Academic literature on the topic 'Lumière au cinéma'
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Journal articles on the topic "Lumière au cinéma"
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Lannuzel, Michelle. "Espace et lumière au cinéma." Raison présente N° 196, no. 4 (2015): 65. http://dx.doi.org/10.3917/rpre.196.0065.
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Barlet, Olivier. "Le cinéma tunisien à la lumière du printemps arabe." Africultures 89-90, no. 3 (2012): 270. http://dx.doi.org/10.3917/afcul.089.0270.
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Mansouri, Hassouna, Samir Ardjoum, and Olivier Barlet. "Le cinéma égyptien à la lumière du printemps arabe." Africultures 89-90, no. 3 (2012): 281. http://dx.doi.org/10.3917/afcul.089.0281.
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Bajou, Pascal. "Le cinéma Lumière, une histoire de famille et de frères..." Humanisme N° 292, no. 2 (May 1, 2011): 91–95. http://dx.doi.org/10.3917/huma.292.0091.
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Mouzet, Aurélia. "Les acteurs noirs du cinéma français : de l’ombre à la lumière ?" Voix Plurielles 14, no. 2 (December 9, 2017): 50–61. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v14i2.1640.
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Un tour d’horizon du cinéma français au vingtième siècle signale une présence spectrale de comédiens noirs à l’écran. Présence qui tend d’ailleurs à décroître lorsque l’on considère le nombre de premiers rôles qui leur ont été attribués. En se penchant sur l’influence de ces artistes sur la scène française, l’on remarque que se dégage un paradoxe : s’ils apparaissent certes dans le spectacle français dès le dix-huitième siècle (avec notamment le fameux Chevalier St George), ils demeurent pourtant des figures spectrales dans la mémoire collective. Comment expliquer la présence si disparate de comédiens noirs dans le cinéma français ? Pourquoi semblent-ils condamnés à jouer des rôles stéréotypés trop souvent nourris de clichés hérités de l’imaginaire colonial ? C’est à ces multiples interrogations que cet article tentera de répondre en cherchant à mettre au jour l’évolution des personnages noirs dans le paysage cinématographique français.
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Pór, Katalin. "Tester des attractions, penser le film musical. Le studio de la Paramount à Astoria (1929-19311)." Hors dossier 26, no. 2-3 (April 5, 2017): 201–18. http://dx.doi.org/10.7202/1039372ar.
Full textAbstract:
Cet article cherche à mettre en lumière la dimension expérimentale conférée par la Paramount à son studio new-yorkais durant les premières années du cinéma sonore. Par l’analyse de l’évolution des processus de production et des stratégies publicitaires de la Paramount, il examine la manière dont celle-ci profite de la proximité géographique de son studio d’Astoria avec les ressources de Broadway pour en faire un espace de recherche et d’expérimentation sur la musicalité au cinéma, notamment en ce qui a trait au potentiel cinématographique des divers types d’attractions musicales scéniques et à leurs modalités d’inscription dans le long métrage de fiction. Il vise ainsi à montrer la place prépondérante occupée par les ressources théâtrales dans l’établissement des formes du cinéma musical.
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Bourgois, Guillaume. "Des fragments intranquilles : le cinéma d’Oliveira à la lumière de Pessoa." Recherches & travaux, no. 84 (November 1, 2014): 55–69. http://dx.doi.org/10.4000/recherchestravaux.675.
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Gaudreault, André, and Philippe Marion. "Pour une nouvelle approche de la périodisation en histoire du cinéma 1." Hors dossier 17, no. 2-3 (November 16, 2007): 215–32. http://dx.doi.org/10.7202/016756ar.
Full textAbstract:
Résumé La périodisation est essentielle pour permettre à l’historien de structurer son appréhension du passé et possède une finalité relativement pédagogique. Tout exercice de périodisation est cependant un discours sur l’histoire et procède d’un croisement entre présent (celui du sujet historien) et passé (celui de l’objet historique). Un croisement qui relèverait d’ailleurs davantage du sujet percevant et de son contexte que de l’objet temporel supposément perçu. La périodisation serait ainsi fondamentalement un exercice proprement constructiviste. Premier exemple de périodisation, pour l’histoire du cinéma : le centenaire, en 1995. Mais que célèbre-t-on, au juste, au bout de cette période de cent années ? L’événement « originel » serait-il l’invention du Cinématographe Lumière et le dépôt du brevet ? Si tel est le cas, parler sans ambages du « centenaire du cinéma », c’est faire l’économie de la démonstration à la base de pareil positionnement, qui établit une adéquation biunivoque entre cinématographe et cinéma. Serait-ce plutôt la fameuse première projection publique payante du 28 décembre 1895 au Grand Café à Paris ? Quel statut aurait alors la toute première projection du Théâtre optique d’Émile Reynaud, qui a eu lieu au moins trois ans avant l’invention du Cinématographe Lumière ? Quel statut auraient les projections de lanterne magique ? Il s’agira de montrer ici que, dans le cas d’un média complexe comme le cinéma, l’on ne peut utiliser la notion de périodisation que si on la conjugue au pluriel et que tout essai de périodisation doit entrer en relation avec les diverses séries culturelles au croisement desquelles adviennent les médias. On verra qu’il n’est somme toute guère aisé de faire se croiser le maillage inextricable d’un média complexe comme le cinéma et une notion aussi unilinéaire et simplificatrice que celle de « période ».
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Prince, Éric. "Medium, figure : deux mots pour une conversation sur l’adaptation." Études littéraires 45, no. 3 (July 22, 2015): 101–33. http://dx.doi.org/10.7202/1032447ar.
Full textAbstract:
L’adaptation du théâtre au cinéma, tout comme celle qui opère entre n’importe quelsmedia, a souvent été étudiée sous l’angle de la matérialité propre à chaque moyen d’expression, à la lumière des limitations qu’implique cette dernière. Or, cet article emprunte une voie différente et propose une conception figurale dumediuminspirée du pragmatisme peircéen. Comment, aujourd’hui, poser la question « qu’est-ce que le cinéma ? ». Dans ce texte, nous aborderons d’abord les difficultés que soulève une telle interrogation, après quoi nous élaborerons une définition dumedium. Puis, nous exemplifierons sa contribution à l’épistémologie des études cinématographiques en nous penchant sur la comédie romantique américaine, genre des plus significatifs pour l’histoire du cinéma, qui continue la tradition théâtrale tout en rompant avec elle. Nous conclurons par un examen deNô, un film de Robert Lepage, adapté d’une pièce du même auteur.
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Martínez, Josu. "Indios pirenaicos en tres dimensiones: hallazgo e historia de “Euskadi”, película en relieve de Louis Lumière (1936)." Historia y Comunicación Social 24, no. 1 (May 28, 2019): 277–92. http://dx.doi.org/10.5209/hics.64495.
Full textAbstract:
En 1937, se estrenó en Paris un cortometraje tridimensional llamado “Euskadi”. Rodado con la pionera técnica de “cinéma en relief” ideada dos años antes por Louis Lumière, esta película desconocida ha estado desaparecida hasta que, en 2016 el grupo de investigación NOR de la UPV/EHU dio con ella en Paris. El presente trabajo, estudia el hallazgo y la historia de esta rareza del cine 3D, analizándola en su contexto cinematográfico (el cine francés de los 30 y la invención de Lumière), político (La guerra civil española en el País Vasco peninsular, y la tranquila calma al norte de la frontera), y cultural (los numerosos documentales realizados por cineastas extranjeros sobre el País Vasco continental).
Dissertations / Theses on the topic "Lumière au cinéma"
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Revault, d'Allonnes Fabrice. "La Lumière dans le cinéma "moderne" : Approche esthétique." Paris 3, 1992. http://www.theses.fr/1992PA030082.
Full textAbstract:
Un preambule dresse un etat du sujet, sur la lumiere au cinema et sur la notion de modernite cinematographique. Une premiere partie distingue des tendances dans le cinema moderne, a la lumiere au principe documentaire. D'une part "l'insignifiance", la reproduction d'une absence de sens, chez rohmer ou straub-huillet, pialat ou cassavetes ; d'autre part "l'inevidence", l'expression d'une beance de sens, chez bresson (homogeneite, opacite) comme chez godard ou garrel (heterogeneite, mystere). On discute d'une troisieme voie, caracterisee comme classico-baroquisante : "l'insense", l'expression theatrale d'une absurdite ou folie, chez welles, bergman ou tarkovski, ruiz. On aborde des films a la limite entre "inevidence" et "insense". En chemin, on a traite de la subversion du classicisme par godard, de la retheatralisation chez truffaut ou chez rivette. On a aussi envisage de possibles demarches "pre-modernes" ; on s'interroge enfin sur une eventuelle "post-modernite". Une seconde partie degage des ruptures entre classicisme et modernite. Premiererement, entre principe theatral et documentaire de l'eclairage. Deuxiemement, entre principe transcendantal et phenomenal de la lumiere, ce qu'on traque dans la symbolisation lumineuse de l'esprit (chez rossellini, pasolini,. . . ). Troisiemement, rupture du rapport entre sensation et signification : la modernite autorise des sensations libres de sens. Quatriemement, rupture entre le clair-obscur classique et ce que lui substitue la modernite. En chemin, ou a ouvert le propos aux arts non-cinematographiquesThe preamble sets the topic in its surroundings, light in the cinema and cinematographic modernity. The first part distinguishes different tendencies in modern cinema, where light acts as a documentary principle. On one side "insignificance", the reproduction of a lack of meaning, with directors such as rohmer ou straubhuillet, pialat or cassavetes ; on the other side "the unobvious", the expression of want of meaning, with bresson (homogeneity, opacity) as with godard or garrel (heterogeneity, mystery). A third tendency is examined and classified as classicalbaroque : "the insane", theatrical expression of absurdity or foly with welles, bergman or tarkovski, ruiz. Films are also examined at the very limit between "unobviousness" and "insanity". The subversion of classicism by godard and retheatricalisation by truffaut or rivette are also analysed. Discussed also, are the possuble "pre-modern" tendencies and the question of "post-modernity". The second part outlines the gaps between classicism and modernity. Firstly, between the theatrical and documentary principle(s) of lighting. Secondly, between the transcendental and phenomenal principle(s) of light which is examined through the luminous symbolising of the spirit (with rossellini, pasolini,. . . ). Thirdly, the break-up between feeling and meaning : modernity authorising feelings free of meaning. Fourthly, the parting between the classical light-dark and what modernity has replaced it with
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Sibra, Sylvie. "Federico Fellini et la lumière : poïétique du monde sensible pour une lumière qui s'offre à voir et à écouter." Toulouse 2, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU20012.
Full textAbstract:
Ce travail de recherche est une quête exploratoire de la lumière dans l’oeuvre du cinéaste Federico Fellini (1920-1993). Nous y découvrirons d’immenses paysages éclairés par une foi profonde en la création. Cette étude se veut d’apporter des éclaircissements par touches successives sur la singularité de l’homme et sur ses réalisations à travers l’étude d’une lumière qui se donne à voir et à écouter. Des écrits qui cherchent à démontrer dans l’intimité, la vitalité et la poésie des images, la nature génératrice de ce créateur hors-norme au grand coeur mais aussi la communion des êtres lors d’instants de véritables grâces qui marquent l’image du sceau de l’éternité. Un cinéaste qui a eu le courage et l’audace de nous dévoiler, de nous révéler subtilement sa réalité intérieure et extérieure du monde, de la société, de l’homme, par la lumière. Une lumière qui fait des moments les plus invraisemblables les moments les plus crédibles, les plus réels, les plus touchants du cinéma. Une lumière qui plonge le regard dans les profondeurs de l’innocence et ainsi mettre à nu l’homme devant le monde. Une thèse vécue comme une expérience s’interrogeant sur cette lumière fellinienne qui a marqué le temps et non une époque ou un siècleThis research is an exploratory pursuit of light in the work of the renowned film-maker Federico Fellini (1920-1993). We’ll discover huge enlightened sceneries that witness to fellini’s very deep creative soul. This study aims gradually to bring some clarifications about the peculiarities of this man and his productions, through the study of light, that meets our eyes and even our ears! Fellini’s Writings, not only, show the strength and the poetry of the images, the generative nature of this exceptional great-hearted creator; but also, the absolute moments of grace released from human interaction. That marks fellini’s print for eternity. Fellini is one of the film-maker who succeeded to reveal boldly but subtly the interior and the exterior reality of men, of society and of the whole world that surrounds us, through the light. A light which makes the most improbable, credible and the most touching moments of the cinema. This light looks at the heart of innocence and thus, makes human beings face the world. This thesis is lived as an experience that’s wondering about the fellinien’s light that has marked the times and not only an era or a century
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Vernet, Antoine. "L'ombre et la lumière. Sociologie économique de l'activité cinématographique : travail et carrière chez les techniciens de la lumière." Thesis, Paris 10, 2010. http://www.theses.fr/2010PA100217/document.
Full textAbstract:
Cette thèse analyse le marché du travail dans l’industrie cinématographique, plus spécifiquement le marché des techniciens. Trois équipes de travail sont au cœur de l’analyse : l’équipe caméra, l’équipe électrique et l’équipe machinerie. Ensemble elles constituent le département image. Nous explorons les liens entre travail et carrière dans le contexte de la fluidité des relations d’emploi. À partir d’entretiens, d’observations et d’une base de données permettant de reconstruire les réseaux de collaborations, nous explorons ce que signifie « faire carrière » pour ces techniciens. La comparaison internationale nous permet de mettre en perspective le poids de chacune des régulations nationales sur la forme des carrières et les stratégies individuelles mises en œuvre par les acteurs. La première partie de la thèse montre comment la structure des collaborations supporte l’existence d’un monde social au sein duquel les individus partagent des conventions et des normes, et, au niveau des équipes de travail, des routines. Nous montrons comment l’activité et les relations entre les individus sur le plateau s’inscrivent dans la perspective plus large des carrières.La seconde partie de la thèse explore la question des entrées dans la carrière, montrant la place des réseaux relationnels. Les façons de recruter des individus, et particulièrement des chefs de poste, structurent les opportunités offertes aux individus. La troisième partie de la thèse se concentre sur le cas français pour explorer les combats des chefs opérateurs pour la reconnaissance de leur travail, notamment à travers les actions des associations professionnelles et par l’introduction d’un nouvel intermédiaire du marché du travailThis dissertation deals with issues of labor market organization in the motion-picture industry, especially for the labor market of technicians. Three workteams are studied: the camera crew, electric crew and grip crew. As a whole, they constitute what is sometimes referred to as the “image department”. We explore the link between work and career in a context of fluid employment relations. Drawing from interviews, observations and a database allowing us to reconstruct collaboration networks, we explore what a career means for those technicians. The international comparison allows us to put into perspective the weight of national regulations on the form of careers and on the individual strategies of actors. The first part of the dissertation shows how the structure of collaborations sustains a social world in which individuals share conventions and norms, and, at the team level, routines. We show how activity and relations between people on set evolve in the larger context of careers. The second part of the dissertation deals with the question of entering the labor market, showing the role of social networks. The means used to recruit people, especially team leaders, structures opportunities for people. The third part of the dissertation focus on the french case to study the struggle of cinematographers to see their work recognized. In particular, we study the role of professionnal associations and of a new intermediary on the labor market
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Brunet, Annabelle. "La part d'ombre du vidéographique : image-lumière, image-matière, refilmage, cinéma et altérations." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010576.
Full textAbstract:
A partir d'une pratique vidéographique tournée vers le refilmage d'images empruntées au cinéma, cette étude en arts plastiques propose une lecture phénoménologique de 1 'image-lumière: une image à la fois éclairante, instable et enveloppante. Au gré d'un parcours théorique allant du pré-cinéma jusqu'à l'installation vidéo dans ses liens qui l'unissent au théâtre, cette image est ici considérée comme image-matière, à l'opposé des images communicantes, ces images « diurnes », trop lisses ou trop claires qui nous entourent. Dans l'obscurité, se joue pleinement et a contrario l'apparition de la texture lumineuse, fantomatique et défigurante, de la vidéo. La force plastique du vidéographique, que les altérations engendrées par le refilmage viennent alors accentuer, apparaît indissociable d'une histoire du regard porté sur la projection lumineuse et l'écran scintillant par où passent aujourd'hui «toutes» les images. Nous nous intéressons à leur part d'ombre, de mythe, de rêve et d'imaginaire. Depuis la matière-lumière d'images refilmées, recadrées et ralenties, nous cherchons à la révéler et surtout, à la façonner
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Langlois-Marcotte, Dominic. "Adaptation cinématographique de la nouvelle Femme de lumière de Claude Vallières : scénario, film, démarche de création et réflexion sur la lumière dans le film noir." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28116/28116.pdf.
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Seo, Takashi. "La représentation du Japon dans le cinématographe Lumière." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010519.
Full textAbstract:
Dans cette thèse, nous allons aborder le problème de l'interprétation et de la compréhension de l'image filmique en traitant des vues du Cinématographe Lumière, et en particulière des films tournés au Japon. Nous devons ici confronter plusieurs points de vue pour différencier des lectures diverses, par exemple un point de vue historique et un socioculturel. Notre point de vue actuel sur les images du Japon prises par des Français à la fin 19e siècle est très éloigné de celui du spectateur du Cinématographe à cette époque-là. Cette distance est un des intérêts majeurs de la thèse, car aucune personne ne peut échapper au point de vue provenant de sa propre culture lors de sa rencontre avec l'extérieurIn this thesis, we address the problem of the interpretation and understanding of the cinematic image, analyzing films by the Cinematograph Lumière, especially films shot in Japan. Here we must confront several points of view to differentiate various translations, such as a historical perspective and a sociocultural perspective. Our current point of view of the images of Japan taken by two French operators in the late 19th century is really far from the point of view of a spectator at the time of the Cinematograph. This distance is a major interest of the thesis, because no one, when confronted with a foreign culture, can escape from his own point of view based on his own culture
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Bourgois, Guillaume. "Poétique de la divergence : le cinéma d'Oliveira à la lumière de Pessoa (et de Godard)." Paris 8, 2012. http://www.theses.fr/2012PA084002.
Full textAbstract:
Le travail de recherche étudie l’œuvre cinématographique de Manoel de Oliveira à la lumière de la poésie de Fernando Pessoa et de certains films de Jean-Luc Godard des années quatre-vingt et quatre-vingt-dix. L’analyse nécessite l’intervention d’un concept théorique, celui de divergence, qui permet de rendre compte de la singularité des poétiques d’Oliveira, de Pessoa et de Godard, en montrant comment ces trois artistes ont élaboré des œuvres qui prennent appui sur les écarts, les dérivations et les non-raccords – grâce auxquels leurs créations, loin de s’en tenir à des apories ou des antinomies, reflètent l’opacité et la multiplicité du réel. La première partie fait apparaître la façon dont l’action de la divergence met à mal les repères traditionnels (le sujet, l’espace, le temps, le mouvement) au sein des œuvres des deux cinéastes et du poète, ce qui oblige le travail de recherche à s’inscrire en dehors d’une perspective synthétique classique. La deuxième partie, consacrée à l’utilisation du texte par les trois artistes, montre qu’Oliveira, Pessoa et Godard font un usage éminemment cinématographique du texte : ils soumettent, chacun à sa façon, la matière textuelle à des variations différentielles et la mettent ainsi en mouvement. La troisième partie s’intéresse à la dimension politique de l’action de la divergence. Elle met en évidence la manière dont Oliveira et Pessoa élaborent une modélisation différentielle de l’histoire portugaise, grâce à laquelle ils rejoignent les réflexions sur le futur de l’Europe de "Film socialisme" de Godard – en particulier en ce qui concerne la dimension politique que ce dernier attribue au montageThis research work analyses Manoel de Oliveira’s films in the light of Fernando Pessoa’s poetry and several of Jean-Luc Godard’s films released in the eighties and nineties. The study uses a central theorical concept, the concept of divergence, which enables to understand the originality of Oliveira’s, Pessoa’s and Godard’s poetics, by showing that the works of these three artists are based on differentiations, derivations and conflits – by which their creations try to reveal the complexity of reality. The first part underlines the way the action of divergence in Oliveira’s, Pessoa’s and Godard’s works jeopardizes traditionnal concepts (subject, space, time, movement), which forces the resarch work to avoy a synthetic classical point of view. The second part analyses the use of text by the three artists and show that they use it in a cinematographic way : each of them puts the text itself in motion by differential variations. The third part focuses on the political implications of divergence. It shows how Oliveira and Pessoa work out a differential modelling of portuguese history, by which they concur with Godard’s "Film socialism" ’s theory on Europe’s future – especially regarding the political dimension of film editing
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Landrieux, Valéry. "Les Représentations de la banlieue dans le cinéma français de fiction et documentaire, des frères Lumière jusqu'à la fin du muet : aspects idéologiques et esthétiques." Strasbourg 2, 2002. http://www.theses.fr/2002STR20005.
Full textAbstract:
L'expression cinématographique de la banlieue française a dès ses débuts (La sortie des usines) manifesté par sa présence à l'image plus que par sa description détaillée, la bonne conscience d'une civilisation qui croit dans le progrès. Puis, s'orientant vers la fiction, le cinéma français a donné à voir les environs de la capitale sous un angle strictement documentaire : ils ne servent alors que de cadre pittoresque à toute une marginalité. Avec la nécessité d'allonger le récit, la banlieue est de moins en moins explorée dans son fonctionnement propre et réel, mais de plus en plus utilisée comme une série de lieux typiques extraits librement et juxtaposés à des décors reconstitués de toiles peintes, qui, combinés à une lumière assez faiblement travaillée et à une fixité du point de vue, expliquerait pourquoi les faubourgs furent montrés dans une vision artificielle. Les personnages très stéréotypés relevant alors soit de la tendance moralisatrice (le faubourien est enlaidi), soit de la tendance populiste (il est caricaturé). Avec les séries policières, une exploitation dramaturgique de vastes décors naturels permet de mieux exprimer le fantastique de la réalité. Après la guerre, le mélodrame populiste et mondain, qui ne se préoccupe guère des nuances et des vraisemblances des personnages, mais tend de plus en plus à jouer sur la fibre sensible de l'émotionnel et du pathétique, devient la formule dominante. . .
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Bergami, Goulart Barbosa Pablo. "Le malaise dans la culture à la lumière de la narrativité cinématographique contemporaine." Paris 7, 2013. http://www.theses.fr/2013PA070038.
Full textAbstract:
La présente thèse interroge l'actuel « malaise dans la culture » à partir d'une approche méthodologique centrée sur l'analyse de films. Les œuvres cinématographiques sont ainsi définies comme objets d'étude pour une anthropologie psychanalytique, en tant qu'éléments centraux de la construction d'une mythologie contemporaine. Dans ce cadre, une méthode d’analyse formelle, mettant en évidence l’émergence d’une narrativité cinématographique proprement contemporaine, permet de concevoir ce domaine audiovisuel comme outil de transmission de valeurs, d'idéaux et d'interdits culturels, mais aussi comme modèle d'énonciation balisant les processus de subjectivation individuels. Cette méthodologie est mise au service d'une critique de la notion de « sujet postmoderne » (corrélée à la thèse du « déclin du père »), qui est au cœur de grand nombre des travaux psychanalytiques sur l'état actuel de la culture occidentale. Cette position théorique est exposée dans son négativisme et dans son dualisme. En opposition à celle-ci, une conception multiple et dialectique de la contemporanéité, axée sur la continuité historique et la pérennité des structures anthropologiques de base est proposée. Cette perspective s'efforce de valoriser e potentiel créatif d'une culture qui se révèle riche, moins contraignante et moins unitaire que ce qu'elle a pu être par le passé, mais non moins structurante. Elle exige aussi la mise en question de la démarche de pensée aux fondements de la théorie psychanalytique de la culture, et appelle des développements de ce domaine théorique allant dans le sens le la complexité et de l'ouverture au dialogue interdisciplinaireThe present thesis questions the current «malaise» of western culture based on a methodological approach organized around film analysis. Cinematographic works are thus defined as objects of study for a psychoanalytic anthropology, as key elements in the construction of contemporary mythology. Within this frame of reference, a method of formal analysis which highlights the emergence of a specifically contemporary narrativity enables us to characterize this audiovisual domain as a tool for the transmission of cultural values, ideals and prohibitions, but also as a model of enunciation orienting individual subjectivation processes. This methodology serves a critique of the notion of "post-modem subject" (correlated to the thesis of the "decline of fatherhood"), which is at the heart of a great number of psychoanalytic works on the current state of western culture. This theoretical positions dualism and negativism are exposed. In opposition to it, a multiple and dialectical understanding of contemporaneity is proposed. This perspective tries to put forth the creative potential of a culture which unveils itself as rich, less constrictive and unified than it might have been in the past, but which is not less efficient in providing structure. It also demands that we question the basic ideas on which the psychoanalytic theory of culture is founded, and it calls us to develop such theory towards greater complexity and openness to interdisciplinary dialogue
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Baldacchino-Gauthey, Martine. "Vers l'abstraction de l'image cinématographique : (Quatre films de fiction d'Europe du Nord de 1978 à 2000)." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080028.
Full textAbstract:
La lumière transcende son entité qui est de « rendre les objets visibles ». Mais quelle est cette expérience artistique et quelles sont les intentions du réalisateur désirant communiquer sa subjectivité ? Quelle est cette lumière qui peut rendre visible l'invisible quand selon Carl Theodor Dreyer :Il s’agit, pour le metteur en scène de faire partager aux spectateurs ses propres expériences artistiques ou intérieures. L’abstraction lui offre une chance de le faire puisque, grâce à elle, il remplace la vérité objective par sa propre interprétation subjective. Mais si l’abstraction doit faire son entrée sur l’écran, il nous faut commencer à : chercher de nouveaux principes de création. Je soulignerai que je ne pense ici qu’à l’image.1Communiquer ses propres émotions est envisageable par l'abstraction selon le réalisateur danois, car l'abstraction permet de transcender l'objectivité.A quelles conditions la lumière et ses déclinaisons peuvent-elles induire une abstraction de l'image ? Comment se traduit l'abstraction ? Quels sont les signifiés d'une plastique lumineuse abstraite ?Cette recherche analyse l'ambiance lumineuse de « Stalker», « Europa» , « Trois couleurs bleu» et « L'homme sans passé », quatre films d'Europe du nord regroupés autour des mêmes thématiques. Les réalisateurs Andreï Tarkovski, Lars Von Trier, Krzysztof Kieślowski, Aki Kaurismäki influencés par Carl Theodor Dreyer, s'associent de toute évidence à sa problématique.Cette thèse démontre que l'abstraction de l'image est possible par sa plastique lumineuse susceptible d' exprimer une virtualité, une dissonance, un magnétisme, un enfermement. Elle interroge les directeurs photo et les réalisateurs du corpus sur les sensations éprouvées par l'esthétique lumineuse. Elle révèle enfin que, de multiples temps hétérogènes travaillant la lumière sont à l'origine de l'abstraction de l'image. 1 DREYER Carl Th, Réflexions sur mon métier, réédition Cahiers du Cinéma, 1997, Paris, p 105Lighting transcends it's entity which is to "Render objects visible". But what is the artistic experience and what are the intentions of a director who desires to communicate his subjectivity? What is this light that can render the invisible visible when according to Carl Theodor Dreyer :For the director, it's about the ability to share to the spectators one's own artistic experiences or interior feelings. Through abstraction it is possible to realize this because it replaces the truthful objective by it's own subjective interpretation. However, if the abstraction has to present itself on the screen, we must start to search for new principles of creation. I will emphasize that I am referring here only to the image*.To communicate one's own emotions is possible through abstraction according to the Danish director, because abstraction allows to transcend objectivity.To what conditions may lighting and it's inflections induce an abstraction of the image? How may one translate such an abstraction? What are the signifiers of an abstract lighting?This research analyze the tonality of the lighting of "Stalker", "Europa", "Three colors : Blue" and "The man without a past". Four films from northern Europe that are grouped around similar themes. The directors Andreï Tarkovski, Lars Von Trier, Krzysztof Kieślowski, Aki Kaurismäki, influenced by Carl Theodor Dreyer, are connected without a doubt to his vision. This thesis is set to demonstrate how the abstraction of an image is possible through a certain plasticity of lighting effects which is susceptible to express a virtuality, a dissonance, a magnetism and an enclosing. This paper interrogates directors of photography and the directors of the corpus on the demonstrated feelings generated by the aesthetics of lighting. Finally it brings to the surface multiple heterogeneous times working light that are behind of the abstraction of image. *DREYER Carl Th, Réflexions sur mon métier, réédition Cahiers du Cinéma, 1997, Paris, p 105
Books on the topic "Lumière au cinéma"
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Cinéma dans la tête: L'esthétique du film à la lumière des neurosciences. Berne: P. Lang, 2011.
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Mannoni, Laurent. Le grand art de la lumière et de l'ombre: Archéologie du cinéma. Paris: Nathan, 1995.
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6
Borgé, Guy. Les Lumière, Antoine, Auguste, Louis et les autres: L'invention du cinéma, les autochromes. Lyon: Editions lyonnaises d'art et d'histoire, 2004.
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Brancion, Laurence Chatel de. Le cinéma au siècle des Lumières. Saint-Rémy-en-L'Eau: M. Hayot, 2007.
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Grundmann, Roy, Peter Schwartz, and Gregory Williams, eds. Labour in a Single Shot. NL Amsterdam: Amsterdam University Press, 2021. http://dx.doi.org/10.5117/9789463722421.
Full textAbstract:
This collection of essays offers a critical assessment of Labour in a Single Shot, a groundbreaking documentary video workshop. From 2011 to 2014, curator Antje Ehmann and film- and videomaker Harun Farocki produced an art project of truly global proportions. They travelled to fifteen cities around the world to conduct workshops inspired by cinema history’s first film, Workers Leaving the Lumière Factory, shot in 1895 by the Lumière brothers in France. While the workshop videos are in colour and the camera was not required to remain static, Ehmann and Farocki’s students were tasked with honouring the original Lumière film’s basic parameters of theme and style. The fascinating result is a collection of more than 550 short videos that have appeared in international exhibitions and on an open-access website, offering the widest possible audience the opportunity to ponder contemporary labour in multiple contexts around the world.
Book chapters on the topic "Lumière au cinéma"
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Lipton, Lenny. "The Lumières and the Europeans." In The Cinema in Flux, 161–69. New York, NY: Springer US, 2021. http://dx.doi.org/10.1007/978-1-0716-0951-4_17.
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Yeh, Emilie Yueh-yu. "Remaking Ozu: Hou Hsiao-hsien’s Café Lumière." In The Poetics of Chinese Cinema, 97–118. New York: Palgrave Macmillan US, 2016. http://dx.doi.org/10.1057/978-1-137-55309-6_6.
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Comolli, Jean-Louis. "02 – Trop de lumière. L’unique et l’aura." In Cinéma, Numérique, Survie, 31–36. ENS Éditions, 2019. http://dx.doi.org/10.4000/books.enseditions.11082.
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"AMATEURE AUF REISEN I: GABRIEL VEYRE FÜR DIE FIRMA LUMIÈRE." In Cinéma Indochina, 51–68. transcript-Verlag, 2010. http://dx.doi.org/10.14361/transcript.9783839413647.51.
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Vancheri, Luc. "Chapitre V. Le moment Lumière." In Le cinéma ou le dernier des arts, 211–45. Presses universitaires de Rennes, 2018. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.87787.
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Lavin, Mathias. "Le plan prolongé dans Café Lumière et Le Voyage du ballon rouge." In Le cinéma de Hou Hsiao-hsien, 87–97. Presses universitaires de Rennes, 2013. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.76067.
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Bézard, Nicolas. "Trois temps de la jeunesse (Goodbye South, Goodbye, Millennium Mambo et Café Lumière)." In Le cinéma de Hou Hsiao-hsien, 73–86. Presses universitaires de Rennes, 2013. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.76064.
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Thomas, Benjamin. "Prendre Tokyo par le train : Café Lumière ou les Tokyo de Hou Hsiao-hsien." In Le cinéma de Hou Hsiao-hsien, 35–45. Presses universitaires de Rennes, 2013. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.76049.
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"Marguerite Duras et la « lumière théâtrale » : scène, sens et vision dans L’Éden Cinéma, Savannah Bay et La Musica Deuxième." In Marguerite Duras, 40–53. Brill | Rodopi, 2018. http://dx.doi.org/10.1163/9789004368743_004.
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"1. Early Cinema and Narrativity." In From Plato to Lumière, edited by Timothy Barnard, 11–18. Toronto: University of Toronto Press, 2009. http://dx.doi.org/10.3138/9781442688148-006.
Full textConference papers on the topic "Lumière au cinéma"
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Dyephart, Anouchka. "Concevoir aujourd’hui un film sur la villa Savoye." In LC2015 - Le Corbusier, 50 years later. Valencia: Universitat Politècnica València, 2015. http://dx.doi.org/10.4995/lc2015.2015.652.
Full textAbstract:
Résumé: Si de nombreuses images de la villa Savoye existent, par contre peu de films sont centrés sur elle. Je souhaite présenter ici un projet de film documentaire que je développe depuis 2012. Sur cette villa considérée comme une icône de l’architecture moderne, et déjà tant étudiée, je propose un regard un peu décalé, nourri à la fois par ma formation d’architecte et mon expérience de réalisatrice. J’aborde en particulier la question de l’impact de cette architecture ; comment est-elle perçue au XXIème siècle, en quoi peut-elle influer sur notre façon d’envisager l’espace ? Je développerai un aspect de ma démarche qui touche au rapport entre architecture et cinéma: comment montrer la villa par un film ? autrement dit comment traduire ce qu’elle représente par des images animées, des sons, mais aussi des ‘évènements’ qui dévoilent les contrastes de lumière et d’ambiances ? De quoi cette architecture est-elle le récit ? Ou, comme le proclame une des questions-slogans de Bernard Tschumi : “Et si l’architecture était autant une question de mouvement et d’évènement que d’espace ?”1. Resumen: Si existen numerosas imágenes de la Villa Savoye, escasos son, en cambio, los films que traten de ella. Deseo presentar aquí un proyecto de film documenta, sobre el que estoy trabajando desde el año 2012. Propongo una vision un poco desfasada, nutrida al mismo tiempo por mi formación de arquitecta y mi experiencia de cineasta, sobre esta obra ya tan estudiada, icono de la arquitectura moderna. Abordo especialmente la cuestión del impacto de esta arquitectura; ¿cómo es percibida en el siglo XXI?, ¿qué influencia puede tener en nuestra manera de considerar el espacio? Desarrollaré un aspecto de mi trabajo que trata de la relación entre la arquitectura y el cine: como mostrar la Villa Savoye en un film ? Es decir, como traducir lo que ella representa a través de imágenes animadas, sonido y “acontecimientos” que rebelen los contrastes de luces y de ambientes? ¿ De qué da cuenta esta arquitectura? O, como lo proclama una de las preguntas-eslogan de Bernard Tschumi: “¿Y si la arquitectura fuera tanto cuestión de movimiento y de acontecimiento como de espacio?” Mots-clés: villa Savoye ; film documentaire ; transmission ; création ; recherche formelle. Palabras clave: villa Savoye, película documental, transmisión, creación, investigación formal. DOI: http://dx.doi.org/10.4995/LC2015.2015.652