Dissertations / Theses on the topic 'Maladies mentales – Dans la littérature – 19e siècle'

Au cours de la seconde moitié du 19eme siècle, adossée à une vision pessimiste du contexte historique, social et culturel (fin du second empire, défaite militaire, montée des classes moyennes, vulgarité bourgeoise et trivialité du naturalisme) et au développement des théories sur la dégénérescence, nouvelle forme du destin, l'idée de décadence se développe dans les esprits et la littérature. En littérature, les esprits classiques stigmatisent cette décadence aussi bien que la réaction contre elle d'un pan de la littérature contemporaine qui paradoxalement, à l'instar de Baudelaire qu'elle vénère, se revendique "décadente", c'est-à-dire s'efforce de promouvoir et de mettre en œuvre une manière de penser et une esthétique de raffinement qui, tout en étant de leur temps, seraient propres à conjurer la décadence objective de l'époque. Cette littérature voit essentiellement la décadence comme une décadence physique et mentale masculine, dont la femme serait l'instrument privilégié. Mais elle démonte aussi le mécanisme par lequel l'esprit "décadent" s'autodétruit et sombre comme de son propre mouvement dans la folie. C'est le vide profond et fatal de la femme tel que cette littérature le définit, qui donne la clé de cette psychologie de la "décadence" par elle-même
The idea of decadence developed during the second half of the 19th century based on a pessimistic vision of the historical, social and cultural context (the end of the second empire, military defeat, the rise of the middle class, bourgeois vulgarity, the triteness of naturalism) and the development of theories of degeneracy, which appears as a new form of fate. Classicists in literature condemned this general decadence and also stigmatized those in contemporary literature who, paradoxically calling themselves "decadent" in the manner of Baudelaire whom they venerated, reacted against it and sought to promote and put into practice a mode of thought and an aesthetic of refinement which, while being fully of their time, would surmount the objective decadence of the age. This "decadent" literature conceives decadence as essentially the physical and mental decay of the male, for which the woman is the prime instrument. In addition, it analyses the mechanism by which the "decadent" mind destroys itself and sinks into madness of its own motion. It is the profound and fatal void of the woman…

Qui est fou. . . Quand est-on fou. . . Ou est-on fou. . . Comment est-on fou. . . Pourquoi est-on fou. . . Lorsqu'il est question de folie dans un roman francais de la fin du 19eme siecle (1880-1900). Cette these de sociologie s'interesse au champ litteraire "fin de siecle" et tente de comprendre les raisons sociales qui font que la folie est donnee a lire dans cette oeuvre, a cet endroit et a cette epoque de telle ou telle maniere. L'analyse textuelle de six fictions a rebours et en rade de joris karl huysmans, mr venus de rachilde, le dr pascal, l'oeuvre et la bete humaine de zola nous permet de soutenir que la thematique de la folie est constitutive d'un mode de rupture et de reconquete de l'espace social. A l'encontre d'une "litterature industrielle" mercantile et populaire, l'ecriture romanesque "fin de siecle" de la folie est sociologiquement comprehensible comme une pratique dissidente qui s'oppose sur la forme (refus de la litterature de presse, creation et utilisation des revues comme cenacles) comme sur le fond (persecution de la syntaxe, sophistication des personnages) a l'orthodoxie, a la fonctionnalite et a la lisibilite du nouvel imprime bourgeois
Who is mad. . . When are whe mad. . . Where are whe mad. . . How are we mad. . . Why are we mad. . . When madness is the matter of a french novel in the nineteenth century (1880-1900). This thesis of sociology concerns the literature "fin de siecle" and tries to understand the social reasons of the folly is written in this fiction, during this period and in this way. The textual analysis of six fictions a rebours and en rade de joris karl huysmans, mr venus of rachilde, le dr pascal, l'oeuvre and la bete humaine de zola allowed us to defend the following thesis : the topic of madness is constitutive of a kind of rupture and reconstitution of social order. Against the "industrial", commercial and popular literature, writing the madness is sociologicaly understandable as a disaffected action which derogates from the orthodoxy, the functionalism and the lisisbility of the new burgess printed matter

L'objectif principal de cette etude est d'aborder les oeuvres romanesques libertines du xviiieme siecle (jusqu'a la parution des amours du chevalier de faublas de louvet de couvray en 1789) comme une interrogation sur la participation de la folie et du libertinage au devenir de l'homme dans le monde. Parce que le libertinage - comme maniere d'etre et moyen - se developpe toujours au sein d'une societe determinee et dans un rapport avec l'autre, la problematique de la folie est envisagee sous trois angles differents: une perspective sociale, une perspective psychologique et une perspective interactionnelle. En mettant en valeur la representation de la folie et les liens qui se tissent entre la maladie mentale et un certain type de relations fondees sur le systeme du libertinage, cette etude invite a mieux comprendre le phenomene libertin en tant que tel
The main objective of this study is to approach the libertine novels of the xviiith century (until the publication of les amours du chevalier de faublas by louvet de couvray in 1789), as a questioning on the involvment of madness and libertinism - way and mean of being - to the becoming of human in the world. Libertinism always developing within a determined society and in the relationship with others, the issue of madness is perceived in three different aspects : the social angle, the psychological angle and the interactional angle. Highlighting the representation of madness and the links woven between mental disease and a certain kind of relationships based on the libertine system, this study leads to a better comprehension of the libertine phenomenon itself

Au XIXème siècle, la perception de la folie évolue de façon sensible : des méthodes thérapeutiques sont déterminées, un plan architectural est arrêté, des médecins spécialistes de la folie sont nommés, une loi est promulguée. L'asile, lieu de la folie, subit nécessairement ces évolutions, et devient un lieu culturellement disponible : le peuple le visite, les romanciers l'investissent. Aux confluents de l'imaginaire collectif et des travaux aliénistes, les incursions de la littérature dans le monde asilaire se multiplient. A travers un corpus varié, cette thèse se propose d'étudier comment, entre 1870 et 1914, les écrivains mettent en place une représentation poétique de l'asile. Elle montrera comment cette poétique se forme dans l'usage commun, dans toutes les oeuvres asilaires, d'un substrat culturel et scientifique que des exigences personnelles et un travail de construction scripturale vont modifier au gré des romans. Ainsi, l'esthétique du paysage asilaire se dessine par les descriptions des lieux, par les symboles qui lui sont attachés, par la représentation de ceux qui l'habitent, mais aussi de ceux qui y officient. Se révèlent alors une typologie de l'Asile, définie par une série de paradigmes, ainsi qu'une taxinomie de l'aliéné et de l'aliéniste, et de leurs discours respectifs. A travers l'étude stylistique et rhétorique de ces éléments, une écriture asilaire se dégage, et la poétique naît de la tension entre clichés et singularité de l'écriture. L' « asile » se fera ainsi « Asile » au creux des romans
In the XIXth century, the perception of madness goes through significant evolutions : therapeutic methods are determined, an architectural plan is settled, specialists of madness are appointed, a law is promulgated. The asylum, place of madness, inevitably undergoes these evolutions, and becomes culture free scenes : people visit it, the novelists invest it. At the crossroad of collective imagination and the works of the alienists, the explorations of the literature in the asylum multiply. Through a varied corpus, this thesis deals with the question of novelists developing a poetical representation of the asylum between 1870 and 1914. It will expound how this poetics takes shape in the common sense and in the literary work, from a cultural and scientific substratum which personal requirements and work of scriptural construction will modify as novels come out. Thus, the aesthetics of the asylum?s landscape is drawing out of the descriptions of the place, the symbols attached to it, and the representation of those who live in it, but also of those who work there. A typology of the Asylum shows itself then, defined by a series of paradigms, as well as a taxonomy of the madman and the alienist, and their respective speeches. A writing of the asylum appears through the stylistic and rhetoric study of these elements, and the poetics arise from the tension between clichés and the singularity of the writing. The ?asylum? will thus be ?Asylum? in the novels

La présente thèse est une étude interdisciplinaire portant sur la représentation de la maladie psychophysique dans l’œuvre de Denis Diderot, placée dans un rapport dialectique ouvert avec les théories médicales produites par l’école vitaliste de Montpellier, vers la moitié du 18e siècle. La considération de l’organisme en tant qu’animata anatome où l’esprit se fait chair par le biais de la sensibilité, est le préalable à l’étude d’une maladie qui touche au physique et au moral à la fois et c’est aussi le premier acquis d’un renouveau épistémologique et méthodologique de la médecine opéré par les vitalistes. Les traités de notre corpus, justifié par les notes de Diderot dans ses Éléments de physiologie et également les articles de l’Encyclopédie à matière médicale, présentent des tentatives de théorisation de ce type de maladie. Dans la transcription de leurs expériences, les médecins emploient des solutions poétiques qui ouvrent le traité médical aux formes et aux modes du roman. Autant de propositions poétiques s’affichent dans les Éléments de physiologie. Diderot énonce ainsi sa science de l’homme, réfléchit sur les conséquences du déterminisme physiologique e aboutit à la conception de l’homme comme un complexe enchevêtrement de besoins et de relations. Les romans et les contes de Diderot sont le laboratoire où il interroge la complexité des rapports entre l’individu et le réel et où il pourvoit la maladie psychosomatique de fonctions narratives et esthétiques. Par la représentation vraisemblable des manifestations physiologiques maladives, il s’approprie l’observation clinique propre aux médecins, implique son lecteur dans la narration et met en question la philosophie morale classique
This thesis is an interdisciplinary study about the representation of the psychosomatic disease in Denis Diderot’s work put in an open dialectical relationship with Vitalistic medical theories from Montpellier medical school, around the mid-18th century. The notion of the organism as an animata anatome where soul is made flesh through sensibility is the precondition for the study of a disease that affects both the body and the mind. This is also the main finding proposed by the vitalists in their epistemological and methodological renewal of medicine. The treatises taken into consideration in our corpus following Diderot’s notes in Éléments de physiologie, as well as the articles of the Encyclopédie concerning medical matters, present attempts to theorize this new type of disease. By transcribing their experiences, doctors use poetic solutions that open the medical treatise to the forms and modes of the novel. The same figurative and poetic approaches can be found in Éléments de physiologie. In this essay, Diderot thus formulates his “science de l’homme”, he reflects on the consequences of physiological determinism, and he finally envisions the human being as a complex convolution of needs and relations. Diderot's novels and tales are the laboratory where he questions the complexity of the relationship between the individual and reality and he provides the psychosomatic disease with narrative and aesthetic functions. By representing sick physiological manifestations in a realistic way, Diderot appropriates the clinical observation specific to physicians, he involves his reader in the narration, and he questions classical moral philosophy

Étonnante et paradoxale présence que celle de l'œuvre dramaturgique de Sénèque aux XVIe et XVIIe siècle en France. Si l'on considère en effet les moments importants de l'histoire de la tragédie (sa naissance en 1553 et sa rénovation à la fin des années 1620), un constat s'impose : les auteurs ont puisé dans le corpus sénéquien. Cette présence ne se dément guère dans la période qui sépare ces deux moments ou dans celle qui suit le débat sur les règles. Or, force est de constater que les critiques théoriques à l'égard de son œuvre - critiques qui naissent dans la seconde moitié du XVIe siècle - se font de plus en plus acerbes au cours du temps : modèle de référence, Sénèque se voit progressivement contester ce statut sur plusieurs points qui touchent des aspects essentiels de son esthétique théâtrale : disposition trop statique, violence de ses sujets, élocution manquant de naturel. Tenter de résoudre l'énigme que constitue cette étrange présence suppose que l'on confronte les théories de l'imitation, les réflexions sur le genre de la tragédie et les caractéristiques propres au théâtre de Sénèque. L'exemplarité de ses sujets, liée à une structure propice au déploiement du verbe offrait aux dramaturges du XVIe siècle un modèle compatible avec leur objectif premier, à savoir, illustrer la langue française. Se tournant progressivement au XVIIe siècle vers la création d'une tragédie à la française, les auteurs, tout en s'émancipant de leur modèle, conservaient des éléments induisant une présence de Sénèque, même masquée. Parallèlement, la traduction de ses tragédies tendait à le réhabiliter
The influence of Seneca's drama in XVIth and XVIIth century France is both surprising and paradoxical. Between the revival of French tragedy in 1553 and its renovation in the late 1620s, authors drew on his works for their own productions, and continued to do so after the debate over the French classical rules had taken place. However, from the middle of the XVIth century onward, theorists became increasingly critical of his works. Seneca gradually lost his position as a model to be imitated and was challenged on the grounds that the constructions of his plays were too static, his subjects too violent, and his elocution too artificial. In order to answer the question of his persisting influence it is necessary to study and confront the mimetic theories of the period, the reflections on the tragic genre and the particular features of Seneca's drama. The exemplary nature of his subjects, most fitted to a copious use of language, was considered by XVIth dramatists as a model that was fully compatible with their ambition to illustrate the French language. During the XVIIth century, as they undertook to create a distinctly French tragedy, the dramatists continued to make use of some elements that testified to Seneca's enduring (if sometimes concealed) presence. He was also being restored to favour by the translation of his tragedies

Cette thèse retrace l'ensemble des termes utilisés au cours du 17ème et du 18ème siècle qui allaient être reconnus comme des formes d'hystérie dès le début du 19ième siècle. Elle passe en revue les formes d'écritures utilisées par les médecins pour donner une idée de la maladie en dépit de ses manifestations contradictoires. Elle considère l'identification d'une série de symptômes et analyse les relations de pouvoir entre médecins et patients. Ce travail tente d'identifier le rôle des discours qui définissent et déplacent la notion d'hystérie, tandis qu'elle est utilisée comme catégorie médicale, comme diagnostic, comme métaphore ou dans une visée littéraire. Cette catégorie est dès son élaboration le prétexte de constructions politiques, morales, et anthropologiques. La recherche repose sur des sources françaises et anglaises de genres et disciplines variées: traités, journaux, manuscrits, et cours de médecine, ouvrages de morale, pamphlets, pièces de théâtre, contes, et romans
My work begins with a study of terminology, retracing terms used during the eighteenth century to discuss what would eventually be recognized as hysteria. I t studies doctors' formation of symptoms into a category and efforts to convey an idea of hysteric maladies despite their contradictory expressions. It delves into how power relationships structure encounters between doctors and patients. It analyzes physicians' writing strategies and employ of literary genres. It regards the use of hysteria as a pretext for theorizations around class, sexual difference, geography, and race, and its invocation during the crisis of the Convulsionaries and French Revolution. In theatrical pieces, fables, and anecdotes, symptoms function as a system of signs. In novels, pathology is used to contrast conflicting interpretations of expressions and interrogate representation. French and English medical, political, philosophical and literary texts constitute the corpus of this study

La thèse étudie les caractéristiques linguistiques, philosophiques et esthétiques du langage littéraire du fou à l'époque romantique. Elle porte sur Les Élixirs du Diable (Hoffmann, 1815), La Fée aux Miettes (Nodier, 1832), le Journal d'un fou (Gogol, 1835), La Sylphide (Odoïevski, 1837) et Aurélia (Nerval, 1855). D'autres récits sont convoqués plus ponctuellement, comme Les Veilles (Bonaventura, 1804) ou Louis Lambert (Balzac, 1832). Le fou est un être problématique : il est à la fois inférieur à l'homme sain et habité par une inspiration divine. Ce paradoxe trouve une actualité nouvelle dans la première moitié du XIXe siècle. D'une part, le développement de l'aliénisme tend à définir médicalement les pathologies mentales. D'autre part, la naissance de la littérature fantastique promeut la figure de l'artiste fou. Le fou, lorsqu'il prend la parole, interroge l'écriture autobiographique et redéfinit le moi, l'espace et le temps. Son discours présente des enjeux pragmatiques : le fou cherche à démontrer qu'il n'est pas fou, face à une société qui le condamne. Il cherche également à transmettre une vérité. Sa langue sert alors à décrire les forces mythiques qui traversent le monde et, peut-être, à le recréer. La notion de création est essentielle. L'âge romantique modifie la définition de la littérature, qui perd sa fonction représentative au profit d'une fonction purement langagière. Le discours du fou participe à la fondation de cette nouvelle esthétique : il l'instaure dans un geste critique qui interroge sa légitimité. Impossible et impensable, il incarne la « parole muette » (J. Rancière) que devient la littérature moderne
The thesis studies the linguistics, philosophy and aesthetics of literary language of the madman in the Romantic era. It focuses on The Devil's Elixirs (Hoffmann, 1815), The Crumb Fairy (Nodier, 1832), The Diary of a Madman (Gogol, 1835), The Sylph (Odoevsky, 1837) and Aurelia (Nerval, 1855). Other narratives are more promptly summoned, as The Night Watches (Bonaventura, 1804) or Louis Lambert (Balzac, 1832). The madman is a problematic being: he is both unhealthy and inhabited by a divine inspiration. This paradox finds a new relevance in the first half of the nineteenth century. On the one hand, the development of Alienism tends to define mental pathologies from a medical point of view. On the other hand, the birth of the Fantastic promotes the figure of the mad artist. The Madman, when he speaks, questions autobiographical writing and redefines the Self, Space and Time. His speech has pragmatic issues: the madman seeks to demonstrate that he is not mad, in a society which condemns him. He also endeavours to convey a truth. His language is then used to describe the mythical forces that travel the world and, perhaps, to recreate it. The notion of creation is essential. The Romantic era modifies the definition of literature, which loses its representative function in favour of a purely linguistic function. The speech of the madman takes part in the founding of new aesthetics: it creates it in a critical gesture that questions its legitimacy. Impossible and unthinkable, it embodies the "silent speech" (J. Rancière) that becomes modern literature

Le but de notre travail a été de comparer trois auteurs de langue différente appartenant au XVIIe siècle: Shakespeare, Calderon et Corneille. Nous avons voulu montrer que leurs œuvres théâtrales présentaient des traits d'une esthétique baroque, dépassant ainsi l'image établie d'un Corneille classique. Nous avons choisi un des aspects qui nous parait le plus représentatif du baroque théâtral: la folie. La thématique de la folie nous a ainsi permis d'examiner, sous un angle linguistique, stylistique et littéraire, plusieurs caractéristiques communes ou divergentes à ce théâtre anglais, espagnol et français. Nous nous sommes tout d'abord attachée à l'idée que, chez ces trois auteurs, certains personnages manifestaient un désir démesuré de pouvoir et de domination représentant sur la scène un des aspects fondamentaux de cette folie, que nous avons nommé un "défi prométhéen". A partir de là, nous avons pu constater que l'expression linguistique et stylistique de la folie ne passait pas forcement par un langage hyperbolique mais, de manière paradoxale, par un langage de raison. Notre réflexion s'est alors portée sur la folie amoureuse, et plus particulièrement sur la jalousie, qui, elle, symbolise un baroque dionysiaque, en exhibant et montrant, sur le mode tragique ou comique, la violence de la passion. Enfin, nous avons vu que la folie pouvait présenter des signes cliniques et pathologiques et traduire ainsi un désordre spirituel et somatique, faisant l'objet de descriptions minutieuses de la part des auteurs. Cette étude nous conduit par conséquent à dire que le topos de la folie reflète parfaitement un baroque théâtral aux multiples visages dans les œuvres de Shakespeare, Calderon et Corneille
The purpose of this study was to compare three authors writing in different idioms, all three belonging to the XVIIth century: Shakespeare, Calderon and Corneille. We tried to show that their theatrical works offer the features of a baroque aesthetics, refusing consequently the image of a classical Corneille. We choosed one of the aspects which represents the best the baroque in the theater: madness. The theme of madness leaded us to examine, in a linguistical, stylistical and literary point of view, some characteristics common or divergent between this English, Spanish and French theater. First, we began to point out in these three authors that some characters were having an unbounded desire of power and domination, representing on stage what we called "a Prometheus challenge". From this point, we established that the linguistical and stylistical expression of madness was not necessarily appearing with an hyperbolical language but, paradoxically, with a rational language. We studied then the madness of love, and more particularly jealousy, which symbolizes a DionysiaC baroque, producing, in the tragedy or the comedy, the violence of passion. Finally, we saw that madness could present clinical and pathological signs and symbolize therefore a spiritual, somatical and macrocosmical disorder, described with precision by the three authors. In conclusion, this work shows that the topic of madness perfectly reflects a theatrical baroque with different faces in the works of Shakespeare, Calderon and Corneille

Si la folie, au sens le plus large, nous parait incontestablement gagner a etre saisie comme un phenomene relationnel, on ne s'etonnera pas de la voir inscrite dans le domaine du theatre, lui-meme definissable comme un phenomene relationnel a plusieurs titres. Ou situer, en effet, une "essence" du theatre, sinon dans la capacite de cet art a tisser, plus que tout autre, instantanement - et meme toujours dans l'urgence, s'il veut survivre - des liens ? mais folie et theatre, tous deux phenomenes relationnels, peuvent alors paraitre antithetiques, la premiere signifiant l'alteration du lien, le deuxieme ayant pour necessite vitale de le nouer. . . La folie poussee jusqu'au bout n'est elle pas desagregation? le theatre, communion ? or ce paradoxe, loin d'avoir eloigne la folie de la scene, nous semble au contraire associer ce "theme" aux plus intimes exigences du fonctionnement theatral : notre intuition est que la folie ne rencontre pas le theatre, comme d'autres "themes", a titre anecdotique, mais que la folie ne peut manquer de rencontrer le theatre car elle lui lance un defi qui le touche au coeur de ce qu'il est. . . Et cela, avec d'autant plus d'insistance que le theatre est dans une epoque de doute sur son identite, sa fonction, son devenir. La scene parisienne du debut du xxeme siecle a la crise de 1968 offrait pour approfondir l'etude de la solidarite entre folie et theatre, un bon terrain d'observation et un fertile terreau d'experiences diverses, paris demeurant durant toute cette periode, la capitale des arts du spectacle, et pour cette raison, beneficiant de l'apport du meilleur repertoire europeen
If madness, in its widest sense, is indisputably better understood when it is considered as a relational phenomenon, we should not be surprised by its frequent manifestation in the theater, itself definable as a relational phenomenon in several respects. Where, in effets, can one find the theater's "essence" if not in its capacity, greater than of any other art form, to weave relationships instantaneously or with the greatest urgency when its survival is at stake ? however, madness and theater, both being relational phenomena, can then apppear to be antithetical if the former means alteration of the relationship whereas the latter's very existence depends on the relationship's cohesion. Is madness pushed to the limit not a kind of disintegration ? is the theater not, on the other hand, a communion of sorts ? this paradox, then, instead of removing madness from the stage, seems to link the theme of madness most intimately with the theater, our intuitive deduction being that madness and he theater do not come together on an anecdotal level, as do other themes and the theater, but that madness and the theater cannot avoid converging since the challenge that madness poses for the theater strikes it at its very heart, especially now, at the end of the twentieth century, when th theater's identity, function, and future have never seemed more uncertain. The parisian stage from the beginning of the twentieth century to the crisis of 1968, viewed in retrospect, is now seen as fertile ground for experimentation that only further strengthened the relationship between madness and he theater. During this whole period of time, paris remained the capital of performing arts, thus benefiting from the best of european theatrical repertories

La présente recherche étudie les romans de la trilogie de Jorge Volpi ( En busca de Klingsor, El fin de la locura et No será la Tierra) sous l'angle des relations entre le Savoir et le Pouvoir. Nous nous proposons de démontrer que l'auteur mexicain, sous l'influence des travaux de Michel Foucault sur les liens unissant le couple savoir-pouvoir, a bâti une trilogie mettant en relief les rapports étroits et paradoxaux entre ces deux notions qui, tout au long de ces trois romans, s'entrecroisent et s'inversent l'une l'autre jusqu'à converger vers leur exacte antithèse, la folie. Tant dans les conflits opposant " les hommes de savoir " – les scientifiques et les intellectuels – au pouvoir politico-économique que dans les strates les plus intimes de la psyché de l'individu – dans ses rapports aux autres et à soi-même –, ou au cœur même de sa conception et de sa pratique de la littérature, nous avons pu constater que Jorge Volpi revisite les concepts de savoir et de pouvoir par le prisme de la folie : tout au long de cette œuvre, les relations de savoir-pouvoir conduisent à la folie qui est elle-même source d'un autre mode de savoir-pouvoir, à la fois insondable et incontrôlable, pour lequel Volpi semble ressentir une profonde fascination
This thesis examines the novels that compose Jorge Volpi's trilogy (En busca de Klingsor, El fin de la locura et No será la Tierra) from the perspective of the relationships between Knowledge and Power. The study demonstrates that the Mexican author, under the influence of the works by Michel Foucault on the links unifying the notions of Knowledge and Power, built a trilogy that highlights the close and paradoxical relationships between these two concepts, which intersect and inverse throughout these three novels, until finally converging in their exact antithesis, madness. Whether it be in the conflicts opposing "men of knowledge" — the scientists and the intellectuals — to the politico-economic power, or in the most intimate strata of an individual's psyche — in one's relationships with others and with oneself —, or even at the very heart of his conception of literature and in his own writing, this study reveals that Jorge Volpi revisits the concepts of knowledge and of power through the prism of madness. Throughout his work, the knowledge-power relationships lead to madness which is itself the source of another form of knowledge-power, both unfathomable and uncontrollable, for which Volpi seems to feel a deep fascination

Cette thèse se propose d’étudier les récits de fiction de la seconde moitié du XIXe siècle qui illustrent l’idée selon laquelle la « maladie est l’état naturel du chrétien ». Les affinités électives entre religion et pathologie intéressent à la fois les auteurs réalistes et naturalistes (Émile Zola, les Goncourt, Alphonse Daudet, etc.) qui envisagent la croyance dans une perspective polémique de démystification, voire de médicalisation ; et les écrivains catholiques (Barbey d’Aurevilly, Léon Bloy, J.-K. Huysmans, Émile Baumann) qui remotivent le sens spirituel des afflictions physiques. La mise en regard d’œuvres rassemblées autour d’une unité thématique – le spectacle d’un croyant malade – mais relevant d’esthétiques et de courants de pensée dissemblables permet d’étudier la manière dont la représentation littéraire cristallise les débats de l’époque au sujet du christianisme, tout en faisant émerger des problématiques communes à des auteurs que la critique a coutume d’envisager sous l’angle restrictif de leurs oppositions. Il s’agit de mettre en lumière les relations d’influences réciproques entre des écrivains qui, par-delà leurs divergences, fondent leur représentation du religieux sur un même imaginaire pathologique et sur une même poétique de l’incarnation. Ce travail entend montrer comment le renouvellement du sentiment religieux – que ce soit dans une perspective apologétique ou au contraire critique – passe par une écriture du corps souffrant, malade ou en proie à des troubles psychophysiologiques mystérieux. Ce dernier est le lieu et l’enjeu d’une réflexion sur la foi, sur le système de pensées et de croyances du christianisme et sur les institutions ecclésiastiques
This dissertation analyzes fictions that, in the second half of the 19th century, illustrate the idea that "sickness is the natural state of a Christian". The elective affinities between religion and pathology interest both realist or naturalistic novelists (such as Émile Zola, the Goncourts, Alphonse Daudet, etc.), whose polemical view aims at demystifying or even medicalizing beliefs, as well as catholic writers (Barbey d’Aurevilly, Léon Bloy, J.-K. Huysmans, Émile Baumann), who emphasize the spiritual meaning of physical afflictions. The parallel between fictions that are all based on the spectacle of a sick believer, but engage contrasting writing styles and currents of thought, shows how much literature crystallises the debate that is going on at the time about Christianism. It also uncovers a point of commonality between writers that critics are used to consider under the restrictive perspective of their opposition. This study aims to highlight the mutual influences that link together several writers who, beyond their differences, base their representation of religious feelings on the same pathological imaginary and the same poetics of incarnation. We argue that the renewal of religious feelings, whether it's in an apologetical or critical perspective, relies on the description of a body which suffers pain, sickness or mysterious psychophysiological disorders. Ultimately, the body conveys considerations about faith, Christian ideology and beliefs and ecclesiastic institutions

Les romans de Muriel Spark confrontent le lecteur avec un paradoxe : ses récits se concentrent sur les absurdités de la vie, alors qu'un grand nombre de ses personnages proclament leur foi catholique. Ses intrigues reposent sur l'irrationalité du comportement humain. Hommes et femmes, apparemment peu soucieux de leur sort ultime inéluctable, se laissent conduire par leurs passions et leur sexualité, menant des vies vides de sens, dans un monde qui porte le sceau de l'imperfection. Ils se heurtent a l'incompréhension, quand ce n'est pas l'hostilité, de leurs semblables et s'absorbent dans la recherche d'une vérité toujours fuyante. Pendant ce temps, le monde est soumis a la souffrance, aux maux sociaux, a la guerre et a la mort. Le mal est l'oeuvre du diable, qui emprunte les traits humains, ou de plus en plus fréquemment le fait des hommes seuls. Tout d'abord imprégnée d'un sentiment religieux et de l'étrange, l'oeuvre de Mrs Spark, qui passe de la comédie a la tragédie et inclut même le gothique, se fait progressivement moins chrétienne et plus absurde. Les romans reflètent un monde profondément casse et offrent, en un style original et dépouille, une fresque frappante de la condition humaine. L'art, toujours au coeur des thèmes sparkiens, a remplace la religion comme valeur transcendantale et antidote de l'absurde
Mrs Spark's novels present the reader with a paradox: her stories focus on the absurdities of life, and yet many of her characters proclaim their christian - i. E. Roman catholic - beliefs. Her plots centre around the irrationality of human behaviour as men and women, apparently oblivious to their ineluctable ultimate fate, let themselves be driven by their passions. They live routine, empty lives dominated by sex in an imperfect world amidst uncomprehending, and as often as not hostile, fellow human beings. They spend much time and energy trying to avoid their fate or grappling with the problem of truth: meanwhile, the world is prey to suffering, social evils, war and death. Evil is the work of the devil acting under the guise of men, and increasingly of men alone. Indeed, at first imbued with religiosity and the uncanny, her fiction, which ranges from comedy to tragedy and even accommodates the gothic, has gradually become less christian and more absurd. Her novels reflect a deeply fractured world and stand in their unmistakable terse style as stark statements of the human condition. Art, a central theme in the novelist's work, has replaced religion as a transcendental value and as an antidote to the absurd

Sur la base d’un examen combiné d’ouvrages médicaux, scientifiques, littéraires et critiques, ce travail développe une généalogie transnationale de la notion de Nervenkunst (« art des nerfs »). À partir d’une reconstitution des origines françaises des discours sédimentés dans cette catégorie (ainsi que de leurs sources prérévolutionnaires et antiques), on démontre que l’idée d’un lien génétique entre l’écriture et le système nerveux, dont on a fait jusqu’ici une particularité de la littérature autrichienne des années 1890, peut-être une préfiguration de la psychanalyse, constitue, en réalité, l’aboutissement d’un système d’échanges et de transformations échelonnés sur plusieurs siècles, et dont les trajectoires convergent à l’époque du naturalisme. La première partie est consacrée à l’invention des « nerfs modernes », soit à une histoire culturelle des imaginaires du système nerveux avant et après 1789. La deuxième partie décrit la formation d’une idée de l’écrivain des nerfs à l’époque du Second Empire et de la Troisième République naissante (à partir notamment de l’œuvre des frères Goncourt). La troisième partie s’interroge sur la germanisation de ces contenus : comment tout cela est passé dans les pays de langue allemande entre 1870 et 1890, à un moment où les rapports avec la France étaient problématiques ? La réponse passe par un système de transferts et de regards croisés qui implique l’Autriche et la Scandinavie
Based on a cross-examination of medical, scientific, literary, and critical materials, this work attempts a transnational genealogy of the concept of Nervenkunst (“art of the nerves”). Through a historical reconstruction of the French origins of the discourses that coalesce in that category (and a survey of their prerevolutionary and ancient sources), our research proves that a genetic connection between the writer’s craft and the nervous system is neither a peculiarity of Austrian literature in the 1890s nor a premonition of psychoanalysis, but the product of a system of exchanges and transformations that span several centuries, to converge in the years of early Naturalism. The first part chronicles the invention of “modern nerves”; in other words, it offers a cultural history of the neurological imagination before and after 1789. The second part describes the genesis of an idea of the nervous author during the Second Empire and the early Third Republic (focusing on the work of the Goncourt brothers and their entourage). The third part deals with the germanization of these originally French contents: how did these notions take root in the German-speaking world at a time (1870-1890) when Berlin’s relations with Paris were problematic at best? The answer lies in a system of cultural mediations and mutual perceptions that involves, among other things, Austria and Scandinavia

Figure obsédante de l’imaginaire collectif, le fou a longtemps été chargé de significations qui le dépassent ; le mythe de la folie fait recette sur la scène littéraire mais les malades n’en sont que des figurants. Alors que le fou réel est maintenu dans les marges de la littérature comme de la société, le fantasme culturel de la folie est nourri et modelé au XIXe siècle par la littérature romantique ou fantastique et exalté au début du siècle suivant par les avant-gardes historiques. Un certain nombre de textes de romanciers du XXe siècle, parmi lesquels Georges Duhamel, André Baillon, Julien Green, Henry de Montherlant ou encore Alexandre Vialatte, mettent au contraire en œuvre un décentrement du regard littéraire de la folie vers le fou – du mythe à l’individu. Ce sont les modalités et les logiques de cette émancipation de la figure du fou et de son affirmation comme sujet – au sens de thème comme de subjectivité – autonome dans l’espace romanesque que ce travail s’applique à éclairer. Ces récits fictionnels qui font de la conscience aliénée à la fois le foyer et l’objet principal de la narration mettent en scène une folie presque familière, où l’idéalisation cède le pas à la représentation de troubles intimes et ordinaires, qui atteignent un personnage banal menant une existence modeste. Par leurs affinités sémantiques, syntaxiques et pragmatiques, ils forment un « sous-genre » romanesque, celui des "histoires de fous". L’enjeu de cette thèse est de déterminer le répertoire générique de ces romans tout en examinant la manière dont la folie interroge les moyens et les pouvoirs de la fiction romanesque. Il s’agit également de mettre au jour ce que la littérature nous aide à comprendre de cet impensable, envers de l’expérience partagée de la raison, et d’observer comment les romanciers contribuent à refléter tout autant qu’à remodeler les formes de cet objet social et culturel
Haunting our collective imagination, the madman has always been laden with symbolic significance. The myth of madness is abundantly present in literature, however those characters with an actual mental illness are ultimately overshadowed. While mental patients are pushed to the margins of literature, just as they are pushed to the outskirts of society, this particular cultural legend of madness develops during the nineteenth century in Romantic and fantastic literature and stays in the spotlight at the beginning of the following century through the avant-garde artists. In contrast to the aforementioned representation of madness, a number of novelists of the twentieth century, including Georges Duhamel, André Baillon, Julien Green, Henry de Montherlant or Alexandre Vialatte, brought on a literary shift away from “madness” towards “the madman” – from the myth to the individual. The focus of this piece of work is on the modality and logic leading to the emancipation of the figure of the madman and its affirmation as an autonomous subject – in every sense of the world – in the literary field. These fictional stories, where the alienated consciousness is both the focus and the main subject of the narrative, present the reader with an almost familiar madness. They don’t idealize insanity but provide representations of almost ordinary disorders, which affect a banal character living a modest life. Through their semantic, syntactic and pragmatic preferences, these stories form a fictional “sub-genre”, called “histoires de fous”. This research aims at determining the generic features of these novels and at considering the way madness questions the means and powers of fiction. Another purpose is to shed light on how literature helps us understand this inconceivable experience, which represents the other side of the commonly shared human experience of reason and logic, and to study how novelists help to reveal as well as reshape the characterization of this social and cultural topic

Steven Berkoff a toujours prôné un univers théâtral spécifique au sein duquel la rupture jouerait un rôle central. Si l'on considère son répertoire théâtral on constate d'emblée que ce principe est à l'oeuvre systématiquement. Le dramaturge illustre sans relâche cette pensée selon laquelle "Art should not ever begin to express some balanced thing, art is schizophrenic". L'emploi d'un tel adjectif par le dramaturge oriente irrésistiblement la lecture de son théâtre. C'est la raison pour laquelle cette étude s'attachera à démontrer que le théâtre berkovien affiche à bien des égards des similitudes avec l'univers schizophrénique. La mise en scène, la langue, le jeu des acteurs ainsi que les thématiques retenues (en particulierr les pensées eschatologiques) participent à l'émergence d'un théâtre de la rupture voire d'un théâtre "schizophrénique". Afin de mettre à nu cette exigence esthétique particulière ce travail adoptera une scansion en trois temps. Il s'agira d'abord d'étudier l'oeuvre berkovienne prise dans un "processus de filiation" et de se livrer à une analyse classique des contenus. La langue sera ensuite au coeur des interrogations. Une étude de l'intertextualité permettra de montrer son fonctionnement et sa dualité. Une lecture stylistique viendra complèter ce regard linguistique. Enfin le théâtre de Steven Berkoff sera lu à travers une grille plus sociale. Son parcours artistique sera analysé en fonction de paramètres biographiques et stratégiques. Cette triple lecture résolument pluridisciplinaire montrera la polymorphie de la rupture dans le théâtre de Steven Berkoff
The @theatre of Steven Berkoff is based on a central notion that of rupture, this distinctive feature is certainly one of the most remarkable staples of his theatre. Moreover the playwright was once quoted as saying " art should not ever begin to express some balanced thing, art is schizophrenic ". This statement legitimates and justifies this attempt at defining his theatre according to this principle. The similarities between schizophrenia and Berkoff's theatrical world are striking and numerous. Thanks to several immutable theatrical and linguistic rules Steven Berkoff has elaborated an aesthetics of rupture. His theatre is a portrait of the world of the schizophrenic along with a provocative commentary on modernist and postmodernist culture. A threefold approach has been chosen in this work. First we will study the different influences which have shaped Berkoff's theatre. Then we shall focus attention on the notion of world catastrophe which is of primary importance in his plays. A second part will deal with language and its main features. In the last part we will first survey the way in which Steven Berkoff treats sexuality and violence and then concentrate on Steven Berkoff himself and his ambivalent relationships with the journalists

Cette thèse examine les pièces du théâtre dit « freudien » ou « psychanalytique » en Espagne, telles que Sinrazón d’Ignacio Sánchez Mejías, Trance de Cipriano de Rivas Cherif, Dr. Death de 3 a 5 de Azorín, entre autres. Il s’agit de rendre compte de la présence du fou-malade dans un large panorama théâtral de l’époque, conditionnée par l’émergence du freudisme en Espagne qui vient renforcer un attrait pour la psychologie des profondeurs initié au tournant du siècle par le symbolisme, comme mode de représentation. Ce travail tente de sonder les influences qui façonnent cette figure et d’analyser comment le débat culturel qui agite la société espagnole des années 1920 se reflète au théâtre et, comment ce dernier peut lui-même faire avancer le débat. Au sein de ce questionnement éthique et existentiel, qu’impliquent, dès lors, les choix de représentation du fou sur les planche espagnoles ?
This thesis analyses Freudian or psychoanalytic drama plays in Spain such as Sinrazon by Ignacio Sanchez Mejias, Trance by Cirpiano de Rivas Cherif, Dr Death de 3 a 5 by Azorin among others.. It accounts for the presence of the lunatic in a large theatrical panorama of that time, such presence being conditioned by the rise of Freudianism in Spain which strengthens the attractiveness of deep psychology used for the first time at the turn of the century by symbolism as representation mode. This work attempts to provide perspective on the different influences which shape this figure,to analyse how the cultural debate within Spanish society in the 1920's is reflected in drama and how drama itself can take this debate forward. At the core of this ethic and existential questioning, what do the choices of representation of the lunatic on Spanish stages thus imply ?

Cette thèse se concentre sur le discours sur la folie dans le Livre Rouge de C.G.Jung, tout en interrogeant les circonstances qui ont donné lieu à sa production. L abiographie de Jung est étudiée pour cerner les ruptures et les continuités dans son vécu intérieur et extérieur jusqu’à la période de crise transcrite dans le Livre Rouge (1913-1930), puis est démontrée la non-scientificité des divers diagnostics faits à son encontre. L’étude de la narration du Livre Rouge donne lieu à l’établissement d’une typologie de la folie dans son discours, constituée de deux folies profanes et d’une folie dite « divine », cette dernière étant associée à la logique de transformation de la personnalité plus tard théorisée sous le terme d’individuation. Une relecture de la crise personnelle de Jung est ainsi proposée, indiquant que son expérience relèverait bien plutôt d’une souffrance inhérente au mouvement psychique qu’il décrit sous le terme de métanoia et, intrinsèques à cette dernière, d’une quête religieuse et d’un vécu conscient de la fonction créatrice de l’inconscient. Une analyse littéraire comparative avec des productions d’auteurs contemporains de Jung, Hermann Hesse, Hermann Broch et Gustav Meyrink, démontre la présence de nombreuses similitudes significatives entre ces différents discours
This thesis focuses on the discourse on madness in C.G. Jung’s Red Book, and questions the hypothesis of Jung’s madness. The study of Jung’s biography establishes the breaks and continuities in his inner life up to the period which is reflected in the Red Book (1913-1930), and the lack of scientific foundation of the various diagnoses made about him is demonstrated. The study of the Red Book’s narrative leads to the establishment of a typology of madness, comprised of two profane madnesses and one “divine madness” – the latter is linked to the logic of transformation of personality, which Jung later theorized as “individuation”. A new reading of Jung’s personal crisis is thus suggested, which shows that his experience was in reality an experience of suffering inherent to the psychical movement he later describes as “metanoïa” and an experience of religious quest and conscious living of the creative function of the unconscious. A literary comparative analysis with novels from authors contemporaneous with Jung, Hermann Hesse, Hermann Broch and Gustav Meyrink, shows the presence of a number of significant similarities between these different discourses

Au début des années soixante, le thème de la folie fait simultanément irruption dans les sciences sociales et dans la littérature. Les modalités discursives, les enjeux philosophiques et sociaux divergent autour de la question antipsychiatrique. Étude de littérature comparée, l'analyse d'un corpus de neuf romans écrits par des écrivains français (Marguerite Duras, Roland Topor), américains (Ken Kesey, Sylvia Plath), anglais (Jennifer Dawson), dominicain (Jean Rhys), néozélandais (Janet Frame), marocain (Tahar Ben Jelloun) et portugais (Antonio Lobo Antunès) permet une appréhension large et contextualisée des formes que revêt l'antipsychiatrie dans l'écriture romanesque. Ainsi, Faces in the Water de Janet Frame et The Ha-Ha de Jennifer Dawson (1961), One Flew over the Cuckoo’s Nest de Ken Kesey (1962), The Bell Jar de Sylvia Plath (1963), Le Ravissement de Lol V. Stein de Marguerite Duras et Le Locataire chimérique de Roland Topor (1964), Wide Sargasso Sea de Jean Rhys (1966), Moha le fou, Moha le sage de Tahar Ben Jelloun (1978) et Conhecimento do Inferno d’Antonio Lobo Antunes (1980) sont analysés à la lumière des recherches psychiatriques (Szasz, Cooper, Laing...), sociologiques (Goffmann, Anderson...) et philosophiques (Foucault, Derrida, Baudrillard...) de l'époque pour tracer les contours de ce que ce temps précis nomme "folie". Obsessions particulières et motifs traditionnels de la folie convergent au sein de ces œuvres en une poétique de la fugue, plus encore, en une esthétique de la fuite
In the early sixties, the theme of madness suddenly became a prominent subject in both social sciences and litterature. Whether as discursive pratice or philosophical and social issue, there was considerable divergence in and around the anti-psychiatric mouvement. A comparative study of a body of litterature composed of nine novels by French, American, English, Dominican, New-zealander, Moroccan and Portughese writers allows a broad and contextualized comprehension of the various treatements of anti-psychiatry in contemporary litterature. Thus, Faces in the Water by Janet Frame and The Ha-Ha by Jennifer Dawson (1961), One Flew over the Cuckoo’s Nest by Ken Kesey (1962), The Bell Jar by Sylvia Plath (1963), Le Ravissement de Lol V. Stein by Marguerite Duras and Le Locataire chimérique by Roland Topor (1964), Wide Sargasso Sea by Jean Rhys (1966), Moha le fou, Moha le sage by Tahar Ben Jelloun (1978) and Conhecimento do Inferno by Antonio Lobo Antunes (1980) are analized from the point of view of psychiatry researches (Szasz, Cooper, Laing...) sociological (Goffmann, Anderson...) and philosophical reflection (Foucault, Derrida, Baudrillard...) in order to trace the outline of what that historical moment called 'madness'. Punctual obsessions and traditional definitions converge in these works to create a poetic of runaway, moreover, an aesthetics of escape

Comment un poète illustre de son vivant, un dramaturge non joué jusqu'en 1847, sifflé à l'Odéon, est-il devenu l'un des auteurs de théâtre les plus représentés au XXe siècle, en même temps qu'un poète dédaigné, tout au moins tombé en désuétude ? Parfois qualifiés d'illisibles, ses vers sont aujourd'hui souvent considérés comme les manifestations littéraires anecdotiques d'un éternel enfant, tout justes bonnes à émoustiller les jeunes filles. On ne s'intéresse guère de nos jours qu'à sa dramaturgie, avec "Lorenzacio" en point de mire ou encore aux approches biographiques d'un poète perçu comme parangon de l'enfant du Siècle. Peu de publications s'attachent à envisager les diverses manifestations de son mal-être dans l'écriture poétique, théâtrale et au coeur de sa prose. Mais au-delà des querelles et des partis pris littéraires, des jugements passionnés, une caractéristique demeure : la dualité de son expérience amoureuse. L'amour, point de jonction entre le poète et l'homme, résonne à la fois comme une sublimation des atermoiements de l'existence par la sacralisation de l'écriture et comme une composante radicale du mal du siècle. Cette disponibilité originelle semble chez Musset présider à l'état amoureux comme à l'acte créateur, qui s'unissent pour bâtir un étrange monument littéraire, à une époque où le romantisme tend à délaisser le voile de l'idéalisme pour s'adonner à "la curiosité du mal" que consacrera Baudelaire. Entre le châtiment de la femme et sa sublimation esthétique, au-delà de l'expérience par-delà Bien et Mal du divin et de la mort, Musset rêve d'une épuration dans la souffrance qui fondera l'une des plus douces, certains diront surannées, poétiques du coeur au sein du panthéon français. La psyché de l'homme moderne, deux siècles plus tard, dans ses interrogations sur le monde et la place qui est la sienne, son rapport au divin et à l'Autre, la dialectique de l'individuel et de l'universel, dans son indéracinable idéalisme, se fait l'écho des tourments de "l'Enfant du Siècle" et de sa quête d'un antidestin dans l'écriture...