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Journal articles on the topic 'La peinture'

Author: Grafiati

Published: 25 May 2024

Last updated: 31 July 2025

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1

Heinich, Nathalie. "Académisation et Provincialisation des Carrières de Peintres en Provence au XVIIe Siècle." Annales. Histoire, Sciences Sociales 45, no. 6 (1990): 1301–15. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1990.278908.

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Abstract:

Le « peintre itinérant » fut, jusqu'à la Renaissance, une figure typique, inscrite dans les usages traditionnels du compagnonnage artisanal. Cette figure devint, à l'âge classique, marginale sinon étrangère à l'exercice de la peinture : transformation que l'on peut mettre, certes, sur le compte des grands mouvements de « libéralisation » de la peinture entrepris en Europe entre le XVIe siècle et le XVIIIe siècle, mais dont il serait intéressant de suivre la mise en oeuvre au niveau local — « local » étant pris ici au double sens de « régional » et de « particularisé » dans des cas individuels.

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2

ΚΩΝΣΤΑΝΤΟΥΔΑΚΗ-ΚΙΤΡΟΜΗΛΙΔΟΥ, Μαρία. "Conducere apothecam, in qua exercere artem nostram: Το εργαστήριο ενός βυζαντινού και ενός βενετού ζωγράφου στην Κρήτη". BYZANTINA SYMMEIKTA 14 (26 вересня 2008): 291. http://dx.doi.org/10.12681/byzsym.882.

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Abstract:

<p>Marie Constantoudaki-Kitromilides</p><p><em>Conducere apothecam, in qua exercere artem nostram</em>. L'atelier d'un peintre byzantin et d'un peintre vénitien à Candie</p><p>Il y a plus de trente ans, le père Mario Cattapan publia une première série de documents, provenant des Archives d'État de Venise et concernant des peintres ayant exercé en Crète de 1300 à 1500. Ce travail constitua un tournant important pour l'étude de la peinture dans l'île sous domination vénitienne. Depuis, des témoignages nouveaux ont éclairé l'activité d'artistes connus de

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3

Bodo, Carla. "Le peintre d’enseignes de 1830 à 1870, un précurseur des arts appliqués au Québec ?" Rabaska 22 (2024): 35–63. http://dx.doi.org/10.7202/1114166ar.

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Abstract:

L’Encyclopédie canadienne (1842) souligne l’importance des peintres d’enseignes entre 1820 et 1860, essentiels à la ville moderne, mais souvent négligés. La pratique de la peinture d’enseignes, remontant au Moyen Âge et évoluant jusqu’au xixe siècle, a joué un rôle crucial dans la communication visuelle urbaine. Reconnu comme un artisan qualifié, le peintre d’enseignes devait acquérir des compétences artistiques élevées, le distinguant du simple peintre en bâtiment. La transmission des connaissances se faisait de maître à apprenti, souvent au sein des familles à Montréal et Québec. Bien que ce

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4

Stackler, Apollonia. "Le projet de «peinture sculpturale» chez Ingres et son temps historique." Memoria y Civilización 27, no. 1 (2024): 73–95. http://dx.doi.org/10.15581/001.27.1.004.

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Abstract:

Au début du dix-neuvième siècle, le jeune peintre Ingres désire devenir peintre d’histoire. Mais ce projet se trouve ébranlé par les bouleversements politiques et idéologiques profonds qui secouent l’Europe. En approfondissant avec nostalgie sa culture artistique aux sources de la sculpture des siècles passés, Ingres développe avec une méthodologie quasi scientifique une peinture fondée sur l’histoire de l’art et la discipline émergente de l’archéologie. Grâce à une véritable quête intellectuelle et à la maîtrise progressive d’une peinture de plus en plus «sculpturale», Ingres imite le geste c

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5

Arrouye, Jean. "Les paysages virtuels de Richard Diebenkorn." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 6, no. 1 (2002): 277–96. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2002.1316.

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Abstract:

L’oeuvre du peintre américain Richard Diebenkorn se partage en trois périodes. Durant la première, il pratique une peinture expressionniste abstraite influencée par la topographie et le coloris des régions où il peint, de sorte qu’on a pu la considérer comme une pratique allusive du paysage. Ensuite, pendant dix ans, Richard Diebenkorn est figuratif. Enfin il invente une peinture claire de grand format qui, récusant toute ressemblance directe avec les paysages naturels, se préoccupe essentiellement d’espace et de lumière et touche la sensibilité en cet “arrière-pays” où, dit Yves Bonnefoy, se

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6

Mottin, Bruno, Myriam Eveno, Éric Laval, and Jacques Castaing. "Avec les seules couleurs de la palette : L’Autoportrait au chevalet (1660)." Technè 35 (2012): 46–53. http://dx.doi.org/10.4000/127mf.

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Abstract:

L’Autoportrait au chevalet (1660) a été étudié au laboratoire en 2007. L’étude a permis de démontrer que l’œuvre a conservé son format d’origine et qu’elle a probablement été peinte alors qu’elle était tendue sur un bâti périmétrique. Ce bâti, et non un panneau de bois, est représenté sur la droite du tableau : Rembrandt s’est donc représenté en train de se peindre. Les pigments visibles sur la palette ont été analysés par spectrométrie de fluorescence X et diffraction X : ces pigments, ainsi qu’un pigment noir, sont les seuls utilisés par le peintre pour cette peinture. Un prélèvement de mati

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7

Betelu, Claire. "Prévention de l’altération dans la peinture de Jean-Baptiste Oudry. Les mots au crible de la matérialité des tableaux." Technè 57 (2024): 20–29. http://dx.doi.org/10.4000/12cw0.

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Abstract:

Le 2 décembre 1752, Jean-Baptiste Oudry prononce Sur la pratique de la peinture, sa seconde conférence à l’Académie royale de peinture et de sculpture. Ce texte témoigne de son expérience de peintre, mais également d’une profonde connaissance des productions de ses contemporains et de ses prédécesseurs. Il accorde une attention particulière à leur évolution matérielle, arguant l’importance des choix techniques pour leur bonne conservation. Oudry adopte une terminologie imagée et claire à la portée de tous. La mise en rapport de son discours avec des documents d’archives et avec ses œuvres mont

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8

Lémerige, Françoise. "Entrevues avec Florence Miailhe et Solweig von Kleist." Transcr(é)ation 5, no. 1 (2024): 1–21. http://dx.doi.org/10.5206/tc.v5i1.20549.

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Abstract:

Afin d’illustrer nos propos tenus dans l’article « Le dessin e(s)t l’œuvre : Collections dessins et œuvres plastiques de la Cinémathèque française » proposé dans ce numéro, nous avons choisi d’interviewer deux donatrices, témoignant des liens entretenus entre la peinture et le cinéma, ayant un parcours inverse : Florence Miailhe, peintre devenue cinéaste pratiquant la « peinture animée » et Solweig von Kleist, cinéaste puis plasticienne pluridisciplinaire explorant les liens entre les arts plastiques et le film d’animation expérimental. Ces enrichissements récents témoignent de la volonté de l

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9

Turk, Boštjan Marko. "Maurice Barrès et l'icône de l'art moderne." Acta Neophilologica 53, no. 1-2 (2020): 195–206. http://dx.doi.org/10.4312/an.53.1-2.195-206.

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Abstract:

La peinture d’El Greco remplissait Barrès d’étonnement et d’admiration parce qu’elle répondait à la manière dont l’écrivain appréhendait le culte du fort et de l’exceptionnel. C’est la quête de l’absolu qui perfectionne les êtres dominés par l’unique tendance – vivre dans l’exaltation du moi jusqu’à ce qu’ils ne fusionnent avec l’absolu. Pour cette raison Barrès était capable de saisir le génie multifonctionnel du peintre grec et de transmettre son message à la postérité. Barrès approchait le peintre d’une perspective multilatérale : il s’apercevait des traits maniéristes. Ceux-ci sont devenus

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Gillard-Estrada, Anne-Florence. "Lui, « pour toujours, a embrassé ma bouche, toute frémissante » : Paolo et Francesca dans la peinture préraphaélite et esthétique." Dante e l'Arte 11 (January 31, 2025): 61–78. https://doi.org/10.5565/rev/dea.231.

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Abstract:

Cet article se concentre sur les représentations de Paolo et Francesca dans la peinture préraphaélite et esthétique. Dans le contexte de la revalorisation littéraire et savante de Dante au XIXe siècle, de nombreux peintres ont abordé le thème des amants enlacés. John Flaxman a conçu un modèle iconographique qui a circulé tout au long du siècle : les amants sont mis en scène dans une composition théâtrale, s'embrassant chastement, sous le regard de Gianciotto. Il n'y a pas la passion que Francesca exprime dans le Canto v. Cette configuration a été imitée par de nombreux peintres, notamment fran

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Balansard, Anne. "Peintre ou sophiste ? Figure du peintre dans trois dialogues platoniciens : République, Sophiste et Cratyle." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 7, no. 1 (2003): 189–210. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2003.1275.

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Abstract:

Si le grec dispose de noms spécifiques pour désigner le peintre, il n’en possède pas pour désigner l’artiste : le poète, le peintre et le potier sont des artisans (dèmiourgoi). Platon, dans ses dialogues, opère des distinctions : le peintre est un artisan, mais plus exactement un imitateur (mimètès). Au contraire de notre notion d’artiste, la notion d’imitateur est négative. L'imitation est travaillée par un défaut d''être : le peintre, ne produit qu''une image (eidôlon). Le peu de prix attaché à l'imitateur est l'exact corollaire du statut ontologique dégradé de l'image. L’intention platonici

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Trudel, Éric. "Spectres de la peinture." Études françaises 42, no. 2 (2006): 61–83. http://dx.doi.org/10.7202/013864ar.

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Abstract:

Jean Paulhan est catégorique : il serait « loyal » d’avouer une fois pour toutes que nous croyons aux fantômes. Dès les premières pages de Braque le patron, Paulhan parle de la présence « gênante » qu’il ressent en face d’un tableau du peintre, malaise qu’il explique ensuite en se montrant critique d’une certaine idée reçue de la ressemblance. Pour l’écrivain, il serait plus juste, devant ces tableaux, de parler de « spectre », une ressemblance excessive, autre, et pourtant d’une évidence toute banale, qui constituerait la possibilité d’un sens commun à travers l’expérience sensible de cette h

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Villeta-Petit, Maria. "“ Qui voit ? ”, du privilège de la peinture chez M. Merleau-Ponty." Les Études philosophiques 60, no. 1 (2002): 0. http://dx.doi.org/10.3917/leph.021.0261.

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Abstract:

“ Qui voit ? ” C’est à partir de cette question cartésienne, devenue aussi la sienne, et des transformations qu’il lui fait subir, que le privilège de la peinture chez Merleau-Ponty est à comprendre. Du même coup, et a contrario, on saisit pourquoi la musique, comme le regrette Raymond Court, n’a pas donné à penser à Merleau-Ponty, qui, dit-on, écoutait Mozart au moment où la mort l’a frappé. Or, comme la peinture n’existe qu’à prendre corps dans les œuvres des peintres, il y a encore lieu de se demander quels ont été “ les peintres ” de Merleau-Ponty. Et que lui ont-ils fait voir ?

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Michaud, Ginette. "Che cos’è la pittura ?" Études françaises 42, no. 2 (2006): 103–33. http://dx.doi.org/10.7202/013866ar.

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Abstract:

Notre étude s’inscrit dans le cadre du projet de recherche subventionné par le CRSH, « Entre philosophie et littérature : Jacques Derrida et Hélène Cixous, rapports croisés ». Comment l’écriture touche-t-elle le tableau ? Il s’agit d’examiner ici, dans une sorte de triptyque, trois façons d’« être », de se tenir, de se plier ou de se rendre à la Chose de la peinture, à la chose peinte. Des nombreux textes de Jean-Luc Nancy consacrés à l’art, nous retenons surtout sa Visitation (de la peinture chrétienne), Noli me tangere et Transcription, en nous attachant au « sens dessus dessous » produit pa

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Illouz, Jean-Nicolas. "Les Impressionnistes et Stéphane Mallarmé." Non Plus 5, no. 10 (2017): 196–208. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2316-3976.v5i10p196-208.

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Abstract:

Ami des peintres impressionnistes, Mallarmé pose sur leur art un regard d’une extrême acuité, qui tend à faire de l’impressionnisme l’indice d’une triple crise, à la fois métaphysique, esthétique, et politique : – métaphysique, parce que le traitement que l’impressionnisme fait subir à la lumière vaut comme une conversion de celle-ci à l’immanence ; – esthétique, parce que les leçons que Mallarmé retient des peintres éclairent sa propre recherche poétique, quand il travaille lui-même à changer la langue sur le motif ; – politique, enfin parce que l’impressionnisme apparaît comme l’art des temp

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Hajj, May. "Le rôle de la lumière dans les peintures murales des églises de la vallée de Qadicha et de la région de Koura." Chronos 32 (September 29, 2018): 103–17. http://dx.doi.org/10.31377/chr.v32i0.114.

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Abstract:

Dieu est proclamé lumière par plusieurs psaumes et Jésus apparaît comme lumière du monde dans l’Évangile. La lumière est également un attribut divin désigné plusieurs fois dans la Bible. Afin de mettre cette lumière en valeur dans l’église, différents outils, architecturaux et artistiques, sur des matériaux variés, sont employés. Parmi les outils artistiques figurent les peintures murales, l’iconostase, la mosaïque et le vitrail. Les ouvertures architecturales et les luminaires permettent par ailleurs de mettre l’accent sur des éléments majeurs, tels que le tabernacle, l’iconostase et la peint

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Dondero, Maria Giulia. "L'énonciation temporelle dans l'image fixe." Tópicos del Seminario 2, no. 54 (2025): 18–37. https://doi.org/10.35494/topsem.2025.2.54.900.

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Abstract:

Cet article aborde un aspect spécifique de l'énonciation en sémiotique qui a été négligé également par d’autres sciences de l’image : la temporalité simulée dans la peinture et la photographie. En effet, la peinture et les autres arts dits “spatiaux” n'ont pas été étudiés du point de vue de leur dynamique temporelle interne. Plus précisément, ce texte se focalise sur la littérature qui permet d’étudier l’effet de mouvement produit sur le plan d'expression des peintures et des photographies, afin de se rapprocher d’une analyse de la temporalité dans l'image ; cette dernière peut se décliner ver

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Vandendorpe, Christian. "Régimes du visuel et transformations de l'allégorie." Protée 33, no. 1 (2006): 25–38. http://dx.doi.org/10.7202/012264ar.

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Abstract:

Résumé L'allégorie est un des procédés majeurs dont dispose le peintre pour faire accéder le tableau au domaine du sens. La vogue et le déclin de cette figure en peinture sont parallèles au destin changeant que connut l'allégorie verbale, tombée en discrédit à l'époque romantique. Tout comme le langage s'est détaché du référent à la fin du xixe siècle, la peinture a effectué une rupture avec l'ordre de la représentation quelques années plus tard. À notre époque, l'avènement de la « vidéosphère » a réintroduit dans l'image de grande consommation les exigences d'une symbolisation aussi univoque

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Gonzalez, Victor, Gilles Wallez, Marine Cotte, et al. "Révéler les choix matériels et techniques de Léonard de Vinci par l’analyse chimique : le cas du pigment blanc de plomb." Léonard de Vinci, l’expérience de l’art Hors-série (2024): 162–71. http://dx.doi.org/10.4000/11v4a.

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Abstract:

Collecter des informations chimiques sur les matériaux employés par Léonard de Vinci permet de mieux comprendre la matérialité de ses pratiques picturales et fournit de nouvelles informations pouvant contribuer à la conservation de ses œuvres. Mais les peintures de Léonard sont des systèmes chimiques complexes, assemblages hybrides de pigments minéraux et de composés organiques, notamment liants à l’huile. Ces pigments étaient obtenus par des voies de synthèses élaborées, puis mis en œuvre selon le savoir-faire du peintre. Les couches de peinture de Léonard constituent des milieux réactionnels

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KONÉ, Yacouba, and Irié Alain TIÉ BI. "Lecture interartiale des romans de Malraux. Pour une poétique de la peinture et de l’écriture dans La Condition humaine et L’Espoir." Cahiers Africains de Rhétorique 1, no. 2 (2025): 113–27. https://doi.org/10.55595/30mqgw21.

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Abstract:

Depuis la doctrine de l’Ut pictura poesis, l’on découvre une piste d’analyse assez intéressante sur les rapports de la littérature et de la peinture. L’analyse de l’œuvre malrucienne, à la lumière des interactions suscitées par Mikhaïl Bakhtine, montre qu’elle est constamment en dialogue et continûment régenté par les arts du musée, au nombre desquels la peinture tient une place singulière. Cet article montre que La Condition humaine, L’Espoir et Les Conquérants sont une sorte de récit hybride ayant intégré des techniques et procédés picturaux, des personnages artistes peintres et des descript

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Lamoureux, Johanne. "Cris et médiations entre les arts : de Lessing à Bacon." Protée 28, no. 3 (2005): 13–21. http://dx.doi.org/10.7202/030600ar.

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Abstract:

À travers sa disqualification sémiotique du cri comme motif de la peinture et de la sculpture, Lessing inaugure la position moderniste qui postulera la séparation des médiums en autant de domaines autonomes. En amont et en aval de cet interdit, le présent article analyse quelques oeuvres peintes qui paraissent confirmer que le cri entraîne un brouillage des médiums. Et certains artistes semblent avoir représenté le cri afin, précisément, de jouer sur ce glissement. À partir des papes hurlants de Francis Bacon, où s’enchevêtrent des références et des matériaux empruntés à la peinture, à la phot

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Golynets, Galina, та Serguéï Golynets. "Серебряный век в портретах бакста". Modernités Russes 11, № 1 (2010): 159–91. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2010.927.

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Abstract:

Dans ses portraits des années 1890, Lev Bakst essaie de dépasser l’académisme des Salons et se tourne vers les traditions réalistes enrichies par les acquis de l’impressionnisme. Sa peinture moderniste, comme celle des peintres du «Monde de l’Art» de la première génération, a préparé le néo-classicisme du début du XXe siècle. La gloire d’un décorateur de théâtre éclipsa ce que Bakst avait créé par ailleurs. Et pourtant sa capacité de capter les goûts et les ambitions des hommes de l’Âge d’argent, si bien représentés sur ses toiles, a aidé Bakst à devenir un brillant peintre-décorateur, un maît

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Montégu, Frédéric. "Cy Twombly et le dépaysement de l’écriture." Textures, no. 24-25 (January 1, 2018): 265–75. http://dx.doi.org/10.35562/textures.275.

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Abstract:

Dans le travail pictural de Cy Twombly, nous voyons apparaître des éléments récurrents au regard de l’écriture : dessins, griffonnages, traits, mots lisibles ou non. Sans qu’il s’agisse pour autant d’un travail calligraphique, son œuvre picturale est comme imprégnée d’écriture, de verbes, de mots anglais, français, italiens, latins, ou non déterminés. Cy Twombly dit à sa manière que l’essence de l’écriture n’est ni une forme ni un usage, mais seulement un geste, le geste qui la produit en la laissant traîner : « un brouillis, presque une salissure, une négligence » selon Roland Barthes. Dans s

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Duffy, Jean H., and Brigitte Ferrato-Combe. "Ecrire en peintre: Claude Simon et la peinture." Modern Language Review 95, no. 1 (2000): 222. http://dx.doi.org/10.2307/3736427.

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Dragnev, Emile. "Le programme iconographique du système d’élévation de la tour de la nef de l’église de la Vraie Croix de Pătrăuți." Eikon / Imago 4, no. 2 (2015): 15–46. http://dx.doi.org/10.5209/eiko.73459.

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Abstract:

L’église de Pătrăuți, bâtie en 1487 par le prince régnant de Moldavie, Étienne le Grand, a reçue son décor de peintures après cette date. C’est la plus ancienne des églises conservées, dont la tour de la nef est élevée sur un système de deux séries d’arcs superposés, appelé “voûte moldave”, et présente le premier exemple d’adaptation du programme iconographique au ce nouveau type d’élévation de la tour. Structurellement, le programme iconographique du système d’élèvement de la voûte est en continuité des principales dispositions de l’époque paléologue, mais en introduisant des élé

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Yazbek, André Constantino. "Notes autour de Michel Foucault et les arts figuratifs: du “cercle du discours” au “cercle des images”." Revista de Filosofia Aurora 23, no. 32 (2011): 167. http://dx.doi.org/10.7213/rfa.v23i32.1777.

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Abstract:

Il s’agit, dans cet article, de mettre en rapport quatre textes ou passages fondamentaux de l’oeuvre foucaultienne; passages qui, dans l’ensembe et compte tenu de l’analyse de la littérature ou des arts figuratifs chez Foucault, constituent trois étapes de son parcours: 1) les pages renvoyant à l’analyse du tableau Las meninas, de Velázquez, dans Les mots et les choses (1966); 2) une conférence s’intitulant La peinture de Manet qu’il a donnée en Tunisie (1971); 3) un texte dont le titre est La peinture photogénique, qu’il a écrit pour le catalogue d’une exposition consacrée au peintre Fromange

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Gagnon, Claude. "Éloge machiste de la putain dans la peinture Ève bretonne de Paul Gauguin." Anthropologie et Sociétés 10, no. 3 (2003): 107–22. http://dx.doi.org/10.7202/006367ar.

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Abstract:

Résumé Éloge machiste de la putain dans la peinture Eve bretonne de Paul Gauguin Cet article s'arrête à la représentation du rapport femme-homme dans la production picturale des artistes symbolistes de la fin du XIXe siècle en Europe, et plus spécifiquement dans la peinture Eve bretonne (1889) de Paul Gauguin. Les peintres symbolistes ont représenté le féminin selon les trois champs sémantiques de la Vierge, de la Mère et/ou de la Putain. L'analyse portera surtout sur celui de la Putain dans le tableau de Gauguin. L'article procède au déchiffrement sémantique des signes iconiques de ces œuvres

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BARBU, Virginia. "GEORGE DEMETRESCU MIREA - UN CLASIC LA RĂSCRUCE DE VEACURI. GRAFICĂ DIN CABINETUL DE STAMPE AL BIBLIOTECII ACADEMIEI ROMÂNE." Revista Bibliotecii Academiei Române 9, no. 18 (2025): 29–48. https://doi.org/10.59277/rbar.2024.18.03.

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Abstract:

Personnalité distinguée de la peinture roumaine à la fin du dix-neuvième siècle, G. D. Mirea est l’auteur des vastes compositions historiques et allégoriques, décorations pariétales et, sourtout, des portraites de la grande société. Élève de Theodor Aman, il continuera sa éducation académique à Paris, dans les ateliers des peintres prestigieux: Henri Lehmann, ancien disciple d’Ingres, et Carolus Duran, portraitiste à la mode. Mirea s’impose au Salon parisien de l’année 1883 et, après son retour à Bucarest, il devient l’un des plus célèbres portraitistes officiels, professeur à l’École des beau

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Pesquet, Marie-Christine. "Ma rencontre avec Shitao, le moine Citrouille amère." Études Mars, no. 3 (2018): 89–98. http://dx.doi.org/10.3917/etu.4247.0089.

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Abstract:

Une Occidentale s’initie à la peinture chinoise et découvre, à travers l’apprentissage du geste de peindre et du regard, une autre manière d’être au monde. Sur les traces de Shitao, l’un des plus grands peintres chinois, elle se met à l’école des monts et de l’eau, et se laisse peu à peu transformer par ce qu’elle voit.

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Detchessahar, Henri. "Schroeder / Cavallo ou l’amitié en peinture." Transcr(é)ation 6, no. 1 (2025): 1–20. https://doi.org/10.5206/tc.v6i1.21322.

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Abstract:

Après avoir consacré plusieurs films à des portraits de « monstres » humains (Amin Dada, le moine birman Ashin Wirathu) ou à un avocat hors normes (Jacques Vergès), le cinéaste Barbet Schroeder désirait consacrer un documentaire à un « saint moderne ». Dans Ricardo et la peinture, en 2023, il filme ainsi Ricardo Cavallo, dont il chérit l’amitié depuis quarante ans. Il suit son ami au pied des falaises de Morlaix et dans le petit village de Saint-Jean-Du-Doigt. Le cinéaste tente de comprendre son sujet par la manière singulière dont il le regarde : accompagnant pas à pas l’artiste dans les étap

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Huot, Giselle. "L’aventure artistique du peintre de Saint-Denys Garneau." Mens 4, no. 2 (2014): 211–71. http://dx.doi.org/10.7202/1024597ar.

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Abstract:

De Saint-Denys Garneau (1912-1943) a voulu originellement déployer son œuvre en un diptyque littéraire et pictural. Nous tentons une reconstitution de l’aventure du peintre, de l’éclosion de son désir, en passant par ses études de dessin à l’École des beaux-arts de Montréal (1924-1927) où il côtoie les Palardy, Jori Smith, Borduas et Lemieux. Il retrouve les trois derniers à l’atelier de Holgate où il s’exerce à l’art du nu (1932). Il s’astreint à une formation personnelle — puisque la quête artistique est basée sur la quête ontologique et sur la culture générale — et ambitionne d’être le prem

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Albera, François. "Cinéma et peinture, peinture et cinéma." 1895, no. 54 (February 1, 2008): 195–208. http://dx.doi.org/10.4000/1895.2932.

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Nikou, Christos. "Caïn et Abel : de la Bible à la peinture du XIXe siècle." Anales de Filología Francesa 28, no. 1 (2020): 491–510. http://dx.doi.org/10.6018/analesff.424401.

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Abstract:

This article proposes to examine, first of all, the literary myth of Cain, whose different mythemes meet much more in his representation in painting than in his literary rewritings. Apart from this, the article undertakes to study the pictorial choices of the representation of the biblical episode of Cain and Abel in four paintings from four different artistic movements of the 19th century, in order to see how each artistic movement and each painter appropriates and then transposes the episode of the enemy brothers into painting. Cet article se propose d’examiner, dans un premier temps, le myt

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Bianchi, Alice. "A Case of Mistaken Identity: An Ink Chrysanthemums Painting Attributed to Xiang Shengmo (1597–1658) and its Historical Significance." Arts asiatiques 78, no. 1 (2023): 45–63. https://doi.org/10.3406/arasi.2023.2229.

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Abstract:

Cet article est consacré à un rouleau horizontal représentant des chrysanthèmes à l’encre, attribué au peintre Xiang Shengmo (1597-1658) et réalisé pour Yu Junshen (1628-après 1697), collectionneur fukiénais résidant à Nankin, où s’étaient réfugiés nombre de loyalistes Ming (yimin) dans la deuxième moitié du XVIIe siècle. Après avoir analysé les différents éléments qui remettent en cause l’attribution actuelle à Xiang Shengmo et proposé de réattribuer cette peinture à un maître moins célèbre de l’époque, l’article met en lumière le contexte très particulier de sa création à travers une interpr

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Cnockaert, Véronique. "Penser l’image sous le signe de la chasse." Études françaises 54, no. 2 (2018): 45–55. http://dx.doi.org/10.7202/1050586ar.

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Abstract:

Selon Frenhofer, le peintre génial du Chef-d’oeuvre inconnu de Balzac, la peinture, celle qui fait la vie, est un art de la démesure, du dépassement de la limite, du débordement. Nous retrouvons ici un des thèmes du mythe de Diane et Actéon : voir ce qui ne peut être vu, la déesse nue. Le peintre tout comme Actéon est un voyeur, et ce qu’il voit (ou montre) décide de son destin tragique. Cet article voudrait montrer que les enjeux entre le chasseur et le peintre ne sont pas si éloignés les uns des autres. La Belle Noiseuse, qui est le nom que Frenhofer donne à son oeuvre, tout comme la déesse,

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Gasse-Houle, Magali. "Les natures mortes de Chardin : l’échec de l’écriture dans les Salons de Diderot." Études françaises 40, no. 3 (2004): 151–65. http://dx.doi.org/10.7202/009741ar.

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Abstract:

Résumé Dans les Salons de Diderot, il y a quelques tableaux où se bute l’écriture, où la parole est mise en échec. Il y a un peintre, un peintre très admiré, devant les oeuvres duquel la verve de Diderot se tarit. Et ce peintre est Chardin. Certes on peut affirmer que Diderot a développé tout un savoir pictural grâce à Chardin, le tapissier, savoir qui aura enrichi les Salons. Mais qu’a dit, en vérité, Diderot sur les natures mortes de Chardin, presque rien. En fait, ses commentaires, partant de la simple énumération des choses représentées sur la toile, puis de l’étude de la singulière manièr

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Bourriot, Audrey, and Élisabeth Ravaud. "La Dérision du Christ de Cimabue. Étude, restauration, comparaison." Technè 58 (2025): 62–77. https://doi.org/10.4000/13c4f.

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Abstract:

L’étude par le laboratoire du C2RMF et la restauration de La Dérision du Christ du peintre Cimabue ont été l’occasion d’observer la technique de l’artiste toscan, mais aussi de confirmer l’appartenance de cette peinture à une œuvre de plus grandes dimensions. L’étude du support de bois, du précieux fond doré et de la couche picturale confirme sa similitude technologique avec les deux autres panneaux subsistants : la Vierge à l’Enfant de la National Gallery de Londres et La Flagellation du Christ de la Frick Collection de New York.

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Carpinelli, Isabella, and Isabella Carpinelli. "Créer, même en soins palliatifs l’expression au travers de la peinture, un art accessible à tous." Revue internationale de soins palliatifs Vol. 38, no. 4 (2024): 6–17. https://doi.org/10.3917/inka.244.0006.

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Abstract:

Créer, même en soins palliatifs : l’expression au travers de la peinture, un art accessible à tous – La peinture apporte une multitude d’avantages essentiels aux enfants et à leurs familles confrontées à des conditions médicales graves et incurables. Elle propose à ceux–ci un moyen créatif de partager leurs émotions comme la tristesse, colère ou peurs, mais offre également une échappatoire pour réduire stress et anxiété, elle améliore leur estime de soi, la communication, ou encore crée des souvenirs significatifs et des moments de partage. Avec mon chariot d’arts créatifs mobile contenant le

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LEONTARIDOU, DORA. "L’esthétique de la synesthésie dans Tous les matins du monde de Pascal Quignard, roman et film." LITERATURE AND FILM / LITTÉRATURE ET FILM / LITERATURĂ ȘI FILM 32, no. 2 (2024): 15–28. http://dx.doi.org/10.47743/aic-2023-2-0002.

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Abstract:

Le film Tous les matins du monde, récompensé à de nombreuses reprises et rencontrant un succès commercial, réalisé en 1991 en France, est le fruit d’une collaboration entre l’écrivain Pascal Quig nard, le réalisateur Alain Corneau et le spécialiste international de la musique baroque, Jordi Savall. Quatre arts, la littérature, le cinéma, la musique et la peinture contribuent à la réalisation de l’esthétique de la synesthésie au roman et au film. Le scénario met en avant deux compositeurs et joueurs de viole français du XVIIe siècle. Monsieur de Sainte-Colombe plutôt anti-absolutiste, a refusé

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Lafond, Natacha. "Les Opéras de Klaus Michael Grüber : la scène et le peintre Gilles Aillaud." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 18, no. 1 (2010): 43–59. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2010.889.

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Abstract:

Les trois opéras mis en scène par Grüber et le peintre Aillaud représentent des périodes fondatrices pour la musique et l’alliance des arts, consacrée par ce genre : sa naissance, avec Monteverdi et l’aube de la modernité, avec le Triptyque Boulez. La peinture trouve sa place dans cette consécration artistique et intellectuelle, tout en désignant une esthétique plus générale pour ce metteur en scène, attaché à sa présence en scène (toiles, motifs picturaux et esthétique du tableau dans la direction des chanteurs-acteurs). Elle relève de différentes périodes, tissant un fil entre l’époque des l

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Vibert-Guigue, Claude. "Stuc, stuc peint et peinture : les perspectives décoratives balnéo-palatiales d’époque omeyyade au Proche-Orient." Syria V (2019): 385–403. http://dx.doi.org/10.4000/12cjm.

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Abstract:

Les décors stuqués trouvés effondrés à Qaṣr al-Ḥayr al-Gharbī et à Khirbat al-Mafjar peuvent être rapprochés des peintures omeyyades conservées en place dans les bains de Quṣayr ʿAmra. Ces décors monumentaux sont l’expression d’une volonté architecturale fondée sur la figuration. Ils illustrent un mode de vie sur des terres propices à des phénomènes de rassemblement à proximité d’oasis (Palmyre, Jéricho, Azraq). Peinture et stuc répondaient à la perspective dynastique marwanide (684-750). L’archéologie permet de mettre en correspondance architecturale les éléments d’un langage décoratif figuré

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Calle-Gruber, Mireille. "La Chimère du Modèle." Cinémas 4, no. 1 (2010): 72–87. http://dx.doi.org/10.7202/1000112ar.

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Abstract:

Le Chef-d’oeuvre inconnu de Balzac raconte le drame du peintre Frenhofer, créateur devenu stérile, qui, par la rencontre d’une jeune modèle, croit pouvoir surmonter l’échec et réaliser « le » chef-d’oeuvre. Mais la toile devient écran illisible à force de repentirs et préfigure la mort du peintre. La Belle Noiseuse de Rivette, inspiré du texte de Balzac mais aussi des toiles de Bernard Dufour, met en scène le temps réel de la peinture et le temps fictif du cinéma : rejouant, avec la question de la mimèsis, l’aporie qui frappe le rapport du modèle à sa représentation et porte à l’image manquant

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Dabat, Amandine. "Le prince d’Annam (1871-1944). Un Vietnamien orientaliste en Algérie française ?" Histoire de l'art 82, no. 1 (2018): 145–56. https://doi.org/10.3406/hista.2018.3786.

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Abstract:

La politique coloniale de la France en Indochine a provoqué une rencontre artistique Asie-Occident à travers la personne de Hàm Nghi (1871-1944), dit «prince d’Annam ». Cet empereur vietnamien a été exilé en 1889 en Algérie française, où il est devenu peintre et sculpteur. Le jeune prince, intégré dans la société française, fut formé à la peinture et au dessin par le peintre orientaliste Marius Reynaud. Il côtoya de nombreux artistes de son époque, lors de ses séjours réguliers à Paris. Auguste Rodin lui enseigna les principes fondamentaux de la sculpture. Cet article a pour sujet la manière d

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Alloa, Emanuele. "La peinture malgré la peinture : Richter, Polke, Palermo." Ligeia N° 65-68, no. 1 (2006): 123. http://dx.doi.org/10.3917/lige.065.0123.

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Lamoureux, Johanne. "De la peinture de ruines à la ruine de la peinture. Hubert Robert et le Louvre." Protée 27, no. 3 (2005): 56–69. http://dx.doi.org/10.7202/030571ar.

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Abstract:

Il semblerait que le discours historique et critique sur l’art en Occident, avant même l’iconoclasme et l’aniconisme de tableaux modernes, ait d’entrée de jeu été travaillé par le ressassement de la mort imminente de la peinture. Cet article veut montrer comment cette problématique – l’impossible survivance de la peinture – a pu être aussi formulée par la peinture même. Il s’y emploie en s’attardant à deux oeuvres d’Hubert Robert (1733-1808) où des conceptions opposées de l’histoire, progressiste ou cyclique, sont traduites spatialement : Le Projet d’aménagement de la Grande Galerie du Louvre

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Thibault, Louis-Jean. "Poésie, peinture : abstraction et approche de l’immédiat chez Yves Bonnefoy." Études littéraires 31, no. 1 (2005): 45–58. http://dx.doi.org/10.7202/501223ar.

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Abstract:

Depuis ses premiers écrits, Yves Bonnefoy n'a cessé de s'inspirer du travail des peintres afin de mieux comprendre et de mieux définir sa propre démarche poétique. Le présent article tente d'élucider le rapport que Bonnefoy entretient, d'une part, avec le langage et son pouvoir d'abstraction, qui nous détourne d'une expérience vécue dans l'immédiat ; et, d'autre part, avec la peinture moderne, où intervient aussi, mais dans un contexte tout à fait différent, l'abstraction. Souvent coupée de tout lien mimétique avec les choses et les êtres de la réalité sensible, la peinture moderne ne peut qu'

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Gahinet, Olivier. "Le mystère de la chambre en plus." Le Visiteur N° 26, no. 1 (2021): 45–59. http://dx.doi.org/10.3917/visit.026.0041.

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Abstract:

L’architecture, comme la peinture, est une connaissance hors du langage. Cela ne devait pas empêcher les écrivains d’en parler, mais ils se sont plus souvent attachés à commenter la peinture, art plutôt « privé », que l’architecture, art pourtant « public ». Paradoxalement, ce moindre intérêt nous aide à comprendre l’architecture : quelque chose de plus spécifique encore résiste en elle au langage, au commentaire, à l’élucidation, et échappe à la glose. Cette chose qui reste quand tout a été dit, c’est le savoir de l’architecte, la connaissance par le projet. Comme les peintres, les architecte

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Daniel, Hugo. "« Marx et Mondrian » : Öyvind Fahlström et la peinture d’histoire, entre les faits et les « scénarios »." Histoire de l'art 80, no. 1 (2017): 111–23. https://doi.org/10.3406/hista.2017.3731.

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Abstract:

En 1973, sur fond d’opposition à la guerre du Vietnam et contre l’usage de données « inoffensives » par les artistes, Öyvind Fahlström défend une forme spécifique de peinture d’histoire qui prend pour modèles Goya et Picasso et fait correspondre ce genre à une position critique de l’artiste. Dans la série des Column, Fahlström met en relation des faits liés à l’ordre politique mondial, aboutissant à une réflexion sur ce qui sépare le voir de l’agir. La peinture d’histoire ainsi entendue interroge la relation médiatique et médiatisée à l’événement historique. Les réponses plastiques à cette int

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Mironova, Milana. "Les peintures et les sculptures des premiers ensembles monastiques bouddhiques creusés sous roche dans l’oeuvre de Nicolas Roerich." Slavica Occitania 48, no. 1 (2019): 169–200. https://doi.org/10.3406/slaoc.2019.1217.

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Abstract:

Les peintures et les sculptures des premiers ensembles monastiques bouddhiques creusés sous roche dans l’oeuvre de Nicolas Roerich. Très tôt passionné par l’Orient, Nicolas Roerich, qui, à partir de 1924, eut l’occasion de voyager et de vivre dans des pays de confession bouddhique, en vint à associer l’épanouissement futur du monde à la renaissance d’un bouddhisme authentique. Il n’est donc pas surprenant qu’un nombre important des oeuvres qu’il réalisa au cours de la seconde moitié de sa vie possède une thématique bouddhique et inclut des éléments repris aux tout premiers modèles iconographiq

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Stefani, Chiara. "Peinture d’histoire et peinture de paysage : un dialogue ininterrompu." Revue de l'art N° 173, no. 3 (2011): 43–49. http://dx.doi.org/10.3917/rda.173.0043.

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