Academic literature on the topic 'Littérature comparée – Japonaise et occidentale'

L’objectif de cet article est de dépasser les limites conceptuelles et typologiques de la littérature sur les minorités, le Japon multiculturel, et le Japon multiethnique en menant une réflexion critique quant aux mécanismes politiques, juridiques et discursifs d’exclusion et d’inclusion délimitant les normes de la subjectivité japonaise. À partir d’une analyse féministe de l’intersectionalité de la diversité situant la « race », la culture, le genre et l’hétéro-normativité comme systèmes d’oppressions qui seconstituent mutuellement, nous examinerons également la littérature comparée sur la démocratie multinationale. Une fouille généalogique du passé colonial japonais, et l’étude d’un mariage multinational entre une japonaise et unZainichicoréen nous permet de découvrir et de critiquer les contradictions juridiques et politiques des diverses facettes de la subjectivité et de l’appartenance (nation, diaspora, etc.) que le système du registre familial et la loi sur la nationalité reproduisent constamment.

Saikaku - romancier - (1642-1693) et chikamatsu - dramaturge - (1653-1724) sont deux des plus grands ecrivains de l'ancien japon. Issus de la classe montante des chonin (commercants, artisans), ils representent l'aspiration au bonheur, a la reussite economique, a l'egalite et s'opposent aux valeurs des militaires au pouvoir. Mais ils subissent aussi l'influence des cultures dominantes precedentes. Par ailleurs, l'amour chez saikaku est tourne vers la vie, alors que chez chikamatsu il choisit la mort. Dans la premiere partie, koshoku ichidai otoko de saikaku conduit a comparer les figures de seducteurs dans les litteratures japonaise (ariwara, heichu, le genji, yono- suke) et occidentale (don juan, casanova) par rapport a la beaute, au temps, au sacre, a l'etre. . . Dans la seconde partie, l'auteur examine en quoi les recits d'amour tragique de koshoku gonin onna et la description de la carriere d'une prostituee dans koshoku ichidai onna revendiquent la liberte pour les femmes. Le parallele avec bocacce et m. De navarre permet de preciser les rapports du christianisme et du bouddhisme avec l'amour. La prostitution decrite par saikaku invite a une comparaison avec moll flanders de defoe et nana de zola. Dans la troisieme partie, est etudiee l'attitude de chikamatsu a l'egard du double suicide d'amour, et divers paralleles sont esquisses avec werther, romeo et juliette, carmen, othello
Saikaku - a novelist - (1642-1693) and chikamatsu - a dramatist - (1653-1724) are two of the greatest writers in ancient japan. Belonging to the rising class of the chonin (merchants, handy-craftsmen), they embody their aspirations for happiness, economic success, equality and stand against the values of the ruling military. But they are also under the influence of previously dominant cultures. Besides, for saikaku, love is turned towards life whereas, for chikamatsu, it chooses death. In the first part, saikaku's koshoku ichidai otoko leads to compare the character of the seducer in the japanese (ariwara, heichu, the genji, yonosuke) and in the western (don juan, casanova) literatures regarding beauty, time, the sacred and the being. . . In the second part, the author will examine what, in the tales of tragic love from koshoku gonin onna and the description of a prostitute's career in koshoku ichidai onna, is a demand for the liberation of women. The parallel with boccaccio and m. De navarre will enable to clarify the attitude of christianity and buddhism towards love. Prostitution, as it is described by saikaku, induces a comparison with defoe's moll flanders and zola's nana. In the third part, chikamatsu's position concer- ning love double suicide is being studied and diverse parallels with werther, romeo and juliet, carmen, othello are sketched

Notre étude a pour objet les représentations discursives de l’animation japonaise. En France, le dessin animé japonais, l’anime, fait aujourd’hui partie des habitudes culturelles de plusieurs générations, mais a connu des débuts tumultueux à son arrivée dans le pays au milieu des années 70. Au Japon d’où il est originaire, l’anime fait depuis longtemps partie de la culture populaire du pays. Nous avons cherché à savoir comment l’anime, décrit comme étant bien implanté au Japon mais aussi en France, était perçu par les jeunes habitants de ces deux pays. Nous avons également souhaité savoir si la culture de ces deux pays pouvait exercer une influence sur la façon dont il est dépeint. Nous avons effectué une enquête auprès d’étudiants français et japonais à qui nous avons soumis un questionnaire dans leur langue respective. L’analyse discursive et sémantique des réponses des participants français et japonais a permis d’extraire leurs représentations en matière d’anime, mais aussi en ce qui concerne les cultures française et japonaise. Nous avons ensuite procédé à l’analyse comparative de nos résultats qui a permis de confronter le regard des étudiants français à celui de leurs homologues japonais
This study focuses on discursive representations of Japanese animation. In France, Japanese cartoons, known as anime, are now embedded in the cultural habits of many generations, but faced controversial beginnings when they first reached the country in the mid-1970. In Japan, the country where it was born, anime has long been a part of Japanese popular culture. Through this study, we aim to find out how anime, which are depicted as well established both in Japan and France, are perceived by young people in these two countries. We also seek to know if the culture of those two countries can exert influence on how it is described by them. The study was carried out in the form of a survey conducted among French and Japanese students, through a questionnaire in their respective languages. The discursive and semantic analysis of the surveyed participants’ answers has enabled us to extract their representations about anime, but also about French and Japanese cultures. This was followed by a comparative analysis of our results which allowed us to confront French students’ perspective with that of their Japanese counterparts

Dans des récits de Henry James, Julio Cortázar, Dino Buzzati, Milan Kundera, John M. Coetzee, Vladimir Nabokov et Italo Calvino, le personnage du critique a le statut de critique ou une fonction apparentée. Il provoque une intrusion de la théorie de l'écriture dans la fiction, une problématisation de l'écriture par elle-même. Il est l'incarnation d'une théorisation qui se dessine soit à partir du portrait du critique, soit à partir d'une thématisation de l'acte interprétatif, ou encore à partir d'une réflexion sur l'écriture ou la lecture. La fiction théorique est un récit qui prend pour thème la fiction, un texte où la littérature se prend pour sujet. La théorisation de la fiction ne se limite pas à de "simples indications de régie" mais constitue une partie du texte compacte ou éclatée, un métatexte erratique ou stable qui décrit et questionne l'écriture en train de s'élaborer ; l'enjeu de ce métatexte étant d'altérer l'artifice littéraire et de faire de la création le sujet essentiel par-delà la diérèse développée. On étudie le personnage du critique reconnu comme tel dans le récif ainsi que le procès de l'écriture ou de la lecture menée par un personnage apparenté au critique, personnage dont l'intérêt pour nous est de questionner le texte même s'il n'a pas le statut du critique. L'étude procède d'une volonté double : établir une typologie littéraire du critique et faire émerger une catégorie de textes particuliers désignés comme fictions théoriques. Elle démontre qu'il existe une vision mystique de la littérature chez James et une vision athlétique de la littérature chez Calvino. La vision mystique désigne l'écrivain alors que la vision athlétique désigne le critique. La notion d'initiation est introduite en critique. Par ailleurs l'accusation en critique est redéfinie et jugée positive. Trois types de fictions théoriques sont dégagées : 1) la fiction qui axe son discours sur le personnage du critique pour en dresser le portrait d'où notre typologie - le critique parasite, le critique sanctionné, le critique qui s'affirme. 2) La fiction qui thématise l'acte interprétatif au niveau de l'écriture ou au niveau de la lecture. 3) La fiction où le récit glisse sur son propre fonctionnement, exhibe sa constitution en tant que texte. L'écriture se prend pour sujet et exhibe l'aporie de la représentation.

Porteur des valeurs morales, l'étranger permet à Endô d'interroger la psyché nipponne. Partant du malaise du Japonais en Occident, il oppose le pécheur français au Nippon n'ayant pas le sens des fautes, décrit des Japonais qui peinent à communiquer avec autrui, et confronte le missionnaire occidental pharisien zélé au prêtre japonais inerte. Il dépeint aussi un Français servant de parangon à la mauvaise conscience du Nippon. Ailleurs, il décrit une France qui signale au Japonais leur clivage. Après avoir mis la faiblesse au cœur de la sensibilité religieuse nipponne, mêlée du sentiment de culpabilité, il représente la rencontre du Japon et de l'Occident. Enfin, il offre l'image du Gange amorçant le changement salutaire d'une Japonaise. Si le missionnaire occidental révèle l'immoralité ou l'amoralité du Nippon, l'étranger païen contribue à l'apparition d'une conscience morale chez ce dernier. Quand le missionnaire perd sa vigueur, il opère une japonisation de Jésus, homme de douleur
A bearer of moral values, the foreigner allows Endo to interrogate Japanese psychology. Starting from the uneasiness of a Japanese living in the Occident, he clearly opposes the French sinner to the Japanese who lacks a sense of guilt. He describes the Japanese having difficulties in communicating with others, and he confronts the occidental missionary pharisaic and zealous with the inert Japanese preacher. He also depicts a French person who acts like a paragon for Japanese having bad conscience. Moreover, he describes France which signals for the Japanese their split. After having laid the weakness in the heart of the Japanese religious sensibility, mixed with the feeling of guilt, he pictures the encounter of Japan with the Occident. At last, he offers the image of the Ganges starting a salutary change in one Japanese woman. If the occidental missionary reveals the immorality or the amorality of the Japanese, the pagan foreigner contributes to the apparition of moral conscience in the last one. When the missionary no longer has vigour, he Japanizes Jesus, man of pain

La figure du monstre, au centre de notre thèse, participe d'une catégorie de personnages déterminés par leur situation hors de la norme. Nous nous intéressons tout particulièrement au monstre en tant que construction symbolique, et l'analyse de ce personnage littéraire hors du commun nous donnera la possibilité d'étudier les rouages textuels qui sont à l'origine de sa création. Nos travaux se portent sur le monstre re-présenté dans et par un texte fictionnel, permettant à ce texte une réflexion métatextuelle sur l'univers de la représentation. La créature monstrueuse est par essence une transgression absolue et c'est cela qui fascine le lecteur. Nous nous emploierons à analyser le monstre en tant que signe avertisseur, ce que d'ailleurs semble indiquer son étymologie, en effet, le terme "monstre" dérive étymologiquement du verbe latin "monstrare" dont le sens est "montrer", qui lui-même est issu du verbe "monere", signifiant "avertir". La créature monstrueuse serait donc un signe dont le sens resterait à déchiffrer pour celui qui le regarde. Notre intérêt se porte tout particulièrement sur la période de la fin du XIXème et le début du XXème siècle, cette époque charnière marque un tournant majeur où les angoisses fin-de-siècle vont être le ferment d'un renouveau de la littérature fantastique. Nos lectures interprétatives de notre corpus seront attentives à la circulation du désir dans les textes, aux formations textuelles inconscientes, ainsi qu'aux réécritures d'un substrat mythologique. Notre étude alliant une mythocritique et une textanalyse n'aura pas pour objectif de dresser un portrait-type du personnage du monstre fabriqué mais d'étudier sa complexité, sa composition littéraire, pour démontrer que le monstre avertit du pire tout en le faisant être là. La mythocritique nous offre la possibilité de mettre au jour les liens tissés entre l'imaginaire individuel de nos auteurs et un fonds anthropologique primordial. La lecture comparative nous permet l'exploration de l'intertextualité qui met tout texte en relation avec des mythes de manière patente ou latente. Enfin, à la lumière des théories freudiennes, nous tâcherons de pénétrer au cœur même de nos textes, il s'agira d'étudier le travail de l'inconscient de l'auteur, ce qui échappe à l'artiste par le mouvement même de l'écriture créatrice
The abstract is available in French only

L’objectif de cette thèse est d’apporter un éclairage comparatiste à une littérature le plus souvent étudiée dans le seul domaine de la littérature japonaise. Pour ce faire, nous avons choisi d’aborder cette littérature par le prisme des littératures de l’exil, et plus précisément l’exil tel que pensé et élaboré par Alexis Nouss. Par ailleurs, nous avons fait le choix de consacrer notre recherche à la question de la seule littérature de l’après-accident nucléaire, afin de défendre l’hypothèse selon laquelle il existerait une forme d’exil propre aux situations de déplacements post-accidents ou post-catastrophes nucléaires.Dans la 1e partie, nous nous efforcerons de démontrer la possible existence d’une condition exilique propre aux déplacés du nucléaire, mais aussi d’une littérature qui y corresponde. Nous établirons à cette occasion un dispositif critique local qui nous permette d’analyser les textes retenus pour analyse, autour des notions inédites de « littérature de l’exil nucléaire » et de « littérature contaminée ». Dans la 2e partie, nous examinerons les œuvres de Furukawa Hideo, Michaël Ferrier et Sekiguchi Ryôko, de manière à démontrer comment le sentiment d’exil s’est installé en eux. Dans la 3e partie, nous nous pencherons sur les œuvres de Daniel de Roulet, Kawakami Hiromi, Henmi Yô et Tsushima Yûko, examinant la mise en scène de la contamination à l’œuvre dans l’œuvre. Alors que la 2e partie s’attache à esquisser les contours de la littérature de l’exil nucléaire telle qu’elle se devine dans les textes ici présentés, la 3e partie sera tournée vers la démonstration analytique de la possible existence d’une littérature contaminée sur un plan métaphorique
This thesis aims to offer a comparative point of view on a literature mostly studied in the Japanese literature only area. We also chose to study this literature with the exile literature perspective, as established in France by Alexis Nouss. Moreover, we chose to restrict our study to the nuclear side of the question, in order to defend our hypothesis, according to which a form of "nuclear exile" does indeed exists after people are being displaced after nuclear accidents or events. If so, how does this "nuclear exile" take form in any text written afterwards? And more exactly after 3/11? In the first part of our thesis, we will aim to demonstrate the possible existence of an exilic condition proper to nuclear displaced people, but also of a form of correspondent literature. On that occasion, we will establish a temporary critical apparatus, to help us analyze the selected texts of our research. This apparatus will be constructed on the new notions of “nuclear exile literature” and “contaminated literature”. In the second section, we will analyze Furukawa Hideo, Michaël Ferrier and Sekiguchi Ryôko’s texts, aiming to demonstrate how the exile feeling took form inside them. In the third part, we will examine Daniel de Roulet, Kawakami Hiromi, Henmi Yô and Tsushima Yûko’s works, in order to demonstrate how their texts stage the contamination phenomenon. The second section aims to show how nuclear exile literature can take form, whereas the third one is focused on how a possible and metaphorical contaminated literature is written

Le milieu des beaux-arts institutionnalisé après la Restauration de Meiji en 1868 changea la conception de l'art dans l'Archipel. La nouvelle esthétique ainsi que la conception de l'art et de l'artiste introduites de l'Occident influencèrent plus particulièrement les hommes de lettres qui recherchaient des sujets modernes et des façons originales de décrire. Nous examinerons l'évolution de la perception de l'art ainsi que celle de l'image de l'artiste à l'époque moderne au Japon en divisant notre recherche en cinq parties dans lesquelles une dizaine d'écrivains représentatifs seront étudiés. La première partie est consacrées à la problématique du nu à l'ère Meiji: comment les critiques d'art ainsi que les hommes de lettres japonais acceptent ou refusent le nu, une valeur artistique venue de l'Occident. La seconde partie concerne les difficultés de réadaptation des peintres japonais à leur pays après qu'ils ont profondément assimilé les valeurs artistiques de l'étranger. Les lieux décrits fonctionnent comme un dispositif destiné à apaiser les angoisses des protagonistes. Dans la troisième partie, nous abordons les problèmes liés à la perception de l'art: la traduction de certaines notions d'art plastique et la mise en pratique de ces notions dans les oeuvres littéraires. Dans la quatrième partie, nous traitons de la représentation de scènes fantastiques à travers les figures de peintres. Chacun des artistes tisse un récit relatif en se référant habilement à des textes multiples, étrangers et japonais. La cinquième partie est consacrée à l'analyse de l'attitude qui consiste à dépasser l'influence de l'art occidental, à travers deux personnages qui illustrent la vie de peintres japonais en Europe au tournant des années 1930. Ainsi, ce travail touche aussi bien à l'histoire de la littérature japonaise qu'à histoire de l'art, autour de la représentation des personnages d'artistes et de la description de scènes picturales
Western art, introduced in Japan after the country opened in 1853, changed the prevailing conceptions about art in the country. New aesthetics and new visions of art and of the artist exerted a very strong influence upon literati who sought in Western art modern subjects and original ways of describing things. This study is a reappraisal of the evolutions in ways of perceiving art and in conceptions about the artist's image of the modern period of Japan. Our research is divided into five parts in which about ten representative writers are studies. The first part deals with the question of the nude in the Meiji era: the way art critics and literati accepted or rejected the nude as new art form imported from the West. The second part is about the various difficulties Japanese painters were confronted to when they had to readapt themselves to their native soil after a deep and prolonged period of assimilation of Western art. Places described in an original way acted as a device to soothe the protagonists' anguishes. In the third part, we deal with the various problems of perception engendered by Western art. Problems such as the way of translating notions and concepts inherited from the Western tradition of the plastic arts or of putting into practice such notions in literary works. In the fourth part, we focus upon new attempts among painters to create fantastic scenery. We observe the emergence of mature conceptions concerning the art and its modes of representation. This evolution towards maturity comes from images as well as from texts, both Japanese and Western. The last part is a survey of various discourses advocating a resistance to Western art in its morals and in its techniques of description. This part focuses around two Japanese writers who had an intimate knowledge of the community of Japanese painters living in Paris. This study belongs at the same time to art history (the way writers envisioned art and artists) and to studies in Japanese literature (techniques of depiction in narrative texts based on the notions inherited from the visual arts)

Yoko Tawada, écrivaine contemporaine d’expression japonaise et allemande, mène depuis trente ans une carrière qui connaît un succès critique considérable dans ses deux langues et pays d’écriture. Œuvre hybride à la croisée des genres, des langues, des cultures et des littératures, définie par une démarche autoréflexive et métalinguistique, c’est un sujet de choix pour la littérature comparée, avec laquelle elle partage des affinités fondamentales. Pourtant, elle n’est encore que peu étudiée par les comparatistes ; cette thèse se donne donc pour objet de combler en partie cette lacune. Au long d’un parcours à travers les champs de recherche et plusieurs problématiques de la littérature comparée, nous éclairons réciproquement le fonctionnement de l’écriture tawadienne et les enjeux comparatistes contemporains dans le but de démontrer l’intérêt d’un véritable dialogue entre la démarche critique et son objet. La première étape consiste à établir la pertinence et la nécessité d’une approche comparatiste. Ensuite, mimant le geste autoréflexif de l’écrivaine, nous analysons les rapports de la critique à l’œuvre littéraire afin de déterminer leurs apports mutuels. Puis nous étudions le traitement littéraire et épistémologique de la notion d’espace, et plus précisément celle de passage, centrales dans la poétique tawadienne comme dans la pratique comparatiste, avant de nous pencher sur l’Europe, espace géographique et culturel au cœur de la création chez Tawada et de la définition de la littérature comparée. Enfin, nous achevons ce parcours sur une réflexion dans les termes de Tawada sur la traduction littéraire et la littérature en traduction, nœud gordien du comparatisme
Contemporary bilingual writer Yoko Tawada has received much critical acclaim for both her German and her Japanese literary work since 30 years now. Her hybrid writing between genres, languages, cultures and literatures, defined by a characteristic self reflexive and metalinguistic stance, is an ideal research topic for Comparative Literature. However, it has yet to be thoroughly studied by comparatists. In our thesis, we endeavour to fill part of this gap by connecting Tawada’s writing to comparative research fields and issues, in order for them to shed light on each other. Thus we aim to demonstrate what we can gain from a real dialogue between the researcher and its object of study. The first step will be to assess the meaningfulness and use of a comparative approach in the case of Tawada’s literature. Then, we will mimic the writer’s own self reflexive gesture in order to analyse the relationship between literary work and criticism and determine how they might benefit each other. Afterwards, we will study closely the epistemological and literary uses of space and passage, two crucial notions both for Comparatism and Tawada’s writing, before focusing on a more specific geographical and cultural space: that of Europe, which is also central to the writer’s literary journey as well as the very definition of Comparative Literature. Lastly, we will close with a study of Tawada’s thought-provoking take on the Gordian knot of Comparative Literature: literary translation and literature in translation

La présente étude se veut une analyse de la fonction de l’élément « mort » dans la fiction littéraire de MATSUI Tarô (1917-2017), auteur phare de la littérature japonophone du Brésil. Une comparaison est effectuée avec l’œuvre d’Andreï IVANOV (1971- ), grand nom de la littérature russophone d’Estonie. Cette thèse s’articule autour de l’argument de Michel Picard, lequel estime que dans le domaine littéraire, « quand on parle de la mort, on parle toujours d’autre chose » : « En premier lieu parce qu’il s’agit ici de tourner l’insurmontable difficulté de temporaliser l’intemporel instant mortel, mais surtout à cause des préoccupations véritables […] qui ne concernent bien entendu que la vie. Enfin celles-ci elles-mêmes ont clairement révélé qu’elles n’étaient que des espèces de symptômes, de métaphores ; que l’essentiel, dans ce topos comme chaque fois qu’il s’agit de la « mort », est inconscient. » Après avoir traité des questions relatives à l’histoire et aux politiques d’identité des communautés concernées – la communauté « japonaise » du Brésil et celle, russophone, d’Estonie –, cette thèse interroge la manière dont s’est construit le monde littéraire japonophone du Brésil. D'autres interrogations seront ensuite soulevées : pourquoi la mort apparaît-elle si souvent dans la fiction littéraire de Matsui ? Quelles fonctions ces morts occupent-elles dans son œuvre, ainsi que dans celle d’Ivanov ? Si le sujet abordé par les auteurs n’est pas la mort per se, quel est leur véritable propos ? Est-ce le passé qui meurt, comme cela semble être le cas dans La Cerisaie d’Anton Tchekhov ? Quelle est la relation de Matsui Tarô à ce passé ? Et dans le cas d’Andreï Ivanov ? Comment choisissent-ils, fût-ce de manière inconsciente, de voir le passé et de dialoguer avec lui ? Cette étude démontre que la « mort » dans les littératures de Matsui et Ivanov, s’il est un véhicule privilégié de critiques adressées par les deux auteurs à leurs communautés respectives, sert également à communiquer une vision d’avenir pour ces dernières — à savoir la proposition d’une assimilation complète. L’élément « mort » indique les raisons pour lesquelles ces auteurs refusent des concepts construits tels que « nous » (i.e. une communauté isolée)
The present study proposes an analysis of the function of “death” in the literary fiction of MATSUI Tarô (1917-2017), a leading author in Brazilian Japanese-language literature. A comparison is carried out with the oeuvre of Andrei IVANOV (1971- ), a key author in Estonian Russian-language literature. This thesis is built around Michel Picard’s argument, which proposes that in the literary field, “when we speak about death, we always speak about something else”: “Firstly because the core of the matter is to circumvent the insurmountable difficulty of temporalizing [materialising] the timeless [immaterial] moment of death, but mostly because of the actual preoccupations […] that certainly only concern life. These [preoccupations] themselves have clearly revealed that they [are] no more than symptoms, metaphors of some sort; that the crux of the matter, in this topos as well as each time that “death” is concerned, is unconscious.”After examining the historical and political contexts of the communities in question – the “Japanese” community of Brazil and the Russian-language community in Estonia – this thesis questions the ways that the Japanese-language literary world has been constructed in Brazil. Other questions are then raised: why does “death” appear so frequently in Matsui Tarô’s literary fiction? What are the functions operated by these deaths in his and Andrei Ivanov’s oeuvre? If the subject matter addressed by the two authors is not death per se, what are the real preoccupations at stake? Is it the past that dies, in a way that it seems to be the case in Anton Chekhov’s The Cherry Orchard? How does Matsui Tarô relate to this past? What about Andrei Ivanov? How do they choose, be it unconsciously, to see the past and to dialogue with it? This study shows that while “death” functions, in the literatures of Matsui and Ivanov, as a privileged vehicle conveying the criticisms that the two authors address to their respective communities, it is also used as a tool to communicate a vision for the future of these communities — that is, the proposition of a complete assimilation. The element of “death” points out the reasons why these authors refuse constructed concepts such as “us” (i.e. an isolated community)