ? Pour donner des éléments de réponse à ces questions, nous proposerons tout d’abord une esquisse de typologie des déclencheurs reliant musiques et chansons d’ici et d’ailleurs dans le corpus constitué par des posts sur le blog transfrontalier mis en place. Dans un deuxième temps, nous nous centrerons sur l’analyse, à titre d’exemple, d’un billet posté sur le blog autour du thème des « musiques et chansons d’ici » - en l’occurrence la chanson emblématique d’Enrico Macias Les gens du Nord, et sur la médiation menée par les apprenants, permettant de mettre en regard la chanson Patagonia de l’Argentin José Larralde ainsi qu’un acrostiche créatif. Nous mettrons en point d’orgue l’importance de la subjectivité, des émotions et de la créativité pour l’enseignement et l’apprentissage des langues.