Academic literature on the topic 'Literature - American / Littérature - Américaine (UMI : 0591)'

Cette dissertation explore la carrière de la rencontre manquée Lacanienne dans la littérature canonique américaine du dix-neuvième siècle à travers le prisme de la psychanalyse, la déconstruction, le postmodernisme et le postcolonialisme. Je me concentre particulièrement sur La Lettre Écarlate de Hawthorne et Moby-Dick de Melville, en montrant comment ils sont investis dans l'économie narrative de la rencontre manquée, l'économie de ce qui est au-delà de la symbolisation et l'assimilation. L’introduction examine les contours et les détours historiques, philosophiques et théoriques du concept de la rencontre manquée. Cette dissertation a donc deux objectifs: d'une part, elle tente d'examiner le statut et la fonction de la rencontre manquée dans la littérature américaine du dix-neuvième siècle, et d’autre part, elle explore comment la théorisation de la rencontre manquée pourrait nous aider à aller au-delà de la théorisation binaire qui caractérise les scènes géopolitiques actuelles. Mon premier chapitre sur La Lettre Écarlate de Hawthorne, tente de tracer la carrière du signifiant comme une navette entre l'archive et l'avenir, entre le sujet et l'objet, entre le signifiant et le signifié. Le but de ce chapitre est de rendre compte de la temporalité du signifiant et la temporalité de la subjectivité et d’expliquer comment ils répondent à la temporalité du tuché. En explorant la dimension crypto-temporelle de la rencontre manquée, ce chapitre étudie l'excès de cryptes par la poétique (principalement prosopopée, anasémie, et les tropes d'exhumation). Le deuxième chapitre élabore sur les contours de la rencontre manquée. En adoptant des approches psychanalytiques et déconstructives, ce chapitre négocie la temporalité de la rencontre manquée (la temporalité de l'automaton et de la répétition). En explorant la temporalité narrative (prolepse et analepse) conjointement à la psycho-poétique du double, ce chapitre essaie de dévoiler les vicissitudes de la mélancolie et la “dépression narcissique” dans Moby-Dick (en particulier la répétition d'Achab lors de sa rencontre originelle dénarrée ou jamais racontée avec le cachalot blanc et sa position mélancolique par rapport à l'objet qu'il a perdu). En exposant la nature du trauma comme une rencontre manquée, dont les résidus se manifestent symptomatiquement par la répétition (et le doublement), ce chapitre explique le glissement de la lettre (par l'entremise du supplément et de la différance). Le troisième chapitre élargit la portée de la rencontre manquée pour inclure les Autres de l'Amérique. Le but principal de ce chapitre est d'évaluer les investitures politiques, culturelles, imaginaires et libidinales de la rencontre manquée dans le Réel, le Symbolique nationale des États-Unis et la réalité géopolitique actuelle. Il traite également de la relation ambiguë entre la jouissance et le Symbolique: la manière dont la jouissance anime et régit le Symbolique tout en confondant la distinction entre le Réel et la réalité et en protégeant ses manœuvres excessives.
This dissertation explores the career of the Lacanian missed encounter in canonical nineteenth-century American literature through the lens of psychoanalysis, deconstruction, postmodernism, and postcolonialism. In particular, I concentrate on Hawthorne’s The Scarlet Letter and Melville’s Moby-Dick, showing how they are invested in the narrative economy of the missed encounter, the economy of that which is beyond symbolization and assimilation. The introductory chapter investigates the historical, philosophical, and theoretical contours and detours of the concept of the missed encounter. This dissertation, then, has two goals: on the one hand, it attempts to examine the status and function of the missed encounter in nineteenth-century American literature, and on the other, it explores how theorizing the missed encounter might help us move beyond the binarist theorization that characterizes the current geopolitical scenes. My first chapter on Hawthorne’s The Scarlet Letter attempts to map the career of the signifier as a shuttling between the archive and the future, between the subject and the object, and between the signifier and the signified. The aim of this chapter is to account for the temporality of the signifier and the temporality of subjectivity and how they meet the temporality of the Tuché. By exploring the crypto-temporal dimension of the missed encounter, this chapter studies the excess of crypts through poetics (mainly prosopopeia, anasemia, and tropes of exhumation). The second chapter elaborates the contours of the missed encounter. This chapter approaches, from psychoanalytic and deconstructive viewpoints, the temporality of the missed encounter (the temporality of automaton and repetition). By exploring the narrative temporality (prolepsis and analepsis) in conjunction with the psycho-poetics of the double, this chapter attempts to lay bare the vicissitudes of melancholia and “narcissistic depression” in Moby-Dick (especially Ahab’s repetition of his unnarrated or disnarrated original encounter with the White Whale and his melancholic position in relation to the object he lost). By exposing the nature of trauma as a missed encounter, the residues of which manifest symptomatically through repetition (and doubling), this chapter explains the glissement of the letter (through the work of the supplement and différance). Chapter three broadens the scope of the missed encounter to the Others of America. The main purpose of this chapter is to assess the political, cultural, imaginary, and libidinal investitures of the missed encounter in the Real, the national Symbolic of the United States, and the current geopolitical reality. It also deals with the ambiguous relationship between jouissance and the Symbolic: the way in which jouissance animates and governs the Symbolic, while at the same time it blurs the boundary lines between the Real and reality and protects its excessive maneuvers.

S'inspirant de l'inconscient collectif jungien, « détaché des sphères personnelles, exist[e] en marge de celles-ci, [...] possède un caractère tout à fait général et [...] ses contenus peuvent se rencontrer chez tous les êtres1 », le concept de la psychosphère, tel que présenté dans la télésérie américaine True Detective (HBO, 2014), en est la trame de fond narrative. Décrire l'invisible et l'intangible n'est possible que par l'étude de ses manifestations. Ce mémoire s'intéresse donc aux phénomènes et aux concepts qui rendent possible la représentation de ce que Ralph Noyes décrit comme un « vast and complex cauldron of ideas, memories, volitions, desires and all the other furniture of conscious experience and unconscious mental functioning2 ». Outre les questions plus larges de la généalogie du récit, la poétique narrative de la psychosphère relève essentiellement de l'archive: True Detective fait maintes allusions à la fiction gothique américaine. Celles-ci désignent à leur tour une explication transhistorique d'un retour à la violence ritualisée. Toutefois, cette explication, s'il en est une, demeure fragmentée, incohérente et ultimement différée.
Inspired by Jung's collective unconscious, the concept of a psychosphere, as seen in HBO's hit series True Detective (2014), underlines the narrative structure of the show. Describing the invisible and the intangible is only made possible by the study of its manifestations. This thesis analyses the phenomena and concept which enable the representation of what Ralph Noyes describes as a « vast and complex cauldron of ideas, memories, volitions, desires and all the other furniture of conscious experience and unconscious mental functioning3 ». Apart from broader questions of genealogy, the narrative poetics of the psychosphere are essentially archival: True Detective contains many allusions to previous Gothic fictions, which point toward an trans-historical explanation for the return of ritualized violence. However, any such explanation is fragmented, incoherent, and ultimately deferred.

Cette dissertation propose un nouveau récit des expériences de William Faulkner à Hollywood afin de réévaluer la deuxième moitié de son œuvre de fiction. Dans ses premiers projets de scénarios de films, Faulkner a choisi d’adapter des œuvres de fiction qu’il avait publiées antérieurement. À la lumière de l’utilisation du genre —autant des films que des personnes— par les studios d’Hollywood pour organiser la production et le marketing des films, la fiction de Faulkner apparut soudainement comme perverse et ses représentations de la masculinité comme homoérotiques. Dans les premiers jets de Turn About et de War Birds, Faulkner s’approprie les normes du genre hollywoodien pour nier ces connotations sexuelles. Ses révisions ultérieures révèlent un recul systématique par rapport à la perversité d’Hollywood et au genre du woman’s film, au profit de la performance de la masculinité propre aux war pictures. Ses révisions réimaginent également des matériaux qui sont au cœur de son œuvre de fiction. Quand il se remet à écrire de la fiction, Faulkner répète cette approche narrative dans des nouvelles telles que “Golden Land” et “An Odor of Verbena,” deux récits qui rompent avec les pratiques et le style de ses premières fictions majeures. Les conséquences découlant de cette influence hollywoodienne—une volonté d’éradiquer toute connotation sexuelle, l’adoption authentique plutôt qu’ironique du mélodrame générique, et une rhétorique morale explicitement construite comme une négation d’Hollywood—se manifestent plus tard dans des textes aussi divers que The Reivers, Compson Appendix, ou son discours de réception du Prix Nobel. Vues sous cet angle, les dernières fictions de Faulkner deviennent une composante essentielle de son œuvre, fournissant une base nouvelle pour réexaminer la place des genres narratifs populaires, du genre et de la sexualité dans son cycle de Yoknapatawpha.
This dissertation offers a new narrative of William Faulkner’s Hollywood experiences and uses it to initiate a reevaluation of his middle and late fiction. In his earliest screenplay projects, Faulkner chose to adapt his previously published fiction. Read in light of Hollywood studios’ reliance on gender and genre to organize film production and marketing, this fiction suddenly appeared perverse; its portraits of masculinity, homoerotic. In his draft screenplays for Turn About and War Birds Faulkner appropriates Hollywood genre norms to negate these sexual connotations. His revisions reveal a pattern of recoil from Hollywood perversity and the woman’s film; and of an embrace of the war picture’s performance of masculinity. They also re-imagine materials central to Faulkner’s ongoing fictional project. Faulkner later repeats this pattern of response in such stories as “Golden Land” and “An Odor of Verbena,” both of which break from the defining practices and styles of his earlier, major fiction. The consequences that follow from this Hollywood influence—an effort to extinguish sexual connotation, an authentic rather than ironic embrace of generic melodrama, and a moral rhetoric explicitly constructed as a negation of Hollywood—later manifest in texts as diverse as The Reivers, the Compson Appendix, and the Nobel Prize acceptance speech. Viewed in this light, the late fictions become an essential component of his oeuvre, offering a new site for re-examining the place of popular genre , gender and sexuality in the Yoknapatawpha saga.

Cette thèse se concentre sur ce que j'appelle «l’espace négatif» de la représentation dans la poésie de Stevens comme étant un véritable espace d'engagement politique, une interprétation qui se distingue de la plus grande partie de la critique sur Stevens. En suivant les écrits philosophiques d'Emmanuel Levinas, j'affirme que l'emphase que Stevens place sur la représentation de la représentation elle-même ouvre un espace au-delà des limites rigides de l'identité-ce que Levinas appelle « le je [sujet] semblable », permettant un contact authentique avec « l'Autre» ainsi qu’avec le concept de « l'infini ». Bien que Stevens s’est farouchement opposé à la notion Romantique de la sublime transcendance, c’est-à-dire d'un espace censé exister en dehors des limites de l'imagination humaine, il se concerne néanmoins avec l'exploration d'un espace au-delà de l'identité individuelle. Pour Stevens, cependant, « la transcendance» est toujours, nécessairement, liée par les restrictions reconnues du langage humain et de l'imagination, et donc par la réalité du monde perceptible. Toute « transcendance» qui est recherchée ou atteinte, dans la poésie de Stevens ne devrait donc pas - ma thèse affirme - être entendu dans le sens sublime déterminé auparavant par les Romantiques. Une connexion plus appropriée peut plutôt être faite avec la transcendance concrète et immédiate décrit par Lévinas comme le «face à face ». L’attention que Stevens accordent aux notions concrètes et immédiates est souvent exprimé à travers son attention sur les qualités esthétiques de la langue. Sa poésie a en effet la poésie pour sujet, mais pas dans le sens solipsiste qui lui est souvent attribué. En se concentrant sur le processus actif et créateur inhérent à l'écriture et à la lecture de la poésie, Stevens explore la nature de l'Etre lui-même. Je compare cette exploration dans le travail de Stevens à celle du dessinateur, ou de l'artiste, et dans ma conclusion, je suggère les liens entre l'approche d'enquête de Stevens et celle d’artistes visuels contemporains qui se sont également engagés à la figuration du processus créatif. L’ artiste sud-africain William Kentridge est mon exemple principal , en raison de sa conviction que la méthode est intrinsèquement liée à l'engagement politique et social.
This dissertation focuses on what I refer to as a “negative-space” of representation in the poetry of Wallace Stevens’s in order to explore what, contrary to the bulk of Stevens research to date, I understand to be a genuine politics of engagement. Drawing on the philosophical writings of Emmanuel Levinas, I argue that Stevens’s emphasis on the representation of representation itself opens up a space beyond the rigid limitations of identity—what Levinas refers to as the “I of the same”—allowing genuine contact with the concept of “the infinite,” or “the Other.” Though Stevens staunchly opposed himself to the Romantic notion of sublime transcendence—of a space purported to exist outside the limits of the human imagination—he nonetheless concerns himself with the exploration of just such a space “beyond” individual identity. For Stevens, however, “transcendence” is always, necessarily, bound by the acknowledged restrictions of human language and imagination and therefore by the reality of the perceivable world. Any “transcendence” that is sought, or achieved, in Stevens’s work should not, therefore, be understood in the sublime sense intended by the earlier Romantics—a more apt connection can instead be made with the concrete and immediate transcendence described by Levinas as the “face to face.” Stevens’s concern for the concrete and the immediate is often expressed through his attention to the aesthetic qualities of language. His is indeed a poetry about poetry—but not in the limited, solipsistic sense that is often assumed. In concentrating on the active, creative process inherent to writing and reading poetry, Stevens explores the nature of Being itself. I compare this exploration in Stevens’s work to that of the draftsman, or to the artist’s sketch, and in my conclusion suggest the connections between Stevens’s investigative approach and contemporary visual artists who are also committed to the figuration of the creative process. South African artist William Kentridge provides my chief example, due to his conviction that the method is linked intrinsically to political and social engagement.

The Body and the Parent-Daughter Bond: Negotiating Filial Relationships in Edwidge Danticat’s Breath, Eyes, Memory and The Dew Breaker est une étude sur les différentes façons dont le corps déséquilibré, torturé et traumatisé influence la relation parent-fille. Cette thèse examine l’impact du pouvoir et de la violence sur le corps aussi bien des parents que celui des filles et les différentes manières dont ces corps deviennent déséquilibrés. Cette thèse porte sur la construction et la négociation de chacune des conditions de parents et de filles sous l’angle du corps sexué traumatisé. Le premier chapitre traite la littérature précédemment écrite sur le corps en premier lieu, et sur les liens de filiation dans les deux œuvres en second lieu. J'ai introduit ma contribution au domaine et les différents aspects de la relation parent-fille qui ne sont pas pris en considération et que ma thèse essaye de démontrer. Ce chapitre contextualise ces deux œuvres pendant l’ère de la dictature des deux Duvaliers, père et fils, en exposant et discutant l’impacte néfaste de cette dictature sur les familles. Ce chapitre conceptualise et définit le corps, qui est une construction culturelle et un site d'interaction entre le pouvoir et la violence, par rapport aux relations filiales. Dans le deuxième chapitre, l'accent est mis sur la relation de Martine et Sophie par rapport à la pratique rituelle du test de la virginité. Dans ce chapitre, j’ai soulevé des questions sur le pouvoir de Martine de discipliner et contrôler l’attitude et le corps de Sophie et la manière avec laquelle la fille peut réagir au contrôle et à la subjugation de sa mère. J’ai examiné le conflit intergénérationnel qui est intensifié par le désordre corporel. J’ai essayé de démontrer comment Sophie souhaite rejeter et se séparer du corps de sa mère et son incapacité à le faire. Dans le troisième chapitre, j’ai étudié la relation de M. Bienaimé avec sa fille Ka qui est perturbée à la fois par le corps de son père et l’identité antérieure de ce dernier en tant qu’ancien Tonton Macoute. La question soulevée dans ce chapitre concerne le corps du père comme un agent de violence politique et comme une source d’inspiration artistique pour sa fille. L'identification de Ka avec et plus tard sa séparation du corps de son père est au cœur de mon étude, car c’est ce corps là qui modifie cette relation filiale particulière, qui résulte en un traumatisme transgénérationnel. Mots-clés: corps, relation parent-fille, pouvoir, violence, Edwidge Danticat
The Body and the Parent-Daughter Bond: Negotiating Filial Relationships in Edwidge Danticat’s Breath, Eyes, Memory and The Dew Breaker is an investigation of the different ways the disordered, tortured and traumatised body alters the parent-daughter relationship. It explores the mechanisms of power and violence on the bodies of both parents and daughters and the ways these bodies become as disordered as the psyche. This thesis will deal with the construction and negotiation of both parenthood and daughterhood from the angle of the gendered traumatised body. The first chapter deals with the scholarship that has been written on either the body or the filial relationships in both works. I have introduced my own contributions to the field in addition to the different overlooked aspects of the parent-daughter bond that my thesis tries to demonstrate. This chapter contextualizes both fictions with the era of Duvalier’s dictatorship and conceptualizes and defines the body in relation to filial relationships as a cultural construction and a site of the interplay of power and violence. The second chapter focuses on Martine-Sophie’s bond in relation to the ritual practice of virginity testing. In this chapter, I raise questions about the extent of Martine’s power to discipline and control Sophie’s body and behaviour and how the daughter reacts to her mother’s empowerment. I examine the intergenerational conflict that is intensified by body dysmorphia. I also demonstrate how Sophie wishes to separate herself from her mother’s body and why she fails to do so. In the third chapter, I study Mr. Bienaimé-Ka’s relationship that is disturbed by both the father’s body and his past identity as a former Tonton Macoute. The question raised in this chapter concerns the father’s body as an agent of political violence and his daughter’s source of her artistic inspiration. Ka’s identification and later separation from her father’s body is at the heart of my study because it is this body that alters this particular filial relationship, resulting in transgenerational trauma. Key words: body, parent-daughter bond, power, violence, Edwidge Danticat

Ma thèse de doctorat, In the Circle: Jazz Griots and the Mapping of African American Cultural History in Poetry, étudie la façon dont les poètes afro-américains des années 1960 et 1970, Langston Hughes, David Henderson, Sonia Sanchez, et Amiri Baraka, emploient le jazz afin d’ancrer leur poésie dans la tradition de performance. Ce faisant, chacun de ces poètes démontre comment la culture noire, en conceptualisant à travers la performance des modes de résistance, fût utilisée par les peuples de descendance africaine pour contrer le racisme institutionnalisé et les discours discriminatoires. Donc, pour les fins de cette thèse, je me concentre sur quatre poètes engagés dans des dialogues poétiques avec la musicologie, l’esthétique, et la politique afro-américaines des années 1960 et 1970. Ces poètes affirment la centralité de la performativité littéraire noire afin d’assurer la survie et la continuité de la mémoire culturelle collective des afro-américains. De plus, mon argument est que la théorisation de l’art afro-américain comme engagement politique devient un élément central à l’élaboration d’une esthétique noire basée sur la performance. Ma thèse de doctorat propose donc une analyse originale des ces quatre poètes qui infusent leur poèmes avec des références au jazz et à la politique dans le but de rééduquer les générations des années 2000 en ce qui concerne leur mémoire collective.
My doctoral dissertation, In the Circle: Jazz Griots and the Mapping of African American Cultural History in Poetry studies the ways in which African American poets of the 1960s and 1970s, Langston Hughes, David Henderson, Sonia Sanchez, and Amiri Baraka employ jazz in order to ground their poetry in the tradition of performance. In so doing, each poet illustrates how black expressive culture, by conceptualizing through performance modes of resistance, has historically been used by people of African descent to challenge institutionalized racism and discriminatory discourses. Therefore, for the purpose of this dissertation, I focus on four poets who engage in dialogues with and about black musicology, aesthetics, and politics of the 1960s and 1970s; they assert the centrality of literary rendition for the survival and continuance of the collective cultural memory of Black Americans. In turn, I suggest that their theorization of artistry as political engagement becomes a central element in the construction of a Black Aesthetic based on performance. In the Circle: Jazz Griots and the Mapping of African American Cultural History in Poetry thus proposes an original analysis of how the four poets infused jazz and political references in their poetics in order to re-educate later generations about a collective black memory.

La problématique à l’étude dans ce mémoire est la représentation et conceptualisation de la notion de posthumanité dans trois romans de Philip K.Dick : The Three Stigmata Of Palmer Eldritch, Do Androids Dream Of Electric Sheep? et Ubik. L’analyse de ces romans nous permettra de montrer que l’auteur américain focalise sa réflexion sur le posthumain sur la subjectivité transcendante de personnages qui absorbent, et se substituent à la réalité d’autres personnages dans leur environnement. Nous montrerons également que l’écriture de Dick a évolué vers une vision plus spirituelle ou mystique en se détachant graduellement du récit de science-fiction traditionnel. Ce développement aura des répercussions significatives sur sa postérité cyberpunk.
This thesis examines the problematic of posthumanity in three novels by Philip K. Dick: The Three Stigmata Of Palmer Eldritch, Do Androids Dream Of Electric Sheep and Ubik. I shall argue that the notion of “transcendent subjectivity” is central to Dick’s conceptualization of the posthuman and that the novelist’s engagement with this notion enables a shift in his writing towards a more spiritual or mystical vision. Dick’s vision of the posthuman had a profound impact on cyberpunk authors such as William Gibson, Bruce Sterling and Neil Stephenson. The questioning of the posthuman is a recurring strategy in the work of these writers.

Ce mémoire réunit trois romans de la série Les Chroniques de vampires de la populaire écrivaine américaine Anne Rice (The Vampire Lestat, Memnoch the Devil et Blood Canticle) afin d'étudier l'évolution de sa critique de la religion à travers l'écriture. Une analyse précise et complète de Lestat de Lioncourt, le personnage principal de la série, est faite afin de mieux comprendre l'impact de la transformation spirituelle du protagoniste sur l'ensemble de l'oeuvre de Rice. Dans The Vampire Lestat, le rejet de toute forme de croyances religieuses de la part de Lestat ainsi que la déconstruction et l'érotisation de rituels religieux traditionnels reflètent l'influence de l'athéisme. Memnoch the Devil représente la transition entre le refus de croire de Lestat et son retour subséquent à la religion catholique. Finalement, Blood Canticle symbolise le retour vers la foi du protagoniste et de l'auteur, en plus de marquer la fin des Chroniques de vampires de Rice. L'analyse s'inspire d'éléments biographiques afin de démontrer l'importance de la religion dans les récits de Rice, sans toutefois considérer ses romans comme des autobiographies.
This thesis brings together three of Anne Rice's novels from The Vampire Chronicles series – The Vampire Lestat, Memnoch the Devil and Blood Canticle – in order to study the evolution of her critique of religion in her writing. A precise and complete examination of Lestat de Lioncourt, the series' main protagonist, allows the reader to better understand the impact of his spiritual transformation on Rice's literary career as a whole. In The Vampire Lestat, Lestat's rejection of religious beliefs as well as the deconstruction and eroticization of traditional religious rituals hint at the influence of atheism. Memnoch the Devil represents the transition between Lestat's refusal to believe in religion and his subsequent return to the Catholic faith. Finally, Blood Canticle symbolizes both the protagonist's and the writer's return to the faith, in addition to the conclusion of Rice's Vampire Chronicles. The analysis uses elements from Rice's biography to indicate religion's importance in her works without considering these novels as autobiographies.