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Academic literature on the topic 'Lecture du spectacle théâtral'

Author: Grafiati

Published: 4 June 2021

Last updated: 1 February 2022

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Journal articles on the topic "Lecture du spectacle théâtral"

1

Koustas, Jane. "Louise Vigeant. La Lecture du Spectacle Théâtral." Theatre Research in Canada 12, no. 2 (September 1991): 220–22. http://dx.doi.org/10.3138/tric.12.2.220.

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2

Koustas, Jane. "Louise Vigeant. La Lecture du Spectacle Théâtral." Theatre Research in Canada 12, no. 2 (September 1991): 220–22. http://dx.doi.org/10.3138/tric.12.2.220.

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3

Curtat, Michel. "VIGEANT, Louise, la Lecture du spectacle théâtral, Laval, Mondia, coll. Synthèse, 1989, 226 p., 24.95$." L’Annuaire théâtral: Revue québécoise d’études théâtrales, no. 7 (1990): 107. http://dx.doi.org/10.7202/041100ar.

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4

Gevrey, Françoise. "La théâtralité dans Les Nouvelles françaises de Louis d’Ussieux (1775-1783)." Tangence, no. 96 (April 20, 2012): 85–98. http://dx.doi.org/10.7202/1008853ar.

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Abstract:

Louis d’Ussieux écrivit deux recueils de nouvelles à la fin du xviiie siècle. Dans le choix de ses titres et dans un avertissement, il se réfère au modèle de Segrais autant qu’à celui de Boccace, mais il souligne surtout l’influence qu’a exercée sur lui Baculard d’Arnaud. En prenant pour exemple quatre nouvelles extraites du recueil des Nouvelles françaises, dont deux au moins sont presque des plagiats, on montrera comment l’influence du théâtre a fait évoluer le genre de la nouvelle donnée pour une « anecdote » : la disposition des dialogues, le choix des scènes devenues plus importantes que les passages narratifs, l’intérêt pour l’éloquence et les excès pathétiques demandent au lecteur d’assister à un véritable spectacle, conforme à l’esthétique du drame. Ce projet est confirmé par l’illustration qui détermine la lecture en choisissant des épisodes spectaculaires de nature à intéresser les « âmes sensibles ».

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5

Robert, Lucie. "Le spectacle théâtral." Voix et Images 15, no. 3 (1990): 468. http://dx.doi.org/10.7202/200865ar.

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6

Jacques, Hélène. "La création en partage dans les solos de Jean-Marie Papapietro." L’Annuaire théâtral, no. 58 (December 13, 2016): 31–44. http://dx.doi.org/10.7202/1038318ar.

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Abstract:

Dans cet article sont présentés trois spectacles solos mis en scène par Jean-Marie Papapietro, dont le parcours au sein du Théâtre de Fortune, compagnie qu’il a fondée en 2000, est jalonné d’adaptations de textes initialement non conçus pour la scène. La promenade (2004), Histoire de Marie (2006) et Premier amour (2010) sont des partitions pour un seul acteur. Toutefois, dans l’invention d’une situation théâtrale pour transposer ces textes à la scène, Jean-Marie Papapietro opère un dédoublement de l’instance narrative en imaginant l’allocutaire à qui s’adresse le personnage. Ce dédoublement permet, d’une part, d’exacerber le travail d’adaptation du livre à la scène et, d’autre part, de présenter une vision de la création qui, dans les cas observés, se fait toujours en partage, dans l’adresse à un lecteur ou à un auditeur incarné tantôt par un accompagnateur sur scène, tantôt par un reflet ou par le public anonyme.

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7

Revely-Calder, Cal. "Racine Lighting Beckett." Journal of Beckett Studies 25, no. 2 (September 2016): 225–42. http://dx.doi.org/10.3366/jobs.2016.0172.

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Abstract:

Critics have recently begun to pay attention to the influence Jean Racine's plays had on the work of Samuel Beckett, noting his 1930–31 lectures at Trinity College Dublin, and echoes of Racine in early texts such as Murphy (1938). This essay suggests that as well as the Trinity lectures, Beckett's later re-reading of Racine (in 1956) can be seen as fundamentally influential on his drama. There are moments of direct allusion to Racine's work, as in Oh les beaux jours (1963), where the echoes are easily discernible; but I suggest that soon, in particular with Come and Go (1965), the characteristics of a distinctly Racinian stagecraft become more subtly apparent, in what Danièle de Ruyter has called ‘choix plus spécifiquement théâtraux’: pared-down lighting, carefully-crafted entries and exits, and visual tableaux made increasingly difficult to read. Through an account of Racine's dramaturgy, and the ways in which he structures bodily motion and theatrical talk, I suggest that Beckett's post-1956 drama can be better understood, as stage-spectacles, in the light of Racine's plays; both writers give us, in Myriam Jeantroux's phrase, the complicated spectacle of ‘un lieu à la fois désert et clôturé’. As spectators to Beckett's drama, by keeping Racine in mind we can come to understand better the limitations of that spectatorship, and how the later plays trouble our ability to see – and interpret – the figures that move before us.

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8

Dodet, Cyrielle. "L’activité poétique au théâtre, une forme en devenir? À travers La trilogie des flous de Daniel Danis et (e) de Dany Boudreault." L’Annuaire théâtral, no. 62 (October 24, 2018): 31–45. http://dx.doi.org/10.7202/1052747ar.

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Abstract:

Daniel Danis et Dany Boudreault placent une singulière activité poétique au coeur de leurs recherches théâtrales. Elle se déploie tant dans leurs écritures que sur les scènes qu’ils investissent dans La trilogie des flous, spectacle écrit, mis en scène et interprété par Danis en 2008, et dans (e), écrit, mis en scène et interprété par Boudreault en 2013. Cette activité poétique valorise les processus de création, tout en les partageant de façon accrue avec lecteurs et spectateurs. Ces expériences théâtrales sont étudiées selon une approche intermédiale pour être saisies dans le mouvement qui les caractérise et qui rend leur dimension informe si fertile.

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9

Akiyama, Nobuko. "Mathilde de Mlle de Scudéry : une lecture croisée avec le théâtre de l’époque." Tangence, no. 96 (April 20, 2012): 51–64. http://dx.doi.org/10.7202/1008851ar.

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Abstract:

Depuis Célinte (1661) jusqu’à La promenade de Versailles (1669), la carrière de nouvelliste de Mlle de Scudéry coïncide avec la montée de Molière sur la scène parisienne, notamment marquée par la création des Précieuses ridicules (1659). En effet, Mathilde (1667) entretient des liens subtils avec Le Misanthrope ou Les amants magnifiques. Le théâtre de Molière n’est pas le seul à présenter des similitudes thématiques et génériques avec la nouvelle. Le discours des personnages de Mathilde semble aussi calqué sur le modèle de la tragédie. Non seulement l’engouement du public pour les spectacles musicaux s’y reflète-t-il, mais on y trouve encore quelques thèmes traités dans le théâtre de l’époque : que l’on songe, par exemple, au motif du « feu » de l’amour ou à celui de la fascination pour la « belle main ».

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10

David, Gilbert. "Éléments d’analyse du paratexte théâtral : le cas du programme de théâtre." L’Annuaire théâtral, no. 34 (May 6, 2010): 96–111. http://dx.doi.org/10.7202/041542ar.

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Abstract:

Quelles sont les composantes du programme de théâtre, dans la perspective d’une théorie générale du paratexte théâtral? Après avoir repoussé les catégories de Genette concernant le paratexte littéraire, l’auteur de l’étude propose un autre modèle suivant lequel le programme est divisé en trois champs éditoriaux, sous la responsabilité d’une unique instance auctoriale (le producteur du spectacle) : le co-texte, l’avant-texte et le métatexte. Un tableau synoptique permet en outre de repérer une stratification de ce type particulier de paratexte, selon que les éléments (textuels et/ou visuels) portent sur le spectacle lui-même, sur le producteur (le personnel artistique, technique et administratif) ou sur la diffusion et la réception de la production. La prise en compte de la structure éditoriale du programme de théâtre constitue de la sorte un préalable méthodologique à toute analyse proprement discursive de son contenu.

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Dissertations / Theses on the topic "Lecture du spectacle théâtral"

1

Johnson, Annie. "Sous le regard des mouches de Michel Marc Bouchard : analyse du spectacle théâtral." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27160/27160.pdf.

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2

Risacher, Marc-André. "Scénographie : un acte théâtral." Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081498.

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Abstract:

Les diverses occasions de parler de scenographie renouvellent le sens que lui donnait vitruve a propos des decors du theatre grec. Les definitions orientent l'etude vers la perspective qui, en referant a l'image est un fil conducteur. Les rapports de la perspective et du theatre determinent la periode de la renaissance quand les artistes l'ont inventee et celle de la fin du xixe siecle quand les metteurs en scene ont renoue avec l'action. Avec l'invention des "coulisses" et celle de la "vue d'angle", elle fonctionne comme une image, derriere les comediens et quand ils jouent sur la scene. Le principe de la "cage de scene" est quasi universel dans les salles de spectacle jusqu'a ce que les metteurs en scene expriment de nouveaux besoins. La scenographie evolue depuis l'idee d'image de scene jusqu'a celle d'espace du plateau contemporain. Les arts plastiques maitrisent la representation des objets dans les trois dimensions materielles ; au theatre, la scenographie les integre aux caracteristiques du spectacle : l'action et le temps. Les surfaces planes des decors conventionnels genent la vision des spectateurs de l'ere industrielle. Cette sensibilite, relative a la lumiere, est en cause quand appia et craig, rejettant les trompel'il, indiquent d'autres moyens dramatiques. Au theatre, on ne montre plus, on construit. La plasticite de la scene participe a l'action dramatique, cette dynamique est mise en evidence dans les rapports entre l'uvre et l'ouvrage comme on le constate avec le rapport langhqff et quand le theatre du soleil fait son theatre. La scenographie est composee d'elements differents realises par de nombreux metiers. L'exploration d'une telle heterogeneite s'accorde avec une demarche qui agit par reperes comme dans les rapports avec l'espace. Elle est liee a l'idee de projet ou le travail de definition confronte des choses differentes dans une homogeneite. La dramatisation des nuances de la lumiere et du son conferent a la scenographie une maitrise de l'espace qui prolonge le travail theatral jusqu'au spectacle. La scenographie est un acte theatral
The diverse opportunities to speak of scenography renew the sense that vitruve gave to it a propos of the scenery of the greek theatre. The definitions direct the study towards perspective which is the clue. The relations of perspective and theatre determine the renaissance period when artists invented it and the period of the end of the xix century when the producers renew with the action. With the invention of the " wings" and that of the " angle sight", it functions like an image, behind the comedians when they play on stage. The principle of the "stage-cage" is almost universal in playhouses until producers express new needs. The scenography moves from the idea of image on the stage to that of space on the contemporary stage floor. Plastic arts master the representation of the object in the three material dimensions ; in the theatre the scenography integrates them to the features of the spectacle : action and time. The plane surfaces of the conventional set block the view of spectator of the industrial era. This sensitivity, relative to the light, is involved when appia and graig, rejecting dummy window, etc. , indicate others dramatic means. In the theatre, one does not show anymore, one construct. The plasticity of the stage participates in the dramatic action, theses dynamics are set of evidence in the connections between the works and the constructive work as we record it with the rapport langhoff and when the theatre du soleil produces its theatre. The scenography is composed of different elements achieved by numerous trades. The exploration of such an heterogeneity fits in with a proceeding which operates on references as in connection with the space. It is linked to the idea of project where the work of definition confronts different things in a homogeneity. The dramatization of the light and shade and sound confers to the scenography a mastership of the space which prolonge the theatrical work until the spectacle. The scenography is a theatrical act

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3

Couture, Élisabeth. "Relations entre processus de création théâtrale et spectacle théâtral, Helter skelter de momentum." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp02/NQ25397.pdf.

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4

Bourgeon-Renault, Dominique. "Essai de modélisation du comportement dans le domaine culturel : une application au spectacle théâtral." Dijon, 1994. http://www.theses.fr/1994DIJOE015.

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Abstract:

Le secteur des activités culturelles est traditionnellement caractérisé par la primauté de la création (offre) sur la demande. Pourtant ce secteur n'échappe pas aux contraintes économiques. Certaines activités culturelles ont déjà massivement adopte la démarche marketing au moins au niveau de l'aval de la création (cinéma). En revanche, le secteur théâtral reste relativement traditionnel, alors qu'il est confronté à un besoin d'extension de sa base de public. La recherche étudie la problématique du comportement de fréquentation des institutions culturelles. Le champ d'investigation en est le théâtre. La recherche propose de développer un cadre conceptuel pluridisciplinaire inspiré du modèle de recherche d'expériences de Morris B. Holbrook et Elisabeth Hirschman (1982). La méthodologie adoptée est fondée dans un premier temps, sur une démarche quantitative. Dans un deuxième temps, une méthodologie qualitative reposant sur une analyse lexicale des discours tenus par le public s'avère nécessaire afin de mieux cerner le comportement des individus en vue d'agir sur la fréquentation
The field of cultural activities is traditionally characterised by a situation where creation (the offer) prevails over the demand. Nevertheless, the field is not beyond economic requirements. Some cultural activities have already largely adopted a marketing view, at least as regards creation backing (cinema). However, theatre remains a quite traditional field, which is all the same confronted to the need to extend its public base. This research deals with the problematic of individual behaviors as regards frequenting cultural institutions. The investigation field is theatre. This study attempts to put forward an interdisciplinary conceptual framework inspired by the experiential research model developed by Morris B. Holbrook and Elisabeth Hirschman (1982). The chosen methodology is initially based on a quantitative process. Then it has proved necessary to use a qualitative methodology based on a lexical analysis in order to better understand individual behaviors with a view to acting on frequenting

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5

Hjort, Mette. "Le procès du spectacle : les enjeux théoriques du discours théâtral au dix-septième siècle." Paris E.H.E.S.S, 1989. http://www.theses.fr/1989EHES0330.

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Abstract:

Dans cette these nous etudions un corpus double, compose, d'une part, de certains textes-cles de la pensee philosophique allemande et anglo-americaine et, d'autre part, de quelques pamphlets polemiques constitutifs des querelles du theatre en france et en angleterre au dix-septieme siecle. Deux buts sont vises par un tel rapprochement : nous nous interrogeons sur la validite empirique et sur la coherence theorique des principes de base d'une certaine doctrine de l'autonomie esthetique; nous essayons d'esquisser une approche proprement pragmatique de l'analyse de l'histoire du theatre. Plus precisement, nous pretendons que les theses universalisantes proposees dans le cadre d'une reflexion esthetique d'inspiration kantienne se voient contredites par l'etude d'un champ discursif precis, celui des querelles du theatre au dix-septieme siecle
My thesis deals with two topics : philosophical aesthetics and the debates concerning the legitimacy of theater in 17th-century france and england. My goal is to provide an empirical evaluation of some of the main tenets of aesthetic autonomy, and to develop a genuinely pragmatic approach to theater. To that end, i contrast aspects of the history of drama to a particular philosophical aesthetics, namely the neo-kantian tradition that insists on the autonomy of art. My claim is that this tradition's universalistic theses concerning the non-referential nature of literature, the disinterested nature of aesthetic conventions and rules, are flatly contradicted by the documents that make up the "querelles du theatre". The conclusion to be drawn, then, is that we should not accept the claims typically made for the descriptive validity of the doctrine of aesthetic autonomy

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6

Abibi, Azapane-Mango. "La vie culturelle au Zaïre : lecture et spectacle à Kisangani." Bordeaux 3, 1988. http://www.theses.fr/1988BOR30045.

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7

Féret, Romuald. "Le privilège théâtral en Seine-et-Marne et en Seine-et-Oise (1806-1864)." Paris 8, 2003. http://www.theses.fr/2003PA082229.

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Abstract:

A partir de 1806, sur ordre de Napoléon Ier, le ministère de l'Intérieur met progressivement en place une organisation centralisée du théâtre. Il s'agit de surveiller et d'encadrer une activité jugée dangereuse. Ce qui n'était au début qu'une simple autorisation à obtenir par les artistes pour pouvoir jouer, se transforme rapidement en un privilège reposant sur un monopole d'exploitation. La France est divisée en une vingtaine d'arrondissements théâtraux qui regroupent chacun un ou plusieurs départements. A la tête de chacune de ces circonscriptions se trouve un directeur de troupe ambulante chargé de desservir toutes les petites villes disposant d'une salle de spectacle. Si l'une des localités offre suffisamment de ressources, elle peut avoir une compagnie d'artistes sédentaires. Ces directeurs sont choisis par les préfets et sont agréés par le ministère de l'Intérieur qui leur délivre un brevet, rapidement désigné sous l'appellation de privilège théâtral. En échange, ces " brevetés " ou " privilégiés " doivent accepter de fournir à Paris leurs répertoires, leurs itinéraires, la liste de leurs artistes et les états de recettes de toutes leurs représentations. Le privilège théâtral traverse plusieurs régimes politiques satisfaits d'avoir une redoutable organisation contrôlant un art qui avait révélé combien il pouvait à Paris être dangereux. Le bilan politique du privilège théâtral demeure dans son ensemble positif pour le pouvoir central. Pendant 58 ans, l'Etat a exercé une surveillance efficace sur les spectacles. Des manquements ont eu lieu, mais cela ne s'est pas traduit par une montée des oppositions ou par des troubles majeurs. Les débordements sont demeurés de faible ampleur. Les autorités préfectorales ont su exploiter l'espace théâtral en laissant s'exprimer une certaine agitation toujours circonscrite au bâtiment et à son esplanade. Cependant, tous les objectifs politiques du privilège n'ont pas été totalement atteints. A aucun moment, l'administration n'est parvenue à éliminer les petites troupes de comédiens. Bien que démunies d'autorisation, elles ont poursuivi leur activité en jouant sur les scènes oubliées des directeurs brevetés. Tout au plus, Paris a pu se satisfaire de voir ses compositions de saltimbanque-acteurs rejetés vers de grosses bourgades. . .

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8

Bouchez, Pascal. "Filmer le théâtre : problématique de la fidélité d'un document audiovisuel élaboré à partir d'un spectacle vivant." Valenciennes, 2004. http://ged.univ-valenciennes.fr/nuxeo/site/esupversions/08dbedd7-8b97-4804-881d-0e5a1e28be3f.

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Abstract:

À l'heure où la multiplication et la démocratisation des technologies ne font qu'accroître la demande de contenus et de programmes, filmer le spectacle vivant de manière convaincante et fidèle devient un enjeu majeur d'une mémoire théâtrale re-créatrice. Pourtant, ce besoin ne rencontre encore aujourd'hui que des réponses généralement peu satisfaisantes à divers titres. Il se heurte à des difficultés de transposition d'un environnement médiatique à un autre, qui ne peuvent être résolues qu'à travers la recherche de nouvelles écritures filmiques contextualisées. Celles-ci doivent impérativement tenir compte de la spécificité théâtrale comme co-présence biologique de deux groupes d'humains. À rebours des solutions courantes (captation ou re-création) est proposée ici une solution originale de multicaptation documentaire, fondée sur un dispositif d'enregistrements multiples et différenciés en conditions réelles de représentation publique, et permettant d'élaborer une super-représentation virtuelle associant les meilleurs moments de jeu de chaque soirée
With the present multiplication and democratization of technology comes a heightened demand for content and programs, such as filming a live show in a convincing and faithful way has become a major issue in recreative theatrical memory. Yet, today, this need is met with unsatisfactory answers for various reasons. One stumbling block, among others, is the difficulty of transposing the environment of a particular media to another. This can only be resolved by quest into new forms of contextualised film writings. These elements must imperatively take into consideration the particularities of the biological co-presence of two groups of humans. Contrary to current solutions (capture or re-creation), we propose here a novel alternative to documentary multicaptation based on a framework of multiple and various public recordings that allows the assembling of the best moments of every day into a virtual super-performance

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9

Marçal, Mônica Braga. "Proprioception, perception et lecture du corps : systématisation théorico-pratico-méthodologique du travail corporel dans une formation au jeu théâtral." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030015.

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Abstract:

Cette étude réalise une systématisation théorico-pratico-méthodologique sous forme de proposition de programme de cours pour la discipline de formation corporelle dans un cours supérieur d’interprétation théâtrale. Ici se discute le rôle du formateur corporel, les objectifs à proposer et les postures à adopter dans le but de favoriser la préparation du corps de l’acteur. Cette recherche dialogue avec les neurosciences, en particulier, la neurophysiologie, et la phénoménologie de la perception de Merleau- Ponty, afin de proposer un programme théorico-pratique composé de trois « piliers » : la proprioception, la perception de soi-même et d’autrui, et la lecture du corps comme outil méthodologique. L’étude de la proprioception réalise un travail de rendre plus conscient la posture et les mouvements du corps à partir de la stimulation des récepteurs sensoriels. L’étude de la perception de soi-même et d’autrui discute du choix perceptif, des mécanismes de défense perceptive, du processus d’empathie, et de l’attitude phénoménologique d’être plus présent devant autrui, devant le monde. L’étude de la lecture du corps à partir des expressions des émotions prétend offrir des éléments pour apprendre à observer les mouvements et postures adoptés par autrui, et ainsi acquérir une meilleure compréhension de ses intentions et de ses actions. Ces études prétendent ainsi contribuer à la formation professionnelle dans le théâtre
This study accomplishes a theoretical-practical-methodological systematization in form of a training course program proposal to teach the discipline of bodily training in the upper course of theatrical interpretation. Here are discussed the role of the bodily training professor, the objectives to be offered and the positions to be adopted with the intention of favoring the preparation of the body of the actor. This research has talks with neurosciences, particularly, neurophysiology, and phenomenology of the perception by Maurice Merleau-Ponty, to offer a theoretical and practical program composed of three “pillars” : the proprioception, the perception of his/her own and of other people, and reading of the body as a methodological tool. The study of the proprioception accomplishes a job to make more aware position and movements of the body from the stimulation of the sensory receivers. The study of perception of his/her own and other people discusses the perceptual choice, mechanisms of perceptual defence, the process of empathy, and the phenomenologic attitude to be more present in front of other people, in front of the world. The study of the reading of the body from the expressions of emotions pretends to give elements to learn to notice movements and positions adopted by other people, and so acquire a better understanding of its intentions and of its actions. These studies so pretend to contribute to professional training in the theatre

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10

Roux, Louise. "Les utopies pragmatiques : étude du "collectif" théâtral à partir de trois processus de création du XXIème siècle : Collectif F 71, D'ores et déjà, Spectacle-Laboratoire." Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080016.

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Abstract:

A travers l’étude comparée de trois processus collectifs de création théâtrale - D’ores et déjà, Collectif F71 et Spectacle-laboratoire - cette thèse tente de comprendre la notion de « collectif » tant au niveau idéologique qu’esthétique, telle qu’elle s’est développée dans le théâtre public français entre 2003 et 2014. Nous montrons qu’en découvrant la disparition de la marge dans l’organisation capitaliste de l’économie culturelle, les collectifs n’ayant pour l’« homme nouveau » aucun programme concret à proposer, ont centré leur résistance au cœur de processus de création politiques parce que collectifs, et accompli une œuvre au diapason de la complexité de leur époque. Ils ont réalisé une « œuvre ouverte » - selon la théorie d’Umberto Eco - au sein de la représentation. Ancrée dans le réel, polyphonique, expérimentale, non-close sur elle-même et en perpétuelle évolution, cette œuvre induit une conception démocratique de l’activité des spectateurs de théâtre et réactive certaines découvertes de la création collective des années 60-70. Cette idée du théâtre comme réalisation par le collectif de l’œuvre ouverte dans la représentation est une utopie pragmatique. Image de l’idéologie de toute une partie de la société en quête de sens et en quête d’action, l’utopie pragmatique permet un renouvellement de l’esthétique théâtrale et une revitalisation du théâtre public : une façon contemporaine et avant-gardiste de renouer avec le « théâtre d’art » comme « théâtre élitaire pour tous »
From the comparative study of tree dramatic creation processes - D’ores et déjà, Collectif F71 and Spectacle-laboratoire – this thesis try to understand the concept of “collective” at ideological and esthetical levels, as it been developed in the French public theatre between 2003 and 2014. We show that the collectives, discovering that marge has disappeared in capitalistic organization of cultural economy and without concrete program for the “new man” to propose, focused their resistance in their creation processes, political because collective. They’ve accomplished works in tune with complexity of theirs time, realizing an “open work” - as defying Umberto Eco - in representation itself. Anchored in real, polyphonic, experimental, non-closed and perpetually moving, this work induce a democratic conception of audiences’ activity and reactive some of the sixties’ collective creations’ discoveries. This idea of theatre as realization by the collective of the “open work” in the representation is a pragmatic utopia. Picture of part of society’s ideology, searching of sense and action, the pragmatic utopia allows a renewal of theatrical esthetic and a revitalization of the public theatre: a contemporary and avant-gardist way to revive the “artistic theater” as “exclusive theatre for everyone”

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1

La lecture du spectacle théâtral. Laval [Québec]: Mondia, 1989.

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2

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Théâtre aat4u cours préuniversitaire. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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3

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Théâtre aat4o cours ouvert. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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4

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Le droit canadien et international cln4u cours préuniversitaire. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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5

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Étude de l'alimentation et de la nutrition hfa4m cours préuniversitaire. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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6

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Atelier d'écriture fae4o cours ouvert. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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7

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Histoire de l'Occident et du monde chy4u. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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8

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Géométrie et mathématiques discrètes mga4u cours préuniversitaire. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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Ontario. Esquisse de cours 12e année: Français des affaires faf4o. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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10

Ontario. Esquisse de cours 12e année: L'église et la culture hre4m. Vanier, Ont: CFORP, 2007.

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1

Gavrilovich, Donatella. "How to Catalogue the Cultural Heritage “Spectacle”." In Lecture Notes in Computer Science, 39–49. Berlin, Heidelberg: Springer Berlin Heidelberg, 2013. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-642-40050-6_4.

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2

Kim, Kwang-Beak, Doo Heon Song, Jae-Hyun Cho, and Young Woon Woo. "Scratch Inspection of Spectacle Lens Based on Fuzzy Logic." In Lecture Notes in Electrical Engineering, 931–38. Dordrecht: Springer Netherlands, 2013. http://dx.doi.org/10.1007/978-94-007-6516-0_102.

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3

von Waldkirch, Marc, Paul Lukowicz, and Gerhard Tröster. "Spectacle-Based Design of Wearable See-Through Display for Accommodation-Free Viewing." In Lecture Notes in Computer Science, 106–23. Berlin, Heidelberg: Springer Berlin Heidelberg, 2004. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-540-24646-6_7.

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4

Vujakovic, Peter. "Empire as Spectacle: Harmsworth’s Atlas of the World and Pictorial Gazetteer with an Atlas of the Great War." In Lecture Notes in Geoinformation and Cartography, 177–93. Cham: Springer International Publishing, 2019. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-030-23447-8_10.

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5

Ferré, Rose-Marie. "Pour une lecture performative de l’œuvre de René d’Anjou? Le dialogue des arts dans le Livre du Cuer d’Amours espris de Paris : écriture, peinture, spectacle (autour des tapisseries de Vénus)." In René d’Anjou, écrivain et mécène (1409-1480), 135–57. Turnhout: Brepols Publishers, 2011. http://dx.doi.org/10.1484/m.tcc-eb.1.100024.

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6

Mervant-Roux, Marie-Madeleine. "Complémentarité des modes d’archivage modernes du spectacle théâtral : archives sonores/archives papier/archives audiovisuelles." In Chaillot, lieu de tous les arts. Publications des Archives nationales, 2020. http://dx.doi.org/10.4000/books.pan.2359.

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7

Bray, Patrick M. "Communauté et sens du spectacle. La lecture dans Nanon." In Écriture, performance et théâtralité dans l'œuvre de Georges Sand, 419–33. UGA Éditions, 2014. http://dx.doi.org/10.4000/books.ugaeditions.4845.

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8

Brückner, Martin. "Public Giants." In Social Life of Maps in America, 1750-1860. University of North Carolina Press, 2017. http://dx.doi.org/10.5149/northcarolina/9781469632605.003.0004.

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Abstract:

This chapter argues that the social life of “spectacular” maps contributed to the creation of the American public sphere between 1750 and 1860. Recovering the way in which materially overdetermined maps—that is, wall maps whose representational contents were enhanced or qualified by their visual design and material heft—stood out from the vast array of printed texts, it shows how wall maps became public spectacles. Marshalling inventories, public documents, and visual evidence, the chapter documents map placements inside architectural landscapes that included lecture halls, museums, and the meeting rooms of religious or reform societies. Frequently staged as theatrical props, large maps reconfigured the public sphere as a social space where public expressions of reason and passion became predicated on the spectacle of cartographic representation, with maps providing implicit or explicit support (or withholding it) during performances that ranged from political speeches and educational meetings to ballroom dances and art exhibitions.

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9

Armstrong, Isobel. "Many-Coloured Glass, Aerial Images, and the Work of the Lens: Romantic Poetry and Optical Culture." In Proceedings of the British Academy Volume 181, 2010-2011 Lectures. British Academy, 2012. http://dx.doi.org/10.5871/bacad/9780197265277.003.0003.

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Abstract:

This lecture argues that new optical experiences created by the lens and what we now call the virtual image were the foundation alike of ‘high’ science, associated at this historical moment with the telescope, and popular spectacle. They precipitated and renewed an enquiry into the nature and status of the image (always incipient in poetics) as the technologies of the phantasmagoria, the kaleidoscope and the diorama penetrated deep into the poets' worlds and words. The projected image, without a correspondence in reality, was a troubling aspect of this modern technology, provoking new understandings of materiality and immateriality. Colour, reflection and refraction became central concerns as a corollary of the debate. Some poets (Wordsworth, Coleridge, Amelia Opie, Keats, Shelley) assimilated this imagery into their work, albeit skeptically. Others (Charlotte Smith, Blake) violently resisted it. The lecture looks closely at image-making in poetic language, and argues that there were both ontological and political stakes in this enquiry.

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