Dissertations / Theses: 'Lyrisme (littérature) – 16e siècle'

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Pisacane, Badini Confalonieri Chiara. "Pétrarquisme au féminin : l'itinéraire poétique de Vittoria Colonna du lyrisme amoureux à l'écriture spirituelle." Chambéry, 2000. http://www.theses.fr/2000CHAML001.

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Abstract:

C'est l'itinéraire poétique de celle qui fut considérée comme la plus grande poétesse de la Renaissance italienne qui est ici analysé. La recherche s'articule sur trois moments exemplaires de sa production lyrique : la Pistola" à Ferrante après la défaite de Ravenne (1512), "Capitolo" en tercets qui demeure la pièce principale des "Rime in vita" de son mari ; le manuscrit II. IX. 30 de la bibliothèque Nationale de Florence, document le plus prestigieux de son inspiration amoureuse ; le manuscrit "Vaticano latino" 11539 de la Bibliothèque Apostolique, offert au début des années 1540 à Michel-Ange, et qui contient uniquement des sonnets spirituels. Alors que l'intérêt de la "Pistola" réside surtout dans son caractère d'élaboration et de revendication d'une nouvelle identité féminine, l'analyse des deux manuscrits pris en considération a révélé une structuration interne demeurée jusqu'ici inaperçue et qui nous autorise à les lire en tant que chansonniers. Au delà de cette dimension textuelle et structurale l'étude entend plus généralement mettre en valeur l'originalité et la force d'une poésie longtemps dévalorisée par la critique, à travers l'interprétation d'un travail de réécriture "au féminin" du modèle pétrarquien, opéré par V. Colonna dans le chansonnier amoureux, et le réexamen des capacités d'invention lyrique mises en oeuvre dans le chansonnier spirituel. L'insertion de cette expérience poétique féminine dans les contextes politique, culturel et religieux où elle naît et se développe, est ici conçue comme mise en perspective de l'écriture poétique afin de mieux en saisir le message et la portée.

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Guillet-Laburthe, Suzanne. "Les Hymnes de 1537 de Jean Salmon Macrin : edition, traduction et commentaire." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040177.

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Abstract:

Jean Salmon Macrin (1490-1557), poète néo-latin originaire de la ville de Loudun, valet de chambre du roi François Ier aux côtés de Clément Marot, fut considéré de son vivant comme le plus grand poète lyrique après Horace. Nous proposons ici l’édition, la traduction et le commentaire des Hymnes de 1537, un recueil charnière dans sa carrière littéraire, qui marque le retour à une piété plus ardente et plus intimiste, témoigne d’un approfondissement de la veine familiale et réalise l’alliance du lyrisme profane et d’une pensée érasmienne. Le lecteur trouvera dans ces pièces de circonstance, odes auliques, méditations spirituelles, éloges des grands hommes de lettres, hymnes à Dieu, à la Vierge et aux saints, odes domestiques et autobiographiques, l’harmonieuse union de l’érudition, de la virtuosité métrique, d’une rhétorique affective et d’un idéal de la sincérité
Jean Salmon Macrin (1490-1557), famous neo-latin poet, native from Loudun, in France’s Touraine region, held the position of official valet and poet from the king François the first, like his colleague Clément Marot. He was considered during his lifetime as the greatest lyric poet after the great Horatius. This book proposes an edition, a French translation and a commentary of the Hymns of 1537, a key book in Macrin’s production. In these poems, Macrin returns to a more ardent yet intimistic devotion, a sign of his shift towards family topics. Macrin’s poems are a synthesis between profane lyrism and Erasmus’ philosophy. The reader will find in this book occasion lyricism, official odes, spiritual meditations, praise to humanists, hymns to God, the virgin Mary and the saints, as well as domestic and autobiographic odes. All poems demonstrating a wonderful harmony between erudition, metric virtuosity and seekness of sincerity

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Alonso, Béatrice. "Louise Labé ou la lyre humaniste : "écriture féminine", écriture féministe." Lyon 2, 2005. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2005/alonso_b.

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Abstract:

Le postulat critique d'" écriture féminine " est une des clefs d'analyse utilisée pour expliquer les Euvres de Louise Labé. Notre étude propose de remettre en question cette vision en lui substituant une perspective politique et poétique basée sur la cohérence hétérogène de l'ensemble de la production labéenne. Il s'agit pour nous de montrer la manière dont s'y met en place un processus d'intégration et de revendication de l'Humanisme renaissant, ou comment les Euvres développent une lyrique humaniste
The critical postulate of women's writing is one of the keys that are used to criticise Louise Labé's Euvres. My study offers to question this analysis and to replace it by a political and poetic perspective based on the heterogeneous coherence of Louise Labé's works. The point is to show how the claims of Renaissance Humanism is integrated or how the Euvres develop a humanist lyricism

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Sort-Jacotot, Aurélia. "La lyre tragique : le discours pathétique sur la scène française, 1634-1648." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2010. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=http://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=astms01.

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Abstract:

Cette thèse cherche à définir ce qu’on entend aujourd’hui par « lyrisme » quand on décrit le théâtre du XVIIe siècle, et à comprendre les fondements historiques de cette qualification. Prenant comme point d’entrée historique le discours pathétique, l’enquête en donne en premier lieu une définition selon les cadres de pensée de l’époque. À travers une analyse du lexique des passions d’abord, et un parcours des ouvrages de morale contemporains, elle montre l’importance de la notion d’intérêt et d’une conception mécanique de la sensibilité pour la compréhension des émotions provoquées par le discours. Puis une étude des cadres rhétoriques constate une évolution : au lieu de l’impression et des effets pathétiques du discours, on envisage, à cette époque, de plus en plus l’expression et la bonne imitation des passions. En deuxième lieu, une analyse de la dramaturgie souligne la place fondamentale que garde le discours pathétique dans la tragédie de cette époque, ainsi que la présence d’une dialectique constante entre ornementation et intégration. Enfin, s’appuyant sur ces deux premiers moments, la troisième partie interroge les liens entre le discours pathétique et la notion postérieure de lyrisme : s’attachant d’abord à une étude des stances, point de rencontre entre discours pathétique et vers lyriques, elle envisage ensuite plusieurs formes de généricité, selon une progression diachronique. Elle arrive à la conclusion suivante : le discours pathétique tragique aurait servi de laboratoire et de modèle pour la formation théorique du genre lyrique au XVIIIe siècle ; la lecture générique actuelle serait ainsi tributaire de pratiques rhétoriques du XVIIe siècle
This dissertation attempts to define the meaning of “lyricism” when assessing 17th century theatre today, and to understand the historical foundations of this label. Using the pathetic discourse as its historical entry point, this investigation first defines it according to the period’s frames of thought. Through an analysis of the lexicon of passions first, and then a reading of contemporary moral treatises, it shows how important the notion of interest, and the mechanical conception of sensibility, were for the understanding of the emotions stirred by discourse. A study of rhetorical frames then points to an evolution : the focus, in that time, increasingly shifts from impression and the pathetic effects of discourse, to expression and the rightful imitation of passions. Secondly, an analysis of dramaturgy highlights the crucial place kept by the pathetic discourse in contemporary tragedies, and the presence of a permanent dialectics between ornamentation and integration. Finally, in the light of these first two moments, the third part questions the connections between pathetic discourse and the later notion of lyricism : after closely studying lyrical monologue, which is the meeting point of pathetic discourse and lyrical verse, it contemplates various forms of genericity, in a diachronic progression. This conclusion is reached : the pathetic discourse of tragedy may have been the laboratory and model of the theoretical formation of the lyrical genre in the 18th century ; our modern generic approach would thus owe much to the 17th century rhetorical practices

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Bouscharain, Anne. "La poétique de Battista Spagnoli de Mantoue (Bucoliques, Silves, Parthenices) et sa réception en France au XVIè siècle, à partir de l'édition des Syluarum Sex Opuscula (Paris, Josse Bade, 1503)." Paris, EPHE, 2003. http://www.theses.fr/2003EPHE4061.

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Abstract:

Le poète B. Spagnoli Mantuanus (1447-1516) a acquis une renommée immense dans l'Europe de la Renaissance. Souvent comparé à Virgile, il doit sa célébrité à ses oeuvres de jeunesse : les églogues de l'Adulescentia, la Parthenice et les Silves. Dans ces poèmes se dessine, dès la fin du Quattrocento, une poétique originale, inspirée de la spiritualité du poète et de la réflexion menée par Ange Politien sur les genres bas et l'inspiration affective, à partir de Stace et Quintilien. Dans les Silves - et le recueil de 1503 en est un témoignage évident -, Spagnoli s'empare de cette tradition alexandrine et s'approprie le principe d'une écriture épidictique improvisée, adaptée à son ingenium et tournée vers l'expression de soi. Revendiquant la mediocritas d'Horace, il chante un éloge humble mais enthousiaste de la vertu moderne et une méditation chrétienne sur la gloire et le salut. Il érige en principes d'écriture la simplicité d'une célébration spontanée de la foi, et, surtout, le refus des grands genres jugés impersonnels et inaccessibles. Cette liberté d'allure propre au genre bas, entre improvisation brève et recherche d'une érudite variété, ces impromptus fragiles et humains des Silves, où s'élève, dans une confidence émue face au monde, un chant de célébration raffiné, calqué sur les nuances infiniment variées d'une inspiration soumise à la chaleur affective d'un je chrétien, déterminent l'influence que sa poétique exerça sur les poètes français de la génération Marot et de la Pléiade. Ces auteurs, à l'instar d'Erasme et d'autres humanistes du XVIe siècle, en firent un modèle exemplaire de la poésie lyrique de la Renaissance, entre veine familière, éloge et spiritualité
The poet B. Spagnoli Mantuanus (1447-1516) had acquired great fame in Renaissance Europe. Often compared to Virgil, he drew his celebrity from his earlier works : the eclogues of Adulescentia, the Parthenice and the Silvae. From the end of the Quattrocento, an original poetic art arises through his works, combining the author's spirituality and the influence of the theory on literary style and emotional inspiration of Angelo Poliziano based upon Statius and Quintilian. In the Silvae - the 1503 anthology providing obvious evidence - Mantuan embraces the Alexandrian tradition brought back into fashion by Poliziano. He does this in order to take for himself the principle of an improvised epideictic writing, adapted to his ingenium and oriented towards self-expression. Arguing for the mediocritas of Horace, he promoted modern virtue and Christian meditation on glory and salvation. He chose to define the simplicity of a spontaneous celebration of faith as a writing principle, as opposed to the high poetic styles he considered to be impersonal and beyond reach. The influence of his poetry on the French poets of the Marot generation and the Pleiade is explained by the freedom of style inherent to the principles that Mantuan selected for his own poetry. These lie inbetween brief extemporary writing and search for erudite variety, as illustrated by the fragile impromptu of the Silvae where a refined celebration arose in his confession about the world and virtue. The afore-mentioned French authors, following Erasmus and various humanists of the 16th century, did consider him as a model of the lyrical poetry of the Renaissance, allying spirituality, praise and familiar inspiration

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Kim, Jihyun. "Les poèmes du Crépuscule urbain chez Baudelaire : l’ironie dans le lyrisme de la modernité." Thesis, Rennes 2, 2020. http://www.theses.fr/2020REN20030.

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Abstract:

Si Baudelaire a d’abord voulu être un écrivain moderne dans son aspiration romantique, après les années 1840 sa vision allait reposer de plus en plus sur une perception pessimiste et critique de la réalité historique et existentielle. C’est alors queparaît le premier des quatre poèmes qui font l’objet direct de la présente thèse : « Le Crépuscule du soir », en 1852, suivi en 1855 par le poème en prose du même titre ; puis par « La Fin de la journée » et par « Recueillement », en 1861 ; et finalement, par une nouvelle version du poème en prose, en 1862. Il nous a semblé que ces cinq textes, composés pendant plus de dix ans, et qui ont la même thématique — le sentiment que le sujet éprouve le soir dans la métropole moderne —, étaientsusceptibles, dans l’ensemble qu’ils forment, d’avoir une signification profonde pour l’évolution de la poétique de Baudelaire.En s’articulant autour de la tension immanente à leur thème, le « crépuscule urbain » : une tension entre un pôle intime, lyrique, du « soir » et un pôle réaliste, désenchanté, de la « ville », notre lecture de ces poèmes voudrait montrer comment Baudelaire, tout en s’inscrivant dans le champ littéraire du milieu du XIXe siècle, champ qui était alors soumis à maintes fluctuations, s’impose et impose un chemin neuf, aussi paradoxal qu’« héroïque », sans chercher à dissimuler son oscillation entre une modernité encore indéfinie et un idéal de lyrisme « pur »
After having tried to be modern through his romantic aspirations during the 1840s, Baudelaire’s vision depends more and more on a pessimistic and critical perception of historical and existential reality. It is then that the first of the four poems, which are thedirect object of the present thesis, appears: “Le Crépuscule du soir”, in 1852, followed by the prose poem of the same title in 1855, then “La Fin de la journée” and “Recueillement” in 1861; finally, by a new version of the prose poem in 1862. When readtogether successively, these five texts, composed in the course of more than ten years, and which share the same theme —the feeling that the subject feels at nightfall in the modern metropolis— seem to us very likely to reveal a profound meaning in the evolution of Baudelaire’s poetics.Revolving around the immanent tension in their theme, the “urban crepuscule” : a tension between an intimate, lyrical pole of the “evening”, and a realistic, disenchanted pole of the “city”, our reading of these poems tries to show how Baudelaire, defining his position in the fluctuating literary field of mid-nineteenth century France, has imposed a new path, as paradoxical as “heroic”, yet without seeking to hide his oscillation between “modernity”— even if still vague in definition— and an ideal of “pure”lyricism

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Carrols, Anne. "De l'ode à la pastorale : formes de la célébration politique en France (1549-1572)." Thesis, Aix-Marseille, 2014. http://www.theses.fr/2014AIXM3104/document.

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Abstract:

La poésie de célébration politique de la Pléiade est lue ici dans son rapport avec l'épopée, dont la Deffense formule le projet (1549), et dont la Franciade marque une réalisation incomplète (1572). Les pièces de célébration se relient à ce projet de nouvelle Enéide, qui les extrait des fastes éphémères de la fête dont elles se font l'écho : chaque poème est à la fois dans l'actualité de la circonstance et la virtualité du grand oeuvre où il doit s'accomplir. Celui-ci, envisagé comme un récit de fondation légitimant l'espoir d'un Empire immortel, se veut à la fois une mise en forme de l'Histoire, une image idéale du souverain et une construction poétique intégrant la culture antique au génie français. Les poètes de la génération Henri II célèbrent les Grands comme les héros de l'épopée en gestation et explorent les formes que pourra prendre cette célébration de la monarchie valoise. Le furor prophétique devient l'énonciation privilégiée du lyrisme politique. Pourtant, à la fin des années 1550, la formule n'engendre plus que sa propre répétition désenchantée, ou bien les poètes s'en détournent en signalant ironiquement sa vacuité. Dans la décennie suivante, lorsque le conflit armé rend l'Histoire incertaine, les poèmes de célébration habillent les Grands en bergers. La pastorale s'apparentait d'abord à une variation susceptible de revivifier le projet initial. Elle devient une alternative au modèle héroïque obsolète, en liaison avec des valeurs politiques et poétiques de séduction, d'aménité, de raffinement maniériste en accord avec la nature
This thesis studies The Pleiade's poetry of political celebration in relation to the epic, with the examples of Deffense as a statement of this project (1549) and Franciade as an incomplete realization of it (1572). The celebration poems are part of this project of a new Aeneid, which removes them from the ephemeral splendour of the celebration which created them in the first place ; these poems fall both within the moment of the festive event and the virtuality of the great work in which they must come to fruition. This great work, seen as a tale of foundation legitimating the hope of an immortal Empire, wants to shape History as well as depict an ideal image of the sovereign and present a poetic construction inserting the culture of Antiquity to the French genius. During Henri II's reign, the poets celebrate the princes as the heroes of the developing epic and explore the forms that this celebration of the Valois monarchy could take. The prophetic furor becomes the privileged statement of political lyricism. Yet, at the end of the 1550s, the formula only creates its own disenchanted repetition, or poets abandon it by ironically pointing out its vacuity. During the decade that follows, while the armed conflict creates historical uncertainty, the celebration poems disguise the princes as shepherds. At the beginning, the pastoral was a variation that could rejuvenate the initial project. It transforms into an alternative to an obsolete heroic model, related with political and poetic values of seduction, appeased gentleness, mannerist refinement in harmony with nature

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Dupart, Dominique. "Le "lyrisme démocratique" de Lamartine : étude des discours politiques de 1834 à 1848." Paris 4-Sorbonne, 2007. http://www.theses.fr/2008PA040118.

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Abstract:

1820. Les Méditations. Le Lac. Qui connaît encore la suite ? Et pourtant. Lamartine n’a pas seulement inventé le lyrisme romantique, il a aussi actualisé sa doctrine poétique dans le domaine le plus éloigné en apparence de ses vallons et coteaux ombragés : dans la politique parlementaire. De 1834 à 1848, puis pratiquement jusqu’à sa mort, il s’est forgé un destin de polygraphe hors pair. Il est devenu simultanément et successivement orateur de la Chambre, historien, journaliste, romancier. Avec pour seule mission d’inventer sur la terre une de ses Républiques imaginaires qui peuplent les manifestes politiques et poétiques dès 1830. Il est le père de la démocratie moderne et nous rappelle à son insu que la politique des gouvernements doit et devra toujours des comptes à la poésie. A-t-il réussi à joindre avec panache et splendeur le poème et la tribune en Février 1848 ? A-t-il au contraire manqué le tournant du désenchantement, dépassé par ses cadets, Flaubert et Baudelaire ? Sans doute, le poète moderne n’a-t-il pas que des succès à son actif. Lyrique par intermittence – successful aurait dit Stendhal –, mais aussi vilipendé, moqué et finalement déchu simultanément de la lyre et du pouvoir, Lamartine est le poète démocratique par excellence. Il dota d’une souveraineté révolutionnaire l’opinion publique, la rumeur, les bruits de la rue, les voix du peuple en les consacrant au moyen d’une éloquence démocratique, en inventant un lyrisme de masse : au même titre que ses muses glorieuses et anciennes, en prenant le risque d’y perdre la poésie
1820. « The Meditations. » « The Lake. » Who remembers what comes after ? Nonetheless, Lamartine has not only invented romantic lyricism, he has also actualized his poetic doctrine in the field apparently furthest apart from his green shady hills: in parliamentary politics. From 1834 to 1848, and then practically until his death, he built his destiny as an exceptionally talented multi-facetted writer. He became simultaneously and successively an orator at the Parliament, a historian, a journalist, a novelist. With one single mission: to invent on Earth one of his « imaginary Republics » which are evoked in political and poetical manifestos as soon as 1830. He is the founding father of modern democracy and he reminds us that the politics led by the governments is and always will be in debt towards poetry. In February 1848, did he spectacularly succeed in combining the poem with the political tribune ? Or did he, on the contrary, fail to take the turn of disenchantment, surpassed by the new generation, Flaubert and Baudelaire ? There is no doubt that the modern poet has not always managed to avoid failure. Sometimes lyrical – « successful », as would Stendhal would have put it (using the English word) – but also sometimes hated, mocked, and finally fallen from both poetry and power, Lamartine is the democratic poet « par excellence ». He gave a revolutionary sovereignty to public opinion, to popular gossip, to street rumour, to the voices of the people. He consecrated them with a language sensitive and rebellious, inventing mass lyricism: as lyric as his ancient and glorious muses, at the risk of losing poetry

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Lombart, Nicolas. "Réinventer un "genre" : l'Hymne dans la poésie française de la Renaissance." Montpellier 3, 2004. http://www.theses.fr/2004MON30072.

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Abstract:

L'hymne, spécialement consacré à la louange divine dans la poésie païenne antique ou chrétienne ecclésiastique, constitue avec l'ode ou le cantique l'un des grands genres lyriques de l'éloge dans la poésie française du XVIe siècle. Mais par son abondance et son hétérogénéité, le corpus hymnique présente deux difficultés : l'hymne français peut adopter toutes les formes possibles (strophiques ou non, longues ou courtes. . . ) et célébrer une grande diversité d'objets, religieux (divinité olympienne, occasion liturgique, notion chrétienne. . . ) ou non (lieu, abstraction profane, événement. . . ). Si le définition historique de l'hymne ne pose aucun problème -"les hymnes sont des louanges chantées de dieu" affirme sainr Augustin, une définition reprise par les humanistes à propos des hymnes grecs -, c'est bien l'extension problématique du champ de la louange divine qu'il faut interroger à propos du corpus français. Loin de définir une "essence" du genre, la thèse propose l'étude pragmatique d'un large corpus de pièces françaises dans le but d'élargir une typologie de l'hymnographie française renaissante, considérée comme l'acclimatation originale d'un double héritage poétique, païen et chrétien. Trois parties étudient cette 'réinvention" de l'hymne : sa lente émergence entre 1500 et 1549 dans ses formes traditionnelles ecclésiastiques ; sa réappropriation par la Brigade entre 1550 et 1556 (depuis ses espèces pagano-antiques jusqu'aux hymnes "naturels" ronsardiens) ; ses multiples récupérations militantes (politiques et religieuses) entre les années 1560 et la fin du règne de Henri IV
The hymn, specially devoted to singing the praises of Gods in ancient pagan poetry or in ecclesiastical Christian poetry, is with the ode or the canticle one of the great lyric genres of eulogy in the XVIth century French poetry. But because of its abundance and heterogeneousness, the hymnary corpus presents two difficulties : the French hymn can take any possible shape (stanzaic or not, long or short. . . ), and it can sing the praises of a great diversity of subjects, either religious ones (Olympian deities, liturgical occasions, Christian notions. . . )or not (places, individuals, profane abstractions, events. . . ). There is no problem in giving the historical definition of the hymn : "It is a song with praise of God" wrote Saint Augustine whose definition has been taken up by the classical scholars about Greek hymns. However, when dealing with the French corpus, the problematic extension of the field covered by the praise of gods needs questioning. Far from defining an essence of the genre, the thesis proposes a pragmatical study of a large corpus of French pieces so as to set up a typology of the French hymn of the Renaissance which is regarded as the original acclimatization of both a pagan and Christian poetic inheritance. Three parts are devoted to the re-invention of the hymn : its slow emergence between 1500 and 1549 in its traditional ecclesiastical form ; its taken-up by the Brigade between 1550 and 1556 (from the ancient pagan species to the natural ronsardian hymns) ; its multiple militant takovers (both political and religious) between the 1560's and the end of the reign of Henry IV

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Plançon, Séverine. "Le lyrisme élégiaque dans les mélodies d'Henri Duparc : une approche du "drame d'âme"." Thesis, Toulouse 2, 2015. http://www.theses.fr/2015TOU20015.

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Abstract:

Ce travail met en évidence les manifestations lyriques et élégiaques dans le corpus des dix-sept mélodies d’Henri Duparc, à travers une analyse des discours poético-musicaux. Du point de vue conceptuel, le transfert de la notion de lyrisme, de la poétique vers la musique, permet de construire une représentation du lyrisme duparcien, située à la croisée du lyrisme poétique et des possibles de la structuration musicale. La première partie décline les différentes facettes de ce lyrisme à travers les moyens stylistiques du lyrisme poétique (l’élévation et la répétition) et du lyrisme musical (la "voix-violon", les posés de voix, la recomposition, la brièveté, l’emphase). La deuxième partie – la lecture interprétative des textes poétiques – expose quatre situations élégiaques, les plus représentatives du style duparcien. Ce prisme révèle la démarche compositionnelle d’Henri Duparc : il travaille par thématiques, qu’il traite plusieurs fois sous différents angles, pour en montrer les différentes facettes émotionnelles. En dégageant les idées dramatiques d’Henri Duparc à partir de sa correspondance, la troisième partie démontre que les mélodies constituent pour ce compositeur un laboratoire d’expérimentation de ce qu'il a lui-même nommé le "drame d’âme", qui s'élaborait au sein du projet de "La Roussalka", son unique drame lyrique, inachevé, puis détruit. Ces mélodies mettent en évidence les limites compositionnelles de ce musicien en matière de drame lyrique, élaboré sans action extérieure, sans enchaînement de situations dramatiques et sans personnage. Au terme de cette étude, les mélodies apparaissent donc comme la forme la plus aboutie dont il était capable
This dissertation highlights lyric and elegiac works in the corpus of seventeen melodies of Henri Duparc, through an analysis of the poetic and musical speeches. From the abstract point of view, the transfer of the notion of lyricism, from poetics to music, helps to build a representation of Duparc’s personal lyricism, that lays between the poetic lyricism and the possibilities of the musical structure. The first part of this study presents the various ways of lyricism through stylistic means of poetic lyricism (elevation of thought and repetition) and of musical lyricism (the idea of "violin-voice", the level of the voice, the rewriting of the works, the brevity, the bombast). The second part - the interpretative reading of the poetic texts – sheds lights on four elegiac situations, which are the more representative of the composer’s style. This prism reveals the Henri Duparc’s approach of composition: he works by themes, which he handles several times under different angles, to show the various emotional sides. Revealing Henri Duparc's dramatic ideas from his correspondence, the third part demonstrates that his melodies establish for this composer a laboratory of experiment of what he called himself the "drama of the soul", which he developed within the project of "La Roussalka", his unique operatic drama, unfinished then destroyed. These melodies highlight the limits of this musician writing skills regarding operatic drama, developed separate from action, without sequence of dramatic situations and without characters. At the end of this study, the melodies appear as the most accomplished shape in which Henri Duparc was proficient

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Guyon-Lecoq, Camille. "La vertu des passions : esthétique et morale de la tragédie lyrique (1673-1733)." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040124.

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Abstract:

Cette thèse réintègre la tragédie lyrique dans le cours de l'histoire des idées pour étudier l'apparition d'une morale "moderne" qui conteste le primat de l'héroïsme et des valeurs sociales mondaines et qui fonde sur la sensibilité nature l'idée d'une vertu privée. S'appuyant sur les débats d'idées de la querelle des anciens et des modernes, l'étude fait l'hypothèse que, prenant la tragédie lyrique pour champ d'expérience, les modernes étendirent aux lois qui régissent le beau leurs réflexions sur la stabilité ou l'instabilité des lois de la nature, et tachèrent de penser la solidarité dès le modèle de la solidarité des sciences. La tragédie lyrique, genre mixte et art d'exécution, entraine un changement de point de vue qui conduit à disjoindre le jugement moral et le jugement esthétique. Elle naturalise le surnaturel et, en substituant au problème du mal la représentation du malheur d'individus moyens, sensibles, agites de passions douces, promeut une esthétique du touchant mise au service d'une morale tendre, visible dans la littérature postérieure. La naissance d'une nouvelle société a rendu possible la naissance d'un genre esthétiquement nouveau ; inversement les formes esthétiques propres à ce genre ont rendu visibles les linéaments de cette morale moderne. Assurant la promotion des valeurs féminines quand la société promeut les femmes à des valeurs universalistes, la tragédie lyrique, réputée artificielle et verbeuse, donne le primat à une nouvelle version de la vérité, du naturel et du simple. Les valeurs classiques épurées se trouvent réellement assumées : en donnant la parole à la vérité du cœur qui dit l'état de l'âme plus qu'elle ne décrit les actions de l'être, la tragédie lyrique fait sentir l'idéal d'un sublime simple, moins admirable que touchant
This thesis re-places lyrical tragedy within the framework of the history of ideas in order to study the arrival of a "modern" concept of morality which challenges the primacy of heroism and the values of the upper echelons of society, and which bases the idea of individual virtue on natural sensibility, with particular reference to the battle between the ancients and the moderns, this study posits the hypothesis that the moderns, using the lyrical tragedy as their testing ground, applied to the laws governing the "beautiful" their ideas on the stability or instability of the laws of nature, and attempted to rethink the solidarity of the arts after the model of the solidarity of the sciences. Lyrical tragedy, a composite genre as well as being a performing art, brings about a change of viewpoint leading to a division between moral and aesthetic judgement. It naturalizes the supernatural and, by substituting the problem of evil by the representation of the misfortunes of ordinary sensitive individuals moved by gentle passions, it advances the aesthetics of what is touching, thus promoting a morality of tenderness which may be seen in subsequent literature. The birth of a new society engendered the birth of an aesthetically new genre: conversely, the aesthetic forms peculiar to the genre made the lineaments of this modern morality clearer. Bringing to the forefront feminine values when society promotes women to universalist values, lyrical tragedy, often criticized as being artificial and verbose, highlights a new version what is true, natural and simple. Pure classical values are fully assumed: by giving voice to the heart's truth which expresses the state of the soul, more than it describes the actions of the individual, lyrical tragedy evokes the ideal simple sublime which is more touching than admirable

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Kuperty-Tsur, Nadine. "Se dire à la Renaissance : l'émergence du genre des mémoires et l'écriture personnelle à la Renaissance, en France." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100024.

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Abstract:

Cette étude plaide pour une nouvelle lecture des mémoires et vise à réhabiliter la valeur historique du discours personnel qui s'y exprime. Se dire a la renaissance n'allait pas de soi, le genre des mémoires permet d'observer les modalités et les conditions d'émergence de cette nouvelle pratique culturelle prélude a l'autobiographie des temps modernes. Cette étude débute par l'analyse des composantes historiques et culturelles de la notion de personne au XVIe siècle. A chacune de ses étapes significatives, le récit mémorialiste développe un plaidoyer pro domo articule à partir de la représentation du moi et variant selon les impératifs spécifiques des différentes phases narratives. Le métadiscours des préfaces fournit une première théorisation du genre ou prime le rapport à l'histoire. Les récits d'enfance remaniant les modèles livres que connus participent de la première image du mémorialiste et s'enchainent sur les récits de succès. Les récits de disgrâce représentent le nœud du récit mémorialiste. Contraint à un replis sur les valeurs du moi, le mémorialiste les érige en morale universelle, cette étude s'achève sur les caractéristiques de l'écriture mémorialiste à la renaissance
This study pleads for a new reading of memoirs and aims at rehabilitating the historical value of the personal discourse expressed in the memoirs. Writing your own life story was not a simple matter in the renaissance, and through the genre of the memoirs one can observe the modalities and conditions required for the emergence of this new cultural practice which will lead to the autobiography of the modern times. At each of these significant narrative stages, the memorialist account develops a pro domo plea articulated by means of the representation of self and of its different aspects in the evolution of the account. This study analyses the prefaces, the tales from childhood, the tales of the "golden age", the stories of disgrace, and the different endings of the memoirs. The last chapter summarizes the characteristics of memorialist writing which began in the renaissance and explain the genre's success even today

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Mochiri, Pouneh. "Ut pictura prosa ornata : fonctions et implications de la description d'art dans la littérature en prose au XVIè (Domaine Franco-Italien)." Paris 7, 2002. http://www.theses.fr/2002PA070081.

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Abstract:

Notre réflexion s'exerce sur l'écriture de l'œuvre d'art dans la littérature en prose du XVIe siècle. Tout en prenant en compte les considérations théoriques relatives à la catégorie de l'image ainsi que les débats humanistes menés dans le cadre des traités d'art italiens, l'analyse s'occupe essentiellement des textes d'allure narrative, français et italiens. Le "descriptif", entendu comme une forme d'interférence du visuel dans l'espace textuel, comprend aussi bien l'ekphrasis des artefacta au sens large que l'évocation des ensembles paysagers, les portraits féminins et les scènes archétypales constituant des tableaux virtuels. Ainsi définie, notre étude suit un déroulement en quatre volets : la mise en place d'un univers d'art, le fonctionnement narratif des descriptions, leur dimension herméneutique et enfin leurs enjeux linguistiques. Il s'agit tout d'abord de recenser les principales caractéristiques des objets descriptifs et les considérations esthétiques qui les accompagnent. Il importe ensuite de déterminer les modalités strictement narratives de la description d'art : ses divers modes d'insertion dans le récit, ses fonctions structurelles et les effets d'expansion narrative qu'elle implique. La signification exégétique rattachée à la combinaison de deux codes, iconique et verbal, mérite également d'être élucidée dans la perspective d'une esthétique de la réception. Sont ainsi envisagées les portées didactique, théologique et épistémologique de l'image. Une ultime partie permet enfin d'interroger le lien entre l'écriture de l'œuvre d'art et la défense des vernaculaires. La "prose picturale" participerait, en ce sens, d'un patriotisme littéraire visant à promouvoir le français et à l'enrichir selon les critères rhétoriques de la "variété" et de l'"abondance"
Our reflection bases on the different ways of writing works of art in the prose literature of the sixteenth century. In the same time we consider the theories of image and the humanistic debates in Italian art treatises, we analyse French and Italian narrative texts. The category of "descriptive" includes the ekphrasis of artefacta, as well as descriptions of landscapes, female portraits and pictorial scenes. Our plan is made up of four parts: the components of the artistic atmosphere, the narrative meanings of descriptions, their hermeneutical dimension and their linguistic implication. In the first place, we examine the main characteristics of described artistic articles. Then, we study the narrative functions of art descriptions: the way they are attached to the narration, their structural role and the digressions they induce. Besides, the combination of iconical and verbal codes implies exegesis from readers: that' s the reason why our third part approaches didactic, theological and epistemological meanings of the image. Finally, we'll try to question the link between art descriptions and the defence of vernacular languages. In a certain way, pictorial prose aims at promoting French language, according to the rhetorical criterions of copia and varietas

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Pineau, Guylaine. "Des secrets de l'art au silence éloquent : les statégies discursives dans les Oeuvres d'Ambroise Paré." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040183.

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Abstract:

Les Œuvres d'Ambroise Paré (1585) invitent à interroger les conditions d'émergence d'une idéologie nouvelle, privilégiant l'expérience et prônant la diffusion du savoir en langue française. La réorganisation dans le texte des topoï nourrissant la pensée médicale et religieuse permet de réévaluer, dans le discours de la miseria hominis, le statut réservé au corps. Les Œuvres engagent une réflexion sur la valeur des autorités et le fonctionnement rhétorique des citations, comparaisons et synecdoques. L'énoncé de certaines conclusions audacieuses requiert l'application de la " méthode de prudence " théorisée par Ramus et l'élaboration de stratégies énonciatives mobilisant différentes figures de l'allusion et de l'ambiguïté (ironie, litote, enthymème, réticence). L'ambition de produire une œuvre pérenne, malgré l'inévitable péremption des contenus scientifiques, accentue dans l'écriture des tentations égotistes et littéraires conférant à Paré un véritable statut d'auteur
Ambroise Paré's Oeuvres (1585) call for an investigation into the conditions in which a new ideology emerges, privileging experience and calling for the promulgation of knowledge in French. The reorganization within the text of the topoi fundamental to medical and religious thought allows a reevaluation of the status of the body in the discourse on the miseria hominis. His Oeuvres open a reflection bearing upon the value of authorities and the rhetorical functioning of quotations, comparisons and synecdoches. To state certain daring conclusions, Paré is forced to apply the "prudence method" theorised by Ramus and to elaborate enunciatory strategies mobilizing different figures involving allusion and ambiguity (ironie, litote, enthymeme, reticence. . . ). The ambition to produce a work which will last, despite the fact that its scientific content will inevitably become obsolete, accentuates the egotistical and literary temptations within his writing, giving Paré a genuine authorial status

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Neveux, Julie. "L’expression linguistique du concret chez John Donne : le sentiment dans la langue." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040063.

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Abstract:

Cette thèse travaille sur l’élucidation du sens poétique à l’aide d’outils linguistiques ; elle propose une définition cognitive, phénoménologique et énonciative de la distinction abstrait/concret à partir de statistiques établies sur l’œuvre de John Donne (1572-1631), Meditations upon Emergent Occasions et The Complete English Poems. Le concret résulterait d’une forme de lyrisme indirect, c’est-à-dire non sémiotisé, implicite, auquel le poète aurait recours lorsqu’il serait impliqué affectivement dans une situation de discours. L’expressivité du sujet parlant repose sur une décatégorisation momentanée de catégories disponibles en langue, décatégorisation qui lui permet de dénoncer (implicitement) l’insuffisance des cadres abstraits prévus pour tous pour désigner la singularité de son expérience sentimentale. Les noms en –ness constituent une métaphore grammaticale car ils résultent d’une décatégorisation grammaticale, tandis que les métaphores traditionnelles mettent en jeu une décatégorisation lexicale. La métaphore porte l’empreinte affective du sujet parlant, qui se réapproprie ainsi le langage. La poésie métaphysique de John Donne, oscillant entre métaphores et comparaisons, entre le concret et l’abstrait, apparaît alors comme l’expression d’un travail du sentiment, sentiment d’autant plus travaillé qu’il est religieux, et se construit en l’absence de l’être aimé
This dissertation studies poetic meaning using linguistic tools. It offers a cognitive, phenomenological and enunciative definition of the distinction between the abstract and the concrete, based on statistics carried out on work of the metaphysical poet, John Donne (1572-1631): Meditations upon Emergent Occasions and The Complete English Poems. I argue that the “concrete” is the result of indirect – implied, unsemiotized – lyricism, a form of lyricism used by the poet when s/he is emotionally implicated in a speech situation. The speaker’s expressivity relies on a temporal decategorization enabling him to (implicitly) claim that generalized (abstract) terms are insufficient to articulate the specificity of his own sentimental experience. Words in –ness – grammatical metaphors – result from a grammatical decategorization, while traditional metaphors derive from a lexical decategorization. Metaphors reflect the affect of the incarnate speaker, who thus repossesses language. Lastly, I understand John Donne’s poetry – hinging on metaphors and comparisons, concrete and abstract elements – as expressing a working of feelings, which is the strongest when the feeling is religious and needs to make up for the absence of the beloved

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Desmoulière, Paule. "Les recueils de poésie funèbre imprimés en Italie, en France et dans les Îles britanniques (1587-1644)." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040096.

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Abstract:

Cette thèse est une étude à la fois globale et détaillée consacrée aux recueils de poésie funèbre imprimés en Italie, en France et dans les Îles britanniques entre 1587 et 1644. Les recueils de poésie funèbre nécessitent une approche comparatiste, à plusieurs titres. Du point de vue linguistique et culturel tout d'abord, l’on remarque que ce sont des ouvrages polyglottes. En outre, du point de vue esthétique, ils font appel aux ressources de la littérature et des beaux-arts (gravures), en partie parce que les textes qu'ils contiennent ont souvent fait partie du monument funèbre lui-même, ce qui encourage à les relier aux programmes iconographiques élaborés au cours des funérailles. Enfin, ces « tombeaux poétiques » sont avant tout une œuvre qui émane d’un groupe d’auteurs, ce qui mène à les analyser non seulement comme œuvre littéraire, mais aussi comme des témoignages précieux sur l’histoire de la littérature. Cette thèse commence par montrer quelles sont les origines de cette pratique, notamment comment divers modèles de recueils funèbres furent élaborés à partir du Quattrocento, d'abord en Italie, puis dans les deux autres pays. Au terme de cette évolution, à la fin du seizième siècle, on peut affirmer que les trois pays disposent d'un socle culturel commun à partir duquel se constituent ces recueils. Le chapitre suivant analyse comment ces recueils évoluèrent des années 1580 à 1644, quelle était l’identité des défunts commémorés et qui élaborait ces ouvrages. La variété des formes et des discours sur la mort est ensuite examinée. Puis, à travers des études de cas, les enjeux de l’écriture collective sont étudiés. Enfin, les rapports entre ces ouvrages imprimés et les funérailles sont examinés
This dissertation is both a global and detailed study dedicated to collections of funeral verse published in Italy, France and the British Isles between 1587 and 1644. It follows a comparative approach, for several reasons. Firstly, because these works were written and published in several languages. Secondly, because of the number of engravings they contain and the close relationship they often bear to the fine arts. Since many of the poems printed within these works were first pinned to funeral hearses or catafalques, they must be considered in the light of funerary art and architecture. Thirdly, these works warranted a sociological and historical analysis because of their collective nature: they are the product of a group of authors, whose ideals and aspirations they embody. The initial part of this study presents the development of this type of funerary commemoration from its origins in late Quattrocento Italy to its later expressions in mid-sixteenth-Century England and France. The second chapter examines the evolution of these collections from the 1580s to the 1640s, as well as the identity of the deceased and their commemorators. The third chapter gives an overview of the great formal and rhetorical variety of the poems published in these collections. The case studies in chapter four illustrate how and why groups of authors assembled in order to conceive collections of funeral poetry. Finally, the last chapter is a brief survey of the relationships that these works bear with different types of funeral ceremonies

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O'Meara, Leslie. "Le blason animalier dans la poésie française XVIe siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040125.

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Le blason animalier est un genre poétique qui apparait en France entre 1535 et 1585 chez les marotiques, puis chez les poètes de la Pléiade (Ronsard, du Bellay, Belleau, Peletier. . . ). Il consiste dans le fait de décrire un animal et de raconter son histoire en le louant. Pourtant, les poètes et les théoriciens du XVIe siècle emploient rarement le terme de « blason » pour désigner ce type de pièces qu'ils préfèrent nommer « épigrammes », « épitaphes », « hymnes », « poèmes », etc. Toutefois, le blason animalier se manifeste comme un genre à part entière : on y trouve des constantes formelles (emploi de vers courts), thématiques (la joie, la mélancolie. . . ) et stylistiques (jeux de mots, métaphores. . . ), on y rencontre les mêmes motifs poétiques (les métamorphoses en constellations. . . ), les mêmes concepts (la douceur, la beauté. . . ). En outre, bon nombre d'auteurs de blasons font référence explicitement dans leur poème aux autres blasons déjà composés. Dans le cadre de ce genre, les poètes veulent transfigurer et diviniser un animal en apparence modeste et négligeable : ils subliment les parties de son corps et en font le héros d'un récit épique ou étiologique. Mais l'animal est surtout une incarnation du poète lui-même, de ses ambitions poétiques et de sa personnalité profonde. Et si le poète s'amuse à se métamorphoser en animal, c'est pour gagner l'éternité.

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Cirolo, Isabelle. "La Pléiade et les arts plastiques : éléments d'analyse." Paris 10, 2001. http://www.theses.fr/2001PA100005.

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Abstract:

Cette étude propose une série d'analyses de textes de poètes de la Pléiade, en vue de préciser leurs rapports avec les artistes et les arts plastiques. De nombreux critiques ont constaté que les poètes de la Pléiade se sentent en prise directe avec les mouvements artistiques de leur époque , mais les interactions de la Pléiade et des beaux-arts, les relations entre les hommes de lettres et les artistes demeurent obscures. Ces analyses révèlent une partie des connaissances des poètes en matière d'arts plastiques. Ronsard surtout, Du Bellay, Belleau, Jodelle, et Dorat procèdent souvent par contamination de sources livresques et artistiques issues de la peinture, de la gravure, de traités d'art et d'architecture. L'utilisation des sources artistiques, en jouant sur la mémoire visuelle du lecteur, produit un effet "d'enargeia" et donne aux poèmes une "évidence plastique". Dans l'art funéraire, les poètes cherchent à s'associer à la sculpture par le biais des inscriptions. Leurs épitaphes, isolées ou intégrées à des tombeaux poétiques, se sont parfois trouvées gravées sur des tombeaux. Cependant cette association est rare et les poètes se tournent vers les tombeaux poètiques. Lors des fêtes, se révèle un rapport non pas de complémentarité, mais d'identité entre l'invention poétique et picturale. . .

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Greiner, Frank. "Tradition alchimique et esthétique littéraire à l'automne de la Renaissance française : 1583-1646." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100012.

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Abstract:

L'objectif premier de ce travail a e été de dégager les grandes lignes d’une esthétique de la littérature alchimique à la fin de la Renaissance française. Littérature qui fut essentiellement envisagée ici dans ses rapports a une tradition. Tradition effective d'un savoir accomplie par la fabrication des livres et leur circulation. Tradition idéalement représentée et mise en œuvre dans les traites dédies a l'Art d'Hermès. Tradition métamorphoses dans les poèmes et les romans ou l’écriture alchimique se détourne de ses fins premières pour nous communiquer une expérience symbolique à réaliser par la lecture
The first objective of this work was to draw the main lines of an esthetic of the alchemical literature at the end of the French Renaissance. Literature that was essentially considered here in relation to a tradition. Tradition of a knowledge affected by the making of the books and their circulation. Tradition ideally represented and used in the treatises dedicated to the Art of Hermes. Tradition metamorphosed in the poems and novels where the alchemical writing leads itself out of its first purposes in order to communicate a symbolic experiment to be realized by the reader

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Buzon, Christine de. ""Les Angoisses douloureuses" d'Helisenne de Crenne (1538) : lectures et "écritures"." Tours, 1990. http://www.theses.fr/1990TOUR2011.

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Abstract:

Le roman les angoysses douloureuses qui procedent d'amours a ete publie par helisenne de crenne, pseudonyme probable de marguerite briet (paris, denis janot, 1538). Apres avoir rappele les elements biographiques et etudie le contexte et la reception du roman (en interpretant notamment un texte de corrozet) l'etude se porte sur l'enonciation, la narration et l'onomastique, lestrois chapitres suivants etudient la latinite, "le style piteux" et les debats sur l'amour, en analysant un releve des variantes des editions revues par h. De crenne (1541 et 1543) puis par claude colet (1551). Les themes de la lecture et des ecritures permettent de rendre compte de ce roman long et complexe qui evoque sa propre redaction. Annexes : liste des latinismes corriges en 1551 ; liste des variantes (editions de 1541, 1543, 1551) ; localisation et description sommaire des exemplaires anciens dans les bibliotheques publiques
The novel les angoysses douloureuses qui procedent d'amours was published by helsenne de crenne, probable pen-name of marguerite briet ( part denis janot, 1538). After a few biographical notes, after studying the context and how the novel was received (among other texts, the interpretation of one text by corrozet), begins the study of enonciation, narration and onomastics. The next three chapters analyse the latinity, the "style piteux" and the debates on love. This study is based on the lists of variants in the editions corrected by h. De crenne (1541 and 1543) and claude colet (1551). The themes of reading and writing enable us to understand a long and complex novel that deals with its own creation. Appendix : lst of latinisms corrected in 1551 ; list of variants (editions of 1541, 1543 and 1551) ; a list and short descriptions of the oldcopies of the works of h. De crenne to be found in public libraries

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Aroca, Iniesta Francisco. "Le lyrisme dans la poésie d'Antonio Colinas." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040189.

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Abstract:

Antonio Colinas (1946, La Bañeza, León) publie ses premiers recueils à la fin des années 60. De prime abord, le poète ne semble pas " rupturiste " au regard de l'époque, marquée par les mouvements d'avant-garde. Ses textes, pourtant, tout en mêlant tradition et modernité manifestent un renouveau dans la poésie espagnole. En dépit de sa simplicité, la langue poétique est extrêmement travaillée et surprend le lecteur par son intensité lyrique. Fidèle à son temps, Antonio Colinas évoque toute une époque, celle des années 70. L'Espagne septentrionale ou méridionale, l'Italie, l'Europe du Nord seront les espaces privilégiés du personnage poétique toujours en quête de son identité individuelle et par-delà d'une identité collective. Dans le lyrisme colinien, art, culture et vie ne sont au service que d'une seule et même exploration destinée à insuffler de nouvelles réalités dans l'espace poématique. La voix colinienne a également recours au rêve et au souvenir, individuel ou collectif, afin de récréer toutes les facettes de la réalité
Antonio Colinas (1946, La Bañeza, León) published his first poetry books at the end of the sixties. At first sight, his work does not seem to break with the prevalent avant-garde styles of the period. However, mixing tradition and modernity, his writing was a renewal of Spanish poetry. For all its apparent simplicity, the poetic language is very elaborate, and the reader is surprised by its lyrical intensity. A writer of his time, Antonio Colinas evokes a whole period, that of the seventies. Northern or Southern Spain, Italy and Northern Europe were the preferred regions of a poetic character always seeking both an individual identity and a parallel collective identity. In Colinien lyricism, art, culture and life are at the service of a unique exploration, the purpose of which is to allow new realities to infiltrate the poetic space. The Colinien voice resorts equally to both dreams and memories, individual and collective, in order to recreate all the facets of reality

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Dumotier-Sigwalt, Eliane. "Les traits d'acculturation précoces des sociétés indigènes du Brésil atlantique, à travers l'iconographie et la littérature des voyages au seizième siècle." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010586.

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Abstract:

L'analyse iconologique connait une faveur certaine tant auprès des chercheurs que du public. Dans ses rapports à l'image, le seizième siècle n'est pas sans analogie avec le notre par la profusion des gravures que multiplia l'imprimerie. La découverte de l'Amérique, ou plutôt des Amériques, donna lieu à une iconographie originale qui presentait des pays inconnus et des hommes aux moeurs troublantes, dont la puissance informative ne fut que rarement exploitee globalement dans la comprehension des processus d'acculturation, avant et immediatement apres le contact europeen. A partir de l'exemple tupi-guarani, pour lequele la documentation graphique est abondante et de qualite, observable sur le long terme, il devient possible, dans une demarche analytique et comparative, de définir un protocole déterminant les facteurs d'acculturation pouvant avoir une valeur scientifique d'interprétation des données archéologiques en préhistoire et ceux qui sont strictement liés à une culture spécifique, afin de confronter les résultats avec ceux de recherches similaires en d'autres contrées plus ou moins éloignées dans l'espace et dans le temps
Iconological analysis has recently become very popular among the investigators as well as the public. In its relationship with the image, the sixteenth century presents many analogies with ours times through the profusion of illustrations, wich were multiplied by printing. The discovery of America, or rather the americas, gave rise to an original iconography which represented unknown countries and peoples with disturbing customs, the informative power of which was never entirely used for the depiction of social change, prior and immediately subsequent to european contact. Starting from the tupi-guarani tribes pattern, for which the excellent graphical documentation is abundant, observable on long term, it becomes possible to define, in an analytical and comparative way, a protocol which determines the factors of social change, thus allowing a scientifically interpretation of prehistorical archaeology, and those accuratly tied to specific culture, to compare them with the results of similar researches in other countries, in distinct times and spaces

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Blaïech-Ajroud, Khadija. "Le populaire dans la nouvelle française du XVIe siècle." Clermont-Ferrand 2, 1996. http://www.theses.fr/1996CLF20091.

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Cette étude pose le problème de la place de l'élément populaire dans les récits mineurs de la Renaissance. Afin d'éviter tout à priori théorique, nous avons considéré le populaire à partir de ses manifestations immédiates dans les nouvelles où il apparaissait surtout comme lié aux realia. En accord avec Bakhtine, nous avions constaté qu'il pouvait être défini par l'attachement à la culture de la place publique : folklore, carnaval, libération du langage, "bas" matériel et corporel. Mais ces formes de culture populaire peuvent descendre elles-mêmes d'anciens rites païens ou relever du divertissement pour lettres. Les nouvelles offrent une plus large représentation du populaire. Très souvent, l'homme du peuple y est confronté aux représentants du pouvoir et du savoir. Dans ce contexte il semble défendre un idéal de paix, de modération, d'harmonie avec les coutumes, de communication entre les hommes, faisant ainsi écho aux idées de l'humanisme et de la réforme. Le populaire exprime ainsi une notion en mouvement, souvent mise au service du parti-pris des conteurs. Il se révèle être une catégorie qui définit une nouvelle réalité, contestant les frontières traditionnelles entre les hommes, leurs classes, cultures
This study poses the problem of the place of the popular element in minor renaissance narratives. To avoid any theoretical presuppositions, the popular element is forst considered in its immediate manifestations in the nouvelles, mainly through its connectedness with material reality. As noted by m. Bakhtin, the popular element could be defined by an attachment to the culture of the public square : folklore, carnivals, liberation of language, the material and corporeal underside. However, these forms of popular culture may stem from old pagan rites or fall within the province of entertainment for the literati. The nouvelles offer a more wide-ranging representation of the popular element. Very often in these the common people are confronted with the representatives of power and knowledge, and defend an ideal of peace, moderation, constructiveness, harmony with tradition and communication, thus echoing the ideas of humanism and reform. The popular element thus covers a dynamic notion, often expressive of the writers' point of view, and proves to be a category questioning traditional boundaries between men, classes and cultures

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Caporal-Revel, Chrysis. "Critique littéraire et controverse théâtrale des élisabéthains à Lope de Vega : étude de littérature comparée." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040103.

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Abstract:

Ce travail porte sur les interactions entre les pamphlets moraliste et puritains contre la litterature, la legislation et les essais de critiques litteraires et theatrales. Les premiers textes consideres sont les apologies professionnels au debut du dix-septieme siecle, la controverse etant le lien entre tous ces documents. L etude est menee d abord dans une perspective qualitative afin de determiner des criteres pertinents et montrer que ces documents peuvent etre regroupes en "series", puis dans une perspective quantitative et synchronique. Il s agit de montrer le rapport entre la controverse ethique et lityteraire dans les deux pays, ainsi que ses repercussions sur la theorie theatrale
Litteraires anglaises et espagnoles, les derniers les defenses des acteurs the study examines interactions in england and spain between pamphlets against literature written by puritans and moralists, legislation and essays in literary and theatrical criticism. The texts studied range from literary apologies to defences of the theatree written by professional actors at the beginning of the 17th century. To begin with, a qualitative approach is adopted in order to define appropriate critera and show that show that the documents can be divided into "series"; they are subsequently studied from a quantitative point of view. The purpose is to demonstrate the relationship between the ethical and literary controversy in the two countries, as well as its effects on theatrical theory

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Vachon, Claire Hélène. "Les changements linguistiques dans la langue française littéraire du seizième siècle." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2006. http://www.theses.fr/2006STR20063.

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Abstract:

116 variations caractéristiques du changement linguistique au 16ème siècle, en graphie, morphologie, morphosyntaxe, syntaxe et en lexique, ont été étudiées séparément puis comparées afin de dégager les tendances saillantes du changement linguistique au 16ème s. Et de définir à partir de quelle norme le français actuel a pu être élaboré. Plusieurs synthèses ont été faites, selon l'état d'avancement du changement au début ou à la fin de la période étudiée (1530-1659), mais également selon les genres textuels, les types d'évolution ou selon les auteurs. Le corpus est formé de textes littéraires de poésie (Marot, Du Bellay, Ronsard, Viau et Scarron), de prose (Rabelais, M. De Navarre, D. Sauvage, Fouquelin, Montaigne, D'Aubigné, Descartes et Bossuet) et de théâtre (Jodelle, Garnier, Montchrestien, Du Ryer et Corneille). Les éditions, en général princeps, ont été validées par une vérification dans les manuscrits d'origine ou n'ont pas été prises en compte dans les études graphiques
One hundred and sixteen characteristic variations of the 16st century, from five linguistic fields (Written form, morphology, morphosyntax, syntax and lexicon) have been studied separately, then compared in order to find the major trends of linguistic change in French language between 1530 and 1659. We have made different synthesis : according to the state of the linguistic change at the beginning and at the end of the studied period, according to the kind of text, according to the evolution type and according to the author. The corpus is formed with the first editions of many literary texts from the 16st century : poetry (Marot, Du Bellay, Ronsard, Viau et Scarron), prose (Rabelais, Marguerite de Navarre, Denis Sauvage, Fouquelin, Montaigne, D'Aubigné, Descartes et Bossuet) and plays (Jodelle, Garnier, Montchrestien, Du Ryer et Corneille)

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Mauré, Cécile. "Héritages et réappropriations du mythe d'Écho dans la littérature élisabéthaine." Montpellier 3, 2006. http://www.theses.fr/2006MON30027.

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Abstract:

Phénomène acoustique, figure mythologique, procédé littéraire, Écho offre aux artistes élisabéthains de nombreuses possibilités. Altéré, moralisé, compilé, le mythe d’Ovide se présente, dans les années 1550-1560, sous une forme hybride. Écho fascine et intrigue les artistes car il s’agit de représenter ce qui, dans le fond, est irreprésentable. Les poètes et les dramaturges déjouent, chacun à leur manière, ce paradoxe. Soumis aux influences italiennes et françaises, ils suivent la mode pastorale et place Écho dans une nouvelle Arcadie où se mêlent joie et mélancolie. Présente également dans les élégies et les complaintes, Écho est aussi une figure tragique associée à la douleur et à la lamentation, qui ne loue plus les noms des dieux mais pleure les défunts. Dissimulée dans l’ombre, sa voix se fait suspecte, entraînant les hommes sur de fausses pistes, brouillant les signes dans des bois qui ressemblent soudainement à de dangereux labyrinthes. Elle est, chez Shakespeare, une représentation du désordre, la preuve d’un monde changeant. Figure mineure, elle révèle pourtant les mouvements d’une écriture riche et complexe qui aime les biais et les détours
At one and the same time an acoustical phenomenon, a mythological figure and a literary device, Echo offers Elizabethan artists many outlets. The Ovidian myth has been adulterated, moralised, synthesised, and appears in a hybrid form in the 1550's and 1560's. Echo captivates and puzzles artists because it involves representing what cannot in fact be represented. Poets and dramatists find their own way round this paradox. Under French and Italian influence, they follow the pastoral trend and place Echo in a new Arcadia where joy and melancholy are mingled. Frequently quoted in elegies and complaints, Echo is also a tragic figure associated with suffering and lamentation, who no longer praises the gods, but bewails the dead. Hidden in the shade, her voice becomes suspect, leading men on false trails, blurring signs in woods which are suddenly transformed into dangerous labyrinths. In Shakespeare's plays and poems, she stands for disorder, bearing witness to a changing world. Echo is considered a minor figure, yet she incarnates the different aspects of a rich and complex style of writing which delights in taking the reader on roundabout detours

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Le, Dimna Christian. "Expérience poétique et expérience mystique : une approche de la poésie contemporaine." Nantes, 2009. http://www.theses.fr/2009NANT3018.

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Abstract:

Nous déterminons les points de convergence entre poésie et mystique contemporaines. La mystique, dégagée du contexte religieux, reçoit le statut de connaissance expérimentale de l’être. Fondée sur le contact direct et l’union à une conscience non-individuelle, elle étudie les modalités sensibles de cette expérience unitive et les moyens de la réaliser. La poésie est conçue comme étant une de ses expressions et la recherche de moyens linguistiques pour orienter le lecteur vers le réel. Les œuvres poétiques sont retenues pour leurs confluences avec le corpus mystique constitué d’œuvres au-delà d’une tradition, « sauvages » ou athées. Basée sur l’expérience, notre méthode applique les connaissances mystiques sur la nature de l’esprit pour examiner quelques problèmes de la poésie contemporaine : sujet, lyrisme, présence, habitation, inspiration, rythme, etc. Autant que d’autres, l’approche mystique du poème peut ainsi en révéler une dimension spirituelle cachée qui en enrichit la lecture
Our research intends to find the essential points existing between contemporary poetry and mysticism. We look at mysticism, free from its religious context, as an experimental knowledge of the being, based on a direct contact and union with a non-individual consciousness. The poetry is examined as an attempt to express this experience of unity and a way to approach it or to orient the reader towards “the real. ” Choice is based upon its convergences with mystical texts not directly claiming an affiliation with tradition, affirming links to “wild mysticism” or the atheistic (even if the poets did not specifically affirm or even deny it). Established on the ground of experience, we intend to understand the poetic experience using the knowledge of mysticism, considering various concerns which contemporary poetry engages: poetic subject, lyricism, inspiration, rhythm, etc. We seek to demonstrate that mysticism can reveal unseen dimensions to a poetry and make it even more meaningfull

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Lastraioli, Chiara. "Du "Pasquino" au "Pasquin" : migration et évolution d'un genre satirique." Tours, 2000. http://www.theses.fr/2000TOUR2045.

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Abstract:

Cette thèse porte sur la genèse, la diffusion et la transformation des pasquinades au XVIe siècle. Ce genre littéraire, né en Italie au début du siècle, se propage en France à partir des années 1540, surtout par le moyen de manuscrits. Les satiristes anonymes répandaient des pasquinades en français et en latin, à la Cour comme la plupart des villes dans lesquelles séjournaient les rois de France. Ils commentaient les derniers événements politiques ou mondains et prenaient le parti, pendant les Guerres de religion, tantôt des huguenots, tantôt des catholiques. Le premier chapitre " Les origines du pasquino" a trait à la production italienne : on y trouvera l'histoire de la statue représentant Pasquino, autour de laquelle on affichait des poèmes en latin[. . . ]Le deuxième chapitre "Pasquino en France" porte sur les premiers témoignages français relatifs à la fête de Pasquino [. . . ]. Les compositions manuscrites italiennes, françaises et latines encore indédites sont recensées et transcrites dans l'appendice. La bibliographie propose un catalogue de toutes les éditions de pasquinades italiennes et françaises parues du début du XVI e siècle jusqu'à nos jours, ainsi que l'ensemble des impressions latines, alldemandes et anglaises du XVIe siècle, et les études critiques concernant cette production.

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Hélix, Laurence. "Le lyrisme marial en langue vernaculaire au XIIIe siècle : enjeux et paradoxes d'une poésie de la conversion." Amiens, 2001. http://www.theses.fr/2001AMIEA009.

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Jourde, Michel. "La voix des oiseaux et l'éloquence des hommes : sens et fonction des manifestations sonores de l'oiseau dans la littérature française des XVIe et XVIIe siècles." Bordeaux 3, 1998. http://www.theses.fr/1998BOR30050.

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Abstract:

Pour determiner les enjeux, en france au xvie et au xviie siecle, des rapprochements entre la voix d'un oiseau et un discours humain, nous nous sommes fonde sur l'etude de discours savants concernant les oiseaux (ornithologie, recits de voyage), de temoignages ou de fictions mettant en scene des oiseaux sonores, ainsi que de diverses operations linguistiques proposant de tels rapprochements (metaphores, periphrases, images savantes. . . ). Dans la premiere partie, nous etablissons le cadre dans lequel ces rapprochements prennent leur sens a l'epoque etudiee : difficulte des definitions (entre voix, chant, discours) ; jeu des (de)valorisations (une meme voix d'oiseau peut servir a louer ou a ridiculiser un discours) ; utilisation des oiseaux dans des processus de figurations, mettant enjeu, pour chaque voix d'oiseau, divers elements empruntes a l'observation comme a la tradition. La deuxieme partie etudie ces processus de figurations successivement dans les discours de louange (le concert des voix d'oiseaux est un eloge ideal, que l'orateur peut evoquer mais auquel il ne peut se joindre), dans les theories et les pratiques du sublime (les oiseaux figurent l'envol du discours mais aussi les risques de cet envol) et dans les elaborations concernant le nom propre de l'homme eloquent : ce dernier, en se rapprochant de l'oiseau par la periphrase, la pseudonymie ou la metaphore, cherche a raconter l'histoire de son eloquence, ses origines et ses desirs. La troisieme partie degage deux aspects majeurs de cette histoire : les oiseaux sont presents dans les apprentissages du discours, en offrant leur plume pour ecrire ou en constituant le modele d'une eloquence primitive et ideale ; par leur affinite avec le processus de la metamorphose, ils figurent une continuite possible entre le discours et ce qui s'oppose a lui (silence, bruit, enfance), entre le temps de l'enonciation, toujours borne, et les temps anterieurs ou posterieurs a cette enonciation.

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Liserre, Battista. "Politique et littérature à Florence au XVIe siècle : les Jardins Rucellai." Thesis, Aix-Marseille, 2018. http://www.theses.fr/2018AIXM0543.

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Abstract:

Ce travail est né d'une prise de conscience. Les études des critiques littéraires sur les jardins Oricellari (Orti Oricellari) bénéficient d'un intérêt relatif. Le plus souvent, l'académie et les relations entre ses membres ne sont mentionnées que de façon superficielle dans les chapitres ou paragraphes des livres consacrés à Machiavel. Pour cette raison, nous avons essayé, avec notre thèse, de jeter les bases d'une première monographie globale. À cette fin, nous avons combiné, en un seul ouvrage tous les épisodes survenus dans le jardin de « via della Scala » entre 1502 et 1522. Notre recherche comprend une étude détaillée des principaux thèmes philosophiques, littéraires, historiques et politiques discutés lors de l'Assemblée des « Orti ». Par exemple, c'est dans les jardins « Oricellari » que le concept de politique moderne est né comme on l'entend aujourd'hui, lorsque Bernardo Rucellai, fondateur et initiateur des premières rencontres littéraires, a lu publiquement son histoire de l'invasion de l'Italie par la France sous Charles VIII : le premier traité moderne de l'histoire politique . L'œuvre de Bernardo, De Bello Italico, est caractéristique de son analyse lucide des motivations psychologiques des protagonistes, de leurs désirs et de leurs ambitions, afin d'en déduire les causes de leurs défaites. Les clés de la lecture dans les analyses de Rucellai étaient vraiment sans précédent à cette époque, mais après tout, la politique était encore considérée comme quelque chose de pratique et non métaphysique et c'est dans la Florence des Médicis que le concept de «modern balance of power politics» fut théorisée pour la première fois
This work is born of an awareness. Studies of literary critics on Oricellari gardens (Orti Oricellari) are of relative interest. Most often, the academy and the relations between its members are mentioned only superficially in the chapters or paragraphs of the books devoted to Machiavelli. For this reason, we have tried, with our thesis, to lay the foundations for a first global monograph. To this end, we have combined, in one single work, all the episodes that occurred in the garden of Via della Scala between 1502 and 1522. Our research includes a detailed study of the main philosophical, literary, historical and political themes discussed during the year. Assembly of Orti. For example, it is in the gardens "Oricellari" that the concept of modern politics was born as we hear it today, when Bernardo Rucellai, founder and initiator of the first literary meetings, publicly read his story of the invasion from Italy by France under Charles VIII: the first modern treaty of political history. Bernardo's work, De Bello Italico, is characteristic of his lucid analysis of the psychological motivations of the protagonists, their desires and their ambitions, in order to deduce the causes of their defeats. The keys to reading in Rucellai's analyzes were truly unprecedented at that time, but after all, politics was still considered practical and not metaphysical, and it was in Florence of the Medici that the concept of "modern balance of power politics "was theorized for the first time

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Delahaye, Séverine. "La voix d'Orphée, de la musique dans la poésie du siècle d'or espagnol : Garcilaso de la Vega, Luis de León, Jean de la Croix, Góngora." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030164.

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Abstract:

Dans l'espagne du siecle d'or, la poesie et la musique etaient constamment associees dans les pratiques sociales. Comme la musique, la poesie savante etait rarement diffusee par voie imprimee et preferait la publication orale ou manuscrite, qui correspondait mieux au public qu'elle avait choisi. Le chant constituait donc une voie de publication privilegiee pour la poesie. Les poetes partageaient avec les musiciens le souci d'une pronuntiatio efficace - c'est-a-dire agissant sur les affects de l'auditoire -, et faisaient reposer cette efficacite sur le respect de la prosodie et sur l'intonation ; de cette recherche commune naitra l'opera. Poesie et musique s'enseignaient l'une pour l'autre et l'une par l'autre. Elles partageaient en outre un langage precis, aussi bien en ce qui concerne differentes formes poetico-musicales, que des procedes techniques et des procedes expressifs. Des procedes comme l'enjambement ou la sequence antirythmique etaient decrits comme des dissonances rythmiques, et utilisees par les poetes a des fins expressives de la meme facon que les musiciens utilisaient les procedes connus sous le nom de madrigalismes.

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Valenti, Josette. "Image de la femme dans la première tétralogie de Shakespeare." Aix-Marseille 1, 1996. http://www.theses.fr/1996AIX10116.

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Abstract:

Dans le monde guerrier de la 1er tetralogie-guerre de cent ans; guerre des deux roses - la femme est tenue de rester a la place que lui ont attribuee dieu et les hommes. Elle se doit de rester au foyer, humble et soumise, comme une belle image, mievre et glacee, car elle est, par nature, inferieure a l'homme lorsqu'elle revendique sa place sur le terrain ou de la diplomatie, elle dechaine les passions : on lui pardonne mal sa demarche libertaire et egalitaire, surtout lorsqu'elle est couronnee de succes. Deux grandes figures feminines dominent la 1e tetralogie : jeanne d'arc et marguerite d'anjou, creatures proteiformes, qui subissent toute une serie d'avatars. Elles sont d'abord conformes au cliche traditionnel : jeunes vierges rayonnantes de beaute et d'esprit. Mais lorsqu'elles se piquent d'emprunter l'habit et le role du guerrier, elles se designent comme catins (car le travestissement est connote sexuellement), et comme viragos, avatars terrestres de l'amazone (qui n'existe que dans l'imaginaire masculin). De plus, elles sont subversives, car elles s'approprient le role de l'homme, demissionnaire, bouleversant ainsi l'ordre etabli par dieu et les hommes. Elles finissent par devenir de hideuses sorcieres, des furies honnies par les hommes, dont elles ont provoque la colere et la terreur. Le cliche initial, la belle icone doree, prend peu a peu la couleur rouge sang, pour s'eteindre finalement dans le ton gris et froid de la cendre

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Ricci, Sylvie. "Le sentiment amoureux dans les traités du "Primo cinquecento"." Aix-Marseille 1, 2003. http://www.theses.fr/2003AIX10105.

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Abstract:

Cette thèse propose l'étude du sentiment amoureux dans les traités de cinq auteurs de la première moitié du seizième siècle : les "Asolani" de Bembo, le "Panegirico all'amore" et le "De Amore" de Diacceto, le "Libro de Natura de Amore" d'Equicola, le "Libro del Cortegiano" de Castiglione, enfin, les "Dialoghi d'amore" d'Ebreo. Cette recherche vise à souligner l'importance de la production littéraire de cette période dans la mesure où ces traités, de par leur structure, leurs aspects culturels, idéologiques et philosophiques, mêlent l'héritage de la philosophie de l'Antiquité et du Moyen-Age à des perspectives plus sociologiques, notamment sur la condition féminine, qui annoncent les intérêts développés dans les traités de la fin du seizième siècle. Après une introduction qui définit le sujet, présente le corpus et précise la méthodologie utilisée, cette étude se compose de trois grands axes de recherche. La première partie expose la biographie des écrivains ainsi que la structure et la genèse des oeuvres, la seconde examine la représentation de l'être humain dans la hiérarchisation universelle et aboutit à une définition de l'Amour, enfin, la troisième propose une analyse comparative des oeuvres pour mettre en évidence les effets positifs et négatifs de l'Amour charnel et de l'Amour spirituel. En dernier lieu, une conclusion expose les résultats auxquels l'étude aboutit.

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Victoria, Thierry. "Les lectures de l'"Apocalypse" dans la littérature française de la Renaissance." Amiens, 2004. http://www.theses.fr/2004AMIE0008.

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Khoriaty, Georges Gebran. "L'Image de la condition féminine dans la littérature française à la fin du XVIe siècle et au début du XVIIe siècle." Lyon 3, 1988. http://www.theses.fr/1988LYO3A004.

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Amrane, Djamila. "Figure du soldat et valeurs militaires dans la littérature italienne du XVIe siècle." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1990PA040139.

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Abstract:

La conjonction de facteurs historiques, techniques et sociaux dans l’Italie du XVIe siècle met en crise les valeurs guerrières traditionnelles. Nous analysons les formes que prend en Italie la crise européenne de la chevalerie et la fonction "d'amortisseur" que joue la culture humaniste, puisqu'elle fait passer pour ancien ce qui est nouveau, cautionné par son autorité de nouvelles pratiques militaires, leur prête des outils intellectuels et rhétoriques capables de faire contrepoids au charisme littéraire du chevalier. Nous explorons quatre thématiques illustrant les différents aspects: sociaux, culturels, moraux, esthétiques de la crise du chevalier. L'armée au XVIe siècle tend à s'auto-représenter comme une "méritocratie" permettant l'ascension sociale d'individus talentueux. La figure du "parvenu par les armes" répond à la nécessité de démocratiser le recrutement là où les élites socio-économiques ne s'identifient plus à la caste guerrière. Le topos des lettres et des armes rend compte de l'intellectualisation des prestations militaires. Le soldat lettre est le produit le plus emblématique de "l'humanisme militaire". La guerre devient une activité moins physique et plus cérébrale. Quant aux affinités présumées entre les lettres et les armes, elles recouvrent des dissensions profondes entre deux professions porteuses d'un modèle alternatif de "service public". Le physique et l'apparence du soldat sont également touchés. La laideur et la rudesse, conséquences de la ruralisation du recrutement et des blessures infligées par les armes à feu ôtent à l'apparence militaire se lisibilité d'antan. Enfin, l' exploitation militaire de la nuit interrompt les rapports harmonieux entre rythmes militaires et cosmiques : le stratagème nocturne suppose une approche astucieuse et immorale de la guerre qui met directement en cause l'éthique chevaleresque
The connexion between historical, social, technical factors in the sixteenth century challenges the traditional military code. We study the Italian version of the European chivalry crisis and especially the role of "shock absorber" played by humanistic culture. "Military humanism" gives prestigious antecedents to shameful innovations, guarenteeing for new military practices. It gives soldiers the intellectual and rhetorical devices capable of counterbalancing the literary success of the knight. We shall look for this new figure of the soldier through four themes that illustrate different aspects : the social, cultural, moral, aesthetic aspects of the chivalry crisis. Italian armies tend to represent themselves as "meritocracies", allowing the rise of talented individuals. The type of the "military upstart" in humanistic biographies meets the need for a democratized recruitment, especially in Italy where social and economic elite do not identify themselves anymore with the fighting caste. The letters and arms topos accounts for the intellectualization of military achievements. The "scholar soldier" is the most emblematic product of "military humanism": war becomes an intellectual activity more than a physical one. The alleged affinities between letters and arms prove superficial as these two professions carry an alternative vision of "public service", the first of them being more in tune with the post Cateau-Cambrésis pacified Italy. Soldiers' physics and appearances are also concerned. The ugliness and roughness, resulting from a popularized recruitment and firearms wounds, cancel the former "readability" of military appearance

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Crepiat, Caroline. "Le sujet lyrique dans la poésie du Chat Noir (1882-1897)." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2016. http://www.theses.fr/2016CLF20008.

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Abstract:

La fin du XIXe siècle voit éclore un grand nombre de « petites » revues littéraires et artistiques, liées aux avant-gardes et à la bohème. Parmi elles, Le Chat Noir (1882-1897), créée par Rodolphe Salis et Émile Goudeau pour assurer la promotion du désormais célèbre cabaret éponyme. On y publie des contes, des histoires drôles et sans paroles, mais aussi de la poésie. Le présent travail entend étudier de plus près ces poèmes, à la lumière de la crise qui agite alors la production littéraire. Il s’agit plus précisément d’analyser le traitement qui est fait de la notion de sujet lyrique, « principe structurel » (Käte Hamburger) du lyrisme. Dire " je" semble en effet perdre tout sens aux yeux de ces poètes, non seulement du fait du poids de la tradition qu’il est de bon ton de subvertir au nom de l’esprit fumiste dont ils se réclament, mais encore du régime collectif au sein duquel ils s’expriment. Toutefois, les multiples provocations à son encontre permettent aussi à ces artistes de disséquer et de questionner cette notion, et même de se la réapproprier, tant collectivement qu’individuellement. Une réflexion croisée, à la fois poétique, esthétique et sociopoétique, nous amènera à définir les logiques, enjeux et stratégies d’un tel positionnement
The end of the 19th Century is a key period for the « little » literary and artistic journals, produced by avant-garde and bohemian groups. One of them, Le Chat Noir (1882-1897), created by Rodolphe Salis and Émile Goudeau to promote the famous and eponymous cabaret. Tales, humoristic texts, illustrations or poetry appear in its columns. The present thesis aims for a closer study of these poems, in the light of the crisis which troubles the literary production. It is more precisely to analyse how the notion of the lyric subject, which is considered as the « structural principle » (Käte Hamburger) of lyricism, is treated. Indeed, saying « I » seems to lose sense for these poets, not only because of a tradition that is to subvert for the « fumiste » spirit’s sake which they claim, but also because of the collective context in which they find a space of expression. However, those provocations against the lyrical « I » is also for these artists a way to question and dissect it, and even to reappropriate it, for the collective as much as the individual distinction. A mixed reflexion, based on poetic, esthetic and « sociopoétique » analysis, will lead us to define the logics, stakes and strategies of such a position

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Truche-Bossé, Gloria. "Des hiéroglyphes aux vanités : une lecture de l'emblématique espagnole (1581-1613)." Tours, 2002. http://www.theses.fr/2002TOUR2015.

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Abstract:

Le développement d'une emblématique proprement espagnole est indissociable du contexte spirituel et moral du pays. Fer de lance d'un catholicisme épuré ́de toute d́éviance, l'Espagne veut exalter la religion issue du Concile de Trente. Outre le sujets dogmatiques et disciplinaires, les auteurs d'emblèmes mettent l'accent sur l'idéologie de la Contre-Réforme : spiritualité jésuite et mystique, modèle idéal de la famille, amour des vertus et horreur des vices. . . En outre, ce genre mixte associant image et texte exploite autant la rhétorique des formes brèves (fable, apologue, proverbe) que les motfis iconographiques tirés d'Alciat, d'Harapollon ou de Ripa. Cependant, dans un souci de clarté, le commentaire de l'emblème tend à se développer aux dépens de la gravure dont les motifs se figent en symboles réutilisables à l'infini. Certains de ces motifs feront leur réapparition dans le genre pictural des Vanités, dans un même souci de préparer le fidèle à la vie éternelle.

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Carmant, Danielle. "Les onomatopées dans les madrigaux italiens et anglais, et dans la chanson française au XVIe siècle." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040090.

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Abstract:

Le XIVe et le XVe siècle ont été particulièrement riches en recherches et en innovations musicales. Ils ont aspiré à une meilleure relation de la musique et du texte et au développement de l'expressivité. Ces conditions - liées à un nouvel intérêt pour la nature dans les arts - ont encouragé la création onomatopéique dans les pièces vocales profanes en Italie et en France. Par le rapport privilégié qu'elle impose entre les notes et les mots et par son caractère expressif, l'onomatopée a contribué à l'évolution du langage musical. La notion d'imitation apparait ici secondaire tant le choix des phonèmes relève de l'arbitraire et d'une convention respectée par tous les compositeurs. Dans les formes madrigalesques italiennes et françaises et dans la chanson au XVIe siècle, la fonction de l'onomatopée est d'abord symbolique, ludique, et correspond à la sensibilité expressive des musiciens de ce temps
The 14th and 16th centuries were particularly rich in musical research and innovation, aspiring to a closer relationship between music and lyrics, and to the development of expression. These conditions - tied to a new interest for nature in the arts - encouraged the onomatopoeic creation in Italian and French profane vocal music. By the privileged relationship it imposes between notes and words and by its expressive character, onomatopoeia contributed to the evolution of musical language. The notion of imitation appears here as being secondary, the selection of the phonemes depending mostly on an arbitrary choice and on a convention respected by all composers. In the 16th century Italian and English madrigal forms and French "chanson", onomatopoeia's function is first of all symbolic, diverting, and corresponds to the expressive sensibilities of the period's musicians

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Monferran, Jean-Charles. "L'amour des amours de Jacques Peletier du Mans : contribution à l'étude de la "poésie scientifique" en France au XVIè siècle." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100065.

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Abstract:

La thèse propose l’édition et le commentaire de l'amour des amours de Jacques Peletier du mans, l'œuvre qui inaugure en France le genre de la "poésie scientifique" : publie pour la première fois en 1555 à Lyon chez jean de tournes, le texte n'avait pas connu de réédition à ce jour. L’édition critique a conservé, à quelques rectifications près couramment admises désormais (distinction de u et de v, de i et de j), l'orthographe préconisée par Peletier. Elle tente d'expliquer la syntaxe souvent tendue et elliptique du livre, ainsi que d'offrir les informations littéraires, philosophiques et scientifiques nécessaires a la compréhension du texte. Le commentaire part d'une analyse biobibliographique de Peletier pour ensuite favoriser des chapitres plus directement interprétatifs. A partir d'une introduction qui définit l'objet de l'étude (le texte dans le contexte de la poésie philosophique), on pourra lire : I- la biographie de Peletier II- la bibliographie de ses œuvres III- la genèse de l'œuvre IV- la bibliothèque de Peletier de 1541 à 1555 (le platonisme, le pétrarquisme, les sources scientifiques, Pontano) V- une réflexion sur la disposition de l'œuvre (disposition de l'ensemble, agencement des sonnets, articulation du canzoniere amoureux et de la poésie astronomique) VI- une réflexion sur la poétique de l'œuvre (lien entre poésies et mathesis, questions de versification, le concept rhétorique de la clarté)
This thesis presents a comprehensive edition of, together with detailed commentary on l'amour des amours by Jacques Peletier du mans. This was the earliest French work of "scientific poetry", first published in 1555 in Lyon by Jean de Tournes, and not re-edited since that date. The present critic's edition uses the peculiar spelling as specified by Peletier, except for a few modifications corresponding to currently accepted practice (distinction between u and v, as well as between i and j). The aim of the editor has been to explain the often stretched and elliptic syntax of Peletier's book and to provide all necessary literary, philosophical and scientific information for understanding the text. The first part of commentary is based on an analysis of Peletier’s biography and bibliography, followed by chapters dedicated to more specific interpretation of the text. The main outlines and content of the study are indicated below: introduction, defining the purpose of the study, i. E. An analysis of Peletier’s book within the context of the philosophical poetry movement. Chapter 1: Peletier’s biography. Chapter 2: bibliography of Peletier’s works. Chapter 3 origin and sources of l'amour des amours. Chapter 4: Peletier’s library between 1541 and 1555 (Platonism, Petrarquism, scientific sources, Pontano) chapter 5: analysis and commentary on the presentation of Peletier’s book (general

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Fleges, Amaury. "Les tombeaux littéraires en France à la Renaissance." Lettres Modernes, 2000. http://www.theses.fr/2000TOUR2047.

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Langelier, Eléonore. "Je veulx chanter de Dieu : l’expérience poétique chrétienne chez les poètes de la Pléiade (1550 – 1587)." Lyon 2, 2007. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2007/langelier_e.

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Abstract:

Désireux de placer l’imitation des Anciens au cœur d’un projet littéraire novateur, les auteurs de la Pléiade, contrairement aux poètes évangéliques et baroques, ne se sont que rarement intéressés aux arguments chrétiens. Cette relative désaffection est révélatrice des rapports ambigus que pouvait entretenir la génération de 1550 avec la matière chrétienne, les principes esthétiques de ce nouveau sodalitium – de l’exploitation de la mythologie à la sacralisation de l’art poétique – contrevenant largement aux partis pris illustrés par la production religieuse du temps. Pourtant, l’inspiration chrétienne a joué un rôle significatif à la fois dans le « cheminement lyrique » singulier que constitue l’œuvre de chaque auteur et dans la constitution progressive d’une poétique à même de célébrer proprement le vrai Dieu. Depuis les sonnets de la seconde Olive jusqu’aux Prieres publiées par Jean-Antoine de Baïf en 1587, les pièces religieuses de la Pléiade se présentent comme autant de prises de position dans les différents débats qui scandent la seconde moitié du XVIe siècle, qu’il s’agisse de la remise en cause de la poésie profane propre aux années 1550-1558, de la crise politique née des conflits inter-confessionnels qui firent rage à partir de 1560, ou de la crise spirituelle ouverte par les massacres de la Saint-Barthélemy. Mais ces textes comportent également des spécificités sur les plans théologique, énonciatif et générique qui permettent de réévaluer, in fine, l’influence de ces expériences poétiques sur le lyrisme chrétien qui s’épanouit à la fin de la période
The Pléiade poets, whose purpose was to revive French poetry by imitating pagan authors, didn’t show much interest in Christian matters. The few religious poems they wrote reveal their ambiguous stance when it came to the subject of christianity and poetry. Most of the aesthetic principles upheld by these writers, such as mythological inspiration or the sacralization of art, were indeed incompatible with the ethical demands of Christian poetry. However religious inspiration played an important role both in the lyric experience of each poet and in the progressive constitution of a proper Christian style. From the Olive sonnets to Jean-Antoine de Baïf’s Prieres published in 1587, the Pléiade Christian poems tackle the major debates of the second half of the 16th century : first, they call into question the profane poetry written between 1550 and 1558, but they also deal with the political crisis in the aftermath of the religious conflicts, and with the spiritual crisis triggered off by the Saint-Barthélemy massacres. Furthermore, these texts also have some specificities concerning theology, enunciation and literary genres, which are likely to enlighten the evolution of Christian lyricism at the end of the century

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Fontaine, Marie-Madeleine. "La représentation du corps à la Renaissance dans la littérature française (1530-1560) : introduction à l'étude des exercices corporels." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1998PA040311.

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Abstract:

Le regard des "antiquaires" sur les sports et jeux antiques a renouvelé aux XVe et XVIe siècles l'attention qu'on prêtait au corps. Outre l'analyse et la justification du domaine des exercices physiques, l'inévitable comparaison des jeux antiques avec les jeux contemporains a provoqué les auteurs à observer les pratiques de leur temps, à les enregistrer lorsqu'ils les ont senties en voie de disparition, et finalement, dans un premier temps, à les développer. Parallèlement, la formation physique avait toujours fait l'objet de la formation du prince et du gentilhomme dans les deux lignées médiévales des traités du prince et des ouvrages pédagogiques. Pendant une période assez brève de la Renaissance, l'étude des "bonnes lettres" s'est donc enrichie des apports d'autres disciplines comme la médecine physiognomonique, le droit, mais aussi les apprentissages techniques des exercices corporels, de plus en plus manifestes dans des traités spécifiques. En fonction du public vise, ces activités étaient à la fois liées à la vie des cours et à l'art militaire dans le choix et la formation des capitaines ou des soldats. Artistes antiquaires, pédagogues humanistes et hommes d'armes lettres ont donc momentanément uni leurs finalités sur le terrain des exercices, conscients de la valeur universelle de leur projet, souvent bien servi par le latin. Nous avons cherché à faire connaitre de nombreux auteurs concernés par cette masse de spécialités mises en commun. L'échec relatif qu'ont connu leurs efforts considérables ne signifie pas qu'une telle ambition ne soit pas fondamentalement inhérente à la pensée de l'homme sur la relation entre son âme et son corps.

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Rihawi, Fatima El-Zahraa. "Le Triomphe des Dames." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030069.

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Abstract:

Cette édition critique met en lumière un livre de la Renaissance intitulé : le Triomphe des Dames attribué à Pierre de BRINON, et édité par Osmont à Rouen en 1599. Il est question d’un traité de morale composé de douze chapitres où sont classés et célébrés les vertus de la femme. Notre étude aura pour but de commenter cet ouvrage précieux ; précieux non seulement par les acquis qu’il nous procure sur son époque, mais aussi, parce qu’il pourrait être considéré comme l’issue de cette expérience de pensée provoquée par la tension montée dans la relation entre homme et femme. L’auteur exprime par le titre même de son ouvrage, d’une part, sa volonté de se battre en faveur de la femme qui représente « l’arsenal des vertus », et d’autre part, sa certitude de vaincre son adversaire et porter son protagoniste en triomphe. Il s’agit incontestablement du Triomphe des Dames
This critique edition illustrate a book from Renaissance titled : le Triomphe des Dames entrasted to Pierre de BRINON and edited by Osmont at Rouen in 1599. The subject is a treatise of morals composed of 12 chapters where are classifyed and celebrated the woman merits in considering her like « the virtues arsenal ». Our study will have as purpose to study, to explain and elucidate this precious publication ; precious not only by the experiences and knowledge that providing us with, about its period, but also because it could be considered as the issue of this thinking experience provoked by the tension rised inside the relation between man and woman. The author specify and express, even by the title of his book, not only his voluntary and will to combat in favor of the feminine cause, but before everything his certitude to vanquish his adversary and bring his partner to triumph. It will meant certainly and related to the Triomphe des Dames

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Sabbah, Danièle. "Ecrire le seuil : le livre des questions d'Edmond Jabès : aspects d'une poétique." Paris 10, 2002. http://www.theses.fr/2002PA100117.

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Abstract:

L'auteur se propose d'élaborer quelques aspects d'une poétique, dans le livre des questions d'Edmond Jabès. Les deux premiers mouvements, dont le parti-pris est celui d'une approche analytique, examinent les phénomènes de discontinuité : perturbation de la lisibilité, multiplication des seuils, rhétorique exploratoire du vocable et de la figure, voix désancrées et contradictoires des rabbins et du "je", qui tentent un impossible passage-limite, semblent être autant de questions posées au non-sens du monde, qui commence avec l'absence de Dieu et culmine avec Auschwitz. Le troisième mouvement place Jabes au seuil de la littérature contemporaine. A partir de débris, l'écrivain reconstitue le livre dans le vertige de formes instables ; critique, ce lyrisme questionne l'acte d'écrire : émergence de la parole, tension du silence, ou encore modelé de la page. Ce dernier est soutenu d'une éthique de l'hospitalité, confiée au lecteur à venir, dans la promesse de la question entre-tenue.

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Phélippeau, Marie-Claire. "La mort et le péché dans les écrits de Sir Thomas More." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030105.

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Abstract:

Cette thèse étudie les rapports entre la mort et le péché dans les écrits de Sir Thomas More (1478–1535). L’un des objectifs est de rechercher les motivations spirituelles et non politiques qui ont pu pousser l’auteur à choisir délibérément le martyre, mais sans réduire sa vie aux mois qui ont précédé son exécution. Partant de l’évolution de la conception de la mort et du salut dans la pensée occidentale, l’analyse se propose de déterminer la position de Thomas More dans le discours pastoral de la chrétienté, et l’originalité de son propos par rapport à quelques autres humanistes du XVIe siècle, notamment dans l’élaboration des artes moriendi. Le péché, jugé mortifère suivant l’enseignement paulinien et augustinien, est étudié sous ses divers aspects dans les écrits moriens : péché originel et péché capital, péché mortel et péché véniel. Il est un sujet de polémique essentiel au moment de la lutte contre les luthériens, dans laquelle More se distingue tout particulièrement et qui fera évoluer sa position vers une plus grande rigidité. L’étude se poursuit par une exploration des représentations moriennes de l’au-delà : Jugement, enfer, diable et purgatoire. Une définition du paradis morien clôture une ultime partie consacrée à la sainteté et au martyre. La thèse avancée est que Thomas More a choisi le martyre pour être assuré de gagner le paradis, poussé par la crainte de la damnation peut-être, mais surtout mu par un exceptionnel désir du ciel perceptible dans l’ensemble de ses écrits
This study examines the relationship between death and sin in the writings of Sir Thomas More (1478-1535). It aims at better understanding the author and researching the spiritual motivations – independently of the political reasons – which may have driven him to deliberately choose martyrdom, but without reducing his life to its last months. Drawing from the evolution of the conception of death and salvation in Western thinking, the analysis endeavours to determine Thomas More’s position in Christian pastoral teaching, and to show the originality of his approach compared to that of a few other 16th century humanists, especially as regards ars moriendi. Since Paul, and then Augustine, established that sin brought death, the two concepts are analysed in relation to each other, and various aspects of sin are examined, such as original sin and capital sins, mortal and venial sins. In the fight against Lutheran ideas, the conception of sin is a polemical subject, and More, at the core of the debate, is led to harden his position on the matter. The study then explores the Morean representations of after-life : Judgement, Hell, the devil and Purgatory. A definition of the Morean paradise marks the end of the last part of this study, devoted to sainthood and martyrdom. The thesis developed here is that Thomas More chose martyrdom to be assured of a place in paradise, out of fear of damnation perhaps, but more likely, out of an exceptional longing for heaven, perceptible throughout his work

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Royé, Jocelyn. "La figure du pédant et le pédantisme de Montaigne à Molière." Paris 10, 2000. http://www.theses.fr/2000PA100023.

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Abstract:

ALORS QU'AU XVIE SIECLE LE PEDANT EST EN CHARGE DE L'INSTRUCTION DES JEUNES GENS AU COLLEGE COMME A L'UNIVERSITE, A LA FIN DU SIECLE SUIVANT, LE MOT DESIGNE TOUTE PERSONNE QUI ABUSE DE SON SAVOIR DANS SA RELATION AUX AUTRES. CETTE TRANSFORMATION SEMANTIQUE S'ACCOMPAGNE D'UNE INTERROGATION NOUVELLE SUR LE SAVOIR ET LE ROLE QU'IL JOUE SUR L'INDIVIDU ET DANS LA SOCIETE. SIMULTANEMENT, LA LITTERATURECOMIQUE REND POPULAIRE LE PERSONNAGE DU PEDANT, UNIVERSITAIRE ET SAVANT SENTENCIEUX DONT LE RIDICULE S'EXPRIME A LA FOIS DANS L'ALLURE DEGRADANTE, L'ATTITUDE DISCORDANTE ET LE JARGON ININTELLIGIBLE. FIGURE CARICATURALE DE LA DIFFERENCE ENTRE L'ETRE ET LE PARAITRE, SA PRESOMPTION EST A L'EGAL DE SON << INCIVILITE >> ET DE LA DERISION QUI L'ACCOMPAGNE. A PARTIR D'UNE OBSERVATION DU PORTRAIT DE CE PERSONNAGE, DANS L'ENSEMBLE DES OEUVRES OU IL PARAIT, ET DE L'ETUDE DE SA RELATION AU SAVOIR ET AU LANGAGE, UNE ANALYSE DU PEDANTISME S'ELABORE, EMPRUNTANT D'ABORD LES REFLEXIONS DE MONTAIGNE ET LEUR INFLUENCE SUR CE SUJET ET S'ACHEVANT AVEC L'INTERPRETATION ET LA REPRESENTATION COMIQUE QU'EN DONNE MOLIERE. ENTRE CES DEUX AUTEURS, DE NOMBREUX ECRIVAINS PLACERENT LE RIDICULE DU PEDANT ET LA CHARGE CONTRE LE PEDANTISME AU COEUR DE LEURS OEUVRES, SIGNE MANIFESTE D'UNE LITTERATURE QUI PARTICIPE PLEINEMENT AUX DEBATS, AUX POLEMIQUES ET AUX BOULEVERSEMENT DE SON EPOQUE. C'EST FINALEMENT UNE CRITIQUE DE L'ARCHAISME, DU DOGMATISME ET DE L'ARTIFICE QUI RESONNE DANS CHACUNE DES APPARITIONS DU PEDANT. CES TRAVERS DEPASSENT LE CADRE DE L'INSTITUTION SCOLAIRE ET TOUCHENT TOUS CEUX QUI, AUTEURS, SAVANTS OUSIMPLES ERUDITS, VEULENT FAIRE PREUVE D'ESPRIT. UNE VERITABLE REFLEXION SUR LE POUVOIR DU SAVOIR ET DE SON LANGAGE SE TROUVE ENGAGEE DANS LE RIRE PROVOQUE PAR LE RIDICULE PEDANTESQUE. LES MUTATIONS INTELLECTUELLES, MORALES ET SOCIALES QUI S'OPERENT AU XVIIE SIECLE PUISENT, DANS LE REPERTOIRE DES COMEDIES, DES ROMANS ET DES SATIRES, LA CRITIQUE NECESSAIRE A LEUR EXTENSION ET A LEUR CONSOLIDATION.

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Brunel, Jean. "Nicolas Rapin : étude biographique et littéraire : la carrière, les milieux, l'œuvre." Paris 4, 1988. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=https://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=JblMS01.

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Abstract:

Nicolas rapin (1539-1608) fut successivement avocat a fontenay-le-comte, sa ville natale (1562), vice-senechal en bas-poitou (1576), lieutenant de robe courte a paris (1585) et prevot general de la connetablie de france (1588). Cette carriere s'explique par l'activite militaire du personnage (d'abord en 1568-1570), par son ardeur a poursuivre les criminels, par les protections et les amities dont il a beneficie (les tiraqueau et les brisson, ses compatriotes, scevole de sainte-marthe, puis le president de harlay et j. -a. De thou), et par son habilete a exploiter les modes litteraires (traductions de l'arioste en 1572, poesie "champetre" en 1575-1583). Ecrivain "engage", representant les opinions des "politiques", il mit sa plume au service de henri 3 (pour qui il traduisit les sept pseaumes penitentiels) puis de henri 4 (collaboration a la satyre menippee). L'oeuvre de rapin et les restes de sa bibliotheque revelent en lui d'abord un humaniste, qui s'interesse a l'histoire, a la medecine, a la grammaire, a la litterature. En dehors de ses traductions, son oeuvre personnelle est variee : poesie de circonstance (nombreux tombeaux), pamphlets politiques, satire morale, vers amoureux (de la franche sexualite de la douche au platonisme de l'amour philosophe), poesie rustique : ses plaisirs du gentilhomme champestre ont ete tres populaires. Sa grande ambition fut de faire admettre la poesie mesuree a l'antique, en attenuant les exces de baif et en conciliant son systeme avec la versification traditionnelle. Mais c'est finalement dans les traductions de son cher horace, adaptees aux circonstances de l'epoque et de sa propre vie, qu'il se revele le plus pleinement lui-meme
Nicolas rapin (1539-1608) was successively a barrister at fontenay-le-comte, his native town (1562), a vice-seneschal in lower poitou (1576), a short-gowned lieutenant in paris (1585), and a provost general of the constablery of france (1588). His career may be explained by his military activity (firstly from 1568 to 1570), by his eagerness to dispense justice, by the protections and friendships which were bestowed upon him (the tiraqueaus and the brissons, his compatriots, scevole de sainte-marthe, then the president de harlay and j. -a. De thou), and by the skill which he displayed in his use of literary modes (translations of ariosto in 1572, "rural" poetry from 1575 to 1583). An "engaged" writer, representing the politiques' opinions, he undertook to serve henry 3 (by translating the seven penitential psalms), then henry 4 (by contributing to the satyre menippee). Rapin's works and the remains of his library reveal firstly a humanist, interested in history, medicine, grammar and literature. Apart from his translations, his personal works are manifold : occasional verse (numerous epitaphs), political pamphlets, moral satire, love peotry (from the straightforward sexuality of la douche to the platonism of l'amour philosophe), rustic verse : his plaisirs du gentilhomme champestre were very popular. His greatest ambition was to ensure the recognition of "poesie mesuree a l'antique", by conciliating baif's system with traditional versification. But it is in the translations of his dear

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Bocca, Lorenzo. "Les lettere poetiche et la révision romaine de la Gerusalemme liberata." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083237.

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Abstract:

Mon travail de thèse sur les Lettere poetiche repère deux grandes lignes d’enquête dans ce recueil épistolaire du Tasse. D’abord, l’analyse des positions exprimées par le poète sur la théorie de la littérature : en premier lieu en insérant ces lettres dans la réflexion poétique du Tasse, avec sa tension vers une esthétique édoniste et pédagogique, ouverte à des influences néoplatoniciennes; en second lieu en comparant les Lettres poétiques avec les traductions et les commentaires de la Poétique parus après les gloses de Rebortello de 1548, surtout les œuvres de Castelvetro et Piccolomini et les Divisioni de Trissino, ouvrages analysées minutieusement dans la lettre XII, sans oublier les réflexions de Sperone Speroni – «adversaire» direct du Tasse au temps de la révision – ou les écrits de Giraldi Cinzio et de Pigna. Mais sans doute les Lettere poetiche ouvrent un domaine plus intéressant et fécond: en suivant les indications déjà offertes par le Discorso de Angelo Solerti et le travail d’annotation et de commentaire de Carla Molinari pour l’édition moderne des Lettere poetiche, elles permettent de repérer la stratification et la superposition des interventions de correction sur un texte fluide et toujours in progress, et de comparer les lettres tant avec le texte transmis qu’avec la tradition manuscrite et imprimée. Il conviendra aussi de faire sa place à l’influence que les propositions avancées par le Tasse dans ses lettres ont eu sur l’issue d’une réécriture jamais abandonnée: plusieurs suggestions de remplacement ou de suppression proposés dans les Lettere poetiche, en effet, n’auront pas d’influence sur la Gerusalemme liberata mais seront quand même accueillies dans la Gerusalemme conquistata
My study on the Poetic letters seeks to distinguish two different paths within Tasso’s epistolary work: first, an analysis of his the poet’s points on the theory of literature, made out of a comparison between the letters and the rest of Tasso’s literary production, then opened to the coeval reflection of the Aristotelian interprets (such as Robortello, Piccolomini, Castelvetro, Speroni) and the theorists of the romance (XVI th century) of the region around Ferrara (such as Giraldi Cinzio and Pigna). But furthermore, the Poetic letters, related to the handwritten and early printed tradition of the poem, allow to identify the stratification of Tasso’s corrections on the text of the ‘Gerusalemme’, showing the continuity of a re-writing process which would often have had only the ‘Conquistata’ as a final result

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Dissertations / Theses on the topic 'Lyrisme (littérature) – 16e siècle'

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