Academic literature on the topic 'Leçons de musique'

Nous examinons dans cet article l’utilisation et l’origine de l’intervalle de quarte comme élément organisateur des hauteurs dans la musique du compositeur et bandonéoniste argentin Astor Piazzolla (1921–1992). Des exemples nous permettront de prendre contact avec une utilisation diversifiée de cet intervalle, soit mélodique ou harmonique, et d’en constater un emploi conscient et systématique. Une œuvre de jeunesse du compositeur où l’emploi de ces quartes est abondant nous permet de tisser un lien avec les leçons de Piazzolla avec Alberto Ginastera qui eurent lieu pendant l’élaboration de cette pièce, la musique de son professeur de cette période révélant elle-aussi d’importants usages de ces techniques quartales. Finalement, la fascination des deux compositeurs argentins pour Stravinski, et la présence de ces techniques quartales dans la musique du compositeur russe nous permet de déceler l’origine de ces techniques quartales dans la musique savante moderne.

Cet article propose des façons concrètes d’intégrer à l’enseignement d’instruments de musique des recommandations issues de la recherche scientifique sur l’utilisation des technologies. En fait, il guide les praticiens sur l’utilisation du logiciel iReal Pro à l’aide d’exemples concrets modelés à partir de cours de percussions. Pour terminer, je reviens autour d’observations pédagogiques quant à l’intégration des technologies dans mes leçons de percussion et sur la manière dont leur utilisation a pu remédier, en partie, au décalage mis en avant dans la recherche scientifique.

Résumé L’oeuvre et la vie de Pascal Quignard entretiennent des relations intimes avec la musique. Cet essai examine la parenté du geste musical et du geste littéraire. Il considère d’abord la dimension régressive de la musique quignardienne, où se donne à lire son affinité avec le discours de la psychanalyse, dont la fréquentation transparaît dans La leçon de musique. Ensuite, on identifie dans les relations respectives de la musique quignardienne avec le langage oral et l’écriture, l’influence de la réflexion anthropologique de Claude Lévi-Strauss. Si le référent utérin de la musique est aussi celui de l’écriture, on ne peut cependant parler de modèle musical. La musique, avec ses rappels universels des origines, sert plutôt de mémoire à une écriture qui se débat entre singulier et universel.

La perspective phénoménologique voit dans le trouble mental la manifestation des fondements, et dans la création artistique, l’expression des aspects les plus essentiels de l’expérience humaine : la souffrance du génie ne saurait-il pas mieux témoigner des ressorts nécessaires à la conduite heureuse du quotidien ? Le bonheur se dit aussi en musique et le lien du sonore, de l’harmonie et de la profondeur, pour détenir la puissance évocatrice de l’émotion originaire, peut en coûter au plan existentiel et dans son appel violent, défaire tout autant la musique que le musicien. Genèse d’une musique populaire célèbre pour notre génération, l’invention du Pink Floyd par Syd Barrett [2] contient cette leçon de vie où à trop vouloir déconstruire pour le bonheur de tous, l’artiste se défait lui-même, offrande douloureuse au destin magnifique des génies. Dans une tentative « ante-festum » extrême et périlleuse d’arrêter le temps par la musique, dans sa distorsion et sa déconstruction même, dans l’excès des artifices les plus dangereux pour y conduire [1], il inaugure l’aventure des expérimentations psychédéliques et en même temps sa propre fin, 30 ans de retrait autistique au terme d’une année d’une fécondité exceptionnelle. Affleurent en négatif les secrets de la patience existentielle [3] seule à même de conjuguer l’ordre et la mesure, sagesse anthropologique que cruellement l’art, et même celui de la conduite de la vie la plus ordinaire, invite continûment à dépasser. C’est au génie le plus personnel de chaque patient que s’adresse la question vitale en psychiatrie.

Les jeunes qui suivent des leçons d’instruments de musique en contexte extrascolaire éprouvent des problèmes importants de motivation à de multiples égards qui amèneraient plusieurs d’entre eux à abandonner leurs études musicales. À titre d’exemple, McPherson et Davidson (2006) estiment que la majorité des jeunes qui amorcent l’apprentissage d’un instrument abandonnerait leurs leçons durant leur première année d’étude. De plus, plusieurs études démontrent que la valeur que l’apprenant accorde à l’apprentissage formel de la musique diminue grandement une fois qu’il entre à l’école secondaire (Discroll, 2009 ; Lowe, 2011 ; McPherson et O’Neill, 2010). Pourtant, ces mêmes jeunes démontrent un intérêt croissant pour les activités musicales réalisées de façon informelle à l’extérieur de l’école, et ce phénomène serait présent dans plusieurs pays (McPherson et O’Neill, 2010). En fait, les jeunes n’apprennent plus uniquement la musique qu’à travers un cadre formel d’apprentissage (Peluso, 2012), mais également par la réalisation de multiples activités musicales, incluant celles pratiquées en contexte informel de manière volontaire au quotidien. Pour motiver davantage l’élève, il s’avère pressant que les enseignants cherchent à établir davantage de liens significatifs entre leur enseignement formel et les expériences musicales vécues par leurs élèves en dehors de leurs leçons (Peluso, 2012). Toutefois, avant d’y parvenir, nous avons besoin d’avoir une meilleure compréhension des activités que les jeunes réalisent de façon autonome, et des actions déjà mises en place par leurs professeurs pour établir ces liens. Cette recherche doctorale visait donc à combler ce besoin. Pour y parvenir, ce projet a été structuré autour de cinq objectifs. Le premier visait à identifier, décrire et catégoriser les pratiques musicales réalisées au quotidien par des élèves suivant des leçons extrascolaires d’instruments de musique. Le second était d’identifier les raisons qui les amènent à s’engager dans la réalisation d’activités de ce type. Le troisième était de décrire l’effet de ces activités sur l’engagement musical du jeune. Le quatrième était d’examiner l’intérêt de leurs professeurs d’instrument pour ce type d’activités et les liens qu’ils cherchent à établir entre ces activités et l’enseignement formel qu’ils offrent à leurs élèves. Le cinquième et dernier objectif était de vérifier les habitudes musicales des élèves auprès de leurs parents et leur opinion par rapport à ces activités. Cinq élèves, cinq parents et cinq professeurs d’instruments ont pris part à l’étude. Différents types de données ont été collectées : questionnaire, enregistrement vidéo, entrevue, observation, prise de notes et journal de bord. Les résultats mettent en exergue que les jeunes pratiquent une grande variété d’activités musicales au quotidien, et sont réalisées dans une diversité de contextes. Pratiquées volontairement par l’élève, ces activités sont majoritairement réalisées en contexte informel et sont grandement motivantes pour le jeune, comparativement aux activités réalisées en contexte formel d’apprentissage. De plus, les thèmes expliquant l’engagement musical des participantes sont conceptualisés de façons différentes par l’élève et le professeur. Plus précisément, les professeurs tendent à voir l’environnement d’apprentissage de façon séparée et sans interrelation avec les autres facteurs pouvant influencer l’engagement musical des jeunes, alors que l’élève considère que ces divers facteurs sont interreliés entre eux et interagissent l’un sur l’autre. Les résultats mettent également en évidence des particularités et des différences individuelles caractérisant l’engagement musical de chacun, tout en observant néanmoins certaines similitudes entre les participantes. En terminant, les résultats offrent des pistes de réflexion sur la manière d’établi r de liens entre les activités musicales des participantes et leur apprentissage formel.
Evidence from the literature in music education indicates that students taking private music lessons outside the school system often experience motivational problems that result in their giving up formal music learning. There are two critical periods associated with this problem; in the first 18 months of learning (McPherson & Davidson, 2006) and following the transition from elementary to secondary school. Studies have also demonstrated a decrease in young people’s valuing of music learning when they start secondary school (O’Neill, 2001). However, those same students tend to show a growing interest in informal musical activities that take place outside of school, and this phenomenon has been found in several countries (McPherson & O’Neill, 2010). Not only do youth learn music through formal learning approaches (Peluso, 2012) , they also learn through multiple voluntary musical activities, including informal ones. To foster musical learning and engagement, it is important for teachers to establish links between their formal pedagogy and their students’ musical experiences (Peluso, 2012). In order to do that, we need a better understanding of young people’s music learning activities, including informal music learning experiences. To addresses this gap in our understanding, the first objective of this study was to identify, describe and categorize all the music learning activities performed daily by students taking private music lessons outside of the school system. The second objective was to identify the reasons why students engage voluntarily in their music learning activities. The third objective was to describe the influence of these activities on students’ music engagement. The fourth objective was to examine instrumental teachers’ interests in their students’ music activities and what teachers did to establish links between those activities and their music pedagogy. The last objective was to compare students’ perceptions of their musical activities with their parents’ perceptions and opinions about those activities. Five students, five parents and five teachers took part in the research. Many different forms of data collection were used: observations, video recordings, notes, interviews, questionnaires and e - journals. Results indicated that the students engaged in a wide variety of musical activities that took place within a diverse range of contexts. Results also indicated that informal music learning activities tended to motivate students to engage in music more than formal music learning practices. Furthermore, the way teachers and students talked about the students’ musical environment was different. For the students, all the factors were interrelated and interacted with each other, whereas, for the teachers there was a lack of interconnection. Results also indicated similarities between the participants as well as differences regarding their musical engagement and learning ecologies. Finally, the results indicated avenues for reflection on how to foster links between students’ music activities and teachers’ pedagogical approach.

Les relations entre musique et rhétoriques ont une grande importance dans l’œuvre historique et rhétorique de Denys d’Halicarnasse. L s’agit d’examiner le témoignage de l’auteur sur la musique et sa place dans les théories exposées dans les Opuscules rhétoriques et dans les Antiquités romaines. La comparaison entre rhétorique et musique engage la nature même de la rhétorique, qui est analysée selon des critères musicaux. Musique et rhétorique occupent une place déterminante dans la définition de la culture propre à l’Empire gréco-romain qui se crée
The relationships between rhetoric and music are of major importance in Dionysius of Halicarnassus’ work. The aim of this dissertation is to examine the author’s account on music and its place in the theories exposed in the Opuscula and in the Roman Antiquities. The comparison between rhetoric and music is at the heart of the nature of rhetoric, analysed according to musical criteria. Music and rhetoric are of determining importance in the definition of culture proper to the Greco-Roman Empire in construction

La musique a beaucoup influencé l’écriture de Michel Butor, dont les œuvres traduisent bien souvent dans l’art littéraire des structures musicales, comme celles du contrepoint (fugue, thème et variations), de la musique sérielle ou du jazz. Ce travail a l’ambition de montrer la métamorphose de ces structures musicales dans les textes, tout particulièrement complexe lorsqu’il s’agit de traduire la simultanéité inhérente à la polyphonie musicale.Cette pratique musicale de l’écriture bouleverse les structures littéraires conventionnelles, s’associant ainsi aux innovations caractéristiques du Nouveau Roman (changements fréquents de narrateur, fragmentation du récit) et proposant aussi de nouvelles contraintes qui mènent l’écriture à des formes inédites : concerts-conférences, formes mobiles, œuvres radiophoniques. Cela transforme aussi notre perception du temps, non plus linéaire mais cyclique, ainsi que nos habitudes de lecture en nous impliquant dans la construction de l’œuvre.Enfin, l’influence de la musique permet de créer ce que j’ai nommé des cosmos culturels, inventant des connexions entre des cultures éloignées les unes des autres dans le temps ou l’espace, dans un geste d’hospitalité et de générosité caractéristique de l’œuvre butorienne. L’écrivain propose souvent de voir dans cette hospitalité littéraire un modèle éthique, voire politique. Les différents genres littéraires pratiqués par Michel Butor sont étudiés à travers quelques œuvres qui témoignent des diverses modalités de l’influence musicale sur l’écriture de Michel Butor : le roman, les œuvres mobiles, les dialogues avec des œuvres d’art, l’opéra Votre Faust et les récits de rêve sont rapprochés de tendances musicales familières à l’écrivain
Music has much influenced the writing of Michel Butor whose works often translate musical structures into literary art. These can be the counterpoint (fugue, theme and variation), serial music or jazz. This way of working shows the metamorphosis of these musical structures in the texts, particularly complex when the writer has to translate the simultaneousness inherent in musical polyphony. This musical practise of writing upsets the conventional literary structures, thus associating with innovations which characterise the Nouveau Roman (frequent change of narrators, fragmentation of the narrative) and also proposing new constraints that lead the writing into novel forms: conference-concerts, mobile forms, radio works. This practise also modifies our reading habits, compelling the reader to be responsible for the construction of the work and our perception of time which is no longer linear but cyclical. Lastly, the influence of music enables to create what I have called cultural cosmoses, inventing connections between cultures usually isolated in time or space, in a gesture of hospitality and generosity which is characteristic of the works of Michel Butor. The writer sees this literary hospitality as an ethic, or politic model. The different literary genres practised by Michel Butor are studied through a few works which testify to the various modalities of the musical influence on the writing of Michel Butor: the novel, the mobile works, the dialogues with art works, the opera Your Faust and the narrations of dreams are related to the musical trends familiar to the the writer

Cette recherche a pour objet de reconstruire et d’analyser la mosaïque formée par les processus psychodynamiques qui sous-tendent l’apprentissage du chant. Nous avons considéré les pluralités de la voix – ses multifonctions polyvalentes – qui contribuent à rendre unique cet instrument musical. La voix, lorsqu’elle est étudiée avec la valeur d’un instrument musical – ce que nous appelons l’instrument-voix –, est analysée en tissant des comparaisons avec les dynamiques d’apprentissage des autres instruments. Cette recherche comprend une analyse détaillée de la leçon de chant, de ses langages (verbaux et non verbaux en prêtant une attention particulière aux gestes), de ses rituels, de la gestion structurale du temps, de ce que nous avons défini comme « structures structurantes » en tant qu’enveloppes organisatrices dans une perspective qui considère la leçon de chant comme un « espace » à la fois physique et psychique (Winnicott). Nous examinons les dynamiques transitionnelles engendrées par la transmission du corps et le corps de la transmission de l’instrument-voix, ainsi que les relations entre la voix, les gestes et les mémoires. Nous analysons également les dynamiques des améliorations relatives à l’étude du chant. Nous présentons une nouvelle hypothèse relative à la fonction réparatrice de l’étude de la dimension chantée de la voix. Cette recherche se situe au carrefour des sciences humaines, étant donné que la voix se situe elle-même au centre d’un carrefour entre le corps, le préverbal, le verbal et l’inconscient au point d’être l’instrument de la psychanalyse
This research is based on the idea of reconstructing and analysing the mosaic formed by the psychodynamic processes that underlie the study of singing. Considered here is the plurality of the voice – its polyvalent multifunctions – which contribute to render this musical instrument unique. The voice, when studied with the value of a musical instrument – what has been called the « instrument-voice » – is analysed through comparisons of dynamic instrument-learning. This research consists of a detailed analysis of the singing lesson, its languages (verbal and non-verbal, paying particular attention to gesture), its rituals, the structural organisation of time, and of what has been defined here as « structuring structures » : as an organising envelope, with a perspective that considers the singing lesson as a « place » both physical and psychical (Winnicott). Examined here are the transitional dynamics engendered by the body’s transmission and by the body of the transmission of the «instrument-voice». Also studied are the relations between voice, gesture and memory. The dynamics of improvement concerning the study of the singing are also analysed. A new hypothesis, in regards to the healing function of the study of singing will be presented. This study lies at a crossroads of the human sciences, since the voice itself is situated between the body, the preverbal, the verbal and the unconscious to the point of being a psychoanalytic instrument

L’amusie congénitale est un trouble neurodéveloppemental qui affecte la perception mélodique, malgré une ouïe et une intelligence normale. Un déficit de la discrimination des fines variations de hauteur des sons serait à l’origine de ces difficultés. Les études ayant permis de caractériser les corrélats neuronaux de ce trouble ont mis en lumière des anomalies anatomiques et fonctionnelles du réseau fronto-temporal droit dans l’amusie. Notamment, les processus tardifs et conscients de détection des fines variations de hauteur sonore apparaissent perturbés chez les amusiques, alors que le traitement plus précoce et automatique de ces mêmes variations de hauteur serait normal. À ce jour, la vaste majorité des études sur l’amusie congénitale ont été effectuées auprès d’adultes et nous détenons peu d’informations sur la façon dont ce trouble se manifeste au cours du développement. La présente thèse vise ainsi à caractériser les corrélats comportementaux et neuronaux de l’amusie congénitale chez l’adolescent, pour ensuite explorer les perspectives de réhabilitation de ce trouble neurodéveloppemental. Dans une première étude, nous avons tenté de mieux comprendre comment le cerveau d’adolescents amusiques traite les fines variations de hauteur des sons, tant en ce qui a trait aux processus précoces et automatiques (associés à la composante de potentiel évoqué mismatch negativity; MMN) qu’au niveau du traitement conscient et plus tardif (associé à la composante de potentiel évoqué P300), en comparaison aux contrôles. Nous avons étudié les effets d’un mois d’écoute musicale quotidienne chez ces participants. Une deuxième étude a ensuite été effectuée, afin d’examiner l’impact de trois mois de leçons de guitare sur le traitement des fines variations de hauteur sonore chez des adolescents ii amusiques et leurs témoins. Nous nous sommes intéressés aux effets de cette formation musicale sur diverses composantes des potentiels évoqués, dont la P300 et la MMN. Les résultats de cette thèse révèlent que l’amusie peut se manifester à part entière à l’adolescence. Plus précisément, les adolescents amusiques présentent un profil hautement similaire à celui documenté chez l’adulte, soit une incapacité à détecter consciemment les fines variations de hauteur des sons, associée à l’absence de la composante P300, en dépit d’un traitement précoce et automatique normal tel que reflété par une MMN comparable aux contrôles. En outre, il appert qu’un mois d’écoute musicale quotidienne ne constitue pas une technique de réhabilitation efficace dans l’amusie, dont les manifestations sont demeurées inchangées suite à cette intervention. Par ailleurs, nos résultats révèlent qu’il est possible pour de jeunes amusiques d’apprendre à jouer d’un instrument de musique et que cette formation musicale a le potentiel d’engendrer des phénomènes de plasticité cérébrale prometteurs chez certains d’entre eux. Plus précisément, nous observons l’émergence de la composante P300 associée à une amélioration des capacités de discrimination des fines variations de hauteur chez trois amusiques sur quatre suite à cette intervention. Ces résultats enrichissent notre compréhension de l’amusie et de sa trajectoire développementale, en plus de motiver de futurs travaux de recherche qui pourraient mener au développement d’interventions optimales dans une perspective de réhabilitation de ce trouble neurodéveloppemental.
Congenital amusia is a neurodevelopmental disorder that specifically impairs melodic perception despite normal hearing and intelligence. The disorder is thought to arise from a deficit in perceiving fine-grained pitch changes. Studies that aimed to characterize the neural correlates of congenital amusia have highlighted anatomical and functional anomalies along the right fronto-temporal pathways. Notably, the amusic brain has been shown to perceive fine-grained pitch distinctions at an early and automatic level of processing, but this does not reach higher levels of conscious processing. To date, the majority of research on amusia has been performed with adults and consequently little information has been acquired on how this disorder manifests itself during development. The goal of this thesis is therefore to characterize the behavioral and neural correlates of congenital amusia during adolescence, and then to explore different rehabilitation strategies in an attempt to attenuate the perceptual deficits. In a first study, we documented how amusic adolescents process fine-grained pitch changes using event-related potentials, both in terms of early and automatic processing (as indexed by the mismatch negativity component; MMN) and conscious processing (associated with the P300 component) compared to controls. We also explored the effects of a month of daily music listening among these participants. A second study was then conducted to explore the impact of three months of weekly guitar lessons on fine-grained pitch processing in amusic adolescents and controls. In particular, we investigated the effects of musical training on various evoked-potential components, including the P300 and the MMN. The results show that amusia can be fully expressed in the developing brain with manifestations that are similar to those observed in adults. Specifically, the amusic adolescent brain does not elicit a normal positivity (P300) in response to small pitch changes, while early and automatic processing of these pitch deviations appears normal (as indexed by the MMN). In addition, it appears that a month of daily music listening is not an effective amusia remediation strategy, since all electrophysiological and behavioral manifestations were unchanged following this intervention. Furthermore, we show that it is possible for amusic adolescents to learn to play a musical instrument despite their perceptual deficit and this intervention as the potential to induce promising brain plasticity phenomena for some of them. Specifically, a P300 response elicited by fine-grained pitch changes was seen after three months of guitar lessons in three out of four amusic adolescents. Importantly, the emergence of the P300 was paralleled by an improved perceptual ability to detect fine-grained pitch changes. These findings add to our understanding of congenital amusia and its developmental trajectory, while motivating future research that could lead to the development of optimal interventions to help young people with amusia engage with music.