Dissertations / Theses on the topic 'Melodrama in music'

Normand Lockwood was a prolific 20^th Century American composer who composed more than 500 works for many instrumental and vocal genres. The following document presents a performing edition and analysis of A Sacred Melodrama (1998), a major work written for mezzo-soprano and tenor soloists, SATB chorus, and orchestra that was composed during the last decade of Lockwood's life. A brief biography and critical editorial notes are included.

Lockwood wrote A Sacred Melodrama in a neo-classical style that juxtaposes Medieval, Renaissance, and Baroque inspired compositional practices with 20^th Century techniques. Lockwood complemented his style by setting ancient and modern texts that include portions of Missa pro defunctis in Greek, Latin, and in English translation, with lines from Whitman's When Lilacs Last in the Dooryard Bloom'd, among others.

Normand Lockwood is a relatively unknown 20^th Century American composer. Few studies have been conducted on his works, and even fewer regarding works composed during his final decade. This document will contribute to the deserving rediscovery, study, and performance of A Sacred Melodrama and the many other exceptional works by Normand Lockwood.

Includes bibliographical references (p. 135-140).
In this thesis I examine the differences between music in the two cinemas. Concentrating on exemplary films from the late 1930s to the early 1950s, I show how the apparent differences are manifested, and by analysing a number of key British films, I illustrate the modes of musical expression used. There are many ways to approach film music. My own interest lies in the connection between music of the romantic period of the 19th century and what became of it during the 20th. "Serious" music from Schoenberg onwards became increasingly dissonant, but the rich melodic tones of romantic music appear to have found a new home in the cinema, and in this thesis I explore how film composers kept the previous traditions alive.

The purpose of this study is to examine the presentation of Joan of Arc's life in two lyric works, Jules Barbier and Charles Gounod's Jeanne d'Arc (1873) and Auguste Mermet's Jeanne d'Arc (1876), that premiered in Paris following the upheaval of the Franco-Prussian War and Paris Commune. Relying on Parisian journals of the day, I follow two trends: some critics called for a historically-informed presentation of Joan's life and others appealed to retain certain supernatural elements, specifically the Fairy Tree and the Voices, of Joan's story. In addition to these trends, I consider an article printed shortly before the premiere of Mermet's opera and discuss the political and religious implications of the final scene (Charles VII Coronation in Reims or Joan's execution in Rouen) in these two stage works. After an introductory chapter and a chapter tracing the geneses of the melodrama and the opera, the remaining chapters each deal specifically with one of the three above-mentioned lines of inquiry as they relate to Joan of Arc's story. Chapter III discusses historical characters (Charles, duc d'Orléans, King René, and Agnès Sorel), historical music (minuet and Vexilla regis), and music believed to have been sung in the presence of Joan of Arc (Veni Creator Spiritus and Orate pro ea). Chapter IV addresses the continuing presence of legendary, supernatural elements--specifically the Fairy Tree and the Voices--and how these elements have changed in nineteenth-century stage works about Joan. In Chapter V, the difficulty of adapting Joan's life on the stage is examined. A closer look reveals that differing views existed during the 1870s as to exactly what her mission entailed. The two works reflect the changing attitudes on this topic. As a whole, this dissertation offers an examination of two rarely discussed stage works that reveal the political, religious, and musical climate surrounding the figure of Joan of Arc in the 1870s.

This thesis examines the role of music and cultural conceptions of emotion and `the feminine' in gendered characterisation in 1940s melodrama and the woman's film. Music in melodrama and the woman's film predominantly follows the late-19th century Romantic style of composition. Many theorists have discussed this type of music in film as a signifier of emotion and `the feminine', a capacity in which it is frequently associated with female characters. The full effect of an association with this kind of music on either female or male characterisation, however, has not been examined. This study considers the effects of this association through three stages - cultural-historical precedents, the generic parameters of melodrama and the woman's film and the narrativisation of music in film. The specific study of films involves textual and musical analysis informed by cultural-historical ideas, film music theory and film theory. Since female characters are more commonly associated with music in this context, they form the primary focus of the study. Male musical-emotional characterisation, while of constant concern, comes under particular scrutiny as the final stage of the study. In conclusion I argue that cultural assumptions combine with the formal representations of film to construct a model of gender based on the idea of `inherent' emotionality. As a definitive element of this dynamic, music functions as more than just a signifier of emotion. Rather, it takes a crucial role in determining how we actually understand emotion as part of gendered characterisation.

Arnold Schoenberg's atonal monodrama, Erwartune. Op. 17 (1909). has been viewed as an unanalyzable athematic aberration, without any discernible form. Recognizing Erwartune's forward-looking aspect, this dissertation also explores the melodrama and the Lied, a connection with the past which forges a new understanding of its form and structure.

Thesis (Dr. of Musical Arts)--University of Cincinnati, 2007.
Advisor: Dr. Bruce D. McClung. Title from electronic thesis title page (viewed Nov. 28, 2007). Includes abstract. Keywords: melodrama; narrator; Schumann; lizst; strauss; ballad. Includes bibliographical references.

The Light is a twenty-four minute composition for two narrators and chamber orchestra. The two narrators perform the roles of the Apostle John and Moses. After an overview of the piece and a brief history of pieces incorporating narrators, the essay focuses on my compositional process, describing how orchestration, drama, motive, and structure work together in the piece. The Light is organized as a series of five related scenes. In the first scene, God creates light. In the second scene, God places Adam and Eve into the Garden of Eden to tend it, allowing them to eat from any tree except the tree of the knowledge of good and evil. The serpent appears, Adam and Eve succumb to his evil influence, and God banishes them from the Garden of Eden. Many generations have passed when Scene Three begins. Moses relates a story from Israel's journey in the wilderness after leaving Egypt. The people had become frustrated with Moses and with God. When God sent serpents among them as punishment, they appealed to Moses to pray for them. God's answer was for Moses to make a bronze serpent and place it on a pole. Whoever looked at the serpent would live. In Scene Four, John relates his vision of final redemption. New Jerusalem descends from heaven, with the River of Life and the Tree of Life ready to bring healing to the nations. Sadly, some people are not welcomed into the city, and the drama pauses to give respectful consideration to their fate. Finally, the fifth scene celebrates the eternal victory over sin, death, and the serpent of Eden. As I composed The Light, I had in mind the dramatic profile, the general motivic progression and the fundamental structural progression. However, most of the intricate interrelationships among orchestration, drama, motive, and structure were the result of informed intuition. Throughout the piece, each of these four elements interacts with the others, sometimes influencing and sometimes responding to them. My hope is that these subtle tensions propel the composition forward toward its ultimate resolution.

Este trabalho tem por finalidade apontar determinados aspectos que nortearam algumas das principais especulações realizadas no campo da nova vocalidade na música escrita no despontar do século XX. A prática da voz inserida no mundo moderno se desenvolve com as bruscas mudanças que alteram os parâmetros da produção musical e da compreensão dos elementos de musicalidade que surgem nas primeiras décadas do século passado. Sucintamente, aborda o espectro de percepções estéticas e cognitivas que um ouvinte carrega em seu intelecto e o ambiente histórico de uma obra que são fundamentos para a contemplação, reflexão e que permitem entender a voz. Essa prática que se foi acrescendo paulatinamente de \"novos\" recursos tomados \"emprestados\" da prática da emissão vocal na fala e no canto cotidiano traz nova oralidade e vocalidade, fazendo surgir uma \"nova\" sonoridade que futuramente se intensificará em múltiplas tendências, principalmente a partir do final dos anos 50 e início dos 60 do século XX. O seu florescimento estende-se até os dias atuais teve como ponto de partida muitas das reflexões e pesquisas que a Segunda Escola de Viena trouxe para a música. Para embasar este estudo foi levantado um conjunto de obras vocais de Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg e Edward Steuermann, que tem como ferramenta de análise a Teoria dos Conjuntos de Joseph Straus.
This paper aims at pointing out specific aspects that guided some of the main theories made in the field of new vocality in writing music that happened in the beginning of the 20th century. At that period the practice of speech inserted in the modern world was also developed by the sudden changes that altered the parameters of music production and the understanding of the elements of musicality. Shortly, this paper also discusses the spectrum of aesthetic and cognitive perceptions that a listener carries in his/her intellect and the historic setting which are grounds for contemplation and reflection for they allow the listener to understand the voice, and even extend the appreciation and understanding of the sound. Such practice gradually added to itself new features taken from vocal speech and everyday singing bringing new orality and voicing. This activity generated a \"new\" sound that would appear in multiple trends, mainly in the late 50s and early 60s of the 20th century. It is there up to the present days and it had as a starting point reflections and researches that the Second Viennese School brought to the music. To support this study a number of vocal works of Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg and Edward Steuermann, were taken into consideration, which use Joseph Straus\' Theory of Groups as tool for analysis

L’objectif principal de cette recherche était d’étudier les motivations et les besoins qui ont conduit un groupe de compositeurs italiens, nés autour de 1880, et par cette coïncidence chronologique définis par Massimo Mila comme les compositeurs de « la génération des années quatre-vingt », à utiliser pour leurs œuvres chantées des textes de la poésie italienne du Moyen Age et de la Renaissance. Il s’est agi d’une enquête qui a dû tenir compte de nombreux facteurs, surtout étant donné l’imbrication des intérêts artistiques et littéraires et de la complexité historico-culturelle du contexte de la fin du XIXe et début du XXe siècle.En première instance, il a été fondamental de fixer les termes chronologiques d’un changement, voire d’une véritable rupture déterminée au niveau européen par la crise générale du positivisme exprimée de différentes manières en Italie, sous la forme d’une forte réaction au Vérisme dans le domaine littéraire et au mélodrame dans celui plus spécifiquement musical.Une première donnée importante sur laquelle nous nous sommes concentrés a été celle qui traitait globalement des compositeurs qui créaient non seulement des œuvres chantées pour le théâtre, mais également instrumentales de chambre et symphoniques. En conclusion, on observe qu’il est impossible de reconduire l’explication de la revalorisation des textes de la poésie ancienne italienne chez les compositeurs du début du XXe siècle à un seul élément: il faut donc plutôt rechercher une pluralité d’aspects très souvent dépendants d’exigences socio-économiques, culturelles et historiques bien précises. L’intérêt général pour cette période de la littérature fut élaboré de façon totalement personnelle par chaque compositeur et dans cette recherche, nous pensons avoir donné une contribution significative à l’étude de cet aspect de la musique du XXe siècle
The main purpose of this research was to study the motivations and requirements of a group of Italian composers, born around the years 1880's; for this chronological coincidence defined by Massimo Mila as the composers of the generation of the eighties recognizing the texts of ancient Italian poetry for some of their operas' lyrics. It was a path of investigation taking into account many factors, in particular the interweaving of artistic and literary interests and the cultural historical complexity of the context of the late nineteenth and the early twentieth centuries. Fundamental in the first place was the need to set up chronological indicative terms of the change, in fact, of the real breakthrough determined at European level by the general crisis of positivism reflected in various ways in Italy in the form of a strong reaction to Verismo in literature and to Melodramma specifically within the music. One of the first important aspect that we focused on in the present work was the fact that the composers we took into consideration were creating not only pieces made for the theatre, but also symphonic and instrumental compositions.In conclusion, it was found that the desire of the composers of the beginning of the 20th century to approach to the texts of ancient Italian poetry has been conditioned by many factors, affected by the social, economic, cultural and historical aspects.If there was a merely general interest in that period as far as the literature is concerned, then the same rough times were perceived by each composer in a very unique, personal way and in this research we believe that the significant contribution to the study of this aspect of the 20th century music has been given to a certain extent
Lo scopo principale della presente ricerca è stato quello di studiare le motivazioni e le esigenze che hanno portato un gruppo di compositori italiani, nati intorno al 1880, e per questa coincidenza cronologica definiti da Massimo Mila, come i compositori de « la generazione dell’Ottanta » a utilizzare per le loro opere cantate testi della poesia antica italiana. Si è trattato di un percorso di indagine che ha dovuto tenere conto di numerosi fattori dato soprattutto l’intreccio di interessi artistici e letterari e la complessità storico culturale del contesto di fine Ottocento e inizio Novecento. Fondamentale in prima istanza è stata l’esigenza di fissare dei termini cronologici indicativi di un cambiamento, anzi di una vera e propria rottura determinata a livello europeo dalla generale crisi del positivismo riflessasi in vario modo in Italia nelle forme di una forte reazione al verismo in ambito letterario e al melodramma in quello più specificamente musicale. Un primo dato importante su cui ci si è concentrati nel nostro lavoro è stato quello che si trattava di compositori a tutto tondo, che creavano non solo opere cantate per il teatro, ma anche strumentali da camera e sinfoniche. In conclusione si è riscontrato che il desiderio dei compositori del primo Novecento di rifarsi e riprendere i testi dell’antica poesia italiana per le loro opere, non va attribuito a un solo elemento, ma deve essere riferito a una pluralità di aspetti molto spesso dipendenti da esigenze socio economico culturali e storiche. Se vi fu un generale interesse per quel periodo della letteratura lo stesso fu poi elaborato in modo del tutto personale da ogni compositore e in questa ricerca crediamo di aver dato per quello che abbiamo considerato un significativo contributo allo studio di questo aspetto della musica del Novecento

I libretti che Pascoli scrisse in forma di abbozzi e che sognò potessero calcare il palcoscenico di un teatro furono davvero un “melodramma senza musica”. In primo luogo, perché non giunsero mai ad essere vestiti di note e ad arrivare in scena; ma anche perché il tentativo di scrivere per il teatro si tinse per Pascoli di toni davvero melodrammatici, nel senso musicale di sconfitta ed annullamento, tanto da fare di quella pagina della sua vita una piccola tragedia lirica, in cui c’erano tante parole e, purtroppo, nessuna musica. Gli abbozzi dei drammi sono abbastanza numerosi; parte di essi è stata pubblicata postuma da Maria Pascoli.1 Il lavoro di pubblicazione è stato poi completato da Antonio De Lorenzi.2 Ho deciso di analizzare solo quattro di questi abbozzi, che io reputo particolarmente significativi per poter cogliere lo sviluppo del pensiero drammatico e della poetica di Pascoli. I drammi che analizzo sono Nell’Anno Mille (con il rifacimento Il ritorno del giullare), Gretchen’s Tochter (con il rifacimento La figlia di Ghita), Elena Azenor la Morta e Aasvero o Caino nel trivio o l’Ebreo Errante. La prima ragione della scelta risiede nel fatto che questi abbozzi presentano una lunghezza più consistente dell’appunto di uno scheletro di dramma registrato su un foglietto e, quindi, si può seguire attraverso di essi il percorso della vicenda, delle dinamiche dei personaggi e dei significati dell’opera. Inoltre, questi drammi mostrano cosa Pascoli intendesse comporre per sollevare le vesti del libretto d’opera e sono funzionali all’esemplificazione delle sue concezioni teoriche sulla musica e il melodramma, idee che egli aveva espresso nelle lettere ad amici e compositori. In questi quattro drammi è possibile cogliere bene le motivazioni della scelta dei soggetti, il loro significato entro la concezione melodrammatica del poeta, il sistema simbolico che soggiace alla creazione delle vicende e dei personaggi e i legami con la poetica pascoliana. Compiere un’analisi di questo tipo significa per me, innanzitutto, risalire alle concezioni melodrammatiche di Pascoli e capire esattamente cosa egli intendesse per dramma musicale e per rinnovamento dello stesso. Pascoli parla di musica e dei suoi tentativi di scrivere per il teatro lirico nelle lettere ai compositori e, sporadicamente, ad alcuni amici (Emma Corcos, Luigi Rasi, Alfredo Caselli). La ricostruzione del pensiero e dell’estetica musicale di Pascoli ha dovuto quindi legarsi a ricerche d’archivio e di materiali inediti o editi solo in parte e, nella maggioranza dei casi, in pubblicazioni locali o piuttosto datate (i primi anni del Novecento). Quindi, anche in presenza della pubblicazione di parte del materiale necessario, quest’ultimo non è certo facilmente e velocemente consultabile e molto spesso è semi sconosciuto. Le lettere di Pascoli a molti compositori sono edite solo parzialmente; spesso, dopo quei primi anni del Novecento, in cui chi le pubblicò poté vederle presso i diretti possessori, se ne sono perse le tracce. Ho cercato di ricostruire il percorso delle lettere di Pascoli a Giacomo Puccini, Riccardo Zandonai, Giovanni Zagari, Alfredo Cuscinà e Guglielmo Felice Damiani. Si tratta sempre di contatti che Pascoli tenne per motivi musicali, legati alla realizzazione dei suoi drammi. O per le perdite prodotte dalla storia (è il 1 Giovanni Pascoli, Nell’Anno Mille. Sue notizie e schemi da altri drammi, a c. di Maria Pascoli, Bologna, Zanichelli, 1924. 2 Giovanni Pascoli, Testi teatrali inediti, a c. di Antonio De Lorenzi, Ravenna, Longo, 1979. caso delle lettere di Pascoli a Zandonai, che andarono disperse durante la seconda guerra mondiale, come ha ricordato la prof.ssa Tarquinia Zandonai, figlia del compositore) o per l’impossibilità di stabilire contatti quando i possessori dei materiali sono privati e, spesso, collezionisti, questa parte delle mie ricerche è stata vana. Mi è stato possibile, però, ritrovare gli interi carteggi di Pascoli e i due Bossi, Marco Enrico e Renzo. Le lettere di Pascoli ai Bossi, di cui do notizie dettagliate nelle pagine relative ai rapporti con i compositori e all’analisi dell’Anno Mille, hanno permesso di cogliere aspetti ulteriori circa il legame forte e meditato che univa il poeta alla musica e al melodramma. Da queste riflessioni è scaturita la prima parte della tesi, Giovanni Pascoli, i musicisti e la musica. I rapporti tra Pascoli e i musicisti sono già noti grazie soprattutto agli studi di De Lorenzi. Ho sentito il bisogno di ripercorrerli e di darne un aggiornamento alla luce proprio dei nuovi materiali emersi, che, quando non sono gli inediti delle lettere di Pascoli ai Bossi, possono essere testi a stampa di scarsa diffusione e quindi poco conosciuti. Il quadro, vista la vastità numerica e la dispersione delle lettere di Pascoli, può subire naturalmente ancora molti aggiornamenti e modifiche. Quello che ho qui voluto fare è stato dare una trattazione storico-biografica, il più possibile completa ed aggiornata, che vedesse i rapporti tra Pascoli e i musicisti nella loro organica articolazione, come premessa per valutare le posizioni del poeta in campo musicale. Le lettere su cui ho lavorato rientrano tutte nel rapporto culturale e professionale di Pascoli con i musicisti e non toccano aspetti privati e puramente biografici della vita del poeta: sono legate al progetto dei drammi teatrali e, per questo, degne di interesse. A volte, nel passato, alcune di queste pagine sono state lette, soprattutto da giornalisti e non da critici letterari, come un breve aneddoto cronachistico da inserire esclusivamente nel quadro dell’insuccesso del Pascoli teatrale o come un piccolo ragguaglio cronologico, utile alla datazione dei drammi. Ricostruire i rapporti con i musicisti equivale nel presente lavoro a capire quanto tenace e meditato fu l’avvicinarsi di Pascoli al mondo del teatro d’opera, quali furono i mezzi da lui perseguiti e le proposte avanzate; sempre ho voluto e cercato di parlare in termini di materiale documentario e archivistico. Da qui il passo ad analizzare le concezioni musicali di Pascoli è stato breve, dato che queste ultime emergono proprio dalle lettere ai musicisti. L’analisi dei rapporti con i compositori e la trattazione del pensiero di Pascoli in materia di musica e melodramma hanno in comune anche il fatto di avvalersi di ricerche collaterali allo studio della letteratura italiana; ricerche che sconfinano, per forza di cose, nella filosofia, estetica e storia della musica. Non sono una musicologa e non è stata mia intenzione affrontare problematiche per le quali non sono provvista di conoscenze approfonditamente adeguate. Comprendere il panorama musicale di quegli anni e i fermenti che si agitavano nel teatro lirico, con esiti vari e contrapposti, era però imprescindibile per procedere in questo cammino. Non sono pertanto entrata negli anfratti della storia della musica e della musicologia, ma ho compiuto un volo in deltaplano sopra quella terra meravigliosa e sconfinata che è l’opera lirica tra Ottocento e Novecento. Molti consigli, per non smarrirmi in questo volo, mi sono venuti da valenti musicologi ed esperti conoscitori della materia, che ho citato nei ringraziamenti e che sempre ricordo con viva gratitudine. Utile per gli studi e fondamentale per questo mio lavoro è stato riunire tutte le dichiarazioni, da me conosciute finora, fornite da Pascoli sulla musica e il melodramma. Ne emerge quella che è la filosofia pascoliana della musica e la base teorica della scrittura dei suoi drammi. Da questo si comprende bene perché Pascoli desiderasse tanto scrivere per il teatro musicale: egli riteneva che questo fosse il genere perfetto, in cui musica e parola si compenetravano. Così, egli era convinto che la sua arte potesse parlare ed arrivare a un pubblico più vasto. Inoltre e soprattutto, egli intese dare, in questo modo, una precisa risposta a un dibattito europeo sul rinnovamento del melodramma, da lui molto sentito. La scrittura teatrale di Pascoli non è tanto un modo per trovare nuove forme espressive, quanto soprattutto un tentativo di dare il suo contributo personale a un nuovo teatro musicale, di cui, a suo dire, l’umanità aveva bisogno. Era quasi un’urgenza impellente. Le risposte che egli trovò sono in linea con svariate concezioni di quegli anni, sviluppate in particolare dalla Scapigliatura. Il fatto poi che il poeta non riuscisse a trovare un compositore disposto a rischiare fino in fondo, seguendolo nelle sue creazioni di drammi tutti interiori, con scarso peso dato all’azione, non significa che egli fosse una voce isolata o bizzarra nel contesto culturale a lui contemporaneo. Si potranno, anche in futuro, affrontare studi sugli elementi di vicinanza tra Pascoli e alcuni compositori o possibili influenze tra sue poesie e libretti d’opera, ma penso non si potrà mai prescindere da cosa egli effettivamente avesse ascoltato e avesse visto rappresentato. Il che, documenti alla mano, non è molto. Solo ciò a cui possiamo effettivamente risalire come dato certo e provato è valido per dire che Pascoli subì il fascino di questa o di quell’opera. Per questo motivo, si trova qui (al termine del secondo capitolo), per la prima volta, un elenco di quali opere siamo certi Pascoli avesse ascoltato o visto: lo studio è stato possibile grazie ai rulli di cartone perforato per il pianoforte Racca di Pascoli, alle testimonianze della sorella Maria circa le opere liriche che il poeta aveva ascoltato a teatro e alle lettere del poeta. Tutto questo è stato utile per l’interpretazione del pensiero musicale di Pascoli e dei suoi drammi. I quattro abbozzi che ho scelto di analizzare mostrano nel concreto come Pascoli pensasse di attuare la sua idea di dramma e sono quindi interpretati attraverso le sue dichiarazioni di carattere musicale. Mi sono inoltre avvalsa degli autografi dei drammi, conservati a Castelvecchio. In questi abbozzi hanno un ruolo rilevante i modelli che Pascoli stesso aveva citato nelle sue lettere ai compositori: Wagner, Dante, Debussy. Soprattutto, Nell’Anno Mille, il dramma medievale sull’ultima notte del Mille, vede la significativa presenza del dantismo pascoliano, come emerge dai lavori di esegesi della Commedia. Da questo non è immune nemmeno Aasvero o Caino nel trivio o l’Ebreo Errante, che è il compimento della figura di Asvero, già apparsa nella poesia di Pascoli e portatrice di un messaggio di rinascita sociale. I due drammi presentano anche una specifica simbologia, connessa alla figura e al ruolo del poeta. Predominano, invece, in Gretchen’s Tochter e in Elena Azenor la Morta le tematiche legate all’archetipo femminile, elemento ambiguo, materno e infero, ma sempre incaricato di tenere vivo il legame con l’aldilà e con quanto non è direttamente visibile e tangibile. Per Gretchen’s Tochter la visione pascoliana del femminile si innesta sulle fonti del dramma: il Faust di Marlowe, il Faust di Goethe e il Mefistofele di Boito. I quattro abbozzi qui analizzati sono la prova di come Pascoli volesse personificare nel teatro musicale i concetti cardine e i temi dominanti della sua poesia, che sarebbero così giunti al grande pubblico e avrebbero avuto il merito di traghettare l’opera italiana verso le novità già percorse da Wagner. Nel 1906 Pascoli aveva chiaramente compreso che i suoi drammi non sarebbero mai arrivati sulle scene. Molti studi e molti spunti poetici realizzati per gli abbozzi gli restavano inutilizzati tra le mani. Ecco, allora, che buona parte di essi veniva fatta confluire nel poema medievale, in cui si cantano la storia e la cultura italiane attraverso la celebrazione di Bologna, città in cui egli era appena rientrato come professore universitario, dopo avervi già trascorso gli anni della giovinezza da studente. Le Canzoni di Re Enzio possono quindi essere lette come il punto di approdo dell’elaborazione teatrale, come il “melodramma senza musica” che dà il titolo a questo lavoro sul pensiero e l’opera del Pascoli teatrale. Già Cesare Garboli aveva collegato il manierismo con cui sono scritte le Canzoni al teatro musicale europeo e soprattutto a Puccini. Alcuni precisi parallelismi testuali e metrici e l’uso di fonti comuni provano che il legame tra l’abbozzo dell’Anno Mille e le Canzoni di Re Enzio è realmente attivo. Le due opere sono avvicinate anche dalla presenza del sostrato dantesco, tenendo presente che Dante era per Pascoli uno dei modelli a cui guardare proprio per creare il nuovo e perfetto dramma musicale. Importantissimo, infine, è il piccolo schema di un dramma su Ruth, che egli tracciò in una lettera della fine del 1906, a Marco Enrico Bossi. La vicinanza di questo dramma e di alcuni degli episodi principali della Canzone del Paradiso è tanto forte ed evidente da rendere questo abbozzo quasi un cartone preparatorio della Canzone stessa. Il Medioevo bolognese, con il suo re prigioniero, la schiava affrancata e ancella del Sole e il giullare che sulla piazza intona la Chanson de Roland, costituisce il ritorno del dramma nella poesia e l’avvento della poesia nel dramma o, meglio, in quel continuo melodramma senza musica che fu il lungo cammino del Pascoli librettista.

Dissertação de mestrado em Mediação Cultural e Literária (área de especialização em Literatura e Cinema)
Neste estudo são analisadas quatro produções cinematográficas que adequam o conceito de melodrama. Procura-se, inicialmente, compreender a origem do melodrama, que apresenta a ópera em sua base, alcança o recital acompanhado e evolui para a sétima arte. A evolução, porém, desse modelo músico-dramático mantém em sua essência, o elemento que o distingue, ou seja, a música. Procura-se, sequencialmente, em um primeiro momento perceber os primeiros traços da teoria da música no cinema, apresentada por Noël Carroll (1996) e, em um segundo momento, à luz da teoria da expressividade da música no cinema desenvolvida por Peter Kivy (1999) compreender os aspectos sonoros essenciais que se relacionam à imagem na produção cinematográfica. Procura-se, em um último momento, a evidência de dois conceitos nomeadamente polarização e coerência afetiva, desenvolvidos pelo teórico do cinema, Jeff Smith (1997) a fim de mostrar como o espectador associa à música a imagem levando-o à emoção. A presente tese aborda, portanto, os aspectos sonoros utilizados em filmes que permitem a emoção na mente do espectador/ouvinte.
This study analyzes four film productions that fit in the concept of melodrama. Initially, we tried to understand the origin of melodrama, featuring opera at its base, then the musical recital and later evolved to the seventh art. However, the evolution of this musical-dramatic model maintains, in its essence, the element which distinguishes it, namely the music. Sequentially, in a first moment we tried to perceive the first traces of the theory of music in the cinema, presented by Noël Carroll (1996) and, in a second moment, in accordance with the theory of expressiveness of music in the cinema developed by Peter Kivy (1999), to understand the essential sound aspects that are related to the image in a cinematographic production. Finally, to put in evidence two concepts namely polarization and affective coherence, developed by the cinema theorist, Jeff Smith (1997), in order to show how the viewer associates the image to the music, leading him to the emotion. Therefore, this thesis approaches the sound aspects that are used in films and allow the emotion in the mind of the viewer/listener.

Tese de doutoramento em Estudos da Criança (área de especialização em Educação Musical)
O presente trabalho, “História de uma Gaivota e do Gato que a ensinou a Voar: a criação de música para crianças como parte de uma ética artística e social”, tem como objectivos principais a investigação do contexto político, social e ético no qual as formas melodramáticas da música para crianças no século XX foram criadas (conto musical e outros), com especial ênfase na primeira metade do século, época durante a qual esta problemática tomou forma e se revelou mais acutilante, e a análise de uma obra do autor que se insere no género melodramático, a História de uma Gaivota e do Gato que a ensinou a Voar (texto de Luis Sepúlveda e música de Sérgio Azevedo), análise cuja função fundamental consiste em fornecer ferramentas de reflexão sobre as questões levantadas na investigação histórica preliminar. Este trabalho procura também colmatar em parte a falta de estudos sobre esta problemática específica, tendo-se verificado que a bibliografia publicada, se abundante no que respeita ao primeiro dos dois temas – contexto político das artes no século XX –, é muito escassa no que respeita à história e análise da música para crianças no século XX, e praticamente inexistente no que respeita à ligação entre ambos. Este facto revela a “menoridade” com que o género continua a ser encarado, regendo-se a investigação por critérios históricos e analíticos que visam contrariar este preconceito longamente estabelecido Para atingir estes objectivos o trabalho foi dividido em duas partes: investigação histórica do contexto social e político da música melodramática para crianças no século XX, na qual os principais compositores, contextos políticos e movimentos estéticos relacionados com o tema são estudados, e análise detalhada dos aspectos literários e musicais da História de uma Gaivota e do Gato que a ensinou a Voar. Desta análise, que leva em conta as conclusões originadas pela investigação histórica da primeira parte, resulta a fundamentação da posição do autor em relação ao que este crê dever ser a música para crianças: um género maior, que pode contribuir para o enriquecimento não só do ser humano numa fase de formação da personalidade e intelecto, mas também possuir o poder de interessar o adulto já formado, num contexto de plena liberdade estética e ideológica.
The principal objectives of this thesis, “The story of a seagull and the cat that taught it to fly: the creation of music for children as part of artistic and social ethics”, are the research of the political, social and ethical context in which musical melodrama for children of the 20th century (music tales and others) was created, with special emphasis on the first half of the century during which the problem was formed and became more acute, and the analysis of a work written in this genre by the author, The story of a seagull and the cat that taught it to fly (story by Luis Sepúlveda and music by Sérgio Azevedo), that provides a means of reflection on the questions raised by the initial historical research. This thesis also aims to fill the gap, at least in part, left by the lack of study of this particular subject. The first of the two themes – the political context of the arts in the 20th century – is dealt with extensively; the bibliography for second – history and analysis of the music written for children in the 20th century – is very sparse; treatment of the relationship between the two is virtually non-existent. This fact demonstrates the dismissive way in which the subject continues to be treated, and this research is carried out with the intention of setting straight this long-held preconception. To reach these goals the thesis has been divided into two parts: research into the social and political context of musical melodrama for children in the 20th century, in which the principal composers, political contexts and aesthetic movements related to the subject are studied, and a detailed analysis of literary and musical aspects of The story of a seagull and the cat that taught it to fly. This analysis takes into account the conclusions drawn from the historical research of the first part and results in the fundaments of the composer’s belief as to what music for children should be: an important genre that not only contributes to the enrichment of a human being at a stage when his personality and intellect are still being formed, but also has the capacity to interest the fully formed adult listener in a context of total aesthetic and ideological freedom.