Academic literature on the topic 'Matisse, Henri (1869-1954) – Critique et interprétation'

L'attention portée aux dits, écrits et oeuvres de Monet, Cézanne, Van Gogh, Matisse montre que lorsque le sensible devient le problème même de la peinture, apparaissent conjointement une poiétique des sensations et une composition spécifique modifiant la compréhension du sentir et celle du re-sentir artistique. Il faut donc fonder théoriquement mais aussi affiner au contact de chaque oeuvre la thèse selon laquelle l'organisation de l'affectivité s'ancre dans le chiasme de la temporalité et de la corporéité et produit une contexture. Une explication préalable de l'affectivité comme dimension de l'existence analyse ses modalités (sensation, sentiment, motif, humeur, directions de sens, tonalité affective générale) et dégage l'idée d'un champ affectif dynamique. Dès lors est élucidé comment l'art en tant qu'il dévoile et fait fonctionner l'organisation de l'affectivité en réalise la transformation par création de sensations, affects, percepts, trans-sensibilité au sein d'une contexture comme agencement toujours en acte des éléments-événements (temporalisation, spatialisation, coloration, lumination, formation de formes, de trajets de lignes, de vrillements et matérialités de touches, de signes expulsant des choses). Des monographies distinctes mettent en valeur la chromogenèse, l'instantanéité et l'extension de l'univers chez Monet, le passage du chaos à l'organisation des sensations colorantes menant à la logique du pli de l'expulsion de la lumination chez Cézanne, l'intensité et l'extase chez Van Gogh, la sur-face chez Matisse. A chaque fois la double compréhension de la logique ou culture des sensations comme fondement et de la temporalité de l'organisation de la contexture avec ses schèmes spécifiques nécessite une approche et un vocabulaire appropriés car l'art en inventant la corporéité transforme l'ensemble de notre façon d'exister dans le monde
The study of the words, writings and works of Monet, Cezanne, Van Gogh and Matisse shows that when the tangible world becomes the main concern of painting, there appears conjointly a poetry of sensations and a specific composition that modifies the understanding of artistic feeling. We must thus establish theoretically but refined in contact with the artists'works, the thesis that this organization of affectivity is anchored in the khiasma of temporality and corporality, and that it produces a contexture. By modalities (sensation, feeling, motive, mood, direction of senses, general affective tone) and reveal the idea of a dynamic affective field. We can thus elucidate how art in so far as it unveils and uses the organization of affectivity then transforms it by creating sensations, affects, percepts and trans-sensitivity in a contexture of ever-moving arrangement of elements and events (temporalization, spatialization, coloration, light, structuration of shpaes, direction of lines, movement and materiality of touch which cause things to emerge). Monographs demonstrate the genesis through colour, the instantaneousness and the extension of the universe in Monet's work, the progression from chaos towards organization of colour and sensation leading to the logic of expulsion and light in Cezanne's work, the intensity and ecstasy of Van Gogh, the "sur-face" of Matisse. In each case the simultaneous comprehension of the basis of logic or culture of sensation and the temporality of the organization of the context with its specific planning and construction necessitates an appropriate approach and vocabulary because art, by inventing new modes of apprehending bodily and corporal reality, transforms the way that we exist in the world

On sait qu'Henri Matisse est un des plus grands orientalistes de nos jours. Depuis la révélation de la couleur par l'estampe japonaise au moment de la formation de son style fauve, l'art oriental n'a cessé de contribuer à l'abstraction radicale du pionnier de l'art moderne. Cette recherche a pour objet de faire la lumière sur l'influence de l'art de l'Extrême-Orient dans son art. D’une manière générale, ses engagements pour l'art de l'Extrême-Orient se marquent dans la simplicité de l'expression, et par la place donnée aux vides dans ses dessins calligraphiques et découpages. Je pense que cette caractéristique remarquable qu'attribue l'artiste à san-sui, style du paysage traditionnel chinois et japonais, se rattache à sa conception transcendantale de l'espace visuel, en tant que résurgence de sa conception de la création artistique, qui implique l'identification avec la nature. Nous reconsidérons ainsi la dynamique du système de la représentation sous-jacente de la composition plate du tableau par rapport à la métaphysique qu'il prête à "l'Orient", par la recherche de la couleur pure. Cela élucidera l'influence de l'art de l'Extrême-Orient qui ne se réduit pas aux exotismes orientaux, et propose une autre perspective pour resituer la conception de l'Orient dans l'histoire de l'art moderne.

Ce travail part du lien, affirmé par Matisse, entre ses recherches esthétiques, fondatrices de la modernité dans les arts visuels occidentaux, et ce qu'il nomme lui-même "la connaissance et l'influence des arts de l'orient". A partir de là, l'étude cherche à répondre à trois questions : quelles étaient exactement les traditions que matisse nommait "orientales" et par quels aspects l'sont-elles retenu ? En quoi peuvent-elles avoir joué un rôle pour l'aider à bouleverser les données de l'image classique, telle qu'elle lui avait été transmise par la tradition européenne ? Enfin, dans quelle mesure de tels rapprochements peuvent-ils nous permettre, aujourd'hui, de mieux comprendre la nature de ses ambitions esthétiques ? Pour répondre à ces questions, un large usage est fait des archives personnelles du peintre, afin de suivre de manière parallèle l'émergence de son esthétique et l'évolution du contexte intellectuel et visuel dans lequel celle-ci a pris place (critiques et collectionneurs avec lesquels il a été en contact, visites et voyages qu'il a entrepris). La thèse défendue est que la réflexion autour des arts d'orient incarne tout autre chose qu'un simple aspect de l'œuvre de Matisse. D'une part, elle est indissolublement liée, chez lui, au développement de la notion de décoratif, elle-même constitutive de son esthétique. D'autre part, elle ne peut être abordée comme une influence parmi d'autres : plus que d'une influence, il s'agit d'un paradigme théorique qui permet au peintre de mieux définir sa propre position dans l'histoire et d'être alors encourage dans la réalisation de ses exigences esthétiques. Or ce besoin de compréhension de soi, ce constant effort de distanciation critique constitue l'autre grande polarité de l'esthétique matissienne. C'est pourquoi, dans le champ oriental, la référence à l'art byzantin est apparue particulièrement éclairante : héritière directe de l'antiquité gréco-romaine, la civilisation byzantine a en effet conçu un art fonde sur une esthétique totalement opposée a celle de l'antiquité, une esthétique non-mimétique qu'on peut, avec Georges Dutuit (gendre de Matisse et byzantiniste lui-même), qualifier de "haute décoration figurative". Elle a donc fourni au peintre et peut également fournir au critique contemporain des éléments conceptuels pour mieux comprendre la relation à la fois conflictuelle et féconde entre souci de création décorative et souci d'investigation critique.

L'étude détaillée des paradoxes de la composition d'Henri Matisse, roman constitue le point de départ de la compréhension d'une oeuvre qui multiplie et brouille à la fois les points de repères de toute construction accomplie dans l'acte de lecture. La notion d'identité textuelle, plus ouverte sur le versant de la lecture et les perturbations de la démarche interprétative, sera introduite en remplacement de celle d'unité. Le livre affiche l'ambivalence de toute délimitation rigoureuse de l'objet textuel et de son contenu, et nous conduit à faire l'expérience d'une hétérogénéité dynamique. Le lecteur est alors contraint de s'interroger sur la pertinence des catégories traditionnelles de la poétique, comme celle de genre ou celle de fiction. L'analyse introduit la métaphore heuristique du cadre comme instrument de pensée d'une entreprise d'ouverture sur l'au-delà du texte, c'est-à-dire le visible, le monde, et permet de penser le projet comme une rééducation du regard qui appliquerait à la lecture la "leçon de Matisse". La démarche lène ainsi à une définition du réel en jeu dans le livre, et à l'approfondissement de la conception de la tâche "réaliste" de l'écrivain. Le livre invite à une lecture phénoménologique d'un espace où présentation et représentation sont inséparables. La démarche herméneutique d'Henri Matisse, roman, va alors de pair avec la création d'un espace livresque où s'établit une "relation critique" du lisible et du visible, du peintre et du poète, qui cherche à établir le lieu commun des "producteurs de signes"
The detailed study of the paradoxes in the composition of Henri Matisse, roman is the starting point in the understanding of a work that simultaneously multiplies and mixes the reference marks of the act of reading. The idea of textual identity shall be preferred to that of unity, as it allows a more open access to the reading process and the obstacles to interpretation. The book demonstrates the ambivalence of any rigorous limitation of the textual object and of its contents and leads us to experience its dynamic heterogeneity. The reader is thus obliged to reevaluate the relevance of the traditional categories of poetics, such as genre and fiction. The analysis introduces the frame as a heuristic metaphor for the opening of the text towards what is beyond the textual domain (the visible, the world) in order to consider Aragon'swork as a reeducation of the eye and the application of the " Lesson of Matisse " to reading. This leads to a redefinition ot the " real " within the book and to a deepened understanding of the writer's conception of " realism ". The book calls for a phenomenological reading of a space where presentation and representation are interdependent. The hermeneutic process of Henri Matisse, roman accompanies the creation of a book-space where a " critical relationship " is established (between reading and seeing, between the painter and the poet) that attempts to create the common ground between " sign producers "

Cette étude se propose d'analyser quelques éléments du milieu artistique parisien entre 1896 et 1908. Le tournant du XXe siècle est considéré comme une période charnière -point final du symbolisme et point de départ des "avant-gardes"- Sans que l'on en mesure toujours la "réalité" artistique. La formation d'une nouvelle conscience artistique n'est pas le fait seulement d'une avant-garde à l'écart qui se résume souvent en quelques noms (Picasso, Matisse ou Apollinaire), mais tient à nombre de personnalités, artistes, écrivains et critiques d'art méconnus, intégrées elles aussi dans l'histoire de la modernité. Ainsi, nous avons tenté de dégager, dans une première partie, certaines manifestations artistiques qui mettent en relation tout un ensemble de personnalités qui occupent une place non négligeable au sein de l'activité littéraire, philosophique et artistique du début du XXe siècle. De ce fait, le philosophe polonais Mécislas Golberg, dont les relations avec Guillaume Apollinaire et Henri Matisse ont pu être éclaircies grâce à l'apport de correspondances inédites, apparaît comme un maillon essentiel dans le cheminement de la constitution des avant-gardes. Dans un deuxième temps, ce principe de réseaux et de collusions entre plusieurs personnalités, a été élargi au quartier Montparnasse ; ce qui nous a permis d'en préciser la genèse artistique, bien avant sa consécration à partir des années 1910. Enfin, à travers les changements que connait la critique d'art, nous avons tenté de réintégrer dans cette histoire de la naissance des avant-gardes, des critiques dont les textes nous permettent de mieux comprendre certaines évolutions, en particulier celle de la poésie-critique à travers les écrits de Marius-Ary Leblond
This study seeks to analyse some elements of the Parisian artistic environment between 1896 and 1908. The bend of the 20th century is considered as a transitory period -the end of the symbolism and the beginning of the avant-gardes- without that one always measures it the artistic "reality". The formation of a new artistic consciousness is not the fact only of an avant-garde aside which often amounts in some names (Picasso, Matisse or Apollinaire), but includes numbers of personalities, artists, writers and underestimated art critics, integrated too into the history of modernity. So we tried to develop, in a first part, some artistic manifestations which connect a set of personalities who occupy a not unimportant place within the literary, philosophic and artistiic activity of the beginning of the 20th century. Therefore, the Polish philosopher Mécislas Golberg, whose relations with Guillaume Apollinaire, and Henri Matisse were able to be cleared up thanks to the contribution of new correspondences, appears as an essential link in the progress of the constitution of the avant-garde. In a second time, it principles of networks and collusions among several personalities was widened in the district Montparnasse, what allowed us to clarify the artistic genesis of it, well before its consecration from 1910's. Finally, through the changes of the art criticism, we tried to reinstate in this history of the birth of the avant-gardes, some texts of art critics which allow us better to understand some evolutions, in particular that of the poetry-criticism through Marius-Ary Leblond's papers