Dissertations / Theses: 'Mémoire – Au théâtre'

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Hirzel, Lara. "Châteaux intérieurs : du théâtre de la mémoire aux espaces imaginaires." Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2016. http://www.theses.fr/2016PSLEE057/document.

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Abstract:

Châteaux intérieurs, du théâtre de la mémoire aux espaces imaginaires est une thèse composée de trois films, d’une installation vidéo et de deux scénarios. Ces travaux reposent sur des interrogations liées au lieu et à sa mémoire. Des mnémotechniques rhétoriques de l’antiquité aux usages du flashback dans le montage cinématographique, cette recherche traverse les champs de la photographie, des arts plastiques, de la littérature et du cinéma afin d’inventer ses propres usages plastiques de concepts philo- sophiques. Chaque projet développe sa façon propre d’aborder le sujet de la représentation d’un espace fantasmé, imaginé; façons liées au « genre » des propositions, à la place laissée au spectateur et, au cœur même des films, à la multiplicité des subjectivités des personnages. Ainsi, le film Demeure convoque saint Augustin et l’art de la mémoire tandis que Sirènes joue des effets de montage et de réminiscences. Les Passages secrets lie lieux réels et espaces fictionnels par l’installation in situ dans le village de Binic. La déambulation est alors une autre manière de rejouer le trajet discursif de la méthode des loci. Le scénario Sans Perceval, adapté des Vagues de Virginia Woolf, singularise quant à lui une multiplicité de points de vue sur un même temps partagé dans un lieu unique. D’une autre manière, Les Atomes joue avec la figure de la baleine comme lieu symbolique sur lequel achoppent et divergent les imaginaires. Enfin, en utilisant l’idée d’espace intérieur dans la fiction même, le projet des Châteaux intérieurs propose une voie d’actualisation d’anciennes propositions philosophiques et théologiques, autour d’une variation moderne du personnage de sainte Thérèse d’Avila. Ce dernier scénario agrège ainsi plusieurs concepts fréquemment évoqués, repris, mentionnés dans la topique chrétienne, ici distordus, transformés et utilisés dans la fiction même
The thesis Mind Palaces, from Memory Theatre to Imaginary Spaces is composed of three films, one video installation and two scripts. These works focus on questions of places and their memory. From ancient rhetorical mnemonics to the use of flashbacks in film editing, this study covers the fields of photography, fine arts, literature and film, in order to come up with its own artistic interpretation of philosophical concepts. Each project develops its own way of broaching the representation of a dreamt-up, imagined space; be it relating to the "genre" of proposals, to the role given to the audience, or, at the very heart of the films, to the multi- plicity of subjectivities of the characters. Thus, the film Remains evokes Saint Augustine and the art of memory, whilst Mermaids plays with various editing and reminiscence effects. Secret Passages links real places and fictional spaces through the in situ installation in the village of Binic, and the act of wandering therefore beco- mes another way of replaying the discursive journey in the method of loci. As for the Without Percival script, based on Virginia Woolf's The Waves, it differentiates between multiple points of view on a given moment shared in a single place. In a different way, Atoms plays with the whale as a symbolic place against which imaginations wash up and diverge. Finally, by using the idea of an interior space within the fic- tion itself, the Mind Palaces project provides a way of updating ancient philosophical and theological theories, based on a modern variation of Saint Teresa of Ávila. This last script combines a number of concepts that are frequently alluded to, revisited and mentioned in Christianity, and are here distorted, transformed and used in the fiction itself

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Guyomarch, Le Roux Sandrine. "Théâtre et histoire : le "teatro del 68" au Mexique et le travail de mémoire." Perpignan, 2007. http://www.theses.fr/2007PERP0783.

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Abstract:

Le Mexique a été, en 1968, la scène d’un conflit étudiant d’une violence insolite, qui s’est terminé dans un bain de sang, appelé « massacre de Tlatelolco. » Face à la censure officielle, des intellectuels et artistes mexicains ont assuré la transmission de la mémoire de ces événements. A l’heure où cette histoire alternative demande à être officiellement reconnue, la contribution des dramaturges mexicains à ce travail de mémoire continue, quant à elle, à être ignorée. Le recensement effectué, dans le cadre de ce travail, entre 1968 et 2003, permet pourtant d’établir que la production dramaturgique sur le mouvement étudiant mexicain de 1968 est très vaste. Montées principalement, dans les milieux étudiant et indépendant, ces pièces sont, en outre, une manifestation vivante du travail de mémoire sur 68. L’analyse de l’articulation entre histoire et théâtre met en évidence l’existence de cinq catégories distinctes, au sein de pièces que le dramaturge Felipe Galván a rassemblées sous l’étiquette Teatro del 68. La nature protéiforme de ce phénomène appelle d’autres commentaires, concernant sa cohérence, sa définition générique, et la légitimité de la dénomination « Teatro del 68 ». Une analyse plus précise de trois pièces montre, enfin, que les ressources propres au théâtre pour s’emparer d’un référent historique problématique, lui permet de jouer un rôle essentiel dans la problématique mémorielle actuelle sur 68. Ce travail espère, ainsi, contribuer à faire connaître un phénomène qui demeure absent du panorama du théâtre mexicain contemporain
Mexico was, in 1968, the scene of a surprisingly violent student conflict, which finished in a repression called “Tlatelolco massacre. ” Some intelectuals and artists tried to transmit the memory of these events, silent by official story. Today, even if this “other” story pretends to get a place in official one, the mexican players’ tribute to this memory remains unknow. Whereas the proportions of the dramatic production on the 1968’s mexican student strike, between 1968 and 2003, is worth to being considered, and its manifestations obviously demonstrate its own way of enriching the work of memory on the events of 68, this production remains completely absent in mexican theatre’s today’s story. The analisis shows that five different articulations between story and theatre are posible in this production called Teatro del 68, by the player Felipe Galván. These different ways of focusing the facts make the question of its definition problematic. A focus on three of the plays enhances the proper hability of theatre to catch a problematic referent, and to enable the memory process to be activated. The purpose of this work is, thus, to make it known and permit its evaluation

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Deharbe, Charlène. "La porosité des genres littéraires au XVIIIe siècle : le roman-mémoire et le théâtre." Thèse, Université du Québec à Trois-Rivières, 2012. http://depot-e.uqtr.ca/5180/1/030315353.pdf.

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Hurault, Chantal. "Wladyslaw Znorko ou le théâtre de l'oubli." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030052.

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Abstract:

Le projet de cette thèse sur le théâtre de Wladyslaw Znorko, et la compagnie Cosmos Kolej fondée en 1981, est d'ouvrir la nature de l'image scénique aux perspectives d'une théâtralité de l'Oubli qui redéfinit les notions de présence et d'absence. La proposition est double : cerner la cohérence d'une démarche de création et, à partir d'elle, dégager les enjeux esthétiques d'une dramaturgie de la mémoire. La première partie analyse, dans la lignée de Witkiewicz, Craig et Kantor, la spécificité scénique du langage théâtral. Ce théâtre d'image pose la problématique de l'adaptation littéraire. Rejetant les codes de la transposition, il convoque une intimité essentiellement poétique de l'image littéraire. Notre recherche théorique s'implique dans le processus de création, y repérant les critères constitutifs d'un langage pluriel. L'idée d'" œuvre ", acceptée dans le domaine scénique, est l'objectif de la seconde partie qui en creuse les fondements. Les racines polonaises de Znorko sont élargies à un large corpus, hors frontières et courants culturels. Sous le signe de l'exil, la scène advient comme lieu de refuge d'une Mémoire désœuvrée, oubliée. L'exil répond aux mécanismes d'une théâtralité qui fait agir les forces tragiques de l'Histoire sous le mode de la récurrence - plaçant les figures dans une errance infinie à l'intérieur de son territoire fictionnel. La figure théâtrale apparaît alors dans les termes du fantomal. La troisième partie forme un complexe esthétique de la mélancolie à partir de la notion moderne de l'entre-deux. Du Théâtre de la Mort de Kantor au Théâtre de l'Oubli de Znorko, l'image théâtrale est engagée dans une dramaturgie hallucinatoire où, liée à un souvenir obsessionnel, la présence se manifeste au lieu même de son absence. Dès lors, le merveilleux devient un espace privilégié de l'imaginaire, l'illusion devient le moteur d'un théâtre des apparences. Le Théâtre de l'Oubli accepte l'image dans la démesure d'un en dehors du monde
The project of this thesis on the theatre of Wladyslaw Znorko, and the Cosmos Kolej Company founded in 1981, is to open the nature of the scenic image to the prospects for a theatricality of Oblivion which redefines the concepts of presence and absence. The proposal is dual : to determine the coherence of a creative process and, from it, to assert the aesthetic goals of a dramaturgy of the memory. The first part analyzes, in the line of Witkiewicz, Craig and Kantor, the scenic specificity of theatrical language. This theatre of image raises the question of literary adaptation. Rejecting the transposition codes, it calls for a primarily poetic intimacy of the literary image. Our theoretical research is immersed in the creative process, seeking to locate the constitutive criteria of a plural language. The very concept of an " oeuvre ", adapted in the scenic field, is the objective of the second part which explores its bases. The Polish roots of Znorko are widened to a broad corpus, beyond cultural borders and currents. Under the sign of exile, the scene becomes the place of refuge for an idle and forlorn Memory. The exile answers the mechanisms of a theatricality which triggers the tragic forces of History in a recurrent mode - placing the characters in an endless wandering within its fictional realm. The theatrical character thus assumes a ghostly presence. The third part forms an aesthetic complex of melancholy stemming from the modern notion of the in-between. From the Theatre of Death of Kantor to the Theatre of Oblivion of Znorko, the theatrical image is engaged in a hallucinatory dramaturgy where, linked with obsessive memory, presence appears in the very place of its absence. Consequently, the marvellous becomes a privileged space for the imaginary, illusion becomes the engine of a theatre of appearances. In the theatre of Oblivion the image belongs to a disproportion of a space outside the world

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Matteoli, Jean-Luc. "L' objet pauvre : mémoire et quotidien sur la scène contemporaine française." Rennes 2, 2006. http://www.theses.fr/2006REN20042.

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Abstract:

Dans les " sombres temps " du XXe siècle, le poids de l'Histoire s'est accru des horreurs de masse, jusqu'à affecter l'image même de l'homme : aussi certains appellent-ils le théâtre à éveiller de nouveau, selon la formule d'Aristote, " le sens de l'humain ". L'objet réel peut-il prétendre à ce rôle ? Introduit dans le champ de l'art en 1912, puis, sous son aspect de reste ou de ruine, immédiatement après la Première Guerre mondiale (Schwitters) ou la seconde (Kantor), il est certain que l'objet pauvre entretient un rapport avec la disparition - des idées, des êtres, des choses. L'observation du théâtre qui, à la marge, se développe depuis une trentaine d'années sous l'égide de l'objet récupéré, permet de cerner comment, malgré son insignifiance, il se présente sur les scènes marionnettiques, des arts de la rue ou d'un certain théâtre " régulier ", comme un objecteur : au jeu théâtral, à la représentation, mais aussi à l'obsolescence et l'oubli consécutif que prétendent compenser musées et commémorations. Ce témoin inerte, dont la présence modifie pourtant substantiellement les usages scéniques, donne aujourd'hui naissance à des esthétiques diverses, parfois canularesques, où la mémoire tient du refuge contre les soubresauts de l'Histoire, et de la résistance à l'engourdissement des anonymes. Poétiquement, il exige de l'acteur qu'il ne soit plus seul en scène et dialogue avec celui que Kantor tenait pour un partenaire à) part entière. C'est in fine, du metteur en scène disparu en 1990 que ce travail voudrait inventorier l'héritage, tant sont nombreux ceux qui, du Théâtre du Radeau à la compagnie Deschamps & Makeïeff en passant par les 26 000 couverts, reconnaissent en lui un des inspirateurs de leur propre démarche
In the " dark times " of the twentieth century, the weight of history was further increased by mass horrors, affecting the very image of man. As a result, somme call upon drama to revive, as Aristotle put it, “the sense of human”. Can the real object be up to the part ? The poor object, introduced on the art scene, and later on, right after World War I (Shwitters) or World War II (Kantor), under the aspect of remnants or ruins, is obviously connected to disappearance – of ideas, beings, things. Through the study of the drama scene which has been developing over the last thirty years under the aegis of the discarded object, one realizes that the latter is very much present in puppet shows, street arts or a certain form of “more main stream” drama, and this despite its insignifiance. There, it plays the part of an objector to performance, to representation but also to the obsolescence and following neglect that museums and commemorations attempt to make up for. Nowadays, this few of them flirting with hoax, in wich memory resemble a refuge against the turmoils of history as well as resisting force to engulfing anonimity. Poetically speaking, the object forces the actor to renounce egotism and establish a dialogue with that which Kantor considered a full-fledges partner. In fine, this work is an ttempt to grasp the legacy of the Polish director who died in 1990, as so many artists and companies, from the Théâtre du Radeau, to the Deschamps & Makeïeff Compagny and the 26 000 couverts, see in him a source of inspiration for their own work

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Hosny, Raymond. "La création théâtrale contemporaine au Liban entre mémoire archivée et document fictif." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080006.

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Abstract:

Y a-t-il une différence entre mémoire et imagination ? Comment évoquer l’histoire d’une guerre dont les séquelles sont encore manifestes et qu’on souhaite oublier? Le théâtre répondrait-il à l’obligation de mettre à distance une telle histoire ? Entre la nécessité de se rappeler et le besoin d’oublier, la création théâtrale au Liban dans les années 2000 réveille le paradoxe de l’écriture de l’histoire de la guerre civile (1975-1990). Écrits de journaux, faits divers, photos, vidéo, Internet deviennent les matériaux du travail scénique, autant de traces qui évoquent les symptômes d’une mémoire conflictuelle, latente ou traumatisée, soulignant les méfaits de l’oubli volontaire et les influences des médias. La potentialité fictive des documents et des archives constitue les enjeux de la création, particulièrement dans les oeuvres de la compagnie Arcinolether, de Rabih Mroué et de Walid Raad. Enquêter, raconter et interroger deviennent les modalités d’un langage scénique. Ces formes narratives s’apparentent à des mises en performance et mettent en question la représentation théâtrale et le jeu de l’acteur. Dérivant d’une « dramaturgie documentaire », la scène contemporaine au Liban joue sur la frontière entre réel et fiction. Ce caractère glissant de la vérité décline des enjeux politiques et rend poreuse la relation entre témoignage et faux document. En soumettant le passé au débat, ces réalités imaginaires permettent-elles de faire le deuil d’une histoire amputée, d’engager un changement de regard vers le passé et peut-être aussi l’amorce d’une « démarche résiliente » ?
What is the difference between memory and imagination ? How does one evoke the history of a war whose scars are still fresh and which one would like to forget ? Is theater able to provide other points of view of such a history ? Between the necessity to remember and the need to forget, theatrical creation in Lebanon in the 21st century points out the possibilities and limits of writing the history of the civil war (1975-1990). Newspaper articles, miscellaneous news items, photos, videos, and the internet become the materials of scenic work, palimpsestes witnessing the symptoms of a conflicting memory, latent or traumatized, underlining the misdeeds of voluntary forgetfulness and the influence of the media.The fictitious potentiality of documents and of archives highlights the stakes of creation, particularly in the works of the theater companies of Arcinolether, Rabih Mroué, and Walid Raad. To investigate, to tell, and to question become the modalities of a scenic language. These narrative forms resemble art performance and call into question theatrical representation and acting. Deriving from a "dramaturgical documentary", contemporary theater in Lebanon performs on the frontier between reality and fiction. The elusive quality of the truth has political implications and renders porous the relationship between witness testimony and false document. In submitting the past to debate, do these imaginary realities allow us to mourn an interrupted history, to introduce a new way of looking at the past, or to trigger the "process of resiliency" ?

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Vennemann, Aline. "Architectures et architectures de la mémoire : le théâtre d'Elfriede Jelinek et de Peter Wagner (1991-2011)." Phd thesis, Université Rennes 2, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00936723.

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Abstract:

Le théâtre d'Elfriede Jelinek et de Peter Wagner s'inscrit dans la (re/con)quête d'une identité mise à mal par les traumatismes successifs de l'histoire austro-allemande ainsi que par les relations contradictoires qu'entretient le peuple germanique avec son passé fasciste. A la montée des commémorations officielles depuis le début des années 1990, qui va de pair avec la disparition des derniers témoins de la Shoah, les textes, tout comme les mises en scènes et performances vocales qu'ils suscitent, opposent un théâtre des lieux et des milieux de la mémoire. L'analyse des stratégiestextuelles et scéniques, sous l'angle des formes, structures et des enjeux de la mémoire et du souvenir, met au jour une esthétique théâtrale particulière de ce que l'on peut appeler un art du " remembrement".

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Vennemann, Aline. "Architectures et architectures de la mémoire : le théâtre d’Elfriede Jelinek et de Peter Wagner (1991-2011)." Thesis, Rennes 2, 2013. http://www.theses.fr/2013REN20039/document.

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Abstract:

Le théâtre d'Elfriede Jelinek et de Peter Wagner s'inscrit dans la (re/con)quête d'une identité mise à mal par les traumatismes successifs de l'histoire austro-allemande ainsi que par les relations contradictoires qu'entretient le peuple germanique avec son passé fasciste. A la montée des commémorations officielles depuis le début des années 1990, qui va de pair avec la disparition des derniers témoins de la Shoah, les textes, tout comme les mises en scènes et performances vocales qu'ils suscitent, opposent un théâtre des lieux et des milieux de la mémoire. L'analyse des stratégiestextuelles et scéniques, sous l'angle des formes, structures et des enjeux de la mémoire et du souvenir, met au jour une esthétique théâtrale particulière de ce que l'on peut appeler un art du « remembrement»
Elfriede Jelinek and Peter Wagner's plays are part of the quest for—or conquest of—an identity shaken by the traumas of Austro-German history, and by the contradictory relationship between the Germanic peoples and their fascist past. The 1990s saw the deaths of many of the last Holocaust witnesses, and an increase in official commemorations to which the texts, as well as their staging and their vocal performance, respond through sites of memory and real environments of memory. The analysis of textual and scenic strategies, in particular the forms, structures and implications of memory, shedslight on a special theatrical aesthetic belonging to what may be called an art of « rememberment»
Das Theater von Elfriede Jelinek und Peter Wagner trägt zur Wieder(an)erkennung und Wiederfindung einer Identitätbei, die durch die sukzessiven Traumata der österreichischdeutschen Geschichte sowie durch das widersprüchlicheVerhältnis Deutschstämmiger zu ihrer faschistischen Vergangenheit beeinträchtigt wurde. Den offiziellen Gedenkfeiernseit Anfang der 1990er Jahre, die mit dem allmählichen Verschwinden der letzten Holocaust-Zeitzeugen einhergehen,setzen die von ihnen hervorgerufenen Texte, Inszenierungen und stimmlichen Performances ein Theater derGedächtnisorte und -räume entgegen. Die Analyse der textuellen und szenischen Strategien unter dem Blickwinkelder Formen, Strukturen und Funktionen von Erinnerung und Gedächtnis bringteine spezielle Theaterästhetikdessen an den Tag, was alseine Kunst «erinnernderWieder-Holung» bezeichnetwerden kann

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Banu, Georges. "Pratiques de la memoire dans la mise en scene du xxe siecle." Paris 3, 1987. http://www.theses.fr/1987PA030187.

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Abstract:

La question de la memoire au theatre reste indissociable de l'apparition du metteur en scene. C'est lui qui la pose de maniere systematique, car il y trouve une des principales sources de renouvellement du theatre. La these degage une architecture de la memoire au theatre, architecture a trois etages. Stanislavski fonde sa reforme sur le recours a la memoire des affectes, memoire de l'acteur, ensuite ses successeurs proposent de trouver appui dans la memoire des gestes ou la memoire du lieu, la memoire de l'art du theatre. Un troisieme volet represente la voie d'artaud et sa quete d'une memoire de l'homme, memoire des origines. Cette architecture constituee avant la guerre se retrouve ensuite, une fois que le declin du theatre de l'histoire entraine la resurgence du theatre de la memoire. Avec strehler la nostalgie pointe et l'experience subjective du temps devient essentielle, ensuite avec mnouchkine on cherche a retrouver les formes anciennes du theatre et avec gruber ou vitez on construit une fiction mnemonique. La these demontre le fonctionnement de cette architecture de la memoire dans le theatre du xx-e siecle. Les deux parties suivantes analysent les retombees de cette vision d'ensemble au niveau des differents elements du theatre : le corps, le costume, le lieu. Le petit reflete le grand, car l'acte theatral represente un ensemble dont chaque element est soumis aux memes mutations que le tout. La derniere partie est consacree au travail de deux des plus importants metteurs en scene contemporains, strehler et brook, artistes qui ont entretenu des rapports differents avec la memoire au theatre. Leurs pratiques sont exemplaires a cet egard. Si, au debut du siecle, le metteur en scene cherche a retrouver la memoire c'est parce qu'il envisage le theatre comme une activite majoritaire; aujourd'hui , au contraire, c'est parce qu'il le concoit comme une activite minoritaire
The question of memory in the theatre is inseparable from the appearance of the director. The director asks the question of memory systematically beacuse it is for him one of the principal sources which permit to renew the western theater. Through the thesis an architecture of memory in theatre become visible, an architecture with three levels. First stanislavski founds his reform on the use of the affective memory-the memory of actor. Then his successors propose to base themselves on the memory of gestures or the memory of theatrical space - the memory of the theater like art. A third way is represented by artaud and his reserach of a memory of man - mzmory of the origins. This architecture built before the second war reapperas after, with the fall of the theater of history and the resurgence of a theater of memory. With strehler the nostalgia is pointed out and subjective experience of time become essential. Then with mnouchkine it's the return to the ancient signs of theater and with gruber or vitez the construction of a mnemonic fiction. The thesis make visible the process of this architecture of the memory in the theater of the xxth century. The two parts which follow contain an analysis of the consequence of this total vision on different elements of theatre : body, costume, space. The small reflects the big because theatrical action is a whole of which every part is transformed in the same way as the totality. The last part of the thesis is dedicated to two of the most important directors of the contemporary period : strehler and brook whose relations with memory were different. Their practices on this point of view can be analysed as significant examples. If the director, in the beginning of the century, try to find the memory it's because he considers theater as an activity for a majority; today, on the contrary, it's because he considers it as an activity for a minority

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Muttib, Hussein Thakaa. "La quête identitaire dans le théâtre de Yasmina Reza." Thesis, Lyon 2, 2009. http://www.theses.fr/2009LYO20033/document.

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Abstract:

Le théâtre de Yasmina Reza s’inscrit dans le cadre du théâtre contemporain. La présente étude aborde la problématique de la quête identitaire. Dans cet espace conflictuel, les personnages rezaldiens – écrivains en manque d’inspiration, critiques ou historiens – sont en perte d’identité. Ces protagonistes souffrent de l’angoisse de la mort, de la disparition d’un proche ou de leur vieillissement, vécu comme un naufrage. Ils ne peuvent que subir les circonstances qui leur sont imposées et vivent une vie vouée à la répétition des scénarios du passé. Dans ce théâtre sans action, le drame intérieur transparaît à travers l’absurdité d’une vie remplie d’actes dérisoires et de paroles insignifiantes ou d’un retour vers le passé familial. Seul le langage est le lieu de l’action constituant la clé qui va résoudre le nœud dramatique. Dans cette quête d’unification identitaire, chacun essaie douloureusement, par le récit, d’accepter son passé et ce qu’il est devenu, loin de ce qu’il aurait rêvé d’être. Cette fragilité identitaire se montre un moteur de la création. L’écriture théâtrale de Reza, pleine de contradictions, conduit vers la pacification. C’est dans une écriture du quotidien que l’auteur invente son style et son identité. Une telle quête théâtrale montre la volonté de Reza d’emmener ses personnages vers une quête de sécurité, d’identité et du sens de leur vie
Yasmina Reza’s theatre is a part of the contemporary theatre. This study approaches the identity’s quest. In this theatre of conflict, the rezaldians ─ writers lacking in inspiration, critics or historians ─ are in loss of identity. These protagonists suffer from fear of death, of living in the memory of close relative or of the fact of getting older, experienced as a shipwrecked. They can only suffer of the imposed circumstances upon them and live a life doomed of a repeat scenarios of the past. In this kind of theatre without action, the inner drama transpires through the absurdity of a life filled with ridiculous acts and insignificant words or remembering family’s history. In this kind of plays, the language is the only action as the key which solves the dramatic plot. In this quest for unification of identity, each one tries painfully, through the story, to accept his past and the fact how he becomes now, far away from what he can imagine himself. This fragility of the identity is thus tending to end up as an engine creation. Reza’s writing, full of contradictions, is a looking for pacification. The author of this play invents her own style and identity by describing the quotidian life of her character. Such quest theatrical shows how Reza wants to make her character doing his quest of security, of his own identity and looking for a meaning in his life

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Lachaise, Virginie. "L' invention de l'espace allégorique de la mort et de la mémoire dans le théâtre de Tadeusz Kantor." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100067.

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Abstract:

Cette étude envisage l'oeuvre théâtrale de Tadeusz Kantor dans son intégralité. Elle veut prouver que l'artiste, n'ayant jamais cessé de mettre en crise toutes les formes de la représentation, est conduit, dès l'origine, à l'invention dans l'espace du théâtre d'un Au-delà, assimilable à un espace allégorique de la mort et de la mémoire, seul à même d'abriter l'individu. La première partie, historique, met en évidence le fait que, de filiation en rejet, Kantor trace sa voie vers l'invention d'un espace théâtral original, à la fois physique et métaphysique. La seconde partie, se consacre à la description des modes et des modalités de cet espace. D'abord, une analyse sémiologique de l'inscription des corps (spectateurs, acteurs, mannequins, objets et "Bio-objets", machines) dans les différents dispositifs scéniques permet de cerner comment, par un jeu de contagion réciproque, un espace théâtral organique s'invente. Une approche herméneutique ensuite, à travers une typologie des espaces, dégage quelques figures spatiales, à la fois architecturale et dynamiques : 1"'Ur-matiere", l'espace invisible et les "hétérotopies" (la Route, le Cimetière et la Chambre) ; dont elle interroge la fonction symbolique et rituelle (le Cirque, le Bouge et l'Autel). La troisième partie de l'étude démontre que derrière le "Mur", Kantor trace les limites d'un espace de la confession. Dans ce "Retour à la maison natale", naît une langue primordiale qui fait résonner un espace originaire. Kantor en justifie l'existence par sa "Théorie des Négatifs. Au terme de cette "pulsion scopique"', qui se traduit entre autres par son omniprésence scénique, l'artiste se sacrifie dans l'espace clos de sa "Chambre"
This comprehensive research deals with the theatrical work of Tadeusz Kantor. It is proving that the artist relentlessly tried to invent a "Beyond" within the space of theatre, a spatial allegory of memory and death, only space able to provide a shelter for the self. The first part is a historical perspective that highlights the trajectory of Tadeusz Kantor's work towards the creation of a unique theatrical space, at the saure time physical and metaphysical. The second part is an analysis of the différent forms that this unique theatrical space takes. First, it analyzes how an organic space emerges from the integration of the different "bodies" (viewers, actors, mannequins, objects, "bio-objects" and machines) in the stage system. Then, it proposes a categorization of the spaces, highlighting a few architectural and dynamic spatial patterns (e. G. , the "Ur-Matiere", the invisible space and the "heterotopias" like "The Road", "The Cemetery", "The Room") and showing how they participate to the symbolism and ritualization of the theatre (e. G. , "The Circus", "The Tâvern» "The Altar"). The third part of this lresearch shows that behind the "Wall", Kantor creates the space of the confession. In this "Return to the native house", Kantor creates a language of the essence that gives birth to a space of the origins. Kantor justifies its existence with its "theory of the negatives". At the end of this "pulsion scopique"* - for instance, Kantor is always present in perron on stage - Kantor sacrifices himself in the closed space of his "Room"

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Vaillancourt-Léonard, Sophie. "Le rôle de l’auteur dramatique au sein de collectifs de création : deux études de cas : BUREAUtopsie du Théâtre Niveau parking et Mémoire vive du théâtre les Deux mondes." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28598/28598.pdf.

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Guillou, Lauriane. "Le public du Festival d'Avignon : des expériences vécues au temps remémoré : une approche communicationnelle de la mémoire individuelle et collective." Thesis, Avignon, 2020. http://www.theses.fr/2020AVIG1205.

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Pourquoi un festival de 73 ans réunit-il encore un public autour d’une même idée : faire un théâtre populaire qui soit de son temps ? Si le public du Festival d’Avignon évolue au fil des générations, le sens de la pratique reste identique : la découverte et la rencontre, la prise de risque et le débat. Au gré des éditions, des directions et des programmations, l’institutionnalisation du festival a généré des fondamentaux et des valeurs autour desquels un public se rassemble. « Faire le Festival » fait appel à la posture du public participant qui accepte un certain engagement dans son rôle de spectateur. Sans connaître Jean Vilar, le T.N.P. ou Le Mahabharata de Peter Brook, en faisant le Festival, le public vit une expérience et fait sienne celle d’une communauté spectatorielle. « Le ciel, la nuit, la pierre glorieuse »... et après ? Cette thèse en sciences de l’information et de la communication étudie des régimes d’historicité au Festival d’Avignon, soit le rapport au passé dans le présent, à travers des pratiques, des discours, des médiations…Pour cela, une enquête a été conduite entre 2015 et 2019, avec près de 7 390 questionnaires en ligne et 50 entretiens. Le numérique constitue ici une entrée privilégiée pour appréhender la manière dont les dynamiques et les pratiques liées à la mémoire, la nôtre et celle d’autrui, viennent enrichir une expérience, celle du festival, de même qu’une carrière de spectateur. L’étude du terrain numérique montre que la participation du public du Festival d’Avignon en ligne se caractérise par un intérêt pour les contenus audiovisuels relatifs aux œuvres et aux artistes. Cette enquête rend compte de la façon dont la relation au temps de l’expérience, au passé de l’institution, aux archives et aux traces de nos festivals se répondent et témoignent in fine d’un potentiel de démocratisation culturelle de cette mémoire individuelle et collective
Why does 73 years old festival still gather an audience around the same idea: producing a popular theatre (théâtre populaire) of his time? Yet the Avignon Festival’s audience evolves over generations, the core idea of this practice remains identical: discovering and encountering, artistic risktaking and debate. Throughout successive editions, boards and programs, the festival’s institutionalization led to basics and values around which an audience congregates. Doing the Festival (faire le Festival) calls on the participatory audience posture admitting a certain engagement in the role of spectator. The audience lives its own experience and appropriates the spectatoriel community’s. “The sky, the night and the glorious stone”… and then? This thesis in Information and Communication Sciences is a study of historicity regimes (régimes d’historicité) that is to say the relation to the past in the present time, through practices, discourses, mediations… To this end, between 2015 and 2019, a field inquiry was led. We collected more than 7 390 questionnaires and 50 interviews. Digital is a preferred entrance for an understanding of memory related dynamics and practices, our and other’s, and how it can enrich an experience, the festival one, as well as our general cultural experience as a spectator. The field study shows that the audience’s online involvement is characterized by an interest for audiovisual contents related to artists and plays. This inquiry reports how the relation to the experience, to the institution’s past, to archives and tracks of our festivals respond to each other and eventually testify of a cultural democratization’s potential of this individual and collective memory

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Leroy, Séverine. "L'oeuvre théâtrale de Didier-Georges Gabily : poétique d'une mémoire en pièces." Thesis, Rennes 2, 2015. http://www.theses.fr/2015REN20007/document.

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Abstract:

Cette thèse aborde l’ensemble de l’oeuvre théâtrale de l’auteur et metteur en scène français Didier-Georges Gabily (1955-1996) ; elle s’appuie sur les textes publiés et quelques inédits ainsi que sur des archives de la scène et desentretiens réalisés avec certains de ses acteurs et collaborateurs. L’étude est menée dans la perspective d’une poétique de la mémoire, une vision désenchantée de la société contemporaine surgissant de la confrontation permanente du passé avec le présent. Sont étudiées les modalités de déconstruction des mythes dans l’espace théâtral contemporain, qu’il s’agisse de mythes hérités du théâtre ou de mythes à dimension politique, tel le communisme ; ces deux angles permettant alors d’interroger la notion de communauté en son devenir. Cette recherche repose sur une observation des effets de la mémoire sur la structure du drame comme sur les régimes de la parole. On y observe en effet la récurrence d’une structure dramaturgique reposant sur une antériorité de la catastrophe que les personnages tentent vainement de recomposer. L’action y est alors remplacée par le récit, ce qui tend à produire de nombreux monologues comme une romanisation du drame. L’analyse s’appuie sur une approche esthétique mise en lien avec l’évolution des régimes d’historicité, ce qui aboutit à une lecture de l’oeuvre révélant la complexité avec laquelle l’auteur interroge le rapport au temps et à la représentation. Le dernier temps de cette recherche explore les relations de l’écriture au plateau et révèle ainsi un principe constant d’hybridation discursive manifestant l’importance du corps des acteurs et de la matérialité de la scène au sein de l’écriture. Cette étude tend à dénouer les écheveaux des héritages dans l’oeuvre théâtrale de Didier-Georges Gabily, thématique conduisant à la formulation d’une esthétique de la résistance allant contre la violence généralisée de la société libérale
This thesis covers the work of French writer and stage director Didier-Georges Gabily (1955-1996), his published and unpublished texts as well as production archives and interviews with his actors and collaborators. The perspective is that of a poetics of memory, a disenchanted vision of contemporary society that transpires out of the confrontation of the past with the present, resulting in the deconstruction of myths in contemporary dramatic space, be they myths bequeathed by former directors/actors or political myths such as communism; in either case, these two angles open a perspective onto a community in the making. The analysis is based on an observation of the impact of memory upon both dramatic structure and speech/dialogue patterns, as a recurrent dramaturgical structure resting on a former catastrophe is what the characters are constantly – and helplessly – trying to piece back together. As a result, action is replaced by narrative, which results in aseries of monologues, a “romanization” of drama (Sarrazac). The approach is based on aesthetic criteria together with the analysis of the dynamics of history in the work (both as a series of topoï and as a structuring pattern) to offer a reading of the work that reveals the complex interplay of time and performance in the author’s quest. The influence of the concreteness of the stage on Gabily’s writing is analysed in the last section of this research and reveals a process of perpetual hybridization, manifesting the importance of the actors’ bodies and the materiality of the stage in his writing. The analysis of the different threads in the fabric of literary and artistic heritage in Gabily’s work for the stage reveals the emergence of an aesthetics ofresistance going against the overall violence prevailing in liberal society

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Curel, Agnès. "Une voix en métamorphose. De l'art du boniment au bonimenteur en scène : enquête sur une mémoire sonore du théâtre." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA142.

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Abstract:

Cette thèse se présente comme une enquête : elle constate tout d’abord l’existence, sur les scènes contemporaines (XXe-XXIe siècles), de personnages de bonimenteurs et d’une référence récurrente à un art du bonimenteur. Que charrie cet imaginaire ? Comment s’est constituée cette figure fictive, qui s’ancre néanmoins dans une histoire concrète ? En quoi les particularités du dispositif oral du boniment ont-elles pu contribuer à la pérenniser ? Notre recherche s’est organisée selon une double enquête historique : sur ce qui a constitué, au XIXe siècle, l’art du boniment, et sur l’entrée du boniment dans la fiction, notamment grâce à une artification partielle datant elle aussi du XIXe siècle. L'examen de la transition entre une fonction théâtrale précisément située dans le temps et une fonction dramatique active sur les scènes et les écrans modernes met au jour les spécificités du bonimenteur, qui, du fait de sa position entre salle et scène et entre son et image, semble créer un geste théâtral particulier.Cette enquête nous conduit ainsi à voir dans le bonimenteur une figure qui interroge le rapport du théâtre à l’oralité et à son histoire. Qui pourrait incarner en somme une autre image du théâtre, reposant sur la force d’un oral performé
This thesis was written as an investigation. It first focuses on the presence on contemporary stages (20th and 21st centuries) of characters commonly known as bonimenteurs and the recurrent reference to the art of boniment. What does this imaginary world convey? How was this fictional figure constructed and how is it rooted in a tangible history? And how have certain specific oral codes used in boniment contributed to its historical durability? Our research was developed around a dual historical investigation. It examines what constituted the art of boniment throughout the 19th century, while also considering the introduction of boniment into fiction, due in part to a partial shift into an art form also observed in the 19th century. The study of the transition between a theatrical function precisely defined in a historical timeline and an active dramatic function on stage and modern screens highlights the specificities of the bonimenteur. Thanks to his or her position between room and stage, sound and image, the bonimenteur seems to create a specific dramatic gesture.This work also leads us to consider the bonimenteur as a figure questioning theatre’s relationship with orality and its history, which may embody another representation of theater based on the power of orality as performance

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Lebita, Galbert Davez. "Forme et sens dans la tétralogie de Wajdi Mouawad : lecture du thème de la transmission de la mémoire." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA025/document.

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Abstract:

Cette thèse effectue une analyse théorique et esthétique du thème de la transmission de la mémoire dans la tétralogie de Wajdi Mouawad. Cette approche nous permet d’identifier la structure des spectacles de Wajdi Mouawad et de voir en quoi cette structure participe non seulement d’une pratique théâtrale nouvelle mais également d’une figuration du thème de la transmission de la mémoire. La forme traditionnelle du drame connaît à la fin du XIXe siècle une crise profonde due notamment à l’introduction en son sein d’éléments propres à la forme épique. Aujourd’hui, on assiste dans les spectacles de Wajdi Mouawad à un éclatement de la forme, à des références à l’art, au mythe et à l’histoire liés à la problématique de la mémoire. Le théâtre de Wajdi Mouawad fait coexister plusieurs temporalités, mêle l’intime et l’universel dans des récits épiques d’une grande puissance narrative racontant la vision du monde contemporain de l’auteur. L'imbrication des récits dans l'œuvre dramatique de Wajdi Mouawad amène à découvrir une vérité factuelle sur soi et les autres. Mais cette vérité factuelle ne semble pas véritablement apaiser la soif de sens des personnages. Même la quête de beauté, c'est-à-dire la création esthétique, est en relation avec d'autres questionnements d'ordre éthique
This thesis does a theorical anylsis and esthetical of the theme of the transmission of the memory in the Wajdi Mouawad’s tetralogy. This approach allows to identify the structure of Wajdi Mouawad’ spectacles and to see in what this structrure participates not only a new theatral pratic but also the theme figuration transmission of the memory. At the end of XIXth century, the traditional form of drama has undergone deep changes due especially to the introduction within it elements specific to the epic form. Today, we assist in Wadji Mouawad’ spectacles to the bursting of the form, to the references to art, myth and history related to the memory matter. Wadji Mouawad’s theatre several temporalities make coexist, combines the intimate and the universal in epic tales of powerful narrative telling the wiew of the contemporary of the author. The imbrication of tales in Wadji Mouawad’s dramatical work drives to find a factual thruth about oneself and others. But this factual truth doesn’t really seem to appease the characters’ thirst. Even the research of beauty, means the artistical creation, is related on others questionnings of ethic order

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Passing, Fergombé Amos. "Tadeusz Kantor, le "théâtre de la mort" ou l'écriture de la mémoire (les rites africains aux confluences de la scène Kantorienne)." Valenciennes, 1996. https://ged.uphf.fr/nuxeo/site/esupversions/7cb4d023-f68b-4c64-b345-87549258abd7.

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Abstract:

Tadeusz Kantor (Wielopole, Cracovie 1915 - Cracovie, 1990) metteur en scène, scénographe, auteur et peintre polonais, a marqué durant prés d'un demi-siècle l'univers plastique et théâtral par son radicalisme et par une pratique artistique et scénique singulière. Son œuvre s'inscrit en effet sur le chemin sinueux de la création et les figures de son théâtre reflètent l'étrangeté, les rêves éveillés et les drames du XXème siècle. La thèse tente de rassembler les visages fragmentaires de l'œuvre et de l'analyser sous trois axes : l'espace de sa chambre d'imagination, l'objet du rang le plus bas et le texte scénique. Cette contribution, empruntant à la biographie de l'auteur, à ses manifestes théoriques et à ses œuvres théâtrales, dressera un inventaire des masques et des blasons de la mort dans la perspective d'une écriture de la mémoire. Dans une conjonction de la mort et de la mémoire seront par conséquent retrouvés les fondements du théâtre Kantorien dans lequel la mort, perçue au travers de la décomposition et de la réalité du rang le plus bas, est paradoxalement espérance de vie. Pour que cette pensée de la mort et de la mémoire continue à habiter en nous, la deuxième partie de notre approche proposera une lecture des rites funéraires africains afin de dégager les bases d'une écriture scénique susceptibles d'apporter un éclairage sur une Afrique en détresse. Ainsi la célébration des funérailles du peuple Moundang (Cameroun Tchad) oriente un projet dans lequel, acteurs et spectateurs, espaces, objets et textes, seront mis au service d'une écriture dramatique conservatoire d'une mémoire des vivants, d'un dialogue de la mort avec la vie. A la confluence de Kantor et de l'Afrique, le théâtre de la mort sera enfin porteur d'avenir et fondateur d'une écriture nouvelle qui s'enracine dans la mémoire, d'une conscience des drames de notre monde
Tadeusz Kantor (Wielopole, Krakow 1915 - Krakow, 1990), polish director, scenery artist, author and painter, made his mark on the plastic and theatrical universe for almost half a century through his radicalism and his peculiar artistic and scenic practices. His work lies on the twisting path of creation, and the figures of his theatre are a reflection of the 20th century strangeness, waking dreams, and dramas. This thesis seeks to bring together the fragmentary faces of Kantor's work in order to analyse it from three points of view: space and the bedroom of the imagination, the most insignificant and base object, and the scenic text. This contribution, based on the biography of the author, his theoretical manifestos and his theatrical works, will create an inventory of the masks and blasons of death in the light of a writing of memory. It is at the coming together of death and memory that the foundations of Kantor’s theatre will become clear. Death, perceived through decomposition and the basest level of reality, paradoxically gives us hope of life. To keep this thought of death and memory fresh in our minds the second part of our approach will be to propose a certain reading of African funeral rituals in order to establish a basis for a scenic text that could shed light upon an Africa in distress. In this the celebration of the funeral rites of the Moundang people of Cameroon and Chad will be at the heart of a project in which actors, spectators, space, objects and texts will be used for a dramatic form of writing which conserves a memory of the living, and also for a dialogue between death and life. Where Kantor and Africa come together the theatre of death will finally promise a future and found a new form of writing rooted in its awareness of the dramas of our world

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Hébert, Doyon Marie-Pier. "Le théâtre dans Le premier jardin d'Anne Hébert : étude d'une odyssée mémorielle portée par la convocation et l'emprise." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26291.

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Abstract:

Ce mémoire vise à mettre en lumière l’influence qu’exerce le théâtre dans le roman Le premier jardin d’Anne Hébert. Il s’efforce de démontrer que l’intrigue s’articule autour d’une dichotomie fondamentale entre la remémoration d’un passé collectif, où la protagoniste participe en tant que comédienne, et la résurgence de souvenirs où elle devient spectatrice de son propre passé qui envahit et détracte le présent. Ainsi, cette étude révèle comment les thèmes de la convocation et de l’emprise investissent l’odyssée mémorielle de Flora Fontanges et parvient également à dégager la vision de l’Art et de la création qui anime le roman tout comme le parcours de l’auteure.

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Cambron, Maxence. "De la remembrance théâtrale : poétique et politique de la mémoire dans la création scénique contemporaine en Europe (François Tanguy, Christoph Marthaler, Maguy Marin)." Thesis, Artois, 2016. http://www.theses.fr/2016ARTO0011.

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Abstract:

Sous l’intitulé « remembrance théâtrale », la thèse se propose d’examiner la présence du passé ainsi que les usages de l’Histoire et de la mémoire dans la création scénique contemporaine en Europe. Quel regard les artistes de la scène contemporaine portent-ils sur le passé ? Quelle lecture nous donnent-ils de l’Histoire et dans quelle perspective ? Comment, et à quelles fins, intègrent-ils ce passé dans leur processus d’écriture scénique ? En quoi la scène et ses possibilités artistiques sont-elles propices à l’exploration de la mémoire ? Quel rôle ces artistes délèguent-ils au spectateur dans l’établissement du sens de cette exploration ? L’analyse s’appuiera sur trois créations récentes de Maguy Marin (Description d’un combat), Christoph Marthaler (Papperlapapp) et François Tanguy (Onzième). A travers l’exemple de ces formes scéniques apparentées au « spectre postdramatique » (Christian Biet, Christophe Triau) ainsi qu’à la constellation des « écritures du plateau » (Bruno Tackels), dans lesquelles se manifestent les pratiques de la fragmentation, de la citation, de la trace et de l’archive, de la déconstruction et de l’assemblage, il s’agira de saisir les spécificités esthétiques qui découlent de ces explorations du temps depuis la scène en interrogeant à la fois les modalités de leur mise en œuvre, les conditions de leur réception et les visées de leur présentation. Selon une approche esthétique s’appuyant notamment sur la philosophie de l’Histoire de Walter Benjamin, la thèse envisage donc de déployer tout à la fois une poïétique, une poétique ainsi qu’une politique de la remémoration dans les arts du spectacle de ces quinze dernières années
Under the heading "theatrical remembrance," this thesis sets out to examine the relation of modern theatre to the past and the uses of history and memory in contemporary stage creation in Europe. It examines how artists of the contemporary scene relate to the past asking the questions : What conception do they give us of history and from what perspective? How and for what purpose, do they integrate the past in their scenic writing process? In what way is the scene and its artistic possibilities conducive to the exploration of memory? What roles do artists delegate to their audience in determining the meaning of their artistic expression? The analysis is based on three recent creations by Maguy Marin (Description d'un combat), Christoph Marthaler (Papperlapapp) and François Tanguy (Onzième). Through these examples of scenic forms, affiliated to the "post-dramatic spectrum" (Christian Biet, Christophe Triau), as well as the contribution of Les écritures de plateau by Bruno Tackels, in which the practices of fragmentation, the quote, the trace, the archive; of dismantling and of assembly, appear. Through the use of the aesthetic characteristics resulting from these explorations of the past on the stage, and the questioning of the modalities of their implementation, the conditions of their reception and the purposes of their presentation and in accordance with an aesthetic approach based in particular on the philosophy of History by Walter Benjamin, the thesis plans to develop a poetics and politics of remembrance in the performing arts of the last fifteen years

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Poinsot, Claire. ""Poussières de Mnémosyne". Les pathologies de la mémoire collective et individuelle dans le théâtre de W. B. Yeats et J. M. Synge (1892-1939)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA119.

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Abstract:

Depuis les débuts de W. B. Yeats en tant que dramaturge dans les années 1890, le personnage de théâtre irlandais semble pris dans une tempête de mémoire, chavirant entre deux écueils également mortifères, l’impossibilité d’oublier (hypermnésie) et celle de se souvenir (amnésie). Cette crise de la mémoire et par conséquent de l’identité entraîne une prolifération de troubles mentaux chez les personnages et une utilisation métaphorique croissante et peut-être inconsciente de la maladie mentale par les dramaturges comme théâtralisation des bouleversements de la société contemporaine. W. B. Yeats (1865-1939) et J. M. Synge (1871-1909) font de la mémoire dysfonctionnelle non seulement l’un des thèmes centraux de leur œuvre théâtrale, mais plus encore la matière même de leur écriture, alors que la mémoire désacralisée et déstabilisée est réécrite, remodelée par une prolifération de récits mensongers et contradictoires (paramnésie). Ce travail veut alors définir le rapport entre mémoire, maladie mentale et Modernisme sur une période relativement longue (1892-1939) afin d’observer l’évolution des modes d’inscription de la mémoire à l’intérieur du texte en se centrant sur les trois troubles de la mémoire identifiés à l’époque et à la lumière desquels seront étudiées successivement les pièces. Il s’agit de faire un aller-retour entre la perception intuitive de la mémoire par la littérature et les théories psychiatriques contemporaines, l’hypothèse centrale étant que le texte théâtral intègre certaines notions cliniques dans l’étude de la mémoire, ce qui permettrait de voir dans cette relation entre texte médical et texte théâtral l’un des éléments d’un (pré-)Modernisme irlandais
Ever since Yeats started writing plays in the 1890s, the Irish character seems to be struggling between two opposite pitfalls of memory: on the one hand an impossibility for him to forget, and the other hand an impossibility to retain memories. This memory crisis, which entails an identity crisis, leads to an increasing staging of mental disorders by the playwrights to represent, perhaps involuntarily, a destabilised contemporary society. W. B. Yeats (1865-1939) and J. M. Synge (1871-1909) use mental disorder not only as a theme, but also as a literary ploy as memories in their plays are relived and reconstructed in misleading and contradictory tales. This work focuses on the relationship between memory, mental disorder and Modernism in a long period (1892-1939) in order to underline the evolutions of the representation of dysfunctional memory in the texts. It successively examines the plays in the light of the three major memory disorders identified by psychiatrists at the time: amnesia, hypermnesia and paramnesia. This work relies on a parallel reading of the intuitive perception of memory by literature and the contemporary psychiatric theories, the underlying hypothesis being that some clinical notions of memory dysfunctions have been integrated to the theatrical corpus, which could be a feature of an Irish (early) Modernism

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Lumière, Emilie. "Clio en question. Le théâtre métahistorique en Espagne (1980-2010)." Phd thesis, Université Toulouse le Mirail - Toulouse II, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01057492.

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Abstract:

Dans le contexte de la postmodernité, la question de l'écriture de l'histoire est devenue essentielle. " Tournant épistémologique " chez les historiens, " fiction métahistorique " chez les écrivains : cela semble témoigner d'une " conscience métahistorique " qui touche aujourd'hui les sociétés occidentales dans leur ensemble, invitant à penser l'histoire comme un palimpseste d'interprétations subjectives et contradictoires. L'Espagne, traversée par de récents conflits mémoriels, n'est pas en reste. Tout en cherchant à identifier les modalités et les enjeux de cette tendance métahistorique, cette thèse s'interroge sur la place du théâtre espagnol contemporain à l'intérieur de ce phénomène. Après avoir retracé les évolutions des notions " métahistoire " et " fiction métahistorique ", ce travail s'ouvre sur un premier chapitre proposant une ébauche de l'histoire de la métahistoire en Occident, étendue à l'historiographie, à l'art et au champ sociétal - limitée pour ce dernier à l'époque contemporaine. Si le phénomène métahistorique est loin d'être nouveau, la conscience métahistorique qui lui donne une force et une cohérence inédites semble se cristalliser dans le dernier tiers du XXe siècle. L'Espagne possède ses spécificités, liées notamment à l'héritage de la guerre civile et du franquisme. Ce chapitre s'achève sur un volet théorique où sont précisés des outils d'analyse pour la fiction métahistorique et une typologie (fiction métahistorique métafictionnelle ; fiction métahistorique historiographique), tout en envisageant quelques particularités du genre dramatique. L'examen, dans un second chapitre, d'une dizaine de pièces espagnoles écrites ces trente dernières années ‒ El retablo de Eldorado, Naufragios de Álvar Núñez, Lope de Aguirre, traidor et El sudario de tiza de J. Sanchis Sinisterra, ¡¡¡Tierraaaa... a... laaaa... vistaaa...!!! de M. Martínez Mediero, Yo tengo un tío en América d'A. Boadella, Retrato de gran almirante con perros de L. Riaza, Yo, maldita india... et El arquitecto y el relojero de J. López Mozo, El jardín quemado et La tortuga de Darwin de J. Mayorga, et Homenaje a los Malditos d'E. Calonge ‒ montre que le dispositif métahistorique se manifeste dans des dramaturgies variées. Ce corpus présente néanmoins une réelle unité : en écho à la préoccupation historiographique et sociétale actuelle pour l'écriture de l'histoire, il s'offre comme une manifestation artistique originale de la conscience métahistorique contemporaine, dans les particularités de l'aire espagnole. Ces textes semblent refléter par ailleurs l'affirmation progressive de la fiction métahistorique qui s'affranchit peu à peu de la fiction historique et de la métafiction. À l'heure où Clio est ramenée sur la scène des hommes, déconstruite et démythifiée, ces dramaturges n'en font pas moins acte de mémoire et offrent des espaces d'expression aux mémoires en souffrance. Résolument postmoderne, la fiction métahistorique contemporaine ne verse pas dans le nihilisme : elle démantèle les discours historiques pour mieux les comprendre ; elle les déconstruit pour proposer d'autres évocations du passé.

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Chuliá, Jordán Alejandra. "Fernando Arrabal et le théâtre panique en France : modèles artistiques et devenir scénique." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA117.

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Abstract:

Cette approche de recherche sur Fernando Arrabal et le théâtre panique pointe une période circonscrite à l’œuvre théâtrale du dramaturge dite « panique ».L’objet de cette thèse cherche donc à essayer de comprendre la théorie panique (la mémoire, le hasard et la confusion) ainsi qu’une thématisation sur les différents modèles artistiques de ses pièces paniques et l’influence arrabalienne dans le devenir scénique d’aujourd’hui. L’étude part d’une nouvelle esthétique théâtrale baroque allant du texte à la scène ainsi que de la stratégie utilisée par l’écrivain dramaturge dans ces pièces appelée la cérémonie panique.La problématique centrale est celle de la perception esthétique et cathartique qui plonge le spectateur vers la confusion de la scène et de la vie. Le panique suivant la théorie artauldienne fusionne la réalité et le cauchemar. L’individu est confronté au chaos de la vie jusqu’à la fin tragique de la mort.La dramaturgie arrabalienne mène l’écrivain sur un double questionnement, celui de la quête de la gloire, de l’identité avec la réalité à travers la connaissance de soi et du monde mais aussi aux peurs que cela provoque. La représentation de ce théâtre plonge le spectateur dans un véritable choc émotionnel. Le théâtre panique de Fernando Arrabal est un théâtre universel, mais aussi un théâtre de l’extrême, qui va à l’encontre de la vérité, de la liberté et de la panique. Une panique individuelle et collective qui à travers un théâtre total fait éclater la raison et les carcans sociétaux cherchant un monde meilleur. L’écrivain est d’autant plus d’actualité que la triste réalité nous confronte au théâtre panique
This approach to the research on Fernando Arrabal and the panic theater points out to a specific and limited time of the playwright’s theatrical work called "panic".The aim of this thesis is therefore to try to understand the panic theory (memory, chance and confusion) as well as a thematization on the different artistic models of these panic plays and the Arrabalian influence on the scenic future of today. The study begins with a new baroque theatrical aesthetics ranging from text to scene and from the strategy used by the playwright in these panic plays called the panic ceremony.The central problem is that of the aesthetic and cathartic perception that plunges the viewer into the confusion of the scene and of life. The panic following the Artauldian theory merges reality and nightmare. The individual is confronted with the chaos of life until the tragic end of death.The Arrabalian dramaturgy leads the writer on a double questioning, that of the quest for glory, of identity with reality through the knowledge of the self and of the world, but also that of the fears it fathers. The representation of this theatre plunges the viewer into a real emotional shock. The panic theater of Fernando Arrabal is not only a universal theatre, but also a theatre of the extreme, which goes against the truth, freedom and panic. An individual and collective panic which, through a complete theater, is breaking out reason and social contraints, and also looking for a better world. The writer is all the more topical as the sad reality confronts us with panic theater

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Bayard, Marc. "Les dessins du Mémoire de Laurent Mahelot : enjeux iconographiques et théoriques de l'image du décor théâtral (1625-1640)." Paris, EHESS, 2003. http://www.theses.fr/2003EHES0091.

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Abstract:

L'étude des dessins du Mémoire de Laurent Mahelot (manuscrit de la B. N. F contenant 47 esquisses pour des décors de théâtre à Paris) a permis d'établir une iconographie théâtrale fondée à partir d'une définition de l'image du décor en trois propositions : cette image est contextualisée, élaborée d'après des références picturales et poétiques, et elle est construite selon des implications théoriques. La première partie comprend une délimitation du contexte historique des esquisses du Mémoire. Nous avons, grâce à la découverte de documents d'archives, mis à jour l'importance de Georges Buffequin dans la vie artistique parisienne du début du XVIIe siècle (peintre du roi au service de Richelieu, créateur des dessins du Mémoire). Dans la deuxième partie, nous avons montré en quoi une analyse iconographique spécifique pouvait aider à comprendre la particularité de l'iconographie du décor : c'est-à-dire une imbrication d'éléments visuels "réels" et symboliques. Enfin, dans la dernière partie, nous avons envisagé les implications théoriques de l'image du décor, notamment celle de l'étendue scénique. Par ailleurs, l'étude du Discours à Clinton a permis de révéler l'intérêt de ce texte que l'on considère comme le manifeste de l'esthétique de la variété : il s'intègre ainsi dans l'étude des débats pré-académiques. L'image du décor du début du XVIIe siècle, étudiée dans une pluralité méthodologique du fait de la polyvalence de l'objet, a montré sa valeur iconographique et théorique. Grâce aux dessins de Georges Buffequin, réhabilité, nous avons approfondi la connaissance d'une histoire de l'art pré-académique
A study of the drawings of Laurent Mahelot's Mémoire (a manuscript containing 47 sketches for scenery-painting, at the Bibliothèque Nationale de France in Paris) permitted me to establish a theatrical iconography based on a definition of the scenery-painting image : a contextual image elaborated from pictorial and poetic referents, and made according to theorical implications. The first part of my thesis is an attempt to delimit the historical context of the Mémoire's sketches. The discovery of some new archive documents allowed me to demonstrate the importance of Georges Buffequin in the artistic life of Paris in the first half of 17th century (the King's painter employed by Richelieu, and creator of the drawings of the Mémoire). In the second part, I show how a specific iconographic analysis could help us to understand the particularity of scenery-painting iconography, i. E. An interconnection of symbolic and real visual elements. Finally, in the third part, I treat the theoretical implications of the scenery-painting image, especially the question of stage "extent". The analysis of the Discours à Cliton reveals the importance of this text, which can be considered as a manifesto of the aesthetic of variety, and thus belongs to pre-academic debates. The analysis of the scenery-painting image during the first years of the 17th century, using a methodological plurality because of the polyvalence of the subject, gives proof of its iconographical and theoretical validity. In fouding my research on Georges Buffequin's drawings, now re-evaluated, I hope perhaps have opened a new door in the knowledge of pre-academic art history

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Julian, Thibaut. "L’Histoire de France en jeu dans le théâtre des Lumières et de la Révolution (1765-1806)." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040181.

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Abstract:

Le second dix-huitième siècle est marqué par une profonde reconfiguration du cadre politique qui se traduit par un essor concomitant de la critique publique et du patriotisme. Le théâtre participe au mouvement. Dans le sillage de Voltaire, des auteurs très divers s’emparent de l’Histoire de France, renouvelant les genres théâtraux et le rapport au spectacle. Aux pièces épiques ou sentimentales du « genre troubadour » s’ajoutent bientôt les anecdotes biographiques consacrées aux Grands Hommes, puis les « apothéoses dramatiques » et les « faits historiques » contemporains de la Révolution. Cet ensemble hétéroclite de pièces jouées sur des théâtres officiels, en société ou seulement diffusées par écrit, constitue ce que nous appelons le théâtre national des Lumières et de la Révolution. À travers l’étude des textes et de leur réception, nous analysons comment la représentation de l’Histoire de France participe aux transformations des mentalités, selon un effet de miroir passé-présent plus ou moins explicite. Aux enjeux esthétiques et dramaturgiques emblématiques de cette période charnière entre classicisme et romantisme, le théâtre national mêle des enjeux politiques et mémoriels : plus qu’un divertissement moral, il est conçu comme un dispositif civique. Il construit un patrimoine historique collectif avec des mythes et des légendes, mais les intentions idéologiques divergentes des auteurs et la participation active des publics en font un lieu de dissensus. Le théâtre national médiatise également les tensions de la société et recherche des émotions qui oscillent entre l’admiration, l’attendrissement, la déploration indignée et l’horreur face aux blessures du passé
The second half of the eighteenth-century is characterized by a thorough transformation of the political world, a change which reflected the simultaneous development of public criticism and patriotism. Theatre plays a key role in this process. Following Voltaire, a variety of playwrights use French history for their plots, and in so doing they update genres and audience expectations. Alongside epic or sentimental plays of the troubadour genre, bio-dramas of “Great Men” soon appeared, followed by dramatic apotheoses and the Revolution’s “faits historiques”. This varied corpus of plays – performed ¬ or not, on official or private stages – constitutes what we may call the national drama of the Enlightenment and the French Revolution.By studying these texts and their reception, I analyse how the theatrical representation of French history and its ability to act as a mirror between the past and the present contribute to the contemporary changes in thought. National drama not only showcases the esthetical and dramaturgic debates of this turning point between classicism and romanticism, but it additionally implicates issues of politics and memory: it is more than simple moral entertainment, it has civic value. These productions create a collective historical heritage with its own myths and legends, but the playwrights’ contradictory ideological intentions and the audiences’ active participation also make this theatre a site of dissent. National drama also expresses contemporary social strains and seeks to evoke specific emotions such as admiration, empathy, outrage and horror in the face of the past’s wounds

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Klein-Rouquier, Delphine. "La récriture des classiques : Goethe et Schiller dans le théâtre d'Elfriede Jelinek (Ulrike Maria Stuart, FaustIn and out)." Thesis, Lyon 2, 2015. http://www.theses.fr/2015LYO20129.

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Abstract:

Depuis ses débuts littéraires, les classiques sont régulièrement convoqués dans l’écriture hautement intertextuelle d’Elfriede Jelinek par le truchement de citations tronquées, disséminées. Sa production dramatique récente est marquée par une confrontation redoublée avec les classiques germanophones, avec de nombreuses récritures produites depuis le milieu des années 2000. Parmi elles, le texte de théâtre Ulrike Maria Stuart (publié en ligne pendant trois jours en 2006, imprimé seulement en 2015) fait écho à la pièce de Friedrich Schiller Marie Stuart, et FaustIn and out (accessible gratuitement sur le site de Jelinek depuis 2011) joue avec l’œuvre « incommensurable » de Goethe, (l’Ur-)Faust. Cette étude effeuille les différentes strates du palimpseste et met au jour les espaces investis par la récriture à travers un parcours balisé, dispositif à entrées multiples permettant de décrire le fonctionnement et les enjeux de la récriture du point de vue de sa production, mais aussi de sa réception, notamment dans les mises en scène. En analysant comment l’espace de la récriture se mue en désécriture et tire profit d’une écriture « seconde » ou mineure (Deleuze), les enjeux macrostructurels, esthétiques et socio-littéraires de ces textes se font jour. La confrontation à la classicité entre en résonance avec le nouveau positionnement de l’autrice au sein du champ littéraire, notamment à travers le processus de classicisation de son oeuvre, influant également sur le destin éditorial singulier des œuvres de notre corpus
Since her literary debut, the classics have regularly surfaced in the highly intertextual writing of Elfriede Jelinek by means of fragmentary and fleeting citations. Her recent dramatic productions are marked by an ever greater confrontation with the Germanic classics, with numerous rewritings produced since the mid-2000s. Among these, the play Ulrike Maria Stuart (published online over three days in 2006 and only published in print in 2015) echoes Friedrich Schiller’s play Marie Stuart, while FaustIn and out (accessible free of charge on Jelinek’s website since 2011) toys with the “immeasurable” work of Goethe, (Ur-)Faust. This study unravels the different strata of the palimpsest and revises the spaces occupied by rewriting through a well-defined path, an approach with multiple entry points that allows the functioning and issues of rewriting to be described from the perspective of both its production and its reception, notably in form of dramatization. By analysing how the space of rewriting evolves into a sort of unwriting and takes advantage of “secondary” or minor (Deleuze) writing, the macrostructural, aesthetic, and socio-literary stakes of these texts emerge. The confrontation with classicity resonates with the new positioning of the author within the literary field, especially through the process of the classicisation of her works, and influences the uncommon editorial approach framing the works of the corpus under investigation

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Pocquet, du Haut-Jussé Tiphaine. "La Mémoire de l’oubli. La tragédie française entre 1629 à 1653." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA135.

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Abstract:

Henri IV met fin aux guerres civiles de religion en 1598 en décrétant la mémoire des troubles « éteinte et assoupie, comme de chose non advenue ». Comment se positionne le théâtre français par rapport à cette politique d’oubli, quel espace mémoriel offre-t-il ? Nous considérons la tragédie qui s’écrit entre 1629, fin officielle des guerres civiles et date de la dernière tragédie d’actualité, et 1653, fin de la Fronde et d’une nouvelle menace de division intérieure. La tragédie semble se détourner d’une actualité trop déchirante, en ce sens elle oublie, mais elle se trouve pourtant travaillée par cet oublié. En partant du plus visible : la mise en scène des princes cléments, nous montrons que cette forme d’oubli officiel et volontaire est très représentée sur la scène tragique. Mais l’oublié est aussi ce qui travaille les tragédies dans la représentation qu’elles offrent du conflit familial qui fournit bon nombre des sujets tragiques du temps. La tragédie fait donc affleurer le présent du passé, la mémoire de la division, par le détour allégorique. À un théâtre mélancolique où le passé pèse sur le présent de tout son poids s’oppose un théâtre de relance historique dans lequel peut s’ouvrir un avenir nouveau. Enfin, l’oubli apparaît dans ces années de théorisation dramatique comme un idéal pour le spectateur absorbé dans le spectacle, et comme une menace quand il conduit à l’oubli de soi chez certains comédiens ou spectateurs naïfs. L’oubli, dans son équivocité fondamentale, permet donc d’articuler théorie politique, dramatique et images scéniques, dans un premier dix-septième siècle où l’on ne cesse de penser la violence qui menace le lien et la communauté au risque de la division
Henry the 4th ends the religious civil wars in 1598 by ordaining that the remembrance of troubles is « extinguished and abated, like something that did not occur ». How does French drama stand in relation with this politics of oblivion ? What kind of memorial space does it open ? We consider tragedies written between 1629, official end of the troubles and date of publication of the last usual times tragedy, and 1653, end of a new internal division threat embodied by the Fronde. In appearance, tragedy seems to forget a harrowing recent past by turning away from it, but it is simultaneously deeply influenced by what has been forgotten. By starting with what is most visible, the staging of merciful princes, we demonstrate that this official and voluntary oblivion is very much represented on the tragic stage. But forgetfulness is also influencing tragedies in their displaying of family feuds, a frequent tragic topic of these times. Tragedy thus makes surface the present of the past, the memory of division, through allegoric detours. A double-face drama emerges : one of melancholy in which past weighs on present, one of historical reset with an ouverture for renascent prospects. Last, in these years of dramatic theorization, forgetfulness appears to be, for a spectator absorbed by the play, an ideal, as well as it can drag the most naive of them and some comedians into forgetting about their selves in denial of reality and confusion with fiction. The fundamental ambiguity of forgetfulness enables to articulate political theory, drama and staging, in a 17th century where violence is thought to threaten the community with division

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Boula, de Mareuil Marie-Isabelle. "Le Jeu avec le passé dans le drame contemporain : Patrick Kermann, Jean-Luc Lagarce, Philippe Minyana." Thesis, Paris 3, 2010. http://www.theses.fr/2010PA030066.

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Abstract:

Les dramaturgies contemporaines répondent à l’exigence d’une écriture du temps au théâtre en renouvelant notamment leur forme, leur langue et leur adresse. Le drame n’est plus « action » au présent. Il devient l’expression d’un retour, celui du passé. Le jeu avec le passé est le va-et-vient sans fin et toujours renouvelé du passé vers le drame et du drame vers le passé. Cette étude se concentre sur neuf pièces écrites entre 1980 et 2000 par trois dramaturges français, Patrick Kermann, Jean-Luc Lagarce et Philippe Minyana. Dans ces écritures, le passé revendique sa place [et la prend] dans l’actualité de la représentation. En investissant toute la structure du drame, il bouleverse l’organisation du discours, la représentation de l’espace et la possibilité de l’action. Cette revendication s’effectue également à la faveur du retour des morts et sur la mort. Tandis que la catastrophe a déjà eu lieu, le désastre continue d’abîmer et déconstruire la fable. Joués par le passé, le drame et ses protagonistes témoignent d’un héritage « sans testament ». Privé d’identité, le personnage accepte ou subit le jeu sans pour autant parvenir toujours à en proposer une interprétation
Contemporary theatre answers the requirement of a theater writing of the time by renewing in particular its form, its language and its addressee. Drama is no longer an “action” taking place in the present. It becomes the expression of a return, that of the past. Playing with the past corresponds to endless comings and goings from the past to drama and from drama to the past. This study focuses on nine plays written between 1980 and 2000 by three French dramatists, Patrick Kermann, Jean-Luc Lagarce and Philippe Minyana. In these writings, the past claims its place [and takes it] in the performance actuality. By investing the whole drama structure, it disrupts the organization of speech, the representation of space and the possibility of action. This claiming also proceeds from the return of the dead and to death. Whereas catastrophe already took place, disaster keeps on damaging and deconstructing the fable. Played by the past, drama and its protagonists testify an inheritance left “by no testament”. Deprived of identity, the character accepts or suffers the way he is played, without necessarily and systematically managing to offer an interpretation

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Esteves, Anna Maria Pereira. "Dramaturgie et mémoire : le groupe Icaros do Vale, dans le Minas Gerais ( Brésil)." Thesis, Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100122.

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Abstract:

Cette thèse construit une réflexion sur les liens entre dramaturgie et mémoire, dans “l’écriture de la scène” du groupe de théâtre « Icaros do Vale », dans le Minas Gerais (Brésil), considérant que le “mode populaire de la production artistique” d'Icaros do Vale s’inscrit dans l’assertion lukacsienne de l’universalité esthétique de la représentation, même apparemment ancrée dans le particulier et le “processus de la vie réelle”. L’analyse inclut une réflexion sur la culture populaire et, plus spécifiquement dans le domaine du théâtre, sur les modes de recréation, dans l’écriture de la scène, de ces représentations exemplaires. La redéfinition idéologique de ce qui est appelé “culture populaire” inclut un questionnement de l’authenticité et de la légitimité de sa “récupération mémorielle”, sans la condamner à une simple reproduction de stéréotypes et aussi sans considérer comme art authentique les démonstrations colonisées par l’industrie de la culture. Le dévoilement des implications sociales, politiques, idéologiques et esthétiques qui imprègnent le groupe Icaros do Vale exige une connaissance de la vie de la région de Jequitinhonha, son occupation et son peuplement à partir de 1789 et les modes de maintien des fêtes traditionnelles, des coutumes, des légendes, des chants anciens et du théâtre populaire. A partir de cette genèse des manifestations culturelles, il sera possible d’étudier l’émergence et la réémergence, dans le temps, de cette diversité et de cette richesse culturelle. Et de tenter d’éclaircir l’apparent paradoxe que représente l’existence de ce groupe théâtral de grande qualité dans une région au statut socioéconomique aussi précaire que le Vale do Jequitinhonha
The object of this thesis is to reflect on the dramaturgy and memory of Ícaros do Vale theater group, which has completed fifteen years of political and aesthetical resistance in Vale do Jequitinhonha, Minas Gerais. For that purpose, the following investigation was carried out in order to investigate if the “popular method of artistic production” of Ícaros do Vale, known for its commitment to the “process of real life”, elevates itself to universality, even though it is linked to the representation of something in particular. The task consisted of an analysis beyond the efforts commonly found on studies about representation on popular culture and, specifically on the field of the theater produced by Ícaros do Vale, object of this research, about the efforts to “rescue” their own “exemplary” representations through their scenic procedures. The representation of the popular culture of Minas Gerais on the performances of the group will not be legitimized with redeeming authenticity, nor will it be condemned as mere reproduction of the stereotype, as it is usual on a discourse that considers genuine art the manifestations largely colonized by the cultural industry

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Vallet, Cécile. "L'improvisation dans les pratiques physiques et artistiques : contribution à la compréhension des processus attentionnels et mnésiques en jeu dans la génération d' actions." Bordeaux 2, 2001. http://www.theses.fr/2001BOR28883.

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Nawar, Abdo. "La pratique théâtrale professionnelle de Roger Assaf, médiation d'une histoire singulière." Thesis, Aix-Marseille, 2018. http://www.theses.fr/2018AIXM0471.

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Abstract:

Notre thèse est une approche à double objectif : D’abord, comme le titre l’indique, étudier la pratique théâtrale professionnelle de Roger Assaf, médiation d'une Histoire singulière, et à travers son parcours faire la lumière sur l’histoire du théâtre au Liban, qui est aussi l’histoire du Liban et de la région. Ensuite, contribuer d’une certaine façon à sauver « la mémoire collective », et faire de cette thèse une étape dans la constitution d’une archive sur le théâtre au Liban, en puisant les informations et les détails auprès de Roger Assaf, le comédien, le dramaturge, le metteur en scène et l’écrivain, et de fixer dans cette « mémoire collective » des moments exceptionnels recueillis auprès des gens, essence même de l’esprit de l’Association SHAMS qui a constitué le couronnement du parcours artistique et culturel de Roger Assaf
This thesis is a dual-purpose approach: First, as the title suggests, study the professional theatrical practice of Roger Assaf, mediated a singular History, and through his journey shed light on the history of theater in Lebanon, which is also the history of Lebanon and the region. Then, contribute in a certain way to save “the collective memory”, and make this thesis a step in the constitution of an archive on the theater in Lebanon, drawing information and details from Roger Assaf, the actor, the dramaturge, the director and the writer, and to fix in this “collective memory” exceptional moments collected from people, the very essence of the spirit of the SHAMS Association which was the culmination of the artistic and cultural journey of Roger Assaf

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Sahakian, Emily. "French Carribbean Women's Theatre : Trauma, Slavery, and Transcultural." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0136.

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Abstract:

Le présent mémoire de thèse examine le rôle culturel du théâtre féminin antillais des décennies 1980 et 1990. Il se propose de montrer que le théâtre participe à la construction et à la transformation d'une mémoire collective de l'esclavage, aussi bien au sein d'une nation que dans un contexte transnational. À partir du concept de mémoire traumatique de l'esclavage, il s'agit d'étudier d'une part, trois dramaturges antillaises, en mettant en relief trois pièces principales, et, d'autre part, les mises en scène et la réception de ces pièces à l'Ubu Repertory Theater de New York. Cette étude commence par une introduction théorique, suivie d'un deuxième chapitre sur l'esclavage, sa mémoire, et son oubli en France métropolitaine et d'Outre-mer. Les trois chapitres centraux examinent les théâtres d'Ina Césaire, de Maryse Condé, et de Gerty Dambury aussi bien que la mise en scène et la réception de leurs pièces à l'Ubu. Dans la première partie de chaque chapitre, une analyse textuelle permet d'éclairer comment les pièces présentées mettent en scène une continuité entre le passé et le présent. Ici, le théâtre vise à confronter et instaurer une mémoire antillaise et féminine de l'esclavage, mémoire qui était largement inconsciente et secrète à la fin du vingtième siècle. Dans la deuxième partie de chaque chapitre, il est question de la traduction du traumatisme réalisée par les artistes et les spectateurs à l 'Ubu. Cette analyse souligne la mise en place d'une narration du traumatisme transculturel, créée par l'événement théâtral, et les conflits engendrés
This dissertation examines the cultural work done by French Caribbean women's theatre of the 1980s and 1990s. Through a focus on traumatic memories of slavery, l study three French Caribbean women dramatists, investigating three noteworthy plays and the staging and reception of those plays at Ubu Repertory Theater of New York. The study begins with a theoretical introduction, followed by a second chapter on slavery and its remembrance in metropolitan France and the overseas departments. The three central chapters investigate the theatres of Ina Césaire, Maryse Condé, and Gerty Dambury, as well as the production and reception of their plays at Ubu. In a first section of each chapter, l deploy textual analysis to illuminate how the plays portray links between the past and the present in order to establish and transform French Caribbean women's memory of slavery, which was largely unconscious and secret at the end of the twentieth century. In a second part of each chapter, l investigate the translation of trauma realized by Ubu artists and spectators and the conflicts generated by transcultural performances of French Caribbean women's trauma

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Blin, Fanny. "Les Antigones espagnoles : modalités esthétiques et idéologiques des reprises de la figure mythique, de la Guerre Civile à la Transition." Thesis, Bordeaux 3, 2017. http://www.theses.fr/2017BOR30024.

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Abstract:

En réponse au traumatisme de la division nationale suscitée par la guerre civile et cristallisée pendant le franquisme, la figure d’Antigone resurgit avec force dans la dramaturgie espagnole. Le parcours de résistance de cette héroïne grecque devient, sous la plume des auteurs espagnols du XXème siècle, l’emblème de la « juste mémoire » (Ricœur, 2000). Partant de l’hypothèse que le corpus des Antigones espagnoles constitue un ensemble relevant d’une dynamique commune de relecture de l’histoire, cette thèse recherche, à travers un travail comparatif des structures et des symboliques, la cohérence des versions catalanes, galiciennes et castillanes, de l’exil comme de l’intérieur, pour la période comprise entre 1936 et 1989. Dix-huit pièces sont ainsi mises en perspective pour démontrer la conquête de discours mémoriels et compensatoires à partir des sources hypotextuelles que constituent la tragédie de Sophocle, mais aussi les autres versions théâtrales du mythe. La première partie examine les procédés de réécriture du mythe, de l’histoire et de la tragédie, pour qualifier les pièces et déterminer un éventuel noyau mythique ou un schéma référentiel récurrent. La notion de « (re)configurations contemporaines » au prisme du contexte politique émerge alors pour désigner les objets de ce travail. La deuxième partie analyse les convergences esthétiques et les motifs récurrents dans les textes, car les Antigones espagnoles contemporaines placent au centre de la scène la métaphore de la marge pour figurer l’exclusion politique, ou encore celle du chemin pour représenter les destins brisés et l’exil. Fondamentalement, ces œuvres forgent un tombeau littéraire pour les défunts oubliés, mais aussi un monument en l’honneur des invisibles. La dimension esthétique de cette place théâtrale compensatrice ouvre une réflexion sur son sens cathartique dans une société en recomposition pendant la Transition. En effet, le troisième volet de cette thèse est centré sur la théâtralisation de l’histoire : il s’agit d’étudier les dispositifs de déconstruction des récits nationaux à travers les différents réagencements du mythe des Labdacides. Cette clé de lecture révèle les stratégies de démythification-remythification qui président aux nouvelles charges sémantiques des épisodes mythiques, dépeignant un autoportrait déformant de la communauté espagnole en crise. À l’horizon de ces pratiques de réécriture, se lit la conception d’une époque historique comme une épopée, que la parole cérémonielle et le dispositif scénique peuvent contribuer à purger, par une distance qui englobe un large prisme, de la sacralité au grotesque
Echoing the traumatic conflict within the nation caused by the Civil War and crystallized during Franco’s era, Antigone’s reappearance was extremely intense in Spanish dramatic creation. In contemporary rewritings, the resistance of this tragic character from Greek mythology turned out to be the emblem of a “fairer memory” (Ricoeur, 2000). This work asserts that the Spanish Antigones converge and share a common signification when it comes to rewriting History; and resorts to a comparative study of structures and symbols to shed light on the continuity between the Castilian, Catalan and Galician versions, between those written in exile or not, from 1936 to 1989. In order to establish the common dynamic, eighteen plays are compared, whose key idea is to create a memorial and a redeeming discourse based on the Greek sources but also inspired by other versions of the tragedy. Therefore, the first part examines the strategies implemented to rearrange the mythical pattern, the historical context and the tragic genre. This leads to the conclusion that there is no permanent mythical core nor a fully recurrent referential scheme. As such, the notion of “contemporary (re)configurations” through the prism of politics seems relevant to describe the rewritings. The second part analyses the aesthetic convergences and the recurring themes and metaphors throughout the texts and concludes that in the contemporary Spanish Antigones, the image of the margins embodying exclusion takes on centre stage while the image of the path is resorted to in order to evoke broken destinies and exile. Basically, these plays create a literary tomb for the forgotten deceased but also a monument in honour of the invisible –alive– ones. The aesthetic dimension of this compensatory play requires a reflection upon its cathartic sense in a transforming society during the Transition to democracy. Indeed, the third part of this work focuses on the dramatization of History, making it crucial to study the scenic devices that dismantle the official stories and political myths. This reveals the strategies of “demystification” followed by new mythifications that portray a distorting image of the Spanish community in crisis. Ultimately, these practices of rewriting show that the playwrights conceived their time as an epic and mythical phase which could be purged by theatrical ceremonial thanks to a distancing effect that covers a large prism, from sacred to grotesque

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Rabier, Amandine. "Henry Fuseli ou le spectacle de la peinture d’histoire (1768-1825)." Thesis, Paris 10, 2015. http://www.theses.fr/2015PA100164.

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Abstract:

L’enjeu de cette thèse sur Henry Fuseli est de tenter de montrer la façon dont cet artiste a conçu sa pratique de la peinture d’histoire comme un véritable spectacle. En nous appuyant notamment sur l’analyse du corpus d’œuvres shakespeariennes peintes, dessinées et gravées par l’artiste entre 1768 et 1825, nous avons essayé de mettre au jour les processus de « spectacularisation » à l’œuvre chez Fuseli. L’étude de la participation de l’artiste à la société anglaise et à ses divertissements - spectacles privés, fréquentation des théâtres publics et d’attractions plus populaires - a permis de mesurer en quoi une culture visuelle bien plus large que celle issue de la simple production théâtrale informe la production de l’artiste. Le spectacle populaire, véritable modèle caché du peintre, a nourri la réflexion de Fuseli sur la recherche de l’effet en peinture, dans sa relation avec la mémoire du spectateur. Contre l’idée commune faisant de Fuseli un peintre visionnaire, ancrant son œuvre dans sa seule imagination, cette thèse a pour ambition de montrer la nature du rapport éminemment matériel que l’artiste entretint avec les spectacles de son temps. La mise au jour du rôle des réminiscences de la scène de théâtre dans la création picturale et l’étude du transfert d’un certains nombre de « signes matériels » de la scène au tableau (tels que le cadre, les portes, le rideau…), nous ont permis de mettre en évidence l’esthétique en acte dans la peinture d’histoire de Fuseli. C’est la question de la relation que cette peinture instaure avec son spectateur qui clôt notre étude : une forme de pacte au sein duquel celui qui peint et celui qui regarde s’accordent, le temps du regard, pour croire à ce qui est donné à voir, afin d’en éprouver l’effet
Trying to demonstrate how Henry Fuseli’s practice of history painting was truly conceived as a show is what is the challenge of this thesis. By basing ourselves mainly on the analysis of the corpus of Shakespearian paintings, drawings and engravings made by the artist between 1768 and 1825, we have tried to highlight the processes of spectacularisation (theatrical devices) within Fuseli’s work. The study of the artist’s involvement in the english society – his attendance to various entertainments such as privates shows, public theatres or even more popular scenes – enabled us to measure that the artist’s production is the result not only of the mere theater scene but accounts for a much broader visual culture. Hidden model for the painter, the popular scene nourished Fuseli’s thoughts in the search for painting effects and the induced relationship with the spectator’s memory. Despite the common belief of Fuseli being a visionary painter who’s work sets roots solely in his imagination, this thesis ambition is to show the very concrete and material links of the artist with the scenes of his time. Highlighting reminiscences of the theatre scene in the pictorial creation and the moving from the scene to the painting of a number of “material signs” (such as the frame, the doors, the curtain…) have enabled us to show the aesthetics performing within Fuseli’ history paintings. Our study ends with the relationship that these paintings generate with their spectator : a kind of pact in which for the time of a glance painter and spectator agree to believe in what is given to see so as to experi-ence its effects

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Joubé, Poreau Martine. "Biographie d'un artiste dramatique oublié : romuald Joubé (1876-1949)." Thesis, Pau, 2014. http://www.theses.fr/2014PAUU1005.

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Abstract:

Ce projet a vu le jour afin de tirer de l'oubli un artiste dramatique nommé Romuald Joubé, né en 1876 et décédé en 1949. Cet homme était mon ancêtre, c'est l'oubli familial et collectif dont il a été victime qui a suscité la réalisation de ce travail. Il a eu la particularité de devenir un acteur reconnu au théâtre et au cinéma muet, en traversant deux guerres mondiales. Cette biographie s'attache à faire découvrir l'évolution du jeune comédien et celle du milieu théâtral et cinématographique de la première moitié du XXe siècle. Son parcours le mène de Saint-Gaudens à Paris, de l'Odéon à la Comédie-Française, des tournées européennes aux tournées internationales où il côtoie les grands noms du théâtre et du cinéma tels qu'André Antoine, Sarah Bernhardt, Abel Gance. Devenu une vedette il ne renie jamais sa région pyrénéenne où il crée un théâtre de verdure et défend ardemment le théâtre de plein air jusqu'à la fin de sa vie. Son éclectisme lui permet d'interpréter différents répertoires. Aussi remet-il en cause certaines idées reçues sur l'histoire du monde théâtral, par exemple le clivage entre Théâtre commercial et Théâtre littéraire. Acteur du cinéma muet, il est aussi intéressé par la radiophonie en 1936 et plus tard il fera une expérience au cinéma parlant avec Sacha Guitry. Homme entre tradition et modernité, Joubé révèle les ambiguïtés du monde artistique en temps de guerre. Cet homme aux multiples dons, à la fois acteur, dessinateur, peintre, spécialiste de la langue gasconne, se battra jusqu'à sa mort pour défendre l'art de qualité pour tous, sans jamais oublier sa famille et ses racines
This project has been conceived to get out of oblivion Romuald Joubé (1876-1949). He was a professional dramatic artist and an ancestor of mine. Because of this familial and collective forgetting of the great works of Joubé, the main goal of this thesis is to reveal his biography. He became a famous and talented theatre and silent movie actor by crossing two world wars.This biography presents the evolution of Joubé as a young stage actor as well as the evolution of theatre and cinema during the first part of the twentieth century. From Saint-Gaudens (France) to Paris, and from Odéon to the Comédie-Française, Joubé met some of the great actors such as André Antoine, Sarah Bernhardt or Abel Gance. Even if he became famous at Paris, he did not forget his native region: Southwest of France and the Pyrénées. He created an open-air theater in this region. Until the end of his life, he promoted the open-air theatre. Joubé could play many different roles. He was also a silent film actor. Then in 1936, he got interested in radio. He accepted then sound films with Sacha Guitry. Tradition and modernity characterize this major and forgotten actor of the twentieth century. The biography of Joubé also brings us into the lives of artists of this period. Finally, Joubé, as an actor but also as a painter, a draughtsman and a defender of Gascon language. He will fight up to his dead to defend the quality art for all, without over forgetting his family and his region

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Deharbe, Charlène. "La porosité des genres littéraires au XVIIIe siècle : le roman-mémoires et le théâtre." Thesis, Reims, 2012. http://www.theses.fr/2012REIML002/document.

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Abstract:

Cette étude se propose de mettre en évidence l'influence du théâtre dans les romans-mémoires du XVIIIe siècle. Alors qu'il revient sur sa vie depuis son entrée dans le monde, le narrateur (ou la narratrice) évoque et analyse, dans un récit à la première personne, son Moi d'autrefois. Il s'agit de relater les étapes d'une ascension sociale, de faire part aussi de ses égarements ou d'une passion malheureuse sur le mode tragique, sensible ou comique. Toutefois, ces romans de l'introspection s'ouvrent, paradoxalement, sur le spectaculaire. Des dramaturges célèbres deviennent des personnages de fiction, leurs œuvres sont citées, les héros se rendent dans les lieux où s'exerce l'art dramatique et, surtout, le romancier recourt à des éléments caractéristiques du genre théâtral : déguisements, variations sur des personnages et des scènes types, construction dramatique et recours à l'esthétique du tableau, ampleur et disposition des dialogues contribuent à faire du lecteur un spectateur
This study is meant to highlight the influence of drama on the (French) memoir-novels of the 18th century. The narrator, be it a man or a woman, recollects his or her life from the moment they are coming into the world. This evocation and analysis of their earlier “I” is recalled in a first person narrative. The idea is to recount his or her social ascension, step by step, evoke his or her past mistakes and relate an unrequited love, in a tragic, sensitive or comic tone. Yet, these introspective novels paradoxically reach a theatrical dimension. The then famous playwrights are turned into fictional characters, their works are quoted, the heroes go to places where the art of drama is performed and, most importantly, the novelist resorts to elements which are characteristic features of drama : costumes, variations on specific characters and scenes, a dramatic construction, the use of the aesthetics of the tableau, the extent and distribution of the dialogues ; all of these contribute to place the reader in the position of the audience

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De, Min Silvia. "L'ekphrasis performata : L'ekphrasis d'immagine e di parola nell'opera di Samuel Beckett e nel teatro di Anagoor." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040021.

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Abstract:

Cette thèse se propose de définir l'ékphrasis performée, de la théoriser et de montrer son applicabilité concrète aux études théâtrales. Il s'agit d'un syntagme par lequel nous désignons le point de rencontre entre les possibilités rhétoriques de l'ékphrasis et les moyens du performatif. Cependant, l'ékphrasis ne se réduit guère à une intention purement mimétique, mais elle est toujours l'expression d'un regard aussi distancié que partiel sur le monde. À partir de la théorisation qu'on a réalisée de l'ékphrasis performée, on a élaboré quelques instruments d'analyse dont l'objectif est de comprendre certains aspects de la construction de l'image sur scène, de son utilisation dans le théâtre en général et dans le théâtre contemporain en particulier. La deuxième et la troisième parties de la thèse présentent ensuite deux parcours de recherchedifférentes. Ainsi la deuxième partie est dédiée à l'oeuvre de Samuel Beckett, tandis que la troisième est dédiée au théâtre de Anagoor. Ces deux parties se présentent comme une forme d'application des principes de l'ékphrasis performée
The aim of this thesis is to develop a theory of performed ékphrasis. This rhetoric figure, generally studied in comparatives studies between literature and visual arts, holds a performative potential. From theory, I have extracted relevant rhetoric tools for an understanding of some aspects of image building on (also contemporary) theatre action. Ékphrasis doesn’t just reply to a mimetic intention but it always returns a partial sight on reality. Following this performed ékphrasis perspective I havefocused on Samuel Beckett’s work and Anagoor’s contemporary performances
La presente tesi di dottorato si propone di elaborare una teoria dell'ékphrasis performata. L'ékphrasis, categoria retorica normalmente trattata in studi comparativi tra letteratura e arti visuali, ha in sé un potenziale performativo che viene qui dimostrato. In seguito, dalla teoria, sono stati estratti degli strumenti di analisi per la comprensione di alcuni aspetti della costruzione dell'immagine in scena, del suo utilizzo nel teatro in generale e nel teatro contemporaneo in particolare. Poiché si tratta di una tecnica di slittamento tra generi e oggetti di natura diversa, che agisce con operazioni di montaggio e rimontaggio delle immagini (per via discorsiva o visiva), l'ékphrasis non risponde mai a un'intenzione puramente mimetica, ma restituisce sempre uno sguardo parziale sul mondo. In quest'orizzonte si presenta l'approfondimento di due casi emblematici per una concreta dimostrazione dei meccanismi di funzionamento dell'ékphrasis performata: l'opera Samuel Beckett e i lavori della compagnia italiana contemporanea Anagoor

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Côté, Guy-Philippe. "Leçon d'histoire dans la Trilogie du Futur : ou la configuration sociale d'un récit québécois." Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2021. http://hdl.handle.net/10393/42520.

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Abstract:

Cette thèse porte sur la Trilogie du Futur du Théâtre du Futur, compagnie basée à Montréal. Ces trois pièces imaginent un futur où le Québec serait devenu indépendant et examinent, du même coup, les problèmes sociétaux qui resteraient à régler à la suite de la réussite d’un tel projet politique. Cette thèse pose que les problèmes sociétaux explorés dans la Trilogie du Futur sont liés à des réminiscences de l’ancienne survivance canadienne-française, dont les principales caractéristiques, telle que définies par Éric Bédard dans Survivance : histoire et mémoire du XIXe siècle canadien-français (2017), sont le récit sur soi, le messianisme compensatoire et l’évitement de la question du régime. Le récit sur soi désignerait la nécessité ressentie par un peuple perdant de l’Histoire de se créer un récit national où il se présenterait plutôt comme gagnant de l’Histoire. Le messianisme compensatoire, pour sa part, est ici compris comme la nécessité d’un peuple conquis à se trouver des guides (c.-à-d des figures messianiques), ceci afin de sauver la nation de la disparition. L’évitement de la question du régime, enfin, recouvre le fait d’empêcher d’envisager un état politique autre que le statu quo et d’ainsi éviter la question, toujours problématique, de la place de la francophonie dans une Amérique majoritairement anglophone. Pour mener à bien cette analyse, la thèse emprunte sa structure comme une partie de son cadre théorique à la triple mimèsis développée par Paul Ricœur dans le tome un du monumental Temps et récit (1991). Dans cet ouvrage, Ricœur examine la mise en intrigue du bagage culturel préalable nécessaire à la compréhension d’un récit ainsi que sa réception par le lecteur. Au terme de cette analyse, la thèse arrive à la conclusion que la trilogie chercherait à transcender ces réminiscences de la survivance canadienne-française par une série de renversements, souvent carnavalesques, des lieux de mémoire passés (hérités du Canada français) ainsi que des topoï québécois contemporains, souvent issus de la politique ou de la culture populaire, et qui sont disséminés à même ces récits du Théâtre du Futur.

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Chiappone-Lucchesi, Magali. "La dramaturgie du témoignage chez Charlotte Delbo : une écriture de la spectralité." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA020.

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Abstract:

Qu’a de particulier le théâtre-témoignage de Charlotte Delbo ? L’objet de cette étude est de mettre en lumière une « écriture de la spectralité », renvoyant à l’évocation des spectres de sa mémoire que Delbo convoque sur une scène de théâtre. Les titres de deux de ses pièces, Qui rapportera ces paroles ? et Une scène jouée dans la mémoire, sont révélateurs d’un exercice d’anamnèse jamais fini, car il n’a pas de fin possible. Il se traduit par la réélaboration, la transposition théâtrale des fragments poétiques et narratifs déjà rédigés par l’auteure après son retour d’Auschwitz, – et nous avons dû parcourir ses archives pour repérer les traces de cette réécriture. Mais, et c’est un fait singulier, le caractère spectral du théâtre de Delbo provient également de la fréquentation des personnages-fantômes de sa bibliothèque théâtrale venus la visiter dans les marais d’Auschwitz, messagers d’une humanité dont l’existence même du théâtre est le garant. Secrétaire de Louis Jouvet avant et – pour quelque temps – après sa captivité, Charlotte Delbo semble ainsi converser avec le « patron » à travers les intertextes de son œuvre théâtrale et testimoniale. La dramaturgie du témoignage qui découle d’une telle écriture, par laquelle le passé ne cesse de revisiter le présent et réciproquement, pourrait se résumer ainsi : l’auteure se souvient, grâce à sa mémoire profonde, elle écrit en mémoire de ses camarades pour que nous, lecteurs et spectateurs, les gardions en mémoire ; et les spectres appellent les vivants à garder leur conscience en éveil.L’absence effective d’une étude sur le langage dramatique de Charlotte Delbo nous a convaincue de mener la présente recherche, qui traite résolument du travail dramaturgique de l’écrivaine et de son rapport, d’une extrême richesse, au théâtre
What is so particular about Charlotte Delbo’s theatre testimony ? Goal of this study is to shed light on a « writing of spectrality », sending us back to the evocation of the spectres of her memory which Delbo summons upon stage. The titles of two of her plays, Who will carry the word ? and A Scene played in the memory are revealing of an incomplete anamnesis for which no ending is possible. It translates through reelaboration, theatrical transposition and poetical and narrative fragments already written by the author following her return from Auschwitz– and we had to explore her archives in order to trace these re-writes. Nevertheless, and it is a strange fact, the spectral nature of Delbo’s theatre also comes from the visitations of ghost-like characters from her theatrical library which come to haunt her in the swamps of Auschwitz, messengers of a humanity to whom the very existence of theatre turns out to be a guarantee. Once Louis Jouvet’s secretary prior and – for a while – after her captivity, Charlotte Delbo therefore seems to talk with the « patron » within the inner lines of her theatrical and testimonial work. The dramaturgy of the testimony which arise from such a writing, through which the past never ceases to revisit the present, could be summed up as follows : the author remembers, thanks to her deep memory; she writes in memory of her friends so that we, readers and spectators, remember them ; and the spectres call to the living to keep their consciences awake. The effective absence of Charlotte Delbo’s use of dramatic language has convinced us to lead the present research which deals fundamentally with the dramatic work of the writer and her extremely rich relationship to theatre

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Gouvêa, Dumas Alexandra. "Maures et chrétiens – chemins, scènes, croyances et créations : une analyse des spectacles de tradition carolingienne “l'Auto de Floripes” (Príncipe, São Tomé e Príncipe, África) et la “Luta de Mouros e Cristãos (Prado, Bahia, Brasil)." Thesis, Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100221/document.

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Abstract:

Cette thèse porte sur deux spectacles : la Luta de Mouros e Cristãos (Prado, Bahia, Brésil) et Auto de Floripes (Santo Antonio, Île de Principe, Sao Tomé e Principe). Basées sur une thématique commune – la représentation des combats entre Maures et Chrétiens – les manifestations analysées sont traitées à partir de leurs éléments constitutifs : aspects historiques, texte, costumes, musique, performance et scénographie. Les deux spectacles ont non seulement comme origine commune le récit intitulé Histoire de l'empereur Charlemagne et les douze pairs de France, mais encore une empreinte culturelle provenant de la colonisation portugaise. Auto de Floripes et la Luta de Mouros e Cristãos présentent donc des aspects similaires comme, par exemple, l'opposition du Bien et du Mal, localisée respectivement dans les groupes chrétiens (representés pour la couleur bleu) et maures (rouge), ainsi que des spécificités historiques et esthétiques communes. La principale méthode utilisée pour analyser les deux spectacles a été la recherche de terrain. Cette dernière est constituée d'entretiens, d'un travail d'observation et d'évaluation des performances respectives, de l'établissement d'un registre d'images, suivie par des recherches bibliographiques et l'analyse de l'ensemble du matériel récolté. Le résultat de cette recherche de thèse propose réflexions et idées autour des questions propres aux arts du spectacle, à la transmission, au maintien et à l'actualisation des traditions carolingiennes. Elle révèle encore un aspect fondamental des deux spectacles. Les récits populaires qui se sont développés autour de Charlemagne ont tout d'abord eu une grande popularité sous forme écrite et orale. Aujourd'hui, les spectacles étudiés constituent leur principal espace de mémoire, et au Brésil et à Sao Tomé et Principe
This thesis investigates two spectacles: “Luta de Mouros e Cristãos” (Prado, Bahia, Brazil) and “Auto de Floripes” (Santo António, Príncipe Island, São Tomé and Príncipe, Africa). Starting from a common theme – the representation of the battles between Moors and Christians – the analyses were most focused on elements of the plays such as history, text, costume, music, performance and scenography. As having the same origin, that is, the book entitled “History of the Emperor Charlesmagne and the Twelve Peers of France” as well as the cultural mark of the Portuguese colonization, both the “Auto de Floripes” and the “Luta de Mouros e Cristãos” present some similarities, for instance, the representation of the Good in opposition to the Evil, as seen in Christians dressed in blue and the Moors in red, besides other historical and aesthetic peculiarities. Field research was the most important method in analyzing both performances, which included interviews, observation, appreciation of the mise en scène and recording of images, followed by bibliographical research and analysis of the collected material. As a result, the thesis presents evidences and reflections on the performing arts and the transmission, permanence and actualization of Carolingian traditions. Still, the research has revealed that, after a wide popularity in both oral and written forms, the mise en scène appears today as the major place of memory of Carolingian narratives, in Brazil as well as in São Tomé and Príncipe

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Erlingsdottir, Irma. "Scènes d'altérités. Poétique et politique de la mémoire et de la résistance dans trois pièces d'Hélène Cixous." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030024.

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Abstract:

La politique dans trois pièces d´Hélène Cixous : L’Histoire (qu’on ne connaîtra jamais) (1994) ; L’Histoire terrible mais inachevée de Norodom Sihanouk, roi de Cambodge (1985) et La Ville parjure ou le réveil des Erinyes (1994). L´objectif est de mettre les pièces dans leur contexte historique, contemporain, politique et philosophique. Leur forme d’intervention est étudiée tout autant que la littérature, les archives, la théorie et le contexte qui les informent. Les questions plus générales de la dimension politique dans l’esthétique et les interventions du littéraire sur le champ politique ou idéologique sont aussi au centre de l´analyse. La lecture vise plus particulièrement à identifier les sources et les réalités sur lesquelles les pièces s’appuient (la crise politique et démocratique ; le colonialisme et l´impérialisme occidentaux ; la géopolitique et les guerres civiles et fratricides, tout comme les résistances à ces situations ou événements politiques/historiques) mais aussi les positions prises à leur égard ainsi que les enjeux décisifs qu’elles dégagent. La thèse est composée de deux parties : "La scène du Livre" et "La scène de l’Histoire". La première comporte un parti pris méthodologique ; elle s´ouvre sur une mise en perspective théorique et propose dans un deuxième chapitre l’analyse de L’Histoire (qu’on ne connaîtra jamais) en tant que mise en abyme de l´écriture théâtrale et de la fonction du poète face à l’Histoire. Dans la deuxième partie, l’accent est mis sur l’histoire et la politique contemporaines ainsi que sur les questions de pouvoir, de violence, de territorialité, de démocratie et de justice auxquelles L’Histoire terrible et La Ville parjure cherchent à répondre. L´étude met en évidence deux devoirs qui sous-tendent l´écriture théâtrale d´Hélène Cixous : d’une part, celui de la responsabilité devant la mémoire et, de l´autre, celui de la résistance critique à tout pouvoir injuste
The thesis explores the role of history, memory, responsibility, and politics in three plays by Hélène Cixous: The History (We Will Never Know) (1994), The Terrible but Unfinished Story of Norodom Sihanouk, King of Cambodia (1985) and the Perjured City or the Awakening of the Erinyes (1994). The purpose is to put the plays in their philosophical and political contexts and to engage the questions they raise from literary, archival, and theoretical perspectives. The broader political and ideological dimensions of Cixous’s aesthetic and literary writing are also central to the analysis. The thesis specifically examines the historical and contemporary issues addressed in the plays, such as the crisis of the political order and democracy; colonial and imperial practices; the linkages between geopolitics, civil wars and genocides; and the various forms of individual and collective resistance to power. In addition, it analyzes the discourses and subject positions staked out by the participants in the narratives the plays describe. The thesis is divided into two parts: The first one, entitled "The Scene of the Book", opens with a methodological and theoretical chapter followed by an analysis of The History (We Will Never Know), with emphasis on the mise en abyme of the process of writing and the relationship between the poet and history. In the second part, "The Scene of History", the focus is on contemporary history and politics, using The Terrible but Unfinished Story of Norodom Sihanouk and the Perjured City as case studies, addressing issues of power, violence, territoriality, democracy and justice. The thesis stresses the dual obligation, underpinning the theatrical writings of Hélène Cixous: the responsibility toward memory and the duty to resist unjust power in all its forms

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Léotard-Sommer, Christine de. "Sans Bacchus et Vénus, la Galerie se refroidit : dispositif libérant le programme de l'intégralité du décor de la Galerie du Roi de Fontainebleau." Thesis, Bordeaux 3, 2019. http://www.theses.fr/2019BOR30001.

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Abstract:

Cette thèse avance une hypothèse nouvelle à l’énigme du décor de la Galerie François 1er de Fontainebleau, teste son efficacité sur la totalité de ses 16 unités originelles, cadres compris, et argumente la question de sa vraisemblance. Elle repose sur l’analyse de l’unité décrochée de l’extrémité Ouest en 1639, le Bacchus et Vénus de Rosso, aujourd’hui au MNHA de Luxembourg. Ce tableau est un unicum qui relève des mirabilia . Sous le voile d’une scène érotique, il traite de façon sophistiquée un adage récent d’Erasme, ici écourté : sans Bacchus, Vénus se refroidit. Par art de mémoire plastique, il « mémorise » aussi le schéma de la Monarchie céleste, tel que figuré dans la Treschrestienne Cabale metrifiee (1519) de Jean Thenaud et commenté dans son Traicte de la Cabale (1521), deux manuscrits commandés par François 1er . Par trois motifs en bas du tableau, il indique son mode d’emploi discursif qui s’appuie sur Erasme, puis Cues, puis Bonaventure. Enfin, c’est une peinture fabriquée comme les images artificielles irradiantes du De triplici vita de Ficin, mais sans effet magique. Ce tableau est le centre d’un dispositif à la fois intellectuel, matériel, et pratique, qui relie les 16 unités originelles et invite les princes Valois-Angoulême à une réception spécifique pour verbaliser eux-mêmes le programme de discours organisé. La base intellectuelle de ce dispositif est théologique : elle repose sur le verset de saint Paul (1 Co, XIII, 12), et se réfère à Erasme, Cues, et Bonaventure. Sa particularité est de transposer les concepts mentaux de ces penseurs chrétiens à un décor peint et stuqué, et ce, par serio ludere alors très prisé, en termes d’inventions formelles et d’usages inédits des images, pour générer les discours du programme. Parmi ces inventions, la plus remarquable est la pratique plastique de l’art de mémoire suivant ses règles classiques, dans toutes les unités, cadres compris. Le programme expose la vérité du pouvoir de la monarchie-très-chrétienne, par trois analogies spéculaires au pouvoir de la Monarchie céleste. Il définit des valeurs morales princières, mais aussi deux ambitions politiques majeures, le pouvoir absolu et l’accès à l’imperium mundi par de nouveaux arguments. Il forme le « miroir du prince » secret de la nouvelle dynastie Valois-Angoulême. Ce « miroir » cite aussi le « théâtre » de Giulio Camillo acheté par le Roi en 1530 et éclaire son fonctionnement resté énigmatique. Nous proposons Jean Thenaud associé à Rosso comme concepteurs
This thesis puts forward a new hypothesis concerning the enigma of the décor of the Francis I Gallery in the royal palace of Fontainebleau, tests whether this hypothesis works for all 16 of its original units, frames included, and considers the question of its likelihood. It is based on an analysis of the unit removed from the western end of the gallery in 1639, Rosso Fiorentino’s Bacchus, Venus and Cupid, now hanging in the MNHA in Luxembourg. This painting is a unicum that falls into the mirabilia category. Behind the erotic scene lies a sophisticated depiction of a recent - here shortened - adage of Erasmus: without Bacchus, Venus grows cold. Using the art of memory, it also “memorises” the paradigm of the heavenly monarchy portrayed in Jean Thenaud’s Treschrestienne Cabale metrifiee (1519) and commented on in his Traicte de la Cabale (1521), two manuscripts commissioned by Francis I. The three motifs at the bottom of the work indicate its discursive modus operandi, drawing on Erasmus, then De Cues, then Bonaventure. It is a painting constructed like the radiant images of Marsilio Ficino’s De triplici vita, but without magical effect. This painting is at the centre of a simultaneously intellectual, material and practical device, linking the 16 original units and inviting a specific reception from the Valois-Angoulême princes so that they can themselves express the organised discursive programme. The intellectual basis of this device is theological in nature: it is founded on the verse of Saint Paul (1 Corinthians 13:12), and refers to Erasmus, De Cues and Bonaventure. It is unique in that it transposes the mental concepts of these Christian thinkers to a painted, stuccoed décor, following the serio ludere maxim, very popular at the time, in terms of formal inventions and original use of images to generate the programme’s rhetoric. The most remarkable of these inventions is the plastic practice of the art of memory, following its classic rules, in all the units, including the frames. The programme exposes the truth of the power of the very-Christian monarchy, via three analogies to the power of the heavenly Monarchy. It defines princely values, as well as two major political ambitions, absolute power and access to the imperium mundi using new arguments. It forms the secrete “mirror for the prince” of the new Valois-Angoulême dynasty. This “mirror” also cites the “theatre” of Giulio Camillo bought by the King in 1530 and illuminates its enigmatic function. We propose Jean Thenaud, supported by Rosso, as the creators

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Lemus, Martinez Violetta. "Versions en conflit, versions d’un conflit : l’Intervention française au Mexique (1862-1867) entre histoire et fiction." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA064/document.

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Abstract:

Cette thèse est l’étude d’une sélection d’œuvres littéraires mexicaines et françaises concernant les évènements historiques de l’Intervention française au Mexique (1862-1867) et du Second Empire Mexicain (1864-1867). Ces œuvres s’étalent entre le XIXe et le XXIe siècle et ont été sélectionnés pour leurs réflexions poétiques et politiques exemplaires et d’autre part parce qu’elles ont contribuées à la construction d’une iconographie culturelle et identitaire mexicaine. Les genres romanesque et théâtral ont été sélectionnés pour pouvoir établir une étude comparative diachronique. Le choix des œuvres et des auteurs a été établi en fonction du traitement de l’Intervention française et de leur importance. Les œuvres analysées correspondent au sous-genre du roman-feuilleton du XIXe siècle avec, pour la littérature française, Benito Vázquez (1869) de Lucien Biart et Doña Flor (1877) de Gustave Aimard et, pour la littérature mexicaine, Clemencia (1869) de Manuel Altamirano et El Cerro de las Campanas (1868) de Juan Mateos. Les pièces de théâtre Corona de Sombra (1943) de Rodolfo Usigli et Charlotte et Maximilien (1945) de Maurice Rostand sont traitées de manière comparative et la pièce El Tuerto es Rey (1970) de Carlos Fuentes est analysée de manière complémentaire. Quant aux manifestations littéraires historiques plus contemporaines, nous incluons Noticias del Imperio (1987) de Fernando del Paso et Yo, el francés de Jean Meyer (2002). Cet ensemble propose une analyse comparative, linguistique, sémiotique et littéraire des œuvres citées. Il invite à une réflexion approfondie sur l’interprétation que la littérature ou l’égo-histoire ont proposé de ce conflit, un conflit armé et politique dont la mémoire a traversé l’histoire et les productions littéraires mexicaines et françaises
In this doctoral dissertation, we are studying a selection of both Mexican and French literary works related to the historic events of the Second French Intervention in Mexico (1862-1867) and of the Second Mexican Empire (1864-1867). This body of works has been published between the XIXth and the XXIth century and has been selected, both because their poetic and political thoughts are emblematic of this period and because they have contributed to the construction of a Mexican cultural and identity iconography. We have decided to select the fiction and theatrical genres, to carry out a comparative and diachronic analysis. The decision of which literary works and authors to include has been made based on how both the French Intervention and the way it has been depicted in literature, have been dealt with in particular in each literary work and each author we considered to studied. The studied novels belong to the sub-genre of serialized fiction in the XIXth century with, on the French side, Benito Vázquez (1869) by Lucien Biart and Doña Flor (1877) by Gustave Aimard and, on the Mexican side, Clemencia (1869) by Manuel Altamirano and El Cerro de las Campanas (1868) by Juan Mateos. As far as theatre plays are concerned, we have carried out a comparative study of both Corona de Sombra (1943) by Rodolfo Usigli and Charlotte et Maximilien (1945) by Maurice Rostand. We have completed our analysis with a complementary study of El Tuerto es Rey (1970) by Carlos Fuentes. Regarding more contemporaneous historic and literary creations, we chose to include Noticias del Imperio (1987) by Fernando del Paso and Yo, el francés by Jean Meyer (2002). This corpus allows to carry out a comparative, linguistic, semiotic and literary analysis of afore-mentioned works. Such analysis calls for a thorough reflection on the interpretation of conflict, an armed and political conflict which influenced both History and Mexican and French literary productions

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Lagouarde, Clément. "Le "pour de vrai" et le "vrai" en art performance : fiction vs trace." Thesis, Bordeaux 3, 2018. http://www.theses.fr/2018BOR30017/document.

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Abstract:

L’art performance est un art contemporain difficile à définir. Néanmoins il peut se décrire par l’action d’un artiste de performance qui, à la différence du théâtre traditionnel, se présente lui-même devant un public, s’infligeant parfois de véritable blessure. Cet art questionne le « pour de vrai » et le « vrai ». En le comparant au théâtre il semble moins fictif car les blessures est le sang sont « vrais », et sa trace (captations vidéos, captations sonores, photographies, objets, croquis, écrits, etc.) le prouve. La fiction et la trace paraissent opposées, là où la première est une invention (le « pour de vrai ») l’autre est un élément pérenne d’une action vécue (le « vrai »), l’art performance permettrait alors de penser ces deux notions non plus comme opposés mais comme corrélatives. L’art performance présente sa trace comme un élément pérenne d’une action plus ou moins inventée : le « vrai » dont la frontière avec le « pour de vrai » peut être questionné. Cette thèse argumente ces hypothèses à travers une première partie comparative entre l’art performance et l’art théâtral, avec comme problématique la fiction qui semble opposée au « vrai ». Et une seconde partie corrélative sur le possible « pour de vrai » de la trace, qui permet l’étude de trois traces épistémologiques : la mémoire, l’écriture et l’indice à travers des exemples respectifs d’artistes de performance
Performance art is a contemporary art is hard to define but which can be described as an action made an audience by a performance artist who, in contrast to the traditional theater, is the artist himself is inflicting sometimes real physical injuries. This art questions the 'like true' and the 'true' and seems less fictitious than traditional theater because blood’s physical injuries is 'true' and that he uses his trace as evidence (video recordings, sound recordings, photographs, objects, sketches, written, etc.). If the fiction and the trace seem opposed, because the first is an invention (the "like true") the other is a sustainable living action (the ' true') element, performance art then would think these two concepts not as opposites but as Horn related. As performance art, object of study here, presents his trail as a perennial element of a more or less invented action: as the 'true' including the border with the "like true" can be questioned. This thesis argues its assumptions through a comparative part between performance art and theatrical art, with as problematic fiction that seems opposite to 'true'. And a second consequential part on the possible "like true" of the trace, which allows the study of three epistemological traces : memory, writing, and trifle through respective examples of performance artists

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Dabrosz-, Drewnowska Paulina. "Le Grand-Duché de Varsovie vu par les Français - le visage du Grand-Duché de Varsovie dans les documents français de ce temps." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040024.

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Abstract:

La thèse montre des opinions et avis de Français de l’époque sur le Duché de Varsovie présentés dans les différentes sources françaises des années 1807-1813, tout comme, la correspondance politique et militaire officielle, des mémoires et souvenirs des militaires français, et enfin des journaux parisiens, de la littérature, de la poésie et des pièces théâtrales. La première partie montre comment l’état polonais était vu par les diplomates français séjournant dans le Duché. Elle présente l’image politique assez critique de l’état, de ses institutions, des hommes de pouvoir, du gouvernement, des sentiments du peuple et des opinions des habitants du pays concernant les Français, les nouvelles résolutions politiques et juridiques. Dans la deuxième partie, les descriptions et de nombreux mémoires et souvenirs des militaires fournissent une image critique du pauvre pays polonais, de la vie quotidienne très différente de ses habitants, leurs coutumes. La troisième partie montre Duché de Varsovie par l’intermédiaire de la presse quotidienne, des ouvrages historiques publiés à l’époque en France, des romans et de la poésie, les pièces de théâtre. Cette image du Duché influencée par la propagande napoléonienne montre l’état allié bien gouverné, et l’image positive des Polonais
The thesis furnishes the opinions of Frenchmen at that time about Duchy of Warsaw presented in different French sources of the period 1807- 1813 such as political and military official letters, memories of military Frenchmen, Parisian press, literature, poetry and theater playwrights. First part of the work shows how the polish country was seen by French diplomats who had been staying in Duchy of Warsaw in that period. The author focuses first on the political image of the country which is rather critical, secondly on the institutions, thirdly on the men in power, then on the government, on the people’s attitudes and the opinions of the inhabitants of the country about Frenchmen, and finally on the new political and legal solutions. In the second part of the work, there many descriptions, as well as memories of military men which form together an critical view of the poor polish country, different lifestyles and customs of its inhabitants. In that part, we can find as well geographical information about the climate and various and vivid descriptions of polish towns and polish countryside. In the third part, we come across the image as it was seen in everyday press, historical books edited at that period in France, fictions, poetry and plays. We find out that the image of Duchy of Warsaw, strongly influenced by the Napoleonic propaganda is positive. It comes out that the polish allied country was well governed

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Daviet-Noual, Fortunade. "Les écrivains et la fièvre thermale (1800-1914)." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040100.

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Abstract:

Le XIXe siècle est l’âge d’or du thermalisme en France. Tout le monde prend alors les eaux. Les hommes et les femmes de lettres, Chateaubriand, Lamartine, Michelet, Balzac, Hugo, Sand, les frères Goncourt, Mirbeau, Maupassant n’échappent pas au phénomène thermal et fréquentent les villes thermales. Sand en profite pour faire des excursions, Dumas fuit le choléra qui sévit à Paris, Balzac y courtise la marquise de Castries, Zola accompagne sa femme curiste, Mallarmé retrouve sa maîtresse... Mais la plupart des écrivains se rend en cure pour des raisons de santé. Ainsi, Bashkirtseff tente d’enrayer sa phtisie, Daudet, Maupassant et Lorrain y soignent leur syphilis, Chateaubriand ses rhumatismes, Verlaine ses ulcères à la jambe, et Proust pour son asthme. Tous ces écrivains curistes ont témoigné de leur expérience, que ce soit dans leur correspondance ou dans leurs romans, poèmes, récits de voyage. Leurs personnages séjournent également dans ces villes d’eaux : Raphaël de Valentin, héros de La Peau de chagrin, tente de rétablir sa santé à Aix-les-Bains ; Christiane Andermatt assiste à l’exploitation de la source du Mont-Oriol, la cure lui permet surtout de rencontrer son amant et d’avoir un bébé, sans que les eaux aient joué un rôle particulier ; Verdinet, Galinois et autres personnages de la comédie de Labiche, J’ai compromis ma femme, sont à Bagnères-de-Bigorre, et le neurasthénique de Mirbeau à Luchon. Voici une promenade dans le monde des eaux, vu par les écrivains, entre 1800 et 1914
The nineteenth century is the golden age of hydrotherapy in France. Everybody comes to take the waters. Men and women of letters, Chateaubriand, Lamartine, Michelet, Balzac, Hugo, Sand, the Goncourt brothers, Mirabeau, Maupassant take part in this thermal cure phenomenon and attend water cities. Sand takes the opportunity to make excursions, Dumas runs away from rampant cholera over Paris, Balzac is involved in a courtship with the Marchioness of Castries, Zola accompanies his wife who is a patient, Mallarmé joins his mistress… But most of writers go to thermal cures for health purposes. In this way Bashkirtseff seeks to eradicate tuberculosis, Daudet, Maupassant and Lorrain treat their syphilis, Chateaubriand his rheumatism, Verlaine his leg ulcers, Proust his asthma. All these writers patients shared about their experience, in their correspondence or in their novels, poems, travel stories. Their characters live in these water cities as well ; Christiane Andermatt gets to the springs of Mont Oriol’s exploitation, the cure mostly is the opportunity for her to meet her lover and to have a baby, without waters playing a specific role ; Verdinet, Galinois and other protagonists of Labiche’s comedy, I compromised my wife, are in Bagnères-de-Bigorre, and Mirabeau’s neurasthenic, in Luchon. This is a walk in the world of waters, as seen by writers, between 1800 and 1914

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Buchert, Fátima Elizabeth Costa. "L’Impératif Passé: La Mémoire comme protagoniste du théâtre de Michel Tremblay." 2008. http://trace.tennessee.edu/utk_graddiss/478.

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Abstract:

Michel Tremblay, the most important contemporary playwright (and novelist) in Quebec, has written for the theatre for over forty years. The study of his plays, beginning with the very first ones, reveals the capital importance that he attributes to the problem of the past and of memory. This dissertation examines how memory plays the role of protagonist in Tremblay’s drama: the study of Les Belles-Soeurs, (the writer’s first famous play, where memory is a tool for building gender identity), of Le Vrai Monde? (one of his most complex plays, where memory is concretely represented on the stage) and of Encore une fois, si vous permettez and Bonbons assortis au theatre (two autobiographical plays) demonstrates the accuracy of this proposition. Tremblay’s work is evidently integrated into the historical and social context of Quebec, where a preoccupation with memory, registered in their slogan Je me souviens (I remember), is a fundamental component of the imaginary of this people in constant quest for and affirmation of their identity, as well as a testimony to their resistance to the threat of assimilation by the Anglophone world that surrounds them.

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Thériault, Annie. "Entre esthétique et politique : le théâtre de la réconciliation." Thèse, 2013. http://hdl.handle.net/1866/11020.

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Abstract:

Les situations d'après-guerre demandent plus qu'une déclaration officielle pour retrouver la stabilité et l'entente sociales. Les réflexions philosophiques portant sur les moyens d'atteindre une réconciliation sont nombreuses, mais il y a encore peu de recherches portant sur l'impact de l'art pour ressouder les liens sociaux et guérir les membres constituant la société. Après avoir démontré la légitimité d'une réflexion portant sur le rôle que pourrait tenir le théâtre pour la réconciliation et l'établissement de normes, nous justifions pourquoi les notions de récit, de performance publique, de travail de création et de transmission d'émotion deviennent des critères de validation du théâtre pour la réconciliation. Par l'usage du théâtre, les intervenants pourront ainsi mieux accompagner les victimes dans leur deuil et les aider à créer de nouveaux liens profitant au développement d'un contrat social sain pour la refonte de l’État.
Post-war situations ask more than an official declaration to find social stability and mutual understanding. The philosophic reflections concerning the means to reach reconciliation are numerous, but there is more research to be done concerning the impact of art to strengthen the social links and cure the members constituting society. Having demonstrated the legitimacy of a reflection concerning the role of theater in reconciliation and in the establishment of standards, we prove why the notions of narrative, public performance, creation process and transmission of emotion become criteria of validation of theater as a way towards reconciliation. By the use of theater, the community workers can better accompany the victims in their mourning and help them create new ties benefiting the development of a healthy social contract for the redesign of the State.

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Bouchard, Natalie. "Le théâtre de la mémoire olfactive : le pouvoir des odeurs à modeler notre perception spatiotemporelle de l'environnement." Thèse, 2013. http://hdl.handle.net/1866/10040.

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Abstract:

L'environnement n'est pas un espace physique précis et stable. Sa géométrie est statique mais il est sans cesse inondé par différentes ambiances qui elles sont dynamiques. De plus sa réalité est modelée par le terrain mouvant de notre mémoire qui encode nos expériences, nos rencontres et autres complexes associations vécues à différents moments. Les ambiances olfactives plus particulièrement participent à la définition d'un espace urbain de plusieurs façons. Produites et modelées par l'environnement géographique, les conditions climatiques, les activités économiques et l'activité humaine, les odeurs appellent des repères spatio-temporels précis car se référant à des événements que l'on a personnellement vécus. Bref, les multiples flux odorants qui façonnent dans la ville un paysage olfactif mouvant sont autant de possibilités de restructurer le réel du citadin. Aussi pour permettre d'élaborer des moyens mettant en oeuvre les odeurs dans l'espace public, nous avons examiné dans quelle mesure les signaux olfactifs influencent notre perception de l'environnement en provoquant l'apparition de paysages temporels.
The smellscape participates in the definition of the environment in different ways. First, determined by the geographic environment, climate conditions, economic activities, and human activity, the reality of olfactory ambiances are also shaped by our memory. This is because odours are associated with precise spatiotemporal markers that refer to events that someone has personally experienced. Therefore, the multiple fluxes of odorants creating a mobile topography of smells in the city may become a strategic intervention tool in planning. And, with the goal of arriving at a representation of the temporal patterns provoked by odours, we have examined the influence of olfactory memory in urban space.
pour plus d'informations concernant l'auteure et sa recherche veuillez consulter le http://www.natalieb.ca

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Dumont, Mélanie. "Le partage des histoires dans trois spectacles de Jan Lauwers : la chambre d'Isabella, Le bazar du homard et La poursuite du vent." Mémoire, 2009. http://www.archipel.uqam.ca/2221/1/M10805.pdf.

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Abstract:

Parallèlement à sa démarche de plasticien, Jan Lauwers expérimente la scène théâtrale depuis vingt ans avec son groupe Needcompany. La chambre d'Isabella (2004), Le bazar du homard (2006) et La poursuite du vent (2006) placent sa pratique actuelle sous le signe de l'histoire en différents sens. Ces trois spectacles correspondent dans son parcours à la manifestation probante d'un retour au récit qui, corrélativement, voit sa définition et ses codes remis en jeu. Détour aussi bien que retour, le récit se trouvant tout à la fois détourné, retourné, contourné, ce mouvement est observé suivant trois aspects qui ouvrent sur autant de partages. Le premier chapitre convoque le récit dans son acception la plus large, où se rejoignent les deux sens du mot « histoire ». Lauwers procède par va-et-vient entre l'histoire comme story et l'histoire comme history pour raconter et réfléchir des événements passés ou en devenir. Apparaît alors un premier partage par lequel Lauwers sonde la mémoire et le deuil, l'identité et la violence faite à l'homme et au monde. Une fois mis à jour ce que racontent les spectacles, le deuxième chapitre aborde la prise en charge des histoires. Une diversité de moyens d'expression et une pluralité de formes artistiques sont sollicitées dans la représentation par le créateur. Corps, voix, danse, chant, lumière, musique, objets conduisent à une répartition de la fable entre plusieurs instances et modes narratifs. Sont ici considérés les modalités de ce partage des arts tout comme les effets qui s'ensuivent sur la perception et la réception du récit. Un autre partage se dessine dans le troisième chapitre à travers l'importance donnée à l'humour, à l'expression de vitalité des corps ainsi qu'à l'énergie circulant dans et par « le corps de performers », car injectés dans la représentation, ces éléments répondent à la face sombre des histoires. L'itinéraire proposé dans la pratique récente de Jan Lauwers s'achève ainsi sur l'impression qui prédomine au sortir des spectacles: une impression de légèreté offerte en partage. Investiguer les partitions auxquelles sont soumises les histoires suppose une réflexion elle aussi distribuée entre des domaines variés, naviguant de l'esthétique théâtrale à l'art contemporain, de la littérature à la philosophie. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Jan Lauwers, Needcompany, Récit, Mémoire, Histoire, Multidisciplinarité, Spectateur.

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Bacquet, Hélène. "Le chant des muets : mémoire, parole et mélodie dans Le Petit Köchel de Normand Chaurette, le Chant du dire-dire de Daniel Danis et Les mains bleues de Larry Tremblay ; suivi du texte dramatique Chanson de toile." Mémoire, 2007. http://www.archipel.uqam.ca/3115/1/M9684.pdf.

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Abstract:

Ce mémoire-création est né du désir d'interroger la spécificité de la parole théâtrale dans trois pièces québécoises contemporaines, en vue de la rédaction d'un texte dramatique. Les textes étudiés (Le chant du Dire-Dire de Daniel Danis, Le petit Köchel de Normand Chaurette et Les mains bleues de Larry Tremblay) ont été regroupés en vertu de ressemblances esthétiques, qui tiennent notamment au choix de ne « rien » représenter sur scène, et de faire entendre le récit d'un personnage rendant compte d'une action entièrement achevée. Il nous est apparu que ces pièces partageaient d'autres points communs thématiques, peu soulevés par la critique contemporaine. Ces trois textes, rangés le plus souvent dans la catégorie des textes « intimistes », voués à la remémoration d'un souvenir douloureux, adoptent une structure rituelle qui emprunte sa forme à un modèle musical Au renouvellement du genre dramatique s'ajoute dès lors une dimension collective, en apparence délaissée par le théâtre québécois depuis la fin des années 70. Afin de mettre en évidence la conjonction de trois imaginaires artistiques pourtant très distincts, nous avons adopté une approche comparée, fondée sur la confrontation des trois textes autour de grands axes communs. Nous avons eu recours à l'approche méthodologique développée par Hermann Parret pour mettre au jour la présence du lien collectif dans trois textes travaillés par les thèmes du mutisme et de la mutilation. Dans la partie théorique de ce mémoire, nous postulons que ces pièces tentent de conjurer la souffrance et la douleur physique infligées par la langue maternelle, lors de performances théâtrales traversées par un même fantasme: celui de la sublimation du mutisme dans le chant. Dans le second volet de notre mémoire, nous présentons le texte Chanson de toile, une pièce dont la forme emprunte à celle des trois textes étudiés, mais qui rejoint le Corpus en ce qu'elle est également parcourue par le thème du dépassement du mutisme -cette fois dans une perspective féminine. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Dramaturgie québécoise des années 90, Mémoire, Parole, Mélodie, Chant, Mutisme.

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Dissertations / Theses on the topic 'Mémoire – Au théâtre'

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