To see the other types of publications on this topic, follow the link: Littérature anglaise – 19e siècle – Thèmes, motifs.
Dissertations / Theses on the topic 'Littérature anglaise – 19e siècle – Thèmes, motifs'
Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles
Consult the top 50 dissertations / theses for your research on the topic 'Littérature anglaise – 19e siècle – Thèmes, motifs.'
Next to every source in the list of references, there is an 'Add to bibliography' button. Press on it, and we will generate automatically the bibliographic reference to the chosen work in the citation style you need: APA, MLA, Harvard, Chicago, Vancouver, etc.
You can also download the full text of the academic publication as pdf and read online its abstract whenever available in the metadata.
Browse dissertations / theses on a wide variety of disciplines and organise your bibliography correctly.
1
Durand, Isabelle. "Aspects de la représentation du Moyen Age dans la littérature romantique : domaines français, anglais, allemand." Nantes, 1999. http://www.theses.fr/1999NANT3010.
Full textAbstract:
L'époque romantique apparait comme le moment d'un intérêt renouvelé pour le moyen âge, époque délaissée par la pensée des lumières. Ce renouveau se manifeste dans des domaines aussi divers que l'histoire, l'architecture, la musique ou la littérature. Cette convergence nous amène à considérer le retour au moyen âge comme un élément fondamental de la pensée romantique. Sa présence au sein de genres nouveaux mis à l'honneur par le romantisme (le conte, la ballade, le drame romantique, le roman historique) nous invite déjà à mesurer le rôle essentiel du retour au moyen âge dans l'émergence d'une nouvelle conception de la littérature, en rupture avec les règles classiques. Ces différentes mises en formes permettent de faire émerger l'image d'un moyen âge en grande partie fantasmatique, reflet des attentes et des rêves romantiques. Sa grande plasticité lui permet également de s'incarner dans des figures majeures que la pensée romantique tend à constituer en mythes (Charlemagne, Louis XI, Jeanne d'Arc ou Faust). Réceptacles de représentations médiévales typiques, elles concentrent l'essentiel des enjeux esthétiques et idéologiques associés au moyen âge. On peut alors proposer une typologie des moyen âges romantiques en distinguant les représentations qui s'attachent à l'aspect grotesque du moyen âge, celles qui l'associent au merveilleux et au terrifiant, et celles qui le constituent en âge d'or. Difficiles à concilier, ces représentations nous semblent néanmoins relever d'un principe commun, qui tend à valoriser l'originel et le primitif. Le moyen âge devient ainsi un mythe, mythe d'un temps primitif à mi-chemin entre l'histoire et la légende. Ce passé mythifié dans lequel le romantisme cherche à la fois un ailleurs radicalement autre et une identité représente une manière d'échapper à un présent dévalué. Source d'inspiration neuve, le retour au passé médiéval représente paradoxalement l'un des moyens d'expression privilégiés de la modernité du mouvement romantiqueThe romantic period is regarded as the moment of renewed interest for the Middle-Ages, a time the Age of Enlightenment had neglected. This revival can be witnessed in such various fields as history, architecture, musci or literature, which convergence leads us to consider the return to the Middle-Ages as a basic element of rmantic thought. As it is, its presence within new genres that regained favour thanks to rmanticism (the tale, the ballad, the romantic drama, the historic novel) induces us to measure the essential role of the return to the Middle-Ages in the coming out of a new conception of lietrature breaking off with classical rules. These various genres enable to emphasize the image of a largely fantasmatic Middle-Ages period reflecting the romantic expectations and dreams. Its high plasticity also enables it to be emodied in major characters the romantic thought tens to build up into myths (Charlemagne, Louis XI th. , Joan of ARc or Faustus). Containing typical medieval perceptions, they gather the main aesthetic and ideological issues associated with the Middle-Ages. It becomes possible then to put forwards a typology of the various romantic Middle-Ages, underlining the perceptions pertaining to the grotesque aspect of the period, those associating it to the fabulous and the terrifying, and those building it up into a golden age. Yet, difficult to reconcile as they are, these perceptions, seemingly ascribable to a common feature, tend to put forwards the original and the primitive. Thus, the Middle-Ages give birth to a myth, a myth of a primitive time hal-way between history and legend. This mythified past in which romanticism looks both foran an utterly remote otherness and its own identify proves to be a way to escape a devalued present. As a source of new inspiration, the return to medieval past is paradoxically one of the best means of expression of the modernity of the romantic movement
2
Monneyron, Frédéric. "L'imaginaire androgyne d'Honoré de Balzac à Virginia Woolf." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040261.
Full textAbstract:
L’androgyne est fréquent dans les mythologies de nombreuses aires culturelles. Dans l'aire occidentale, il fournit à Platon une illustration de ses théories de l'amour et se retrouve par la suite dans les systèmes mystiques et théosophiques judéo-chrétiennes. Si le mythe ethno-religieux est aisément repérable et ses structures facilement identifiables, en revanche le mythe littéraire existe avec difficulté. Au début du 19e siècle, l'esthétique néo-classique, l'affinement de l'observation médicale, la revalorisation de la pensée mystique préparent l'entrée de l'androgyne en littérature et, en France, à l'époque romantique, Balzac et Gautier fondent dans Seraphita et Mademoiselle de Maupin, selon des perspectives contrastées, un authentique mythe littéraire. L’androgyne devient chez les écrivains français et anglais de la fin du siècle une figure privilégiée de la décadence. Mais il n'y respecte plus une parfaite symétrie et l'idée s'incarne dans la réalité de l'époque en deux figures concurrentes : le jeune homme efféminé et la femme garçonnière. Cette dégradation du symbole cristallise autour de l'androgyne l'expression d'une sexualité "différente". La connaissance de la tradition ésotérique de l'androgyne permet à un romancier comme Péladan de retrouver au-delà de sa dégradation les significations fondamentales du mythe mais, à l'inverse, l'imaginaire de l'époque vient parfois bouleverser la doctrine. Bien que la psychanalyse s'avère incapable de se fonder sur la bisexualité, elle autorise, au début du 20e siècle une intégration psychologique de l'androgyne. L’aspiration à l'unité androgynique se lit en effet dans certains textes de D. H. Lawrence comme la tentative d'équilibrer les pulsions hétérosexuelles et homosexuelles et dans la perspective féministe de l'Orlande de Virginia Woolf comme la recherche d'une vérité au-delà des apparences immédiates. Tout en reconstituant les structures du mythe, ces deux dernières directions en marquent une dérive. Mais elles témoignent de la permanence d'un archétype et ouvrent la voie à un imaginaire contemporain riche et variéThe androgyne can be found in the mythologies of many cultural areas. In the western one, plate uses it as an illustration of his theories of love, then it appears as a major element in Judeo-Christian mystical and theosophical systems. If on the one hand the ethno-religious myth can be easily located and if its patterns are clear, on the other hand it takes time for the literary myth to find its way out. At the beginning of the 19th century, the neo-classical aesthetics, the progress of medical research and the increasing interest in mysticism are chances for the literary myth to develop. In France, during the romantic period, Balzac and Gautier with Seraphita and Mademoiselle de Maupin, in two different ways, found a genuine literary myth. The androgyne becomes in the works of the French and English writers at the end of the century an important character of the decadence. But no perfect symmetry is to be seen anymore and the idea takes form as two opposite characters : the effeminate young man and the boyish woman. This decay of the symbol brings along the expression of a "different" sexuality. Recollection of some of the most significant patterns of the myth is allowed from time thanks to the esoteric tradition of the androgyne which is known by some of the novelists. In the other way, the literary imaginary of the time has strong influence on the doctrin itself. Although psychoanalysis is unable to consider bisexuality but as a hypothesis, the androgyne receives at the beginning of the 20th century a psychological integration. Indeed, the will to androgyny can be read in some of the D. H. Lawrence’s works as an attempt to balance heterosexual and homosexual desires and in the feminist way of V. Woolf's Orlande as the search of the truth beyond immediate appearances. These directions, though close to the patterns of the myth, are nevertheless the witnesses of its death. But they show the strength of the archetype and give way to the rich and diverse imaginary of today
3
Baudon, Laurence. "Des enfances meurtries : le personnage d'enfant en Angleterre et en France dans la seconde moitié du XIXe siècle." Toulouse 2, 2003. http://www.theses.fr/2003TOU20066.
Full textAbstract:
"Des enfances meurtries" évoque le regard posé sur un nouveau personnage dans les romans du dix-neuvième siècle : celui de l'enfant en souffrance, en France et en Angleterre. Cette étude aborde les mouvements littéraires (réalisme, naturalisme, littérature populaire) et place l'analyse du statut de l'enfant dans une double perspective : l'enfant dans la société, l'enfant perçu comme un individu. L'enfant au travail, l'errance des enfants sur les routes ou au sein des villes sont des représentations du regard nouveau posé par les romanciers sur une catégorie sociale jusque-là très peu mise à l'honneur dans la littérature romanesque : le peuple. L'étude des structures sociales et de la famille permet l'approche du statut individuel de l'enfant, ce dernier s'affirmant contre l'exploitation ou devenant victime de l'oppression sociale ou familiale. L'étude s'achève sur la personnalité d'enfants qui osent refuser leur propre exploitation, enfants que nous retrouverons dans la littérature du vingtième siècle"Bruised children" call to mind the glance about a new character into novels in the nineteenth century : the character of suffering children in France and in England. This study approachs literary movments (realism, naturalism, popular literature) and sets the child's statuts up according to a double viewpoint : the child in society, the child as a person. Child working, stray child along the roads and into the towns are representations of a new glance of novelists about a social class which was not, until now, approached in fiction : the ordinary people. Social structures and family life allows novelists to write about the personal statut of the child, wether he maintains himself against exploitation, wether he becomes a victim of social or family opression. The study is ending with personality of children who are daring to refuse social or family exploitation, children we'll find again in the fiction of the twentieth century
4
Chiari-Lasserre, Sophie. "L'image du labyrinthe dans la culture et la littérature de la Renaissance anglaise : origines, diffusion, appropriations et interprétations." Montpellier 3, 2003. http://www.theses.fr/2003MON30086.
Full textAbstract:
Les seizième et dix-septième siècles anglais révélèrent une culture de l'oblique, en marge de l'Europe. Les Elisabéthains façonnèrent une esthétique labyrinthique, puisant dans le réservoir mythologique des Anciens à l'instar d'Ovide, et faisant fructifier leur héritage médiéval. Le motif du dédale, polymorphe, fut privilégié par les emblèmes, remodelé par les jardiniers, les poètes, les danseurs ou les dramaturges. La légende du " maze ", ou " labyrinth ", généra des mises en scène surprenantes, subversives, révélatrices de représentations mentales bien particulières. Se développa alors un dense réseau métaphorique, à partir d'un symbole ambigu : tantôt harmonieux et attractif, tantôt chaotique et répulsif. Les grands thèmes existentiels, relus de manière euphorique ou dysphorique, furent abordés grâce au labyrinthe: détours amoureux, filets rhétoriques, méandres religieux, impasses du pouvoir devinrent des sources d'inspiration renforçant la multiplicité des voies dramatiquesIn the Elizabethan period, the image of the labyrinth was being re-appropriated in several ways, all based on an ideal first championed by Horace : discordia concors. Throughout Antiquity, the story related to Theseus and the Minotaur had been retold many times, by authors such as Pliny, Ovid, Plutarch, whose texts were to be digested by translators. Renaissance England could boast, too, of an impressive medieval heritage, which favoured the didactic transmission of the myth : the influence of clerical writings linked to the idea of the unicursal maze, one way leading to God, contributed to the popularization of the legend. Gradually, the symbol was secularized during the sixteenth century. Although mythic multicursal paths proliferated in gardens, representations, danse and poetry, they reached their climax on stage. As an obsessional motif, the labyrinth is a hermeneutic key revealing new interpretative tracks exploring a multisemic theatre, whose possibilities remain to be exploited
5
Grenet, Sylvie. "Le génie du lieu dans l'aquarelle anglaise (1750-1850)." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040041.
Full textAbstract:
Le génie du lieu a pour fonction de préserver l’existence du lieu, tout en gardant en lui son origine sacrée, venue de l’Antiquité. Cette expression est remise à l’honneur dans la littérature anglaise dans les années 1730 pour traiter du lieu réel. Les aquarelles anglaises des années 1750-1850 représentent également le lieu réel. Le but de cette étude est de montrer, à travers l’étude des aquarelles anglaises des années 1750-1850, que, même dans la représentation du lieu réel, la pensée sacrée n’est pas morte au cours du XVIIIe siècle. La survie du lieu s’est maintenue grâce à un contournement, voire une dénégation, d’une pensée rationnelle qui gomme le lieu, alors que la pensée sacrée lui permet au contraire d’exister. L’étude du rapport des aquarelles au sacré se divise en deux grandes parties: panorama d’abord, puis analyse. Le panorama est consacré, dans le chapitre I, aux aquarelles de lieux, puis, dans le chapitre II, aux textes qui ont abordé le génie du lieu. L’analyse occupe les chapitres III et IV, selon deux problématiques: la nature, d’abord, puis l’histoireThe function of the genius of [the] place, whose sacred origin dates back to antiquity, is to preside over a given place and to maintain its sacred and ancient characteristics. The expression "genius of [the] place" reappears in English literature during the 1730s, particularly when the authors describe real places. British watercolours of the Golden Age (1750-1850) also represent real places. The goal of this thesis, based on the study of these watercolours, is to demonstrate that 18th-century artists still keep the sacred alive, even when they represent real places. It also aims to show that the only way for artists to keep the place alive is to deny 18th-century rational thought, which tends to make the place disappear, and to reassert the existence of sacred thought. The study of the relationship between sacred thought and watercolours is divided into two parts. The first is devoted to an overview of 18th-century watercolours (Chapter 1) and of the texts mentioning the genius of [the] place (Chapter 2). The second deals with the analysis of nature (Chapter 3) and history (Chapter 4) in relation to the sacred
6
Mauré, Cécile. "Héritages et réappropriations du mythe d'Écho dans la littérature élisabéthaine." Montpellier 3, 2006. http://www.theses.fr/2006MON30027.
Full textAbstract:
Phénomène acoustique, figure mythologique, procédé littéraire, Écho offre aux artistes élisabéthains de nombreuses possibilités. Altéré, moralisé, compilé, le mythe d’Ovide se présente, dans les années 1550-1560, sous une forme hybride. Écho fascine et intrigue les artistes car il s’agit de représenter ce qui, dans le fond, est irreprésentable. Les poètes et les dramaturges déjouent, chacun à leur manière, ce paradoxe. Soumis aux influences italiennes et françaises, ils suivent la mode pastorale et place Écho dans une nouvelle Arcadie où se mêlent joie et mélancolie. Présente également dans les élégies et les complaintes, Écho est aussi une figure tragique associée à la douleur et à la lamentation, qui ne loue plus les noms des dieux mais pleure les défunts. Dissimulée dans l’ombre, sa voix se fait suspecte, entraînant les hommes sur de fausses pistes, brouillant les signes dans des bois qui ressemblent soudainement à de dangereux labyrinthes. Elle est, chez Shakespeare, une représentation du désordre, la preuve d’un monde changeant. Figure mineure, elle révèle pourtant les mouvements d’une écriture riche et complexe qui aime les biais et les détoursAt one and the same time an acoustical phenomenon, a mythological figure and a literary device, Echo offers Elizabethan artists many outlets. The Ovidian myth has been adulterated, moralised, synthesised, and appears in a hybrid form in the 1550's and 1560's. Echo captivates and puzzles artists because it involves representing what cannot in fact be represented. Poets and dramatists find their own way round this paradox. Under French and Italian influence, they follow the pastoral trend and place Echo in a new Arcadia where joy and melancholy are mingled. Frequently quoted in elegies and complaints, Echo is also a tragic figure associated with suffering and lamentation, who no longer praises the gods, but bewails the dead. Hidden in the shade, her voice becomes suspect, leading men on false trails, blurring signs in woods which are suddenly transformed into dangerous labyrinths. In Shakespeare's plays and poems, she stands for disorder, bearing witness to a changing world. Echo is considered a minor figure, yet she incarnates the different aspects of a rich and complex style of writing which delights in taking the reader on roundabout detours
7
Dupeyron, Françoise. "La scène italienne : roman et théâtralité chez G. Eliot, G. Gissing, H. James et W.D. Howells, 1875-1890." Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030105.
Full textAbstract:
Le but de cette these est d'etudier le mode de representation de l'italie dans la litterature anglo-saxonne de la fin du dix-neuvieme siecle. Les oeuvres des romanciers du corpus appartiennent a la periode 1875-1890, mais l'introduction presente un parorama de la tradition du voyage en italie et de la representation fictionnelle et litterature de l'italie depuis la renaissance , afin de mettre en relief les influences diverses encore observables a la fin de l'epoque victorienne. Le premier chapitre est consacre a l'etude du cadre italien, du point de vue historique et spatial, du point de vue pictural aussi. En effet, la tradition de la peinture sur des sujets italiens conditionne l'ecriture des romans etudies en lui donnant un caractere pictural. La theatralite est enfin l'aspect majeur du cadre italien qui est une scene sur le plan materiel et psychologique. Le deuxieme chapitre est consacre a la comedie en italie chez gissing, howells, et dans une moindre mesure chez james. La troisieme partie traite des qualites tragiques du cadre italien dans rpderick hudson et dans the portrait of a lady de jamesThe aim of this phd is to study the way in wich italy is represented in anglo-saxon literature at the end of the nineteenth century. The novels and works of eliot, gissing, howells, and james, belonf to the period 1875-1890, but the introduction presents an overview of the tradition of the italian journey, and of the representation of italy in fiction and literature from the renaissance onwards. This aims at stressing the various influence still to be felt at the end of the victorian period. The firest chapter is devoted to the study of the italien setting, from a historical and spatial point of view, but also from a pictorial point of view. Indeed, the tradition of painting on italian subjects conditions the writing mode of the works which are being studied in the phd, and gives them a pictorial aspect. Theatricality, to finish with, is the main feature of the italian setting, which is a stage, both materially and psychologically. The second chapter is devoted to comedy in italy, in the novels of gissing, howells, and to some extent in two of james's works. The third chapter deals with the tragic qualities of the italian setting in roderick hudson, and the portrait of a lady by james
8
Berec, Laurent. "Fête et métamorphose dans la littérature pastorale anglaise de 1579 à 1642." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030165.
Full textAbstract:
Du Shepherd's Calendar de Spencer (1579) au Comus de Milton (1637), la littérature pastorale anglaise se caractérise par une forte tension entre un attachement intellectuel à l'orthodoxie chrétienne et une adhésion instinctive à une conception métamorphique de l'être, laquelle trouve sa meilleure expression dans une multitude de fêtes et de rituels archai͏̈ques. Il semble néanmoins que la vision ancestrale, amalgame de paganisme et de catholicisme médiéval, entre en déclin dans l'Angleterre du début de l'époque moderne et que les conceptions des protestants, voire celles des puritiains, connaissent un succès croissant dans les années qui précèdent la Guerre civile. .From Spencer's Shepherd's Calendar (1579) to Milton's Comus (1637), English pastoral literature is marked by a deep tension between an intellectual adherence to Christian orthodoxy and an instinctive attachment to a metamorphic conception of being which manifested itself in a vast number of archaic rituals and festivals. Nevertheless it seems that the ancestral outlook -a mixture of paganism and mediaeval catholicism- was rather on the wane in early modern England so that Protestant, even Puritan beliefs, were more widespread in the years preceding the Civil War. . .
9
Besson, Françoise. "Le paysage pyreneen dans les oeuvres d'ecrivains et d'artistes britanniques du dix-neuvieme siecle." Toulouse 2, 1994. http://www.theses.fr/1994TOU20012.
Full textAbstract:
Le but de cette these est d'etudier les differentes perceptions du paysage pyreneen dans les oeuvres d'ecrivains et d'artistes britanniques du dix-neuvieme siecle. La representation du paysage pyreneen est analysee dans un certain nombre de recits de voyages, de romans et de nouvelles, de poemes, ainsi que dans des tableaux et des gravures. Une premiere partie est consacree a l'influence des references culturelles et des souvenirs britanniques sur la perception du paysage par le voyageur. Une analyse de la decouverte fragmentaire du paysage naturel conduit ensuite a une etude de l'utilisation du monde vegetal et du monde animal dans la representation esthetique des pyrenees. La troisieme partie s'attache a demontrer l'importance de l'observation du monde humain dans la decouverte du paysage. Allant du regard esthetique et historique porte sur l'architecture au regard ethnologique porte sur l'homme, cette partie veut demontrer l'interet des voyageurs britanniques pour la vie locale et leur approfondissement du paysage dans le regard porte sur l'homme. Un dernier chapitre etudie dans cette partie le lien entre le paysage et la langue. Le role du paysage dans sa relation a l'ecriture est aussi analyse et fait l'objet d'une quatrieme partie dans laquelle sont etudies le roman "gothique" ainsi qu'un certain nombre d'autres oeuvres de fiction, d'oeuvres poetiques ou autobiographiques. Dans la derniere partie de cette these, est etudiee la revelation et spirituelle du paysage telle qu'elle est percue par les voyageurs britanniques. Le regard religieux et l'attitude du voyageur devant les montagnes sont analyses dans cette partie ainsi que la quete du montagnardThe aim of this thesis is the study of the pyrenean landscape as seen by british artists pyrenean landscape are analysed in travel books, novels, short stories, poems as well as paintings and engravings. The first part deals with the influence of cultural references on the travellers' perception of the pyrenean landscape. In the second part, the role of the gradual identification of the vegetable and animal worlds and their function in the aesthetic representation of the pyrenees are exposed. The third part is devoted to the discovery of the pyrenean landscape through the observation of the human world. From the aesthetic and historical observation of architecture to the ethnological perception of pyrenean life, those chapters illustrate the role of the human world in the perception of the landscape. And the link between the landscape and language is analysed at the end of this part. In the fourth part of this thesis, the role of the landscape in poetry and fiction, particularly in gothic novels, is analysed. One chapter explains how some of these writers have used the pyrenean landscape in the structure of their works. Finally the last part deals with the spiritual revelation of the pyrenean landscape for those travellers. The traveller's attitude in front of the mountain, the religious perception of the landscape as well as the mountain-climber's quest are analysed in that part
10
Le, Reste Anne-Claire. "La question de la réalité dans les romans de la « période médiane » de Henry James (1881-1890) : le réalisme à l’épreuve du hors-texte." Rennes 2, 2007. http://www.theses.fr/2007REN20031.
Full textAbstract:
The Portrait of a Lady mis à part, les romans de la décennie 1880 furent souvent négligés au profit des romans ultérieurs de Henry James (qualifiés « d’expérimentaux » et de « majeurs ») par une critique qui tendit à évacuer les complexités de ce qui vint à être considéré comme la trilogie réaliste de James (The Bostonians, The Princess Casamassima, The Tragic Muse). En comparant ces trois romans au Portrait et aux productions des contemporains de James, et les versions d’origine à celles révisées vingt ans plus tard pour l’Édition de New York, notre travail se propose de montrer que ces quatre textes sont bien aux prises avec la question réaliste, mais d’une manière expérimentale qui teste la possibilité même du réalisme en tant que tentative de saisir un au-delà de la construction artistique. Cette entreprise est guidée par une suspicion fondamentale du romancier à l’égard de toute conception totalisante de « la réalité », susceptible de nuire à ce sens du « réel » qu’il cherche alors à créer par l’intermédiaire d’un jeu sur les frontières du texte. La démarche intertextuelle qui caractérise la construction de ces textes est ainsi le signe d’un positionnement vis-à-vis des pièges de la convention et des contraintes de la textualité en régime réaliste bien davantage que d’une volonté d’affiliation à un mouvement. Grâce à l’élaboration d’un art du portrait fonctionnant en creux, le texte jamesien va néanmoins chercher à déjouer cette inéluctable textualité, à accrocher quelque chose qui ne soit pas « tout texte » et ait bien à voir avec cette « impression de réalité » qu’il invoque sans relâche tout au long de la décennie
11
Soubrenie, Elisabeth. "La poésie de la solitude en Grande-Bretagne au XVIIIe siècle : 1725-1785." Paris 3, 1993. http://www.theses.fr/1994PA030135.
Full textAbstract:
Au 18e siecle s'affirme le rayonnement britannique, tandis que se pose la question de la legitimite de la solitude : l'individu peut-il a tout moment quitter la societe ? misanthropie et philanthropie s'affrontent, et, entre 1725 et 1785 la poesie repond diversement. Dans une solitude studieuse et physico-theologique se developpent un art de vivre imite des anciens (thomson), et un penchant pour la melancolie contemplative (t. & j. Warton). A la recherche des limites de la solitude dans le spectacle familier ou sublime de la nature (dyer, thomson, cowper), le poete decouvre l'infini (young, hervey); mais son errance mal maitrisee l'entraine au naufrage metaphysique. Ce desarroi est renforce par l'interrogation religieuse : la solitude est-elle une initiation douloureuse menant a dieu, ou le signe de l'alienation decretee par un dieu terrible ? la hantise de la folie et l'attrait du suicide augmentent. Or, a la chute dans la spirale de l'isolement repond la reconquete partielle d'un centre dans l'asile du jardin (landscape gardening). Si la me nace du neant demeure (graveyard school), loin des extremes se poursuit la quete du juste milieu (gray), dans le respect de la chaine des etres. L'activite poetique peut avoir un role cathartique (green); la poesie peut aussi etre l'oeuvre de la folie (smart), a moins d'enfermer la solitude dans le paradoxe rhetorique d'une presence allegorique et tutelaireIn prosperous 18th-century britain the right for the individual to leave society for solitude was much debated. Through cross-currents of philanthropy and misanthropy, the response of poetry from 1725 to 1785 was manifold. Not only did the enjoyement of intellectually fruitful solitude develop on physico-theological lines (thomson), but also a growing awareness of the pleasures of melancholy (t. & j. Warton). Searching the limits of solitude through gentle or sublime nature (excursion poets, thomson, cowper), man was soon faced with the infinite (young, hervey), before collapsing beyond a point of no return. Disarray was stressed by religious questioning : was solitude an ordeal toward reunion with fod, or a token of man's alienation from god's grace ? despite the fear of madness and the appeal of suicide, the fall into the abyss of isolation was counterbalanced by a somewhat recevered sense of the self as a reliable centre, beyond loomng nothingness (graveyard school), landscape gardens also sheltered the quest for a decent aurea mediocritas (gray) within the great chain of being the poet could laugh off his fear into; poetry-writing (green), but poetry could also be the work of madness (smart), unless it remained framed by neoclassical poetic diction, turning solitude into a paradoxical tutelary presence
12
Boraso, Marina. "Enfances victoriennes et edwardiennes : étude sur la place de l'enfant dans la littérature et l'iconographie." Toulouse 2, 1999. http://www.theses.fr/1999TOU20060.
Full textAbstract:
Au cours de la période victorienne , la vénération collective d'un enfant idéal est ratifiée et exacerbée par les écrivains et les plasticiens britanniques. L'enfant devient d'une part un sujet de représentation récurrent dans la fiction, la poésie et les arts plastiques, d'autre part le destinataire d'une littérature et d'une iconographie pour la jeunesse. Nous avons repéré, à travers un ensemble de documents textuels et iconographiques, les archétypes dominants d'une représentation adulte de l'enfance, que nous avons pris soin de replacer dans leur contexte social et culturel : l'enfant-ange, la victime, le mystique de la nature, le visionnaire. Nous avons également étudié en tant que genre spécifique la littérature de jeunesse, ce qui nous a amenée à constater une évolution de l'image de l'enfant vers davantage d'authenticité.
13
Parey, Armelle. "Représentations de l'ère victorienne dans le roman des iles britanniques (1969-1995) : "The french lieutenant's woman" de John Fowles, "The last testament of Oscar Wilde" de Peter Ackroyd, "Nice work" de David Lodge, "Possession" de A.S. Byatt, "Clare" de John Mackenna, "Poor things" d'Alasdair Gray." Caen, 2000. http://www.theses.fr/2000CAEN1290.
Full textAbstract:
Cette these examine les representations de l'ere victorienne proposees par le roman des iles britanniques du dernier tiers du xxeme siecle. Les romans sont etudies en regard de la double specificite de l'ere victorienne : son ecriture et son image. Une double re-ecriture est a l'oeuvre dans ces romans qui participent d'un contexte litteraire postmoderne. D'une part, ils se positionnent par rapport au projet realiste qu'ils revelent comme une illusion : par le biais d'un jeu autour de documents dits factuels et/ou l'emploi de personnages "reels" ("the last testament 0f oscar wilde" de peter ackroyd, "clare" de john mackenna et "poor things" d'alasdair gray) ; par la presence d'intertextes victoriens apparents dans le mode narratif, l'intrigue et les conclusions qui lui sont apportees ("thefrench lieutenants woman" de john fowles, "possession" d'a. S. Byatt et "nice work" de david lodge). D'autre part, ils proposent une re-evaluation de l'ere victorienne qui s'appuie sur une perception de l'histoire selon laquelle celle-ci est une construction elaboree a partir de textes. L'etude de l'heroine victorienne vue par le xxeme siecle montre que celle-ci est une representation detournee deses comparses litteraires du siecle precedent. La presence de personnages atypiques remet en question les stereotypes sur la sexualite des victoriens. Tandis que certains romans offrent une representation interne du passe, d'autres affichent la distance temporelle et presentent ce faisant une approche critique du xxeme siecle et du postmodernisme.
14
Peyré, Yves. "La mythologie dans la tragédie élisabéthaine." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1993PA040013.
Full textAbstract:
L'analyse de l'expression mythologique dans la tragédie élisabéthaine s'appuie sur l'examen des fonctions et des conceptions de la mythologie dans la culture de la Renaissance en Angleterre. La diversité des approches mythographiques donne de chaque mythe plusieurs lectures simultanées, tandis que s'élabore une réflexion sur les problèmes de l'interprétation. En même temps, la mythologie nourrit les principales controverses du temps. Et tandis que se crée autour du souverain un mouvement d'élaboration mythique, apparait un scepticisme scientifique qui tente de séparer la science du merveilleux. La tragédie, qui joue des valorisations et dévalorisations du langage mythologique, et met en œuvre des structures symboliques selon un mouvement général qui mené de l'allégorie a l'ironie, pose la question de la nature et du fonctionnement des signes. Elle utilise la mythologie, langage de vivantes synthèses, mais dans lequel s'expriment de profondes fractures, pour construire des tensions dramatiques ou d'ironiques effets d'anamorphose par l'intermédiaire desquels il est peut-être possible de percevoir ce que la culture élisabéthaine tient pour tragique, c'est-à-dire, semble-t-il, ce qui porte atteinte aux idéaux combinés de la renovatio et de l'intergratio. Enfin, l'exploration des potentialités expressives de la mythologie conduit peut-être les élisabéthains à pressentir certains aspects de ce qui deviendra le concept de mythe, dans ses rapports avec le tragiqueThe analysis of mythological expression in Elizabethan tragedy rests on a study of the functions and conceptions of mythology in the culture of the English Renaissance. A diversity of mythographic approaches led to multiple, simultaneous readings of each myth, while inviting reflection on the problems of interpretation. At the same time, mythology contributed to literary and religious controversies. The emergence of a fashion for mythical elaboration centred on the sovereign paralleled that of scientific scepticism. Tragedy, which explores the magnifying and belittling potentialities of mythological rhetoric, and sets in play symbolic structures that progress from allegory to irony, raises questions about the nature and role of signs. Mythology, a language of stimulating syntheses also expressive of deep fractures, is used to create dramatic tension or ironic effects of anamorphosis in which it may be possible to apprehend what the Elizabethan mind viewed as tragic, that is to say, whatever undermined the combined ideals of renovatio and integratio. Finally, in exploring the expressive potentialities of mythology, the Elizabethans may have arrived at an intuitive inkling of what would become the concept of myth, as related to tragedy
15
Camilletti, Fabio. "Gelida Virgo : la figura letteraria della beatrice nella litteratura europea del XIX secolo (Italia, Francia, Gran Bretagna) : 1797-1907." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040171.
Full textAbstract:
Sujet de ce travail est la féminité pure et salvatrice dans la littérature du 19ème siècle (Italie, France, Grande Bretagne) vue à travers les reprises littéraires de la Béatrice de Dante. Redécouverte par le romantisme, qui voit dans l’amour courtois le précurseur illustre de sa propre conception de l’amour, la Vita Nova est réinterprétée en sens romantique notamment par D. G. Rossetti : dans son œuvre la «béatrice» se fait une figure de l’absence et du deuil. En suite les «décadents» en feront une image féminine maladive et mortifère, en bouleversant définitivement le modèle dantesque. Pour définir ce phénomène, nous avons utilisé la catégorie freudienne de l’«inquiétante étrangeté»: le romantisme, en faisant revivre l’image médiévale de la «donna angelicata», n’est plus capable cependant d’en comprendre le substrat religieux et dévotionnel, et cette image se présente donc – à la manière des «images survivantes» de Warburg – comme le retour d’un refoulé, persistance spectrale devenue inquiétante et funesteThe aim animating this work is to investigate the image of pure and blissful femininity in 19th century literature (Italy, France, Great Britain), seen through the literary reprises of Dante’s Beatrice. Rediscovered by the Romantics, who considered courtly love as the great precursor of their own conception of love, Dante’s Vita Nova is reinterpreted in a romantic sense especially by D. G. Rossetti. In his works the “beatrice” (literally, “she who confers blessing”) becomes a figure of absence and of mourning: fin-de-siècle culture will intensify this misreading, turning the “beatrice” into a deadly and uncanny feminine figure, ultimately reversing the original, dantesque model. To define this proceeding, we have decided to use the Freudian category of the “Uncanny”: Romanticism, in rediscovering the medieval image of the “idealized woman”, is not anymore capable to understand its religious and devotional background, and this image shows itself, then – in the way of Aby Warburg’s “Nachleben” – as a ghostly persistence which has become deadly and weird
16
Latino, Piero. "La Rose initiatique. Des Fidèles d'Amour à la littérature européenne des XIXe et XXe siècles." Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2023. http://www.theses.fr/2023SORUL150.
Full textAbstract:
La présente thèse porte sur les relations entre littérature et courants ésotériques, à travers l’étude du symbole de la rose dans la littérature européenne, plus particulièrement dans les littératures française et anglaise des XIXe et XXe siècles. Il s’agit d’une recherche caractérisée par une approche transversale et interdisciplinaire, qui fait dialoguer différents domaines d’étude, le littéraire et l’historique, ainsi que plusieurs littératures et auteurs appartenant à différentes époques. La dimension initiatique de la rose, couplée avec le topos de l’amour, est au fondement de notre travail de recherche, dont le point de départ est un ouvrage oublié du XIXe siècle : Il Mistero dell’Amor Platonico nel Medioevo de Gabriele Rossetti, père du peintre et poète préraphaélite Dante Gabriele Rossetti. Dans cet ouvrage, Gabriele Rossetti montrait pour la première fois la dimension ésotérique de l’œuvre de Dante et des Fidèles d’Amour, à savoir les poètes d’amour italiens du Moyen Âge, qui véhiculaient, à travers leurs compositions poétiques, des idées mystiques et initiatiques, ainsi que religieuses et politiques. Selon Rossetti le courant critique qu’il inaugura, cette doctrine de l’amour ésotérique était également présente chez les poètes d’amour des différents pays européens, tels que les troubadours et les trouvères français, les poètes d’amour anglais, les minnesingers allemands ou les scaldes scandinaves, et elle se transmettra au cours des siècles, jusqu’au XIXe siècle. Ce dernier aspect est au centre de notre recherche : la transmission de cette présumée connaissance ésotérique, sous forme d’amour, dans l’âge moderne. Dans son Mistero dell’Amor Platonico, Gabriele Rossetti souligne que le symbole le plus important pour comprendre la doctrine ésotérique de l’amour est la rose, et notre travail est centré sur le symbolisme de la rose. L’étude de la dimension initiatique de la rose dans la littérature comporte deux discours rattachés au concept d’initiation : un discours relatif au mysticisme et un discours sur les Ordres initiatiques. Dans le premier cas, l’initiation est liée à une dimension mystique impliquant une transformation ontologique de l’être ; dans le second cas, le symbolisme de la rose se réfère aux Ordres ésotériques et initiatiques qui, d’une manière plus ou moins directe, ont joué un rôle dans l’histoire des idées. Ces deux discours sont souvent liés entre eux, et se retrouvent dans la littérature européenne, en particulier chez Gérard de Nerval ou William Butler Yeats. La première partie de notre thèse est consacrée à Dante, aux poètes du Moyen Âge et aux auteurs de la Renaissance. Nous nous concentrons ensuite sur les auteurs des XIXe et XXe siècles, tels que Honoré de Balzac, Gérard de Nerval, Joséphin Péladan, Dante Gabriel Rossetti, Ezra Pound, William Butler Yeats ou Umberto Eco. La majorité des écrivains et des poètes qui font l’objet de notre thèse sont directement ou indirectement liés à Dante et à la poésie d’amour du Moyen Âge, aux Fidèles d’Amour, et même à Gabriele Rossetti. Notre thèse propose de repenser une littérature dans laquelle la culture et la pensée ésotériques ne jouent pas un rôle secondaire, mais fondamental. Maintes œuvres littéraires de toute époque sont imprégnées d’éléments et de motifs renvoyant à la tradition ésotérique. L’étude de la dimension ésotérique et initiatique du symbole de la rose conduit donc à explorer un horizon de recherche dans lequel la littérature est étroitement liée aux courants ésotériques, notamment les littératures française et anglaise, et plus généralement la littérature européenne des XIXe et XXe siècles. Ainsi, de la rose des Fidèles d’Amour du Moyen Âge à la Rose secrète de William Butler Yeats qui affirmait que « ni homme ni femme depuis le commencement du monde n’a jamais su ce qu’est l’amour »This thesis focuses on the relationship between literature and esoteric currents, through the study of the symbol of the rose in European literature, more specifically in French and English literature of the nineteenth and twentieth centuries. This research is based on a transversal and interdisciplinary approach, bringing together different fields of literary and historical study, as well as a variety of literatures and authors from different periods. The initiatory dimension of the rose, coupled with the topos of love, is the basis of my research, whose starting point is a forgotten work from the nineteenth century: Il Mistero dell'Amor Platonico nel Medioevo by Gabriele Rossetti, father of the Pre-Raphaelite painter and poet Dante Gabriele Rossetti. In this work, for the first time Gabriele Rossetti revealed the esoteric dimension of the work of Dante and the Fedeli d’Amore (Faithful of Love) – the Italian love poets of the Middle Ages who, through their poetic compositions, conveyed mystical and initiatory ideas, as well as religious and political ones. According to Rossetti and the critical movement he initiated, this doctrine of esoteric love was also present in the love poets in a number of European contexts, such as the French troubadours and trouvères, the English minstrels, the German Minnesänger and the Scandinavian scaldes, handed down through the centuries until the nineteenth century. This aspect is the focus of my research: transmission of this alleged esoteric knowledge, in the form of love, to later centuries. In his Mistero dell’Amor Platonico, Gabriele Rossetti pointed out that the most important symbol for understanding the esoteric doctrine of love is the rose, and this thesis is devoted to the symbolism of this flower. The study of the initiatory dimension of the rose in literature involves two themes linked to the concept of initiation: one concerns mysticism and the other, initiatory Orders. In the first case, initiation is linked to a mystical dimension involving an ontological transformation of the being, while in the second, the symbolism of the rose refers to esoteric and initiatory Orders which have more or less directly played an important part in the history of ideas. These two themes are often connected and can be found in European writers such as Gérard de Nerval and William Butler Yeats. The first part of this thesis is devoted to Dante and the poets of the Middle Ages, as well as to authors of the Renaissance. I then move on to nineteenth and twentieth century authors, such as Honoré de Balzac, Gérard de Nerval, Joséphin Péladan, Dante Gabriel Rossetti, Ezra Pound, William Butler Yeats and Umberto Eco. Most of the writers and poets featured in this thesis are directly or indirectly linked to Dante and the love poetry of the Middle Ages, to the Fedeli d’Amore, and even to Gabriele Rossetti. Thus, this research proposes a rethinking of literature – one in which esoteric culture and thought are of particular importance, as many literary works throughout history are imbued with elements and motifs referring to the esoteric tradition. The study of the esoteric and initiatory dimension of the rose symbol provides the opportunity to explore a field of research where literature is closely linked to esoteric currents, particularly in French and English literature (and more generally, in European literature) of the nineteenth and twentieth centuries: from the rose of the Fedeli d’Amore in the Middle Ages to the Secret Rose by William Butler Yeats, who affirmed that “no man or woman from the beginning of the world has ever known what love is”
17
Douglas, Blaise. "La littérature prophétique anglo-écossaise au XIVe siècle." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040147.
Full textAbstract:
Au XIVe siècle, la Grande-Bretagne a produit un nombre considérable de prophéties écrites en langue vernaculaire. Cette étude en retient essentiellement six : "qwhen the koke in the northe. . . , "whan rome ys remeuyd in-to Englonde. . . ", fragments of an alliterative poem containing Thomas a-becket's prophecies, the romance and prophecies of Thomas of Erceldoune, the prophecy of the six kings et Adam Davy's five dreams about Edward II. Ces textes sont reproduits, traduits et décrits. L'analyse qui en est donnée s'appuie non seulement sur leur contenu, mais aussi sur la définition même de la notion de prophétie, ainsi que sur leur inscription dans une tradition littéraire large. Les expressions prophétiques antique, biblique et médiévale sont ainsi mises en relation, permettant de mieux comprendre la nature et la portée des pièces anglo-écossaises. La valeur politique de ces textes semble en effet moins fondamentale qu'on l'a généralement suppoée et serait davantage le fruit d'une évolution propre au genre.
18
Revon-Rivière, Elise. "Des textes intitulés Promenade à l'invention du promeneur et de l'observateur : le loisir lettré en ville dans les textes anglais et français des dix-septième et dix-huitième siècle." Paris 7, 2014. http://www.theses.fr/2014PA070081.
Full textAbstract:
Le modèle de la promenade française à l'ceuvre au XVIIe siècle est une pratique d'otium, de loisir lettré au jardin : elle s'envisage comme alternative au cabinet studieux, relâche des occupations sérieuses, étude sans livre. L'objet de la promenade n'est pas la marche à pied, car comme l'écrit Daniel Vaillancourt, « le XVIIe siècle, classique, ne marche pas ». On ébauche ensuite une histoire du loisir lettré dans la rue et on s'attache à identifier ce que Michel de Certeau appelle « le fait urbain », c'est-à-dire les « pratiques d'espace », dans les textes anglais et français de Promenade des xviiè et XVIIIe siècles. Ainsi dès 1711, Addison et Steele présentent un. Rpectator qui met en oeuvre « une énonciation piétonnière » lors de trajets en ville, appelés rambles. Le mot désigne la réflexion et le parcours à pied dans Londres. En 1773, les Rambles d'Elizabeth Bonhote font de la ville l'espace d'enquêtes morales, de reveries, menées par un rambler. Ces « rhétoriques cheminatoires » morales et urbaines, prises en charge par un énonciateur individualisé, sont rapidement traduites en français au xviiiè siècle, transformant suffisamment l'imaginaire français pour provoquer l'écriture du Spectateur français de Marivaux et pour inspirer à Rousseau son promeneur solitaire. Dès lors, la réflexion morale dans la rue s'affirme à la faveur de la rénovation de la fonction de moraliste, qui passe par un imaginaire sentimental exercé par Sterne et E. Bonhote, et que Rousseau traduit par les promenades sensitives et moins uniment urbaines de son promeneur solitaire. Dans leurs parcours en ville, Restif de la Bretonne et Mercier ne reprennent pas la figure du promeneur, mais se saisissent d'une nouvelle figure épistémique inventée par Rousseau et l'Encyclopédie : l'observateur. Sa méthode consiste en une approche empirique du monde, un relevé quotidien des faits urbains, qui se substitue à la réflexion théorique du savant dans son cabinet. C'est, enfin, à partir de cette nouvelle « faculté de voir » de l'observateur que s'invente la figure du flâneur au XIXe siècleThis work deals with dozens of texts called « Promenade » from 1586 to the 19th century, with English journalism, with the invention of the word « promeneur » and "observateur" during the French Enlightenment
19
Thomas, Virginie. "Les représentations de la femme dans les transpositions des légendes arthuriennes au XIXe siècle et au début du XXe siècle." Grenoble 3, 2009. http://www.theses.fr/2009GRE39045.
Full textAbstract:
Au XIXe et au début du XXe siècle, la littérature et la peinture britanniques servirent de cadre à la résurgence des légendes arthuriennes. Nombre de peintres raphaélites, mais aussi d'auteurs célèbres (tels Scott, Wordsworth, Tennyson, Arnold, Morris, Swinburne, Hardy, Eliot, pour ne citer que quelques uns) furent inspirés par le monde de Camelot et plus particulièrement, par les femmes qui peuplent la cour du roi Arthur. Notre étude diachronique vise à souligner l'évolution de la représentation de ces femmes : elles entrent progressivement sur le devant de la scène lors de la période romantique avant de disparaître à nouveau lors de la période moderniste cédant la place au topos du Graal, symbole de la quête existentialiste menée par les artistes d'alors. L'époque victorienne constitue la période la plus florissante pour la représentation de la femme. Néamoins, cette dernière s'inscrit dans un contexte historique bien particulier marqué par une vision dichotomique de la femme : l'ange de la maison y affronte la prostituée. La représentation de la femme devient alors un écran contre ou pour le désir. Les légendes arthuriennes sont utilisées afin de mettre en garde contre le potentiel destructeur de la sensualité féminine ou bien, au contraire, offrent un espace pour la satisfaction du désir masculin de l'auteur et du lecteur/spectateur par le biais d'une sublimation artistique. Dès lors, derrière le visage de la femme arthurienne se dessinent les fantasmes sexuels et artistiques des auteurs victoriens et des peintres préraphaélites étouffés par les modèles idéels de leur sociétéIn the 19th century and at the beginning of the 20th, an arthurian revival took place in british litterature and painting. Many preraphaelite painters, but also several famous writers (like Scott, Wordsworth, Tennyson, Arnold, Morris, Swinburne, Hardy, Eliot, just to name a few of them) were deeply inspired by the world of Camelot and, more particulary, by the women who live at Arthur's court. Our diachronic study aims at underlining the evolution of the reprentation of those women : they progressively came into the limelight during the romantic period before disappearing once more during the modernist period to give way to the grail theme, the symbol of the existentialist quest led by the artists of the time. The victorian period was the most flourishing for the representation of woman. Nevertheless, it should not be dealt with separately from the historical context of those transpositions, that is to say the victorian society which was characterized by its dualist vision of feminity : the angel in the house confronted the fallen woman. The representation of woman became a screen for or against desire. The arthurian legends were used to warn against the destructive potential of feminine sensuality ; or, on the opposite, they offered room for the possible satisfaction of the male sexual drives of the author or of the reader/spectator through an artistic sublimation. As a consequence, behind the face of the arthurian woman, the sexual and artistic fantasies of the victorian writers and preraphaelite painters - stifled by the social standards of their time - can be discerned
20
Peyroux, Sarah. "Marginaux et marginalité dans la poésie anglaise, 1770-1812." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030117.
Full textAbstract:
Les marginaux sont légion dans la poésie préromantique anglaise. Paysans dépossédés par la révolution agraire, prisonniers, vétérans, femmes abandonnées, orphelins, esclaves: toutes ces victimes de l'opression et de l'injustice des hommes attirent l'attention de poètes sentimentaux, et la sympathie de lecteurs philanthropes. Les gueux, en revanche, pauvres oisifs ou vagabonds, sont stigmatisés, raillés ou diabolisés, parce qu'ils s'opposent à l'éthique bourgeoise du travail, de la famille et de la parcimonie, que cautionnent nombre de poètes. Leurs pièces, toutefois, se ressentent de catégories esthétiques nouvelles (sublime et pittoresque) et d'aspirations primitivistes: elles adoptent les mots du peuple et le mètre de ses chants, ennoblissent le sauvage, ou le guerrier des temps barbares. Ainsi magnifiés, le marginal peut devenir le double du poète, et la marginalité, la norme de toute écriture poétique. Cette étude, en s'appuyant notamment sur les oeuvres de George Crabbe, de William Wordsworth et de Robert Burns, cherche à saisir comment ce questionnement sur la marginalité participe d'un tournant dans l'histoire littéraire, politique, sociale et culturelle de l'AngleterreOutcasts are legion in English poetry of the "pre-Romantic" age. Poor peasants dispossessed by the Agricultural Revolution, prisoners, veterans, deserted women, apprenticed orphans, black slaves capture the sentimental poet's attention, and attract the philanthropic reader's sympathy. All of them are presented as victims of oppression and injustice. On the contrary, rogues, vagabonds and idle beggars are stigmatised: either laughed at, or pictured as a threat for the rest of society. They are opposed to a bourgeois ideal of frugal, industrious, domestic happiness praised by most. However, new aesthetic categories (the sublime and the picturesque), major philosophic trends, such as primitivism, are endorsed by the poets, who borrow simple words and metres from popular culture, extol the noble savage, and conjure up barbaric times. Thus magnified, "marginal men" can become doubles for the poet, and "marginality," the norm of poetic writing. The present research investigates this multifaceted approach to outcasts and outsiders as a turning point in British social, political, cultural and literary history. It focuses on the works of George Crabbe, William Wordsworth, and Robert Burns among others
21
Michel, Jean-Yves. "La mort en face : confrontations avec le crâne dans cinq tragédies anglaises de la renaissance tardive : "La Tragédie de l'athée", "La Tragédie du vengeur", "Hamlet", "La Duchesse d'Amalfi" et "Le Roi Lear"." Nancy 2, 2002. http://docnum.univ-lorraine.fr/public/NANCY2/doc130/2002NAN21018_1.pdf.
Full textAbstract:
Entre 1600 et 1620, le genre tragique élisabéthain a souvent recours à un emblème de memento mori :la confrontation de l'homme avec le visage de la mort. Cet emblème appartient à l'horizon culturel de l'époque : on le retrouve dans l'iconographie élisabéthaine et dans diverses pratiques culturelles de ce temps. Mais il se rapporte également à un registre archétypique. Le mot " skull ", dans les textes dramatiques, tout comme le crâne dans les mises en scène, sont à la fois des signes scéniques de memento mori et des éléments sémiotiques instables. En amplifiant la dimension affective du spectacle, ces signes indiquent l'existence d'une mort ensauvagée, rebelle à tout encadrement allégorique. Cette dualité défait ironiquement l'image conventionnelle de l'homme face au visage de la mort. Cette sémiosis ambivalente est étudiée dans cinq tragédies : La Tragédie de l'athée, La Tragédie du vengeur, Hamlet, La duchesse d'Amalfi et Le Roi LearBetween 1600 and 1620, Elizabethan and Jabobean tragedy often focuses on a macabre stereotype - characters are shown staring at the face of Death. This stereotype is largely borrowed from the cultural setting of Shakespeare's day, which was dominated by the visual display of death, as defined in the memento mori conventions. Both the text and the staging of the tragedies of that age are concerned with staring at the Face of Death. The word " skull " and the stage property that corresponds to it cannot merely be considered as emblems of mortality, because they are both linked with the achetypes of Death. Indeed, these macabre signs regularly emphasize the spontaneous response to the staging of violence and death, so much so that they tend to unveil a death that refuses to be controlled by any emblematic setting or allegorical strategy. This ambivalent theatrical semiosis is studied in five tragedies : The Atheist's Tragedy, The Revenger's Tragedy, Hamlet, The Duchess of Malfi and King Lear
22
Desset, Fabien. "Mythes et légendes dans l'oeuvre de Percy Bysshe Shelley : étude hypertextuelle de la poésie mythologique shelleyenne." Tours, 2007. http://www.theses.fr/2007TOUR2022.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d’étudier la poésie mythologique de Percy Bysshe Shelley en utilisant l’outil de l’hypertextualité formalisé par Gérard Genette et, subsidiairement, celui de la thématologie. Shelley étant un poète érudit et un grand admirateur des œuvres classiques de l’Antiquité, l’hypertextualité apparaît comme un outil tout désigné pour étudier sa mythologie, que l’on distinguera ici de la mythopoïée ou création de mythes nouveaux et non classiques. Cette thèse pose aussi la question de la légitimité des mythes dans le romantisme anglais, d’une part, en contextualisant la poésie mythologique de Shelley (hellénisme du XIXe siècle, poésies de Keats et de Wordsworth) et, d’autre part, en faisant une synthèse des théories shelleyennes pouvant expliquer l’emploi de mythes classiques dans sa poésie, mais aussi de légendes fantastiques empruntées au folklore. Il est question ici de trois œuvres de Shelley, ses traductions des Hymnes homériques et du Banquet, ainsi que « Prometheus Unbound »This work studies Percy Bysshe Shelley’s mythological poetry by using Gerard Genette’s theory of hypertextuality and, as a complement, the theory of thematology. Because Shelley is a learned poet and is particularly well-read in ancient literature, the hypertextual approach is a convenient tool to study his mythological poetry, which will be distinguished from his mythopoeic poetry or new, non-classical mythmaking. The aesthetic issue of the legitimacy of classical myths in Romanticism is also discussed, firstly, through the survey of Shelley’s literary context (19th century Hellenism, Wordsworth’s and Keats’s mythological poems) and, secondly, through the study of his various philosophical and aesthetic theories that may account for his use of mythology and folklore in his poetry. Three main works are considered here, Shelley’s translations of the Homeric hymns and Plato’s Symposium as well as ‘Prometheus Unbound’
23
Arru, Francesco. "La Vita Nova de Dante chez les écrivains de la deuxième moitié du XIXe siècle, en France, Italie, Grande-Bretagne." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040201.
Full textAbstract:
Dans notre travail, nous avons étudié l'intérêt suscité par la Vita Nova de Dante Alighieri, chez les écrivains de la deuxième moitié du XIXe siècle, en France, en Italie et en Grande-Bretagne. Après avoir analysé l'état de la connaissance de Dante et de la Vita Nova au début du XIXe siècle, nous nous sommes intéressés aux raisons et aux caractéristiques du regain d'intérêt pour ce texte mineur. Ensuite, nous avons étudié la façon dont la Vita Nova est devenue une source d'inspiration pour les écrivains, à partir de l'œuvre de D. G. Rossetti en Grande-Bretagne, rapidement connue et admiré en France et en Italie. Enfin, nous avons analysé les caractéristiques des réécritures et des réinterprétations du texte dantesque par les écrivains décadents et symbolistes, avant de montrer comment et pourquoi l'intérêt pour la Vita Nova a cessé, au début du XXe siècle.
24
Prungnaud, Joëlle. "Gothique et décadence : recherche sur la continuité d'un mythe et d'un genre au XIXe siècle, en Angleterre et en France." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040309.
Full textAbstract:
La première partie de notre travail traite de la continuité du mythe et du genre gothiques au XIXe siècle. Apres avoir justifié la validité de la notion de "mythe" appliquée au phénomène esthétique du "gothic revival", nous montrons selon quelles modalités cet héritage s'est transmis de génération en génération, sans discontinuité, tout au long du siècle. Puis, après avoir esquissé la typologie du "gothic novel", nous nous interrogeons sur la réception de ce genre romanesque après 1820, à partir d'une analyse des parodies et de la situation du roman gothique sur le marché de la librairie. L'examen de la titrologie nous permet de dégager les jalons d'une filiation littéraire, nous analysons ensuite les œuvres relais retenues : le roman noir de la restauration en France, le roman historique, le conte romantique et la littérature frénétique ; enfin, le roman populaire et le gothique victorien. Le deuxième volet de notre diptyque est consacré à l'exploration spécifique de la période fin-de-siècle (1880-1918). Nous envisageons tour à tour, et de manière symétrique, l'étude du mythe puis celle du genre gothique. Apres avoir abordé les conditions de réception de l'un et de l'autre, nous structurons nos analyses autour de deux axes essentiels : les deux éléments constitutifs du mythe que sont le moyen âge et la cathédrale, dans le premier cas ; les deux traits distinctifs du genre, soit la demeure noire et le personnage terrifiant, dans le deuxième cas (créatures de la science, revenant, vampire). Nous dégageons les caractéristiques du "gothique fin-de-siècle", qui renouvelle la thématique et la rhétorique d'une tradition littéraire menacée de sombrer dans le stéréotype et l'imitation. La décadence rend ainsi à l'esthétique de la terreur sa vitalité créatrice et sa féconde originalitéThe first part of our research paper deals with the continuity of gothic myth and genre in the 19th century. After an attempt to prove the merits of such a notion as "myth" applied to the gothic revival aesthetic movement, we point out how the tradition was transferred from generation to generation, without a gap throughout the century. Then, after having sketched the gothic novel typology, we inquire about the way this genre was received from 1820 onwards, through a study of both parodies and catalogue of new editions and reissues of the original works. The examination of novel titles discloses the literary relationship between the first gothic novelists and their followers. An analysis of chosen works as part of such a continuous stream is then proposed. The second part of our work is devoted to the study of the french fin-de-siècle period and british eighteen nineties. We develop symmetrically the study of both myth and genre. After a review of the conditions in which each was received by public and readers, we organize our reflections in two directions : on the one hand, the constituent elements of gothic myth which are medievalism and praise of cathedrals ; on the other hand, the two main components of gothic genre i. E. The sinister mansion pattern and the hero-villain figure. We bring out the main features of "decadent gothic", which revived the themes and form of a literary tradition that would otherwise have been lost in commonplace imitation or hackneyed expression. Thus we see how decadence keeps the tale of terror alive and fully restores its richness and fruitfulness
25
Pauthier, Moghaddassi Fanny. "Géographies du monde, géographies de l’âme : le voyage dans la littérature anglaise de la fin du Moyen Âge." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040064.
Full textAbstract:
La littérature anglaise de la fin du Moyen Age fait une large place au thème du voyage. Récits d’exploration du monde (Mandeville’s Travels, Saint Brendan ou encore Kyng Alisaunder), de découverte de l’Au-delà (Saint Patrick et The Vision of Tundale) et d’aventures chevaleresques (Sir Orfeo, Sir Degarre et Floris and Blauncheflour) prétendent tous, à des degrés divers, représenter la réalité du monde. Ils dessinent une géographie de la terre marquée par la proximité entre les vivants et les morts et la prégnance du merveilleux. Toutefois, la visite ne débouche pas sur une prise de possession de l’espace. Au contraire, tout se passe comme si c’était l’ailleurs qui pénétrait le voyageur et se saisissait de lui. Le voyage se révèle alors visite d’un espace intérieur : parcours psychologique individuel, le trajet éclaire aussi l’image qu’une société toute entière se fait d’elle-même. L’altérité engage donc une réflexion sur l’identité dont l’enjeu véritable, aux yeux des auteurs, s’avère le progrès de l’âme vers Dieu, quête paradigmatique de tous les voyagesEnglish literature from the late Middle Ages largely resorts to the theme of travelling. Narrating explorations (Mandeville’s Travels, Saint Brendan, or Kyng Alisaunder), travels in the beyond (Saint Patrick, The Vision of Tundale) or the adventures of wandering knights (Sir Orfeo, Sir Degarre and Floris and Blauncheflour), such literature always aims, in different ways, at representing the real world. It traces a geography of the earth characterised by the proximity between the living and the dead and the presence of the marvellous. Nevertheless, the exploration does not lead to the conquest of the places visited : on the contrary, the otherness of the new worlds makes its way into the traveller and takes possession of him. The journey then appears as the visit of an inner space : it reflects the psychological evolution of an individual and the way a society looks at itself. What is ‘other’ questions the identity of the traveller and in the eyes of the writers, the real stake of this movement is the soul’s quest for God
26
Ayache, Lydie. "L'image de la femme dans le roman anglais, 1836-1876." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040278.
Full textAbstract:
Le roman, genre littéraire créé en Angleterre au XVIIIe siècle, a connu au XIXe siècle un développement considérable et une immense popularité. Les grands auteurs anglais ne furent plus le privilège d'une élite, mais furent lus par l'ensemble de la population, à tel point que l'on se servit de ce phénomène de société pour former et policer les mœurs. Un modèle littéraire féminin victorien se créa, qui inspira aux écrivains du XIXe siècle des œuvres remarquables. Mon étude suit l'évolution de ce modèle féminin au cours du XIXe siècle dans les romans de W. M. Thackeray, de C. Dickens, des sœurs Brontë, et de G. Eliot. Mon but est de montrer que les écrivains, pendant cette période, ont utilisé cet idéal féminin victorien de façon constante et que, ce faisant, ils ont créé des procèdes littéraires nouveaux qui donnent de la femme une image plus authentique qu'elle ne l'était avantThe novel, a literary genre which was created in England in the 18th century, developed immensely and became very popular in the 19th century. The great authors were no longer the privilege of the elite, but were read by an increasing number of readers in such a constant way that they were used to improve the morals of the population. A new literary ideal was invented, and it inspired a series of remarkable novels. My work deals with this new feminine ideal, and follows its evolution in the 19th century literary production, through the novels of William M. Thackeray, Charles Dickens, Charlotte, Emily, Anne Brontë and George Eliot. My aim is to show that, thanks to the Victorian ideal, these great authors found new literary devices which revealed a deeper and more authentic image of woman
27
Schnebelen, Florence. "Expérience et identité romantique : les configurations de l’expérience dans la littérature allemande, anglaise et française du romantisme émergent (1795-1818)." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL127.
Full textAbstract:
Notion scientifique et philosophique majeure du XVIIIe siècle, l’expérience s’affirme dans les œuvres du romantisme émergent (1795-1818) à la fois comme un thème privilégié et comme le support d’une élaboration esthétique. Étudier l’appropriation plurivoque de la notion d’expérience dans un corpus comparatiste (Novalis, Mme de Stäel, Coleridge, Tieck, Senancour, Keats, etc.) permet d’examiner, contre un certain héritage de l’histoire littéraire, les nuances de l’identité romantique alors en train de se constituer. L’analyse poétique, couplée à la perspective diachronique qui est celle de l’histoire des idées, fait voir la richesse des conceptions et des attitudes du romantisme en lien avec l’expérience, de la quête à la résignation, de la célébration de l’action au repli introspectif, tout en permettant d’interroger la réception critique et universitaire des œuvres et leur rôle dans la construction d’une certaine identité romantiqueA major scientific and philosophical concept of the eighteenth century, the Experience manifests itself in the works of the new emerging Romanticism (1795-1818); both as a privileged theme and as a contribution to an aesthetic construction.Studying the polyvocal understanding of the notion of experience in a comparative corpus, like in Novalis’, Mme de Stäel’s, Coleridge’s, Tieck’s, Senancour’s, Keats’s, to mention a few, makes it possible to observe, against a certain legacy of literary history, the nuances in the Romantic identity during its own making. The poetic analysis, combined with the diachronic perspective of the history of ideas, shows the wealth of conceptions and attitudes of Romanticism in relation to experience, from the quest to resignation, and from celebration of action to the introspective withdrawal; all while allowing the critical and academic reception of such works to be questioned regarding their role in the construction of a certain Romantic identity
28
Borie, Charlotte. "La poétique de l'intériorité chez Charlotte et Emily Brontë." Toulouse 2, 2009. http://www.theses.fr/2009TOU20041.
Full textAbstract:
Au cœur de l'écriture de Charlotte et Emily Brontë se trouve la question de la formation de l'identité et du saisissement de soi par le sujet (essentiellement féminin). Dans Jane Eyre, Villette, Wuthering Heights et la poésie d'Emily Brontë, le lecteur suit personnages principaux et personae tout au long d'un parcours qui les amène à prendre possession d'eux-mêmes, à trouver leur place dans le monde, à s'y inscrire et à pouvoir transmettre une vision de leur intériorité. Le processus d'intériorisation comprend quatre phases. La première s'organise autour de la perception. Les sujets découvrent le monde et apprennent à son contact la nécessité de rechercher, voire de créer la sensation d'appartenance pour atteindre le bonheur. Déçus par le monde, ils se replient alors sur eux-mêmes, et commence alors la phase de ressenti. Les sujets passent de la perception à l'intellection, forment leurs schémas mentaux, et tentent de recréer en eux-mêmes, virtuellement, les conditions du bonheur. L'imagination joue un rôle majeur dans cette entreprise, mais à terme, le refuge intérieur devient un enfermement, par l'expansion pathologique de l'intériorité et le manque de réel. Les sujets ressentent alors l'impérieuse nécessité d'extérioriser. La troisième phase s'amorce donc autour des problématiques d'expression. Les sujets, à travers la prise de parole, l'écriture et la pratique picturale, trouvent des canaux pour épancher leur intériorité autant que pour la mettre en forme. Le résultat de leur extériorisation donne lieu à la quatrième phase, celle du reçu, au cours de laquelle les lecteurs intimes et performants continuent l'entreprise de construction de l'identitéThe development of identity and the process of self-possession is at the heart of Charlotte and Emily Brontë's writing. In Jane Eyre, Villette, Wuthering Heights and Emily Brontë's poetry, the reader follows the characters and personae (who are essentially female) through the life-voyage which brings them to get to know themselves, find their place in the world, inscribe themselves in it and transmit a vision of their interiority. The process of interiorisation consists in four phases. The first phase is about perception. The subjects discover the world and learn from this contact the necessity of searching for, and even recreating, the sense of belonging in order to gain happiness. Disappointed in the world, they withdraw into themselves, and the phase of feeling starts. The subjects shift from perception to intellection, shape their mental patterns, and try to recreate within themselves, virtually, the conditions of happiness. Imagination plays a major part in this process, but eventually, the inner shelter becomes a prison through the pathological expansion of interiority and the lack of reality. The third phase then begins, revolving around the idea of expression. The subjects, through speech, writing or painting, find ways to let out as much as frame their interiority. The result of their exteriorisation brings about the fourth phase, that of reception, during which intimate and competent readers carry on the process of the construction of identity
29
Llasera, Margaret. "Représentations scientifiques et images poétiques en Angleterre de 1600 à 1660." Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1996PA030035.
Full textAbstract:
Dans cette these est examinee la correlation entre les representations mentales, souvent imagees, que se font les hommes de science des phenomenes naturels, et les images scientifiques que forgent les poetes, inspires par ces memes phenomenes : l'homme de science comme le poete emploie analogies et metaphores. Dans la poesie anglaise des annees 16001660, periode fertile en decouvertes scientifiques, l'image scientifique connait une veritable vogue. Les sciences etudiees - le magnetisme, l'optique, l'astronomie, la meteorologie, l7alchimie et la medecine - ont en commun de traiter des phenomenes, souvent invisibles, qui sont lies au mouvement, a l'epoque de la constitution de la mecanique classique. La poesie "metaphysique", caracterisee par l'emploi de metaphores complexes, est au centre de l'analyse qui privilegie l'oeuvre de john donne, henry vaughan, andrew marvell et george herbert, mais qui s'elargit a d'autres ecrivains, comme george chapman, william shakespeare, ben jonson et surtout john milton, dans la mesure ou ils utilisent dans leurs vers des images scientifiquesThis thesis examines the correlation between scientists' mental representations of natural phenomena, representations that are themselves often images, and the scientific imagery forged by poets who are inspired by the same phenomena; analogy and metaphore are used by poet and scientist alike. In english poetry of the earlier seventeenth century, a period known for its many scientific discoveries, scientific imagery is highly fashionable. The sciences studied here - magnetism, optics, astronomy, meteorology, alchemy and medicine - all deal with phenomena, frequently invisible, that are linked to motion, at a time when classical mechanics is being constituted. "metaphysical" poetry, characterized by the use of complex metaphors (or conceits), is at the centre of our analysis which gives particular importance to the poetry of john donne, henry vaughan, andrew marvell and george herbert, but also embraces the work of other writers, such as george champman, william shakespeare, ben jhonson and above all john milton, insofar as they incorporate scientific imagery into their verse
30
Valenti, Josette. "Image de la femme dans la première tétralogie de Shakespeare." Aix-Marseille 1, 1996. http://www.theses.fr/1996AIX10116.
Full textAbstract:
Dans le monde guerrier de la 1er tetralogie-guerre de cent ans; guerre des deux roses - la femme est tenue de rester a la place que lui ont attribuee dieu et les hommes. Elle se doit de rester au foyer, humble et soumise, comme une belle image, mievre et glacee, car elle est, par nature, inferieure a l'homme lorsqu'elle revendique sa place sur le terrain ou de la diplomatie, elle dechaine les passions : on lui pardonne mal sa demarche libertaire et egalitaire, surtout lorsqu'elle est couronnee de succes. Deux grandes figures feminines dominent la 1e tetralogie : jeanne d'arc et marguerite d'anjou, creatures proteiformes, qui subissent toute une serie d'avatars. Elles sont d'abord conformes au cliche traditionnel : jeunes vierges rayonnantes de beaute et d'esprit. Mais lorsqu'elles se piquent d'emprunter l'habit et le role du guerrier, elles se designent comme catins (car le travestissement est connote sexuellement), et comme viragos, avatars terrestres de l'amazone (qui n'existe que dans l'imaginaire masculin). De plus, elles sont subversives, car elles s'approprient le role de l'homme, demissionnaire, bouleversant ainsi l'ordre etabli par dieu et les hommes. Elles finissent par devenir de hideuses sorcieres, des furies honnies par les hommes, dont elles ont provoque la colere et la terreur. Le cliche initial, la belle icone doree, prend peu a peu la couleur rouge sang, pour s'eteindre finalement dans le ton gris et froid de la cendre
31
Fourcade, Guillaume. "L'écriture et ses miroirs dans les poèmes et les sermons de John Donne (1572-1631)." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040105.
Full textAbstract:
Cette étude propose une approche transversale des poèmes et Sermons de John Donne (1572-1631), et explore selon deux axes la réflexivité de ces textes littéraires et du geste d'écriture qui les produit. En premier lieu, la notion de réflexivité mimétique est utilisée pour décrire l'aptitude de l'écrit poétique et homilétique à renvoyer et dupliquer par sa forme l'objet de son discours. En second lieu, lorsque les textes énoncent en miroir les caractéristiques de leur poétique, l'acte de création qui les engendre se réfléchit également en eux : leur réflexivité, que l'on appellera programmatique, peut alors être conçue comme l'exposé auto-référentiel d'un art poétique. Les jeux de miroirs qui caractérisent l'écriture, à la fois comme texte et comme geste, sont analysés dans un parcours en quatre étapes, allant de l'ontologique au phénoménologique : mort-absence, ruptures-continuités-proliférations, mémoire, marge et pli. Cette étude cherche à cerner les multiples complexités et instabilités du sens qu'induisent les effets spéculaires des textes. A cette fin, elle recourt en particulier à des concepts empruntés à la théorie de la déconstructionThis cross-study of John Donne's (1572-1631) poems and Sermons explores along two lines the reflexive nature characterizing these literary texts and the act of writing that produces them. First, the concept of mimetic reflexivity describes the process through which the form of these poetic and homiletic writings mirrors and duplicates their objects of discourse. Secondly, when the texts are to themselves their own mirrors and self-reflexively bring out their own poetics, the creative act that engenders them appears in turn self-defined. Both are endowed with what will be called programmatic reflexivity, namely the self-referential description of their poetic principles. The specular quality of writing, both as text and as act, is analysed in an ontological-to-phenomenological sequence in four steps: death-absence, fragmentation-continuity-proliferation, memory, margins and folds. In an attempt to trace the many intricacies and instabilities of meaning produced by the mirror effects of the texts, this study resorts in particular to concepts borrowed from deconstruction theory
32
Avner, Jane. "Topographies du désir : le jardin anglais à la Renaissance et ses représentations dans les textes de l'époque." Paris 13, 1995. http://www.theses.fr/1995PA131024.
Full textAbstract:
Cette these se propose d'explorer l'espace du jardin anglais a la renaissance. Il s'agit de cerner les configurations ou ce que l'on peut appeler les "topographies" du desir, telles qu'elles s'inscrivent dans les jardins, tant imaginaires que reels, crees entre 1575 et 1608. La these comporte deux parties. Dans la premiere sont explorees les composantes principales de l'espace du jardin et leur rapport avec la tradition, le pouvoir politique et social ainsi qu'a d'autres expressions culturelles. Des representations elisabethaines du jardin d'eden et du wilderness (l'espace sauvage) sont etudiees ainsi que la maniere dont elles s'imbriquent dans l'espace du jardin. Nous soutenons que c'est le wilderness, au sens figure comme au sens propre, aui devient le signifiant privilegie du desir dans les jardins de cette epoque. La deuxieme partie est consacree a l'analyse des representations textuelles du jardin et aux taxinomies du desir qui s'y trouvent inscrites. Les multiples facons dont les elements du jardin sont recrees dans les jardins elisabethains sont etudiees dans trois types de textes. Il est question du traite de jardinage et tout particlulierement du floraes paradise de hugh platt; de documents historiques extraits des progresses de john nichols; enfin d'un texte poetique, le "bowre of blisse" decrit par edmunt spenser dans the faerie queene. Ces textes renvoient a des topographies distinctes : alchimiques, emblematiques, imaginaires. Nous explorons les pratiques scientifiques, courtoises et poetiques qui sous-tendent ces visions respectives du jardin et determinent le caractere proprement elisabethain de sa geographie du desir. Enfin, il s'agit de rendre plus intelligible l'espace de ces jardins dont l'interet a ete si largement occulte par le celebre style paysager du dix-huitieme siecle.
33
Picy, Jean-Baptiste. "L'imaginaire de Tennyson, 1820-1892." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040087.
Full textAbstract:
Ces travaux de recherche concernent le domaine des études victoriennes, au travers d'un éminent victorien s'il en fut, le poète lauréat Alfred, Lord Tennyson (1809-1892). Ainsi que l'indique son titre, "l'imaginaire de Tennyson, 1820-1892" a pour objet précis un domaine de la poétique: l'imaginaire. Par une étude de l'œuvre en six parties chronologiques, la thèse analyse les images poétiques sous tous leurs aspects: la symbolique, la métaphore, la psychologie, la portée idéologique, la dimension picturale, l'insertion dans l'histoire littéraire. La thèse tend à démontrer: 1) que Tennyson révèle par le corps de son œuvre l'histoire des valeurs de la culture victorienne; 2) que Tennyson n'a cessé d'alimenter la culture de l’Angleterre victorienne minoritaire et constitue le chainon manquant reliant l'esthétisme de Keats à celui de Pater; 3) que Tennyson est le premier détenteur d'importance d'une poétique des compromis et des cohabitations paradoxales qu'imposent à la fois l'histoire britannique et l'ère marchandeThis research production is directly relevant to victorian studies, as it deals with quite an 'eminent victorian': the poet laureate, Alfred, Lord Tennyson (1809-1892). As is suggested by its title, Tennyson's imagery, 1820-1892 is in fact concerned with a specific field of poetics: imagery. Through an exhaustive study of tennyson's works along six chronological parts, this thesis proceeds with the analysis of poetical imagery in every important respect: symbols, metaphors, psychology, ideology, pictorial meaning, contextual literary relevance. The demonstrative aim consists in bearing sufficient proof that: a) Tennyson revealed, through the imagery in his works, part of the history of values current in succession within mainstream victorian culture; b) Tennyson meanwhile kept on feeding the cultural material used by victorian dissidents and stood as the missing-link between keat's aestheticism and pater's; c) Tennyson was the first major upholder of contradictory poetics of compromise, on account of the general paradoxes imposed on the poet through both britain's historical position and its triumphant industrial era
34
Vasset, Sophie. "Décrire, prescrire, guérir : correspondances entre discours médical et discours fictionnel 1719-1771." Paris 7, 2006. http://www.theses.fr/2006PA070076.
Full textAbstract:
Cette thèse propose d'étudier la fiction anglaise de la première moitié du dix-huitième siècle en regard de la médecine populaire de la même époque. Daniel Defoe, Samuel Richardson, Henry Fielding, Tobias Smollett and Laurence Sterne utilisent certains éléments du discours médical afin de justifier leur entreprise littéraire. Selon eux, la fiction peut prévenir le lecteur contre le vice (c'est l'époque de l'inoculation), ou même le guérir de ses maux. En suivant les trois étapes de la démarche médicale—décrire, prescrire, guérir— cette étude interdisciplinaire examine autour de quelles représentations de l'individu les discours fictionnels et médicaux se rejoignent, s'opposent, ou plus simplement se répondent. La description du vivant, essentielle à la médecine, devient l'intérêt de la fiction réaliste, qui se réfère métaphoriquement à certains schémas médicaux comme celui de la circulation sanguine. Les auteurs de fiction, comme ceux la médecine populaire et didactique, développent de nombreuses stratégies prescriptives : la lecture est alors censée aider le lecteur à organiser sa vie quotidienne, et guide la façon dont il doit s'occuper de son corps. Enfin, la fiction comme la médecine promettent de guérir le lecteur par le mouvement de l'exercice et de la purge, de la pensée et du rire. La satire opère un traitement plus corrosif que les écrivains justifient par la violence que le traitement médical inflige au corps souffrantThis study of Eighteenth-Century fiction and medicine (1719-1771) aims at presenting an interdisciplinary analysis of both discourses. Daniel Defoe, Samuel Richardson, Henry Fielding, Tobias Smollett and Laurence Sterne use some elements of the medical discourse to justify their literary enterprise. They tend to argue that fiction can prevent the reader against vice, or even cure him. To study how medical and fictional discourse interact with each other, this analysis follows the tree steps of the medical process—description, prescription and treatment. The description of life—so essential to the medical thought—is becoming the vital concern of realistic fiction, which assimilates some medical principles such as circulation. Many prescriptive strategies are enacted by authors of fiction and medical doctors who write about domestic life, suggesting some proper ways of dealing with one's body. Finally, both fiction and medicine offer to cure through movement, by exercising and purging, thinking and laughing. Corrosive satirical laughs are assimilated to a certain healing violence often associated with the medical treatment
35
Gheeraert-Graffeuille, Claire. "La cuisine et le forum : images et paroles de femmes pendant la Révolution anglaise (1640-1660)." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030124.
Full textAbstract:
Les circonstances exceptionnelles de la Révolution bouleversent les rôles féminins traditionnels et brouillent les frontières entre le public et le prive. En s'exprimant sur le forum, sous couvert du souffle divin, des prophétesses revendiquent une autorité qui, sans attaquer de front l'idéologie patriarcale, conteste la soumission et le silence auxquels elles sont censées se conformer. D'autres femmes sont suffisamment hardies pour se libérer de la tutelle religieuse et donner leur point de vue sur elles-mêmes et sur l'histoire. Les revendications des pétitionnaires londoniennes, le témoignage des mémorialistes et de quelques femmes de lettres font voler en éclats les tabous qui pèsent sur l'écriture féminine. Cependant, la Révolution ne contribue pas à l'émancipation des femmes : à part Margaret Cavendish, aucun de nos auteurs ne cherche à améliorer la condition féminine. En outre, les autorités morales et politiques continuent à affirmer les vertus du patriarcat d'autant plus vigoureusement que dans les mentalités le sentiment d'une crise de la famille est vif. Enfin, de nombreux polémistes cherchent de toutes leurs forces à neutraliser le danger que représente selon eux l'autonomie nouvelle des femmes : leur volonté de les ridiculiser n'atteste-t-elle pas en même temps la force de ces figures hors normes sur l'imaginaire politique et religieux de la Révolution.
36
Mechacha, Fatiha. "De l'innocence à la perversité : représentations de l'enfance dans le roman victorien." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030054.
Full textAbstract:
Ce travail traite de la representation de l'enfance dans le roman victorien. D'autres chercheurs et critiques ont aborde ce sujet auparavant, mais tres peu [ voire aucun ] d'entre eux se sont penches sur l'aspect evolutif (du theme) que je voudrais rendre dans cette etude. La representation de l'enfance dans le roman du dix neuvieme siecle etait, en grande partie, tributaire de l'evolution des conditions sociales et historiques. Dickens, avec l'interet particulier qu'il portait a l'enfance, a certainement ouvert la voie a d'autres romanciers qui se sont mis aussi a explorer le monde des enfants et des abus auxquels ceux - ci etaient sujets. L'ecriture jamesienne - a la fin du siecle - a, en revanche, totalement revolutionne la representation de l'enfance. James dote l'enfance de nouvellesimages. L'autre aspect important de cette recherche a trait a la comparaison entre la representation de l'enfance dans le roman << feminin >> et dans le roman << masculin >> : les bronte et george eliot ont certainement de nombreux points communs avec d'autres romanciers (pour ce qui est du traitement de l'enfance), il faut pourtant reconnaitre l'evidence d'un style, et donc d'une vision de l'enfance, propres au roman feminin. Je ne pretends pas a l'exhaustivite, tout comme je ne cherche pas a atteindre des conclusions bien determinees. Mon seul objectif est de mettre en avant des points de vues synthetiques et originaux, specifiques aux auteurs etudies, qui pourraient donner lieu a d'autres etudes sur le sujet.
37
Nji, Zorro Tangry. "L'exotisme en Afrique et en Amérique dans les romans de Daniel Defoe." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040281.
Full textAbstract:
Le sentiment d'exotisme, apparu dès l'époque des grandes découvertes, s'est considérablement développé en Europe à partir du milieu du XVIIe siècle. En Angleterre, au début du XVIIIe siècle, Daniel Defoe s'est distingué grâce à ses romans d'aventures (Robinson Crusoé, Farther adventures of Robinson Crusoé, Serious reflections during the life and surprizing adventures of Robinson Crusoe, Colonel Jacque, Moll Flanders, Captain Singleton et Roxana). Les protagonistes de Daniel Defoe abandonnent le pays natal pour le « merveilleux lointain ». Pendant leurs voyages, ils découvrent le sentiment d'étrangeté. Ainsi, le romancier suscite-t-il l'intérêt pour l'exotisme. Par ailleurs, ses personnages éponymes permettent à Defoe d'instaurer une critique sans relâche des civilisations africaines et américaines. Les héros de ses romans, particulièrement Robinson Crusoe et Captain Singleton, semblent rejeter ces peuples dont les cultures et les traditions leurs paraissent insensées. Cependant, ces héros incarnent souvent l'exploitation économique que les européens exercent sur ces peuples étrangers et sur leurs matières premières. Enfin, Defoe utilise aussi le monde lointain pour participer à la mode des romans d'aventures exotiques de son temps. Mais, au lieu d'admirer ce monde exotique, il l'exploite essentiellement pour l'intérêt économique : voilà ce que nous retenons dans l'ensemble de l'œuvre de ce romancier.
38
Maron, Dominique. "Acceptation et critique du rôle des femmes dans la société dans les écrits de Jane Austen (1775-1817)." Lille 3, 2010. http://www.theses.fr/2010LIL30068.
Full textAbstract:
Dans la thèse, on s'interroge sur la position de la romancière anglaise Jane Austen concernant le rôle des femmes dans la société à travers la totalité de ses écrits. On se posera la question de savoir si elle est conformiste, subversive ou ambivalente. A travers son mode de vie, ses convictions, les thèmes qu'elle aborde ainsi que les qualités qu'elle attribue à ses héroïnes, elle se révèle conventionnelle alors même que son ambiguïté apparaît car, dans le cadre des normes imposées par la communauté, elle stigmatise ceux qui placent les femmes à la marge. Jane Austen déconstruit les stéréotypes féminins et masculins mis en place par la société patriarcale et manifeste son désaccord sur le rôle laissé aux femmes dans l'organisation sociale où elle vit en mettant celles-là en avant par le biais de stratégies narratives qui leur accordent la prééminence et leur donnent la parole. Elle signale la conception particulière qu'elles peuvent avoir du temps et le bénéfice qu'elles ont la possibilité de retirer de l'espace où elles évoluent. Par l'intermédiaire de leur corps et des activités qu'il leur permet d'exercer ainsi que par celui des animaux, des plantes et des objets, elle montre sa désapprobation de la place limitée accordée aux femmes et sa volonté de leur indiquer des stratégies qui peuvent les aider à survivre dans une société qui les défavoriseThe point of this thesis is to study the conception of the English novelist Jane Austen on women's role in society in all her writings. One will try to determine whether she has a conformist, subversive or ambiguous position. Through her way of life, her creeds, and the themes she tackles, as well as the qualities she endows her heroines with, she turns out to be conformist whereas she appears ambiguous because, within the norms imposed by the community, she criticizes those put women aside. Jane Austen deconstructs the feminine and masculine stereotypes installed by the patriarcal society and shows her disagreement regarding the part left for women to play in the social organization she lives in, putting them ahead through narrative strategies that give them the first place and enable them to express themselves. She indicates the particular way they may consider time and the weather, and the profit they can make from the space they live in. By the intermediary of their body and the activities it enables them to practice as well as thanks to animals, plants and objects, she shows her disapproval of the limited place allowed to women and her wish to show them strategies which can help them to survive in an unfavourable society
39
Prévot, Valentine. "L'aventure du masculin : les aléas de la création d'une masculinité idéale dans les romans d'aventures britanniques pour garçons, 1830-1860." Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCC076.
Full textAbstract:
Les romans d'aventures pour garçons des années 1830-1860 ont pour protagonistes de jeunes héros en quête d'aventure et d'horizons lointains dont l'itinéraire à travers les espaces coloniaux britanniques est un véritable cheminement initiatique vers un idéal masculin. La construction imaginée de l'identité masculine victorienne se situe à la croisée des chemins entre plusieurs traditions et images idéalisées de ce qu'« être un homme » signifie dans les premières décennies du règne de Victoria : entre virilité chrétienne et christianisme musculaire, entre figures du gentleman, du chevalier et du héros, ce qui se joue dans le roman d'aventures pour garçons c'est la production en palimpseste d'une masculinité idéalisée. Quelles images, normes et stéréotypes sont mis en jeu ? Comment circulent-ils et sont-ils mis en circulation ? Comment le cheminement vers un modèle dominant de masculinité est-il mis en mots et représenté par une grammaire ? Le texte littéraire enfante une « mise en scène » du genre, entre imitation et incorporation des normes, normes qui peuvent être par ailleurs contournées, voire renversées dans un processus d'hybridation des jeunes Britanniques au contact d'une altérité géographique, culturelle et genrée. Le lecteur est ainsi rapidement confronté aux aléas de romans moins figés que l'on pourrait le penser, romans qui s'avèrent être le site de production non pas d'une, mais de plusieurs masculinités en proie à des phénomènes de friction et d'interpénétrationThe main characters in boys' adventure stories between the 1830s and the 1860s are young heroes on a quest to find adventure and remote horizons. Their itinerary through British colonial spaces is an initiatory progress towards a masculine ideal. This imagined fashioning of male identity is located at a crossroads between several traditions and idealized images of what "being a man" meant in the first decades of Queen Victoria's reign: between Christian manliness and muscular Christianity, figures of the gentleman, the knight and the hero, it is the palimpsestic production of an idealised masculinity which is being played out in those narratives. Which images, stereotypes and norms are brought into play? How do they circulate and how are they circulated? How is the progress towards a dominant model of masculinity narrated and illustrated by a grammar? The literary text gives birth to a specific staging of gender, between the imitation and the incorporation of norms, norm which can be otherwise circumvented, or even turned upside down through hybridization processes that these British boys are subjected to in the contact with geographical, cultural and gendered otherness. The reader is rapidly confronted to the fluctuation of novels which are much less rigid than one could anticipate. These novels turn out to be the production site of several masculinities which are experiencing phenomena of friction and interpenetration
40
Izarra, Salomon de. "L'écriture de l'enfermement : de la narration de de l'incarcération aux perspectives et illusions d'évasion et de métamorphose." Thesis, Tours, 2017. http://www.theses.fr/2017TOUR2020/document.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour but d’analyser les caractéristiques d’une métamorphose dans la littérature carcérale, à travers l’analyse d’oeuvres de Jean Genet, de Victor Hugo, de Jack London et d’Oscar Wilde. Elle consiste donc à mettre en valeur les différentes étapes de ce processus, d’en comprendre les causes et les conséquences. Nous nous intéressons donc à l’histoire des systèmes carcéraux en Californie, en Angleterre et en France, puis aux clichés qui sont légion dans la littérature carcérale. Nous nous attardons ensuite sur les causes de la métamorphose à travers les méfaits de la prison et la réponse en conséquence des détenus. Enfin, notre dernière partie concerne les aspects plus inattendus de la carcéralité et le difficile retour à la vie civileThe goal of this thesis is to analyze caracteristics of a metamorphosis in the prison literature, by the analysis of works by Jean Genet, Victor Hugo, Jack London and Oscar Wilde. Therefore, it consists in highlighting the different stages of this processus, of understanding its causes and consequences. We focus on the history of prison systems in California, England and France, then to the clichés, which are numerous into the prison literature. Then we look at the causes of the metamorphosis through the mischiefs of prison and the answer accordingly of the detainees. Finally, our last part concerns the unexpected aspects of the imprisonment, and the difficult return to civil life
41
Gillard-Estrada, Anne-Florence. "The Greek Paradox : Walter Pater - L'hellénisme et la Grèce." Paris 7, 2002. http://www.theses.fr/2002PA070028.
Full textAbstract:
Cette recherche s'inscrit dans le cadre de l'étude de la place de la Grèce et de l'Hellénisme dans la littérature, l'histoire des idées, la critique d'art et l'esthétique de la seconde moitié du XIXè siècle en Grande-Bretagne. Elle montre comment Walter Pater joua un rôle central dans la construction d'une vision particulière de la Grèce. Pater, qui publia de nombreux essais et récits de fiction entre 1866 et 1894, formula un idéal de la Grèce aux contours très personnels. Sa conception de la Grèce s'inspirait du contexte oxonien dans lequel il évoluait et puisait dans une vaste érudition. Les études classiques de l'époque témoignent ainsi d'un regain pour Platon auquel Pater apporte sa propre contribution ; de nouvelles approches de la mythologie grecque influencent également l'écrivain, notamment pour sa fiction. Celui-ci répondait aux discours sur la Grèce de certains auteurs contemporains, notamment Matthew Arnold et Benjamin Jowett. Les réactions très critiques qui accueillirent parfois la publication de certains écrits de Pater mettent en relief la place problématique que tient la Grèce non seulement à l'époque victoriene, mais, plus particulièrement, dans l'oeuvre de Pater. Ce travail s'attache à montrer le rôle prépondérant pour l'auteur de cette "culture grecque" dont la définition est fort subjective, ainsi que le discours polémique que Pater veut attribuer à ce sujet. Une certaine conception de l'"idéal grec" met en jeu un projet plus audacieux encore, au centre duquel figure une approche nouvelle, moderne, voire scandaleuse, de la subjectivité, et principalement de l'identité masculine. Les stratégies de réécriture de l'écrivain sont à ce titre étudiées afin de déceler la trajectoire de cet "idéal grec" que Pater s'emploie à définir tout au long de sa carrière. Elles mettent au jour une conception de la Grèce et une approche de l'hellénisme riches en paradoxes et annonciatrices de nombreuses figures et thématiques du Décadentisme.
42
Girard, Romain. "Portrait des "professionals" en tant que narrateurs dans la fiction courte victorienne et édouardienne : les discours de pouvoir des médecins, des hommes d’église et des hommes de loi dans les nouvelles de Joseph Sheridan Le Fanu, Wilkie Collins et Arthur Conan Doyle." Thesis, Bordeaux 3, 2015. http://www.theses.fr/2015BOR30044/document.
Full textAbstract:
Les membres de la classe des professions, qu'ils soient narrateurs ou personnages, occupent une place à la fois centrale et équivoque dans le texte victorien, dans sa construction, sa composition. En effet, si cette place prépondérante paraît indiquer une prise de pouvoir de ces derniers, elle s'accompagne fréquemment d'une mise en question, voire d'une mise en danger de leur statut au sein du récit. Cette position paradoxale semble être le résultat du lien quasi-systématique (mais souvent sous-jacent) entre l'apparition d'un narrateur ou d'un personnage issu des professions et la déstabilisation des notions de signification et de vérité dans l'ensemble du texte. Nous étudierons les modalités et les outils de cette déstabilisation, mais aussi ses conséquences sur le corps du texte. Pour ce faire, nous nous concentrerons sur le support de la nouvelle véhiculée par les périodiques pour son caractère propice à l'expérimentation et sa grande diffusion auprès du lectorat victorien. Par ailleurs, nous avons centré notre corpus de textes sur Conan Doyle, Wilkie Collins et Le Fanu car ces derniers ont participé activement à la diffusion dans la littérature des idées propres aux classes moyennes et ont abondamment illustré les mutations sociales de cette classe durant la seconde moitié du XIXème siècle. Cela s’est fait à travers leurs nouvelles notamment, qui apparaissent comme le lieu privilégié de l’expression des interrogations concernant l'instabilité de certains discours structurants de la société : loi, religion et médecine. Ainsi, Joseph Sheridan Le Fanu, fils d’un homme d’église et féru de théologie, Arthur Conan Doyle, lui-même médecin de formation et William Wilkie Collins, homme de lettres portant un grand intérêt à la chose scientifique (comme le suggère son long roman didactique Heart and Science paru en 1883) ont tous trois contribué à la définition des relations particulières entre les membres des professions et le reste de la société victorienne. De plus, leur participation active à la publication des périodiques les plus lus de leur époque atteste de leur contribution importante à la définition de la pensée victorienneMembers of the middle class, particularly clergymen, doctors, and lawyers occupy a central place in Victorian literature, both as narrators and characters. However, it seems that this prominent place fosters questioning as much as empowerment. This paradoxical position seems to stem from the recurrent appearance of members of the professions in texts within which the principles of truth and meaning are undermined. Therefore, we will show how members of the professions, both as narrators and characters, put forward discursive strategies which allow them to manipulate the notion of truth and to destabilize meaning. In order to do so, we will study predominantly short stories, as this genre was favoured by Victorian writers as the locus of narrative and literary experimentation. Besides, this genre was widely read by Victorian audiences and can be seen as a privileged media for authors to express their doubts and commentaries on contemporary society. We have chosen to study the works of three authors in particular, who played a vital role in the bringing of the middle classes on the forefront of Victorian literary representation. Indeed, we will focus on Joseph Sheridan Le Fanu, the son of a clergyman and a man fascinated by the arcana of theology, Arthur Conan Doyle, a doctor himself, before he became a writer and William Wilkie Collins, who had a passion for science and the transformations its growing influence imposed on Victorian society. What is more, these three writers' active role in the establishment of the most popular Victorian periodicals attests to their vast contribution to the development of Victorian values
43
Corriou, Nolwenn. "Le retour de la momie : du gothique impérial au roman archéologique britannique, 1885 - 1937." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA137.
Full textAbstract:
Partant de la définition que donne Patrick Brantlinger du gothique impérial victorien, ce travail aborde la manière dont l’Egypte, à travers le prisme de l’archéologie, est devenue un objet littéraire dans les dernières années du XIXe siècle. À mi-chemin entre science et aventure impériale, l’archéologie – et, plus particulièrement, l’égyptologie – est vite devenue un motif gothique, comme en témoignent les nombreux romans et nouvelles qui composent le genre de la mummy fiction. En examinant les écrits de Bram Stoker, Henry Rider Haggard, Arthur Conan Doyle et Sax Rohmer, entre autres, cette thèse considère la manière dont le motif archéologique a parcouru différents genres populaires, depuis le roman d’aventures jusqu’au fantastique, avant d’être approprié par le roman policier. L’étude de ces textes révèle combien l’histoire antique de l’Egypte, liée à un imaginaire magique, fascinait autant qu’elle effrayait dans la mesure où elle semblait ébranler les certitudes de la science moderne. Dans le même temps, l’histoire politique contemporaine de l’Egypte – et son statut ambigu au sein de l’Empire britannique – générait également une certaine angoisse, qu’alimentait la crainte du déclin et de la dégénérescence de l’Empire et de la civilisation britannique. La représentation fictionnelle de l’antiquité égyptienne – et de la figure de la momie en particulier – traduit la peur grandissante avec laquelle les Britanniques considéraient un Empire qui, à la manière des momies égyptiennes, menaçait de se soulever et de se venger du colonisateur. C’est ainsi que l’archéologie peut être lue comme une métaphore des relations et des angoisses impériales tandis que la momie incarne ce que l’on peut interpréter comme un refoulé impérial arraché aux profondeurs de l’inconscient collectif britannique au moment même où Freud développait les méthodes de la psychanalyseTaking Patrick Brantlinger’s definition of late-Victorian imperial Gothic as a starting point, this dissertation considers how Egypt became a literary object in the late nineteenth century through the prism of archaeology. Pertaining as much to science as to imperial adventure, archaeology – and Egyptology in particular – soon entered fiction as a Gothic trope, as is evinced by the great number of novels and short stories that form the genre of mummy fiction. By focussing on texts by Bram Stoker, Henry Rider Haggard, Arthur Conan Doyle and Sax Rohmer, among others, this work examines how the archaeological motif travelled through various popular genres, from the adventure novel to the fantastic, before being taken up by writers of detective fiction. The study of these texts reveals that Egypt’s ancient history, full of magical potential, was an object of fascination as well as fear insofar as it seemed to shatter the certainties of modern science. Meanwhile, the modern political history of Egypt – and its ambiguous position within the British Empire – also engendered a certain anxiety, fuelled by a more general concern about the decline and degeneration of the Empire and British civilisation. The depiction of Egyptian antiquity in fiction – and the figure of the mummy in particular – conveys the growing unease with which the British viewed an Empire which, quite like Egyptian mummies, threatened to rise and wreak its revenge upon the coloniser. Thus, archaeology came to stand for a metaphor of imperial relations and anxieties while the mummy embodied what can be read as an imperial repressed excavated from the depths of the collective British subconscious at the time when Freud was developing the method of psychoanalysis
44
Annoussamy, Christophe. "Charles Dickens et le monde victorien dans l'oeuvre de Julien Green." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040149.
Full textAbstract:
Ce travail se propose de cerner la présence de Charles Dickens et du monde victorien dans l'œuvre de Julien Green, en en soulignant les manifestations probables, les spécificités, et les limites. La première partie montre comment le roman victorien prévaut dans les lectures de Green et comment, au sein du Journal, Dickens apparaît effectivement comme une figure privilégiée. Cette analyse permet de valider la solidité du " fait comparatiste " que nous voulons établir entre les œuvres de Green et de Dickens. C'est à partir d'un tel rapport que nous pouvons préciser les éléments d'un parallèle entre les deux œuvres, dans la deuxième partie. Les portraits féminins dickensiens ne sont pas sans trouver en effet quelques échos chez Green, dont l'humour évoque aussi les figures dickensiennes du grotesque et de la théâtralité, témoignant des tonalités adverses qui traversent les deux œuvres. Dans ce contexte, les personnages plus " sérieux " tournent leurs regards vers l'Invisible : pour reprendre les termes de la préface de Bleak House, le romancier insiste à travers eux sur l'" aspect romantique des réalités familières ". Cette tension vers l'ailleurs apparaît surtout dans le Visionnaire et Minuit, auxquels nous consacrons notre troisième partie, à une époque où Green voit en Dickens le modèle du romancier " visionnaire ". L'adolescent et l'enfant sont ici les acteurs de quêtes identitaires qui les désignent en même temps comme les dépositaires du don de " vision ". Envisageant enfin la question des représentations du monde social, mais aussi le caractère victorien de la trilogie des Pays lointains, notre quatrième partie nous permet de déterminer les limites, mais aussi la postérité du rapprochement que nous proposons entre les deux romanciersThis work attempts to define the presence of both Charles Dickens and the Victorian world in Julien Green's works as well as pointing to its eventual manifestations, specificities, and limits. The first part shows us how the Victorian world prevails in Green's readings and how in the Journal, Dickens indeed appears as a privileged character. This analysis enables us to validate the reliability of the "comparative link" that we want to establish between the works of Green and those of Dickens. It is from such a relationship that we are able to define the elements that are similar in the two works in the second part. The female portraits found in Dickens'works are actually quite similar to those found in Green's, whose humour also evokes the grotesque and theatrical aspects of Dickens' characters, witnessing opposing tonalities found in both works. In this context, the more "serious" figures turn their gaze towards the Invisible : to go back to the words of the Bleak House foreword, the novelist insists on the "romantic side of familiar things". This longing towards the "nowhere" can be found especially in Le Visionnaire and Minuit - which will be studied in the third part - at a time when Dickens appears as the model of the "visionary" novelist. There, the teenager and the child are the actors still in search of their identities, which at the same time names them as the possessors of the gift of "vision". Eventually, considering the issue of the social world representations as well as the Victorian aspect of the Pays lointains trilogy, the fourth part of the work allows us to define the boundaries and also the posterity of the connection that we suggest exists between the two novelists
45
Estanove, Laurence. "La poésie de Thomas Hardy : une dynamique de la désillusion." Toulouse 2, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU20059.
Full textAbstract:
On oublie souvent que Thomas Hardy est aussi, et même avant tout, poète. Si son œuvre poétique s’efface aux yeux du public devant la grandeur et la popularité de ses romans, elle n'en demeure pas moins essentielle à la compréhension de son écriture et de l'ensemble de son œuvre. La noirceur ironique de sa prose teinte ainsi également sa poésie, et en constitue même une force structurante : au sein du Wessex semi fictif qui sert de cadre tant aux romans qu'aux poèmes, dans le passage du rêve à une réalité qui ne peut que décevoir, se construit en effet une véritable dynamique de la désillusion, entre espoir et échec. C'est dans ce paradoxe apparent d'un désenchantement porteur, violent éveil de la conscience qui blesse et instruit dans le même temps, que s'exprime l'attachement de Hardy à son époque, et à la peinture de ce « malaise de la modernité » qu'induit notamment l'avènement de la science au détriment de la foi. Sa poésie de la désillusion se fait donc le reflet direct des bouleversements majeurs, idéologiques et socioculturels, qui marquent en Europe le passage du dix-neuvième au vingtième siècle, transition qui s'imprime jusque dans la matière de son langage poétique, entre tradition et modernitéBecause of the grandeur and popularity of his novels, Thomas Hardy's poetry is often disregarded; yet paying due attention to his verse is also central, if not fundamental, to the understanding of the workings of his multifaceted writing. The dark irony which is so characteristic of his prose also colours his poetry, and even gives it strength and cohesion: in the semi-fictional land of Wessex that shapes both novels and poems, the fatally disappointing shift from dreams to reality actually builds up the dynamics of disillusionment, between hope and failure. In that seemingly paradoxical idea of an active form of disenchantment, of a violent awakening of consciousness both painful and enlightening, Hardy shows his commitment to the concerns of his time, depicting as he does the “ache of modernism” that the rise of science and decline of faith created. His poetry of disillusionment thus offers an immediate illustration of the major ideological and socio-cultural turmoil which accompanied in Europe the transition from the nineteenth to the twentieth century – a transition shaping the very texture of his poetic language, between tradition and modernity
46
Galiné, Marine. "Les représentations de la femme et du féminin dans un corpus gothique irlandais du dix-neuvième siècle : approche générique et genrée." Thesis, Reims, 2019. http://www.theses.fr/2019REIML011.
Full textAbstract:
Ce travail s’attache à explorer les différentes façons dont le féminin est construit dans un ensemble de textes appartenant au « mode gothique irlandais » et publiés entre 1798 et 1889. Les œuvres retenues ont été sélectionnées selon des critères génériques précis ayant pour objectif la constitution d’un corpus dépassant le canon traditionnellement étudié. Ces critères, rassemblés sous trois axes, sont dérivés d’une approche croisée de la théorie des genres de Gérard Genette et de la rhétorique herméneutique proposée par Richard Haslam. D’une part, il s’agit d’observer les différentes représentations des personnages féminins dans une perspective esthétique articulée autour des thèmes et personnages rencontrés dans ces récits. Dans un second temps, les processus de féminisation sont étudiés en tant qu’éléments narratifs indispensables à la composition des textes et à la création d’effets d’horreur et de terreur. Enfin, se pose la question de la présence d’une écriture dite « féminine », ou du féminin, et ce au niveau linguistique des œuvres. Pouvons-nous envisager le féminin comme élément constitutif du gothique irlandais au dix-neuvième siècle et si oui, de quelles manières ? Bien que cette étude privilégie les approches génériques et genrées, elle ne saurait négliger l’apport de théories psychanalytiques ainsi que de la perspective historiciste adoptée par la plupart des critiques du gothique irlandais. Grâce à l’étude croisée d’œuvres canoniques et de textes moins connus, écrits par des auteurs protestants comme catholiques, hommes et femmes, ce travail a pour objectif de mettre en lumière la spécificité du mode gothique irlandais dans le traitement du fémininThis work aims to explore the various ways in which femininity is constructed in a corpus of texts belonging to the ‘Irish gothic mode’ and published between 1798 and 1889. The literary works under study have been selected according to specific generic criteria with a view to constitute a corpus which would challenge the canon. Those criteria have been organised alongside three axes and take their cue from both Gérard Genette’s genre theory and Richard Haslam’s rhetorical hermeneutics. First, this work will focus on the representations of female characters in terms of thematic characterisation. Next, it will analyse the various processes of feminisation and the ways they participate in the composition of the narratives and in the creation of terror and horror effects. Finally, the question of « female writing », or « écriture féminine » will be addressed, and its potential linguistic imprint in the texts will be discussed. Can we pose the feminine as a constitutive element of nineteenth-century Irish gothic fiction? Even though a genre and gender approach underlies our analytical process, this work will also rely on psychoanalytical theoretical elements and on the new historicism standpoint which most Irish gothic scholars favour in their analyses. As our study conflates both canonical and lesser known texts, Protestant and Catholic narratives, but also female and male writers, it makes a point of highlighting the specificity of the Irish gothic mode in its treatment of the feminine
47
Savatier-Lahondès, Céline. "Transtextuality, (Re)sources and Transmission of the Celtic Culture Trough the Shakespearean Repertory." Thesis, Université Clermont Auvergne (2017-2020), 2019. http://www.theses.fr/2019CLFAL012/document.
Full textAbstract:
Cette thèse explore les résurgences de motifs liés aux cultures celtiques dans les pièces de Shakespeare, c'est-à-dire la manière dont les cultures pré-chrétienne et pré-romaine des îles britanniques imprègnent l’œuvre théâtrale de William Shakespeare. Ces motifs n’apparaissent pas toujours de manière évidente à la surface du texte. Cela arrive parfois, mais ils requièrent souvent une analyse précise et approfondie. Cette question est jusqu’à présent restée relativement inexplorée ; en ce sens nous pouvons parler d’une construction de sens. Cependant, les cultures en question appartenant à un passé antique, il est possible d’accepter l’idée d’une ‘reconstruction’ d’un passé jusque là oublié. Basé sur une définition rigoureuse du terme ‘celtique’, cette étude examine en détail la présence des motifs, tout d’abord dans les chroniques auxquelles Shakespeare a pu avoir accès, sans oublier les notions d’oralité et de ‘discours’, inhérentes à l’analyse d’une culture avant tout orale. La figure du roi Arthur et la matière arthurienne, perçus comme la voie d’entrée dans le sujet, sont étudiés en relation avec les œuvres du dramaturge. Dans les pièces historiques, l’analyse des personnages venant des ‘marges’, i.e. le Pays-de-Galles, l’Irlande et l’Écosse informent sur la vision pré-moderne de ces ‘frontaliers’. Seules deux œuvres sont situées dans un contexte historique celtique : Cymbeline et Le Roi Lear, mais de nombreux motifs surgissent aussi dans d’autres pièces telles que Macbeth, Le songe d’une nuit d’été, La tempête, Le Conte d’hiver et d’autres. Ce travail de recherche révèle un substrat qui produit une nouvelle lecture enrichissante des œuvres de William ShakespeareThis dissertation explores the resurgence of motifs related to Celtic cultures in Shakespeare’s plays, that is to say the way the pre-Christian and pre-Roman cultures of the British Isles permeate the dramatic works of William Shakespeare. Such motifs do not always evidently appear on the surface of the text. They sometimes do, but most often, they require a thorough in depth exploration. This issue has thus far remained relatively unexplored; in this sense we can talk of a ‘construction’ of meaning. However, the cultures in question belong to an Ancient time, therefore, we may accept the idea of a ‘reconstruction’ of a forgotten past. Providing a rigorous definition of the term ‘Celtic’ this study offers to examine in detail the presence of motifs, first in the Chronicles that Shakespeare could have access to, and takes into account the notions of orality and discourse, inherent to the study of a primarily oral culture. The figure of King Arthur and the matter of Britain, seen as the entrance doors to the subject, are studied in relation to the plays, and in the Histories, the analysis of characters from the ‘margins’, i.e. Wales, Ireland and Scotland provides an Early Modern vision of ‘borderers’. Only two plays from the Shakespearean corpus are set in a Celtic historical context – Cymbeline and King Lear – but motifs surge in numerous other works, such as Macbeth, A Midsummer Night’s Dream, The Tempest, The Winter’s Tale and others. This research reveals a substrate that produces a new enriching reading of the plays
48
Coulomb, Olivia. "Stases et statues : l’art de l’immobile dans le théâtre élisabéthain et jacobéen." Thesis, Université Clermont Auvergne (2017-2020), 2017. http://www.theses.fr/2017CLFAL004/document.
Full textAbstract:
L’art de la statuaire à l’époque élisabéthaine et jacobéenne a subi les contrecoups de plusieurs siècles d’instabilité politique et religieuse. Cependant, l’Angleterre de la fin du XVIe et du début du XVIIe siècle a fait montre d’un intérêt – pour ne pas dire d’un engouement – tout particulier envers des artistes italiens et flamands célèbres pour leur approche tant artistique que théorique de la sculpture. Si maintes études ont déjà été réalisées sur la peinture et la place problématique des images dans l’Angleterre de la Réforme, peu d’études, en revanche, ont été consacrées aux images en trois dimensions et à leur impact sur le public.Mon travail de thèse s’efforce donc d’analyser le contexte politique, religieux et culturel dans lesquels s’inscrivaient les statues à l’époque, d’une part, et de définir précisément la manière dont elles apparaissaient sur la scène élisabéthaine et jacobéenne, de l’autre.Dans un premier temps, j’ai souhaité inventorier les événements historiques et les textes dans lesquels les statues ont eu une place prépondérante, sans négliger l’aspect juridique relatif à la production des images. J’ai ensuite analysé sous un angle plus littéraire des pièces majeures tirées du corpus shakespearien telles que Roméo et Juliette, Jules César, Antoine et Cléopâtre et Le conte d’hiver. En dernier lieu, j’ai cherché à mettre en lumière l’art de la stase et de la statuaire dans le théâtre jacobéen en prenant pour objets d’étude les moments d’immobilité et de pétrification des personnages dans Bussy d’Amboise de George Chapman, La duchesse d’Amalfi de John Webster, et Une partie d’échecs de Thomas Middleton.Le double objectif de cette thèse est, in fine, de comparer l’impact de la statue et de ses représentations sur scène sur deux publics de la première modernité, l’un élisabéthain, l’autre jacobéen, et de prouver la réelle importance de la statuaire au sein même de l’univers théâtral de Shakespeare et de ses contemporainsThe art of statuary in the Elizabethan and Jacobean era has suffered from the repercussions of several centuries of political and religious instability. However, early modern England proved particularly interested in, if not totally fascinated by, Italian and Flemish artists famous for their artistic and theoretical approach to sculpture. Although many studies have already been made on painting and the problematic place of images in Reformation England, only a few books have focused on three-dimensional images and on their reception.My dissertation therefore seeks to analyze the political, religious and cultural context in which the statues were inscribed at the time, on the one hand, and to precisely reassess the ways in which they appeared on the Elizabethan and Jacobean stage, on the other hand.First, I pay attention to the historical events and texts in which statues have had a prominent place, taking into account the legal aspect related to the production of early modern images. This leads me to study from a more literary perspective major plays from the Shakespearean corpus such as Romeo and Juliet, Julius Caesar, Antony and Cleopatra and The Winter's Tale. Finally, I seek to highlight the art of stasis and statuary in the Jacobean drama by focusing on the moments of immobility and petrification of the characters in George Chapman’s Bussy d’Ambois, John Webster’s The Duchess of Malfi, and Thomas Middleton’s A Game at Chess.The double objective of this thesis is, in fine, to compare the impact of the statue and its representations on stage on two different types of audience both belonging to the early modern era (one Elizabethan, the other Jacobean), and to prove the importance of the statuary within the dramatic universe of Shakespeare and his contemporaries
49
Zagha, Muriel. "Figures de la possession dans les nouvelles de Henry James de la dernière période, 1898-1910." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030088.
Full textAbstract:
Dans les nouvelles de la derniere periode (1898-1910), l'entreprise de representation jamesienne, "maison de la fiction" inspiree au premier chef par le monument balzacien, se presente comme une enquete esthetique et ethique dont le paysage social et imaginaire est jalonne par les figures cryptees de la possession, auxquelles les consciences jamesiennes se mesurent ou qu'elles cherchent a interpreter. Loin de se complaire a la contemplation des ecrans, voiles et fetiches empruntes a l'imagerie "decadente" contemporaine, la fiction jamesienne du style tardif a pour strategie la fusion des objets de sa critique dans la texture de l'oeuvre et le retournement de ces objets au profit de la creation. La tapisserie jamesienne brode au passage la figure enigmatique d'un auto-portrait chiffre de l'homme "de lettres", le maitre "henry james", dont le cannibalisme litteraire, lui aussi souvent vehicule par des images contestees, permet le miroitement des intercesseurs, mais signale aussi les traces de la "maladie astrale" angoissante de l'influence. Produits de la "subtilisation" de la masse representee par l'heritage balzacien et fruits des tensions animees par la lettre du puritanisme, lesfictions courtes de henry james entrelacent lecture et possession, ecriture et possession, possession et savoir, morale et possession. Derriere la problematique de la possession, une interrogation essentielle, implacable, se repete dans la fiction tardive de henry james : quel regard est-il legitime de porter sur autrui ?In the late tales of henry james (1898-1910), the architectural "house of fiction" inspired by balzac's monumental oeuvre appears as the result of an aesthetic quest for mastery and self-possession underpinned by a profound concern for the ethics of possession. A keen lover of the arts and of the stage. Henry james nonetheless criticizes the unsettling idolatry of his time, using contemporary types of representation as his tools. At the height of his career as a novelist, james appears more than ever as a consummate "literary cannibal", converting every influence, whether it be proudly celebrated or quietly ciphered into the text, into his own work, thus evolving the figure of the master, the man of letters. The main figure of possession in henry james's fiction may finally be the trace of new england puritanism, with the "province of piety" as sacred fount of a vision of the world as revelatory text and as main inspiration for james's moral concerns with the aftertaste of the fall, the status of the real thing, and the real right way of looking on
50
Laryea, Fredline. "La traduction de l'humour et de l'esprit anglais dans le roman et le théâtre depuis le XVIIIe siècle à aujourd'hui : observations, méthodologies et enjeux culturels." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030178.
Full textAbstract:
L'humour culturel anglais est culturel par ses références, les opinions qu'il véhicule et une certaine organisation syntaxique, entre autres. Mais cet humour est surtout culturel car il est ancré dans le contexte anglais et dans la langue anglaise. Une fois traduit, il doit exister dans et à travers la langue-culture cible. À cause de leurs programmes mentaux et de leur conditionnement culturel différents, les lecteurs et les spectateurs français ne pourront pas apprécier l'humour anglais de la même manière que les lecteurs et les spectateurs anglais. Lors de la traduction, le traducteur essaiera souvent de rendre cet humour étranger plus accessible au public français. Ses décisions auront un impact sur les faces sources de l'œuvre, mais aussi sur les faces étrangères que le public français pourra percevoir. En se focalisant sur les allusions culturelles, cette recherche analyse des exemples de textes anglais afin d'observer la différence des effets des textes sources et des traductions sur les deux publics respectifs et de voir si on peut encore parler d'humour culturel anglais une fois qu'il est traduit en français. Les analyses des textes permettront aussi de voir comment la traduction peut affecter la représentation de l'identité culturelle et l'idée que le lecteur ou le spectateur cible se fait de la face de l'étranger. En saisissant l'humour d'un peuple, on peut commencer à le comprendre. Pour cela, la différence de l'humour culturel doit être perçue comme une clé qui permettra au lecteur et au spectateur cible d'établir un rapport dialectique avec l'humour étranger, plutôt que comme une dimension de l'humour de l'Autre qui sera toujours considérée comme un obstacle à surmonterEnglish cultural humour is cultural, not only because of the references and opinions it channels or because of its syntax but especially because it is deeply rooted in the British cultural context as well as in the English language. Once it is translated into French, it has to exist in and through French. Due to their different mental programs and cultural conditioning, French readers and spectators will not react to British humour in the same way as British people. This is why translators will often try to make the humour more easily accessible for the French public in translated texts. His decisions will have an impact on the faces of the source language, but they will also affect the British faces the French reader has access to. This research has focused on cultural allusions in an analysis of examples from British texts to see the differing effects each text has on its readers and to see if one can talk about British cultural humour once it is translated into French. The analyses will also make it possible to see how translation can affect the representation of cultural identity and the impression the target text reader will have of the foreign text. If one can understand a nationřs humour, one can start to understand its people. In order to do that, the difference of foreign humour should be seen as a key that can allow the foreign text reader and spectator to establish a dialectical relationship with the foreign humour, rather than as an aspect of Otherness which always has to be overcome