Academic literature on the topic 'Libros de artistas'
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Journal articles on the topic "Libros de artistas"
1
Martínez Musiño, Celso. "Del libro tradicional al libro alternativo: formas, materiales y variantes denominativas." Biblios: Journal of Librarianship and Information Science, no. 67 (December 7, 2017): 56–68. http://dx.doi.org/10.5195/biblios.2017.322.
Full textAbstract:
Objetivos. Describir el proceso de transición del libro tradicional al libro alternativo; investigar la conversión denominativa de los libros de artista, o el libro objeto (y otras maneras de mencionarlos) al libro alternativo; referir los materiales utilizados en la elaboración de los libros alternativos como objetos escriturales.Método. Estudio, descriptivo-aproximativo, cuyo procedimiento de la investigación fue el siguiente: investigación documental y visitas a museos; selección y análisis de los datos compilados; redacción de los resultados y las conclusiones.Discusión. El término libro alternativo, tiene su origen tanto en el libro tradicional como en otras manifestaciones artísticas libro arte objeto, los libros de viaje o, los libros de artista, por mencionas algunos y, por otro lado, algunas obras, producto de los artistas, presentan formatos tan diversos como los orígenes de libros manuscritos o impresos.Resultados. Del estudio indican que los libros alternativos tienen distintos orígenes denominativos, siendo los libros tradicionales el punto de inicio del libro objeto.Conclusiones. De un conjunto de denominaciones, el término libro alternativo es el vocablo que la comunidad artística de las obras analizadas para nuestra investigación ha adoptado. Por otra parte, la forma de los libros tradicionales puede cambiar casi en su totalidad, tanto por el rediseño o intervención de los artistas, así como por la diversidad de materiales y técnicas utilizadas.
2
Muñoz López, Pilar. "Las publicaciones y la investigación sobre mujeres artistas en España." RAUDEM. Revista de Estudios de las Mujeres 3 (May 23, 2017): 317. http://dx.doi.org/10.25115/raudem.v3i0.633.
Full textAbstract:
Resumen: El tema de las mujeres artistas ha sido escasamente tratado en la abundante bibliografía de Historia del Arte. La mayor parte de las publicaciones que se han editado en los últimos años son fundamentalmente de carácter divulgatorio de la actividad de las artistas en el contexto internacional y en nuestro país. En el artículo se revisan los libros y artículos publicados y, finalmente, se exponen los contenidos de mi obra Artistas españolas en la dictadura de Franco. 1939-1975, que, desde una perspectiva histórica, trata de dar a conocer la actividad creativa de muchas artistas españolas en este periodo histórico. Publications and Research about Women Artists in Spain Abstract: The topic of Women Artists has been hardly presented in abundant bibliography of Art History. The majority of publications issued in latest years are popular science books about the activity of artists in an international context and in our country. In this paper I revise books and articles, and finally, I thoroughly explain thoroughly the contents of my book Artistas españolas en la dictadura de Franco. 1939-1975, which from an historic perspective, attempts to show the prominence of creative activity from many Spanish women artists in this historic period.
3
Tarifa Castilla, María Josefa. "El comercio de estampas entre Roma y España a finales del siglo XVI: el caso del mercader italiano Antonio Pisano." Archivo Español de Arte 90, no. 357 (March 30, 2017): 49. http://dx.doi.org/10.3989/aearte.2017.04.
Full textAbstract:
El presente estudio revela la llegada al norte de España de estampas y libros adquiridos en Roma en el viaje realizado entre 1582 y 1583 por el italiano Antonio Pisano, financiado gracias a la compañía mercantil temporal establecida entre éste y el genovés Juan Luis de Musante, maestro mayor de obras reales de Felipe II en Navarra, residentes en Pamplona. Grabados de temática sacra y profana realizados por destacados artistas de la época, como el holandés Cornelis Cort y los mantuanos Adamo y Diana Ghisi, además de libros de figuras, algunos de artistas tan sobresalientes como Michelangelo o Polidoro da Caravaggio.
4
Rojewski, Oskar Jacek. "“Quien será un gran pintor...” Análisis de las condicionantes y de las capacidades necesarias para ser artista según Durero." Revista de Humanidades, no. 42 (May 4, 2021): 59. http://dx.doi.org/10.5944/rdh.42.2021.25543.
Full textAbstract:
Resumen: La historiografía artística de la Edad Moderna, plasmada en tratados, paragonae, discursos y correspondencias entre humanistas, permite a los historiadores del arte reconstruir y analizar distintos aspectos de la producción artística italiana de esa época. En el caso de los territorios del Norte de Europa, la ausencia de esta documentación no permite precisar con claridad de detalle fenómenos análogos para los pintores flamencos o acerca de la llamada escuela alemana hasta las primeras décadas del siglo XVI. La poca documentación conservada imposibilita una definición profunda de los aspectos teóricos y estéticos ligados a la producción de los artistas. Además, la estructura gremial del Norte disuadía el proceso de individualización de los artistas. Alberto Durero, artista vinculado a la corte de Maximliano I y posteriormente a la corte de Carlos V, se considera el primer autor de tratados teóricos sobre la creación artística al Norte de los Alpes. Gracias a sus viajes a Italia, Durero entró en contacto con las corrientes de pensamiento acerca de la teoría del arte, que le llevaron a redactar varias publicaciones: Proyecto para el tratado sobre la pintura(1508-1513), Los cuatro libros sobre medidas. Instrucciones de medir con compás y regla(1525) y Cuatro libros sobre las proporciones humanas (1528). El objetivo de este estudio es analizar los tres tratados mencionados con una atención especial a las recomendaciones del autor respecto a la formación del artista. A partir del corpus dureriano, traducido por Bialostocki en 1954 ,este estudio permitirá revisar la difusión y aplicación de las sugerencias en el ámbito de los artistas durante las primeras décadas del siglo XVI.Abstract: The artistic historiography of the Modern Age, formed by theoretical treatises, paragonae, speeches and correspondence between humanists, permit the Historians of art to reconstruct and to analyse various aspects of Italian artistic production. In the case of Northern Europe, the absence of that kind of documentation does not allow to precise clear analogous phenomena for Flemish painters or for German school, until the early decades of the sixteenth century. Not much preserved documentation makes impossible to define well theoretical and aesthetic aspects relate to the artistic production. Besides, the guild structure on the Northern Europe dissuades the process of artists individualization. Albrecht Durer, connected to the court of Maximlian I and to the Charles V court artist, is considered as the first author of artistic theoretical treaties on the North of the Alps. Thanks for the trip to Italy, Dürer came into contact with modern art theory, which resulted in writing several treaties: Project for the Treatise on Painting (1508-1513), Four Books on Measurement. Instructions for Measuring with Compass and Ruler (1525) and Four Books on Human Proportion (1528). The aim of this study is to analyse the three mentioned treaties with special attention on the author's recommendations for appropriated formation of the artist. The base is the Durer´s corpus, translated by Bialostocki in 1954. This study will review the dissemination and implementation of Durer´s suggestions for artists during the first decades of the sixteenth century.
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Mora, Libertad, and Carlos Guadalupe Heiras Rodríguez. "Écrits. Manuscrits à miniatures otomí." Revista Trace, no. 76 (July 31, 2019): 204. http://dx.doi.org/10.22134/trace.76.2019.748.
Full textAbstract:
Desde mediados de la década de 1970, Alfonso Margarito García Téllez, chamán ñähñu (otomí) de San Pablito (Pahuatlán, Puebla), es autor de una serie de libros confeccionados con el formato de “códices” (largas tiras de “papel amate”, dobladas a manera de biombos). Éstos reúnen la tradición mitológica y chamánica sudhuasteca, la afamada industria artística-artesanal sanpableña y la creatividad del empresario-comerciante que ofrece una nueva mercancía. El etnólogo Pierre Déléage tuvo el tino de apreciar el valor de esos códices –novedosos y a la vez tradicionales objetos recortados y escritos–, traducirlos del español al francés y promover su publicación. Asimismo, tuvo un segundo acierto igualmente relevante: reconocer la autoría del curandero ñähñu y no imponer su nombre como autor principal, como han hecho otros antropólogos y artistas plagiarios. Aunque no impuso su nombre como autor, Déléage sí le regaló su título al libro –inspirado en los llamados “ ‘manuscritos con miniaturas’ del Renacimiento, conocidos también como ‘Libros de horas’ ” (Pierre Déléage, 2018, comunicación personal)–.
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Castrilón Vizcarra, Alfonso. "Nota Editorial." Illapa Mana Tukukuq, no. 8 (February 21, 2019): 4–6. http://dx.doi.org/10.31381/illapa.v0i8.1932.
Full textAbstract:
Llama la atención encontrar en la librerías lin1eñas, cada vez con más frecuencia, nuevas ediciones de "libros de arte", como se suele llamar a los dedicados a temas relacionados con la creación plástica en el Perú. No solo los editados tradicionalmente por el Banco de Crédito, pionero en este tipo de aporte, sino los particular~s, familiares o amigos de los artistas, que han acometido la empresa editorial con su propio peculio como los libros dedicados a los pintores Pantigoso,Quispez Asín o Macedonio.
7
Mínguez García, Hortensia, and Judith Zamarripa Nungaray. "El arte juarense frente a las desapariciones forzadas." Arte e Investigación, no. 17 (May 21, 2020): e045. http://dx.doi.org/10.24215/24691488e045.
Full textAbstract:
El presente texto tiene como objeto describir cómo en el arte se desarrollan temáticas relativas a la violencia, tomando como estudio de caso los libros de la artista juarense Olga Guerra, que se centran en las desapariciones forzadas acontecidas en esta ciudad. Para ello, se refiere primero el estado de la cuestión de este extendido problema en la geografía mexicana en general y del territorio juarense en particular, para luego exponer las estrategias con las que los artistas abordan esta problemática desde la teoría de la estética relacional, en aras de construir espacios que favorezcan las interrelaciones humanas para la reconstrucción del tejido social.
8
Pérez Castillo, María Regina. "Rueda Garrote, Juan Francisco: Nico Munuera." Boletín de Arte, no. 37 (November 4, 2017): 302–4. http://dx.doi.org/10.24310/bolarte.2016.v0i37.3438.
Full textAbstract:
La labor que viene realizando Nocapaper (books & more) es encomiable. Esta joven editorial ha conseguido poner en marcha todo un proyecto cultural que va más allá de la mera edición de libros y cuyo principal objetivo es la promoción y difusión de artistas contemporáneos; tarea que sus integrantes abordan con personalidad y profesionalidad. El protagonista del ejemplar reseñado es el pintor murciano Nico Munuera, cuya obra ha sido analizada –aunque sería más correcto decir «diseccionada»– y comentada por el crítico de arte y comisario Juan Francisco Rueda. La edición del libro responde al formato Pocket Series: monografías de artistas actuales redactadas a modo de ensayo por un experto en arte y expuestas con la máxima claridad. Acompañan al estudio reproducciones de las obras, fotografías, ilustraciones y bocetos. Además, cada ejemplar presenta un fajín que viste al libro y que es diseñado en exclusiva para Nocapaper, lo cual infiere a la serie cierta distinción. El aspecto exterior del libro es similar al de un cuaderno de campo: dimensiones pequeñas, esquinas mochas y numerosas imágenes. Invita a ser acompañado por un pequeño lápiz con el que hacer algunas digresiones al margen. Pero no hallaremos en el mismo ideas desordenadas o tachones (lo que sí es habitual en un cuaderno de campo), pues sus características más destacables son el orden de contenidos y una cuidada edición.
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Gutiérrez Viñuales, Rodrigo. "Modernidad expandida. Perú en el libro ilustrado argentino (1920-1930)." Illapa Mana Tukukuq, no. 10 (November 25, 2016): 10–21. http://dx.doi.org/10.31381/illapa.v0i10.507.
Full textAbstract:
El presente estudio, basado en investigaciones iniciadas hace ya una década, centra la atención en los contactos artísticos entre Perú y la Argentina, tomando como referente específico a la ilustración de libros. Se sitúa temporalmente en un momento crucial para el arte latinoamericano como es el de la consolidación de la modernidad y el arraigo de las corrientes de vanguardia, en cuyos escenarios será decisiva la presencia del diseño gráfico. A lo largo del ensayo nos referimos justamente al libro ilustrado como factor de modernidad, antes de adentrarnos en el núcleo central de la cuestión como es la presencia de literatos y artistas peruanos en el ámbito del libro ilustrado argentino, con particular atención al arequipeño Julio Málaga Grenet y a una de las temáticas emblemáticas del vínculo entre ambos países: el incaísmo como expresión de vanguardia con raíces.
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Dolç Company, Antònia, and Noemy Berbel Gómez. "El libro de artista como proyecto artístico global." DEDiCA Revista de Educação e Humanidades (dreh), no. 2 (March 1, 2012): 193–200. http://dx.doi.org/10.30827/dreh.v0i2.7128.
Full textAbstract:
Nuestra experiencia en el campo de la educación nos muestra la importancia del desarrollo de la creatividad tanto como actitud vital, como método educativo. El mundo en el que vivimos, con la saturación de imágenes y sonidos repetitivos en todos los ámbitos, hace que nos hayamos planteado la necesidad de superar los estereotipos y por ello, es por lo que hemos puesto en práctica este proyecto encaminado a desarrollar un proceso de creación artístico en el ámbito de la Música y el Arte Plástico conjuntamente, por entender que la relación entre estas dos facetas artísticas da lugar a un trabajo creativo más completo. Con este proyecto se pretende que los alumnos sean capaces de desarrollar todo el proceso creativo, al igual del que sigue un artista, partiendo de una idea previa hasta la materialización del resultado. A partir de los libros de artistas realizados por los alumnos de Educación Infantil, basado cada uno en una temática concreta, los alumnos de Magisterio Musical han llevado a cabo las composiciones musicales y literarias inspiradas en dichos libros. Posteriormente han plasmado en un video el conjunto del proceso creativo. El proyecto se completa con la presentación al público del trabajo realizado con lo que se cierra el proceso y desemboca en una evaluación personal.
Dissertations / Theses on the topic "Libros de artistas"
1
Sánchez, Txuma. "Prácticas artísticas contemporáneas y edición de artista." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2017. http://hdl.handle.net/10803/458029.
Full textAbstract:
La investigación que desarrolla esta tesis doctoral aborda el proceso de regeneración producido en la edición de artista en España –libro de artista y ediciones especiales de artista–, a partir del año dos mil. Así como la subsiguiente consolidación de este tipo de prácticas artísticas a lo largo de toda la primera década del siglo XXI, durante la llamada “Década de oro” de la edición de artista española.
En esta tesis realizamos una revisión crítica de los precedentes que impulsaron este proceso de regeneración –desde principios de los años setenta y hasta finales de los años noventa principalmente–, y nos sumergimos, asimismo, en los parámetros sobre los que se asienta su posterior afianzamiento y consolidación durante los años dos mil, en tanto que campo plenamente autónomo dentro de la creación artística contemporánea.
Es a partir de esta revisión y su análisis que rebatimos las lecturas tradicionales que han interpretado la edición de artista como un conjunto de prácticas subalternas, en relación a otras disciplinas artísticas. Lecturas que la han circunscrito y encasillado en taxonomías asociadas solo a sus procesos técnicos y disciplinarios, alejándolas, erróneamente creemos, de aquellos debates y transformaciones instituidos durante los últimos treinta años en la centralidad artística contemporánea.
A la hora de vertebrar los argumentos para rebatir estas lecturas simplificadas abordamos diferentes casos de estudio, ordenados cronológicamente desde principios de los años setenta y hasta llegar a finales de la década de los años dos mil. Algunos de estos casos pivotan sobre la transformación vivida durante este periodo por la propia edición como espacio de experimentación, cada vez más auto-consciente y enriquecido. Otros analizan los procesos graduales de relación que la edición sostuvo, e implementó progresivamente entretanto, con diferentes ámbitos: como el institucional, el político, el formativo, o el productivo. Por último el resto de casos en los que nos detenemos investigan, y ponen de manifiesto, la re-articulación y emergencia de los nuevos roles, que se desplegaron a partir del inicio del nuevo siglo, principalmente a partir del año dos mil, entre los propios agentes implicados y sus estrategias internas de relación.
Con ello ejemplificamos la predisposición y determinación con que estos casos influyeron en el florecimiento que se dio en nuestro país en la edición de artista durante la primera década de este siglo. Y desciframos las complejidades sobre las que se asienta este despertar: no solo atendiendo a los cambios sufridos en los modelos de creación, sino también fijándonos en las interrelaciones que desde instancias culturales y políticas se manifestaron como importantes en un conjunto más amplio de interacciones.
Algunas de las cuestiones en este sentido que acaban emergiendo durante nuestro trabajo atienden así a diferentes vectores. Por ejemplo señalamos la importancia que adquieren en este proceso de renovación los legados conceptuales y sus actualizaciones neo-conceptuales: ejemplificadas en el repunte en el uso del documento y el archivo en la edición, en el fortalecimiento de las prácticas procesuales y desmaterializadas, y en un nuevo acercamiento a la cultura del proyecto. También marcamos la influencia de los modelos de creación alternativos de los años ochenta: fraguados al margen de la comercialidad y basados en la constitución de redes de auto-producción y auto-distribución, que se revitalizaron notablemente y de maneras particularmente innovadoras en los dos mil con un reencuentro con el DIY y las estrategias de colectivización. Nos percatamos de las confluencias de la edición con el retorno a lo político, producido en el arte durante los años noventa, y representado, entre otras cuestiones, por el reencuentro con las responsabilidades del arte hacia la esfera pública y de la esfera de lo real; por el reconocimiento de la globalización y sus consecuencias sobre la reformulación crítica de las identidades en lo social, cultural o histórico; por la apertura de la subjetivización en el espacio institucional del arte; por la atención al nuevo papel de los media en esta confrontación; o por la exploración en la construcción de memorias críticas, más allá de los relatos institucionalizados sobre las sexualidades, la geografía política o la economía neoliberal.
La relación que establecemos entre los casos de estudio y la vertebración de la nueva edición de artista en España, que pretendemos clarificar, se afianza sobre una circulación simultánea y sincopada a través de diversos planos documentales y reflexivos. Uno de ellos es de la formulación de diferentes posibles genealogías como una intrahistoria de la propia edición, con saltos hacia atrás y hacia adelante no necesariamente estructurados en una única línea discursiva. Otro es el de los contextos geográficos. En este sentido, nos sumergimos especialmente en el contexto catalán, sobre el que creemos demostrar que se instituye el paradigma más visible de esta regeneración especial de la edición española, ya desde su primera incubación ahora hace cerca de cuarenta años. Contexto valedor, por ejemplo, de la influencia que adquiere el desarrollo del diseño gráfico español en la creación artística, en sus vertientes experimentales y formativas principalmente; valedor también de la transformación en los consumos culturales y en la creación que provocó la cultura de clubs de los años noventa, radicada principalmente en Barcelona y en su dimensión menos elitista y superficial; o asimismo certificador de la adaptación de la creación editorial artística a las nuevas tecnologías de la producción, la distribución, la transformación de las autorías o las trasferencias disciplinarias que acaecieron.
Esta tesis formula así un prototipo abierto para la lectura de la evolución y consolidación de la edición de artista española en la década de los años dos mil, asentado en sus referentes históricos directos, sus transiciones e implicaciones intra y extra-artísticas, así como en sus propias motivaciones, pruebas, espejismos y certezas.
2
Codina, Isabel. "Post-paisatges. La fotografia contemporània com a document topogràfic del territori." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/145610.
Full textAbstract:
La tesi analitza una sèrie de treballs fotogràfics, presentats generalment en forma de llibre i que han seguit una línia documental dins l’enregistrament topogràfic del territori. Es pren com a punt de partida l’any 1975 en què es va inaugurar l’exposició New Topographics i es segueix el camí endegat per l’estil documental de Walker Evans, que s’ha anat desenvolupant en diferents pràctiques fotogràfiques fins l’actualitat.
La fotografia ha jugat un paper molt important en la manera com es percep el paisatge que ens envolta, gràcies al seu caràcter d’acompanyant d’altres disciplines científiques i antropològiques. Els artistes, a partir de l’art conceptual, prenen la fotografia com a eina expressiva i teoritzen sobre les seves obres, adoptant posicions crítiques sobre temes socials i mediambientals. Els seus documents fotogràfics representen un compendi de formes d’ús del territori i mostren quines activitats relacionades amb el progrés, el lleure, el consum, l’especulació, la política, l’economia, es duen a terme en ell, més enllà de les necessitats primàries de subsistència. Des de la pràctica artística, professionals de diferents disciplines (geografia, història, arquitectura, fotografia, etc.) treballen en comú, relacionant diferents mirades als problemes sorgits en un territori, tractant-lo a partir d’aproximacions sensibles i donant veu a les persones que l’habiten. Sovint creen un discurs crític sobre l’ús del territori, construint una mena d’arqueologia de l’acció de l’ésser humà en la superfície de la Terra.
Els autors que s’analitzen en aquest estudi han contribuït a difondre una imatge més real de l’entorn que ens envolta, gràcies a la seva convicció de què cal difondre la realitat caòtica del món. Mitjançant el seu enfocament i la decisió d’enquadrar uns elements del paisatge i no uns altres, creen una visió més aproximada del nostre entorn, allunyada d’aquell concepte de paisatge primigeni dels romàntics. Ja no es tracta de la terra promesa, ni del paradís, ni de l'Arcàdia, sinó que és el lloc on vivim i el nostre paisatge quotidià.
Entenent que el llibre és una eina fonamental per a la difusió de les fotografies, i funciona sovint com una obra autònoma i independent de l’obra exposada, l’estudi es realitzarà a partir del fotollibre. De vegades la fotografia, en forma d’imatge única, té unes carències narratives que la seva seriació i seqüència poden suplir. Aquí rau la importància de veure aquestes imatges una al costat de l’altra i sovint acompanyades d’un text -que les contextualitza i explica el què ha succeït en aquell indret perquè sigui objecte d’atenció del fotògraf- com succeeix en l’espai expressiu del fotollibre.
A més d’analitzar els treballs d’autors contemporanis, s’ha evidenciat els seus punts de connexió amb la pràctica fotogràfica dels pioners de la fotografia documental del territori, per constatar que durant la història del mitjà s’ha tornat reiteradament a avaluar les virtuts dels predecessors i s’ha recuperat tendències anteriors per fer-ne una nova interpretació.
La metodologia desenvolupada al llarg del treball està basada en l’estudi de diferents documents (llibres, statements, pàgines web), generalment en anglès i en les entrevistes mantingudes amb els autors. És una tesi plantejada des de la pràctica de la fotografia, que respon a les qüestions derivades del propi treball de camp i insisteix en la importància del procés en la concreció d’un projecte fotogràfic. Per això els treballs de la doctoranda dialoguen amb d’altres projectes fotogràfics incorporats dins d’alguns dels capítols.
3
Stigler, Silva Valeria. "El lenguaje visual del libro-objeto testimonial hecho por artistas peruanos en la última década." Bachelor's thesis, Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), 2021. http://hdl.handle.net/10757/657097.
Full textAbstract:
Esta investigación tiene como objetivo general explicar la construcción del lenguaje visual del libro-objetos testimonial realizado por artistas peruanos en la última década. Por ello, se plantearon características diferenciadoras del libro-objeto, para poder identificarlos y analizados en la muestra. Como punto de inicio para esta investigación, se tomó el resurgimiento dela práctica de este soporte en el Perú en la última década y la poca investigaciones en el rubro.
Se planteó la hipótesis en la que los libro-objetos testimoniales peruanos usan frecuentemente métodos artesanales, trabajados en el país, ya sea por legado o por el propio intercambio cultural. Además, este tipo de soportes en el país no se aparta de las principales características de un libro tradicional impreso, por ellos se ve el uso recurrente de la fusión tipográfica, fotografías e ilustraciones. De esta manera, se realizó un análisis de cinco libros que cumplen con las características identificadas, el año de publicación y el género literario.
La investigación tiene un alcance máximo de carácter descriptivo, diseño transversal y no experimental, ya que se analizará un fenómeno específico del libro-objeto luego de su publicación y se centró en una década concreta. La muestra para el análisis fue no probabilística conformada por 5 libros-objetos. En los cuales, mediante las herramientas necesarias, se identificaron y analizaron los recursos gráficos presentes.
De esta manera se pudo determinar cómo se formula la construcción del lenguaje visual del libro-objeto testimonial peruano explicado en 3 principales factores influyente: recursos gráficos, la materialidad del soporte, la cercanía del autor en soportes de carácter testimonial.
Finalmente, se puede decir que existe características propias del lenguaje visual del libro-objeto peruano, como: el uso constante del elemento tipográfico manipulado o transformado como un elemento visual, el uso recurrente de ilustraciones o fotografías y la artesalidad.The general aim of this research is to explain the construction of the visual language of the testimonial book-objects produced by Peruvian artists in the last decade. For this reason, differentiating characteristics of the book-object were proposed in order to identify them and analyse them in the exhibition. As a starting point for this research, the resurgence of the practice of this medium in Peru in the last decade and the lack of research in the field were taken as a starting point. It was hypothesised that Peruvian testimonial book-objects frequently use artisanal methods, worked in the country, either as a legacy or as a result of cultural exchange. In addition, this type of support in the country does not deviate from the main characteristics of a traditional printed book, which is why we see the recurrent use of typographic fusion, photographs and illustrations. Thus, an analysis was made of five books that meet the identified characteristics, the year of publication and the literary genre. The research will have a maximum scope of descriptive character, cross-sectional and non-experimental design, as it will analyse a specific phenomenon of the book-object after its publication and focused on a specific decade. The sample for the analysis was non-probabilistic and consisted of 5 book-objects. In which, using the necessary tools, the graphic resources present were identified and analysed. In this way it was possible to determine how the construction of the visual language of the Peruvian testimonial book-object was formulated, explained in three main influential factors: graphic resources, the materiality of the support, and the proximity of the author to testimonial supports. Finally, it can be said that there are characteristics typical of the visual language of the Peruvian book-object, such as: the constant use of the typographic element manipulated or transformed as a visual element, the recurrent use of illustrations or photographs and the craftsmanship.
Trabajo de investigación
4
Cardoso, Gracio Filomena Do Rosario. "Las poéticas de la naturaleza en la Biblioteca del Bosque. Una aproximación a la obra de Miguel Ángel Blanco." Doctoral thesis, Editorial Universitat Politècnica de València, 2012. http://hdl.handle.net/10251/17401.
Full textAbstract:
El objetivo fundamental de esta investigación es estudiar la Biblioteca del Bosque,
obra múltiple del artista español Miguel Ángel Blanco, en el tiempo comprendido entre
1985 y 2010. En este periodo, la obra sumó mil ciento uno libros-caja (el libro-caja es
el elemento básico de la obra, y cada uno de los ejemplares es único) constituyendo
un excepcional poema que además de los sentires y pensares del artista, atesora no
sólo fragmentos del bosque donde tuvo origen �en la Sierra del Guadarrama�, sino de
diversos sistemas de la naturaleza. Cobija sueños y experiencias resultantes del
caminar del autor en el entorno natural de diversos continentes. Es una balada que
nos permite realizar una lectura prodigiosa de la naturaleza a través de los sentidos;
no sólo de lo visual, sino también de lo táctil, lo sonoro y lo olfativo. Los objetivos
específicos de esta investigación son presentar la catalogación de la Biblioteca del
Bosque, analizar formal y temáticamente la obra a través de las poéticas
desarrolladas, interpretar su sentido y reconocer las técnicas y recursos empleados
en la creación de la misma. Desde el punto de vista plástico la Biblioteca del Bosque
reúne diversas técnicas �dibujo, pintura, gráfica, collage, fotografía y otras� que el
artista va incorporando en el transcurso del tiempo y que enriquecen la obra, cuya
gran temática es la naturaleza. La investigación contiene una estructura compuesta
por cinco capítulos, un apartado con las conclusiones, una sección con la bibliografía y
un anexo documental. �Sobre el autor y su obra� contiene una selección de datos
referentes al artista y a la totalidad de su obra. �Naturaleza y arte contemporáneo�
tiene como finalidad contextualizar la Biblioteca del Bosque por lo que se reflexiona
sobre algunos de los movimientos y artistas, a nivel internacional y nacional, que han
trabajado en y con la naturaleza, desde la década de los sesenta del siglo pasado. Por
ser el libro-caja el elemento fundamental de la obra ....Cardoso Gracio, FDR. (2012). Las poéticas de la naturaleza en la Biblioteca del Bosque. Una aproximación a la obra de Miguel Ángel Blanco [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/17401
Palancia
5
Guillén, Martínez Francisco José. "La aportación de Román Gil al libro de artista: el autorretrato sin fin." Doctoral thesis, Universidad de Murcia, 2016. http://hdl.handle.net/10803/366266.
Full textAbstract:
Esta investigación busca encajar la obra de Román Gil en la tradición del libro de artista. En una época en la que éste se encuentra en su momento de madurez, él mismo ha posibilitado el que tanto una imagen de lugar a su verbalización como el que un texto escrito devenga en una imagen visual. Ahora es también el momento de incorporar a esta incipiente disciplina parte de la genealogía que ha deparado la configuración del libro como lugar de todos los elementos temporales que constituyen la lengua hablada. Así visto, el libro se manifiesta como una forma simbólica autónoma y bien distinta que el texto al que da sustento. Es en este punto donde hemos querido comprobar si en la obra de Gil se da ese valor genuino del arte capaz de hacernos aprehender los significados de las imágenes a través de la forma. El factor de regulación al que queremos aludir y que goza de los valores gráficos, escultóricos y pictóricos de todo el itinerario que dio lugar a la configuración de los sistemas escritos, es el que sospechamos que implícitamente subyace, más que en la escritura, en la configuración de ésta. Paradójicamente, es en la obra de un autor que hace libros de artista con una expresa renuncia a la palabra escrita, donde buscamos la hermenéutica de los símbolos que han conseguido objetivar la realidad con la mayor precisión habida a nuestro alcance. Pero no es para comprenderla bajo este punto de vista, sino para averiguar si las imágenes plásticas son capaces de ser elocuentes a través de un objeto -el libro- que ha sido concebido como sede espacial de la contingencia temporal que es el habla. De la mano de la obra de Gil conocida como las Carpetas de Román, nos hemos adentrado en la prehistoria de la escritura para tratar de entender cómo se acaba encriptando en ella todo el ritual de la experiencia plástica y cómo en este proceso surge un objeto tan específico como pueda ser el libro que, para nosotros está al mismo nivel conceptual que el cuadro. Más tarde, hemos observado el proceso de creación de este artista para averiguar de qué manera consigue transferir las particularidades del género pictórico del autorretrato a la disciplina del libro de artista, sabiendo que este autor renuncia a la representación formal de los datos plásticos emparentados con el parecido anatómico y psicológico. Hemos investigado también su capacidad para referirse a la realidad a través de los órganos sensoriales regentes de parcelas sensitivas de las que no dan debida cuenta y hemos tratado de averiguar si las imágenes que detrae de estas experiencias son vividas o dependen de un carácter metafórico de carácter cultural. Posteriormente, indagamos en el tipo de formación académica y las afinidades electivas que hayan podido influir en su talante y en su voluntad de hacer un arte a través de un medio que parece haber surgido para reflejar la materialización perceptual de la realidad a través de la palabra. A partir de este punto de vista, hemos podido comprobar cómo Gil actualiza el modelo canónico que dio lugar a las primeras bibliotecas a través de las series artísticas que emprende y en base a los ordenamientos que establece con su propia producción artística. Por último, hemos analizado su quehacer artístico, así como los materiales empleados en su obra con la intención de aprehender su manera de unir géneros pictóricos con materiales experimentales y procedimientos alternativos, más allá de sus usos y de sus funciones.This research is an attempt to place the work of Román Gil within the artist book tradition. In his maturity stage, he himself has made it possible for an image to become its verbal representation, as well as enable a written text to become a visual image. Now it is also the time to incorporate to this incipient discipline, part of the genealogy which has turned the structure of a book into the meeting place of all the temporal elements constituting the spoken languages. It is at this point that we have sought to prove if, in Gil's work, there can be found that genuine artistic value which can allow us to grasp the meanings of the imagery through its form. The control factor to which we want to refer, and which contains the graphic, sculptural and pictorial values of the whole itinerary originating the structure of the written systems, is which we tend to believe that implicitly underlies, rather than writing, its layout. Paradoxically, it is in the work of an author creating artist books and explicitly renouncing the written word, where we look for the hermeneutics of those symbols which have attained to make reality tangible, with the greatest possible precision available to us. But it is not our aim to understand it from his point of view but to enquire if the plastic images can express themselves through an object, -the book-, which has been conceived as the place for the temporal contingency given in speech. Hand in hand with Gil's work, known as the Román Files, we have ventured into the prehistory of writing, in an attempt to understand how it is possible to arrive at encrypting in it all the ritual of the plastic arts experience, and how, in the process, such a specific object as a book, which to us has the same conceptual level as a picture, takes on life. Furthermore, we have observed this artist's creative process to discover how he manages to transfer the specifics of the self-portrait pictorial genre to the artist book discipline, considering that this author renounces the formal representation of the plastic arts data related to the anatomic and psychological resemblance. We have also examined his capacity to refer to reality through the sensory organs governing unaccounted for sensitive areas, aiming to discover if the images he draws from these experiences come from life or derive from a metaphorical cultural character. Later still, we enquired into his academic background and his selective affinities which could have influenced his character, and his decision to make an art out of a medium which seems to have been created to reflect the perceptual materialization of reality through the word. From this standpoint, we have been able to understand how Gil brings up to date the canonical model which originated the first libraries to appear, through the artistic series he produces and on the basis of the order he sets on his own artwork. Lastly, we have analyzed his production as well as the materials he uses, in an attempt to grasp his way of combining pictorial genres by means of experimental materials and alternative procedures, which go beyond their customary uses and functions.
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Baudrand, Ossandón Alejandro, Contreras Javier Madrid, and Díaz Rolando Requena. "Análisis de la ley no. 19.889 que modifica el código del trabajo, incluido en el título II del libro I — artículos 145 letra A y siguientes." Tesis, Universidad de Chile, 2008. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/106812.
Full textAbstract:
Memoria (licenciado en ciencias jurídicas y sociales)No autorizada por el autor para ser publicada a texto completo
En la presente investigación, nos dedicaremos a desarrollar un análisis de la temática relacionada a la realidad laboral de los trabajadores del arte y el espectáculo en Chile, tras la dictación de la ley 19.889 del año 2003, la cual entró a regular los derechos laborales de estos trabajadores y lo relacionado con la seguridad social de los mismos, específicamente en lo que atañe a la protección que les ofrece la legislación nacional vigente, fundamentalmente en lo que dice relación con el estudio de su normativa y el ámbito de su aplicación. Lo anterior lo explicaremos, a partir de que históricamente los trabajadores artísticos habían recibido un trato por parte de sus empleadores, los cuales principalmente han sido medios de comunicación o de espectáculos, un trato de personas que prestaban servicios en calidad de independientes, por lo cual sólo se encontraban prestando un servicio particular y por lo tanto, al no encontrarse en una relación de subordinación y dependencia (lo que en la práctica era lo que efectivamente acontecía), no se encontraban tutelados por el Derecho del Trabajo y por ello no contaban con las medidas mínimas de protección de sus derechos, adecuados a la realidad de las actividades que desempeñan
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Musser, Sonja. "Los libros de acedrex dados e tablas: Historical, Artistic and Metaphysical Dimensions of Alfonso X's Book of Games." Diss., The University of Arizona, 2007. http://hdl.handle.net/10150/194159.
Full textAbstract:
Combining three major facets of Alfonso's final and most personal work, this holistic study utilizes a philological approach involving codicology, hermeneutics, history of art, iconology, paleography, and philosophy. Like his Cantigas de Santa María, with its vast musical, poetic and artistic dimensions, the Book of Games is a largely unexplored multi-media treasure trove of knowledge about thirteenth-century games, art and symbolism as well as personal information about the Wise King himself. Chapter I explains the historical chess, dice, backgammon and mill games ands offers the first complete English translation of the Book. Descriptions and diagrams of all 144 games, including PowerPoint presentations of all 103 chess problems using a font specially designed to match the original manuscript exactly, are presented in an international format which brings these challenging and entertaining games to life. Chapter II surveys all 151 illuminations, exploring their cultural value and identifying portraits of Alfonso, his wife, his lover, his children, his friends and his sources. Alongside traditional medieval iconography, these may represent some of the earliest known likenesses in medieval portraiture and some of the first private, non-iconographic images of a Spanish king. Chapter III interprets the literal, allegorical, tropological and anagogical meanings of each game according to the Hermetic principle "As above, so below" as well as the numerological symbolism and didactic structure reflected in the book's Scholastic structure. Each game in the Libro de los juegos contains a clue "pora los entendudos e mayormientre pora aquellos que saben la Arte de Astronomia" (fol. 95r) for understanding the connection between astrology and human affairs. At the end of his ill-starred life Alfonso saw reflected in the microcosm of these games, the determinism inherent in the workings of the universe. By studying the patterns in these games, Alfonso hoped to discover how best to play the game of life using both his "seso," or skill, and his lucky number seven. The numerological and astrological significance of the numbers seven and twelve, present in the entire work's structure and especially the concluding games, relate the Book of Games to the Alfonsine legal, scientific and religious corpus.
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Gallis, Pereira Baraona Maria Isabel. "Autorretrato y autorrepresentación: territorio de experimentación y cambio de paradigma en el siglo XX." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2011. http://hdl.handle.net/10251/11231.
Full textAbstract:
La presente disertación, titulada Autorretrato y autorrepresentación: territorio de experimentación y cambio de paradigma en el siglo XX, se apoya en el estudio de las implicaciones conceptuales que subyacen a la temática del autorretrato e intenta formular una definición del concepto de autorrepresentación.
Esta es una indagación teórica-práctica e interdisciplinar que se apoya en una investigación histórica, recurriendo para ello sobre todo a los escritos de los propios artistas, a la Historia del Arte, a la Cultura Visual y a la semiótica.
Las distinciones entre autorretrato, el reconocimiento del artista como intelectual y autorrepresentación estructuran el texto de la tesis en tres partes: la primera busca definir conceptos (Rostro: firma; Yo: autor; Yo singular: autor plural); la segunda (Capítulo 4) presenta el proyecto práctico; y la tercera (anexos I y II) funciona como una suerte de archivo de biografías de los artistas estudiados y de obras abordadas.
Para el desarrollo de la investigación, hemos abordado dos disciplinas fundamentales: la pintura y la fotografía, en tanto que nueva técnica y pretexto para la renovación de la tradición pictórica. En ese contexto, se seleccionaron casos de estudio asociados a la temática del autorretrato que, en cierta forma, prefiguran una excepción estilística y conceptual, como por ejemplo determinados núcleos de trabajo de Cindy Sherman, Yasumasa Morimura, Sophie Calle, Jorge Molder, William Kentridge, entre otros.Gallis Pereira Baraona, MI. (2011). Autorretrato y autorrepresentación: territorio de experimentación y cambio de paradigma en el siglo XX [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/11231
Palancia
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Baryga, Philippe. "La famille-atelier : Les artistes et leurs enfants, essai sur la création inter-générationnelle." Valenciennes, 2011. http://ged.univ-valenciennes.fr/nuxeo/site/esupversions/3f3bcd1e-7c06-4d2a-925f-c65e85c3d7b3.
Full textAbstract:
En 2005, mon fils, âgé de 18 mois, gribouille de façon indélébile un de mes tableaux. L'incident me pousse à entreprendre une collaboration picturale avec mes enfants, basée sur nos compétences et spécialités respectives. Les peintures et dessins qui en résultent ne tardent pas à rencontrer des objections théoriques. Il semble que ce travail ne puisse pas être compris sans que son processus d'élaboration soit détaillé et justifié. La réflexion visant à détacher ce travail du sentimentalisme pour le rendre à la sphère esthétique génère 3 questionnements : celui du statut de cette collaboration au regard de pratiques collaboratives repérées dans l'histoire de l'art. Il ressort de l'examen de tableaux du XVIIe siècle que sujet et processus d'élaboration sont étroitement liés ; celui de l'usage que les artistes ont pu faire de leurs enfants : modèles, assistants, matériaux. Il découle de cette enquête, basée sur des entretiens avec des artistes, la notion de « fonction filiale » ; celui du potentiel sémantique de nos productions familiales, considérées comme des associations libres. L'interprétation prend en charge les connotations idéologiques du thème de l'enfance, fondateur de la modernité. À mesure que mes enfants grandissent et font évoluer le travail plastique, l'investigation met en évidence le lien que l'annexion du dessin d'enfant entretient avec les mécanismes de la colonisation. Les résultats permettent d'envisager l'art, non seulement comme un croisement de formes et de significations, mais aussi comme un laboratoire comportemental. La famille-atelier n'est pas qu'une anecdote personnelle, mais bien une nouvelle structuration du travail artistiqueIn 2005, my 18-months-old son scribbles irreparably on one of my paintings. This is the starting point of a collaborative pictorial process with my children, based on the skills and abilities of each one of us. The resulting paintings and drawings soon raise theoretical reluctance. This body of work seems to need its process being explained and justified to be clearly understood. Three questions are raised by the inquiry, that intend to dissociate this work from mawkishness to bring it to the field of Aesthetics : first, the status of our collaboration has to be compared to other collaborative practices in art history. A study of 17th century paintings shows that subject and creative process are closely linked ; second, several interviews with artists, curators and psychoanalysts lead to the notion of « filial function », which designates the way artists use their children : as sitters, as assistants, or as a material ; last, our family work can be interpreted with regards to the concept of « free association », but also from the ideologically loaded, modernity-related theme of childhood. As my children grow up and bring about changes in our art, the study clearly shows the connexion between the appropriation of children's drawings and the mechanism of colonization. The results allow to see art not only as a crossing of shapes and meaning, but also as a behavioral tank. Far from the anecdotal, the family studio truly shows a new way of structuring art-related labor
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Di, Lecce Claudia. "Art et imaginaire des lieux : valorisation symbolique 'site-specific' à Berlin." Thesis, Paris Est, 2014. http://www.theses.fr/2014PEST1181.
Full textAbstract:
S'il est désormais acquis que les communautés d'artistes et plus généralement le système de l'art contemporain jouent un rôle majeur dans le changement urbain, il reste encore plusieurs aspects à éclaircir en ce qui concerne la spécificité de cette contribution. Dans le contexte des quartiers en voie de régénération en particulier, les artistes ont un impact sur le capital symbolique qui se transmet des communautés qui y habitent ou y travaillent, à l'espace ; un processus que l'on pourrait qualifier de « spatialisation du capital symbolique ». Ces hypothèses ont été développées à travers l'exploration d'un ensemble d'éléments artistiques ayant agi dans le processus de régénération urbaine, au sein du cadre spécifique du Berlin des années 1990.Afin de donner des réponses nouvelles à ces questions, il a fallu élargir le champ de l'analyse en associant aux dimensions sociologiques, géographiques, économiques et urbaines la considération des activités artistiques qui appartiennent à la sphère plus proprement esthétique. L'hypothèse étant que les œuvres d'art – qui ne sont pas nécessairement des objets – sont des « configurations signifiantes à partir desquelles il est possible d'exercer un jugement rationnel » parce que dans l'expérience esthétique qu'elles engendrent, se produisent des effets d'ordre « normatif, cognitif et pragmatique ». Le rôle crucial de l'espace urbain dans l'évolution de l'art depuis la fin du XIXe siècle étaye l'hypothèse d'un ensemble d'interactions spécifiques, sur le plan esthétique, entre expression artistique et espace urbain. On ne se réfère pas aux recherches artistiques qui trouvent dans la ville un sujet à représenter, mais à des expériences plus radicales qui ont pu choisir l'urbain comme espace d'intervention, substrat des œuvres et lieu où établir des relations plus directes avec le public et le monde réel. La compréhension de l'émergence d'une approche site-specific dans l'art du XXe siècle peut servir à comprendre les racines symboliques du rôle croissant du système artistique dans le changement urbain. Pour aborder une question intrinsèquement transdisciplinaire nous avons dû avoir recours à des instruments variés et hétérogènes. Ainsi cette recherche s'appuie sur une variété de sources : des fonds d'archives concernant les programmes publics et les initiatives institutionnelles ; des recherches anthropologiques visant à reconstruire des histoires de vie et des expériences racontées par leurs protagonistes ; des sources bibliographiques importantes sur le cadre historique et théorique. Le degré d'indépendance des acteurs artistiques dans la détermination de ces changements démontre une profonde ambivalence qu'on ne peut réduire à des formules synthétiques. Les résultats des actions artistiques peuvent être analysés soit comme une exploitation de la valeur symbolique produite par les acteurs institutionnels de la ville, soit au contraire comme la préservation et le développement d'une alternative urbaine et politique. Par rapport aux exemples observés à Berlin, nous avons essayé de retracer les liens qui unissent ces expériences à des phénomènes antérieurs similaires – et à d'autres encore en évolution dans le présent – cela nous a permis de les considérer ceux-ci comme l'expression d'une tradition constamment renouvelée. En ce sens, les acteurs artistiques dont nous nous sommes occupés peuvent être considérés comme les interprètes de besoins et de désirs latents du corps social et urbain qui reviendraient de façon cyclique et qui pourraient jouer un rôle dans le développement de la ville dans le future aussi. L'analyse approfondie des deux cas d'étude, au-delà de leur intérêt individuel, s'offre comme une exploration à l'intérieur d'un champ dans lequel les études sont encore limitées et souvent très circonscrites. Notre recherche se veut comme la tentative de formuler des concepts, des instruments et des stratégies d'analyse qui pourront par la suite être appliqués à d'autres contextesThe key role played in urban change by artist communities, and more generally the art system has been widely recognized, yet the specific characteristics of this contribution are still to be explored. In the context of regenerating neighborhoods in particular, artist communities are able to produce a symbolic value that is subsequently transferred to the space they inhabit and work into, in a process that we could define as a ‘spatialisation of symbolic value'. Our thesis is focused on a series of artistic elements and events that were able to interact with the urban regeneration process that took place in post-wall Berlin in the 1990s.To fully understand such process, it is necessary to broaden the scope of the analysis in order to associate to sociological, geographical, economic and urban aspects the consideration of those artistic activities that belong to the aesthetic sphere. Our hypothesis being that works of art – which are not necessarily objects – may be regarded as significant configurations whose consideration allows a rational judgment as the aesthetic experience they determine encompasses prescriptive, cognitive and pragmatic effects. The crucial role of urban space in the evolution of art since the end of the XIX century supports the hypothesis of the existence of specific interactions between artistic expressions and the urban environment. We are not referring to those art works that find in the city an object to represent, but to more radical researches that choose the urban dimension as a site of intervention, the foundation of the work of art and the place where a more direct relationship with the public and the real world may be established. The consideration of the ‘site-specific' approach that appeared in the art of the XX century has helped us to understand the symbolic nature of the role increasingly played by the art system in urban change. In order to deal with a question that pertains to urban and cultural geography, urbanism, history as well as art history, we had to rely on a set of heterogeneous tools and sources: archival material concerning public programs and institutional initiatives; anthropological enquiries concerned with ‘life histories' and experiences reconstructed through the direct testimony of their protagonists; extensive bibliographic sources used to analyze the broader context of more specific case studies. As a result of our analysis, the degree of independence of artistic actors in the determination of such changes is marked by deep ambiguity that cannot be reduced to synthetic formulas. At times the symbolic value produced may be subsequently commodified and exploited by the institutional players of the city, in other cases art interventions prove as the expression of an alternative vision for urban development and its politics. In the specific context of Post-wall Berlin, we have tried to explore the relationship that connects specific experiences of the time to similar ones occurring in the past – as well as others currently taking place. This effort has brought us to consider the events of the 1990s as the expression of needs and desires periodically reappearing at the surface of the urban and social body, forces that may still play an important role in the future development of the city. Besides its intrinsic interest, in depth analysis of two case studies appears as a further inquiry in a field where research is still lacking and often focused on specific perspectives. Our contribution is intended as an attempt to develop concepts, tools and analytical strategies that may in the future be applied to other contexts
Books on the topic "Libros de artistas"
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Centre d'Art La Panera (Lérida, Spain), ed. Llibres d'artista: Edicions especials, revistes objectuals, projectes editorials, edicions independents, publicacions especials, edicions limitades, autoedicions, edicions d'artistes, publicacions digitals = Libros de artista : ediciones especiales, revistas objetuales, proyectos editoriales, ediciones independientes, publicaciones especiales, ediciones limitadas, autoediciones, ediciones de artistas, publicaciones digitales. Lleida: Centre d'Art la Panera, 2011.
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Arte Dos Gráfico (Firm : Bogotá, Colombia) and Rocket Four/Cuatro Voladores (Group), eds. Cuatro Voladores: Hacedores de libros de artista. Bogotá, Colombia: Banco de la República, Biblioteca Luis Ángel Arango, 2001.
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3
Raquel, Tibol, Pereda Juan Carlos, Rico Nuria, and Fundación Olga y Rufino Tamayo., eds. Tamayo ilustrador. [Mexico]: Fundación Olga y Rufino Tamayo, 2002.
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(Spain), Biblioteca Nacional, ed. Los libros de artista de Chillida: Una constelación estética. Madrid: Biblioteca Nacional, 2007.
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editor, Agius Juan J., and Yépez Heriberto translator, eds. El arte nuevo de hacer libros. México, D.F: Ediciones Tumbona, 2012.
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Santoro, Daniel. Mundo peronista: Pinturas, dibujos, libros de artista, objetos e instalaciones. Buenos Aires: La marca, 2006.
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Irigoyen, J. M. Taverna. Papel & estampa 2000: El gran libro de los artistas latinoamericanos. Buenos Aires, Argentina: Grabart Papel & Estampa, 2000.
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"De libres artistes." In La spectaculaire déroute de l'Islande, 63–68. Presses de l'Université du Québec, 2010. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv18pgz58.11.
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2
"IV. De l'âme des artistes et écrivains." In Humain, trop humain. Un livre pour esprits libres I, 133–74. De Gruyter, 1988. http://dx.doi.org/10.1515/9783112311653-006.
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3
Nelson, Rachel. "On Perpetual Conflict." In Under the Skin, 144–58. British Academy, 2020. http://dx.doi.org/10.5871/bacad/9780197266748.003.0011.
Full textAbstract:
This chapter focuses on the different tactics Emily Jacir uses in her varied art practice to trouble narratives of the Palestinian occupation. It tracks through notable artworks including Where We Come From (2001–03), Sexy Semite (2002), and ex libris (2010–12), and attempts by Jacir to reveal the discursive frameworks which normalise the atrocities in Palestine. Thinking with scholars including Achille Mbembe and Judith Butler, this chapter traces the strategies the artist uses to communicate the conflict outside of these discursive traps that continually interpret and produce the oppressive reality in Palestine. And, it follows Jacir in asking, what would it take to remake (transform) the sensibility of the conflict in Palestine?
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Helg, Aline. "Marronage and the Purchase of Freedom." In Slave No More, translated by Lara Vergnaud, 221–44. University of North Carolina Press, 2019. http://dx.doi.org/10.5149/northcarolina/9781469649634.003.0010.
Full textAbstract:
This chapter explores the ways in which manumission and the purchase of freedom remained highly dependent on circumstances and geography. Despite the changes caused by wars and the independence of most territories on the American continent, in every state or region in which slavery had not been abolished, slaves, whether Africans or creoles, plantation or mine workers, artisans or servants, continued to use flight as a way to gain their freedom. In Brazil and Spain's former colonies, the opportunities to do so varied considerably. In the French colonies, authorities adapted to the presence of libres de savane and maroons who contributed to the informal economy without directly challenging the system of slavery. In the United States, more and more slaves escaped from Virginia and Maryland toward northern cities where they hoped to blend into small communities of free African Americans; farther south, however, the strengthening and expansion of racial slavery to the detriment of the establishment of free black populations rendered marronage nearly impossible.
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Donoso Macaya, Ángeles. "Introduction." In The Insubordination of Photography, 1–34. University Press of Florida, 2020. http://dx.doi.org/10.5744/florida/9781683401117.003.0001.
Full textAbstract:
The introduction presents the book’s primary concepts: depth of field, expanding field, photographic practices. It considers the work of critics such as Rosalind Krauss, Nelly Richard, John Tagg, Susan Sontag, and Ariella Azoulay. It begins by explaining the depth of field; then, it analyses the mechanisms devised by the military and officialist media to control the visual field and the depth of field. Two publications produced by the military after the coup (Libro Blanco, Chile Ayer Hoy) are considered. The analysis underscores the prominence photography had in the fabrication of cover-ups and in the consolidation of the military message. In the second part, the terms "expanding field" and "photographic practice" are explained and the significance of the documentary mode is emphasized. I reconsider key critical formulations that emerged in the Chilean cultural field in the mid-seventies that were inspired by the incorporation of photography into artistic practices, but that were nevertheless dismissive of documentary practices that did not emerge within the artistic field. In the last part, I introduce the organizations and the different photographic practices they devised to disseminate their denunciatory work, challenge the dictatorship, and counter the spread of cover-ups and misinformation by the military and officialist media.
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Feu, Montse. "Solidarity for Political Prisoners." In Fighting Fascist Spain, 96–110. University of Illinois Press, 2020. http://dx.doi.org/10.5622/illinois/9780252043246.003.0006.
Full textAbstract:
The Confederadas and its supporters held hundreds of rallies, pickets, and demonstrations across the United States to protest political persecution in Spain. In their cultural fundraisers, antifascist plays were performed, artists danced and sang, speeches were delivered, dinners were served, dance orchestras played, lotteries were held, and funds subsequently collected. España Libre reviewed the extraordinary activism for political prisoners in each of its issues. Protest was extended to other media, too. Members published letters of protest in American mainstream papers and rented radio space in several radio stations. The Confederadas’ numerous forms of protest and occupation of the public space garnered international attention for the incarcerations and executions of dissenters in Spain.
Conference papers on the topic "Libros de artistas"
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Siso Monter, Montserrat. "Marga Clark la última Roësset. Arte a través del tiempo y de las fronteras." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5677.
Full textAbstract:
La fotógrafa Marga Clark, última descendiente de la saga familiar Roësset, donde destacan las artistas femeninas, es una poeta y fotógrafa que combina ambas disciplinas en su obra, la misma, destaca por un lirismo único, que traspasa fronteras y unifica sentimientos en un mundo globalizado. Resultando ser un claro exponente de la plástica artística actual. En la comunicación que propongo, pretendo realizar un recorrido por sus cuarenta años de trayectoria profesional y sus tres etapas más destacadas, analizando la evolución de su realización artística.Marga Clark ha publicado varios libros de sus obras, el primero de ellos, Static Movement/Movimiento Estático, fue adquirido por el MOMA de Nueva York con el fin de ser vendido en su librería. En 1991 publica Impresiones Fotográficas, un libro ensayo sobre el lenguaje fotográfico. Esta artista colabora con diversos medios de comunicación desde la década de los 80 como reportera gráfica, entre ellos La Vanguardia o El País.A lo largo de su carrera ha expuesto su obra fotográfica en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas en América y Europa. En estos momentos se puede apreciar su exposición retrospectiva Marga Clark, Cosmología (1976-2016) en la Fundación Antonio Pérez, y en el Museo de la Fotografía de Huete, Cuenca. Por otro lado, cabe destacar que su obra se puede encontrar de modo permanente en colecciones como la del Museo de Brooklyn de Nueva York, la Biblioteca Nacional de Paris, el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, la Col.lecció Testimoni de la Caixa de Barcelona, la Sociedad Estatal para Exposiciones Internacionales, la Fundación Telefónica o la Colección Helga de Alvear, entre otras.Se puede decir que esta fotógrafa-poeta destaca por su obra, que une países y los interrelaciona, a la vez que unifica de manera magistral fotografía y poesía.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5677
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Montalvo Gallego, Blanca, and Maria Jesús Martínez Silvente. "El lugar y sus habitantes: sobre el fotoensayo Sense of Place." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.4888.
Full textAbstract:
La ponencia que presentamos trata de revisar el proceso de trabajo del libro de fotografías Sense of Place. Este proyecto es fruto de la colaboración entre una historiadora del arte y una artista. Comenzó con una estancia de investigación de las dos en Inglaterra en 2014, y fue publicado en Málaga en 2016. A lo largo de la ponencia analizaremos el tema tratado y lo compararemos con otros enfoques teóricos y prácticos; exploraremos el proceso de trabajo de ambas y la forma en que las relaciones personales influyen en el proceso creativo; y para terminar, comentaremos el proceso de edición y distribución.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4888
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Sáez Pradas, Fernando. "De Andalucía a California. Un recorrido sobre el imaginario californiano a través el dibujo." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.4791.
Full textAbstract:
En el arte, la utopía ha sido y es un concepto transversal que salpica y cruza numerosas disciplinas artísticas. Con la llegada de la post-modernidad, la estética se hizo más relativa y perversa, el fracaso utópico del 68 materializado en el acuerdo entre Charles de Gaulle y los sindicatos marcó un punto de inflexión. Fue entonces cuando muchos artistas decidieron vivir al margen. En España, artistas de la generación de los 70 que vivieron esto muy de cerca dejaron a un lado el pensamiento general de la utopía para ir, poco a poco, centrándose más en un pensamiento utópico del comportamiento humano. Se dejó de creer en lo colectivo para dar paso a lo individual. La verdadera utopía no era más que estar en plena posesión de los sentidos y solo ahí, siendo libre, se podría lanzar un mensaje verdadero. Desde esta perspectiva comenzó -como un juego-, el sueño y la posibilidad de cambio en una sociedad gris. Recordemos que en España, aunque el dictador estuviese cerca de ser un residuo, su ideología estaba aun profundamente tatuada en la sociedad. Se necesitaba un nuevo escenario, en una España podrida, toda una generación de artistas pensó en California como el edén. Era una situación que rozaba el absurdo pues ninguno de los artistas de los 70 había estado allí. California era el paraíso anhelado, la igualdad entre diferentes estratos sociales, el trópico, un lugar de ambiente cálido y libertino que supondría un soplo de aire fresco para la generación que tenía la responsabilidad –consciente o inconsciente- de promover el cambio en el panorama cultural español. Un aire que lograron introducir en la pintura española, reivindicando el derecho a imaginar oprimido tras la losa negra de una dictadura de derechas y fuerte raíz católica.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4791
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Sempere i Soler, Josep Francesc. ""Memorial National de Gurs. 1994"." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5879.
Full textAbstract:
El propósito del trabajo es dar a conocer la existencia de este campo denominado de internamiento en el Béarn, desde los años 1939 a 1945. En concreto en la población de Gurs, un pequeño pueblo, en el Pirineo Atlántico francés. Y del Memorial obra de Dani Karavan. Tras la derrota militar del ejército republicano se produce un exilio masivo - se cifra en medio millón de personas tras la caída de Barcelona el 26 de enero de 1939-, del ejército y población de la IIª República. El gobierno francés crea esta suerte de campos de internamiento. El de Gurs fue el más grande y encerró a los que consideraban indeseables: republicanos procedentes de España, brigadistas internacionales, aviadores republicanos. Refugiados de la Europa Central y sin papeles, comunistas y resistentes franceses, gitanos y judíos extranjeros. En esta landa inhóspita permanecieron encerrados 60.550 hombres, mujeres y niños. Muchos descansan en los dos cementerios adjuntos al antiguo campo (en uno los republicanos, brigadistas, otros presos y el otro es el cementerio judío). Decidí realizar esta investigación en el terreno y hablando con supervivientes del campo, residentes en pueblos cercanos, para que los jóvenes europeos puedan tener conocimiento de que la Segunda Guerra Mundial comenzó en 1936, aunque no aparezca en ningún libro de historia. El gobierno francés tras años de intentar hacer desaparecer cualquier vestigio del mismo y ante la presión de los ciudadanos del Béarn, de la “Amicale du camp de Gurs”, asociaciones judías y otras muchas organizaciones y personalidades, paralizaron la destrucción completa de los restos del antiguo campo y encargaron al artista israelí Dani Karavan - uno de los artistas de “Land Art” vivos más reconocidos -, la construcción de este Memorial (existen tres en toda Francia), se inaugura el 14 de octubre de 1994. Al estar realizando la tesis sobre la obra y persona de Dani Karavan, acudí - en octubre de 2011- , al igual que a otros países y lugares donde tiene emplazadas obras ( Alemania, España, Francia, Italia, Israel,..), para realizar fotografías, filmaciones, dibujos, apuntes, obtener información de los ayuntamientos e ir recabando información para la tesis. Descubrí el lugar y recordé las palabras del artista: “Cuando trabajo en un nuevo emplazamiento trato con aspectos visibles e invisibles, con materiales sensibles, con memorias y con mi propio estado de conciencia y conocimiento histórico” . Tal fue el impacto, que pasé unos días consternado y más conforme oía relatos de supervivientes y leía sobre el campo y el trabajo de Dani Karavan, ante el ofrecimiento de realizar la obra y descubrir la realidad de lo sucedido. En enero acudí al “atelier” de Dani en París (ahora reside en Tel Aviv, pero venía a Europa unos días por compromisos ), hablé con el maestro el día 21/01/2017 y realicé unas fotografías tipo retrato, tras la entrevista. Detrás de él , en la pared, había unos fotos de este “Memorial National de Gurs".http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5879
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Blasco Cubas, María. "Permeado, el mundo se expande." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.4864.
Full textAbstract:
La situación a partir del desarrollo de las tecnologías de la información e Internet, la telemática y la electrónica, se ha convertido en una verdadera ventaja para el arte. Tanto la realidad como el sentido de lo público se han transformado, y muchos artistas y pensadores actuales, consideran que se necesita una nueva perspectiva que abarque una realidad ambigua, inestable, pero, sin embargo, cada vez más asimilada; en vez de recrear de manera simbólica objetos sociales y culturales, desarrollar y producir percepciones lo más cercanas posibles a la realidad que nos acontece. ¿Cómo? En la presente comunicación lo haremos pensando sobre el futuro del espacio público interconectado, incluyendo la manera de desarrollarnos y entendernos con él, e incluso resistirnos, albergando elementos antes invisibles, en otras palabras, desbordar la pantalla para inundar físicamente el espacio público y proponer nuevas narrativas híbridas del espacio habitado. Desde este enfoque, la imagen ha salido del interfaz; el mundo entero se ha vuelto interfaz, y muchas prácticas artísticas cuestionan dicha situación. De de la mano de teóricos y artistas como Lev Manovich, Nicolás Bourriaud, Hito Steyerl, Aram Bartholl, intentaremos dar cuenta de ello. Las relaciones entre humanos producen, transforman y acondicionan continuamente espacios heterogéneos y entrelazados. Por ello, no sólo nos colocamos ante espacio público en actitud de espectadores contemplativos, pues pasamos mucho tiempo modificando y adecuando los espacios en que vivimos conectando, articulando e introduciendo otros objetos. La segunda parte del libro de Pierre Lévy, “El Espacio del Conocimiento” (2004) nos sirve para comprender cómo el estado de movilidad es fundamental para entablar una reflexión sobre el espacio urbano (permeado por lo virtual/digital). Desde esta perspectiva, la movilidad hoy en día, tanto en sus dimensiones físicas como informacionales, crean interesantes sinergias que reflejan nuestro acontecer: tradicional, territorial, globalizado y ahora con las redes telemáticas y electrónicas, la virtual/digital, suscitan un modo de relación a la inversa, de lo total al espacio-contexto concreto.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4864
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GONZALEZ IBAÑEZ, EDURNE. "Dale, dale, dale! La construcción de imaginarios híbridos y el desplazamiento de elementos locales en la práctica artística." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5821.
Full textAbstract:
La cultura visual contemporánea inmaterial, fragmentada y líquida se encuentra permeada por los procesos de globalización que se articulan en torno a los mecanismos de producción, los medios de distribución y el consumo de imágenes. La aparente fluidez, simultaneidad y transparencia desde donde se construyen y se propagan, entra en conflicto directo con la realidad material de las fronteras que continúan levantándose y los muros que siguen limitando la libre circulación, colisionando, de esta manera, con el modelo que vende la idea de un mundo cada vez más conectado e inclusivo.Estas evidencias así como sus contradicciones ponen de relieve algunas características del paradigma contemporáneo, en donde resulta urgente establecer un intersticio para cuestionar las direcciones por las que circulan y la inmediatez con la que se modi fican las visualidades híbridas actuales, -que en un bucle constante de redefinición-, modelan un sistema en tránsito continuo que propicia comportamientos sociales y dinámicas difíciles de consolidar entre individuos.El objetivo consiste en analizar el modo de construcción y la permanente movilidad de estos “otros” imaginarios que se nutren de “lo particular” para transgredir su ámbito cercano de sentido. Partiremos de la aproximación a un elemento especí fico; la piñata, desde su noción de pertenencia a distintos contextos y temporalidades, para profundizar en sus connotaciones a partir de la inserción y su desplazamiento en el trabajo de los artistas; Diego Nessi, Teresa Serrano, Roberto M. Tondopo y Russell Monk. Atendiendo, finalmente, a la estructura de relaciones que desbordan sus límites tradicionales, cuestionando desde la práctica artística las consecuencias y las repercusiones de la crisis permanente en la que estamos inmersos.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5821
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Bueno, Alejandra, and Rubén Castillejo Argote. "Guerrilla kultural: plataformas de difusión cultural descentralizadas, colaborativas e interculturales." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5846.
Full textAbstract:
El festival internacional de videoarte Fem Tour Truck, atiende a varias necesidades, la primera, dar voz y contar las historias que no se cuentan, la segunda, respetar los derechos humanos, la tercera, recuperar el espacio público como lugar de intercambio de saberes. Es por ello que se gesta desde “GUERRILLA KULTURALA”, un proyecto de creación artística y gestión cultural, desarrollado por la plataforma de difusión cultural “GUERRILLA Food Sound System”, basado en la colaboración y la hibridación entre diferentes propuestas artísticas, individuales y colectivas, de distintos ámbitos, unidas por generar “creación comprometida” y buscar nuevas fórmulas de creación, organización, y relación con la sociedad a partir de la “acción artística”. La experimentación y la investigación realizadas en “nuevos modelos de gestión de la creación artística y de organización entre personas”, nos anima a seguir apostando por estrategias innovadoras que potencien vías para fomentar la participación a través de la libre difusión de conocimientos, a la vez que complementamos nuestros recursos como creadores, trabajando de una manera conjunta y colaborativa, creando así ciclos de intercambio de recursos multidisciplinares entre creadores y sociedad desde la acción unificada. Por ello Fem Tour Truck tras un periodo de gestión y difusión de convocatoria, desarrolla una programación de actividades con diferentes artistas en diferentes ciudades para generar un intercambio cultural dando fruto a nuevas conexiones, nuevas creaciones y nuevas posturas críticas en torno a los cuerpos disidentes como el lésbico, trans, intersex, homosexual y queer, y en torno a la propia mujer. Temas tabús que toman las calles mediante la dinámica, el humor y un contexto que trata de romper las barreras clásicas de la educación, potenciando la innovación y la cooperación en el sector cultural. Fem Tour Truck es un festival sin ánimo de lucro, abierto a ser realizado en todo tipo de eventos y espacios sin perder su carácter etéreo.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5846
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Pérez Castillo, María Regina. "PRÁCTICAS HOLÍSTICAS EN ARTE CONTEMPORÁNEO. Una nueva forma de aproximar la creación contemporánea a un público no experto." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.4573.
Full textAbstract:
A lo largo de mi carrera profesional como crítico de arte y profesora en el grado de Historia del Arte he buscado activamente la manera de aproximar el arte contemporáneo al gran público, desarrollando estrategias de acercamiento y comprensión del mismo. Prácticas Holísitcas en torno a la obra de ... es el programa didáctico que he diseñado aplicando el principio holístico al ámbito de la educación artística, es decir, cualquier obra de arte está relacionada con un TODO, y en ese TODO están contenidas las experiencias personales e íntimas de cualquier espectador, por lo que el sujeto es capaz de aprender sobre la obra de arte a través de sí mismo, es decir, éste es un proyecto que pretende generar un aprendizaje significativo en materia de arte contemporáneo. El sistema de trabajo holístico se basa, principalmente, en derribar el muro que distancia a la persona de la obra de arte contemporáneo (un muro que en los últimos años se viene cimentando en la desconfianza hacia la figura del artista y la invalidez de un discurso cada vez más conceptual) a través de una dinámica de grupo en la que cada participante expone de manera libre una historia personal o una idea relativa a la exposición (al tema, los elementos formales de las obras, el montaje, etc.). Cuando el espectador observa que la obra habla de sus propias vivencias y entiende (aunque sea de un modo tangencial) el contenido de la misma, la actitud de rechazo hacia una exposición concreta y, en general, hacia el arte contemporáneo cambia por completo. De hecho, el objetivo principal de esta práctica no es “hacer digerible” una exposición, sino cambiar la tendencia actual de repudio hacia la creación contemporánea.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4573
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Fuster pérez, Jaime. "La edición fotográfica en Ramón Masats." In I Congreso Internacional sobre Fotografia: Nuevas propuestas en Investigacion y Docencia de la Fotografia. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/cifo17.2017.7055.
Full textAbstract:
Resumen-Abstract El Premio Nacional de fotografía 2004, Ramón Masats Tartera (Caldes de Montbui, 1931), ha sido considerado como un fotógrafo intuitivo. Sin embargo, un detenido estudio de sus fotolibros y ensayos fotográficos publicados en las revistas ilustradas, permiten revindicar otra faceta completamente desconocida: su labor como maquetador. A lo largo de su carrera Masats toma conciencia de la edición fotográfica. Desde la solitaria imagen de la noticia de un periódico, al ensayo fotográfico, entendido desde el punto de vista de E. Smith como un conjunto mayor de imágenes que profundizan y trascienden, permitiendo un reflexión más detenida de la historia que se cuenta; hasta llegar al foto libro, considerado como una unidad expresiva, un todo con significación completa: el formato más complejo de todos... Un Masats sofisticado y erudito se nos muestra consciente del montaje, del ritmo, del diálogo entre imágenes, de modo que la suma altera la percepción del conjunto. Un lenguaje que le llevará finalmente a explorar en el mundo del montaje cinematográfico y la dirección de documentales audiovisuales. En una época de auténtica explosión del fotolibro español como la que vivimos, conviene reconocer, recordar y aprender de nuestros antecedentes, de aquellos maestros en el arte de contar historias. The National Photography Prize 2004, Ramón Masats Tartera (Caldes de Montbui, 1931), has traditionally been considered an intuitive photographer. However, a careful study of his photographs and photographic essays published in illustrated magazines unveils another aspect of his craft completely unknown until now: his work as a layout artist. Throughout his career Masats pays great attention to photographic edition: from the lonely image published besides the news in a newspaper, to the photographic essay, understood from E. Smith’s point of view as “a greater set of images that deepen and transcend leading the viewers to a more detailed reflection of the story that is being told; until reaching the photo book, which is considered an expressive unit, a whole with a complete meaning: definitely the most complex format of all. A sophisticated and academic Masats reveals a whole new aspect of his personality, showing his awareness of the layout, the rhythm and the dialogue between images, so that the sum and disposition of the images alter the perception of the whole. A language that will finally lead him to explore the world of filmmaking and the direction of audiovisual documentaries. In an age in which the Spanish photobook is at its peak, it is good to look back and give credit, remember and learn from our background, from those teachers in the art of storytelling. Palabras clave: Fotolibro, narración, edición, diseño, coherencia, autoría, comunicación, ritmo, análisis. Keywords: Photobook, narration, edition, design, coherence, authorship, communication, rhythm, analysis
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Reséndiz, Diana, and Áurea Esquivel, eds. Almanaque extraordinario de experiencias comunitarias. Chair Magdala López Ramírez. Universidad Nacional Autónoma de México, Centro Cultural Universitario Tlatelolco, 2021. http://dx.doi.org/10.22201/ccut.001r.2021.
Full textAbstract:
Almanaque: Del árabe المناخ)pr.al-manakh) ‘calendario’, derivado del árabe “munakh” que significa ‘parada de un viaje’, ‘descanso’. Es aquí donde nos proponemos hacer una pausa para revisitar el camino recorrido y reunir las experiencias que al paso del tiempo hemos atesorado como extraordinarias. Estás por recorrer un proyecto editorial colaborativo que celebra los primeros diez años de la Unidad de Vinculación Artística (UVA). Diez años que se expresan en 10 fanzines o números donde cada uno representa una arista desde donde mirar esta primera década. Ubicada en el corazón de Tlatelolco, la UVA ha acompañado en sus procesos de iniciación, formación y creación artística a más de 10,000 personas. A través de nuestros talleres libres y nuestra adorada biblioteca comunitaria “Alaíde Foppa” hemos sido cómplices de niñas, niños, jóvenes, adultos y personas mayores. Para ellxs, y para los que están por venir, nuestro total agradecimiento. Doce talleristas —artistas de diversas disciplinas, interesados en la educación e investigación a través del arte— acudieron al llamado para dimensionar y proyectar nuestra historia. A través de sus voces se hacen evidentes los pilares de nuestra comunidad: la educación no formal, el reconocimiento del otro como vértice de la experiencia educativa y por último, la integración de la carga cultural que representa el barrio de Tlatelolco: nuestro territorio. Así pues, sólo nos queda darte la bienvenida y desear que este descanso de tu propio viaje sea una pausa gozosa y te permita –como nos permitió a nosotras– imaginar nuevos horizontes.