Dissertations / Theses on the topic 'Lecture du spectacle théâtral'

Les diverses occasions de parler de scenographie renouvellent le sens que lui donnait vitruve a propos des decors du theatre grec. Les definitions orientent l'etude vers la perspective qui, en referant a l'image est un fil conducteur. Les rapports de la perspective et du theatre determinent la periode de la renaissance quand les artistes l'ont inventee et celle de la fin du xixe siecle quand les metteurs en scene ont renoue avec l'action. Avec l'invention des "coulisses" et celle de la "vue d'angle", elle fonctionne comme une image, derriere les comediens et quand ils jouent sur la scene. Le principe de la "cage de scene" est quasi universel dans les salles de spectacle jusqu'a ce que les metteurs en scene expriment de nouveaux besoins. La scenographie evolue depuis l'idee d'image de scene jusqu'a celle d'espace du plateau contemporain. Les arts plastiques maitrisent la representation des objets dans les trois dimensions materielles ; au theatre, la scenographie les integre aux caracteristiques du spectacle : l'action et le temps. Les surfaces planes des decors conventionnels genent la vision des spectateurs de l'ere industrielle. Cette sensibilite, relative a la lumiere, est en cause quand appia et craig, rejettant les trompel'il, indiquent d'autres moyens dramatiques. Au theatre, on ne montre plus, on construit. La plasticite de la scene participe a l'action dramatique, cette dynamique est mise en evidence dans les rapports entre l'uvre et l'ouvrage comme on le constate avec le rapport langhqff et quand le theatre du soleil fait son theatre. La scenographie est composee d'elements differents realises par de nombreux metiers. L'exploration d'une telle heterogeneite s'accorde avec une demarche qui agit par reperes comme dans les rapports avec l'espace. Elle est liee a l'idee de projet ou le travail de definition confronte des choses differentes dans une homogeneite. La dramatisation des nuances de la lumiere et du son conferent a la scenographie une maitrise de l'espace qui prolonge le travail theatral jusqu'au spectacle. La scenographie est un acte theatral
The diverse opportunities to speak of scenography renew the sense that vitruve gave to it a propos of the scenery of the greek theatre. The definitions direct the study towards perspective which is the clue. The relations of perspective and theatre determine the renaissance period when artists invented it and the period of the end of the xix century when the producers renew with the action. With the invention of the " wings" and that of the " angle sight", it functions like an image, behind the comedians when they play on stage. The principle of the "stage-cage" is almost universal in playhouses until producers express new needs. The scenography moves from the idea of image on the stage to that of space on the contemporary stage floor. Plastic arts master the representation of the object in the three material dimensions ; in the theatre the scenography integrates them to the features of the spectacle : action and time. The plane surfaces of the conventional set block the view of spectator of the industrial era. This sensitivity, relative to the light, is involved when appia and graig, rejecting dummy window, etc. , indicate others dramatic means. In the theatre, one does not show anymore, one construct. The plasticity of the stage participates in the dramatic action, theses dynamics are set of evidence in the connections between the works and the constructive work as we record it with the rapport langhoff and when the theatre du soleil produces its theatre. The scenography is composed of different elements achieved by numerous trades. The exploration of such an heterogeneity fits in with a proceeding which operates on references as in connection with the space. It is linked to the idea of project where the work of definition confronts different things in a homogeneity. The dramatization of the light and shade and sound confers to the scenography a mastership of the space which prolonge the theatrical work until the spectacle. The scenography is a theatrical act

Le secteur des activités culturelles est traditionnellement caractérisé par la primauté de la création (offre) sur la demande. Pourtant ce secteur n'échappe pas aux contraintes économiques. Certaines activités culturelles ont déjà massivement adopte la démarche marketing au moins au niveau de l'aval de la création (cinéma). En revanche, le secteur théâtral reste relativement traditionnel, alors qu'il est confronté à un besoin d'extension de sa base de public. La recherche étudie la problématique du comportement de fréquentation des institutions culturelles. Le champ d'investigation en est le théâtre. La recherche propose de développer un cadre conceptuel pluridisciplinaire inspiré du modèle de recherche d'expériences de Morris B. Holbrook et Elisabeth Hirschman (1982). La méthodologie adoptée est fondée dans un premier temps, sur une démarche quantitative. Dans un deuxième temps, une méthodologie qualitative reposant sur une analyse lexicale des discours tenus par le public s'avère nécessaire afin de mieux cerner le comportement des individus en vue d'agir sur la fréquentation
The field of cultural activities is traditionally characterised by a situation where creation (the offer) prevails over the demand. Nevertheless, the field is not beyond economic requirements. Some cultural activities have already largely adopted a marketing view, at least as regards creation backing (cinema). However, theatre remains a quite traditional field, which is all the same confronted to the need to extend its public base. This research deals with the problematic of individual behaviors as regards frequenting cultural institutions. The investigation field is theatre. This study attempts to put forward an interdisciplinary conceptual framework inspired by the experiential research model developed by Morris B. Holbrook and Elisabeth Hirschman (1982). The chosen methodology is initially based on a quantitative process. Then it has proved necessary to use a qualitative methodology based on a lexical analysis in order to better understand individual behaviors with a view to acting on frequenting

Dans cette these nous etudions un corpus double, compose, d'une part, de certains textes-cles de la pensee philosophique allemande et anglo-americaine et, d'autre part, de quelques pamphlets polemiques constitutifs des querelles du theatre en france et en angleterre au dix-septieme siecle. Deux buts sont vises par un tel rapprochement : nous nous interrogeons sur la validite empirique et sur la coherence theorique des principes de base d'une certaine doctrine de l'autonomie esthetique; nous essayons d'esquisser une approche proprement pragmatique de l'analyse de l'histoire du theatre. Plus precisement, nous pretendons que les theses universalisantes proposees dans le cadre d'une reflexion esthetique d'inspiration kantienne se voient contredites par l'etude d'un champ discursif precis, celui des querelles du theatre au dix-septieme siecle
My thesis deals with two topics : philosophical aesthetics and the debates concerning the legitimacy of theater in 17th-century france and england. My goal is to provide an empirical evaluation of some of the main tenets of aesthetic autonomy, and to develop a genuinely pragmatic approach to theater. To that end, i contrast aspects of the history of drama to a particular philosophical aesthetics, namely the neo-kantian tradition that insists on the autonomy of art. My claim is that this tradition's universalistic theses concerning the non-referential nature of literature, the disinterested nature of aesthetic conventions and rules, are flatly contradicted by the documents that make up the "querelles du theatre". The conclusion to be drawn, then, is that we should not accept the claims typically made for the descriptive validity of the doctrine of aesthetic autonomy

A partir de 1806, sur ordre de Napoléon Ier, le ministère de l'Intérieur met progressivement en place une organisation centralisée du théâtre. Il s'agit de surveiller et d'encadrer une activité jugée dangereuse. Ce qui n'était au début qu'une simple autorisation à obtenir par les artistes pour pouvoir jouer, se transforme rapidement en un privilège reposant sur un monopole d'exploitation. La France est divisée en une vingtaine d'arrondissements théâtraux qui regroupent chacun un ou plusieurs départements. A la tête de chacune de ces circonscriptions se trouve un directeur de troupe ambulante chargé de desservir toutes les petites villes disposant d'une salle de spectacle. Si l'une des localités offre suffisamment de ressources, elle peut avoir une compagnie d'artistes sédentaires. Ces directeurs sont choisis par les préfets et sont agréés par le ministère de l'Intérieur qui leur délivre un brevet, rapidement désigné sous l'appellation de privilège théâtral. En échange, ces " brevetés " ou " privilégiés " doivent accepter de fournir à Paris leurs répertoires, leurs itinéraires, la liste de leurs artistes et les états de recettes de toutes leurs représentations. Le privilège théâtral traverse plusieurs régimes politiques satisfaits d'avoir une redoutable organisation contrôlant un art qui avait révélé combien il pouvait à Paris être dangereux. Le bilan politique du privilège théâtral demeure dans son ensemble positif pour le pouvoir central. Pendant 58 ans, l'Etat a exercé une surveillance efficace sur les spectacles. Des manquements ont eu lieu, mais cela ne s'est pas traduit par une montée des oppositions ou par des troubles majeurs. Les débordements sont demeurés de faible ampleur. Les autorités préfectorales ont su exploiter l'espace théâtral en laissant s'exprimer une certaine agitation toujours circonscrite au bâtiment et à son esplanade. Cependant, tous les objectifs politiques du privilège n'ont pas été totalement atteints. A aucun moment, l'administration n'est parvenue à éliminer les petites troupes de comédiens. Bien que démunies d'autorisation, elles ont poursuivi leur activité en jouant sur les scènes oubliées des directeurs brevetés. Tout au plus, Paris a pu se satisfaire de voir ses compositions de saltimbanque-acteurs rejetés vers de grosses bourgades. . .

À l'heure où la multiplication et la démocratisation des technologies ne font qu'accroître la demande de contenus et de programmes, filmer le spectacle vivant de manière convaincante et fidèle devient un enjeu majeur d'une mémoire théâtrale re-créatrice. Pourtant, ce besoin ne rencontre encore aujourd'hui que des réponses généralement peu satisfaisantes à divers titres. Il se heurte à des difficultés de transposition d'un environnement médiatique à un autre, qui ne peuvent être résolues qu'à travers la recherche de nouvelles écritures filmiques contextualisées. Celles-ci doivent impérativement tenir compte de la spécificité théâtrale comme co-présence biologique de deux groupes d'humains. À rebours des solutions courantes (captation ou re-création) est proposée ici une solution originale de multicaptation documentaire, fondée sur un dispositif d'enregistrements multiples et différenciés en conditions réelles de représentation publique, et permettant d'élaborer une super-représentation virtuelle associant les meilleurs moments de jeu de chaque soirée
With the present multiplication and democratization of technology comes a heightened demand for content and programs, such as filming a live show in a convincing and faithful way has become a major issue in recreative theatrical memory. Yet, today, this need is met with unsatisfactory answers for various reasons. One stumbling block, among others, is the difficulty of transposing the environment of a particular media to another. This can only be resolved by quest into new forms of contextualised film writings. These elements must imperatively take into consideration the particularities of the biological co-presence of two groups of humans. Contrary to current solutions (capture or re-creation), we propose here a novel alternative to documentary multicaptation based on a framework of multiple and various public recordings that allows the assembling of the best moments of every day into a virtual super-performance

Cette étude réalise une systématisation théorico-pratico-méthodologique sous forme de proposition de programme de cours pour la discipline de formation corporelle dans un cours supérieur d’interprétation théâtrale. Ici se discute le rôle du formateur corporel, les objectifs à proposer et les postures à adopter dans le but de favoriser la préparation du corps de l’acteur. Cette recherche dialogue avec les neurosciences, en particulier, la neurophysiologie, et la phénoménologie de la perception de Merleau- Ponty, afin de proposer un programme théorico-pratique composé de trois « piliers » : la proprioception, la perception de soi-même et d’autrui, et la lecture du corps comme outil méthodologique. L’étude de la proprioception réalise un travail de rendre plus conscient la posture et les mouvements du corps à partir de la stimulation des récepteurs sensoriels. L’étude de la perception de soi-même et d’autrui discute du choix perceptif, des mécanismes de défense perceptive, du processus d’empathie, et de l’attitude phénoménologique d’être plus présent devant autrui, devant le monde. L’étude de la lecture du corps à partir des expressions des émotions prétend offrir des éléments pour apprendre à observer les mouvements et postures adoptés par autrui, et ainsi acquérir une meilleure compréhension de ses intentions et de ses actions. Ces études prétendent ainsi contribuer à la formation professionnelle dans le théâtre
This study accomplishes a theoretical-practical-methodological systematization in form of a training course program proposal to teach the discipline of bodily training in the upper course of theatrical interpretation. Here are discussed the role of the bodily training professor, the objectives to be offered and the positions to be adopted with the intention of favoring the preparation of the body of the actor. This research has talks with neurosciences, particularly, neurophysiology, and phenomenology of the perception by Maurice Merleau-Ponty, to offer a theoretical and practical program composed of three “pillars” : the proprioception, the perception of his/her own and of other people, and reading of the body as a methodological tool. The study of the proprioception accomplishes a job to make more aware position and movements of the body from the stimulation of the sensory receivers. The study of perception of his/her own and other people discusses the perceptual choice, mechanisms of perceptual defence, the process of empathy, and the phenomenologic attitude to be more present in front of other people, in front of the world. The study of the reading of the body from the expressions of emotions pretends to give elements to learn to notice movements and positions adopted by other people, and so acquire a better understanding of its intentions and of its actions. These studies so pretend to contribute to professional training in the theatre

A travers l’étude comparée de trois processus collectifs de création théâtrale - D’ores et déjà, Collectif F71 et Spectacle-laboratoire - cette thèse tente de comprendre la notion de « collectif » tant au niveau idéologique qu’esthétique, telle qu’elle s’est développée dans le théâtre public français entre 2003 et 2014. Nous montrons qu’en découvrant la disparition de la marge dans l’organisation capitaliste de l’économie culturelle, les collectifs n’ayant pour l’« homme nouveau » aucun programme concret à proposer, ont centré leur résistance au cœur de processus de création politiques parce que collectifs, et accompli une œuvre au diapason de la complexité de leur époque. Ils ont réalisé une « œuvre ouverte » - selon la théorie d’Umberto Eco - au sein de la représentation. Ancrée dans le réel, polyphonique, expérimentale, non-close sur elle-même et en perpétuelle évolution, cette œuvre induit une conception démocratique de l’activité des spectateurs de théâtre et réactive certaines découvertes de la création collective des années 60-70. Cette idée du théâtre comme réalisation par le collectif de l’œuvre ouverte dans la représentation est une utopie pragmatique. Image de l’idéologie de toute une partie de la société en quête de sens et en quête d’action, l’utopie pragmatique permet un renouvellement de l’esthétique théâtrale et une revitalisation du théâtre public : une façon contemporaine et avant-gardiste de renouer avec le « théâtre d’art » comme « théâtre élitaire pour tous »
From the comparative study of tree dramatic creation processes - D’ores et déjà, Collectif F71 and Spectacle-laboratoire – this thesis try to understand the concept of “collective” at ideological and esthetical levels, as it been developed in the French public theatre between 2003 and 2014. We show that the collectives, discovering that marge has disappeared in capitalistic organization of cultural economy and without concrete program for the “new man” to propose, focused their resistance in their creation processes, political because collective. They’ve accomplished works in tune with complexity of theirs time, realizing an “open work” - as defying Umberto Eco - in representation itself. Anchored in real, polyphonic, experimental, non-closed and perpetually moving, this work induce a democratic conception of audiences’ activity and reactive some of the sixties’ collective creations’ discoveries. This idea of theatre as realization by the collective of the “open work” in the representation is a pragmatic utopia. Picture of part of society’s ideology, searching of sense and action, the pragmatic utopia allows a renewal of theatrical esthetic and a revitalization of the public theatre: a contemporary and avant-gardist way to revive the “artistic theater” as “exclusive theatre for everyone”

Si les œuvres d'art restent un objet problématique pour la sociologie, elles ne cessent en revanche de faire penser les sociologues et d'alimenter de manière variable les procès de connaissance qu'ils consacrent à d'autres objets d'étude. Parfois, ce sont leurs paradigmes qu'ils réinterrogent en faisant des oeuvres de précieux analyseurs de ce qui échappe au regard de la science. Certains évoquent dans ce cas la possibilité de construire un partenariat épistémologique fécond entre art et sociologie, partenariat dont les enjeux sont ouverts et dont les modalités restent à explorer et à questionner dans le même mouvement. C'est ce questionnement que j'ai choisi d'approfondir en m'intéressant à la manière dont l'oeuvre de Pina Bausch pouvait m'aider à relire celle de Goffman. La sociologie goffmanienne est souvent associée aux analogies que son auteur construit pour analyser les situations d'interaction en face à face, la plus connue étant la métaphore dramaturgique qu'il file dans La Présentation de soi. Pina Bausch s'est quant à elle rendue célèbre en expérimentant dans ses pièces des continuités entre les performances ordinaires de l'interactant et les prouesses attendues d'un acteur en scène. Mon hypothèse a été de faire de cet amalgame dramaturgique un objet-limite des métaphores de Goffman, objet capable de mettre ses montages conceptuels en jeu et à l'épreuve d'une manière inédite. Menée sur trois pièces, Kontakthof, 1980 et Walzer, cette expérience analytique m'a permis de sonder la complexité du texte goffmanien et de défendre, dans là continuité de cette exploration, la possibilité de faire de l'art un outil de lecture de la sociologie et de ses formes d'écriture
Works of art remain a problematic object for sociology, yet they nourish the thoughts of sociologists and, in a variable way, the processes of knowledge that these researchers devote to other objects of study. Occasionally, turning the works of art into a precious analyzer of what escapes from gaze of science allows them to examine their own paradigms. In that case, some evoke the possibility of building a fertile epistemological partnership between art and sociology, a partnership whose challenges are opened and methods yet to be explored and questioned in the same movement. This is the path I have chosen to follow, by exploring the way in which the work of Pina Bausch could help me to reread that of Erving Goffman. Goffman's sociology is often associated with the analogies that the author elaborates to analyze face-to-face interactions - the dramaturgic metaphor that he develops in The Presentation of the Self being the best known. As for Pina Bausch, she became famous as a choreographer by experimenting, in her plays, with different kinds of continuities between the ordinary performances of the interactant and the feats one would expect from an actor on stage. I have considered this "dramaturgic amalgam" as a borderline object of Goffman's metaphors, an object able to set these conceptual devices in motion and put them to a test, in an unusual and fruitful way. Based upon three plays of Bausch, Kontakthof, 1980 and Walzer, this analytical experiment enabled me to explore and analyze the complexity of the Goffmanian text and, following this exploration, to defend the possibility of using art as a reading tool for sociology and the sociological writing

Si le mot « hors-scène » est utilisé de manière empirique pour désigner des espaces, des personnages ou des épisodes invisibles, il n’appartient pas au vocabulaire technique du théâtre et il est parfois remplacé, dans l’usage, par des mots empruntés à d’autres champs artistiques comme « hors-champ », « off » ou « hors-cadre ». Ce flou terminologique en fait une notion-miroir reflétant des positionnements esthétiques et idéologiques, qui peuvent se rattacher à un discours de valorisation de l’invisible par opposition à une société de l’image. On l’abordera à travers l’œuvre de trois auteurs majeurs de la seconde moitié du XXe siècle, Marguerite Duras, Bernard-Marie Koltès et Jean-Luc Lagarce. Ils brouillent en effet, selon des modalités différentes, l’articulation de la scène et du hors-scène, donnant lieu, de ce fait, à des mises en scène et à des scénographies qui doivent se confronter à la redéfinition des limites de l’espace de la représentation. La frontière entre le visible et l’invisible ne coïncide plus chez eux avec l’articulation entre la scène et un espace périphérique contigu : elle est mobile et ne se laisse pas aisément localiser, et le hors-scène ne peut plus être envisagé comme un extérieur. Il peut être situé au cœur du visible ; il peut être issu d’un geste de cadrage qui organise les relations de la scène, de la salle et du monde, mais aussi d’un geste de montage qui en fait un hors-temps. Il se manifeste donc de manière discontinue, à travers des brèches ouvertes par divers moyens à l’intérieur d’un espace dramatique et/ou scénique aux limites fluctuantes. C’est pourquoi cette recherche se propose de dégager les enjeux dramaturgiques et scénographiques des usages du hors-scène dans les textes de ces auteurs, mais aussi dans une sélection de mises en scène de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle ainsi que de scénographies, et de certaines créations sonores qui y sont associées. Il s’agit ainsi d’identifier différentes catégories de hors-scène et de définir plus précisément une notion qui pourrait bien manifester une modification des modalités de la perception et de la représentation
The term hors-scène (“off-stage” with a dramaturgical and a scenographic meaning in French) is used in an empirical way to designate spaces, characters and or episodes that are invisible. It is not part of the technical vocabulary of the theater, and it is often replaced by words borrowed from other artistic fields such as “off”, or “out of frame”. Because of this lack of terminological precision, it is a notion that like a mirror reflects ideological and aesthetic orientations which can be related to a discourse that values the invisible, in opposition to an image-driven society. This notion of hors-scène is addressed through a study of the works of three major authors of the second half of the 20th Century: Marguerite Duras, Bernard-Marie Koltès and Jean-Luc Lagarce. Each one of them has his/her specific mode of blurring the lines between the stage and the off-stage, thus producing staging and making scenographies that have to tackle the redefinition of the limits of space and of representation itself. In their works, the boundary between the visible and the invisible no longer coincides with the articulation between the stage and an adjacent peripheral space. The hors scène is mobile and cannot be easily located : it can no longer be considered as what lies outside of the stage. It can be situated at the heart of the visible ; it can spring from a framing choice which orchestrates the relations between the stage, the house and the world, but also from a staging choice that materialises “timelessness”. It reveals itself discontinuously, through breaches opened up in a diversity of ways in a dramatic and/or scenic space whose boundaries themselves are in flux. The thesis identifies the dramaturgic and scenographic stakes of the uses of the hors-scène in the three authors' texts, as well as in a selection of stagings from the second half of the 20th Century and early 21st Century, as well as in scenographies and a number of sound/audio productions to which they are associated. The aim is to trace different categories of the hors-scène and to define more precisely this notion that could very well highlight a change in the modes of perception and representation

La thèse présentée étudie et analyse le processus de mise en scène dans le travail de Klaus Michael Grüber, en démontrant que la mise en scène relève dans le cas étudié, d’une pratique artistique à part entière, singulière et innovante, et restée peu étudiée comme telle dans le domaine des arts visuels et plus généralement dans le domaine de l’art contemporain. En s’appuyant sur l’analyse des rapports entre le mouvement pictural de la Figuration narrative — dont les peintres Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo et Antonio Recalcati — et l’œuvre théâtrale de Klaus Michael Grüber, l’auteure montre que selon les termes de Denis Bablet, une révolution scénique s’est accomplie dans la conception même du lieu théâtral, ouvrant par delà les oppositions binaires entre texte et image, Figure et Discours, à un « théâtre du regard » (Jean Jourdheuil). Parmi les cas de figure traités, l’un d’eux a été tout particulièrement étudié et analysé : il s’agit de la mise en scène du roman d’Hölderlin (Hypérion ou l’ermite de Grèce), intitulée Winterreise in Olympiastadion, réalisée en 1977 à Berlin. La thèse se présente comme une contribution à la recherche d’une méthodologie et d’un réseau conceptuel permettant de mieux comprendre en quoi l’œuvre de mise en scène de Klaus Michael Grüber ouvre pour le théâtre à une nouvelle pensée du Visible que Merleau-Ponty, dans L’Œil et l’Esprit, appelait de ses vœux. La thèse comporte également une part critique importante de la notion de « spectacle » et insiste tout particulièrement sur la question du lieu scénique dont l’irréductibilité à toute spectacularisation est problématisée comme fondement de l’œuvre théâtrale elle-même
This thesis studies end analyses the stage setting process in Klaus Michael Grüber’s work, demonstrating in the case studied that stage directing is a genuine artistic practice, unique and innovative, and little studied as such to this day within the field of visual arts and more generally within the field of contemporary art. Based on the analysis of the relationship betwenn the pictorial movement of Narrative Figuration and those of painters who worked with Klaus Michael Grübers — such as Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo et Antonio Recalcati — the autor shows that, in Denis Balet’s terms, a scenic revolution has been accomplished in the mere conception of theatrical location, wich opens beyond the binary oppositions between texte and image, Figure and Speech, onto a « theater of the eye » (Jean Jourdheuil). Among the cases studied, one has been very closely examined and analysed : it is the staging and directing of Hölderlin’s novel (Hyperion or the Greek Hermit) entitled Winterreise in Olympiastadion and performed in Berlin in 1977. This thesis is a contribution to the search for a methodology and a conceptual network enabling one to better understand how Klaus Michael Grüber’s work as a stage director opens theatre to a new way of considering the Visible, wich was what Merleau-Ponty called for in L’Œil et l’Esprit. The thesis also includes an important critical review of the notion of « show » and puts a particular emphasis on the notion of scenic location, the irreducibility to any spectacularization of wich is problematized as a basis for the theatrical work itself

Loin d’avoir provoqué l’indifférence des Espagnols, l’Amérique hispanique a attiré le regard péninsulaire au lendemain des indépendances américaines et encouragé une production littéraire et iconographique continue depuis le début de l’ère isabelline jusqu’aux premiers temps de la Restauration. Constitué de près de 300 œuvres dramatiques, romanesques etplastiques, le corpus réuni et analysé dans le cadre de cette thèse montre qu’une production littéraire et artistique sur l’Amérique hispanique traverse bien le XIXe siècle péninsulaire. Afin d’en dégager les caractéristiques et l’impact sur l’imaginaire collectif espagnol, nous avons mis en lumière les spécificités des modes de production et de diffusion de chacun des supports artistiques. Cette production, fortement conditionnée par les moules artistiques préétablis, a favorisé la construction d’une imagerie américaine collective, notamment à travers la cristallisation d’images type qui circulent entre les différents supports. Dès lors, si les oeuvres elles-mêmes sont pour la plupart tombées dans l’oubli, elles demeurent néanmoins le reflet du regard porté par les Espagnols sur le continent à une période charnière des relations entre l’Espagne et l’Amérique hispanique
Far from leaving the Spaniards indifferent, Hispanic America has drawn Spanish attention after its independence and fostered a continuous literary and iconographic production since the beginning of the era isabellina to the early days of the Restoration. Consisting of nearly 300 plays, novels, paintings and sculptures, the corpus collected and analyzed in this thesis shows the existence of an actual literary and artistic production about Hispanic America through the nineteenth century in Spain. In order to identify its characteristics and its impact on the social imaginary of Spain, we have highlighted the specific modes of production and distribution of each artistic media. This production, heavily influenced by preexisting artistic standards, has favored the construction of a collective American imagery, particularly through the crystallization of images that circulate between the different media. Therefore, although most of these works have sunk into oblivion, they remain a reflection of the way the Spaniards looked at the continent and of the need to redefine and legitimize the relationship between Spain and the young American republics

L’identité du personnage théâtral ou opératique se révèle difficilement. Cette figure fictive est d’abord une créature de mots et/ou de notes : l’auteur ou le librettiste parsèment sa partition textuelle ou musicale d’indices qui permettent de dessiner ses contours. Cette thèse vise à découvrir la silhouette de papier du personnage ainsi décomposé. Pour exister, ce personnage doit également être porteur d’une vie scénique, c’est-à-dire jouer ; ce jeu, moteur de l’action et révélateur des désirs des protagonistes de l’intrigue, permet de dévoiler son « Je ».Pour assouvir son désir, le personnage, l’« Un », se trouve alors confronté au cours du jeu à l’« Autre », opposant ou adjuvant ; il doit imposer son désir, sa voix et faire entendre sa « contre-voix » face à la masse ou à la horde. Le personnage est celui qui se distingue au point de devenir pour l’Autre une créature étrange qui détonne, un étranger, et parfois même un animal ou un monstre, celui dont on se méfie, objet d’incompréhension, de fascination, de répulsion ou d’attraction.Enfin, nous envisageons le personnage, comme objet scénique malléable, transformable, morcelable, sujet à toutes les métamorphoses : l’auteur et l’acteur ou le chanteur s’unissent et conjuguent leurs efforts pour donner souffle et vie à ce personnage-objet. Sur scène, cette marionnette de l’interprète est soumise à évolution, transformation, déplacement, interprétation, et appropriation
The stage character's identity is not clearly defined. The author, or librettist, sprinkles his textual or musical score with clues that allow us to shape this note and word-made creature. My goal here is to discover the paper outline of this split up character. In order to exist, the character must also act; this acting enables us to see the subtle wills and deep desires of other protagonists on stage, in other words: to bring out the "I" in each character.During the play, the character in itself, the "one", will be confronted to the "other", be it an adjuvant or opponent. He must impose his wills, his voice to the "other", but he must also be heard and understood by the crowd. For the others, a stage character has this specificity to become another: a strange creature who sounds different like a foreigner, and sometimes like an animal or a monster. Between misunderstanding and fascination, the audience can be repelled or attracted by it.At last, we consider a stage character as a malleable and dividable object, capable of many changes. The author and the actor or singer need to gather and combine their talents to bring this "object-character" to life. On stage, the performer, that is to say the interpreter's puppet, is subjected to evolution, constant changes, movement, different interpretations, and appropriation

Si le théâtre est le lieu de l’élaboration de la langue où le poète a naturellement sa place, force est de constater que l’auteur dramatique des années deux mille peine paradoxalement à trouver sa place dans le théâtre et la société de son temps. Confrontés à la frilosité institutionnelle, à la méfiance des publics et à une méconnaissance généralisée, les auteurs dramatiques actuels tentent de faire entendre leur voix et n’hésitent pas à revendiquer leurs droits auprès des instances publiques. Ce travail se propose de porter un regard actuel et transversal sur la place et la fonction de l’auteur dramatique, en le posant comme une entité humaine qui évolue dans un milieu artistique et social concret. Après avoir retracé le parcours de la figure de l’auteur et l’évolution de la conception du texte dramatique dans l’histoire du théâtre, notre principal intérêt portera sur les différents aspects qui composent aujourd’hui l’identité de l’auteur, qui définissent son profil socioculturel et qui déterminent sa place dans le théâtre. Nous nous pencherons tout d’abord sur l’image actuelle de l’auteur qui se présente comme un artiste combatif et comme un médiateur averti proche du public avant d’aborder la question de son statut professionnel. Nous nous focaliserons par la suite sur le phénomène récent du regroupement des auteurs dramatiques en collectif. L’étude de la place concrète et physique qu’occupe aujourd’hui l’auteur dans l’entreprise théâtrale, et surtout l’analyse des principaux modes de son intégration (direction-association) et des rapports qu’il entretient avec les autres partenaires de la création (metteur en scène, acteur, public) nous permettront de mesurer les avantages et les limites de sa présence au sein du théâtre. De même, la représentation de ses oeuvres dans le système théâtral subventionné, dans le théâtre privé et les compagnies amateurs, l’observation des structures, associations, festivals et manifestations divers qui mettent l’auteur de théâtre au centre de leur projet et enfin l’étude des différents moyens de diffusion et de valorisation (commandes, résidences, ateliers, comités de lecture) des écritures théâtrales contemporaines complèteront cette recherche. Dans un souci de dépasser le seul cadre théâtral, nous aborderons également la place qu’occupe actuellement l’auteur de théâtre dans l’espace médiatique, éditorial et scolaire. Enfin, l’exploration du geste d’écriture et l’analyse du processus de création des auteurs dramatiques, suivies par un aperçu des principales tendances esthétiques et formelles qui caractérisent les écritures contemporaines, offriront un nouveau regard sur la façon dont les auteurs conçoivent leur art et sur les moyens qu’ils déploient pour contribuer au renouvellement de l’écriture dramatique
If the theatre is a place where a language in which the poet naturally belongs is created, we cannot avoid noting that the dramatist of the 2000's, paradoxically, is finding it hard to locate his place in the theatre and in the society of his time. Faced with institutional lukewarm support, with a distrusting public and a general lack of understanding of their role, the dramatists of today are trying to make their voices heard, and do not hesitate to demand that public bodies support their rights. This work proposes to concentrate on a cross-disciplinary examination of the place and function of the dramatist. It will do this by positing that he is a human entity that is evolving within a concrete artistic and social milieu. After tracing the trajectory of the authorial figure and the evolution of the concept of the dramatist in the history of the theatre, we will concentrate on the various aspects that today make up the identity of the author, that define his sociocultural profile, and that determine his place within the theatre. We will initially focus on the current image of the author seen as a combative artist and as an enlightened mediating figure who is close to his public. Then we will take on the question of the author's professional status. We will then concentrate on the recent phenomenon which presents dramatists as a collective group. The study of the concrete and physical place occupied today by authors in the theatre, and above all the analysis of the principal modes by which the author is integrated (directing-associating) and of the relationships he has with his partners in theatrical creativity (director, actor, public), these will allow us to measure the advantages and limits of his presence within the theatre. Likewise, the representation of his works in the context of subsidized theatre, in the context of private theatre and of amateur companies, the observance of the structures, associations, festivals and other demonstrations that put the dramatist at the centre of their projects, and finally the study of the different ways to propagate and valorize theatrical writing (command performances, resident artists, play reading committees, writing workshops), these will complete this research project. Given our determination to go beyond the world of theatre, we will also examine the current place occupied by the dramatist as a mediating, editorial and scholarly force. Finally, the study of the writing and the analysis of the creative processes of dramatists, followed by an overview of the esthetic and formal tendencies that characterize modern writing, will offer a new way of looking at the way in which authors view their art and will offer a new perspective on the ways in which they contribute to the renewal of dramatic writing

Yes
This article reviews the literature on how blurred vision contributes to falls, gait, and postural control and discusses how these are influenced by spectacle correction. Falls are common and represent a very serious health risk for older people. They are not random events as studies have shown that falls are linked to a range of intrinsic and extrinsic risk factors. Vision provides a significant input to postural control in addition to providing information about the size and position of hazards and obstacles in the travel pathway and allows us to safely negotiate steps and stairs. Many studies have shown that reduced vision is a significant risk factor for falls. However, randomized controlled trials of optometric interventions and cataract surgery have not shown the expected reduction in falls rate, which may be due to magnification changes (and thus vestibuloocular reflex gain) in those participants who have large changes in refractive correction. Epidemiological studies have also shown that progressive addition lens and bifocal wearers are twice as likely to fall as non-multifocal wearers, laboratorybased studies have shown safer adaptive gait with single-vision glasses than progressive addition lenses or bifocals, and a randomized controlled trial has shown that an additional pair of distance vision single-vision glasses for outdoor use can reduce falls rate. Clinical recommendations to help optometrists prevent their frail, older patients from falling are suggested.
Grant support: Atkinson Charitable Foundation, College of Optometrists, Dunhill Medical Trust, Essilor International R&D, Federation of Ophthalmic & Dispensing Opticians, Health & Welfare Canada, Health Foundation, National Institute for Health Research, PPP Foundation, and Vicon Motion Systems Ltd.

Dans ce mémoire, les contes de trois conteurs contemporains du Québec – Jos Gallant d’André Lemelin, Ti Pinge de Joujou Turenne et L’entrain à vapeur, de Fred Pellerin – font avant tout l’objet d’une lecture pragmatique afin de mieux comprendre comment le conteur, qui emploie le canevas en spectacle, transmet une fiction à un auditoire ou à un lectorat. L’étude présente d’abord une analyse comparative de chacune des prestations avec la version publiée d’un même récit et met ainsi en relief leurs points de convergence et de divergence. Selon l’hypothèse avancée, l’analyse de la prestation des conteurs qui suivent un canevas révèlerait comment s’y manifestent les dimensions performatives et les articulations du discours fictionnel. Corrélativement, l’examen des rapports entre le conteur et son public permet ensuite de s’interroger sur le statut du narrateur et de voir en quoi et comment, durant la performance, la fiction est partagée avec l’auditoire. L’analyse des énoncés performatifs, inspirés des travaux de Kerbrat-Orechionni et la dynamique de vectorisation proposée par Pavis pour l’étude de la gestuelle, des mimiques et de la voix, sont mises à contribution et visent également à dégager les outils pouvant servir à l’analyse des spectacles de contes. Au terme de cette recherche, l’auteure démontre les avantages liés au canevas, notamment en ce qui concerne les interactions qu’il favorise avec le public et dans la liberté qu’il procure, en permettant de modifier ou d’adapter le discours et les ressources expressives du conteur à chacune de ses représentations.
In this thesis, the three tales written by contemporary Quebec storytellers – Jos Gallant by Andre Lemelin, Ti Pinge by Joujou Turenne and L’entrain à vapeur by Fred Pellerin – are for the most part subjected to a pragmatic reading, where the objective is to develop a better understanding of how these storytellers employ structure in storytelling to transmit fiction to their audiences or readers. The study begins with an analysis of each story, a comparison of the storytelling and published versions, and finally their various points of convergence and divergence are highlighted. In accordance with this hypothesis, the analysis of each storyteller’s performance structure will reveal how the performative and fictional discourse dimensions are expressed. Correspondingly, through examining the relationships between the storyteller and the audience, we question the narrator’s status and discover by what means and how the fiction is shared with the audience during the performance. The analysis of performative statements, inspired by the work of Kerbrat-Orechionni and by dynamic vectorization put forward by Pavis for the study of gestures, facial expressions and voice, which are all made to contribution, also targets the identification of any tools useful for storytelling analysis. Once having completed this research, the author demonstrates how structure, especially that used to encourage audience interaction and the overall freedom generally procured can be beneficial in modifying or adapting expressive speech and other resources available to storytellers in each of their performances.