Dissertations / Theses on the topic 'La investigación en la arte'

Magíster en artes, mención artes visuales
Esta es una tesis de Magister en Arte, con mención Artes Visuales, de la Universidad de Chile. Este es resultado de la toma de los ramos que contempla la malla académica, pero también es la consecuencia de las continuas conversaciones con colegas artistas, curadores, historiadores e investigadores de arte contemporáneo latinoamericanos; de viajes e intercambios laborales por diferentes ciudades del continente; en relación al grupo de trabajo de Curatoría Forense, del que participo activamente desde 2015. Este escrito es también la excusa para la exposición de una serie de ideas que vienen siendo revisadas hace dos años, tanto en instancias académicas como fuera de ellas.

Comprender como se presentan hoy las relaciones entre arte y sociedad a partir de la percepción de jóvenes que participen de los talleres artísticos brindados por la Corporación Cultural Balmaceda 1215.

[EN] Starting from a historical approach to contemporary Art museums in Spain, this thesis defines the particularities and uniqueness of the model proposed by the Valencian Institute of Modern Art (IVAM); our research has been raised from the IVAM Restoration Department, to pose strategies and schemes based on the many variables that affect the physical realization of Contemporary Art works, as well as its "staging" in three specific projects: 1. The documentation of especially complex artwork (Intallations), including the use of new technologies, degradable materials, obsolescence problems, or intangible content that need installation or maintenance instructions whenever the work is displayed. 2. The application of laser technology to clean art works, as well as the development of an suitable prototype for installations at Contemporary Art museums. 3. The investigation of an early 20th Century piece of art made of plastic, which has evolved towards its irreversible deterioration. We propose the study and implementation of a replica with new plastic materials to ensure its durability, by the use of technology and systems to generate 3D images. These projects define the issues presented by Contemporary Art, as its conservation is nowadays a field in its experimental stages, and thus it requires priority to be linked to research projects ¿related to characteristic materials from the 20th and 21st Centuries¿, as well as new documentation technologies and innovative methods of Art works processing are required.
[ES] A partir de una aproximación histórica a los museos de arte contemporáneo en España, se definen las particularidades y singularidad del modelo iniciado en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), desde cuyo departamento de Restauración esta investigación plantea estrategias y proyectos de estudio en base a las múltiples variables que afectan a la concreción material de las obras de arte contemporáneo, así como su "puesta en escena" en tres proyectos concretos. 1. La documentación de obras de arte especialmente complicadas (Instalaciones), que incluyen el uso de nuevas tecnologías, materiales degradables, problemas de obsolescencia, o contenidos intangibles que necesitan instrucciones de instalación o mantenimiento cada vez que se muestra la obra. 2. La aplicación de tecnología láser para la limpieza de obras de arte, y la creación de un prototipo que se adapte a su uso en las instalaciones de los museos de arte contemporáneo. 3. La investigación de una obra realizada en plástico a principios del siglo XX y que presenta una evolución en su deterioro irreversible. Proponiendo el estudio y realización de una réplica con nuevos materiales plásticos que garanticen su durabilidad, utilizando tecnología y sistemas de generación de imágenes en 3D. Estos proyectos definen la problemática que presenta el arte contemporáneo en tanto su conservación resulta un campo en fase experimental y la prioridad que por ello requiere la vinculación a proyectos de investigación relacionados con materiales característicos de los siglos XX y XXI así como nuevas tecnologías de documentación e innovadores procedimientos de tratamiento de las obras de arte.
[CAT] A partir d'una aproximació històrica als museus d'art contemporani a Espanya, es defineixen les particularitats i singularitat del model iniciat en l'Institut Valencià d'Art Modern (IVAM). Des del seu Departament de Restauració, aquesta recerca planteja estratègies i projectes d'estudi sobre la base de les múltiples variables que afecten a la concreció material de les obres d'art contemporani, així com la seua "posada en escena" en tres projectes concrets: 1. La documentació d'obres d'art especialment complicades (Instal·lacions), que inclouen l'ús de noves tecnologies, materials degradables, problemes d'obsolescència, o continguts intangibles que necessiten instruccions d'instal·lació o manteniment cada vegada que es mostra l'obra. 2. L'aplicació de tecnologia làser per a la neteja d'obres d'art, i la creació d'un prototip que s'adapte al seu ús en les instal·lacions dels museus d'art contemporani. 3. La recerca d'una obra realitzada en plàstic a principis del segle XX i que presenta una evolució en la seua deterioració irreversible. Proposant l'estudi i realització d'una rèplica amb nous materials plàstics que garantisquen la seua durabilitat, utilitzant tecnologia i sistemes de generació d'imatges en 3D. Aquests projectes defineixen la problemàtica que presenta l'art contemporani en tant la seua conservació resulta un camp en fase experimental i la prioritat que per açò requereix la vinculació a projectes de recerca relacionats amb materials característics dels segles XX i XXI, així com noves tecnologies de documentació i innovadors procediments de tractament de les obres d'art.
Martínez López, MT. (2015). ESTRATEGIA Y DESARROLLO DE PROYECTOS DE INVESTIGACIÓN EN ARTE CONTEMPORANEO. Tres aportaciones desde el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/59234
TESIS

Manuel Erausquin (Perú) - Moderador Paola Palomino (Perú) - Autora Alonso Cantuarias (Perú) - Autor
El contar historias basándose en una investigación profunda, clara y segura y luego plasmarla en una narración eficiente, es el resultado de desarrollar las competencias de Comunicación Escrita, Investigación Periodística y Lenguaje Periodístico. Habilidades que se refuerzan en el curso de periodismo literario de la Carrera de Comunicación y Periodismo de la UPC.

La presente investigación doctoral “objetnografía: una investigación narrativa sobre una práctica educativa en las artes” apertura una indagación autobiográfica que me permite posicionarme desde una mirada docente-investigadora para emprender una acción educativa autoetnográfica que se concreta en una práctica de campo. A partir de una vivencia educativa en el aula de clase y con un colectivo de veinticinco estudiantes (25), se traza una narrativa sobre los procesos creativos y la necesidad de ejercitar la escritura en jóvenes estudiantes de las artes visuales. La objetnografía bosqueja un movimiento de indagación metodológica que nos conecta con la investigación narrativa y que nos permite transitar por una pedagogía creativa, detectando en la implicación del objeto, la memoria y las emociones que modelan, la introspección de un sujeto vinculados con las artes.
This research “objetnography: a narrative research on educational practice in the arts” unfolds an autobiographical inquiry that allowed to position myself from a teacher-researcher regard in order to undertake an educational autoethnographic action on a fieldwork. Plotted from an educational lived experience in the classroom and with a group of twenty-five students (25), this narrative traces the creative process and the need to exercise the writing of young art students. Objetnography outlines a motion of methodological inquiry that connect us with narrative research and allows us to transit through creative teaching, discovering into the implication of the object, the memory and the emotions that shape the introspection of a subject related to the arts.

Se sostiene como hipótesis que en el estudio y análisis de un objeto considerado bien cultural que se realice deben converger ambas disciplinas (Historia del arte y Conservación-Restauración). La historia del arte delimitará el campo de acción de la intervención, y la conservación-restauración devolverá las funciones al objeto que, finalmente, será sujeto de análisis histórico artístico. La metodología que se aplica será la histórico – crítica y la de análisis formal. En las últimas décadas ha disminuido la presencia teórica de la Historia del arte en los estudios de pregrado en conservación y restauración. Y, como contraparte, ha disminuido la efectividad para identificar qué objetos en el campo de los bienes culturales arqueológicos pueden ser considerados obras de arte. Un análisis exhaustivo para su preservación antes de su intervención es fundamental para determinar que los objetos son agentes de transmisión de conocimientos de un determinado periodo de la historia. Intervenir un objeto sin el sustento teórico debido conlleva la pérdida de información, y es un punto fundamental del código de deontología del profesional restaurador. Los bienes culturales arqueológicos son testimonios culturales de la historia y forman parte de la memoria colectiva de la sociedad que representan. Dicho esto, la conservación-restauración sirve a la Historia del Arte como instrumento científico, para intervenir un objeto con la única finalidad de recuperar sus funciones y características originales, respetando su historicidad que permanece representada por la pátina. El estudio se limita a las piezas seleccionadas de la colección del Museo Huallamarca en los aspectos relacionados a su conservación y restauración bajo la metodología que propone la tesis.
Tesis

El presente trabajo tiene como objetivo fundamental analizar la obra del pintor José Lucas desde un enfoque semiótico, como un acto de “lectura” que actualiza su significado y su sentido desde una perspectiva intertextual. Se han desarrollado además, otros objetivos como concebir la pintura como una obra abierta, teniendo en cuenta conceptos como el lector implícito y el intertexto lector; realizar un enfoque de valores heterosémicos de la obra por su encuentro intertextual con el mundo artístico del autor y con el mundo estético del lector; proporcionar enlaces intertextuales con la obra artística de José Lucas desde el reconocimiento y comprensión del alcance poliédrico de su producción en diversos aspectos y textos como pretextos poéticos que los une; e interpretar la pintura ecfrástica de José Lucas como elemento mediador entre el cuadro y la realidad. Esta tesis doctoral ha seguido una metodología cualitativa, fundamentada principalmente en la interpretación de datos a través de un análisis triangular: investigación del tesinando, revisión del director de la Tesis, confrontación con las ideas del autor. La recogida de datos realizada para este estudio se puede dividir en tres grandes categorías: la observación directa, las entrevistas en profundidad y el empleo de documentos. Es importante destacar que también se han conseguido numerosos textos inéditos que nos han acercado a la obra de José Lucas, firmas como las de Jaime Siles, Antonio Colinas, Luis Antonio de Villena, Antonio Lucas, Xavier Ribalta, Juan Antonio Molina, José Antonio Lozano,… Las conclusiones alcanzadas por este trabajo parten de un enfoque de los valores heterosémicos. Sobre la discutida indeterminación semántica del signo pictórico es necesario considerar como esencial su carácter polisémico o polivalente al explicar las consecuencias efectivas de dicha indeterminación, ya que se trata de un significado indeterminado, pero no por ello menos real. La imposición del arte moderno ha supuesto la abdicación del orden canónico de la referencialidad realista lo que ha contribuido a “abrir” relativamente las posibilidades de sugerencia del texto plástico; potenciando a su vez la colaboración fantástica de los receptores. Es lo que sucede con las obras de José Lucas. Para poder dar sentido y establecer determinados significados referenciales, el intertexto lector de la persona que contemple sus obras debe ser amplio y debe tener presente los códigos y raíces de los que bebe el artista. Las relaciones entre texto e imagen, en la obra de José Lucas, establecen múltiples correspondencias que unas veces tienen su origen en el texto y otra en la imagen, o al revés, generando una dialéctica que germina en una síntesis de ambas a partir de una semiotización (en el sentido de Peirce) de una de ellas o de ambas juntas. Los mecanismos estilísticos de los que José Lucas se sirve para construir su obra ecfrástica son múltiples y muy variados. Pero lo más interesante, sin duda, es que nacen de un profundo conocimiento de las relaciones entre pintura y literatura, que constituye, a su vez, un modo concreto de acercarse a la realidad e interpretarla. Un modo en que es fundamental, como en todo ejercicio ecfrástico, la presencia del poema ausente como elemento de mediación entre la subjetividad del yo que pinta y la objetividad primera, ya perdida, de la que el poema se ha valido. En esto José Lucas se destaca, desde la cualidad mediadora de su pintura, como un autor profundamente original, a la par que enraizado en una nueva tradición, la del ut poesis pictura, inagotable en sus ramificaciones y derivaciones.
Intertextuality, Literature and Fine Arts in José Lucas. An investigation from a semiotic-analytical perspective. Mª Encarnación Navarro Martínez. Universidad de Murcia. 2015 Abstract: The main objective of this work is to analyse Jose Lucas’ working life from a semiotic viewpoint, as an act of interpretation, this document is trying to present his meaning and his sense from an intertextual perspective. Other objectives that have been developed are “to conceive of” the painting as open work, having in mind concepts like “implicit reader” or “intertextual reader”; focussing on “heterosemic values” of the work for the intertextual encounter between the artistic world of the autor and the reader’s aesthetic world. This document tries to give “intertextual” links with the artistic work of José Lucas from the recognition and understanding of the “poliedric range” of his output in different aspects and texts as a poetic pretext which links both. and interpreting the ecfrastica painting of José Lucas with an element of mediation between the painting and reality. This PhD thesis follows a qualitative methodology, based mainly on the interpretation of information through a triangular analysis: the PHD candidate’s research, review by the supervisor of the thesis and engagement with the author’s ideas. The information discovered by these studies can be divided into three main categories: direct observation, in-depth interviews and the use of different documents. It’s important to emphasise the large amount of unpublished documents which helped in getting closer to an understanding of Jose Lucas’ work; names like Jaime Siles, Antonio Colinas, Luis Antonio de Villena, Antonio Lucas, Xavier Ribalta, Juan Antonio Molina, José Antonio Lozano,… The conclusions reached by this work started from a ‘heterosemic value’ standpoint. On the uncertain meaning of the pictorial signs, it is necessary to consider how essentially polemic and versatile his character was for explaining the effective consequences of that uncertainty – that even though the behaviour and meaning of the sign is uncertain, it is no less real for him. The imposition of modern art has created the abdication of the canonic order of referencing realism which has contributed to opening up the possibilities of plasticity of suggestion in text; strengthening the collaboration of the receiver. It is this that has occured with José Lucas´ work. To be able to give sense and establish some meanings, the person who contemplates his life´s work needs a lot of context about where and from whom is the artist’s inspiration. The relations between between text and image in José Lucas work, establish numerous links which sometimes have their origin in the text and sometimes in the image or vice versa. This generates a dialectic which germinates in a synthesis of both from a semioticisation (in Peirce´s meaning) of one of them or both together. The stylistic mechanisms used by José Lucas to build his “ecfrásica” work are knowledge of the relations between painting and literature which are at the same time a way to be close with reality and interpret it. This is essential in every “ecfrástico” exercise, the presence of the absent poem like an element of mediation between the subjectivity of the “I” which is painted and the first objectivity already lost. In this camp José Lucas is noted from his mediator painting as a deeply original author rooted in a new tradition “the ut poesis picture” tradition, unquenchable of ramifications and derivations

El proyecto consta de un Centro de Capacitación y Difusión en la ciudad de Cusco. Tiene como enfoque principal rescatar los valores de los textiles, así como también de la arquitectura tradicional de la ciudad a través de un lugar de fácil accesibilidad e interacción para la población local y turística. La ciudad de Cusco, una de las regiones más significativas en cuanto al desarrollo textil, se eligió como emplazamiento del proyecto por su gran diversidad cultural. Dada la alta demanda de productos artesanales y la falta de equipamiento cultural, se presenta la oportunidad de implementar una nueva infraestructura donde se contribuye con el desarrollo del proceso de los textiles y asimismo esté en armonía con el entorno.
The project consists of a Training and Dissemination Center in the city of Cusco. Its main focus is to rescue the values of textiles, as well as the traditional architecture of the city through a place of easy accessibility and interaction for the local and tourist population. The city of Cusco, one of the most significant regions in terms of textile development, was chosen as the site of the project because of its great cultural diversity. Given the high demand for handicraft products and the lack of cultural equipment, the opportunity is presented to implement a new infrastructure where it contributes to the development of the textile process and is also in harmony with the environment.

Magíster en artes con mención en artes visuales
El presente trabajo es una reflexión e investigación en torno a la producción de la serie Los nadadores. El primer capítulo se refiere al proceso de obra y la metodología empleada, rela-cionándolos con la historia del arte, principalmente con el fotorrealismo y el neoclasicismo, focalizándose en la modulación del color, la importancia de la forma y el procedimiento alla prima en la pintura. A continuación abordo su origen, sus antecedentes históricos y estéticos, tratando al mismo tiempo el problema de la fotografía como referente y sus implicaciones en nuestros hábitos visuales, su naturaleza y su impacto en nuestro imaginario. El último y tercer capítulo trata de los aspectos constructivos del cuadro, la representación y el papel del detalle, desembocando en el problema de la simulación, la ausencia de referente y el empleo del trompe-l’oeil o trampantojo, analizando conjuntamente lo paradojal que resulta representar un instante por un método de pintura lento y exhaustivo, que demanda un largo tiempo de elaboración, con un riguroso programa de trabajo, más cercano a un procedimiento científico, en el que se explicita el trabajo de la pintura

Presenta el conversatorio denominado La experiencia de publicar con Editorial UPC, llevado a cabo el 28 de setiembre de 2017 en el campus San Miguel de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC). Los panelistas fueron los siguientes: Óscar Sanchez Benavides, profesor del Departamento de Humanidades de UPC, quien publicó en 2017 el libro La inevitable globalización: enfoque cultural y económico de un escenario mundial; Cinthia Peña Larra, profesora del Departamento de Humanidades de UPC, quien publicó el año 2014 el libro Más allá de las palabras: una propuesta de análisis del discurso; y, finalmente, Eduardo Zapata Saldaña, profesor de la carrera de Comunicación y Periodismo de UPC, quien publicó en el año 2017 el libro Nómades electronales: lo que nos dicen las escrituras de los jóvenes: había que echarse a andar nuevamente. El objetivo fue propiciar un espacio en donde los docentes invitados pudieran compartir sus experiencias al publicar un libro con la Editorial UPC, así como compartir cómo esta experiencia ha sumado a su perfil profesional, para, de esta manera, incentivar la publicación de investigaciones con la Editorial UPC.

Esta investigación se fundamenta en la corporización (embodiment) como forma de producir conocimiento que permite reflexionar sobre las maneras en que los performers construyen el espacio con otros dentro de un contexto de improvisación escénica. Dicho contexto es abordado desde las experiencias de ceder (yielding) en Body-Mind Centering, en interacción con la danza Contacto Improvisación. El soporte metodológico de esta tesis es un laboratorio de investigación práctica con ejercicios reflexivos entre el diálogo somático y cognitivo, cuyo propósito es acercarse a una comprensión de la consciencia que el performer desarrolla del espacio o entorno en el cual se relaciona consigo mismo y otros. Es a lo largo del laboratorio que esta consciencia del espacio relacional se gesta, desde la experiencia del tacto y el tratamiento del ceder, abriendo preguntas en torno a cómo se percibe el performer en la improvisación. Las experiencias escénicas presentadas al público se llaman “Ceder, sesiones de danza e improvisación”.
Tesis

This PhD thesis investigates Slavoj Žižek's thought in relation to contemporary art, especially with respect to the use of some žižekian notions within the sphere of an art criticism based on an ethical and political perspective. The main features of biotechnological art are presented and an analysis of the bioartist Eduardo Kac's transgenic artwork The Eight Day is developed by applying concepts of Slavoj Žižek's philosophy.
La presente tesis doctoral investiga el pensamiento de Slavoj Žižek en relación con el arte contemporáneo, especialmente con respecto a la utilización de algunas nociones žižekianas en el ámbito de una crítica de arte basada en una perspectiva ética y política. Se presentan las características principales del arte biotecnológico y, mediante la aplicación de conceptos propios de la filosofía de Slavoj Žižek, se desarrolla un análisis de la obra de arte transgénico El Octavo Día del bioartista Eduardo Kac.
La present tesi doctoral investiga el pensament de Slavoj Žižek en relació a l'art contemporani, especialment respecte a la utilització d'algunes nocions žižekianes en l'àmbit d'una critica d'art basada en una perspectiva ètica i política. Es presenten les característiques principals de l'art biotecnològic i, mitjançant l'aplicació de conceptes propis de la filosofia de Slavoj Žižek, es desenvolupa una anàlisi de l'obra d'art transgènic El Huité Dia del bioartista Eduardo Kac.
Pisano, S. (2017). Aplicación de conceptos propios del pensamiento de Slavoj Žižek al análisis del arte transgénico: investigación sobre El Octavo Día de Eduardo Kac [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90444
TESIS

Irrumpir lo artístico, perturbar lo pedagógico: La Investigación Artística como espacio social de producción de conocimiento es una investigación conformada por dos partes: esta tesis y dos vídeos: En colaboración y conflicto. El trazo de nueve modos de conocer. La investigación que realicé durante cuatro años (2011-2015) tuvo como foco de interés responder a la pregunta: ¿Cómo se producen conocimientos a partir de los procesos artísticos, y qué espacios sociales se forman en esta producción? Para intentar responder a esta pregunta mi investigación se vinculó por un lado, con el proyecto artístico La Síndrome de Sherwood de la artista Núria Güell y el comisario Oriol Fontdevila, y por otro lado, se internó en la tarea de efectuar un repaso de la cuestión sobre los debates actuales en torno a la Investigación Artística. Junto con la artista y el comisario, y combinando herramientas basadas en la etnografía (visual), métodos artísticos audiovisuales, y modos de interpretación del material inspirados en la Grounded Theory de la segunda generación, conformé una Investigación Artística que interrogó los modos en que la artista, el comisario y la investigadora construimos un espacio social de producción de conocimiento. Las relaciones pedagógicas tejieron un espacio social que, a través de un vídeo, desveló nueve modos de conocer por los que Oriol y Núria construyeron conocimientos a la vez que un proyecto artístico. ¿Cómo pueden estos modos de conocer informar sobre las nuevas posibilidades que abre la Investigación Artística? ¿Cómo se modifica lo artístico y lo pedagógico al analizarlos como relaciones espaciales, sociales y políticas que constituyen espacios de saber y de ser?
Breaking the artistic, disturbing the pedagogical: The Artistic Research as social space of knowledge production is a research in two parts that includes the written thesis and a two-video set named En colaboración y conflicto. El trazo de nueve modos de concer. The research I conducted for four years (2011-2015) sought to answer the question: How is knowledge produced out of the artistic processes, and what spaces are formed in this production? In order to answer these questions, I focused on two main aspects. On the one hand, my investigation was linked to the artistic project La Síndrome de Sherwood by Núria Güell (artist) and Oriol Fontdevila (curator). On the other hand, it ventured to make a statement of the current situation of the ongoing debate on Artistic Research. Along with the artist and the curator, I mixed research tools based on (visual) ethnography, audiovisual artistic tools, and modes of interpretation inspired by the Second Generation of the Grounded Theory so as to shape an Artistic Research that questioned the ways in which we, the artist, the curator and the researcher, built spaces of knowledge production. The pedagogical relationships wove a social space that unveiled the nine modes of knowing through which Oriol and Núria generated both knowledge and an art project at once by means of a video. How can these ways of knowing inform us of the new possibilities opened by Art Research? How are the artistic and the pedagogical modified when analyzed as spatial, social and political relationships that constitute spaces of knowing and being?

[EN] ABSTRACT Today Contemporary Art is presented to us through a multifaceted perspective where the limits between disciplines have been blurred, expanded, and altered. This Thesis, The Stamp that Occupies the Space. Multiple Art and Installation. Walking the Limits of Contemporary Graphic Art, recaps historically, conceptually, and visually how these boundaries are both fading and fusing, essentially from the multiple art and installation, to an art totally free from technical terms and formal restrictions. Throughout this study, an evolutionary and global status of Graphic Art is presented through a concept that had a restrictive start but is now allowing a substantial change to occur in the way that we understand Graphic Art today: a much more interdisciplinary, creative, and attractive media. Because of this multiple process qualities, graphic art is expanding the frontiers that once situated it as a conventional and encapsulated mean, to play an essential part in Contemporary Art. Truthfully, there are many issues and concepts that are still being revised along with many to come in order to allow multiple media to progress at the pace of its praxis. This, without a doubt, is one of the research objectives: to implement a reflection regarding the concept and practice of the art in order to amplify our focus on the matter. Multiple art expands its creations to other disciplines in order to achieve its proper place in the XXI century: a place where it finds in installation, performance, or intervention that develops its potential as a multiple, dynamic, and experimental creational mean.
[ES] RESUMEN El arte contemporáneo se nos presenta hoy día desde una perspectiva poliédrica en la que los límites entre disciplinas se ha difuminado, expandido y alterado. La tesis que aquí se presenta, La estampa que habita el espacio. Arte múltiple e instalación. Recorriendo los límites de la gráfica contemporánea. Hace un recorrido histórico, conceptual y visual de cómo esas fronteras están desapareciendo e hibridando, esencialmente desde el arte múltiple y la instalación, en pos de un arte total libre de apelativos técnicos y restricciones formales. A lo largo del estudio se presenta una evolución inicial y global del estatus de la gráfica, una concepción que comenzó como restringida está dando paso a un cambio sustancial en la forma de entender el arte gráfico como un medio mucho más interdisciplinar, creativo y por consiguiente atractivo. Es precisamente por sus cualidades en cuanto a proceso múltiple, que el arte gráfico está ampliando las fronteras que lo situaban como un medio convencional y en cierto modo encapsulado, para jugar hoy un papel esencial dentro del arte contemporáneo. Lo cierto es que hay muchas cuestiones y conceptos que están siendo revisados y muchos otros que todavía deben serlo, para que el medio múltiple avance al ritmo al que lo hace su praxis. Este es sin duda, uno de los objetivos que persigue esta investigación: plantear una reflexión sobre el concepto y la práctica de la gráfica, que nos conduzca a un enfoque mucho más amplio de la misma. Hasta el punto de ver cómo el arte múltiple expande sus creaciones a otras disciplinas, para situar y concebir una estampa propia del siglo XXI, que encuentra en la instalación, la performance o la intervención un lugar propio en el que desarrollar su potencial como medio de creación múltiple, dinámico y experimental.
[CAT] RESUM L'art contemporani se'ns presenta avui dia des d'una perspectiva polièdrica en la qual els límits entre disciplines s'ha difuminat, expandit i alterat. La tesi que ací es presenta, L'estampa que habita l'espai. Art múltiple i instal·lació. Recorrent els límits de la gràfica contemporània. Fa un recorregut històric, conceptual i visual de com aquestes fronteres estan desapareixent i hibridant, essencialment des de l'art múltiple i la instal·lació, darrere d'un art total lliure d'apel·latius tècnics i restriccions formals. Al llarg de l'estudi es presenta una evolució inicial i global de l'estatus de la gràfica, una concepció que va començar com restringida està donant pas a un canvi substancial en la forma d'entendre l'art gràfic com un mitjà molt més interdisciplinari, creatiu i per tant atractiu. És precisament per les seues qualitats quant a procés múltiple, que l'art gràfic està ampliant les fronteres que ho situaven com un mitjà convencional i en certa manera encapsulat, per a jugar avui un paper essencial dins de l'art contemporani. La veritat és que hi ha moltes qüestions i conceptes que estan sent revisats i molts uns altres que encara han de ser-ho, perquè el mitjà múltiple avança al ritme al que ho fa la seua praxi. És sens dubte, un dels objectius que persegueix aquesta recerca: plantejar una reflexió sobre el concepte i la pràctica de la gràfica, que ens conduïsca a un enfocament molt més ampli de la mateixa. Fins al punt de veure com l'art múltiple expandeix les seues creacions a altres disciplines, per a situar i concebre una estampa pròpia del segle XXI, que troba en la instal·lació, la performance o la intervenció un lloc propi en el qual desenvolupar el seu potencial com a mitjà de creació múltiple, dinàmic i experimental.
Gallardo Fernández, V. (2015). LA ESTAMPA QUE HABITA EL ESPACIO. Arte múltiple e Instalación. Recorriendo los límites de la gráfica contemporánea [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/52026
TESIS

This thesis is a reinterpretation trip of my personal and professional route through my previous experiences as a practitioner and as a researcher, that winds through the recent methodologies of arts based educational research; a backward path which at the same time problematises and enriches each investigation project within ABER and which gives to this perspective a character widely and genuinely human. The aim is to outline "repeatable" forms of educational action instruments in non-formal contexts such proposed action methodology within the ABER and as a means to generate communities.
Esta tesis es un viaje de re-interpretación de mi trayectoria personal y profesional a través de mi experiencia previa como practitioner y como investigadora, que serpentea a través de las recientes metodologías de Investigación Educativa Basada en las Artes; un camino hacia atrás que al mismo tiempo problematiza y enriquece cada proyecto de investigación en el ámbito de la ABER y que da a esta perspectiva de estudio un carácter ampliamente y verdaderamente humano. La intención es describir formas "repetibles" de instrumentos de acción educativa en contextos no formales como una propuesta de metodología de acción dentro de la ABER y como herramienta de generación de comunidades.

La llegada de Adolf Hitler al poder el 30 de enero de 1933 supuso el inicio de una persecución racial y política dirigida contra todo aquel calificado como ¿no ario¿ y contra aquellos cuyos puntos de vista, tanto políticos como artísticos, se oponían a los defendidos por el partido nacional-socialista alemán. La posición del gobierno nazi ante el arte moderno quedó claramente definida en 1937 con la organización en Munich de dos grandes exposiciones: - Grosse Deustche Kunstausstellung (Gran Exposición de Arte Alemán) - Entartete Kunst (Arte degenerado) Este férreo control del gobierno nazi no se limitó al campo de las Bellas Artes, sino que se extendió a todas las facetas culturales. Joseph Goebbels, desde marzo de 1933 Reichminister für Volksaufklärung und Propaganda (Ministro del Reich de Educación y Propaganda), estableció el mismo año de su nombramietno siete Reichskammern (Cámaras del Reich) dedicadas al cine, la música, la radio, la prensa escrita, el teatro, la literatura y las Bellas Artes. Ante este panorama, los artistas alemanes de la época tenían tres posibles opciones, tal y como señala la historiadora del arte Stephanie Barron : - Permanecer en casa y dejar de trabajar en un estilo que ofendía a las autoridades - Comprometerse con los nazis - Huir La mayoría de artistas que optó por la primera opción fueron recluidos primero en guetos y más tarde en campos de concentración, siguiendo las leyes de Nuremberg de 1935. Estos son los protagonistas de esta tesis que, tal y como se recoge en su título, consiste en la investigación y recopilación de todos los artistas que crearon obras de arte durante su internamiento en los guetos y en los campos nazis, el análisis y la catalogación de estas obras y el estudio del estado de conservación de las mismas.
Molins Pavía, JJ. (2014). Investigación y recopilación de los artistas que crearon obras de arte en los guetos y campos de concentración nazis, catalogación de las obras y estudio del estado de conservación de las mismas [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/38708
TESIS

Esta tesis titulada “Desplazamientos y tránsitos en un proceso de investigación sobre el lugar del cuerpo en las trayectorias y formación inicial de profesores de educación artística”, relata el giro perturbador experimentado después de un extenso y exhaustivo proceso de codificación y análisis de evidencia a través de la Grounded Theory (de segunda generación). Intenta describir algunos de los caminos que emergieron a partir de los complejos desplazamientos y devenires vivenciados, que no sólo ilustran mi movimiento como investigadora sino también cómo se desplaza el foco inicial de estudio provocando una transformación en la pregunta central de la investigación y, por tanto en la metodología. Para esto se realiza una narración en un tiempo no lineal, que comienza en el presente enunciando los movimientos vividos en la investigación. Luego relata el pasado conformado por las decisiones tomadas y las acciones desarrolladas hasta que termina el proceso de análisis y los primeros aportes de la tesis. Finalmente, vuelve al presente para retomar los desplazamientos experimentados y abrir líneas de pensamiento para seguir reflexionando en torno al cuerpo y la experiencia de investigar desde mis propias ideas y reconsideraciones como investigadora sobre la tesis elaborada. Inicialmente, se ponía el énfasis en hacer preguntas acerca de cómo un grupo de profesores de arte en formación estaban construyendo sus corporeidades y acciones performáticas dentro de su proceso formativo. Sin embargo, como resultado de los continuos movimientos onto-epistemológicos, el foco de la investigación se desplazó hacia otros territorios mediante la expansión de los significados y espacios del cuerpo en la investigación. Esto permitió dialogar en torno a los múltiples lugares que el cuerpo ocupa dentro de las relaciones educativas y entender que éste no es sólo una construcción social sino una experiencia que atraviesa y que circula por todo el espectro educativo compuesto por fuerzas humanas, no humanas y materiales. A partir de aquí, este pretende ser un viaje que invite al lector(a) a moverse por las vicisitudes de esta investigación como un proceso imperfecto y en continuo movimiento donde es posible aprender desde lo imprevisto y desde una posición de no saber. Por ello, no se orienta a buscar resultados finales y concluyentes sino que desvela y problematiza el proceso a través del cual se ha conformado, con el propósito de abrir nuevas interrogantes para poder seguir pensando el cuerpo y los múltiples lugares que éste ocupa dentro de la educación formal.
This thesis is entitled ‘Displacements and movements in the process of research relating to locations of the body within trajectories and the initial training of teachers in artistic education’. It tells about a perturbing turn experimented after a long and exhaustive coding process and analysis of evidence through grounded theory (second generation). It endeavours the description of some of the ways that emerged from the complex displacements and becoming-lived, which not only show my movement as a researcher, but also how the initial focus of study is displaced, provoking a transformation in the main question of research as well as the methodology. That is why a tale is made as a not lineal narrative which begins in the present enunciating the movements experienced in the research, then narrating a past made up by decisions taken and actions performed until the process of analysis and the first contributions of the thesis are completed. Finally, it returns to the present, telling not only the displacement experimented but also opening lines of thought to continue reflecting about the body and the experience of research from inner ideas and (re)considerations of the researcher about her thesis and the process of research. Firstly, the research puts emphasis on making questions about how a group of art teachers in training build their corporeality and performative actions inside their formative process. Nevertheless, as a result of the continuous onto epistemological movements, the focus of research is moved towards other fields in the expansion of the meaning and spaces on the body of the research. This allows explorations in relation to different places that the body uses inside educative relationships, understanding that this is not only a social construction but also an experience that goes through, around and the entire educational spectrum formed by material human and non-human forces. From this point, it tends to be a journey which invites the writer to move through the challenges of this research as an imperfect process and in continuous movement where it is possible to learn from improvisation and from the position of not-knowing. Therefore, it is not oriented to look for final and conclusive results, but it reveals and problematizes the process through of which it has been conformed, in order to open new questions so that she can continue to think about the body and the many places that it takes place within the formal education.

Plantilla para elaborar Trabajo de investigación de Artes Escénicas para la obtención del grado de bachiller en Artes Escénicas. Programa Académico de Artes Escénicas. Facultad de Artes Contemporánea. Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas.

En diversas partes del Perú las danzas son el reflejo de la cultura y costumbres de sus habitantes. Esto también debe serlo en las ciudades del Perú, idea que no se ve realizada en sus nuevas edificaciones. Una de esas ciudades es Huancayo, donde los centros de enseñanza no muestran la conexión público-danzante-entorno. Por ello, este proyecto incorpora la identidad de una ciudad al expresar en los espacios arquitectónicos la metodología de enseñanza de la danza y música folklórica.
Tesis

La consideración de un problema, no debe hacerse desde la óptica científica sino hacerlo de manera específica al campo del arte, es decir, " identificar problemas artísticos". Esta consigna no debiera presentar inconvenientes, pero a la hora de hacer evidentes o concientes los problemas plástico-visuales, es decir aislarlos y reconocerlos fuera del "hacer" pareciera presentar dificultades, ya que el artista en formación no suele ejercitarse en este procedimiento. El artista se cuestiona permanentemente, pone en duda y no se conforma fácilmente, y éste es el modo de estudiar su entorno, es su manera de vivir. Desplegar el proceso de producción artística e identificar en su recorrido diferentes tipos de problemas plástico-visuales, ayudará a plantear cierto ordenamiento que permita incluirse dentro de una metodología de investigación. La intención de investigar en artes, especialmente desde la producción, aparece siempre con opiniones controvertidas especialmente fuera del contexto específicamente artístico.
Fil: Roco, Lelia. Universidad Nacional de Cuyo. Facultad de Artes y Diseño.

La presente investigación-acción con un enfoque cualitativo generó información relevante sobre el nivel de conocimiento y empoderamiento actual de los docentes de arte de Trujillo para el desarrollo de competencias ciudadanas en sus estudiantes mediante las artes. Así mismo, la investigación permitió identificar y analizar las estrategias didácticas y contenidos conceptuales que fueron más eficaces para empoderar a dichos docentes.
Trabajo de investigación

Processo de criação cênica que tem como ponto de partida a palavra metamorfose. A partir do cruzamento entre arte e ciência e da utilização do acaso e da bricolagem como procedimentos operatórios, o encenador se debruçará sobre os diversos e possíveis significados que o termo metamorfose costuma adquirir em diferentes contextos científicos, para, posteriormente, empregá-los na inseminação e composição de um objeto artístico, com o propósito de fazer uma reflexão a respeito do contínuo movimento de infinitas metamorfoses que perpassam as criações artísticas. Arte de vestígios efêmeros, o teatro oferece uma enorme dificuldade na identificação dos processos de metamorfose. A proposta é encontrar uma poética cênica que atravesse às diversas acepções da palavra-chave, para registrar e refletir sobre as operações envolvidas nas diferentes metamorfoses que ocorrem num processo de criação cênica, anotando os elementos fundadores de um pré-texto espetacular e descrevendo as metamorfoses do processo, do encenador, do discurso e da própria pesquisa.
El proceso de puesta en escena tiene como punto de partida la palabra metamorfosis. Desde el cruze del arte y la ciência y de la utilización del acaso y de la bricolage como procedimientos operatorios, el creador se tirará sobre distintos y posibles significados que el termino metamorfosis suele adquirir en diferentes contextos científicos, para, luego emplealos en la inseminación y composición de un objeto de arte, con el propósito de hacer una reflexición a respeto del continuo movimiento de las infinitas metamorfosis que impregnan las creaciones artísticas. Arte de vestigios efímeros, el teatro ofrece una enorme dificultad en la identificacíon de los procesos de metamorfosis. La propuesta és encontrar una poética escenica que cruze los distintos significados da la palabra-clave, para registrar e reflexionar sobre las operaciones involucradas en las diferentes metamorfosis que ocurren en un proceso de puesta en escena, señalando los elementos fundadores de un pré-texto espectacular y describiendo las metamorfosis del proceso, del creador, del discurso y de la propria pesquisa.

Esta investigação trata da relação entre arte e educação a partir de um diálogo de experiências do docente e do pesquisador em espaços extracurriculares de fotografia entre Brasil e Colômbia. O trabalho questiona: de que modo a partir da arte e dos espaços educativos extracurriculares podemos pensar outros modos de relação entre estudantes, docentes e conhecimento na educação? E ainda mais específico: De que forma, a partir da experiência fotográfica, entendida como uma prática viva de produção de pensamento e conhecimento, é possível pensar em outras formas de experiência em educação? A partir destas questões a pesquisa propõe uma troca fotográfica a modo Fotodiálogo ou Conversação Fotográfica entre estudantes de fotografia em projetos extracurriculares para as escolas públicas nas cidades de Bogotá e Porto Alegre. O trabalho é inspirado nas ideias sobre a pesquisa baseada em arte (HERNANDEZ, 2008) e metodologias artísticas de investigação educacional - (ROLDÁN y VIADEL, 2012). O trabalho propõe uma compreensão das oportunidades dos espaços de educação não-formal ou também espaços extracurriculares, como cenários que podem mobilizar a relação entre arte e educação em diferentes perspectivas. Este é construído através da narrativa de algumas experiências que tive enquanto professor e pesquisador, na procura de encontrar e produzir sentido do mesmo processo de investigação. Alguns problemas contemporâneos na educação são discutidos, incluindo a ideia de verdade, o sujeito, o diálogo com o contexto local e as críticas do modelo de escola moderna ainda em vigor nos dois países. Na análise, questiona-se como a partir da arte e nas mudanças da abordagem pós-moderna se pode pensar em outras formas de fazer pesquisa em educação Entre os elementos centrais da análise estão a questão da verdade (MOSÉ, 2005), a ideia de experiência (LARROSA, 2002), o sentido ético e estético na educação (HERMANN, 2008), a relação entre teoria e prática (FISCHER, 2002 ; VEIGA-NETO, 2002), entre outros. A partir dessas referências, as experiências de pesquisa são apresentadas em forma de narrativa, à procura de outras formas de apresentação em que o texto visual e escrita possam dizer mais que a simples ilustração. Questiona-se a arte e a educação em diferentes níveis ou dimensões, de modo que ela possa nos ajudar a pensar sobre outras formas de relação entre docentes, estudantes e conhecimento na educação. Com base nos trabalhos realizados por Agirre (2005), Helguera (2011), Camnitzer (2015) e as experiências apresentadas, a arte na educação pode ser abordada como diferentes dimensões ou campos: como campo de saber, como campo de expressão ou como um campo de intercâmbio cultural e simbólico. Um dos eixos sobre os quais explora com mais insistência este trabalho é a arte como uma forma de conhecimento do mundo, como uma metodologia cognitiva partilhada, que concebe o conhecimento e outras formas de pensamento nas diferentes relações entre professores, estudantes, conhecimentos e contexto. Consciente de que não há local ou respostas fechadas, há uma forte indicação de que as experiências de fotografia, da arte, nos espaços extracurriculares, entendida como uma prática viva, pode nos ajudar a pensar a educação a partir de uma relação entre a arte, educação e vida. Esta relação traz a intensidade da nossa vida para a nossa investigação e para espaços educativos, dentro ou fora da escola.
Esta investigación aborda la relación entre arte y educación a partir de un diálogo de experiencias del docente y del investigador en espacios extracurriculares de fotografía entre Brasil y Colombia. El trabajo cuestiona ¿De qué modo, a partir del arte y de los espacios educativos extracurriculares podemos pensar, otros modos de relación entre docentes, estudiantes y conocimiento en la educación? Y todavía más específico: ¿De qué modo, a partir de la experiencia fotográfica, entendida como una práctica viva de producción de pensamiento y conocimiento es posible pensar otras formas de experiencia en la educación? A partir de estos cuestionamientos la investigación propone un intercambio fotográfico a modo de FotoDiálogo o Conversación Fotográfica entre estudiantes de fotografía en proyectos extracurriculares de escuelas públicas de las ciudades en Bogotá y Porto Alegre. El trabajo es inspirado en planteamientos de la investigación basada en las artes (HERNANDEZ, 2008) y las metodologías artísticas de investigación en educación - (ROLDÁN y VIADEL, 2012) El trabajo propone una comprensión de las oportunidades de los espacios de educación no formal o también llamados como espacios extracurriculares, como escenarios que pueden movilizar la relación entre arte y educación en diferentes perspectivas. Éste es construido través de la narrativa de algunas experiencias que ha tenido el investigador y docente, en la búsqueda y producción de sentido del mismo proceso investigativo. Algunos problemas contemporáneos en la educación son discutidos, como la idea de verdad, del sujeto, el diálogo con el entorno, y las críticas del modelo moderno de escuela aún vigente en ambos países En los análisis, se cuestiona cómo partir del arte y en los cambios de enfoque postmoderno, se puede pensar en otras formas de hacer investigación en educación. Entre los elementos centrales de análisis está el tema sobre la verdad (MOSÉ, 2005), la idea de experiencia (LARROSA, 2002), el sentido ético y estético en la educación (HERMANN, 2008), la relación teoría y práctica (FISCHER, 2002; VEIGA-NETO, 2002) entre otros. A partir de estas referencias las experiencias son presentadas en forma de narrativa, buscando otras formas de presentación donde el texto visual y el escrito puedan conversar, más allá de la simple ilustración. Se cuestiona el arte y la educación en diferentes niveles o dimensiones de modo que el arte nos pueda ayudar a pensar otras formas de relación entre docentes, estudiantes y conocimiento en la educación. Con base en los trabajos realizados por Agirre (2005), Helguera (2011) Camnitzer (2015) y las experiencias presentadas la relación entre arte y educación puede ser abordada como diferentes campos o dimensiones: como campo de saber, como campo de expresión, como campo de intercambio cultural y simbólico. Uno de los ejes sobre el que explora más insistentemente el presente trabajo es: el arte como una forma de conocimiento del mundo, que concibe otros conocimientos y otras formas de pensamiento en las diferentes relaciones entre el docente, el estudiante, el conocimiento y el entorno. Siendo conscientes que no llegamos a respuestas puntuales ni cerradas, hay un fuerte indicio que la experiencia desde la fotografía, y del arte, en espacios extracurriculares, entendida como una práctica viva, puede ayudarnos a pensar la educación a partir de una relación más abierta entre arte, educación y vida. Trayendo la intensidad de nuestras vidas para nuestras investigaciones y también para los espacios educativos dentro o fuera de la escuela.

Esta tesis busca comprender los recorridos de experiencia vivida de cuatro artistas-docentes chilenas. Se relata que investigar es hacer del estudio una experiencia de relación y, desde los vínculos que se van formando, una oportunidad para aprender sobre los saberes de la experiencia pedagógica. Esta es una investigación que no solo pone en el centro la pregunta por el saber de las profesoras, también el lugar de quién investiga y el sentido de investigar en relación. La pregunta que guió este estudio fue cómo un grupo de profesoras de artes chilenas ha ido conformando y relacionándose con sus saberes docentes como un desplazamiento de experiencias, a lo largo de su historia personal, profesional y desde sus sentidos como mujeres y sus prácticas artísticas. Este complejo de preguntas se fue desarrollando a través de la metodología narrativa y de distintas técnicas de recogida de evidencias. La primera parte de esta investigación se llevó a cabo a través de la plataforma mujeresartistasdocentes.org, donde se invitó a un grupo de profesoras chilenas a narrar y compartir diversas vivencias. Luego, la segunda etapa de recogida de evidencias fue presencial y para ello se realizaron seis entrevistas semi-estructuradas con el mismo grupo de participantes y dos focus group con este grupo de maestras. Además, se asistió durante un período a sus prácticas docentes. Si bien para el análisis se utilizaron herramientas de la segunda generación de la Teoría Fundamentada, la perspectiva narrativa fue el hilo que permitió relacionar y visibilizar sus relatos como formas de subjetividad. Utilizar algunas herramientas de la Teoría Fundamentada ayudó a ordenar las evidencias y construir cuatro categoría que permitieron generar comprensiones sobre sus modos de conformar sus saberes docentes. Éstas fueron el lugar del conflicto, del otro y otra, del no saber y de los agenciamientos en el saber docente de las maestras. El trabajo final de esta investigación se develó a través `narraciones biográficas subjetivas´. La construcción de éstas implicó cruzar las categorías de análisis con distintas herramientas y técnicas narrativas, buscando nuevas maneras de mostrar los saberes de estas maestras y dando prioridad a una escritura que pusiera énfasis en la mirada, la escucha, el cuerpo y la poética. Los aprendizajes finales de este estudio me llevaron a vincular el saber docente con la idea del nomadismo y la subjetividad, justamente para expresar que el saber de las artistas-docentes no es fijo ni unitario. Más bien se desplaza como torsiones, devenires y cortes entre sus diversas experiencias, transformándolo en prácticas de saber políticas y subjetivas.
This thesis seeks to understand the paths of lived experience of four Chilean artists-teachers. It is reported that research is to make the study an experience of relationship and since the links formed, an opportunity to learn about the knowledge of the pedagogical experience. This is an investigation that not only puts at the center the question of teacher´s knowledge, also the place of the researcher and the meaning to research in relation. The question that guided this study was how a group of teachers of Chilean arts has been conforming and relating to their teachers knowledge as a displacement of experiences along their personal history, professional and from their senses as women and their artistic practices. This complex of questions was developed through the narrative methodology and different techniques for collecting evidence. The first part of this research was carried out through mujeresartistasdocentes.org virtual platform, where a group of women Chilean teachers were invited to narrate and share different experiences. Then, the second stage of collecting evidence was a face act. Six face interviews were conducted with the same group of participants and two focus group with this group of teachers. In addition, I attended for a period to their teaching practices. Although, some tools of the second generation of Grounded Theory were used for analysis, the narrative perspective was the thread that allowed relate and visualize their stories as forms of subjectivity. Using some tolos of Grounded Theory helped to arrange the evidence and build four categories that allowed generate understandings on their ways to conform their teaching knowledge. These were the place of conflict, the others, the not knowing and the agencies in the teacher's knowledge of these women. The final work of this research revealed through subjective biographical narratives. The construction of these involved crossing the categories of analysis with different tools and narrative techniques, seeking new ways to show knowledge of these women teachers and giving priority to writing that put emphasis on looking, listening, the body and poetics. The final learnings from this study led me to link the teacher knowledge with the idea of nomadism and subjectivity, precisely to express that knowledge of women artists-teachers is not fixed nor unitary. Rather, it moves like torsions, becomings and cuts between their diverse experiences, transforming their practices into subjective and political knowledges.

El mundo tal y como lo conocemos hoy día se ha desarrollado y ha estructurado sus bases, tanto comerciales como científicas y de otras índoles, sobre el fenómeno de Internet. Ello ha producido que la mayoría de las fuentes que se encuentran disponibles en la red, tengan un crecimiento exponencial en cuanto a consultas se refiere, mucho más elevado que aquellas que no se encuentran en dicho canal. Una de las fuentes que aún no ha sido muy aprovechada en este sentido es la información cartográfica. Ello se debe a un cúmulo de razones entre las que se encuentran: el reciente interés emergente hacia el estudio de dicho tipo de información desde la perspectiva documental, y además la carencia de una base científica sólida, acorde a los nuevos tiempos y circunstancias, sobre la que estructurar los procesos de búsqueda y recuperación de la información. Estudios previos demuestran el interés, desde el punto de vista investigador, por la cartografía desde sus diversos métodos de estudio (historiográfico, artístico, cultural, entre otros), pero son escasas las publicaciones que se acercan a dicha disciplina desde un aspecto documental para la recuperación de su información. Por ello, este trabajo se plantea la creación de una metodología de asignación de metadatos para posibilitar la recuperación del contenido de la cartografía histórica. Además, se pretende aplicar dicha metodología al fondo cartográfico situado en el Archivo Naval de Cartagena (concretamente a la sección de cartas extranjeras relacionadas con el continente americano), posibilitando un aumento de su visibilidad y accesibilidad. Para lograrlo, se seleccionaron en primer lugar las cartas náuticas que compondrían la muestra. Se les realizaron procesos documentales técnicos tales como organización, clasificación y digitalización. Además cada una de ellas fue estudiada meticulosamente para extraer todos los datos referentes al contenido y producción de la misma, los cuales fueron recogidos en una base de datos creada expresamente para ello. Una vez obtenidos los datos, se contrastaron y escogieron unos indicadores que conformarían la lista de metadatos. En total se han obtenido 51 elementos divididos en dos categorías: los 30 primeros están relacionados con el contenido de la cartografía náutica; los 21 restantes conciernen a la generación y publicación del documento en sí. Además, al aplicar la metodología sobre el fondo del Archivo Naval hallamos que está compuesto por 597 cartas extranjeras referentes al continente americano, las cuales contienen 666 cartuchos, lo que origina un total de 1.263 unidades documentales, cuyo rango de publicación varía entre 1817 y 1978. Según sus escalas se distribuyen en: cartas de arrumbamiento 41%, navegación costera 23’2%, portulanos 21’5%, de recalada 13’4% y generales 0’9%. La publicación de dicho fondo recae en un 45’2% sobre Reino Unido, seguido por Estados Unidos 29’3%, Chile 19’6%, Canadá 5’2% y finalmente Francia con 0’7%. Se identifican los órganos editores entre los que se encuentra instituciones públicas (Hydrographic Office of the Admiralty, Oficina Hidrográfica de Chile, entre otras) y privadas (James Imray and Son; Imray, Laurie, Norie & Wilson, Ltd.; etc.). Además se ha determinado la existencia de cartas basadas en otros planos, cuyo montante corresponde al 26’76% de la muestra, de las cuales el 9’47% corresponde a cartografía que ha sido reproducida en base a planos de origen español. Por tanto, este estudio demuestra la necesidad de establecer un sistema de recuperación de información para documentos cartográficos navales, así como la eficacia de la implementación del sistema de metadatos creado para tal propósito, habiendo obtenido gracias a él toda la información perteneciente al fondo cartográfico del Archivo Naval de Cartagena seleccionado como muestra, de una manera pertinente y exhaustiva.
Nowadays, the majority of the processes are based on the Internet. This means that the most popular documents are those located on the net. The cartographic information is not very widespread in this sense due to several reasons: first, the recent interest toward this science from the documentary perspective, and secondly, the absence of a solid scientific basis, among others. While a number of studies demonstrates the growing interest among researchers to the cartographic science from their different points of view (historiographical, artistic, cultural, etc.), there are few publications in this science from a documentative aspect about information retrieval. This document takes as a purpose the recovery and study of the foreign cartographic fund relating to the American continent placed in the Naval Archive of Cartagena, with the goal of developing a list of specific metadata related to this document format. Processes of organization, digitalization and cataloguing have been made in order to achieve the goal mentioned above. In addition, a detailed study of the elements has been made that compose every documentary unit, resulting in a list of 51 metadata, 30 of them related to the content of cartography and 21 elements concerning the production of the document. The results show that the Naval Archive of Cartagena is composed of 597 foreign nautical charts relating to the American continent, which contain 666 cartridges, giving a total of 1263 documentary units, whose publication range varies between 1817 and 1978. According to their scales are distributed in: General charts (41%), Coast charts (23'2%), Intracoastal Waterway charts (21'5%), Harbor charts (13'4%) and Sailing charts (0'9%). The cartography of the fund has been published according to the following percentages: United Kingdom (45'2%), United States (29'3%), Chile (19'6%), Canada (5'2%) and finally France (0'7%). The editors of these charts are divided between public institutions (Hydrographic Office of the Admiralty, Oficina Hidrográfica de Chile, etc.) and private companies (James Imray and Son; Imray, Laurie, Norie & Wilson, Ltd.; etc.). Furthermore, the results determine that there is a significant number of charts which have been based on the other maps. The cartography that is related to this principle corresponds to the 26'76% of the sample, of which the 9'47% are maps that have been reproduced from Spanish charts. As has been demonstrated, this new methodological proposal allows the exhaustive description of this documentary typology, nautical charts, making easier its recovery in the current digital information channels.

El giro postcualitativo en la investigación artística: confluencias y aperturas en torno a tránsitos artísticos relacionados con el hogar y las prácticas domésticas es una investigación artística sobre el espacio doméstico que comprende diferentes puntos de entrada y tránsitos dentro de dicho tema a través de prácticas de fotografía, dibujo, vídeo y performance. En estos tránsitos artísticos he explorado y puesto en juego mi relación con diversas materialidades y prácticas domésticas, específicamente, he investigado la casa como sitio de experimentación y apertura. El objetivo central en esta indagación es generar y aportar nuevos sentidos al campo de la investigación artística. Para ello, incorporé perspectivas de la autoetnográfía crítica en el desarrollo y relato de tres de mis investigaciones artísticas: The Daily Undefined (2015-16), La Casa Otra (2017-18) y La Casa V (2019-20). Dichas perspectivas se desdoblan a partir de la porosidad de la voz y el sujeto en devenir. Cruzar estas perspectivas con mis tránsitos artísticos me movilizó hacia otras onto-epistemologías dentro/con el terreno postcualitativo. La investigación de la tesis ha supuesto un giro gradual que posibilitó nuevos entramados con otras formas de vocalidad y ontologías nuevo materialistas del arte. También fue un giro que inter-aconteció con otros estilos perceptuales, co-presencias y energizaciones del ser-crear-conocer y escribir con el hogar.

La investigación realizada en la presente tesis doctoral explora la narración del relato autobiográfico y su análisis como herramienta para el desarrollo de la práctica profesional en formación inicial de maestros a través del arte contemporáneo. Durante el estudio se han analizado un total de 407 relatos autobiográficos realizados durante la formación de docentes en la Universidad de Lleida en las promociones 2009-2010, 2010-2011, 2011- 2012 y 2012-2013. Como resultado la narración de esta investigación deviene mi propio relato autobiográficos construido a través de la polifonía. Explorar y analizar el papel que el arte contemporáneo ha tenido en el desarrollo de la práctica docente en formación inicial de maestros en la Universidad de Lleida nos lleva a explorar y desarrollar una metodología de análisis de los relatos autobiográficos. El análisis de los relatos autobiográficos se concreta en tres momentos distintos que responden a los interrogantes que emergen a lo largo de la investigación. De este modo los resultados nos invitan a desarrollar el relato autobiográfico como estrategia de mejora de la práctica profesional.
La investigació realitzada en la present tesi doctoral explora la narració del relat autobiogràfic i el seu anàlisi com a eina per al desenvolupament de la pràctica professional en formació inicial de mestres a través de l'art contemporani. Durant l'estudi s'han analitzat un total de 407 relats autobiogràfics realitzats durant la formació de docents a la Universitat de Lleida en les promocions 2009-2010, 2010-2011, 2011- 2012 i 2012-2013. Com a resultat la narració d'aquesta investigació esdevé el meu propi relat autobiogràfics construït a través de la polifonia. Explorar i analitzar el paper que l'art contemporani ha tingut en el desenvolupament de la pràctica docent en formació inicial de mestres a la Universitat de Lleida ens porta a explorar i desenvolupar una metodologia d'anàlisi dels relats autobiogràfics. L'anàlisi dels relats autobiogràfics es concreta en tres moments diferents que responen als interrogants que emergeixen al llarg de la investigació. D'aquesta manera els resultats ens conviden a desenvolupar el relat autobiogràfic com a estratègia de millora de la pràctica professional.
The present research explores the writing of autobiographical narrative and its analysis as a tool for the development of professional practice in initial teacher education through contemporary art. During the research, 407 autobiographical narratives written in teachers’ education in the University of Lleida from 2009-2010, 2010-2011, 2011-2012 y 2012-2013 academic years have been analised. For this purpose, the narrative of the investigation becomes my own autobiographical narrative built through the polyphony. In order to explore and analyse the importance of contemporary art on the development of teaching practice in initial teacher training at the University of Lleida, we ought to explore and develop a methodology for the analysis of autobiographical narratives. The analysis of autobiographical narratives is conducted at three different moments to answer the questions that emerge throughout the investigation. Consequently, the results invite us to develop the autobiographical narrative as a strategy for improving professional practice.

María Campo Alange (Sevilla, 1902 - Madrid, 1986) fue una escritora autodidacta, crítica de arte, investigadora, feminista y preocupada por la situación social de las mujeres. Su primer libro María Blanchard (1944) la introdujo en el mundo artístico como crítica de arte. Su publicación más conocida fue La secreta guerra de los sexos (1948) en el que aborda la situación de las mujeres desde distintos ámbitos, este libro es un año anterior al Segundo sexo (1949) de Simone de Beauvoir, con la que coincide en algunas ideas como la otredad. Fue una investigadora multidisciplinar. También se adelanta con sus planteamientos teóricos a la norteamericana Betty Friedan autora de La mística de la feminidad (1963). María Campo Alange creó con un grupo de mujeres académicas el Seminario de estudios sociológicos sobre la mujer en el año 1960 para investigar y realizar cambios sociales y políticos.

Esta tesis presenta un enfoque de investigación colaborativa sobre la práctica con un Colectivo de jóvenes. La experiencia se desarrolla en un contexto de Laboratorio en artes escénicas en la ciudad de Montevideo. Esta investigación pone énfasis en la indagación de la construcción de los sentidos de la corporealidad. La reflexividad, es la clave para articular las narrativas visuales con las escénicas, mediadas por la perspectiva de la filosofía de la diferencia, los aportes del sicoanálisis a las prácticas pedagógicas y los estudios de visualidad.
This thesis presents a collaborative research approach to practice, with a Youth Collective. The experience is developed in a context of the Performing Arts Laboratory in the city of Monte- video. This research places emphasis on the investigation of the construction of the senses of corporeality. Reflexivity is the key to articulate the visual narratives with the scenic narratives, mediated by the perspective of the philosophy of difference, the contributions of psychoanaly- sis to pedagogical practices and visual studies.

El objetivo del estudio era explorar y comprender los modelos de mujer con los que sintonizan dos grupos: "Estándar" (población general; estudiado mediante cuestionarios administrados a jóvenes en institutos y universidad), y, "Estudio" (jóvenes autodenominadas anoréxicas/bulímicas; estudiado mediante las imágenes y comentarios que publican en redes sociales online -Facebook-). También se ha recopilado información sobre los modelos femeninos que ofrecen los Mass Media. La interpretación de los resultados ha permitido analizar cómo los modelos de belleza propuestos por los Mass Media se relacionan con la autoimagen ideal de ambos grupos, y cómo afecta a los autodenominados colectivos de anorexia/bulimia. Se infiere que el alcance de estos modelos en la elaboración de imaginarios ideales es común en la población joven, pero, no en la específicamente relacionada con el constructo anorexia/bulimia. El diseño de investigación responde al paradigma cualitativo con enfoque interpretativo, y diseño etnográfico y de Investigación Basada en Imágenes (IBI).
The objective of the study was to explore and to understand woman's models with which tune two groups: "Standard" (general population; studied by questionnaires administered to young people at institutes and university), and, "Study" (self-styled anorexic/bulimic young women; studied by the images and comments that published on social networks online –Facebook-). It has also collected information concerning to female models offered by the Mass Media. The interpretation of the results has allowed us to analyze how the models of beauty proposed by Mass Media relate to the ideal self-image of both groups, and how it affects the self-styled collectives of anorexia/bulimia. It follows that the scope of these models in the elaboration of some imaginary ideals is common in young population, but, not in the specifically related to the construct anorexia/bulimia. The research design responds to the qualitative paradigm with interpretative approach, and ethnographic design and Image Based Research (IBR).

Evalúa las artes de pesca artesanal por su impacto al ecosistema marino en respuesta a la informalidad en la pesquería artesanal peruana. Con este fin, expertos en pesca peruanos valoraron el impacto de veinte artes de pesca artesanales mediante tres matrices de evaluación de impactos como son el control de captura, impacto ecosistémico marino y la operatividad del arte de pesca. Los resultados indican que las artes de pesca catalogadas como artes de pesca menores favorables al ecosistema son pinta, espinel de playa, curricán, nasa para cangrejos, espinel de fondo y redes de enmalle superficial de recursos costeros, representan el 35%, con valores de IIE de 3,7 a 4,2. Las artes de pesca de mayor impacto representan un 25% con valores de IIE de 1,8 a 2,0 estas son las redes de tiro, encierre y arrastre. Las otras artes, el 40% están catalogadas como de mediano impacto cuyos IIE fluctúan entre 2,9 a 3,5. La aplicación de investigaciones tecnológicas están dirigidas a las artes de pesca de gran poder, renta por volumen, escasa respuesta selectiva, con cobertura en zonas costeras, para mitigar los efectos negativos al ecosistema marino. De igual manera las medidas técnicas de manejo deben delimitar la dinámica espacio temporal de estas artes de pesca con relación a su esfuerzo, contar con cuotas, vedas, tallas mínimas de captura y tamaño de malla óptimos entre otros. Esta clasificación de artes de pesca basada en el Impacto ecosistémico despliega un abanico de posibilidades, proporciona información fundamental para aplicar medidas de investigación tecnológica para moderar sus impactos y sus consiguientes medidas técnicas de ordenamiento adaptativo para una pesca sostenible y amigable.
Tesis

La presente tesis doctoral trata sobre tránsitos y caminos desde la sorpresa y la improvisación. Trata sobre el darse cuenta de que las propias experiencias son imprescindibles para aprender y construir conocimientos con otras personas. Este trabajo es la evidencia del tránsito de una investigación que fue pensada en un comienzo como historias de vida de mujeres machi y se fue transformando a lo largo de la investigación del proceso en una autoetnografía. La tesis doctoral se compone de ocho capítulos, de los cuales el primero sitúa a quien lee la investigación en las preguntas y objetivos de la misma. Así como las primeras inquietudes para comenzar a investigar. El siguiente capítulo, presenta los planteamientos metodológicos al momento de investigar y de cómo ésta se transforma en el nudo de la pesquisa y configura a la autoetnografía como diálogo. Así mismo, el capítulo 3 da comienzo a la autoetnografía y se configura a partir de los relatos y pesquisas en el trabajo de campo. Que se presenta como punto de inflexión para el cambio de historias de vida de mujeres machi a mi propia autoetnografía. A este capítulo le sigue el apartado de diálogos con la naturaleza donde reflexiono en torno a los significados que tiene para mí la naturaleza y cómo aprendo de ella. Temas que se conectan con el capítulo 5 sobre la búsqueda del bienestar y donde se plantean las maneras de buscar el equilibrio integral de las personas y el mío propio a través de la naturaleza. Esto se vincula también con el capítulo 6 donde articulo mi pesquisa en relación a las maneras de aprender tanto dentro como fuera de la escuela y acompañada por otras personas que me ayudan a configuran los procesos de aprendizaje desde mis propias experiencias. Estableciendo vínculos con los procesos de aprender de personas machi, tema que se desarrolla en el siguiente capítulo. Finalmente en el capítulo 8 planteo las principales conclusiones de la tesis, relacionadas con la revisión del alcance de objetivos y si pude dar respuesta a las preguntas de investigación planteadas en el primer capítulo.

En esta Tesis Doctoral, perteneciente a las materias aplicadas y experimentales, se ha realizado un estudio de las diferentes técnicas y tratamientos de superficie de la escultura en piedra, con el fin de determinar las metodologías y los procesos utilizados por los artistas que han realizado de forma plástica, un acercamiento a los sistemas desarrollados en la investigación. Este estudio de las distintas etapas de la escultura, nos han servido como referencia para establecer modelos, que tras un análisis comparativo, han podido ser utilizados en posteriores aplicaciones prácticas, en un trabajo propio artístico. De esta forma, bajo una propuesta de estudio teórico del relieve, el grabado y la talla directa, hemos desarrollado una Metodología basada en la planificación y ejecución de unos ensayos con diferentes técnicas como el grabado con ácido, la incrustación del metal, transferencia e impresión digital UVI y la acción de la naturaleza y los procesos industriales.
In this Doctoral Thesis that belongs to the applied and experimental matters, has been made a deep study of the different techniques and treatments of surface in the stone sculpture along the history, with the aim of determine the methodologies and processes used by the artists, who have made, in a fine form, an approach to developed system in the research. This study of the different sculpture stages, has served as reference to establish models that have been utilized in posterior practical applications. In this sense, under a theoretical study proposal of the relief, engraving and direct carving, having a large number of specific cases studies at our disposal, it has been developed a methodology based on the essays’ planning and implementation, like engraving with acid, encrusted metal, transfer techniques, digital print UVI, nature action and industrial processes.

En esta tesis realizo un análisis del término Englishness, entendido como la esencia inglesa, la identidad del individuo como ciudadano inglés, que ayuda a comprender el concepto de identidad británica, pero sobre todo de identidad inglesa, así como de su evolución. Asimismo, en este estudio analizo cuáles son las posibles similitudes o desemejanzas que se encuentran entre el concepto de «identidad inglesa» de nuestro siglo y el de siglos pasados, qué factores han intervenido en este proceso de evolución y cómo estos interaccionan entre sí. Este estudio conlleva cierta profundización en la cultura británica. Parto del concepto de cultura como modo de vida propuesto por Raymond Williams, que fue influenciado más tarde por Stuart Hall y el Birmingham Centre for Contemporary Cultural Studies, extendiéndolo a cultura como modos de vida. Así mismo, enfoco mi estudio desde la perspectiva de la tradición de los estudios culturales tal y como se vienen desarrollando en Gran Bretaña. Partiendo de esta base, este no es un estudio de la cultura británica tomándola como una categoría única y globlalizadora bajo la que agrupar a una comunidad(es), sino que presto especial atención a aquellos aspectos de la misma que son motivo de diversidad y divergencia. De este modo, en lugar de centrar mi atención en una percepción general y al mismo tiempo superficial y reduccionista de Englishness, mi propósito no es otro sino el de profundizar en las particularidades de la identidad inglesa a nivel individual. Este planteamiento me lleva a un enfoque del estudio de la identidad en el que esta última se presenta como una entidad postmoderna. Así mismo se pueden comparar identidad y postmodernidad debido a su complejidad y el modo en que ambas se componen de elementos y categorías que se superponen para su formación. El «ser inglés» no es una noción simple o de fácil descripción. Aspectos tales como diferencias de clase, género, sexualidad, raza, religión, acento, regionalismo e incluso el mero hecho de pertenecer a un determinado colectivo o no son elementos determinantes en la percepción y formación de la identidad inglesa en la actualidad. Todos ellos son aspectos que se combinan de diferente forma en cada individuo. Se trata de elementos que se mezclan y combinan entre sí para dar lugar a una nueva y heterogénea noción de Englishness, que deja de lado la estereotipada idea del individuo inglés como blanco anglosajón y protestante. En los últimos siglos Gran Bretaña ha sido testigo de importantes cambios en su población. Gran número de inmigrantes de diferentes razas, pueblos, creencias y culturas han convergido en tierras británicas. Esto ha dado lugar a la existencia de muchas y variadas formas culturales que han interaccionado con las gentes y la cultura de la comunidad de acogida, adaptando aspectos de la misma para sí en algunos casos y en otros modificándola. De este modo, mi proyecto ofrece un análisis en profundidad de la cultura de la Gran Bretaña multicultural contemporánea. Sin embargo, es precisamente la «amenaza» de este cambio la que parece generar cierto «miedo» y «ansiedad» en cuanto al futuro de la nación se refiere, y esto se observa en ciertos fenómenos académicos y sociales en Gran Bretaña. Por un lado, parece resurgir una necesidad por redefinirse a uno mismo y a la identidad nacional, que también parece conllevar un resurgimiento de fuerzas políticas nacionalistas populistas. En las últimas elecciones en Gran Bretaña se puede observar un leve resurgimiento de la extrema derecha, que si bien no aparece bajo el nombre del Parido Nacionalista Británico (conocido en inglés como BNP), viene de la mano de partidos con ideales similares como el Partido Independentista del Reino Unido (conocido como UKIP). Esta «preocupación» por la identidad nacional y su posible perdida o distorsión también se ve reflejada en el mundo académico, donde existen una gran variedad de trabajos cuyo objetivo es la identificación de Englishness, que como explico terminan ofreciendo al lector una variedad de Englishnesses, es decir, una pluralidad de versiones de un mismo objeto de estudio. Por otro lado, y de acuerdo con la naturaleza del estudio, en esta tesis he recurrido a diversas fuentes de información. La literatura, el cine, la televisión y la prensa son mis principales fuentes, lo que facilita una visión más global y actualizada de las experiencias del «ser inglés» en Gran Bretaña. Pongo especial énfasis en la comedia televisiva británica contemporánea ya que, desde mi punto de vista, en ella se reflejan gran parte de las experiencias, intereses y modos de representación e interpretación de su cultura y constituye una eficaz herramienta para estudiar la realidad social de la comunidad. También hago referencia a la comedia en su forma literaria, y a diversas fuentes de información como YouTube, podcasts y páginas web cuyo contenido está relacionado con los temas tratados, con el fin de explorar e indagar en estos temas y profundizar en ellos de una manera lo más completa posible. En este estudio dedico especial atención a comedias contemporáneas televisivas, por su alto contenido de imágenes y comentarios irónicos y sarcásticos, además del uso de imágenes estereotipadas de individuos en la sociedad que ofrece a mi parecer un instrumento idóneo para explorar tipos e identidades en la sociedad. En especial me centro en aquellas comedias contemporáneas basadas en un contexto educativo, por diferentes motivos. En primer lugar creo que esta es una etapa muy significativa en la formación de la identidad del individuo. Aparte de la vida familiar, en el ámbito educativo es donde el individuo pasa un gran número de horas al día. Sin embargo, si esto se podría decir que es cierto de la mayoría de los países Europeos, yo diría que es aún más relevante en un sistema educativo como el británico, en el que las diferencias entre los distintos tipos de instituciones educativas y lo que ofrecen tienen desde mi punto de vista un impacto considerable en lo que a la formación de identidad se refiere. Como explico en este estudio, se podría decir que el sistema educativo británico enfatiza la brecha existente entre individuos de contextos socio-económicos distintos (Ball, 1993; Archer, Hutchings, & Ross, 2005; Ball, Davies, David, & Reay, 2002; Archer, DeWitt, & Wong, 2014). Asimismo, las comedias analizadas engloban distintas instituciones educativas. Por ejemplo, Fresh Meat nos presenta el mundo universitario en una universidad ficticia llamada Manchester Medlock, en la que confluyen individuos de todos los contextos educativos, desde ex alumnos de centros estatales y gratuitos hasta alumnos de colegios «públicos», entendidos en el contexto inglés como colegios internos cuya matrícula puede ser superior a las 30.000 libras por curso académico. Por ejemplo, las series Teachers y The Inbetweeners muestran un contexto educativo que se engloba dentro de la educación pública que en Inglaterra se conoce como «estatal», pero en distinto rango de calidad educativa. Por otro lado, Bromwell High nos muestra también un centro educativo público en el sentido real de la palabra, pero en el que ni la educación ni el bienestar de la comunidad educativa se presentan como una prioridad. Teniendo en cuenta lo mencionado anteriormente, y dentro del contexto analizado, presto especial atención al gag (momento en el que se invita a la risa) ya que esta es una manera bastante inusual de estudiar comedia. A menudo, el estudio de la comedia televisiva disecciona su objeto de análisis en elementos léxicos y gramaticales (Quaglio, 2009), personajes, contextos, juegos de palabras, etc., eliminando el aspecto cómico (Dynel, 2011). Esto es solo un ejemplo de cómo generalmente el estudio de la comedia no suele centrarse en la comedia en sí. Si bien es cierto que, a veces, la comedia ha sido criticada como objeto de estudio debido a su lugar en la sociedad como medio de entretenimiento y por su falta de seriedad, también es cierto que no siempre es fácil determinar cuándo se supone que encontramos el chiste o cuando se nos invita a reír. Además, este aspecto cobra aún más relevancia si tenemos en cuenta los nuevos formatos de comedias televisivas donde se omite la risa enlatada y ya no se invita al espectador a unirse a la risa, sino que se deja a elección personal. Es precisamente en estos momentos cuando de alguna manera consentimos y permitimos algo que en otro contexto sería inaceptable o sería tachado de ser políticamente incorrecto. Asimismo, es en estos momentos donde podemos analizar las suposiciones y creencias que informan el texto. Con el fin de definir el concepto de Englishness, en el tercer capítulo parto de aquellos estudios académicos que se «venden» a sí mismos como estudios de Englishness. Así, centro mi atención en trabajos dedicados al estudio de identidades británicas, pero sobre todo inglesas, donde las palabras English o Englishness aparecen en el título, o que se presentan a sí mismos como estudios de alguna de las categorías mencionadas, y que prestan especial atención al/los individuo/os ingleses. En ocasiones, y como ya he mencionado, se hace alusión a trabajos literarios. Sin embargo, no llevo a cabo un estudio detallado de estos ya que esto me desviaría del principal objetivo de esta tesis: el análisis de la identidad inglesa y del «ser inglés» a través de las comedias televisivas contemporáneas populares. No obstante, soy consciente de la gran cantidad de trabajos literarios que existen centrados en el «ser inglés» y en su modo de vida (Bryson, 1991, 1996; Barnes, 1998; Bainbridge, 1999; Gill, 2005; Luddington, 2014; Moore, 2015; Paxman, 2007, 2006, 2012). Estos trabajos tienen un gran potencial de análisis en lo que a mi objeto de estudio se refiere, aunque he decido no centrarme en ellos con el fin de concretar el estudio. Como se puede observar en mi tesis, recurro en gran medida al uso de juegos de palabras para los títulos de las secciones. El motivo de utilizar este lenguaje llamativo radica en que no sólo me da pie a exponer mis ideas, sino que también a que el lector no se deje llevar por el texto y no caiga en la trampa contra la que lucho en este trabajo: la mitificación de Englishness. Además, esta es mi manera de brindar homenaje a mi fuente principal de estudio: la comedia inglesa y el juego de palabras, uno de sus recursos lingüísticos. Tras considerar las distintas versiones de Englishness que ofrecen los trabajos escritos estudiados, en los capítulos cuatro, cinco, seis, siete y ocho llevo a cabo el análisis de las comedias prestando especial atención a los «tipos» de individuos que aparecen en las series. Cada comedia se analiza de manera individual, ya que están basadas en contextos educativos diferentes y por tanto los individuos que en ellas aparecen son considerablemente distintos. No obstante, es importante mencionar que en algunas ocasiones existe cierta similitud y correlación entre los «tipos» presentados en las distintas series, en cuyo caso hago referencia a la tipología, relacionando a individuos bajo la idea de un mismo «tipo». Las comedias analizadas muestran un contexto educativo que parece estar íntimamente ligado a las clases sociales y a la construcción de identidad del individuo. Esta división se muestra en forma de una categoría tripartita que sigue la estructura de clase trabajadora, clase media y clase alta, pero cuya descripción o percepción depende del punto de vista del que se mire. La serie Bromwell High presenta claramente un contexto de alumnado de clase trabajadora, mientras The Inbetweeners muestra a un alumnado de clase media. En la serie Teachers, como el título de la misma indica, el centro de atención es el profesorado, pero en términos generales se podría decir que el alumnado se parece más al tipo de individuo que iría a un colegio como Bromwell High. Sin embargo, las denominaciones y las representaciones de las distintas clases sociales que aparecen en las series varían considerablemente de una serie a otra. Por ejemplo, en The Inbetweeners se hace referencia en ocasiones a una aterrador o deprimente contexto social de la clase trabajadora, mientas que en Fresh Meat los individuos que habían recibido una educación «pública», en el sentido inglés de educación privada, no parecían contemplar otra distinción que la de lo que quiera que fueran ellos y la de los muggles o «normales». En cualquier caso, las comedias nos presentan una sociedad que si bien no se puede decir que esté supeditada a las diferencias sociales, sí que entiende los matices expuestos en las comedias sobre las mismas, que presentan una sociedad en la que aquellos que provienen de un contexto socio-económico más favorecido reciben una educación de mayor calidad y aumentan así sus posibilidades de éxito en el futuro (Reay & Ball, 1997; Reay, David & Ball, 2001). Por otro lado, teniendo en cuenta las representaciones de Englishness estudiadas en el ámbito académico, y tras el análisis de las distintas identidades inglesas que aparecen en las comedias mencionadas anteriormente, es posible afirmar que distintos individuos parecen adherirse a distintas Englishnesses, o a distintos aspectos de distintas Englishnesses, confirmando así la idea de que no se puede estudiar el «ser inglés» y su identidad como un único ente, sino que es necesario centrar la atención en una multiplicidad de identidades inglesas. Asimismo, el análisis de las comedias ha dejado entrever una cierta reticencia a la hora de representar identidades que den cabida a la variedad étnica y multicultural existente en Inglaterra en la actualidad. Es por ello que considero que a la hora de estudiar y representar Englishnesses es necesario tener en cuenta esta heterogeneidad, ya que todos somos iguales en nuestras diferencias, como los personajes de las series estudiadas. Después de todo, todos somos migrantes en este planta llamado Tierra.
In this thesis I aim to study the concept of Englishness(es), which will imply a better understanding of the idea of ‘English identities’ and their evolution. Thus, I shall analyse what possible similarities and differences can be found between the contemporary idea of ‘English identity/ies’ as presented in contemporary English comedies and its/their definition according to some academic works, and how they interrelate. For this I propose to study English culture in depth, focusing mainly on contemporary English comedies set within the educational context. My starting point will be Raymond William’s concept of culture as a whole way of life (Williams, 1958/2011), which later influenced Stuart Hall (Hall, 1992) and the Birmingham Centre for Contemporary Cultural Studies. Therefore, I shall focus my study from the perspective of the tradition of Cultural Studies as developed in Britain. Comedies will provide an ideal tool to focus on characters’ habits, customs, needs, likes and dislikes to give samples, albeit exaggerated at times, of how individuals relate to each other and express their fears, interests, worries and passions. In the last few centuries Great Britain has been witness to important changes in its population. A large number of immigrants of different races, countries, beliefs and cultures have converged on British soil. This has resulted in the existence of many different ways of life that have interacted with the host culture, with the different cultures adapting and modifying one another. In line with this, there has been a growing interest in the delimitation, definition and assertion of both Britishness and Englishness, although my study in centred on the latter. For this reason there exists a lot of controversy and divergence in the definition of this concept. Different studies focus on different aspects of England, and as a result they come up with different versions of Englishness. Englishness is not seen throughout this study as something simple or even something that can easily be described. Aspects such as differences of class, sex, sexuality, race, religion, accent, region, including the simple fact of belonging to a given club or not, are determining factors in the perception and formation of contemporary English identities. All these things are intertwined to give a new, heterogeneous notion of Englishness that rejects the stereotypical idea of Englishness associated with a white, protestant and Anglo Saxon individual. In this way, my ultimate aim is that of carrying out a profound analysis of some academic works on the matter, and compare these images with those presented by contemporary twenty-first century television comedy, in order to try and reach a better understanding of today’s multicultural Britain. In agreement with the nature of the study, I plan to draw on diverse sources of information. Literature, cinema, television, the world wide web and the press will be the main sources, which will provide a wider and more up to date view of the experiences of Englishness in Britain. I shall put special emphasis on English comedy because, it seems to me, that it reflects a great many experiences, interests and forms of representation and interpretation of culture. In my opinion, it constitutes an effective tool to study the social reality of the community, which on the other hand has not been exploited for this purpose. In doing so, I will focus on comedies set within the educational system, given that I believe these will reveal a great deal about the English and their sense of identity, as I will explain in the following section. Therefore, I will be looking at comedies set within secondary education schools, namely those of Bromwell High, The Inbetweeners, Teachers and some scenes of Little Britain, together with the comedy series Fresh Meat, which is set in a university.

Esta Tesis se ha enmarcado en un proyecto financiado por la CICYT gracias al cual se adquirió un equipo portátil de espectroscopia Raman con fibra óptica. Esto determinó el objetivo inicial de esta investigación, que consistió en conocer las prestaciones y los dispositivos ópticos esenciales del equipo portátil. Esta portabilidad permitió afrontar otro objetivo fundamental: investigar la pigmentación amarilla de objetos cerámicos patrimoniales españoles e italianos de las épocas del Renacimiento y Barroco pertenecientes al Museo de Cerámica de Barcelona gracias a un convenio firmado entre la UPC y este museo. La investigación comenzó con la caracterización química y estructural de unos pigmentos históricos de referencia compuestos por óxidos de plomo, estaño y antimonio con o sin sílice encargados a la Stazione Sperimentale del Vetro (Venecia). Esta etapa se completó con el análisis directo de las piezas cerámicas. En base a los resultados experimentales, se concluye que tanto en España como en Italia durante los siglos XVI y XVII y, excepcionalmente, en un objeto Califal del siglo X procedente del Norte de África, se empleó el mismo pigmento amarillo. Este hallazgo plantea nuevas interpretaciones acerca del origen islámico de estos pigmentos. La interpretación de los espectros de estos pigmentos amarillos artificiales resultó muy complicada debido a su heterogeneidad. El concepto de pigmento heterogéneo en esta Tesis se ha entendido como una mezcla de sustancias de distinta composición química y/o cristalización (entre las cuales, como mínimo, una de estas sustancias es un pigmento) y cuya distribución no es uniforme. Este concepto dio pie a un segundo objetivo que consistió en investigar de forma especial el espectro Raman de una mezcla. Como ejemplo de mezclas naturales se analizaron diferentes conchas marinas (también utilizadas por los artistas como materiales pictóricos históricamente). En este caso, los resultados experimentales demostraron una doble heterogeneidad. Por una parte, se identificó la presencia de dos tipos de compuestos (heterogeneidad composicional): carbonato cálcico y un pigmento orgánico (azul, violeta y marrón) de la familia de los polienos. Por otro lado, el segundo tipo heterogeneidad, en este caso estructural, resultó sorprendente. Se demostró que en la sección transversal de una concha coexisten dos cristalizaciones del carbonato cálcico: la trigonal (calcita) y la ortorrómbica (aragonito), tanto conjunta como aisladamente Continuando la investigación de mezclas, se analizaron diferentes combinaciones de pigmentos comúnmente empleados en arte. Esencialmente, el objetivo fue investigar hasta qué punto el espectro de una mezcla es igual a la suma ponderada de espectros individuales, dado que en una mezcla intervienen fenómenos, entre otros, diferente reflectividad, índice de refracción o el número y tamaño de las partículas de cada componente que no se manifiestan en el espectro de un pigmento aislado. Se partió de la siguiente idea: si a igualdad de radiación incidente cada sustancia química tiene una temperatura concreta, se plantea la cuestión acerca de cuál es la temperatura medida en la mezcla. Dado que el factor de Boltzmann relaciona los espectros Stokes y antiStokes con la temperatura absoluta de un material, se parte de esta relación para deducir una fórmula aproximada que relaciona la temperatura de una mezcla con las temperaturas de sus componentes aislados. Se ha confirmado experimentalmente la validez de esa fórmula y se concluye que el espectro Raman de una mezcla no es la suma ponderada de espectros individuales. Por tanto, deben producirse variaciones en el espectro mezcla tanto en intensidad como en posición frecuencial de bandas
Aquesta tesi s'ha emmarcat en un projecte finançat per la CICYT gràcies al qual es va adquirir un equip portàtil d'espectroscòpia Raman amb fibra òptica. Això va determinar l'objectiu inicial d'aquesta investigació, que va consistir en conèixer les prestacions i els dispositius òptics essencials de l'equip portàtil. Aquesta portabilitat va permetre afrontar un altre objectiu fonamental: investigar la pigmentació groga d'objectes ceràmics patrimonials espanyols i italians de les èpoques del Renaixement i Barroc pertanyents al Museu de Ceràmica de Barcelona gràcies a un conveni signat entre la UPC i aquest museu. La investigació va començar amb la caracterització química i estructural d'uns pigments històrics de referència compostos per òxids de plom, estany i antimoni amb o sense sílice encarregats a la Stazione Sperimentale del Vetro (Venècia). Aquesta etapa es va completar amb l'anàlisi directa de les peces ceràmiques. En base als resultats experimentals, es conclou que tant a Espanya com a Itàlia durant els segles XVI i XVII i, excepcionalment, en un objecte califal del segle X procedent del Nord d'Àfrica, es va emprar el mateix compost groc. Aquesta troballa planteja noves interpretacions sobre l'origen islàmic d'aquests pigments. La interpretació dels espectres d'aquests pigments grocs artificials va resultar molt complicada a causa de la seva heterogeneïtat. El concepte de pigment heterogeni en aquesta tesi s'ha entès com una barreja de substàncies de diferent composició química i / o cristal · lització (entre les quals, com a mínim, una d'aquestes substàncies és un pigment) i la distribució no és uniforme. Aquest concepte va donar peu a un segon objectiu que va consistir en investigar de forma especial l'espectre Raman d'una mescla. Com a exemple de mescles naturals es van analitzar diferents petxines marines (també utilitzades pels artistes com materials pictòrics històricament). En aquest cas, els resultats experimentals van demostrar una doble heterogeneïtat. D'una banda, es va identificar la presència de dos tipus de compostos (heterogeneïtat composicional): carbonat càlcic i un pigment orgànic (blau, violeta i marró) de la família dels poliens. D'altra banda, el segon tipus heterogeneïtat, en aquest cas estructural, va resultar sorprenent. Es va demostrar que a la secció transversal d'una petxina coexisteixen dos cristal · litzacions del carbonat càlcic: la trigonal (calcita) i la ortorrómbica (aragonita), tant conjunta com aïlladament. Continuant la investigació de mescles, es van analitzar diferents combinacions de pigments comunament emprats en art. Essencialment, l'objectiu va ser investigar fins a quin punt l'espectre d'una barreja és igual a la suma ponderada d'espectres individuals, atès que en una barreja intervenen fenòmens, entre d'altres, diferent reflectivitat, índex de refracció o el nombre i mida de les partícules de cada component que no es manifesten en l'espectre d'un pigment aïllat. Es va partir de la següent idea: si a igualtat de radiació incident cada compost químic té una temperatura concreta, es planteja la qüestió sobre quina és la temperatura mesurada en la barreja. Atès que el factor de Boltzmann relaciona els espectres Stokes i antiStokes amb la temperatura absoluta d'un material, es parteix d'aquesta relació per deduir una fórmula aproximada que relaciona la temperatura d'una mescla amb les temperatures dels seus components aïllats. S'ha confirmat experimentalment la validesa d'aquesta fórmula i es conclou que l'espectre Raman d'una barreja no és la suma ponderada d'espectres individuals. Per tant, s'han de produir variacions en l'espectre barreja tant en intensitat com en posició freqüencial de bandes.

[EN] This thesis aims to validate a training model project, based on a constructivist, critical and educative humanistic conception of expressive art, with contributions from art therapy; to assist in the promotion and protection of human rights; training social actors in order to act in different areas of health, education and criminal justice, understanding the relationship between creativity, art and health. The model presented is an action-research project that includes ad expressive-reflective methodology of work, that could be use to act in several scenarios, providing a meaningful learning. Research objectives: Analyze conceptions of Art, Art Therapy and Education, related to documentary sources and key concepts of the hypothesis. Understand educational practice as an area where action-research methodology can be applied. Describe and analyze arguments, objectives, contents and evaluation criteria of the forming action promoted by the project. Explain the methodology of expressive-reflective workshop training model, analyze the concept of teaching sequence and promote the presentation of the same teaching programs and practices by the workshop participants. Research methods applied in the thesis: Descriptive: diagnose and identify problems related with contexts where the hypothesis is developed. Projective: propose a model for training trainers. Evaluative: appreciate the effects of the action-research project referred to this investigation. Comparison: identify differences and similarities in the practical experimentation of the project. Methodology applied in the practice experimental model to validate: Action-Research Teaching-learning model to validate: Reflective-expressive Workshop with art therapy devices Results and major contributions: In the faculties of Fine Arts of the UPV and ULL, it was the first training course that allowed students to teach art to young prison inmates (Spain 2008/09). In Argentina, the project enabled prison officers, to consider the ethical side of their work; for the first time in 2009/10, in detention centers for adolescents (Salta and Oran); they dictated expressive workshops for adolescents. In Buenos Aires province, in the Community Health Promoters (Marcos Paz) and students of the Adult-Oriented Health School (Lomas de Zamora); first they were trained to comprehend the expressive function of art as a health promoter (2011/12). The project is included in a course of Higher Technician in Social Work (Moreno); thanks to that, students incorporated useful knowledge that could be used in their practice. (2011/12). While the research presented, refers to the one developed during the period 2009/12; it is important to say that after being valued by the Ministry of Education's, an agreement letter was signed between the Ministry of Human Rights -in force since 2009- and the Inmate education Mode of the same Ministry, to dictate the project as a federal seminar; in 2015 it was presented in the following provinces: Salta, Tucumán and La Pampa.
[ES] Se quiere validar un modelo de capacitación, sustentado en una concepción humanista, crítica y constructivista de la educación y expresiva del arte, con aportes del arteterapia; para colaborar con la promoción y protección de los DDHH; capacitando actores sociales para actuar en ámbitos de salud, educación, justicia penal, comprendiendo la relación creatividad-arte-salud. El modelo es un proyecto de investigación-acción, con metodología de taller expresivo-reflexivo, para actuar en diversos escenarios, facilitando el aprendizaje significativo. Objetivos de la investigación: Analizar concepciones, del Arte, el Arteterapia y la Educación, haciendo referencia a fuentes documentales y conceptos claves de la hipótesis. Comprender la práctica educativa como ámbito donde aplicar investigación-acción. Describir/analizar, fundamentos, objetivos, contenidos y criterio evaluativo de la acción formadora promovida por el proyecto. Explicar la metodología de taller expresivo-reflexivo del modelo de capacitación, analizar el concepto de secuencia didáctica, presentar secuencias didácticas del mismo y de prácticas a cargo de participantes del taller. Métodos de investigación aplicados en la tesis: Descriptiva: diagnosticar e identificar problemáticas dentro de los contextos donde se desarrolla la hipótesis. Proyectiva : plantear un modelo de formación de formadores. Evaluativa: apreciar los efectos de la investigación-acción, referidos al proyecto que está en investigación. Comparativa: identificar diferencias y semejanzas durante la experimentación práctica del proyecto. Metodología aplicada en la experimentación práctica del modelo a validar: Investigación-acción Metodología de enseñanza-aprendizaje del modelo a validar: Taller expresivo-reflexivo con dispositivos del arteterapia Resultados y aportaciones más relevantes: En las facultades de Bellas Artes de la UPV y ULL, fue la primera capacitación que permitió a estudiantes enseñar arte a jóvenes en contextos de encierro (España 2008/09). En Argentina, el proyecto facilitó a penitenciarios, a considerar el eje ético de su tarea; por primera vez en 2009/10, en centros de privación de libertad de adolescentes (Salta y Orán); éstos dictaron talleres expresivos a los adolescentes. En Provincia de Bs. As., Promotores Comunitarios de Salud (Marcos Paz) y alumnos del Bachillerato de Adultos con Orientación en Salud (Lomas de Zamora); por primera vez recibieron una capacitación para comprender la función expresiva del arte como promotora de salud (2011/12). El proyecto se incluye en una asignatura de Tecnicatura Superior en Trabajo Social (Moreno); el alumnado incorporó estos nuevos saberes, para aplicarlos en sus prácticas territoriales. (2011/12). Si bien la investigación que presentamos, abarca el desarrollo del proyecto 2009/12; es importante decir que valorado por el Ministerio de Educación de la Nación, se firmó Carta Acuerdo entre Secretaría de DDHH de la Nación, desde donde el proyecto actúa desde 2009, y la Modalidad Educación en Contextos de Encierro de ese Ministerio, para dictar el proyecto como seminario a nivel federal. En 2015 se dictó en Salta, Tucumán y La Pampa.
[CAT] Es vol validar un model de capacitació, sustentat en una concepció humanista, crítica i constructivista de l'educació i expressiva de l'art, amb aportacions de l'arteterapia; per a col¿laborar amb la promoció i protecció dels DDHH; capacitant actors socials per a actuar en àmbits de salut, educació, justícia penal, comprenent la relació creativitat-art-salut. El model és un projecte d'investigació-acció, amb metodologia de taller expressiu-reflexiu, per a actuar en diversos escenaris, facilitant l'aprenentatge significatiu. Objectius de la investigació: Analitzar concepcions, de l'Art, l'Art-terapia i l'Educació, fent referència a fonts documentals i conceptes claus de la hipòtesi. Comprendre la pràctica educativa com a àmbit on aplicar investigació-acció. Descriure/analitzar, fonaments, objectius, continguts i criteri avaluatiu de l'acció formadora promoguda pel projecte. Explicar la metodologia de taller expressiu-reflexiu del model de capacitació, analitzar el concepte de seqüència didàctica, presentar seqüències didàctiques del mateix i de pràctiques a càrrec de participants del taller. Mètodes d'investigació aplicats en la tesi: Descriptiva: diagnosticar i identificar problemàtiques dins dels contextos on es desenvolupa la hipòtesi. Projectiva: plantejar un model de formació de formadors. Avaluativa: apreciar els efectes de la investigació-acció, referits al projecte que està en investigació. Comparativa: identificar diferències i semblances durant la experimentació pràctica del projecte. Metodologia aplicada en l'experimentació pràctica del model a validar: Investigació-acció Metodologia d'ensenyança-aprenentatge del model a validar: Taller expressiu-reflexiu amb dispositius de l'art-terapia Resultats i aportacions més rellevants: En les facultats de Belles Arts de la UPV i ULL, va ser la primera capacitació que va permetre a estudiants ensenyar art a joves en contextes de tancament (Espanya 2008/09). En Argentina, el projecte va facilitar a penitenciaris, a considerar l'eix ètic de la seua tasca; per primera vegada en 2009/10, en centres de privació de llibertat d'adolescents (Salta i Orán) ; aquestos van dictar tallers expressius als adolescents. En Província de Bs. As., Promotors Comunitaris de Salut (Marcos Paz) i alumnes del Batxillerat d'Adults amb Orientació en Salut (Lomas de Zamora); per primera vegada van rebre una capacitació per a comprendre la funció expressiva de l'art com a promotora de salut (2011/12). El projecte s'inclou en una assignatura de Tecnicatura Superior en Treball Social (Moreno); l'alumnat va incorporar aquestos nous coneixements, per a aplicar-los a les seues pràctiques territorials. (2011/12). Si bé la investigació que presentem, comprén el desenvolupament del projecte 2009/12; és important dir que valorat pel Ministeri d'Educació de la Nació, es va firmar Carta Acord entre Secretaria de DDHH de la Nació, des d'on el projecte actua des de 2009, i la Modalitat Educació en Contextos de Tancament d'eixe Ministeri, per a dictar el projecte com a seminari a nivell federal. En 2015 es va dictar en Salta, Tucumán i La Pampa.
Melchiore Vicente, MC. (2016). La intervención del Arte en el ámbito de la Salud Comunitaria: Derechos Humanos y desarrollo de la Creatividad. Proyecto de investigación-acción. Un modelo de capacitación para actores sociales que trabajan con grupos en situación de vulnerabilidad [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63234
TESIS

Esta tesis doctoral indaga en las experiencias identitarias de dos grupos de jóvenes adolescentes mapuches de San Bernardo y Santiago de Chile quienes, a través de su participación en el Taller de Fotografía Indígena Azentún, problematizan y reflexionan críticamente sobre su ascendencia indígena en la ciudad. Para ello, los jóvenes adolescentes dialogan y reflexionan acerca de las distintas representaciones visuales del pueblo mapuche y, posteriormente, performatizan y reelaboran su imagen. Desde el siglo XIX la imagen del mapuche ha sido motivo de controversia, debido a los estereotipos y estigmas que han pesado sobre ella, provocando la negación de la ascendencia indígena, incluso entre los/las mismos/as mapuches, operando un blanqueamiento vinculado a la idea moderna de un solo Estado, una sola nación. En este sentido, la fotografía ha sido utilizada por las clases dominantes como un dispositivo que subordina la imagen del/la mapuche promoviendo la homogeneidad identitaria de la nación. En la actualidad, se ha venido difundiendo el estigma del/la mapuche violento/a y terrorista, en tanto que algunos/as fotógrafos/as reproducen una escena étnica con un pueblo mapuche mítico y/o exótico. Es por ello, que indago en la capacidad de la práctica fotográfica para resignificar la autoimagen indígena, y ser parte de un proceso de auto construcción de la identidad, relacionada con una pluralidad de formas identitarias que conviven en el territorio nacional. Indago, entonces en una fotografía como una herramienta de reflexión visual y crítica, capaz de desestabilizar la noción esencialista de identidad. La investigación se llevó a cabo entre los años 2012 y 2016 en tres etapas, con una primera fase de indagación teórica en la que se indaga en las diferentes representaciones visuales/fotográficas del pueblo mapuche, y conformando el marco teórico; una segunda en la que se define y desarrolla la metodología que se utilizará, y una tercera fase en la cual se ingresa al campo y se recopila evidencia visual, a través del taller de fotografía Azentún. En esta última etapa, se ponen en juego conceptos tales como la capacidad performática de la fotografía (Zúñiga, 2013) y de reelaborar una imagen étnica desde la creación de repertorios autorreferenciales mapuches (Triquell, 2013).
These PhD thesis inquiries into the experiences of two groups of young Mapuches who are from San Bernardo and Santiago de Chile and whose participation in the workshop called “Taller de fotografía Indígena Azentún”, made them reflect critically on their indigenous descent in the city. For this purpose, the youngsters talk about this issue and reflect on the different visual representations of the Mapuche people and, after that, perform and elaborate their image again. From the 19th century, the image of the Mapuches has been a controversial issue, this is due to the fact that there are several stereotypes and stigmas referring to their condition, what has caused a rejection of the indigenous descent and even among the Mapuches; this has brought a modern idea which consists of considering only one State instead of two of very different people. Taking this into account, photography has been used by the dominant social classes as a device which subordinates the image of the Mapuche promoting the collective identity of the nation. Nowadays, there is a conception which shows the Mapuche as someone violent and also as a terrorist; whereas there are some photographers who claim a type of photography from the Mapuche point of view with the idea of self-representation. For this reason, I investigate in the use of photography as the method for recovering the Mapuche self-image and, be part of a self-construction process which is related to a number of different identities that coexist in our country. Therefore, I investigate a type of photography as a tool used to reflect visually and critically capable of destabilizing the essentialist notion of identity. This research took place between 2012 and 2016 in three stages: the first was a theoretical investigation which consisted of looking for different representations of the Mapuche people and also writing the theoretical framework. The second part of this investigation consisted of establishing the methodology which was going to be used and the third phase had to do with the collection of images through the implementation of the workshop called Azentún. In this final stage, some concepts were considered and used such as the performing capacity of photography (Zúñiga, 2013) and the idea of reconstructing the ethnic image from the creation of Mapuche self-referential collections (Triquell, 2013).

El proyecto consiste en la realización de una investigación basada en la práctica artística en el ámbito de la composición musical. A partir del estudio de diversas corrientes compositivas actuales, se desarrollará un enfoque compositivo propio que será aplicado a la composición de tres obras musicales para formaciones instrumentales diversas. Dicho enfoque consistirá en la articulación y sistematización de una relación con la música del pasado a partir del uso de técnicas y procedimientos musicales recientes, no a través del collage o la cita temática, sino por medio del uso de un material ligado esencialmente al timbre y que, decididamente alejado de la sintaxis musical tradicional, posea sin embargo la capacidad de evocar sin esfuerzo el colorido armónico asociado a una música del repertorio tradicional. Para ello se recurrirá a la creación de un sistema armónico propio, responsable de la integración de armonías de procedencia diversa en un contexto sonoro nuevo, así como de contribuir al enriquecimiento de la dimensión vertical de la música. Su aplicación será uno de los aspectos más relevantes de todo el planteamiento compositivo, y por ello justamente, también uno de los más necesitados de evaluación en la investigación. La viabilidad y efectividad del enfoque compositivo propuesto constituirá la hipótesis de partida de la investigación. En este contexto serán compuestas las obras "Preludio a Borís (In memoriam Modest Mussorgsky)", para 8 instrumentos, "Aquarelle", para orquesta de cámara, y "Liebestod (Barcarola para orquesta)", en las que a través de una evocación de tipo armónico se aludirá respectivamente a la ópera "Borís Godunov" de M. Mussorgsky, el ciclo de canciones "Ariettes Oubliées" de C. Debussy y la ópera "Tristán e Isolda" de R. Wagner. La valoración de los resultados obtenidos a través de la composición de estas obras permitirá la verificación de la validez del enfoque compositivo desarrollado.
Fontcuberta Llavata, C. (2014). "Preludio a Borís", "Aquarelle" y "Liebestod": La evocación de la música del pasado desde una síntesis de corrientes compositivas actuales [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/37887
TESIS

[EN] This PhD dissertation deals with the multivariate statistical analysis of microclimatic data for preventive conservation of cultural heritage in several locations: Ariadne's house (Pompeii, Italy), l'Almoina Archaeological Museum (Valencia, Spain) and mudejar church of Santa Maria in Ateca (Zaragoza, Spain). The main objective of this thesis is to propose a methodology for statistical analysis of microclimatic data which can be extended to curators and restorers. The usefulness of the proposed methodology is shown, as it has been successfully applied to the studied cultural heritage sites. Furthermore, corrective actions have been proposed and taken in accordance with the results obtained from the analysis of data recorded at Ariadne's house and the Archaeological Museum of l'Almoina. The effectiveness of such corrective measures has been evaluated through a second monitoring campaign. In the case of Ariadne's house, two monitoring campaigns were conducted. During the first, in 2008, the analysis of the recorded data showed that the transparent polycarbonate roof installed in the 1970s was causing a greenhouse effect harmful to the conservation of the frescoes. The sensors also helped identifying differences between orientations and heights. Following our recommendations, in 2010 the roofs were changed by some opaque fibrocement and thermo-hygrometric data recorded in a second monitoring campaign allowed us evaluating the adequacy of the corrective actions in configuring a more stable microclimate. The Archaeological Museum of l'Almoina is exposed to passers-by through a skylight that covers part of the ruins. A first monitoring campaign in 2010 allowed the thermo-hygrometric characterization of the inner microclimate and the identification of the significant influence of the skylight on the temperature and relative humidity values, causing sharp rises and falls during the daylight hours. In 2013 two corrective measures were implemented and evaluated subsequently through a second microclimatic monitoring campaign conducted at the museum. The mudejar church of Santa Maria is located in Ateca, a town in the province of Zaragoza characterised by cold winters and warm summers. Given the low temperatures in winter, a heating system is used. The results of our analysis have shown that the heating system is turned on only for the celebration of Mass or religious festivities (half hour before the entrance of public at the church), causing extreme cycles of temperature and humidity, especially at the upper parts of the altarpiece due to the rising of hot air (hourly increase of 7 ºC in temperature and a decrease of 11% relative humidity) that are detrimental for the conservation of this artwork.
[ES] Esta tesis doctoral trata sobre el análisis estadístico multivariante de datos microclimaticos para la conservación preventiva en patrimonio cultural: la casa de Ariadna (Pompeya, Italia), el Museo arqueológico de l'Almoina (Valencia, España) y la iglesia mudéjar de Santa María en Ateca (Ateca, España) . El objetivo principal de esta tesis es proponer una metodología de análisis estadístico de datos microclimáticos extensible a conservadores y restauradores. Se demuestra la utilidad de la metodología propuesta, ya que ha sido posible caracterizar los sitios del patrimonio cultural estudiados. Además, se han propuesto y adoptado acciones correctivas de acuerdo con los resultados obtenidos del análisis de los datos registrados en la casa de Ariadna y el Museo arqueológico de l'Almoina. La efectividad de dichas medidas correctoras ha sido evaluada a través de una segunda campaña de monitorización. En el caso de la casa de Ariadna, dos campañas de monitorización se llevaron a cabo. Durante la primera, en 2008, el análisis de los datos recogidos demostró que los tejados de policarbonato transparente instalados en los años 70 estaban provocando un efecto invernadero muy perjudicial para la conservación de los frescos. Los sensores permitieron además identificar diferencias entre orientaciones y alturas. Bajo las recomendaciones realizadas, en 2010 los tejados fueron cambiados por unos opacos de fibrocemento, y los datos termo-higrométricos recogidos en una segunda campaña de monitorización permitieron evaluar la adecuación de la medida correctiva en la configuración de un microclima más estable. El Museo arqueológico de l'Almoina se encuentra expuesto a los viandantes a través de una claraboya que cubre parte de las ruinas. Una primera campaña de monitorización en 2010 permitió caracterizar termo-higrométricamente el museo e identificar la influencia significativa de la claraboya sobre la temperatura y la humedad relativa, causando fuertes aumentos y caídas durante las horas de luz del día, así como un aporte de humedad de una acequia colindante. En 2013 se llevaron a cabo dos medidas correctivas que fueron evaluadas a través de una segunda monitorización microclimática. La iglesia mudéjar de Santa María está situada en Ateca, una población de la provincia de Zaragoza caracterizada por fríos inviernos y cálidos veranos. Esta fría climatología invernal condiciona la iglesia al uso de un sistema de climatización. El resultado de nuestros análisis ha puesto de manifiesto que el sistema de climatización solo se enciende para la celebración de misas o festividades religiosas, media hora antes de que entre el público en la iglesia, provocando extremos ciclos de temperatura y humedad relativa, más notables en las partes altas del retablo por el ascenso del aire caliente (incremento horario de 7 ºC en la temperatura y un descenso del 11% de la humedad relativa) que resultan perjudiciales para la conservación de este.
[CAT] Aquesta Tesi doctoral tracta sobre l'anàlisi estadístic multivariant de dades microclimatics per a la conservació preventiva en patrimoni cultural: la casa d'Ariadna (Pompeia, Itàlia), el Museu arqueològic de l'Almoina (València, Espanya) i l'església mudèjar de Santa Maria en Ateca (Saragossa, Espanya). L'objectiu principal d'aquesta tesi _es proposar una metodologia d'anàlisi estadístic de dades microclimatics extensible a conservadors i restauradors. Es demostra la utilitat de la metodologia proposada, ja que ha sigut possible caracteritzar els llocs del patrimoni cultural estudiats. A més, s'han proposat i adoptat accions correctives d'acord amb els resultats obtinguts de l'anàlisi de les dades registrades en la casa d'Ariadna i el Museu arqueològic de l'Almoina. L'efectivitat d'aquestes mesures correctores ha sigut avaluada a través d'una segona campanya de monitoratge. En el cas de la casa d'Ariadna, dues campanyes de monitoratge es van dur a terme. Durant la primera, en 2008, l'anàlisi de les dades enregistrades va demostrar que les teulades de policarbonat transparent instal·lades en els anys 70 estaven provocant un efecte hivernacle molt perjudicial per a la conservació dels frescs. Els sensors van permetre a més identificar diferències entre orientacions i altures. Sota les recomanacions realitzades, en 2010 les teulades van ser canviades per unes opaques de fibrociment, i les dades termo-higromètriques arreplegades en una segona campanya de monitoratge van permetre avaluar l'adequació de la mesura correctiva en la configuració d'un microclima més estable. El Museu arqueològic de l'Almoina es troba exposat als vianants a través d'una claraboia que cobreix part de les ruïnes. Una primera campanya de monitoratge en 2010 va permetre caracteritzar termo-higrometricament el museu i identificar la influència significativa de la claraboia sobre la temperatura i la humitat relativa, causant forts augments i caigudes durant les hores diürnes, així__ com una aportació d'humitat d'una sèquia confrontant. En 2013 es van dur a terme dues mesures correctives que van ser avaluades a través d'un segon monitoratge microclimàtic. L'església mudèjar de Santa Maria està situada en Ateca, una població de la província de Saragossa caracteritzada per freds hiverns i càlids estius. Aquesta freda climatologia hivernal condiciona l'església a l'ús d'un sistema de climatització. El resultat de les nostres anàlisis ha posat de manifest que el sistema de climatització solament s'encén per a la celebració de misses o festivitats religioses, mitja hora abans que entre el públic en l'església, provocant extrems cicles de temperatura i humitat relativa, més notables en les parts altes del retaule per l'ascens de l'aire calent (increment horari de 7ºC en la temperatura i un descens del 11% de la humitat relativa) que resulten perjudicials per a la conservació d'aquest.
Merello Giménez, P. (2015). Caracterización microclimática mediante sensores de humedad y temperatura de obras de arte con fines de conservación preventiva [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/57490
TESIS

Una de las características más comunes en los objetos cerámicos arqueológicos recuperados son las lagunas. Es por ello que de entre las distintas fases que intervienen en la restauración de cerámica arqueológica la reintegración formal sea una de las más importantes, aportando estabilidad y proporcionándole una correcta legibilidad a la pieza. A lo largo de la historia y en la actualidad se han venido empleando variados materiales para la reposición de faltantes en cerámica arqueológica. En la actualidad la investigación de nuevos materiales ofrece al campo de la restauración innumerables productos, siendo los tradicionales poco a poco sustituidos. Esta tesis plantea el estudio de las masillas empleadas en la reposición de faltantes en cerámica arqueológica desde la visión del comportamiento a corto, medio y largo plazo. La tesis se divide en tres partes muy diferenciadas a la vez que complementarias entre sí: un primer bloque donde se realiza una revisión histórica sobre los tratamientos de conservación de cerámica arqueológica. Un segundo bloque donde se ahonda en los criterios, procesos y materiales empleados a lo largo de la historia en los tratamientos de restauración, en concreto el tratamiento de lagunas. Y un tercer bloque experimental donde se expone la metodología de la investigación y los resultados obtenidos tras los diversos ensayos de envejecimientos a los que se han expuesto las distintas masillas experimentadas.
Lastras Pérez, M. (2007). Investigación y análisis de las masillas de relleno para la reintegración de lagunas cerámicas arqueológicas [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/11224
Palancia

La presente es una investigación cualitativa con enfoque narrativo para relatar experiencias femeninas de migración de México a California (EE.UU.) producidas a finales de los años ochenta y noventa. Se utilizan el relato biográfico y la línea de la vida gráfica para problematizar cómo las mujeres narran sus experiencias de vida en los tránsitos entre el lugar de origen y el lugar de acogida. En estos relatos, se retrata el proceso migratorio de cinco mujeres, entrecruzado con otras experiencias de vida que emergen como igualmente significativas para ellas: el matrimonio, la maternidad, la conformación de una familia. Partiendo de un contexto de violencia y pobreza en México que las orilla a abandonar sus lugares de origen en aras de una vida más digna, la migración se vuelve un generador de oportunidades enriquecidas por una serie de experiencias que conducen a procesos de agenciamiento y empoderamiento: el trabajo remunerado, los estudios y la participación comunitaria dentro de la iglesia. A través las narrativas biográficas y las líneas de vida gráfica, se trazan la subjetividad, el género, los imaginarios y el proceso creativo y artístico, entrelazando imágenes y palabras para integrar un relato resignificado de sus experiencias. Estos relatos se analizan partiendo de la teoría interseccional y feminista, así como de los estudios poscoloniales, para insertarlos en un contexto espaciotemporal específico. Los relatos se componen en un documento colectivo en formato de cómic — donde lo visual y lo escrito reproducen las formas de la narrativa oral—, para así contar y volver a contarnos la historia.
“Tracing lines and telling stories. Biographic narrative research of migration experiences of women (Mexico-California)” Qualitative research through narrative enquiry is used to narrate women’s experiences of migration from Mexico to California (US) started in the late 80s and 90s. Biographic narrative and graphic life-lines are used to problematize how these women narrate their life experiences in the transits between their place of origin and their place of reception. In these stories, the depicted migratory process of five women is intertwined with other life-experiences that emerge as equally significant to them: marriage, maternity, forming a family. Beginning with a context of violence and poverty in Mexico, which makes them abandon their places of origin in search of a more dignified life, migration leads to new opportunities, enriched by a series of experiences that result in processes of empowerment and agency: paid work, studying, and community participation through the church The biographic narratives and the graphic life-lines render subjectivity, gender, their imaginaries and the creative and artistic processes, interlacing images and words to integrate a resignified narrative of their experiences. These stories are analyzed using intersectional and feminist theory, as well as postcolonial studies, to insert them in a specific spatiotemporal context. Finally, the stories are incorporated to a collective document, a comic book – where the visual and the written reproduce the forms of oral narrative–, to be able to count and recount ourselves the story.

La siguiente investigación tiene como propósito describir los procedimientos escénicos que operan en la puesta en escena “Concepciones: fragmentos de una memoria” de la Compañía Teatro del Oráculo, dirigida por Manuel Loyola. Se pretende demostrar que en esta puesta en escena operan procedimientos estéticos de los paradigmas culturales de la modernidad y la postmodernidad. Específicamente se afirma que los recursos y temáticas modernas se manifiestan particularmente en el tratamiento dramatúrgico textual (texto literario) y que los procedimientos postmodernos se presentan con mayor énfasis en la composición o dramaturgia escénica. El análisis descriptivo se ordena, metodológicamente, separando los procesos de construcción del texto dramático, de los procesos de construcción de la puesta en escena. Así se exponen de manera separada los mecanismos, predominantemente modernos, presentes en el texto y los procedimientos, fuertemente postmodernos, presentes en la puesta en escena

La presente tesis doctoral está adscrita a las líneas de trabajo del Observatorio sobre la Didáctica de las Artes (ODAS) del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona. ODAS es un grupo de investigación consolidado reconocido por la Generalitat de Catalunya (2017SGR342) y grupo de innovación docente consolidado por la Universidad de Barcelona (GIDCUB-13/103). La tesis ha sido financiada por el programa de ayudas para la formación de doctores correspondiente al año 2014 del Ministerio de Economía y Competitividad. La investigación consiste en el análisis de las representaciones sociales acaecidas durante el proceso de aplicación de una rúbrica por parte de un grupo evaluador de un mismo ámbito académico. Dicha rúbrica ha sido diseñada por ODAS para valorar la calidad de las guías docentes y sirve como eje vertebrador de la investigación. Las guías sobre las que se aplica el recurso corresponden a diversas asignaturas de másteres oficiales de arte impartidos en la Universidad de Barcelona. El estudio utiliza un enfoque cualitativo que emplea el método de la fenomenografía sobre un estudio de casos múltiples. Los resultados se fundamentan en el discurso del equipo evaluador participante –miembros expertos y no expertos en rúbricas–, que surgió de la verbalización concurrente al proceso de aplicación de la rúbrica, esto es, de la utilización de la técnica del pensamiento en voz alta. La propuesta ha permitido explorar las posibilidades del recurso y analizar las ideas educativas del grupo participante. Entre las conclusiones del estudio destacan, por un lado, las oportunidades que ofrece la rúbrica para guiar el proceso de evaluación y favorecer la reflexión profunda sobre el objeto evaluado, y por otro, la relevancia que adquiere la formación previa en el recurso para su plena utilización y aprovechamiento.
This doctoral thesis is part of a research carried out by the Observatorio sobre la Didáctica de las Artes (ODAS) of the Department of Art History of the University of Barcelona. ODAS is a consolidated research group recognized by the Catalonia Government (Generalitat de Catalunya. 2017SGR342) and a teaching innovation group consolidated by the University of Barcelona (GIDCUB-13/103). The thesis has been funded by the Spanish Ministry of Economy and Competitiveness as part as its grants programme. The research is an analysis of the social representations occurred during the application of a rubric by a rater group belonging to a same academic field. This rubric has been designed by ODAS to assess the quality of teaching guides and serves as the linchpin of the research. The guides on which this resource is applied are from official master's degrees taught at the University of Barcelona. The research adopts a qualitative approach that uses the phenomenology method in a multiple case study. The results are based on the discourse of the participating rater team - expert and non-expert members -, which emerged from the concurrent verbalization to the rubric application, that is, from the use of the thinking aloud technique. The research has allowed exploring the possibilities of the resource and analyzing the educational ideas of the participating group. Among the conclusions of the study are, on the one hand, the opportunities offered by the rubric to guide the evaluation process and to foster a deep reflection on the teaching guides, and on the other, the relevance of previous training on rubric use for a complete utilization of the resource.

La presente tesis doctoral es resultado de una investigación sobre la creación de instalaciones artísticas interdisciplinares (arte, literatura y matemáticas) e intertextuales, eficaces para la práctica docente desde una concepción globalizadora de la educación, tanto en espacios expositivos como fuera de éstos, donde la literatura infantil es pieza fundamental, recurso didáctico, e hilo conductor, que nos facilita trabajar arte y matemáticas de forma unida. Se procura incidir en las emociones a través del álbum ilustrado menudo punto, realizado para esta instalación, y desarrollar la creatividad desde el laboratorio donde se experimenta e investiga. El laboratorio se ha desarrollado en dos espacios de actuación diferentes: el museo y el aula de un centro educativo. En ella ha participado alumnado de 3º, 5º y 6º curso de Educación Primaria de los cuales hemos recabado datos sobre los conocimientos adquiridos y la valoración del laboratorio por parte de los participantes. Esto ha mostrado la eficacia del modelo diseñado, puesto que ha permitido al alumnado no solo potenciar su intertexto lector y apreciar la literatura, el arte o las matemáticas, sino que le ha facilitado indagar en nuevos conceptos a través de nuevas formas de trabajo donde lo lúdico ha jugado un papel fundamental.
This Doctoral Thesis comes as a result of researching into the production of interdisciplinary (art, literature and maths) and inter-textual art installations. Such strategy is efficient for an encompassing teaching both inside and outside exhibition spaces. We take children literature as a key stone, as a teaching resource and as a guiding theme that allows us to work in art and maths jointly. We aim to focus in emotions through the illustrated album “menudo punto”, which was produced for this installation, and also develop creativity in the laboratory where it is experimented and investigated. The laboratory has developed in two different venues: a museum and a classroom in a school. Students in the third, fifth and sixth year in primary education have attended the laboratory, from who we have gathered data about the knowledge gained and the evaluation of the workshop by the participants. This has shown the usefulness of the designed method, specially because it has make students strengthen their inter-textual reading skill and value literature, art and maths. Besides, it has allowed them to investigate new terms by new ways of working in which game has taken a key role.

Des de l'àmbit acadèmic del disseny gràfic, s'assumeix que la història i la teoria de les imatges més significatives prèvies a la revolució industrial són –única i exclusivament– competència de la història de l'art, un supòsit arbitrari que impedeix que el disseny gràfic es confronti naturalment amb la seva pròpia història. Al tema no li manca importància, ja que s'estan passant per alt coneixements i recursos que ajudarien els dissenyadors gràfics, no només a tenir una perspectiva més àmplia i un coneixement més sòlid i profund de la seva professió, sinó que, a més a més, els resultarien molt útils en el desenvolupament de la seva tasca. Per demostrar aquestes hipòtesis, la següent tesi doctoral adopta un enfocament metodològic mixt que consta de tres parts: un estudi històric que explica el cisma entre l'art i el disseny; un qüestionari exploratori que demostra la utilitat de les teories de l'art aplicades al disseny gràfic i, finalment, una anàlisi dels continguts dels programes didàctics del grau en disseny gràfic (curs 2014-2015) de les universitats espanyoles. En aquest últim es constata i descriu la fragmentació existent en el discurs entre ambdues disciplines. La triangulació de les dades obtingudes ofereix una imatge panoràmica de les tensions –la seva naturalesa i les conseqüències– entre l'art i el disseny alhora que detecta un problema ontològic en la història del disseny gràfic.
Desde el ámbito académico del diseño gráfico se asume que la historia y la teoría de las imágenes más significativas previas a la revolución industrial son –única y exclusivamente– competencia de la historia del arte, un supuesto arbitrario que impide al diseño confrontarse naturalmente con su propia historia. El tema no carece de importancia: se están pasando por alto conocimientos y recursos que ayudarían a los diseñadores gráficos no sólo a tener una perspectiva más amplia y un conocimiento más sólido y profundo de su profesión sino que, además, les resultarían útiles en el ejercicio de la misma. Para demostrar estas hipótesis la siguiente tesis doctoral adopta un enfoque metodológico mixto que consta de tres partes: un estudio histórico que explica el cisma entre el arte y el diseño, un cuestionario exploratorio que demuestra la utilidad de las teorías del arte aplicadas al diseño gráfico y, finalmente, un análisis de los contenidos de los programas didácticos del grado en diseño gráfico (curso 2014-2015) de las universidades españolas. En este último se constata y describe la fragmentación existente en el discurso entre ambas disciplinas. La triangulación de los datos obtenidos ofrece una imagen panorámica de las tensiones –su naturaleza y consecuencias– entre el arte y el diseño a la vez que detecta un problema ontológico en la historia del diseño gráfico.
From the perspective of the academic world of graphic design the history and theory of the most significant images prior to the industrial revolution are assumed to be solely and exclusively competence of the history of art, an arbitrary assumption which impedes the natural confrontation of design with its own history. This topic is no trivial matter: high knowledge and resources for a more comprehensive view and more solid and profound knowledge of their profession which are useful for its practice are overlooked. In order to demonstrate these hypothesis the present doctoral thesis takes a mixed methodology approach which consists of three parts: a historical study which explains the schism between art and graphic design, an exploratory questionnaire which proves the usefulness of art theories applied to graphic design, and finally the analysis of the graphic design academic content in Spanish universities (year 2014-2015). In that latest part the fragmentation in the discourse of these two disciplines is observed and described. Triangulation of obtained data offers a panoramic view of tensions between art and design- their nature and consequences- and detects an ontological issue in the history of graphic design.