Academic literature on the topic 'Littérature anglaise – 19e siècle – Thèmes, motifs'

L'époque romantique apparait comme le moment d'un intérêt renouvelé pour le moyen âge, époque délaissée par la pensée des lumières. Ce renouveau se manifeste dans des domaines aussi divers que l'histoire, l'architecture, la musique ou la littérature. Cette convergence nous amène à considérer le retour au moyen âge comme un élément fondamental de la pensée romantique. Sa présence au sein de genres nouveaux mis à l'honneur par le romantisme (le conte, la ballade, le drame romantique, le roman historique) nous invite déjà à mesurer le rôle essentiel du retour au moyen âge dans l'émergence d'une nouvelle conception de la littérature, en rupture avec les règles classiques. Ces différentes mises en formes permettent de faire émerger l'image d'un moyen âge en grande partie fantasmatique, reflet des attentes et des rêves romantiques. Sa grande plasticité lui permet également de s'incarner dans des figures majeures que la pensée romantique tend à constituer en mythes (Charlemagne, Louis XI, Jeanne d'Arc ou Faust). Réceptacles de représentations médiévales typiques, elles concentrent l'essentiel des enjeux esthétiques et idéologiques associés au moyen âge. On peut alors proposer une typologie des moyen âges romantiques en distinguant les représentations qui s'attachent à l'aspect grotesque du moyen âge, celles qui l'associent au merveilleux et au terrifiant, et celles qui le constituent en âge d'or. Difficiles à concilier, ces représentations nous semblent néanmoins relever d'un principe commun, qui tend à valoriser l'originel et le primitif. Le moyen âge devient ainsi un mythe, mythe d'un temps primitif à mi-chemin entre l'histoire et la légende. Ce passé mythifié dans lequel le romantisme cherche à la fois un ailleurs radicalement autre et une identité représente une manière d'échapper à un présent dévalué. Source d'inspiration neuve, le retour au passé médiéval représente paradoxalement l'un des moyens d'expression privilégiés de la modernité du mouvement romantique
The romantic period is regarded as the moment of renewed interest for the Middle-Ages, a time the Age of Enlightenment had neglected. This revival can be witnessed in such various fields as history, architecture, musci or literature, which convergence leads us to consider the return to the Middle-Ages as a basic element of rmantic thought. As it is, its presence within new genres that regained favour thanks to rmanticism (the tale, the ballad, the romantic drama, the historic novel) induces us to measure the essential role of the return to the Middle-Ages in the coming out of a new conception of lietrature breaking off with classical rules. These various genres enable to emphasize the image of a largely fantasmatic Middle-Ages period reflecting the romantic expectations and dreams. Its high plasticity also enables it to be emodied in major characters the romantic thought tens to build up into myths (Charlemagne, Louis XI th. , Joan of ARc or Faustus). Containing typical medieval perceptions, they gather the main aesthetic and ideological issues associated with the Middle-Ages. It becomes possible then to put forwards a typology of the various romantic Middle-Ages, underlining the perceptions pertaining to the grotesque aspect of the period, those associating it to the fabulous and the terrifying, and those building it up into a golden age. Yet, difficult to reconcile as they are, these perceptions, seemingly ascribable to a common feature, tend to put forwards the original and the primitive. Thus, the Middle-Ages give birth to a myth, a myth of a primitive time hal-way between history and legend. This mythified past in which romanticism looks both foran an utterly remote otherness and its own identify proves to be a way to escape a devalued present. As a source of new inspiration, the return to medieval past is paradoxically one of the best means of expression of the modernity of the romantic movement

L’androgyne est fréquent dans les mythologies de nombreuses aires culturelles. Dans l'aire occidentale, il fournit à Platon une illustration de ses théories de l'amour et se retrouve par la suite dans les systèmes mystiques et théosophiques judéo-chrétiennes. Si le mythe ethno-religieux est aisément repérable et ses structures facilement identifiables, en revanche le mythe littéraire existe avec difficulté. Au début du 19e siècle, l'esthétique néo-classique, l'affinement de l'observation médicale, la revalorisation de la pensée mystique préparent l'entrée de l'androgyne en littérature et, en France, à l'époque romantique, Balzac et Gautier fondent dans Seraphita et Mademoiselle de Maupin, selon des perspectives contrastées, un authentique mythe littéraire. L’androgyne devient chez les écrivains français et anglais de la fin du siècle une figure privilégiée de la décadence. Mais il n'y respecte plus une parfaite symétrie et l'idée s'incarne dans la réalité de l'époque en deux figures concurrentes : le jeune homme efféminé et la femme garçonnière. Cette dégradation du symbole cristallise autour de l'androgyne l'expression d'une sexualité "différente". La connaissance de la tradition ésotérique de l'androgyne permet à un romancier comme Péladan de retrouver au-delà de sa dégradation les significations fondamentales du mythe mais, à l'inverse, l'imaginaire de l'époque vient parfois bouleverser la doctrine. Bien que la psychanalyse s'avère incapable de se fonder sur la bisexualité, elle autorise, au début du 20e siècle une intégration psychologique de l'androgyne. L’aspiration à l'unité androgynique se lit en effet dans certains textes de D. H. Lawrence comme la tentative d'équilibrer les pulsions hétérosexuelles et homosexuelles et dans la perspective féministe de l'Orlande de Virginia Woolf comme la recherche d'une vérité au-delà des apparences immédiates. Tout en reconstituant les structures du mythe, ces deux dernières directions en marquent une dérive. Mais elles témoignent de la permanence d'un archétype et ouvrent la voie à un imaginaire contemporain riche et varié
The androgyne can be found in the mythologies of many cultural areas. In the western one, plate uses it as an illustration of his theories of love, then it appears as a major element in Judeo-Christian mystical and theosophical systems. If on the one hand the ethno-religious myth can be easily located and if its patterns are clear, on the other hand it takes time for the literary myth to find its way out. At the beginning of the 19th century, the neo-classical aesthetics, the progress of medical research and the increasing interest in mysticism are chances for the literary myth to develop. In France, during the romantic period, Balzac and Gautier with Seraphita and Mademoiselle de Maupin, in two different ways, found a genuine literary myth. The androgyne becomes in the works of the French and English writers at the end of the century an important character of the decadence. But no perfect symmetry is to be seen anymore and the idea takes form as two opposite characters : the effeminate young man and the boyish woman. This decay of the symbol brings along the expression of a "different" sexuality. Recollection of some of the most significant patterns of the myth is allowed from time thanks to the esoteric tradition of the androgyne which is known by some of the novelists. In the other way, the literary imaginary of the time has strong influence on the doctrin itself. Although psychoanalysis is unable to consider bisexuality but as a hypothesis, the androgyne receives at the beginning of the 20th century a psychological integration. Indeed, the will to androgyny can be read in some of the D. H. Lawrence’s works as an attempt to balance heterosexual and homosexual desires and in the feminist way of V. Woolf's Orlande as the search of the truth beyond immediate appearances. These directions, though close to the patterns of the myth, are nevertheless the witnesses of its death. But they show the strength of the archetype and give way to the rich and diverse imaginary of today

"Des enfances meurtries" évoque le regard posé sur un nouveau personnage dans les romans du dix-neuvième siècle : celui de l'enfant en souffrance, en France et en Angleterre. Cette étude aborde les mouvements littéraires (réalisme, naturalisme, littérature populaire) et place l'analyse du statut de l'enfant dans une double perspective : l'enfant dans la société, l'enfant perçu comme un individu. L'enfant au travail, l'errance des enfants sur les routes ou au sein des villes sont des représentations du regard nouveau posé par les romanciers sur une catégorie sociale jusque-là très peu mise à l'honneur dans la littérature romanesque : le peuple. L'étude des structures sociales et de la famille permet l'approche du statut individuel de l'enfant, ce dernier s'affirmant contre l'exploitation ou devenant victime de l'oppression sociale ou familiale. L'étude s'achève sur la personnalité d'enfants qui osent refuser leur propre exploitation, enfants que nous retrouverons dans la littérature du vingtième siècle
"Bruised children" call to mind the glance about a new character into novels in the nineteenth century : the character of suffering children in France and in England. This study approachs literary movments (realism, naturalism, popular literature) and sets the child's statuts up according to a double viewpoint : the child in society, the child as a person. Child working, stray child along the roads and into the towns are representations of a new glance of novelists about a social class which was not, until now, approached in fiction : the ordinary people. Social structures and family life allows novelists to write about the personal statut of the child, wether he maintains himself against exploitation, wether he becomes a victim of social or family opression. The study is ending with personality of children who are daring to refuse social or family exploitation, children we'll find again in the fiction of the twentieth century

Les seizième et dix-septième siècles anglais révélèrent une culture de l'oblique, en marge de l'Europe. Les Elisabéthains façonnèrent une esthétique labyrinthique, puisant dans le réservoir mythologique des Anciens à l'instar d'Ovide, et faisant fructifier leur héritage médiéval. Le motif du dédale, polymorphe, fut privilégié par les emblèmes, remodelé par les jardiniers, les poètes, les danseurs ou les dramaturges. La légende du " maze ", ou " labyrinth ", généra des mises en scène surprenantes, subversives, révélatrices de représentations mentales bien particulières. Se développa alors un dense réseau métaphorique, à partir d'un symbole ambigu : tantôt harmonieux et attractif, tantôt chaotique et répulsif. Les grands thèmes existentiels, relus de manière euphorique ou dysphorique, furent abordés grâce au labyrinthe: détours amoureux, filets rhétoriques, méandres religieux, impasses du pouvoir devinrent des sources d'inspiration renforçant la multiplicité des voies dramatiques
In the Elizabethan period, the image of the labyrinth was being re-appropriated in several ways, all based on an ideal first championed by Horace : discordia concors. Throughout Antiquity, the story related to Theseus and the Minotaur had been retold many times, by authors such as Pliny, Ovid, Plutarch, whose texts were to be digested by translators. Renaissance England could boast, too, of an impressive medieval heritage, which favoured the didactic transmission of the myth : the influence of clerical writings linked to the idea of the unicursal maze, one way leading to God, contributed to the popularization of the legend. Gradually, the symbol was secularized during the sixteenth century. Although mythic multicursal paths proliferated in gardens, representations, danse and poetry, they reached their climax on stage. As an obsessional motif, the labyrinth is a hermeneutic key revealing new interpretative tracks exploring a multisemic theatre, whose possibilities remain to be exploited

Le génie du lieu a pour fonction de préserver l’existence du lieu, tout en gardant en lui son origine sacrée, venue de l’Antiquité. Cette expression est remise à l’honneur dans la littérature anglaise dans les années 1730 pour traiter du lieu réel. Les aquarelles anglaises des années 1750-1850 représentent également le lieu réel. Le but de cette étude est de montrer, à travers l’étude des aquarelles anglaises des années 1750-1850, que, même dans la représentation du lieu réel, la pensée sacrée n’est pas morte au cours du XVIIIe siècle. La survie du lieu s’est maintenue grâce à un contournement, voire une dénégation, d’une pensée rationnelle qui gomme le lieu, alors que la pensée sacrée lui permet au contraire d’exister. L’étude du rapport des aquarelles au sacré se divise en deux grandes parties: panorama d’abord, puis analyse. Le panorama est consacré, dans le chapitre I, aux aquarelles de lieux, puis, dans le chapitre II, aux textes qui ont abordé le génie du lieu. L’analyse occupe les chapitres III et IV, selon deux problématiques: la nature, d’abord, puis l’histoire
The function of the genius of [the] place, whose sacred origin dates back to antiquity, is to preside over a given place and to maintain its sacred and ancient characteristics. The expression "genius of [the] place" reappears in English literature during the 1730s, particularly when the authors describe real places. British watercolours of the Golden Age (1750-1850) also represent real places. The goal of this thesis, based on the study of these watercolours, is to demonstrate that 18th-century artists still keep the sacred alive, even when they represent real places. It also aims to show that the only way for artists to keep the place alive is to deny 18th-century rational thought, which tends to make the place disappear, and to reassert the existence of sacred thought. The study of the relationship between sacred thought and watercolours is divided into two parts. The first is devoted to an overview of 18th-century watercolours (Chapter 1) and of the texts mentioning the genius of [the] place (Chapter 2). The second deals with the analysis of nature (Chapter 3) and history (Chapter 4) in relation to the sacred

Phénomène acoustique, figure mythologique, procédé littéraire, Écho offre aux artistes élisabéthains de nombreuses possibilités. Altéré, moralisé, compilé, le mythe d’Ovide se présente, dans les années 1550-1560, sous une forme hybride. Écho fascine et intrigue les artistes car il s’agit de représenter ce qui, dans le fond, est irreprésentable. Les poètes et les dramaturges déjouent, chacun à leur manière, ce paradoxe. Soumis aux influences italiennes et françaises, ils suivent la mode pastorale et place Écho dans une nouvelle Arcadie où se mêlent joie et mélancolie. Présente également dans les élégies et les complaintes, Écho est aussi une figure tragique associée à la douleur et à la lamentation, qui ne loue plus les noms des dieux mais pleure les défunts. Dissimulée dans l’ombre, sa voix se fait suspecte, entraînant les hommes sur de fausses pistes, brouillant les signes dans des bois qui ressemblent soudainement à de dangereux labyrinthes. Elle est, chez Shakespeare, une représentation du désordre, la preuve d’un monde changeant. Figure mineure, elle révèle pourtant les mouvements d’une écriture riche et complexe qui aime les biais et les détours
At one and the same time an acoustical phenomenon, a mythological figure and a literary device, Echo offers Elizabethan artists many outlets. The Ovidian myth has been adulterated, moralised, synthesised, and appears in a hybrid form in the 1550's and 1560's. Echo captivates and puzzles artists because it involves representing what cannot in fact be represented. Poets and dramatists find their own way round this paradox. Under French and Italian influence, they follow the pastoral trend and place Echo in a new Arcadia where joy and melancholy are mingled. Frequently quoted in elegies and complaints, Echo is also a tragic figure associated with suffering and lamentation, who no longer praises the gods, but bewails the dead. Hidden in the shade, her voice becomes suspect, leading men on false trails, blurring signs in woods which are suddenly transformed into dangerous labyrinths. In Shakespeare's plays and poems, she stands for disorder, bearing witness to a changing world. Echo is considered a minor figure, yet she incarnates the different aspects of a rich and complex style of writing which delights in taking the reader on roundabout detours

Le but de cette these est d'etudier le mode de representation de l'italie dans la litterature anglo-saxonne de la fin du dix-neuvieme siecle. Les oeuvres des romanciers du corpus appartiennent a la periode 1875-1890, mais l'introduction presente un parorama de la tradition du voyage en italie et de la representation fictionnelle et litterature de l'italie depuis la renaissance , afin de mettre en relief les influences diverses encore observables a la fin de l'epoque victorienne. Le premier chapitre est consacre a l'etude du cadre italien, du point de vue historique et spatial, du point de vue pictural aussi. En effet, la tradition de la peinture sur des sujets italiens conditionne l'ecriture des romans etudies en lui donnant un caractere pictural. La theatralite est enfin l'aspect majeur du cadre italien qui est une scene sur le plan materiel et psychologique. Le deuxieme chapitre est consacre a la comedie en italie chez gissing, howells, et dans une moindre mesure chez james. La troisieme partie traite des qualites tragiques du cadre italien dans rpderick hudson et dans the portrait of a lady de james
The aim of this phd is to study the way in wich italy is represented in anglo-saxon literature at the end of the nineteenth century. The novels and works of eliot, gissing, howells, and james, belonf to the period 1875-1890, but the introduction presents an overview of the tradition of the italian journey, and of the representation of italy in fiction and literature from the renaissance onwards. This aims at stressing the various influence still to be felt at the end of the victorian period. The firest chapter is devoted to the study of the italien setting, from a historical and spatial point of view, but also from a pictorial point of view. Indeed, the tradition of painting on italian subjects conditions the writing mode of the works which are being studied in the phd, and gives them a pictorial aspect. Theatricality, to finish with, is the main feature of the italian setting, which is a stage, both materially and psychologically. The second chapter is devoted to comedy in italy, in the novels of gissing, howells, and to some extent in two of james's works. The third chapter deals with the tragic qualities of the italian setting in roderick hudson, and the portrait of a lady by james

Du Shepherd's Calendar de Spencer (1579) au Comus de Milton (1637), la littérature pastorale anglaise se caractérise par une forte tension entre un attachement intellectuel à l'orthodoxie chrétienne et une adhésion instinctive à une conception métamorphique de l'être, laquelle trouve sa meilleure expression dans une multitude de fêtes et de rituels archai͏̈ques. Il semble néanmoins que la vision ancestrale, amalgame de paganisme et de catholicisme médiéval, entre en déclin dans l'Angleterre du début de l'époque moderne et que les conceptions des protestants, voire celles des puritiains, connaissent un succès croissant dans les années qui précèdent la Guerre civile. .
From Spencer's Shepherd's Calendar (1579) to Milton's Comus (1637), English pastoral literature is marked by a deep tension between an intellectual adherence to Christian orthodoxy and an instinctive attachment to a metamorphic conception of being which manifested itself in a vast number of archaic rituals and festivals. Nevertheless it seems that the ancestral outlook -a mixture of paganism and mediaeval catholicism- was rather on the wane in early modern England so that Protestant, even Puritan beliefs, were more widespread in the years preceding the Civil War. . .

Le but de cette these est d'etudier les differentes perceptions du paysage pyreneen dans les oeuvres d'ecrivains et d'artistes britanniques du dix-neuvieme siecle. La representation du paysage pyreneen est analysee dans un certain nombre de recits de voyages, de romans et de nouvelles, de poemes, ainsi que dans des tableaux et des gravures. Une premiere partie est consacree a l'influence des references culturelles et des souvenirs britanniques sur la perception du paysage par le voyageur. Une analyse de la decouverte fragmentaire du paysage naturel conduit ensuite a une etude de l'utilisation du monde vegetal et du monde animal dans la representation esthetique des pyrenees. La troisieme partie s'attache a demontrer l'importance de l'observation du monde humain dans la decouverte du paysage. Allant du regard esthetique et historique porte sur l'architecture au regard ethnologique porte sur l'homme, cette partie veut demontrer l'interet des voyageurs britanniques pour la vie locale et leur approfondissement du paysage dans le regard porte sur l'homme. Un dernier chapitre etudie dans cette partie le lien entre le paysage et la langue. Le role du paysage dans sa relation a l'ecriture est aussi analyse et fait l'objet d'une quatrieme partie dans laquelle sont etudies le roman "gothique" ainsi qu'un certain nombre d'autres oeuvres de fiction, d'oeuvres poetiques ou autobiographiques. Dans la derniere partie de cette these, est etudiee la revelation et spirituelle du paysage telle qu'elle est percue par les voyageurs britanniques. Le regard religieux et l'attitude du voyageur devant les montagnes sont analyses dans cette partie ainsi que la quete du montagnard
The aim of this thesis is the study of the pyrenean landscape as seen by british artists pyrenean landscape are analysed in travel books, novels, short stories, poems as well as paintings and engravings. The first part deals with the influence of cultural references on the travellers' perception of the pyrenean landscape. In the second part, the role of the gradual identification of the vegetable and animal worlds and their function in the aesthetic representation of the pyrenees are exposed. The third part is devoted to the discovery of the pyrenean landscape through the observation of the human world. From the aesthetic and historical observation of architecture to the ethnological perception of pyrenean life, those chapters illustrate the role of the human world in the perception of the landscape. And the link between the landscape and language is analysed at the end of this part. In the fourth part of this thesis, the role of the landscape in poetry and fiction, particularly in gothic novels, is analysed. One chapter explains how some of these writers have used the pyrenean landscape in the structure of their works. Finally the last part deals with the spiritual revelation of the pyrenean landscape for those travellers. The traveller's attitude in front of the mountain, the religious perception of the landscape as well as the mountain-climber's quest are analysed in that part

The Portrait of a Lady mis à part, les romans de la décennie 1880 furent souvent négligés au profit des romans ultérieurs de Henry James (qualifiés « d’expérimentaux » et de « majeurs ») par une critique qui tendit à évacuer les complexités de ce qui vint à être considéré comme la trilogie réaliste de James (The Bostonians, The Princess Casamassima, The Tragic Muse). En comparant ces trois romans au Portrait et aux productions des contemporains de James, et les versions d’origine à celles révisées vingt ans plus tard pour l’Édition de New York, notre travail se propose de montrer que ces quatre textes sont bien aux prises avec la question réaliste, mais d’une manière expérimentale qui teste la possibilité même du réalisme en tant que tentative de saisir un au-delà de la construction artistique. Cette entreprise est guidée par une suspicion fondamentale du romancier à l’égard de toute conception totalisante de « la réalité », susceptible de nuire à ce sens du « réel » qu’il cherche alors à créer par l’intermédiaire d’un jeu sur les frontières du texte. La démarche intertextuelle qui caractérise la construction de ces textes est ainsi le signe d’un positionnement vis-à-vis des pièges de la convention et des contraintes de la textualité en régime réaliste bien davantage que d’une volonté d’affiliation à un mouvement. Grâce à l’élaboration d’un art du portrait fonctionnant en creux, le texte jamesien va néanmoins chercher à déjouer cette inéluctable textualité, à accrocher quelque chose qui ne soit pas « tout texte » et ait bien à voir avec cette « impression de réalité » qu’il invoque sans relâche tout au long de la décennie