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Dissertations / Theses on the topic 'Lumière au cinéma'

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Revault, d'Allonnes Fabrice. "La Lumière dans le cinéma "moderne" : Approche esthétique." Paris 3, 1992. http://www.theses.fr/1992PA030082.

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Abstract:
Un preambule dresse un etat du sujet, sur la lumiere au cinema et sur la notion de modernite cinematographique. Une premiere partie distingue des tendances dans le cinema moderne, a la lumiere au principe documentaire. D'une part "l'insignifiance", la reproduction d'une absence de sens, chez rohmer ou straub-huillet, pialat ou cassavetes ; d'autre part "l'inevidence", l'expression d'une beance de sens, chez bresson (homogeneite, opacite) comme chez godard ou garrel (heterogeneite, mystere). On discute d'une troisieme voie, caracterisee comme classico-baroquisante : "l'insense", l'expression theatrale d'une absurdite ou folie, chez welles, bergman ou tarkovski, ruiz. On aborde des films a la limite entre "inevidence" et "insense". En chemin, on a traite de la subversion du classicisme par godard, de la retheatralisation chez truffaut ou chez rivette. On a aussi envisage de possibles demarches "pre-modernes" ; on s'interroge enfin sur une eventuelle "post-modernite". Une seconde partie degage des ruptures entre classicisme et modernite. Premiererement, entre principe theatral et documentaire de l'eclairage. Deuxiemement, entre principe transcendantal et phenomenal de la lumiere, ce qu'on traque dans la symbolisation lumineuse de l'esprit (chez rossellini, pasolini,. . . ). Troisiemement, rupture du rapport entre sensation et signification : la modernite autorise des sensations libres de sens. Quatriemement, rupture entre le clair-obscur classique et ce que lui substitue la modernite. En chemin, ou a ouvert le propos aux arts non-cinematographiques
The preamble sets the topic in its surroundings, light in the cinema and cinematographic modernity. The first part distinguishes different tendencies in modern cinema, where light acts as a documentary principle. On one side "insignificance", the reproduction of a lack of meaning, with directors such as rohmer ou straubhuillet, pialat or cassavetes ; on the other side "the unobvious", the expression of want of meaning, with bresson (homogeneity, opacity) as with godard or garrel (heterogeneity, mystery). A third tendency is examined and classified as classicalbaroque : "the insane", theatrical expression of absurdity or foly with welles, bergman or tarkovski, ruiz. Films are also examined at the very limit between "unobviousness" and "insanity". The subversion of classicism by godard and retheatricalisation by truffaut or rivette are also analysed. Discussed also, are the possuble "pre-modern" tendencies and the question of "post-modernity". The second part outlines the gaps between classicism and modernity. Firstly, between the theatrical and documentary principle(s) of lighting. Secondly, between the transcendental and phenomenal principle(s) of light which is examined through the luminous symbolising of the spirit (with rossellini, pasolini,. . . ). Thirdly, the break-up between feeling and meaning : modernity authorising feelings free of meaning. Fourthly, the parting between the classical light-dark and what modernity has replaced it with
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Sibra, Sylvie. "Federico Fellini et la lumière : poïétique du monde sensible pour une lumière qui s'offre à voir et à écouter." Toulouse 2, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU20012.

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Abstract:
Ce travail de recherche est une quête exploratoire de la lumière dans l’oeuvre du cinéaste Federico Fellini (1920-1993). Nous y découvrirons d’immenses paysages éclairés par une foi profonde en la création. Cette étude se veut d’apporter des éclaircissements par touches successives sur la singularité de l’homme et sur ses réalisations à travers l’étude d’une lumière qui se donne à voir et à écouter. Des écrits qui cherchent à démontrer dans l’intimité, la vitalité et la poésie des images, la nature génératrice de ce créateur hors-norme au grand coeur mais aussi la communion des êtres lors d’instants de véritables grâces qui marquent l’image du sceau de l’éternité. Un cinéaste qui a eu le courage et l’audace de nous dévoiler, de nous révéler subtilement sa réalité intérieure et extérieure du monde, de la société, de l’homme, par la lumière. Une lumière qui fait des moments les plus invraisemblables les moments les plus crédibles, les plus réels, les plus touchants du cinéma. Une lumière qui plonge le regard dans les profondeurs de l’innocence et ainsi mettre à nu l’homme devant le monde. Une thèse vécue comme une expérience s’interrogeant sur cette lumière fellinienne qui a marqué le temps et non une époque ou un siècle
This research is an exploratory pursuit of light in the work of the renowned film-maker Federico Fellini (1920-1993). We’ll discover huge enlightened sceneries that witness to fellini’s very deep creative soul. This study aims gradually to bring some clarifications about the peculiarities of this man and his productions, through the study of light, that meets our eyes and even our ears! Fellini’s Writings, not only, show the strength and the poetry of the images, the generative nature of this exceptional great-hearted creator; but also, the absolute moments of grace released from human interaction. That marks fellini’s print for eternity. Fellini is one of the film-maker who succeeded to reveal boldly but subtly the interior and the exterior reality of men, of society and of the whole world that surrounds us, through the light. A light which makes the most improbable, credible and the most touching moments of the cinema. This light looks at the heart of innocence and thus, makes human beings face the world. This thesis is lived as an experience that’s wondering about the fellinien’s light that has marked the times and not only an era or a century
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Vernet, Antoine. "L'ombre et la lumière. Sociologie économique de l'activité cinématographique : travail et carrière chez les techniciens de la lumière." Thesis, Paris 10, 2010. http://www.theses.fr/2010PA100217/document.

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Abstract:
Cette thèse analyse le marché du travail dans l’industrie cinématographique, plus spécifiquement le marché des techniciens. Trois équipes de travail sont au cœur de l’analyse : l’équipe caméra, l’équipe électrique et l’équipe machinerie. Ensemble elles constituent le département image. Nous explorons les liens entre travail et carrière dans le contexte de la fluidité des relations d’emploi. À partir d’entretiens, d’observations et d’une base de données permettant de reconstruire les réseaux de collaborations, nous explorons ce que signifie « faire carrière » pour ces techniciens. La comparaison internationale nous permet de mettre en perspective le poids de chacune des régulations nationales sur la forme des carrières et les stratégies individuelles mises en œuvre par les acteurs. La première partie de la thèse montre comment la structure des collaborations supporte l’existence d’un monde social au sein duquel les individus partagent des conventions et des normes, et, au niveau des équipes de travail, des routines. Nous montrons comment l’activité et les relations entre les individus sur le plateau s’inscrivent dans la perspective plus large des carrières.La seconde partie de la thèse explore la question des entrées dans la carrière, montrant la place des réseaux relationnels. Les façons de recruter des individus, et particulièrement des chefs de poste, structurent les opportunités offertes aux individus. La troisième partie de la thèse se concentre sur le cas français pour explorer les combats des chefs opérateurs pour la reconnaissance de leur travail, notamment à travers les actions des associations professionnelles et par l’introduction d’un nouvel intermédiaire du marché du travail
This dissertation deals with issues of labor market organization in the motion-picture industry, especially for the labor market of technicians. Three workteams are studied: the camera crew, electric crew and grip crew. As a whole, they constitute what is sometimes referred to as the “image department”. We explore the link between work and career in a context of fluid employment relations. Drawing from interviews, observations and a database allowing us to reconstruct collaboration networks, we explore what a career means for those technicians. The international comparison allows us to put into perspective the weight of national regulations on the form of careers and on the individual strategies of actors. The first part of the dissertation shows how the structure of collaborations sustains a social world in which individuals share conventions and norms, and, at the team level, routines. We show how activity and relations between people on set evolve in the larger context of careers. The second part of the dissertation deals with the question of entering the labor market, showing the role of social networks. The means used to recruit people, especially team leaders, structures opportunities for people. The third part of the dissertation focus on the french case to study the struggle of cinematographers to see their work recognized. In particular, we study the role of professionnal associations and of a new intermediary on the labor market
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Brunet, Annabelle. "La part d'ombre du vidéographique : image-lumière, image-matière, refilmage, cinéma et altérations." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010576.

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Abstract:
A partir d'une pratique vidéographique tournée vers le refilmage d'images empruntées au cinéma, cette étude en arts plastiques propose une lecture phénoménologique de 1 'image-lumière: une image à la fois éclairante, instable et enveloppante. Au gré d'un parcours théorique allant du pré-cinéma jusqu'à l'installation vidéo dans ses liens qui l'unissent au théâtre, cette image est ici considérée comme image-matière, à l'opposé des images communicantes, ces images « diurnes », trop lisses ou trop claires qui nous entourent. Dans l'obscurité, se joue pleinement et a contrario l'apparition de la texture lumineuse, fantomatique et défigurante, de la vidéo. La force plastique du vidéographique, que les altérations engendrées par le refilmage viennent alors accentuer, apparaît indissociable d'une histoire du regard porté sur la projection lumineuse et l'écran scintillant par où passent aujourd'hui «toutes» les images. Nous nous intéressons à leur part d'ombre, de mythe, de rêve et d'imaginaire. Depuis la matière-lumière d'images refilmées, recadrées et ralenties, nous cherchons à la révéler et surtout, à la façonner
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Langlois-Marcotte, Dominic. "Adaptation cinématographique de la nouvelle Femme de lumière de Claude Vallières : scénario, film, démarche de création et réflexion sur la lumière dans le film noir." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28116/28116.pdf.

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Seo, Takashi. "La représentation du Japon dans le cinématographe Lumière." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010519.

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Abstract:
Dans cette thèse, nous allons aborder le problème de l'interprétation et de la compréhension de l'image filmique en traitant des vues du Cinématographe Lumière, et en particulière des films tournés au Japon. Nous devons ici confronter plusieurs points de vue pour différencier des lectures diverses, par exemple un point de vue historique et un socioculturel. Notre point de vue actuel sur les images du Japon prises par des Français à la fin 19e siècle est très éloigné de celui du spectateur du Cinématographe à cette époque-là. Cette distance est un des intérêts majeurs de la thèse, car aucune personne ne peut échapper au point de vue provenant de sa propre culture lors de sa rencontre avec l'extérieur
In this thesis, we address the problem of the interpretation and understanding of the cinematic image, analyzing films by the Cinematograph Lumière, especially films shot in Japan. Here we must confront several points of view to differentiate various translations, such as a historical perspective and a sociocultural perspective. Our current point of view of the images of Japan taken by two French operators in the late 19th century is really far from the point of view of a spectator at the time of the Cinematograph. This distance is a major interest of the thesis, because no one, when confronted with a foreign culture, can escape from his own point of view based on his own culture
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Bourgois, Guillaume. "Poétique de la divergence : le cinéma d'Oliveira à la lumière de Pessoa (et de Godard)." Paris 8, 2012. http://www.theses.fr/2012PA084002.

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Abstract:
Le travail de recherche étudie l’œuvre cinématographique de Manoel de Oliveira à la lumière de la poésie de Fernando Pessoa et de certains films de Jean-Luc Godard des années quatre-vingt et quatre-vingt-dix. L’analyse nécessite l’intervention d’un concept théorique, celui de divergence, qui permet de rendre compte de la singularité des poétiques d’Oliveira, de Pessoa et de Godard, en montrant comment ces trois artistes ont élaboré des œuvres qui prennent appui sur les écarts, les dérivations et les non-raccords – grâce auxquels leurs créations, loin de s’en tenir à des apories ou des antinomies, reflètent l’opacité et la multiplicité du réel. La première partie fait apparaître la façon dont l’action de la divergence met à mal les repères traditionnels (le sujet, l’espace, le temps, le mouvement) au sein des œuvres des deux cinéastes et du poète, ce qui oblige le travail de recherche à s’inscrire en dehors d’une perspective synthétique classique. La deuxième partie, consacrée à l’utilisation du texte par les trois artistes, montre qu’Oliveira, Pessoa et Godard font un usage éminemment cinématographique du texte : ils soumettent, chacun à sa façon, la matière textuelle à des variations différentielles et la mettent ainsi en mouvement. La troisième partie s’intéresse à la dimension politique de l’action de la divergence. Elle met en évidence la manière dont Oliveira et Pessoa élaborent une modélisation différentielle de l’histoire portugaise, grâce à laquelle ils rejoignent les réflexions sur le futur de l’Europe de "Film socialisme" de Godard – en particulier en ce qui concerne la dimension politique que ce dernier attribue au montage
This research work analyses Manoel de Oliveira’s films in the light of Fernando Pessoa’s poetry and several of Jean-Luc Godard’s films released in the eighties and nineties. The study uses a central theorical concept, the concept of divergence, which enables to understand the originality of Oliveira’s, Pessoa’s and Godard’s poetics, by showing that the works of these three artists are based on differentiations, derivations and conflits – by which their creations try to reveal the complexity of reality. The first part underlines the way the action of divergence in Oliveira’s, Pessoa’s and Godard’s works jeopardizes traditionnal concepts (subject, space, time, movement), which forces the resarch work to avoy a synthetic classical point of view. The second part analyses the use of text by the three artists and show that they use it in a cinematographic way : each of them puts the text itself in motion by differential variations. The third part focuses on the political implications of divergence. It shows how Oliveira and Pessoa work out a differential modelling of portuguese history, by which they concur with Godard’s "Film socialism" ’s theory on Europe’s future – especially regarding the political dimension of film editing
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Landrieux, Valéry. "Les Représentations de la banlieue dans le cinéma français de fiction et documentaire, des frères Lumière jusqu'à la fin du muet : aspects idéologiques et esthétiques." Strasbourg 2, 2002. http://www.theses.fr/2002STR20005.

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Abstract:
L'expression cinématographique de la banlieue française a dès ses débuts (La sortie des usines) manifesté par sa présence à l'image plus que par sa description détaillée, la bonne conscience d'une civilisation qui croit dans le progrès. Puis, s'orientant vers la fiction, le cinéma français a donné à voir les environs de la capitale sous un angle strictement documentaire : ils ne servent alors que de cadre pittoresque à toute une marginalité. Avec la nécessité d'allonger le récit, la banlieue est de moins en moins explorée dans son fonctionnement propre et réel, mais de plus en plus utilisée comme une série de lieux typiques extraits librement et juxtaposés à des décors reconstitués de toiles peintes, qui, combinés à une lumière assez faiblement travaillée et à une fixité du point de vue, expliquerait pourquoi les faubourgs furent montrés dans une vision artificielle. Les personnages très stéréotypés relevant alors soit de la tendance moralisatrice (le faubourien est enlaidi), soit de la tendance populiste (il est caricaturé). Avec les séries policières, une exploitation dramaturgique de vastes décors naturels permet de mieux exprimer le fantastique de la réalité. Après la guerre, le mélodrame populiste et mondain, qui ne se préoccupe guère des nuances et des vraisemblances des personnages, mais tend de plus en plus à jouer sur la fibre sensible de l'émotionnel et du pathétique, devient la formule dominante. . .
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Bergami, Goulart Barbosa Pablo. "Le malaise dans la culture à la lumière de la narrativité cinématographique contemporaine." Paris 7, 2013. http://www.theses.fr/2013PA070038.

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Abstract:
La présente thèse interroge l'actuel « malaise dans la culture » à partir d'une approche méthodologique centrée sur l'analyse de films. Les œuvres cinématographiques sont ainsi définies comme objets d'étude pour une anthropologie psychanalytique, en tant qu'éléments centraux de la construction d'une mythologie contemporaine. Dans ce cadre, une méthode d’analyse formelle, mettant en évidence l’émergence d’une narrativité cinématographique proprement contemporaine, permet de concevoir ce domaine audiovisuel comme outil de transmission de valeurs, d'idéaux et d'interdits culturels, mais aussi comme modèle d'énonciation balisant les processus de subjectivation individuels. Cette méthodologie est mise au service d'une critique de la notion de « sujet postmoderne » (corrélée à la thèse du « déclin du père »), qui est au cœur de grand nombre des travaux psychanalytiques sur l'état actuel de la culture occidentale. Cette position théorique est exposée dans son négativisme et dans son dualisme. En opposition à celle-ci, une conception multiple et dialectique de la contemporanéité, axée sur la continuité historique et la pérennité des structures anthropologiques de base est proposée. Cette perspective s'efforce de valoriser e potentiel créatif d'une culture qui se révèle riche, moins contraignante et moins unitaire que ce qu'elle a pu être par le passé, mais non moins structurante. Elle exige aussi la mise en question de la démarche de pensée aux fondements de la théorie psychanalytique de la culture, et appelle des développements de ce domaine théorique allant dans le sens le la complexité et de l'ouverture au dialogue interdisciplinaire
The present thesis questions the current «malaise» of western culture based on a methodological approach organized around film analysis. Cinematographic works are thus defined as objects of study for a psychoanalytic anthropology, as key elements in the construction of contemporary mythology. Within this frame of reference, a method of formal analysis which highlights the emergence of a specifically contemporary narrativity enables us to characterize this audiovisual domain as a tool for the transmission of cultural values, ideals and prohibitions, but also as a model of enunciation orienting individual subjectivation processes. This methodology serves a critique of the notion of "post-modem subject" (correlated to the thesis of the "decline of fatherhood"), which is at the heart of a great number of psychoanalytic works on the current state of western culture. This theoretical positions dualism and negativism are exposed. In opposition to it, a multiple and dialectical understanding of contemporaneity is proposed. This perspective tries to put forth the creative potential of a culture which unveils itself as rich, less constrictive and unified than it might have been in the past, but which is not less efficient in providing structure. It also demands that we question the basic ideas on which the psychoanalytic theory of culture is founded, and it calls us to develop such theory towards greater complexity and openness to interdisciplinary dialogue
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Baldacchino-Gauthey, Martine. "Vers l'abstraction de l'image cinématographique : (Quatre films de fiction d'Europe du Nord de 1978 à 2000)." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080028.

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Abstract:
La lumière transcende son entité qui est de « rendre les objets visibles ». Mais quelle est cette expérience artistique et quelles sont les intentions du réalisateur désirant communiquer sa subjectivité ? Quelle est cette lumière qui peut rendre visible l'invisible quand selon Carl Theodor Dreyer :Il s’agit, pour le metteur en scène de faire partager aux spectateurs ses propres expériences artistiques ou intérieures. L’abstraction lui offre une chance de le faire puisque, grâce à elle, il remplace la vérité objective par sa propre interprétation subjective. Mais si l’abstraction doit faire son entrée sur l’écran, il nous faut commencer à : chercher de nouveaux principes de création. Je soulignerai que je ne pense ici qu’à l’image.1Communiquer ses propres émotions est envisageable par l'abstraction selon le réalisateur danois, car l'abstraction permet de transcender l'objectivité.A quelles conditions la lumière et ses déclinaisons peuvent-elles induire une abstraction de l'image ? Comment se traduit l'abstraction ? Quels sont les signifiés d'une plastique lumineuse abstraite ?Cette recherche analyse l'ambiance lumineuse de « Stalker», « Europa» , « Trois couleurs bleu» et « L'homme sans passé », quatre films d'Europe du nord regroupés autour des mêmes thématiques. Les réalisateurs Andreï Tarkovski, Lars Von Trier, Krzysztof Kieślowski, Aki Kaurismäki influencés par Carl Theodor Dreyer, s'associent de toute évidence à sa problématique.Cette thèse démontre que l'abstraction de l'image est possible par sa plastique lumineuse susceptible d' exprimer une virtualité, une dissonance, un magnétisme, un enfermement. Elle interroge les directeurs photo et les réalisateurs du corpus sur les sensations éprouvées par l'esthétique lumineuse. Elle révèle enfin que, de multiples temps hétérogènes travaillant la lumière sont à l'origine de l'abstraction de l'image. 1 DREYER Carl Th, Réflexions sur mon métier, réédition Cahiers du Cinéma, 1997, Paris, p 105
Lighting transcends it's entity which is to "Render objects visible". But what is the artistic experience and what are the intentions of a director who desires to communicate his subjectivity? What is this light that can render the invisible visible when according to Carl Theodor Dreyer :For the director, it's about the ability to share to the spectators one's own artistic experiences or interior feelings. Through abstraction it is possible to realize this because it replaces the truthful objective by it's own subjective interpretation. However, if the abstraction has to present itself on the screen, we must start to search for new principles of creation. I will emphasize that I am referring here only to the image*.To communicate one's own emotions is possible through abstraction according to the Danish director, because abstraction allows to transcend objectivity.To what conditions may lighting and it's inflections induce an abstraction of the image? How may one translate such an abstraction? What are the signifiers of an abstract lighting?This research analyze the tonality of the lighting of "Stalker", "Europa", "Three colors : Blue" and "The man without a past". Four films from northern Europe that are grouped around similar themes. The directors Andreï Tarkovski, Lars Von Trier, Krzysztof Kieślowski, Aki Kaurismäki, influenced by Carl Theodor Dreyer, are connected without a doubt to his vision. This thesis is set to demonstrate how the abstraction of an image is possible through a certain plasticity of lighting effects which is susceptible to express a virtuality, a dissonance, a magnetism and an enclosing. This paper interrogates directors of photography and the directors of the corpus on the demonstrated feelings generated by the aesthetics of lighting. Finally it brings to the surface multiple heterogeneous times working light that are behind of the abstraction of image. *DREYER Carl Th, Réflexions sur mon métier, réédition Cahiers du Cinéma, 1997, Paris, p 105
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Girardi, Bertrand. "L'imaginaire lumineux : un corps de l'image entre fiction et documentaire : le style kubrick." Bordeaux 3, 2005. http://www.theses.fr/2005BOR30013.

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Abstract:
L’image, qu’elle soit picturale, photographique ou bien encore cinématographique, télévisuelle ou numérique, doit composer avec l’élément lumière. Cependant, il n’est pas question de considérer la lumière dans l’image sans faire appel à sa représentation matérialisée : le lumineux. En effet, une fois impressionnée dans le cadre, la lumière devient la réalité de l’image, un corps, c’est-à-dire une luminosité transitoire, comme une émanation entre présence et absence. Il est alors possible de constater, en suivant différents styles cinématographiques, soit un lumineux factuel, soit un lumineux d’éclairage. Ces deux grands corps lumineux appartiennent à un même objet ou sémème (le lumineux), et constituent un nouveau foyer dans l’espace de la réception. Le lumineux et son ombre peuvent-ils être d’une quelconque utilité dans la distinction complète entre fiction et documentaire ? La mise en analyse du lumineux dans les films de Stanley Kubrick propose de lire le film de fiction sous un nouveau jour, et d’appréhender le film documentaire selon de nouveaux critères. Le spectateur peut y gagner un regard neuf sur le langage filmique. De plus, la mise en avant du corps lumineux comme signe langagier de l’image soulève l’importance de l’imaginaire dans la réception du discours filmique. Prendre conscience, au travers d’une perception du lumineux, d’un rapport plus ou moins fort avec la réalité ou l’imaginaire peut aider à une meilleure connaissance du monde (mental, imaginaire ou physique)
Picture which is pictural, photographic, cinematographic or televisual wathever numeric should compose with light composent. However, it is not a matter of light inside picture without colling its materialized representation : the luminous. Indead once impressed with the scope light becomes the picture reality, a materiality. That means a transitority like a emanation between presence and absence. Than we could considerer luminous factuel or luminous of lighting. These huge materialities belong to same object or sememe (luminosity) and constitute a new type of hearth in the space of reception. Can the luminous and its shadow be of an unspecified utility in the entire distinction between fiction and documentary ? The setting in analysis of luminous in Stanley Kubrick films propose to read fictionnal films under a new approach and to apprehend documentary film according to new criterials. The spectator can gain a new glance there in the filmic language. More ever, the setting in front of luminous element like signs linguistic image, rise the importance of imaginary in filmic discourse reception. Becoming conscious, through perception of the luminous of more or less relationship with reality or imaginary, can help to get a better understanding of the world (mental, imaginary or reality)
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Kuo, Li-Chen. "Le noir comme invention du cinéma : matière, forme, dispositif." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA118/document.

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Abstract:
Antipode de la lumière, le noir est pourtant indissociable du cinéma. Qu'est-ce que le noir du cinéma ? Figure de l'ombre ou de l'obscurité à l'image, il y est aussi présent en tant que tel, un noir sans représentation et avec sa réalité physique singulière. Ce noir-là est avant tout une condition technique, que l'on cache, mais qui joue un rôle décisif dans la production des illusions d'optique et la création de la fiction. Il est également omniprésent dans tout le processus de fabrication de l'image cinématographique. Le noir joue avec la lumière, conditionne la visibilité et l'invisibilité et, en ce sens, invente le cinéma. Le noir propose une autre manière de comprendre ce qu'est le cinéma ainsi que son fonctionnement. Cette étude traitera d'abord l'aspect matériel de l'image argentique : le noircissement photochimique et les idées qu'il suggère en tant que processus de la formation et de la dissolution de l'image. On évoquera ensuite, au travers du noir formel, outil rhétorique et mécanique, les effets produits par le noir, lorsqu'il intervient en tant que forme dans l'image, de l'image, et entre les images. Enfin, en tant que dispositif envahisseur de l'écran et de l'espace de projection, le noir révèlera son rôle dans le dispositif du spectacle visuel : la construction d'un accès à l'illusion et à la révélation. Chaque partie se déploiera dans un parcours à la fois historique, technique, et esthétique. On verra notamment dans des tentatives artistiques et expérimentales que la mise en avant du noir permet de révéler les caractéristiques du médium cinématographique, voire de ré-inventer le cinéma. Cette quête du noir se révèle comme une quête sur la nature du cinéma, nature que l'industrie du cinéma tente d'effacer. Le noir fait voir, et il fait voir autrement
Even though black is the antipode of light it is nevertheless inseparable from the world of cinema. What is black in cinema? A figure of shadow or darkness in the image that is also present as such. Black without representation and with its singular physical reality. This blackness is above all a technical condition which is hidden but which plays a decisive role in the production of optical illusions and the creation of fiction. It is also omnipresent in the entire process of making the cinematographic image. Black plays with light and conditions visibility and invisibility. In this sense it invents cinema. Black also offers another way of understanding what cinema is and how it works. This study will first deal with the material aspect of photography: photochemical blackening and the ideas it suggests as a process of image formation and dissolution. I will then portray the different effects produced by black- the black shape a rhetorical and mechanical tool. When it intervenes as a form in the image, of the image, and between the image. Finally, I will discuss how black can be an invading device of the screen and the projection space and reveal its role as a visual spectacle apparatus: the construction of an access to illusion and revelation. Each part of this outline will be dealt with in a historical, technical and aesthetic way. We will see in particular in artistic and experimental attempts that the emphasis on black makes it possible to reveal the characteristics of the cinematographic medium or even to re-invent cinema. This quest for blackness is revealed as a quest for the nature of cinema. A nature that the film industry is trying to erase. Black makes you see but it makes you see differently
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Mahfoud, Abdelhamid. "Calligraphie, cinégraphie : étude de la relation entre le cinéma et les arts du tracé." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA146.

Full text
Abstract:
Cette recherche tente d’envisager l’art du cinéma comme un art cinégraphique, c’est-à-dire, selon la définition qu’on propose dans ce travail, comme un espace d’images en mouvement se déployant au regard à travers des influx énergétiques qui en animent les composants. Pour en dégager cette substance scripturale et en relever les implications sur le langage du cinéma, cette recherche entreprend un détour par deux pensées de l’image qui ont traditionnellement fait de l’art du tracé un art majeur, manifestant par-là des préoccupations esthétiques et des pensées du langage qui nous semblent en divergence avec celles qui ont conduit l’histoire culturelle occidentale à inventer le cinéma. Que devient alors le cinéma lorsqu’il est investi par ces pensées ? Réciproquement, que peut leur apporter le cinéma en tant que technique, dispositif et matière ? Le premier détour, en posant des questions de mouvement, de geste et de temps, passe par la calligraphie et l’art pictural chinois pour interroger le cinéma en tant que machine à enregistrer, liée à une pensée de la conservation, de la mémoire et de l’événement. Le second détour, en posant des questions de lumière, de regard et d’espace, passe par la calligraphie et l’art pictural musulman pour interroger le cinéma en tant que machine optique, liée à une pensée de la mimésis, de la profondeur et de la monstration. Ces détours servent enfin de base théorique pour penser notre rapport quotidien aux images (numériques principalement), rapport qui se transforme de manière exponentielle et qui reconfigure notre manière de voir, de lire et de toucher les images ; selon un mode précisément cinégraphique
This research attempts to envisage the art of cinema as a cinegraphic art, that is to say, according to the definition herein, as a space of moving images unfolding themselves to the gaze through energetic impulses that animate its component parts. In order to draw forth this scriptural substance and to ascertain its implications for the language of cinema, this research detours into two realms of thought on the image, which have traditionally elevated the art of drawing into a prominent art form, thus manifesting aesthetic preoccupations and notions of language which we perceive as diverging from those that led Western cultural history to invent cinema. What then becomes of cinema when endowed by these thoughts? Conversely, what can cinema offer them as a technique, a device and a subject? The first detour, by posing questions of movement, gesture and time, journeys through Chinese calligraphy and pictorial art to question cinema as a recording machine, bound to a conception of conservation, memory and of the event. The second detour, by posing questions on light, gaze and space, journeys through Muslim calligraphy and pictorial art to question cinema as an optical machine, bound to a conception of mimesis, depth and of showing. These detours serve as a theoretical grounding for thinking about our everyday relationship to images (mainly digital), a relationship that changes exponentially and reconfigures our way of seeing, reading and touching images; according to a strictly cinegraphic mode
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Azzouz, Aziza. "L'espace domestique : dialectique intérieur [/] extérieur à la lumière de la filmographie de Nouri Bouzid (1986-2006) : L'homme de cendres : cas d'analyse." Thesis, Rennes 2, 2016. http://www.theses.fr/2016REN20040/document.

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Abstract:
L’étude de l’espace et notamment l’espace domestique, présente plusieurs intérêts et tend depuis plusieurs années à devenir un concept clé dans les recherches en sciences humaines qui se concentrent de plus en plus à étudier l'homme dans ses actions, ses organisations, ses rapports, ses traces... A la fin du siècle dernier, considéré comme celui des grands changements ayant bouleversé l’environnement et le fonctionnement des êtres humains, et au début d’un nouveau millénaire qui continue à être travaillé par les mêmes mutations, il nous appartient en tant que chercheur de nous interroger sur l’impact de ces bouleversements sur la structure familiale sociale et spatiale pour déterminer ce qui a changé et ce qui a résisté au changement. En prenant l’image cinématographique comme médium, nous tentons de montrer le sens des mouvements socio-spatiaux et identitaires, et ce à travers l’analyse des modes d’occupation et d’appropriation de l’espace domestique et de ses alentours au miroir de la filmographie de Nouri Bouzid (1986-2006)
The study of space, in particular the domestic-space, presents several interests and tends for a long time to become a key concept in human science researches, which concentrate more and more to study the individual in his shares, organizations, relationships… At the end of the last century, considered as century of big changes having upset the environment and the functioning of the human beings, and with the beginning of a new millennium which continues to be worked by the same mutations, it belongs to us as researcher to wonder about the impact of those changes on the social and spatial family structure to determinate what changed and what resisted for change. Taking the cinematographic image as a medium, we try to show the sense of socio-spatial and identity movements, through the analysis of the modes of occupation and appropriation of domestic space and its surroundings, in the mirror of Nouri Bouzid filmography (1986-2006)
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Bellucci, Lucia. "Le droit promotionnel et les aides d'État à la production cinématographique en Italie et en France, à la lumière de la construction européenne et des négociations sur le commerce international des services." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010016.

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Abstract:
Les aides d'Etat à la production cinématographique, françaises et italiennes, peuvent être considérées comme des mesures ou des techniques promotionnelles. Elles sont les plus proches au monde, bien que, si on les analyse à la lumière des libertés de l'art et d'expression et par une approche historique (depuis 1920), ils présentent des différences de fond. Cette étude montre leur importance en analysant aussi les phénomènes de la censure (préventive et économique), de l'autocensure et de la concentration monopoliste. D'une part, la construction européenne pousse les Etats à modifier ces aides pour les conformer à l'orientation communautaire, d'autre part, dans les négociations sur le commerce international des services, l'Union se fait marraine d'un droit promotionnel dans le domaine du cinéma. La notion de diversité culturelle est devenue l'interprétation communautaire de celle d'exception culturelle défendue par certains pays, dont la France.
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Salami, Shahnaz. "Enjeux et perspectives de la politique du droit d'auteur en Iran à l'heure de la globalisation et à la lumière du droit français et international : exemple du cinéma." Thesis, Lyon, 2017. http://www.theses.fr/2017LYSE2112.

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Abstract:
La reconnaissance du droit d’auteur en Iran rencontre d’importantes difficultés à l’heure de la globalisation où la standardisation du droit d’auteur au niveau international se heurte aux problématiques nationales : telle est l’idée principale de la première partie de cette thèse. Dans un premier temps, une étude du droit d’auteur en République Islamique d’Iran montre que la politique culturelle iranienne en matière de propriété littéraire et artistique s’inspire de l’approche française du droit d’auteur. Dans un deuxième temps, une analyse du droit positif international permet de constater les enjeux socioculturels, politiques et économiques qui expliquent la tendance du législateur iranien à instaurer un équilibre entre le particularisme iranien et le droit positif international par le biais d’une série de réformes. Cette partie illustre enfin les difficultés auxquelles le législateur iranien doit faire face afin de trouver une harmonisation entre les conventions internationales d’une part, et le niveau de développement du pays d’autre part. La deuxième partie de cette thèse analyse le développement du piratage cinématographique, l’essor du marché noir du film et l’évolution des réseaux de l’économie informelle de la communication qui constituent autant d’obstacles à la volonté de conformer le droit d’auteur iranien au droit d’auteur international. Le piratage des films mérite d’être vu comme étroitement imbriqué dans l’environnement social, politique, culturel et économique de l’Iran d’aujourd’hui. Telle est l’idée sur laquelle est fondée cette deuxième partie. Traversant l’histoire technologique, économique, sociale et politique du cinéma iranien, cette étude tente de découvrir les raisons du développement de l’activité pirate en Iran, ses conséquences sur l’industrie du cinéma iranien et sur la société iranienne. À travers cette analyse sur le piratage, cette thèse présente enfin ce phénomène comme une voie souterraine et méconnue par laquelle opère dans l’ombre la mondialisation culturelle en Iran. Cette analyse montre en filigrane comment les réseaux du marché pirate de films donnent corps à une « économie souterraine » organisant une mondialisation culturelle "underground" en Iran
The recognition of copyright in Iran encounters significant difficulties in globalization times when international standardization of copyright clashes with national issues : such is the assumption that we will endeavor to check in the first part of our thesis. First, a study of copyright in Iran will show that the Iranian cultural policy concerning literary and artistic property is inspired by the French approach to copyright. Secondly, an analysis of international positive law will see cultural, political and economic issues that explain why the Iranian legislator tends to strike a balance between the Iranian distinctiveness and international positive law through a series of reforms. Finally, this study will illustrate the difficulties the Iranian legislator has to face in order to find a harmonization between international conventions on the one hand, and level of development of the country on the other. The second part of this thesis analyzes the development of film piracy and counterfeiting, the rise of black market and network evolution in the informal economy of communication, that all impede the efforts to comply the Iranian copyright with international copyright. Film piracy deserves to be seen as closely interwoven into the social, political, cultural and economic environment of today's Iran. This is the idea on which this part of our thesis is based. Through the technological, economic, social and political history of Iran's cinema, this study aims at discovering the reasons for the development of pirate activity in Iran, its consequences for the Iranian film industry and Iranian society. Through this analysis on piracy, this thesis finally presents it as an underground and misunderstood way of developing cultural globalization in Iran in the shadows. In filigree, this analysis shows how business network which pirate market films embody an « underground economy » organizing an underground cultural globalization in Iran
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Veillet, Julie. "Lumière sur les espaces dans les réécritures de Marco Micone : étude de Silences (2004), Migrances (2005) et Una Donna (2005)." Thesis, Université Laval, 2012. http://www.theses.ulaval.ca/2012/29318/29318.pdf.

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Pedrosa, Leonardo Bomfim. "Moderno descoberto por filmes que pensam o cinema de Lumière ao pós-guerra." Pontifícia Universidade Católica do Rio Grande do Sul, 2012. http://hdl.handle.net/10923/2034.

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Abstract:
Made available in DSpace on 2013-08-07T18:45:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000437014-Texto+Completo-0.pdf: 2198940 bytes, checksum: 9de891c4008754d948fae476ec61b177 (MD5) Previous issue date: 2012
The goal of this research is to find the modern possibilities signalized by Cinema, itself, along the period that runs from its appearance, with Louis Lumière in 1895, until the representation crisis in the post-war period, marked by the oeuvre of filmmakers such as Orson Welles, Alfred Hitchcock and Jean Renoir. Via this research, we aim to have a better understanding of the ways in which the idea of 'modern' in films encounters the realist essence imposed by various theorists, such as Ricciotto Canudo and André Bazin, on the theme.
O objetivo da pesquisa é encontrar as possibilidades modernas que o cinema mesmo sinalizou ao longo de um período que vai do seu surgimento, com Louis Lumière em 1895, à crise da representação no pós-guerra, com obras de Orson Welles, Alfred Hitchcock e Jean Renoir. Dessa forma, queremos compreender de que modo a ideia de moderno presente nos filmes encontra a essência realista que diversos teóricos, como Ricciotto Canudo e André Bazin, impuseram ao tema.
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Bourdoulous, Armelle. "Réorganisation et enrichissement du fonds documentaire "Pays et cinéma"." [S.l.] : [s.n.], 2002. http://www.enssib.fr/bibliotheque/documents/dessid/rsbourdoulous.pdf.

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Malek, Rai͏̈f. "Amenagement d'un espace scenique au risque du cinema : decor et lumiere à l'oeuvre dans "Metropolis" et "M le Maudit" de Fritz Lang." Toulouse 2, 1995. http://www.theses.fr/1995TOU20045.

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Abstract:
Le traitement spatial (decor, lumiere) est souvent a l'origine de la puissance expressive et des fondements essentiels de toute oeuvre cinematographique. Par consequent, l'espace architectural scenique est d'une importance capitale dans un recit filmique. Complices avec l'action, des elements tels que le decor et la lumiere ne peuvent que participer amplement a la creation de l'ambiance appropriee. Cheminant dans ce sens, cette recherche montre a travers "metropolis" et "m le maudit" comment fritz lang - par le choix et la nature des lieux ou se deroule l'action, leurs amenagements adequats et leurs repartitions filmiques les uns par rapport aux autres - attribue au decor et a la lumiere une certaine elasticite expressive qui leur permet de s'adapter a des situations multiples. Oeuvrant ainsi, il fait de ces deux elements des agents fideles dans la confirmation du recit et des generateurs ideaux d'ambiance qui stimulent directement les sensations du spectateur et son imagination. Cette premiere partie analytique est basee sur une seconde descriptive ou l'on procede, pour chacun des deux films, a une presentation du generique, a un resume du scenario et a un decoupage technique de la totalite des sequences et des plans
The space treatement (scenery and light) is often the origin of the expressive power and essential foundation of all film work. Therefore, the architectural stage space is of a great importance in a cinematic story. Some elements, such as scenery and light, besides action, can surely have widely contribution in the creation of the appropriate atmosphere. Following this direction, this thesis shows, through "metropolis" and "m le maudit", how fritz lang attributes to the scenery and light a kind of "expressive elasticity" wich allows them to be adapted to numerous situations. This is achieved by : the choice and the nature of the mediums where the action takes place, its appropriate convertings and its cinematic distributions. Acting in this way, he makes with this two elements faithful agents in the confirmation of the story and ideal generators of atmosphere, which stimulate directly the audiences and their feelings. This first analytical part of the thesis is based on another descriptive one where we proceed, for the two films, to generic presentation, summary of the scenario and technical cutting of sequences and shots
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Germann, Christophe. "Diversité culturelle et libre-échange à la lumière du cinéma : réflexions critiques sur le droit naissant de la diversité culturelle sous les angles du droit de l'UNESCO et de l'OMC, de la concurrence et de la propriété intellectuelle /." Bâle : Paris : Bruxelles : Helbing Lichtenhahn ; L.G.D.J. ; Bruylant, 2008. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41238511j.

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Tohline, Andrew M. "Towards a History and Aesthetics of Reverse Motion." Ohio University / OhioLINK, 2015. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=ohiou1438771690.

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Laigneau, Charlotte. "Émotions lumineuses : la poésie de la lumière en mouvement." Thesis, 2019. http://hdl.handle.net/1866/23938.

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Abstract:
Ce mémoire en recherche-création est accompagné du court métrage Alice, disponible en ligne à l'adresse suivante: https://www.youtube.com/watch?v=f4lHnleCO9E
Ce mémoire, présenté sous la forme d’une recherche-création, sonde les forces de la lumière et de l’ombre en mouvement. Nous nous inspirons des travaux d’Henri Alekan et de Fabrice Revault d’Allonnes pour mettre en avant une méthode de travail de la lumière, qui repose sur deux étapes essentielles: l’étape de l’éclairement qui correspond à une hiérarchisation des éclairages, et celle de la lumination qui correspond à une dramatisation de la lumière. Cette méthode, considérée dans un cadre classico-baroque, ouvrira la porte à des analyses portant sur les variations de la lumière. Nous explorerons deux techniques utilisées par les directeurs de la photographie: la conception d’un «path» lumineux et la pratique du changement à vue. Ces deux techniques seront étudiées à partir du travail de divers directeurs de la photographie, tels que Vittorio Storaro et Darius Khondji. Elles seront également employées dans la création qui accompagne ce mémoire, afin d’en saisir les subtilités, et d’appréhender les difficultés reliées à la pratique de la direction de la photographie. La création sera donc une véritable exploration pour moi et un apprentissage pratique et théorique des possibilités et contraintes de la lumière et de l’ombre. C’est finalement dans une démarche qui oscille entre tâtonnement et recherche que je tenterai de comprendre le potentiel poétique de la lumière et de l’ombre.
This thesis, presented as a research-creation project, sounds the power of the light and the shadow in movement. Inspired by the writings of Henri Alekan and Fabrice Revault d’Allonnes, we will point out a work method used to shape the light, that rests upon two essential steps: the first step is called éclairement, and calls on a hiérarchisation of the light sources. The second step is one of lumination, that is equivalent to a dramatisation of the light. The method, considered in a classico-baroque context, will open the door to some analysis of the light’s variations. We will explore two techniques used by cinematographers: the conception of a light «path», and the changement à vue. We will study these two techniques through the work of various cinematographers, such as Vittorio Storaro and Darius Khondji. We will apply these two techniques in a creation that is linked to this thesis, to better comprehend the subtleties of the light in movement, and understand the difficulties that come along with the practice of cinematography. Thus, the creation will be a true exploration for me, and a practical and theoretical learning process about the possibilities and the complexity of light and shadow. This stammering and hesitating approach intends to understand the poetic potential of the light and the shadow.
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Marzloff, Alice. "La cinématographie-attraction à Montréal à la lumière de la législation (1896-1913)." Thèse, 2016. http://hdl.handle.net/1866/16134.

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Abstract:
La cinématographie-attraction a longtemps été considérée comme les débuts du cinéma, jusqu’à ce qu’une controverse, en 1978, marque une rupture historiographique et la considère comme un objet d’études à part entière, distinct du cinéma institutionnel. Nous l’analysons ici dans le contexte de Montréal, entre la présentation du Cinématographe Lumière en 1896 et l’entrée en fonction du Bureau de censure des vues animées de la province du Québec en 1913. Plus précisément, nous interrogeons son institutionnalisation à la lumière de la législation ; les représentants du gouvernement canadien donnent un statut juridique aux vues animées en modifiant et en votant des textes légaux. Cette étude définit le contexte cinématographique, historique et géographique. Elle aborde ensuite trois domaines de la cinématographie-attraction qui ne sont pas les mêmes que ceux du cinéma : la fabrication (le financement, le tournage et la modification des œuvres cinématographiques), l’exhibition (les séances de projections payantes d’images animées) et la réception (les jugements portés sur les vues animées). Nous montrons comment la cinématographie-attraction est d’abord contrôlée par de nombreuses personnes (celles qui financent, celles qui tournent les vues animées, les propriétaires de lieux d’amusements, le policier ou le pompier présent au cours des projections), puis par des institutions reconnues et les représentants du gouvernement. En nous appuyant sur la presse montréalaise, les discours officiels, les discours diocésains, les textes légaux, les catalogues publiés par les compagnies de fabrication et sur les vues animées, nous montrons quels sont les enjeux de l’institutionnalisation pour les différents groupes sociaux.
Cinématographie-attraction / kine-attractography has for a long time been associated with the origins of cinema. But in 1978, an academic controversy created a rift in cinematic historiography and these works were subsequently deemed to be a separate object of study, one distinct from institutional cinema. This thesis will focus on kine-attractography in the setting of Montreal from the use of the Lumière Cinematograph projector in 1896 to the founding of the Quebec Board of Censorship in 1913. The legislative context surrounding these new forms of ‘amusement’ will be discussed (bills were modified or created to address legal questions). This thesis will investigate these events within the relevant historical, geographical and cinematographic contexts. It will then consider three aspects of kine-attractography that differ from those in cinema: manufacturing (which includes the way cinematic works were financed, shot and later modified), exhibition (the matter of where and how these works were shown) and reception (the ways these works were evaluated or judged). We will discuss how kine-attractography was initially overseen by diverse groups of people (from those who financed or shot the moving pictures, to the owners of ‘amusement’ theatres, to the policeman or fireman who was present at each projection), and then subsequently overseen by recognized institutions, government representatives included. We will explore the issues which accompanied its institutionalisation relative to these various groups by studying articles and ads in Montreal’s newspapers, legal texts, official pronouncements, diocese speeches, catalogues published by manufacturing companies, and the moving pictures themselves.
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Camacho, João Carlos Orta. "Os Alunos de Lumière - Experiência de inclusão do Cinema na Didática da História da Cultura e das Artes." Master's thesis, 2018. http://hdl.handle.net/10362/59485.

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Abstract:
O presente estudo decorre da Prática de Ensino Supervisionada, realizada no âmbito do Mestrado em Ensino da História no 3.º Ciclo do Ensino Básico e no Ensino Secundário. Foi desenvolvido na Escola Secundária Miguel Torga, em Monte Abraão/ Massamá, no concelho de Sintra, com uma turma do 11.º ano de Ensino Secundário, na disciplina de História da Cultura e das Artes. Neste projeto versámos sobre a introdução da aprendizagem do, e com, o Cinema, utilizando esta área disciplinar, de forma didática, para tentar perceber quais as potencialidade da sua inclusão na disciplina de História da Cultura e das Artes para a compreensão de conteúdos, relevância da arte cinematográfica em si, e benefícios para a melhoria da literacia visual daí decorrente. As estratégias e metodologias desenvolvidas consistiram em sínteses dos contributos teóricos e práticos anteriores, tendo sido adaptadas à turma, privilegiando o caráter de fonte histórica dos filmes, e o cariz processual e construtivista de uma aprendizagem desta natureza. Através das opções metodológicas tomadas e dos resultados obtidos, demonstramos quais as possibilidades de introdução do Cinema e seus contributos para a formação do conhecimento histórico dos alunos, em História da Cultura e das Artes.
The present study stems from the Supervised Teaching Practice, carried out within the framework of the Masters Degree in Teaching History in the 3rd Cycle of Basic Education and Secondary Education. It was developed at the Miguel Torga Secondary School, in Monte Abraão / Massamá, in the municipality of Sintra, with a class of the 11th year of Secondary Education, in the discipline of History of Culture and Arts. In this project we deal with the introduction of the learning of, and with, Cinema, using this disciplinary area in a didactic way, to try to understand the potential of its inclusion in the discipline of History of Culture and Arts for the understanding of contents, relevance of cinematographic art itself, and benefits for the improvement of the resulting visual literacy. The strategies and methodologies developed consisted of syntheses of the previous theoretical and practical contributions, being adapted to the class, privileging the character of historical source of the films, and the procedural and constructivist nature of a learning of this nature. Through the methodological options taken and the results obtained, we demonstrate the possibilities of introducing the Cinema and its contributions to the formation of the students' historical knowledge in History of Culture and Arts.
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