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Dissertations / Theses on the topic 'Mise en abyme dans la littérature'
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Mundler, Helen Esther. "Le texte dans le texte dans l'oeuvre d'a. S. Byatt (1978-1996)." Strasbourg 2, 1998. http://www.theses.fr/1998STR20023.
Full textAbstract:
L'oeuvre d'a. S. Byatt (nee 1938), auteur prolifique et erudite, a ete etonnamment negligee par les etudes du roman britannique contemporain, ne suscitant que quelques aticles. Cette these constitue une premiere longue etude de sa fiction. Notre corpus se compose de la fiction entre 1978 et 1996. Notre etude porte sur les procedes auto-reflexifs romanesques intertextuels et intratextuels, que nous cherchons a examiner a travers l'analyse du 'texte dans le texte' afin d'etablir une poetique de l'oeuvre byattienne et de la situer dans l'ethique et l'esthetique postmodernes. Byatt double les niveaux diegetiques, inclue la mise en abyme du personnage- ecrivain, utilise toute une gamme de textes intercalaires fictifs et authentiques, et invente de nouvelles formes hybrides, en faisant preuve notamment d'un pastiche brillant neo-victorien dans possession, son ouvrage le plus applaudi. Ce travail se divise en trois parties, correspondant approximativement a ce que nous avons nomme l'intertextualite canonique, aux formes d'intertextualite autres que canoniques (tels le conte, le tableau, que nous avons reunis en analysant leur aspect emblematique dans le romanesque), et a l'innovation dans le deploiement du texte dans le texte dans le dernier roman de byatt, babel tower, ou la nature du texte et les limites de la textualite sont remises en question. La structure de cette these est donc chronologique, et suit l'evolution naturelle de l'oeuvre de byatt. Dans chaque chapitre nous etablissons dans un premier temps les rapports entre les diverses parties du texte afin d'eclairer le projet de l'ouvrage entier; ainsi se definit l'etude hermeneutique, etude qui s'etend, se complique et se complete par l'etude d'une seconde categorie de 'texte dans le texte', que nous nommons 'la forme double', se composant des modes tels l'ironie et la parodie, ainsi que des tropes rhetoriques tels la metaphore, l'allegorie, ou, ce qui represente un depart de la rhetorique traditionnelle et une etape vers l'innovation postmoderne, l'illustration 'intersemiotique'<br>The work of a. S. Byatt (born 1938) has been surprisingly neglected by many studies of the contemporary british novel. This thesis constitutes the first full-length study of her fiction. I have concentrated on the self- reflexive processes used by byatt, particularly tne intertextual and the intratextual, which are examined in order to establish a poetics of byatt's work, and to situate this in the postmodern ethic and esthetic. Byatt multiplies diegetic levels, includes the mise en abyme of the writing character, uses a wide range of inserted texts, real and fictional, and invents new hybrid forms, making a particular feature of brilliant neo- victorian pastiche in possession her most acclaimed work. The thesis falls into 3 parts, corresponding approximately to what have termed (1) canonic intertextuality, (2) forms of intertextuality other than the canonic (such as reference to the fairy tale or to the painting, which i have united by analysing their emblematic aspects in the novel), and (3) the degree of innovation in the deployment of the text in the text in byatt's most recent novel, babel tower. The structure of the thesis is thus roughly chronological, and follows the natural evolution of byatt's work. In each chapter i have begun at the hermeneutic level, establishing the relationship between the various levels of the text in order to elucidate the project of the work as a whole. This basic analysis is then rendered more complex and is completed by the study of what i have termed the 'double form', which consists of modes such as irony and parody, as well as rhetorical tropes such as metaphor and allegory, or - representing amn innovation - intersemiotic illustration
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Pelletier, Nicole. "L'exploration et l'application du procédé de mise en abyme dans la création d'un recueil de nouvelles." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2001. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/MQ62003.pdf.
Full text
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Limoges, Jean-Marc. "Entre la croyance et le trouble : essai sur la mise en abyme et la réflexivité dans la littérature jusqu'au cinéma." Thesis, Université Laval, 2008. http://www.theses.ulaval.ca/2008/25113/25113.pdf.
Full text
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Craciun, Marinela-Denisa. "La technique de la mise en abyme dans l'oeuvre romanesque d'Umberto Eco." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2016. http://www.theses.fr/2016CLF20006/document.
Full textAbstract:
À la fois procédé artistico-littéraire et réflexion intellectuelle, la mise en abyme est une des stratégies de création favorites du romancier Umberto Eco. Certains auteurs ont utilisé cette technique uniquement pour de créer de « simples » jeux de miroirs (comme c’est le cas des Nouveaux Romanciers). Chez Umberto Eco, la mise en abyme est destinée à faire saillir aussi bien l’intelligibilité que la structuration de l’oeuvre. Elle est un principe récursif de la génération de figures et de formes narratives fractales : elle est pour ainsi dire le raisonnement servant comme base dans la création d’un univers romanesque par excellence autoréflexif. Selon une représentation très succincte (mais essentielle), la mise en abyme est ce dispositif narratif consistant à insérer un (ou plusieurs) récit(s) dans le Récit, qui, en reproduisant les caractéristiques de ce dernier va (vont) l’illustrer, l’expliquer et mettre en évidence le/les thème(s) de l’oeuvre<br>An artistic and literary procedure and, at the same time, an intellectual reflexion, mise en abyme is one of the favorite strategies of creation of the novelist U. Eco. Certain authors have used this technique just to create "simple" games of mirrors (such as the French writers called "Nouveaux Romanciers"). In the case of Umberto Eco, mise en abyme is destined to emphasize both the intelligibility of his work, as well as its being structured in multiple layers of narrativity. We reckon that this is the recursive principle, serving at the generating of fractal shapes and characters: this is therefore the reasoning laying at the foundation of creating a fictional universe self-reflective par excellence. If we want a very concise (but essential) representation, we will say that the mise en abyme is that device consisting of the insertion of one or many more stories into The Story, which, by reproducing the characteristics of the latter, provides us with an explanation and will shed light on the theme / themes of the work
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Limoges, Jean-Marc. "Entre la croyance et le trouble : essai sur la mise en abyme et la réflexivité depuis la littérature jusqu'au cinéma." Doctoral thesis, Université Laval, 2008. http://hdl.handle.net/20.500.11794/19587.
Full text
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Tsonis, Fotios. "L'ambiguïté salvatrice et destructrice dans l'œuvre romanesque d'André Gide." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL110.
Full textAbstract:
La présente étude vise à démontrer que l’ambiguïté qui tourmente l’existence de l’écrivain est, à la fois, salvatrice et destructrice, tout en explorant l’impact de celle-ci sur l’œuvre gidienne et les mœurs contemporaines. En étudiant les écrits de Gide, on a l’impression d’assister à un dialogue où s’affrontent des opinions opposées. L’ambiguïté qui émane du caractère ambivalent de Gide et qui laisse entrevoir ses expérimentations stylistiques à la quête du renouvellement de l’écriture classique, y est examinée. Dans L’Immoraliste, Gide pose la question de la liberté individuelle face à la contrainte sociale. Ensuite, La Porte étroite constitue la critique du protestantisme d’une part, et la critique de l’impuissance virile de l’autre. Quant aux Caves du Vatican, le catholicisme s’y trouve attaqué. Gide y assimile la puissance religieuse à l’argent et théorise l’acte gratuit. La Symphonie pastorale oppose la cécité physique à la cécité morale ; christianisme et paganisme s’y trouvent liés et confrontés à travers un amour impie et aberrant. Suivent les quatre dialogues socratiques de Corydon, un vrai plaidoyer en faveur de la pédérastie. Les Faux-Monnayeurs sont en quelque sorte la conclusion de l’œuvre romanesque et la somme de ses inquiétudes, donc le comble de son ambivalence. Un ensemble de thèmes qui touche à l’intégralité de la vie sociale y est abordé, mettant en relief la fausseté de ses contemporains. Enfin, Gide se livre à travers Si le grain ne meurt et revendique l’inscription de sa perversion dans la normale, tout en avouant que les autobiographies ne peuvent être qu’à demi-sincères<br>The present study aims to demonstrate that the ambiguity which torments the writer's life is both redeeming and destructive, while exploring the impact of the latter on Gide's work and contemporary mores. By studying Gide's writings, we have the impression of attending a dialogue in which opposing opinions confront one another. The ambiguity that emanates from Gide's ambivalent character and enables to reveal his stylistic experiments in the quest for the renewal of classical writing, is also examined herein. In The Immoralist, Gide raises the question of the individual freedom towards the social constraint. Furthermore, Strait Is the Gate is the critique of Protestantism on the one hand, and the critique of virile powerlessness on the other. As for The Vatican Cellars, Catholicism is attacked. Gide likens the religious power to money and theorizes the gratuitous action. In The Pastoral Symphony physical blindness opposes to moral blindness; Christianity and paganism are bound therein and confronted through an impious and aberrant love. The four Socratic dialogues of Corydon follow, a real plea in favor of pederasty. The Counterfeiters are in a way the conclusion of the novel and the sum of his worries, therefore the summit of his ambivalence. An ensemble of themes touching the entirety of social life is also approached, highlighting the falsity of his contemporaries. Finally, Gide opens himself up through If the seed doesn’t die and claims the inscription of his perversion in the normal, while admitting that the autobiographies can only be half-sincere
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Ouardi, Hela. "La littérature au miroir dans l'oeuvre romanesque de Raymond Queneau." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030039.
Full textAbstract:
Raymond queneau a toujours reflechi sur la litterature en general et sur sa pratique litteraire en particulier. Chez lui, l'autoreflexion est inseparable de la pratique litteraire. Elle n'est pas un artifice surajoute ni le lieu d'une interrogation provisoire. Analyser l'autoreference revient a relever, dans les romans de queneau, ce qui, tel un miroir, reflete certains aspects de la litterature. Pour ce faire, l'auteur a recours a une pluralite de techniques de l'autoreflexion litteraire: mise en abyme, oeuvre dans l'oeuvre, representation, a l'interieur du roman, de la genese d'une oeuvre litteraire, mise en scene de personnages d'ecrivains, et de personnages parlant ouvertement de leur statut de personnages, etc. La premiere partie de la these est ainsi consacree a l'analyse de l'imagede la lecture et du lecteur. La deuxieme etape de ce travail s'attarde sur l'image de l'ecrivain et celle de la litterature, comme institution culturelle, comme forme d'expression artistique et comme oeuvre. A travers cette partie, nous constatons que la relation de queneau avec la litterature passe par trois etapes essentielles: le rejet, le projet et le sujet. Enfin, la troisieme partie de ce travail nous conduit vers l'intimite de la creation litteraire pour se pencher sur l'image de l'auteur et de son double: le personnage. L'autorepresentation du sujet se double d'une problematisation de l'identite du createur, d'ou l'exhibition de la crise du sujet dans le jeu des supercheries litteraires. Tous les noms etant faux, c'est le corps qui prend le relais sur la signature; il apparente lacreation litteraire a un acte 4e procreation naturelle.
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Monpetit-Merel, Marie-Claire. "Jeux de miroirs dans les romans d'Antonia Susan Byatt." Orléans, 2005. http://www.theses.fr/2005ORLE1065.
Full textAbstract:
L'expression auto-réflexive 'jeu de miroirs' attribuée par l'écrivain britannique A. S. Byatt au personnage principal de Possession est le sujet de ce travail qui étudie les relations spéculaires dans ce roman indépendant et la tétralogie A Virgin in the Garden, Still Life, Babel Tower et A Whistling Woman publiés entre 1978 et 2003. La problématique consiste à chercher à déterminer la portée de cette expression qui fait retour sur l'ensemble de l'oeuvre romanesque de A. S. Byatt. En première partie, sont examinés les jeux spéculaires obtenus par redoublement entre le paratexte - épigraphe, sous-titre, image - et le corps du texte ; la seconde partie étudie la construction en miroir produite par dédoublement - double niveau diégétique, inclusion de micro-récits ; enfin, la troisième partie est consacrée à la constitution d'une image spéculaire déformée, par l'imitation et la parodie, par la description d'une vision anamorphique, par l'inversion du rêve utopique en dystopie<br>The self-reflective phrase 'mirror-games' uttered by A. S. . Byatt's protagonist in her novel Possession has provided the subject for this thesis which studies specular relations in this novel and the Frederica quartet, The Virgin in the Garden, Still Life, Babel Tower and A Whistling Woman, published between 1978 and 2003. To what extent is this self-mirroring phrase valid for Byatt's novels ? The first part examines the specular effects which appear as a result of an operation of reduplication between the paratext - epigraphs, subtitles, images - and the text itself ; the second part concentrates on the mirror-structure produced by splitting the narrative into two levels and including fiction-within-fiction ; the final part studies the deformed mirror-image obtained through imitation, parody, anamorphic visions as well as transformation of Utopia into Dystopia
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Navarro, Alain. "Les jeux de l'écriture dans l'oeuvre de Flann O'Brien." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081342.
Full textAbstract:
D'un point de vue methodologique, dans ses approches textuelles, ce travail s'interesse aux phenomenes d'autoreference qui inscrivent l'oeuvre dans le courant de la metafiction moderne. Notre etude analyse differentes formes de reflexivite, a partir notamment d'une theorisation de la "mise en abyme", afin de scruter les rapports entre les jeux formels et les themes. Elle s'appuie aussi sur un examen des lieux du texte, pas seulement les lieux representes, mais aussi ceux relevant d'une spatialite active qui permettent d'etablir un reseau de correspondances et d'homologies entre l'espace representant et l'espace represente. Cette these etudie les rapports complexes que l'oeuvre d'o'brien entretient avec la notion de jeu. Ces rapports permettent de comprendre les enjeux d'une oeuvre qui, tout en exhibant une grande liberte, et en affichant les dehors humoristiques d'un pur divertissement, manifeste une interrogation profonde sur le role de l'ecriture comme vehicule de sens et sur la creation litteraire. En sortant des sentiers battus des conventions romanesques, l'ecriture se fait inventive, proclamant la necessite d'un changement. L'auteur, en se retirant de la monotonie du monde, devient createur d'une esthetique renouvelee, faite d'une tension entre ordre et desordre. Mais le refus du conformisme, en meme temps que l'allegeance a la tradition irlandaise et aux formes de la modernite, ne va pas sans quelque inquietude a l'egard de l'oeuvre. En repoussant les limites du langage, en designant une derive entre les mots et les choses, o'brien fait apparaitre les risques d'une ecriture exploratoire. Cependant par cette liberation des potentialites du langage, l'ecriture d'o'brien nous incite a reconsiderer notre rapport au monde, en orientant la pratique litteraire vers une region ou les choses se parent de mystere.
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Chupin, Yannicke. "La figure de l'écrivain fictif dans l'oeuvre de Vladimir Nabokov." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040029.
Full textAbstract:
Ce travail porte sur la mise en scène du personnage de l'écrivain fictif dans l'œuvre de Nabokov et s'intéresse à l'évolution des moyens stylistiques et narratifs mis en jeu par l'auteur pour représenter les difficultés engendrées par la relation de l'écrivain fictif au matériau qui le définit et par lequel il se définit, c'est-à-dire le langage. Esquisse de typologie biographique et ontologique, la première partie propose de définir une échelle de critères (éducation, exil, langue, genre) au regard de laquelle se dessine la hiérarchie de ces figures d'écrivain dans les romans de Nabokov. Cette première étude met à jour un déplacement évolutif de techniques narratives métafictionnelles vers une écriture de plus en plus narcissique et réflexive. À partir de The Real Life of Sebastian Knight (1941), l'auteur laisse de plus en plus d'espace dans ses romans au discours de ses narrateurs : pour ces figures de papier auxquelles Nabokov a cédé sa plume, l'écriture devient alors un lieu de définition de soi et un moyen à travers lequel vont s'élaborer et se structurer l'espace environnant et le matériau autobiographique. Conscients de devoir leur vie au livre à travers lequel ils s'écrivent, les narrateurs écrivains les plus clairvoyants saisissent alors l'urgence et la nécessité de lutter contre la fin du récit, qui leur signifiera leur mort. La troisième partie s'articule autour de la relation étroite qui unit la mort et le livre et s'intéresse aux stratégies de contournement et de détournement mises en place par tous ces narrateurs pour survivre à l'œuvre qui leur a donné vie<br>This dissertation discusses the representation of the writer as a character in Vladimir Nabokov's novels. The focus is on the stylistic and narrative devices created by by Nabokov to represent the relationship between the fictitious writer and the language that defines him, and through which in turn he is defined. In the form of a biographical and ontological typology, the first part defines a set of criteria (education, exile, language, gender) which draws a hierarchy of those figures as they appear in Nabokov's novels. This preliminary analysis also unveils the gradual evolution of Nabokov's narrative techniques from metafictional devices to narcissistic and self-conscious narration. In the second part, the emphasis is on how Nabokov gives more and more space to his narrators' discourses, from The Real Life of Sebastian Knight on. For those characters on the page, writing becomes a medium through which they delineate their living space, i. E. They create themselves alive within the texts. Aware as they are that they owe their existences to the books they are in the act of writing, these narrators also soon realize the urgency and the necessity to postpone the end of their tales which will mean their death sentences. The third part concentrates on the intricate intimacy between the book and death and on the strategies used by those narrators to survive the works that brought them to life
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Keller, Isabelle. "L'anamorphose dans l'oeuvre romanesque de Lawrence Durrell." Toulouse 2, 2002. http://www.theses.fr/2002TOU20059.
Full textAbstract:
L'étude de l'anamorphose dans l'écriture romanesque de Lawrence Durrel propose, à partir de l'analyse détaillée de The Alexandria Quartet et de The Avignon Quintet, une clé de lecture de l'oeuvre durrellienne dans son ensmeble qui permette de rendre compte tant de sa complexité que de sa diversité. La comparaison du traitement de la description dans les deux romans met en évidence un brouillage délibérér de l'espace comme des protagonistes, qui deviennent autant d'indices de lecture. Après avoir erré au coeur de cette cartographie inquiétante qui se dédouble et se fragmente, le lecteur se trouve donc incité à rechercher l'axe qui lui permettra de reconstruire la perspective brisée. Les jeux guident alors le travail de recolposition. Le lecteur, tentant de redresser la perspective, découvre alors la nature profondémént trompeuse de toute reconstruction définitive et univoque. L'oeuvre s'écrit ainsi "entre les lignes, entre les vies": celle du Quatuor et du Quintette, mais aussi celles de The Black Book, The Revolt of Aphrodite, An Irish Faustus ou des poèmes<br>The study of anamorphosis in Lawrence Durrell's novels probes into The Alexandria Quartet and The Avignon Quintet in order to descry Durrell's complex literary work. The compared analysis of the handling of description in both novels evinces a deliberate blurring of space and characterization, which hint to a specific mode problematic as we move from The Quartet to The Quintet, shape out our reconstruction of the pattern. The reader in search of the corrected perspective consequently discovers both the vanity of a merely mimetic representation and the delusive nature of any definite and univocal reading. Durrell's work has to be read "between the lines, between the lives": those of The Quartet and The Quintet, as well as those of The Black Book, The Revolt of Aphrodite, An Irish Faustus or the poems. Durrell's writting is then born from these vanishing traces which keep spreading out, overlapping and migrating from one texte to the next, from one genre to another
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Demangeot, Fabien. "Fantasme et représentation dans l'oeuvre d'Alain Robbe-Grillet." Phd thesis, Université de Bourgogne, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01016557.
Full textAbstract:
Cette thèse aura pour but d'interroger deux notions majeures de l'oeuvre robbe-grillétienne : le '' Fantasme'' et la '' Représentation''. Il s'agira, principalement, de mettre en perspective les différents rapports qui se tissent entre elles et la manière dont elles édifient l'oeuvre du Nouveau Romancier. La façon dont Robbe-Grillet représente le fantasme sera au centre de cette recherche, mais nous aborderons également la notion de représentation à travers le motif du théâtre. En effet, les personnages des films et romans de Robbe-Grillet ne cessent de jouer des rôles stéréotypés (l'espion, la prostituée, le docteur sadique etc.) et il arrive fréquemment que les lieus présentés au début de la diégèse se muent en scènes de spectacle. Chez l'auteur de La Jalousie Le fantasme est fortement théâtralisé comme l'atteste également l'omniprésence de la thématique sadomasochiste. Espace de tous les possibles, l'oeuvre de Robbe-Grillet fantasme aussi sa propre gestation. Le Nouveau Romancier, à l' image du texte qu'il a engendré, est devenu, lui-aussi, un objet de représentation. Ouverte sur de multiples métamorphoses, cette oeuvre aussi ludique que complexe ne cherche pourtant pas à dévoiler l'ensemble de ses mécanismes. Elle laisse la possibilité au récepteur de créer les siens en acceptant ou non le pacte de lecture proposé par l'auteur. Le lecteur-spectateur, à la fois au centre et à l'extérieur de tout ce qu'il peut lire et voir, se retrouve au coeur d'une représentation qui est autant la sienne que celle de l'auteur.
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Hannachi-Grégoire, Najoua. "Jeux de frontières : l'écriture poétique dans "Dead voices", 1992 de Gerald Vizenor." Toulouse 2, 2003. http://www.theses.fr/2003TOU20015.
Full textAbstract:
"Dead voices", oeuvre de Gerald Vizenor, écrivain et poète d'origine ojibwé, est un récit polyphonique qui oscille entre écriture et oralité, une alternance déployée par la présence du trickster Bagese, personnage principal. La structure de l'oeuvre s'articule autour du jeu de wanaki qui impose la métamorphose comme règle nécessaire à son déroulement et pose la question de l'identité et de sa représentation par le langage. "<br>"Dead voices" is a trickster novel by Gerald Vizenor, a native American Indian writer. The narratives combine oral and written language thanks to the presence of the trickster Bagese, the main character. The structure of the novel revolves around the Wanaki game which adresses the question of identities and language representations
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Le, Moigne-Euzenot Martine. "Les voies de la suspicion à travers l’oeuvre romanesque de Sony Labou Tansi." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040002.
Full textAbstract:
Les voies de la suspicion sont celles ouvertes par l’écrivain congolais Sony Labou Tansi au travers de son oeuvre et plus particulièrement de ses six romans publiés. Elles sont incertaines parce que les mots pour les tracer sont si précis qu’il y a de quoi se perdre à force de trop de renseignements ou de trop de personnages. La difficulté à les déchiffrer vient surtout de ce que les mots pour les désigner portent souvent en eux-mêmes leur propre démenti. Ils disent et ne disent pas. Le lecteur est dérouté, interloqué au point qu’il peut se demander s’il est ou non un bon lecteur. Lire Sony Labou Tansi n’est pas confortable. « J’écris pour qu’il fasse peur en moi » dit-il, c’est ce sentiment qui désempare et place celui qui lit à la croisée des chemins. L’acte de lecture devient objet à observer, il se construit même en tant que fil narratif. Une spécularité originale se met en place. D’un autre point de vue, l’extraordinaire inventivité du conteur sert autant la violence insoutenable d’un monde voué à sa perte à cause des dictatures qui les enferment dans un temps itératif, que la subversion qui fait chanter et crier les foules. Jubilation et effroi se côtoient. Rêve et réalité se rejoignent. Toute lecture est alors lecture en va-et-vient, et celle à retenir est à chercher dans ce mouvement pourtant dangereux entre le même et son contraire. La tension qui associe réalité et fiction est celle qui semble maintenir le lecteur au bord d’un précipice où l’humaniste Sony Labou Tansi cherche néanmoins à nous éviter de tomber. Ce paradoxe ouvre la voie d’un monde à traverser pour entendre les voix qui, elles, ne sont pas suspectes parce qu’elles ne sont pas invalidées, celles qu’on lit dans des lettres, sur des pancartes et des slogans. Ces mots-là sont ceux des hommes et des femmes qui acceptent de mettre les mots au monde. Le paysage est leur berceau. Les mots sont donc des personnages à part entière, Sony Labou Tansi s’appuie sur eux tout en s’en méfiant pour raconter leur quête d’identité. L’écrivain a la charge de nommer<br>The tracks of suspicion through the fiction works of Sony Labou Tansi. The tracks of suspicion are those opened by the Congolese writer Sony Labou Tansi through his works and more particularly through his six published novels. They are unsteady since the words that draw them are so precise that one might get lost from too much information or too many characters. The difficulty to decipher them mostly comes from the fact that the words to designate them often bear their own denial. They say and they don’t say. The reader is puzzled, disconcerted so far as he can wonder whether he is or isn’t a good reader. Reading Sony Labou Tansi isn’t comfortable. “I write in order to feel fear within me” he says, it is this feeling that takes aback and pushes the reader at the parting of the ways. The reading act becomes subject to observation, it even builds itself as a narrative thread. An original specularity is taking shape. From another point of view, the extraordinary inventiveness of the storyteller serves as much the unbearable violence of a world doomed to fail because of the dictatorships that enclose them in an iterated time, as the subversion that makes the crowds sing and shout. Jubilation and terror run alongside. Dream and reality join together. Any reading is thus a back-and-forth reading, and the one to retain is to be found in the movement though dangerous it may be between the same and its contrary. The tension that associates reality and fiction is the one that seems to maintain the reader at the edge of a precipice where the humanist Sony Labou Tansi tries nevertheless to prevent us from falling. This paradox opens the track of a world-to-cross in order to hear the voices that, as far as they are concerned, are not suspicious because they are not invalidated, the ones we read in letters, signs and slogans. These words are the men’s and women’s who accept to give birth to the words. The landscape is their cradle. The words are thus full characters, Sony Labou Tansi leans on them while mistrusting them to tell their identity quest. The writer has the responsibility to name
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Feola-Baladier, Antonella. "Le merveilleux dans le cycle des "Sept Sages de Rome" : Versions françaises et versions italiennes." Montpellier 3, 2005. http://www.theses.fr/2005MON30029.
Full textAbstract:
La question du merveilleux forme l'axe principal de cette thèse qui porte sur un corpus de recherche englobant le cycle français et le cycle italien du Roman des Sept Sages. L'ensemble comprend seize versions, dont les plus anciennes remontent au XIIIème siècle. L'analyse met en évidence les liens étroits qui ont uni les deux traditions pendant trois siècles, dès la floraison du Roman en France, en passant par la naissance d'une véritable Versio Italica, jusqu'à la Renaissance. C'est à cette époque que la tradition littéraire italienne des Sept Sages, comme pour tous les arts en général, s'impose et modifie le cycle fondateur français. On constate ainsi un renversement d'influences, à propos duquel il est donc extrêmement intéressant de procéder à une analyse comparée centrée essentiellement sur le merveilleux sous ses différentes formes, à savoir l'écriture de la Merveille, les contes et les motifs merveilleux<br>This thesis, which takes as its corpus the French and the Italian versions of the Romance of the Seven Wise Men, revolves around the question of the marvellous. Sixteen versions of the Romance are extant, the oldest going back to the XIIIth century. The research brings to light the tight links which bound the two traditions together for three centuries, from the flowering of the romance in France to the birth of a genuine Versio Italica and to the Renaissance. That is the period when the Italian literary tradition of the Seven Wise Men, as with all the other art forms, came to the fore and modified the initial French cycle. The resulting counterinfluences provide a most interesting field of comparative study which centres mainly on the marvellous under its different forms, namely the narrative of the Marvel, the tales and the supernatural motifs
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Pegorari, Céline. "Le jeu dans le miroir : étude de l'œuvre poétique de Rafael Lasso de la Vega (1890-1959)." Montpellier 3, 2009. http://www.biu-montpellier.fr/florabium/jsp/nnt.jsp?nnt=2009MON30064.
Full textAbstract:
La présente étude a pour objet la théâtralisation du sujet lyrique dans l’oeuvre de Rafael Lasso de la Vega (1890-1959) et repose sur une analyse des différents niveaux de discours et de mise en abyme de la voix poématique au sein du texte poétique. Le dialogue ainsi instauré entre réalité extérieure à l’oeuvre et fiction ne participe pas, cependant, d’une réflexion sur la nature du texte littéraire, du langage ou de l’instance d’énonciation, qui est pourtant manifeste à l’époque durant laquelle Rafael Lasso de la Vega compose son oeuvre. Il témoigne, au contraire, d’une conception de l’art qui n’a d’autre finalité qu’elle-même et n’a d’autre prétention que de revenir à l’origine de l’activité créatrice : celle de façonner des univers fictifs au sein desquels un poète, non moins fictif, peut s’observer à loisir en train de créer. Un tel rapport à l’art est significatif de la conception de l’artiste de l’existence. A l’instar des dandy de la « fin de siècle », Rafael Lasso de la Vega n’aura, en effet, de cesse, par la falsification d’une partie importante de sa biographie et la création d’une savoureuse légende, de faire de sa vie un roman. C’est par cet aspect que débute la présente étude, avant de laisser place à une analyse plus structurelle des textes et du langage poétique, opérant dans cette oeuvre<br>This study deals with the dramatization of the lyric subject in the work of Rafael Lasso de la Vega (1890-1959), and is based on an analysis of the various traces in the poetic text of the discourse and mise en abyme of the poematic voice. Yet such dialogue between outer reality and fiction does not proceed from any reflection on the nature of the literary text, of language or enunciation authorities, however manifest this reflection might have been at the time when Rafael Lasso de la Vega composed his work. On the contrary it is indicative of a conception of art the end of which is nothing but itself, and that pretends only to return to the origins of the creative process¾to shape fictitious universes in which an equally fictitious poet may watch himself in the throes of creation. Such a view of art sheds light on the artist’s conception of existence. As the fin de siècle dandies, Rafael Lasso de la Vega would do his best to turn his life into something out of a novel, falsifying a huge part of his biography to create delightful legends about himself. This dimension is tackled in the first part of the study, which then offers a more structural analysis of the texts and their poetic language
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Susani, Jean-Paul. "La question du double dans la psychanalyse et dans les contes : « Ombres et lumières du double »." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://scbd-sto.uni-paris13.fr/secure/ederasme_th_2017_susani.pdf.
Full textAbstract:
Un étrange mouvement, d'une réciprocité motrice et matricielle, anime les rapports du double aux champs de la pensée et de la narration. Avant même le développement de la philosophie et de la psychanalyse, les images des jumeaux et du double apparaissaient autour des grands symboles constitutifs de l'organisation culturelle et se voyaient déjà véhiculés par les contes. Le double est au cœur et à la frontière de la pensée, à l'ouvrage dans les rapports aux miroirs, aux regards, dans la recherche de son propre visage, dans les différenciations identificatoires. Pour certains, le double rejoindra les modalités exprimables par les langages de l'être, et la diversité des figures de ce motif dans les contes, en diffusera les formes classiques, modernes, dans la multiplicité de leurs profils prolifiques. Les théories littéraires et leurs typologies, devront s'examiner à la lueur préalable des doubles traditionnels d'antan, pour observer les cheminements et trouver les axes apportant une cohérence à un ensemble diffracté. Partant d'un positionnement, reconnaissant la convergence et l'interdépendance de la pensée et de la narration, et après avoir intégré les divers apports des théories psychanalytiques et littéraires, le cheminement de cette thèse recherchera les apports créatifs et curatifs du genre pour poursuivre une nouvelle perspective psychanalytique. Les conclusions de ce cheminement par le biais de la clinique des enfants dans ses rapports au double, au compagnon imaginaire et aux contes, permettront d'apporter quelques réflexions sur cette problématique en examinant les points de rencontre entre littérature et psychanalyse<br>An unusual movement of a retlective reciprocity, impels the relationships between The Double and the fields of thought and narration. Even before the development of philosophy and psychoanalysis, ,mages of the Twins and the Double appeared in the major constituent symbols of cultural organization, and were already clearly conveyed in tales. The Double is both at the heart 9f, as well as, the border of thought. It is also at work in our relationships to mirrors, gazes, in the search for our own faces. For some, The Double joins psychological modalities expressed by the languages of being, and the diversity of these figurations are seen in both classic and modern tales, in multiple and prolific ways. These literary theories and their 1 typologies, should therefore be examined in relation to the traditional meanings of the Double, in orde to fully ml-'Jerstari.d the journey and find the axes that bring coherence to a diffracted enseri1ble. Duality, and the faces of the double will also be the object of a typological proposai combining these two aspects to define the trajectories of the double. Starting in a position of recognizing the convergence and the interdependence of thought and narration, and after integrating the diverse contributions of psychoanalytical and literary theories, this thesis will study the creative and curative contributions of the genre to pursue a new psychoanalytical perspective The conclusions of this journey, illustrated through various children clinical studies and their relationship to the Double, imaginary companions and to tales, will allow a more global view of this problem
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Bauer, Sylvie. "Métafiction et jeux de langage dans le roman américain contemporain : (Walter Abish, Donald Barthelme, Russell Hoban)." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100153.
Full textAbstract:
A partir des romans de Walter Abish, Donald Barthelme et Russell Hoban, cette étude tente de déterminer les rapports entre métafiction et jeux de langage, et d'en dégager les enjeux, tant sur le plan de la fiction que de l'écriture ou du langage. La première partie s'intéresse plus particulièrement aux problématiques de la mise en abyme, aux enjeux de miroirs, d'abord au niveau de la fiction, puis de l'écriture, enfin du langage. On montre comment ces jeux de miroirs fonctionnent, et quel est le rapport qui s'établit entre mise en abyme et métafiction. La seconde partie est plus particulièrement consacrée aux jeux de langage, ce qui implique à la fois une définition du jeu et des règles qu'il implique, et une étude du concept de 'jeu de langage' formule par Wittgenstein. On montre comment ce qui est en jeu dans l'écriture réflexive, c'est le langage. Cela implique une tentative de définition du langage, jeu qui implique des règles et des frontières qui sont sans cesse franchies. Cette partie porte un intérêt particulier aux monstres du langage, effractions des règles et autres exceptions. La troisième partie s'intéresse aux enjeux du langage, c'est-à-dire au rapport entre le langage et le monde. A partir des romans, on tente de montrer comment c'est le langage qui construit la réalité, et comment toute réalité est une construction du langage<br>Through the analysis of the novels written by Walter Abish, Donald Barthelme and Russell Hoban, this study tries to determine the relations between metafiction and language games, and to bring out what is at stake in such relations, be it on the level of fiction, writing and language. The first part is more particularly concerned with the problematic of mise en abyme and mirror-games, first on the level of fiction, then on the level of writing, and on the level of language. This section shows how those mirror-games work, and what is the relation between mise en abyme and metafiction. The second section deals with language-games, which implies defining the idea of a 'game' and the rules games entail. It also implies a study of Wittgenstein's concept of 'language games'. What is at stake in narcissistic writing is language, which implies to try and define language, as a game with its rules and its frontiers that are always transgressed. This section deals more particularly with the monsters of language. The third part is more particularly interested in the relations between language and the world, in what is really at stake in language. With those novels as a starting point, this section tries to show that language and language alone builds reality, and that reality is a contruction of language
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Tronchet, Gilles. "La métamorphose à l'œuvre : recherches sur la poétique d'Ovide dans "les Métamorphoses"." Reims, 1997. http://www.theses.fr/1997REIML002.
Full textAbstract:
Le projet d’Ovide, en écrivant les Métamorphoses, était d'agencer en un récit continu une foule d'histoires mythiques, centrées sur une ou plusieurs transformations surnaturelles. Le poète a construit avec soin cette chaine d'évènements pour aboutir a une fiction qui mène de la naissance de l'univers jusqu'a sa propre époque. En même temps, il exhibe sans cesse la part de jeu que comporte son entreprise, manifestant avec humour les procédés auxquels il a eu recours. La recherche consiste a décrire précisément cette démarche, en utilisant des instruments d'analyse modernes, comme ceux de la narratologie. Cela permet d'envisager les rapports entre la construction narrative des métamorphoses et les multiples similitudes qui créent tout un réseau de correspondances a travers le poème et déterminent une logique différente, échappant a la linéarité du récit. Pour atteindre ces objectifs, cinq étapes se succèdent : - les modèles poétiques dont Ovide s'inspire ou se démarque pour édifier un récit qui commence a la création du monde et s'achève sous le règne d'auguste. - les ressources thématiques et narratives mobilisées pour donner une impression de durée, de successivité, a une suite de légendes souvent dépourvues de liens préalables. - la découpe et l'économie du récit, depuis la définition des unités de base jusqu'aux regroupements narratifs les plus vastes qui en structurent le déroulement global. - la cohésion de l'ensemble avec le rôle joue par les transitions entre les diverses parties et l'explication des ruptures apparentes qui surgissent dans l'enchainement. - le réseau des corrélations thématiques et littérales entre les épisodes, aptes a susciter d'innombrables effets de sens, indépendamment du contexte narratif<br>Ovid's plan, while writing the metamorphoses, was to put together masses of mythical stories dealing with one or more supernatural transformations in order to make up a continuous narrative. The poet has carefully built this chain of events into a fiction which leads from the birth of the universe to his own time. At the same time, he constantly shows off the playful side of his work, pointing out with humour the methods he has resorted to. The present research consists in describing his approach accurately using new tools of analysis such as narratology. This allows us to consider the relationships between the narrative construction of the metamorphoses and the multiple similarities which create a whole network of connections throughout the poem and give rise to a different logic escaping from the straightforwardness of the narrative. In order to fulfill these aims, five steps follow one another : - the poetic patterns from which ovid takes his inspiration or break free in order to build a narrative which begins at the creation of the world and ends in the reign of augustus. - the thematic and narrative ressources called up to give a feeling of duration, of successiveness, to a series of legends often without previous links. - the cutting and the arrangement of the work, from the definition of the basic units to the largest narrative regroupings which structure its global development. - the cohesion of the whole, with the role played by the transitions between the various parts, and the explanation of the abrupt changes which occur sometime in the chain of events. - the network of thematic and literal correlations between the episodes, capable of causing countless effects of meaning, irrespective of the narrative context
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Birouk, Nadia. "Les représentations du lecteur réel dans quelques récits de voyage de Michel Butor." Phd thesis, Université Rennes 2, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00769292.
Full textAbstract:
Le lecteur joue un grand rôle dans la production et dans l'élaboration du sens. En effet, dès le premier contact avec un énoncé littéraire, le lecteur réel est engagé dans une " communication interactionnelle " avec l'auteur réel, surtout lorsqu'il s'agit de saisir le sens d'un récit " déroutant ". Pourtant, nous ne pouvons pas toujours préciser les types de lecteurs réels et leur capacité dans l'activation de l'acte de lecture qui doit être productif. La thèse essaye de mettre en lumière les particularités de la lecture littéraire et la difficulté d'approcher un énoncé littéraire, qui demeure un défi et une contrainte au vu de sa spécificité. Nous avons tenté de déterminer à l'aide d'exemples précis empruntés à Michel Butor, l'activité du lecteur réel que nous sommes, car ils présentent un outil intéressant pour approcher la question de la lecture chez Michel Butor, dans la mesure où ils illustrent le parcours d'une écriture " de voyage " qui va jusqu'à la mise en question du genre (Récit de voyage). Bref, il s'est avéré que la réception d'un texte est liée à nos choix les plus intimes, à nos partis pris, à nos sentiments et à nos pulsions...
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Hossein-Zadeh, Azine. "Figuration et mise en abîme dans la littérature persane : la représentation du corps humain et le rôle de l'art et de l'artiste dans "Khosrow et Chirine" et "Les sept portraits" de Nézâmi et "La chouette aveugle" de Hedâyat"." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030086.
Full textAbstract:
Depuis l'antiquite, l'occident s'interesse a l'image et cherche a lui trouver des definitions precises. Iconoclaste a ses debuts, le christianisme, comme principale religion occidentale, devient par la suite iconophile pour transmettre son heritage. Il en est tout autrement dans la culture musulmane ou la parole se supplee a l'image et ou un iconoclasme plus important freine l'essor des arts figuratifs. Or, la puissance de la parole comble ce manque, et une litterature tres imagee tente de remplacer la peinture. Au xiiieme siecle, les romans d'amour de nezami ( khosrow et chrine et les sept portraits) accordent une large place a l'art. Au portrait et a l'artiste et vont ainsi a rencontre des principes d'un islam iconoclaste. En se basant sur un discours largement descriptif qui celebrent la beaute du corps humain et en s'appuyant sur l'importance de l'art dans l'agencement de ses recits, nezami, suivant les valeurs de son epoque, represente dans ses oeuvres un monde ou l'homme est en parfaite harmonie avec le cosmos. Au xxeme siecle, l'art et l'artiste sont toujours presents dans la litterature. Le regard d'un ecrivain tel que hedayat, influence par la modernite et ses consequences sur la civilisation orientale, renverse l'ordre des choses et se presente comme une interrogation sur la legitimite des valeurs traditionnelles. Source de beaute chez nezami, le corps humain perd dans la chouette aveugle de hedayat toute sa noblesse, toute sa magnificence. C'est dans un tel climat que l'art et l'activite artistique restent a jamais une tache vaine et sterile.
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Robache, Delphine. "La matérialité du texte dans Manhattan Transfer et USA de John Dos Passos." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA075/document.
Full textAbstract:
Les premiers romans de John Dos Passos s’inscrivent dans le courant moderniste et sont caractérisés par une organisation originale des mots sur la page. Le texte n’est pas un bloc monolothique mais il est découpé en sections et ponctué d’épigraphes. Il contient également une multitude de collages présentés dans des styles et des polices variés. Cette observation est le point de départ de cette étude qui propose d’analyser la matérialité du texte dans les premiers romans de John Dos Passos, Manhattan Transfer et la trilogie USA, publiés entre 1925 et 1938. Ces ouvrages interrogent le regard du lecteur sur le texte, en montrant ce qui est placé devant, autour de l’oeil de celui qui regarde. Ils invitent le lecteur à prendre conscience de ce qui influence sa vision. Le roman exhibe son armature et ses divers seuils, laissant soin à celui qui lit de poursuivre ou non sa lecture, de revenir en arrière et de faire les liens entre les différentes zones de texte. Le roman expose son mode de fabrication, soulignant qu’il est le produit d’un réagencement de textes antérieurs. Cette armature visible est autant faite de pleins que de vides et reflète la tension entre l’ambition de tout dire, tout contenir et la reconnaissance de la difficulté même de raconter. Le jeu avec les espaces blancs, la ponctuation et les indications phonétiques renforcent la dimension écrite du texte tout en essayant de de le faire sortir hors de la page et de résister à toute clôture<br>The early novels of John Dos Passos are part of the modernist literary movement. They are characterized by an original organization of the words on the page. The text is no longer a monolithic block, but is divided into sections and its separations are highlighted by a vast paratext. It also contains a variety of collages presented in various styles and in different fonts. These observations are the starting point of this research, which focuses on the materiality of the text in the early novels of John Dos Passos, Manhattan Transfer and the trilogy USA, published between 1925 and 1938. These novels question the gaze of the reader on the text, showing what is placed in front of and around the eye of the observer. The reader becomes aware of what influences his vision. The novel displays its internal structure and various thresholds, allowing the reader to continue or to stop reading, to go backwards and to create connections between the different sections of the text. The novel displays how it has been constructed, highlighting that it is the product of the rearrangement of previous texts. This visible internal structure is also built out of gaps and empty spaces. It reflects the tension between the ambition to be exhaustive, to contain everything and to acknowledge the difficulty to tell a story. The interplay with the blank space on the page, the use of punctuation and phonetic indicators reinforce the written aspect of the text, while at the same time making the words stand off the page and resistant to closure
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Tang, Yuqing. "Le dit du miroir : une étude parallèle d'Alain Robbe-Grillet et de Jean Echenoz." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030088.
Full textAbstract:
Les critiques littéraires estiment qu’il existe une certaine relation entre Robbe-Grillet et Echenoz, entre le Nouveau Roman et les jeunes écrivains de chez Minuit. Mais jusqu’à nos jours, il n’existe pas encore de recherches systématiques sur leur filiation dans les aspects divergents et convergents, notamment sur les différences et les ressemblances dans le récit. Dans cette étude, en interprétant l’obscurité du miroir non seulement comme fragmentation en multiples reflets mais aussi comme inversion du vide, nous apercevons que chez les deux écrivains, le sujet unit vainement en lui le même et l’autre en raison d’une crise identitaire. À travers un ailleurs en antithèse de l’ici, les auteurs dressent une typologie spatiale dominée par le vide et l’ouverture. Concernant la structure narrative, il existe aussi des voies différentes de reflets du miroir au sein du texte et entre les textes. D’ailleurs, les deux écrivains produisent par eux-mêmes des images spéculaires, qui se superposent et s’excluent, lorsque nous les envisageons au reflet du discours critique, ou dans le miroir de leur groupe respectif<br>The literary critics have found the relation between Robbe-Grillet and Echenoz and that between New Novel and young writers at Midnight. However, in terms of their filiation, there is no systematic research related to the convergent and divergent aspects so far, especially the differences and similarities in the narration. By interpreting the obscurity of the mirror as the fragmentation of multiple reflections and the inversion of the vacancy as well, this dissertation finds that the subject in their writings incorporates both the self and the other to itself in vain because of the identity crisis. Based on the antithesis between here and there, both authors provide a typology space dominated by vacancy and openness. Regarding the narrative structure, there are different ways to mirror reflections within a text and between the texts. Moreover, from the perspective of the critical discourses, or in the mirror of their respective groups, both writers form some overlapped and inter-excluded specular images
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Koumba, Jean Steiner. "Le roman et le mouvant : essai sur l'oeuvre romanesque d'Edouard Glissant et Jean-Marie Gustave Le Clézio." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA132/document.
Full textAbstract:
Le roman contemporain apparait comme le lieu d’un double questionnement : le premier est lié à sa forme, tandis que le second renvoie à une longue interrogation sur un monde marqué par de grands bouleversements d’ordre anthropologique, politique, culturel ou sociologique. Chez Glissant et Le Clézio, ce questionnement prend l’allure d’une problématisation du monde et imprègne, d’un bout à l’autre, leur production romanesque. Ainsi, la présente thèse analyse les mécanismes et les enjeux de l’art romanesque à l’épreuve du mouvant. Elle évoque l’idée d’une déconstruction de la forme et la structure romanesques pour arriver à une nouvelle pensée du roman qui permet, en même temps, de penser la complexité du monde. Cette complexité se donne à lire dans le roman à travers l’idée de contrepoint qui permet le mélange de voix narratives, des personnages, des formes, des genres, ou encore des mondes. Parler d’une poétique du mouvant revient, dès lors, à penser la multidimensionnalité de l’être ainsi que les liens qui se tissent entre des individus présentés comme des producteurs et des produits des cultures. La pensée du mouvant prend ainsi une orientation politique du monde. Elle exalte, non pas la dénaturation de le l’individu, la perte de son identité ou encore sa dilution, mais sa propension à penser l’autre dans sa différence, comme un élément d’un tout complexe, avec finalement l’idée de « différence dans l’unité » et d’ « unité dans la différence » qui permet d’aller au-delà de la simple juxtaposition des cultures. Le mouvant devient, dès lors, l’autre nom du métissage, de la complexité et de l’interculturalité<br>The usual contemporary novel appears as the place of a double questioning: the first is linked to its form, and the second drives to a long interrogation on a world marked by great anthropological, political, cultural and social upheavals. For Glissant and Le Clézio this interrogation takes the form of an everlasting questioning on the concept of the world and this can be seen along all theirs novels. Thereby, the present thesis investigates the mechanisms and the stakes of the art of the novel compared to the concept of "mouvant". This work treats about the deconstruction of the usual form and the structure of the novel driving to a new approach of the novel allowing, at the same time, to glimpse the complexity of the world. This complexity can be seen in the novel through the mechanisms of the counterpoint which allows the mixing of narrative voices, forms, characters, genres or even worlds. To speak about a poetics of " mouvant" it is necessary to consider the multidimensional aspect of the concept of the living being, as well as the links between individuals presented both as producers of cultures and as themselves a product of cultures. Thus, the concept of "mouvant" takes a political orientation of the world. This concept exalts, neither the denaturation of the individual nor the loss or the dilution of his identity, but the propensity to see the other one in his difference, as a part of a complex whole, and ultimately the idea of “Difference in unity” and “Unity in difference”, which allows us to go beyond the simple juxtaposition of cultures. Therefore, the concept of "mouvant" becomes the other name of the mixing, the complexity of the world and the interculturalism
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Blüher, Dominique Odin Roger. "Le cinéma dans le cinéma : film(s) dans le film et mise en abyme /." Lille : Atelier national de reproduction des thèses, 1996. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39264624t.
Full text
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Blüher, Dominique. "Le cinéma dans le cinéma film(s) dans le film et mise en abyme /." Lille : A.N.R.T, Université de Lille III, 1996. http://bibpurl.oclc.org/web/30507.
Full text
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Blüher, Dominique. "Le Cinéma dans le cinéma : Film(s) dans le film et mise en abyme." Paris 3, 1996. http://www.theses.fr/1997PA030021.
Full textAbstract:
Cette etude propose les premiers jalons d'une approche semio-narratologique d'ensemble et systematique de ce que l'on a pris l'habitude de considerer comme film(s) dans le film. Apres avoir donne un apercu de l'etat des recherches concernant la reflexivite au cinema, elle procede a une classification visant a cerner l'ensemble des films ayant trait au cinema. Puis elle se limite deliberement a l'etude du film dans le film proprement dit, c'est-a-dire a cette configuration particuliere de l'insertion d'extraits de film dans un film. Elle analyse cette figure en ayant recours 1 aux notions descriptives empruntees a la narratologie litteraire, 2 aux recherches concernant l'enonciation filmique et 3 au concept de scenario issu de la pragmatique cognitiviste. Puis, elle propose un modele d'analyse du fonctionnement multiplan du film dans le film, developpe en s'inspirant librement d'etudes linguistiques de la paraphrase. Ce modele d'analyse est ensuite illustre et soumis a l'analyse de trois films (respectivement de fassbinder, leenhardt et fellini). Enfin, elle opere un retour sur une forme plus specifique du film dans le film, la mise en abyme, degageant certaines caracteristiques de cette figure vertigineuse et paradoxale.
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Heidarzadeh, Hormoz. "Julien Gracq : la tentation de l'entre-deux." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030001.
Full textAbstract:
Le corpus de la présente thèse contient essentiellement trois oeuvres de Julien Gracq : Au château d’Argol, Un balcon en forêt, En lisant en écrivant. On profite entre autres, de ses autres oeuvres ainsi que tous ses entretiens qui apportent un éclaircissement dans notre étude. La présente thèse s’est constituée de deux chapitres; le premier : « Axe thématique et spéculaire « et le deuxième : « Axe esthétique et spéculaire « . Il s’agit de mettre en évidence, en profitant des éléments antinomiques dans les oeuvres, la tension entre le naturel et le surnaturel, entre le régime narratif et le régime poétique et entre la lecture et l’écriture. On a essayé, dans la mesure du possible, de rester sous la vision de J. Gracq lui-même qui s’est exprimé dans son oeuvre autocritique En lisant en écrivant. J. Gracq vit les événements de ses oeuvres dans une indétermination et une indécidabilité quasi totale de l’entre-deux; le point de croisement de la rêverie humaine et le centre d’éveil de toute réflexion, sur le devenir du moi intime tout particulièrement, c’est-à-dire le vrai lieu de l’aventure humaine et d’après lui c’est la seule chose qui vailled’être recherchée. Deux angles de visions, que ce soit dans l’axe thématique, esthétique et spéculaire, tanguent entre elles dans un mouvement du glissement perpétuel et s’étreignent par la suit. On baigne dans l’objectivité et la subjectivité à la fois et la séparation de l’entre deux ne s’est jamais parfaitement accomplie et le clivage reste incertain. La frontière entre les deux s’est parfois tellement embrouilléequ’on est égaré, et c’est là tout l’art de J. Gracq. Il crée à son propre gré un espace où sa créativité imaginaire et poétique est à son comble. « La force du texte est l’expression de l’homme en face du monde et de la marche de l’histoire « . Le monde tout entier reste pour l’homme un entre-deux indéchiffrable. Peut-être, pour lui, le sens est-t-il bien dans cette indécidabilité. Il propose ainsi une aventure de plénitude, un mode de vie et une manière d’être au monde<br>This thesis contains essentialy three works of Julien Gracq Au château d’Argol, Un balcon en forêt, En lisant en écrivant. We will use apart from his others works, his exclusives interviews that offre more clarification in our study. This thesis consistes of two axis: The first: « Thematic and specular axis » and the second: « Esthetic and specular axis ». The aim of this thesis is to highlight, by the antinomics elements, the tension of the « In-between » between natural and supernatural, between narrative regime and poetic regime and between reading and writing. We will try to remain in esprit of J. Gracq who explains himself in the self-critical work En lisant en écrivant. J. Gracq considers the events of his works in an indeterminate and undecidable situation of « in-between ». This is a crossing point between daydream and the centre of awakening and thought, the real place of human adventure and according to J. Gracq the only thing that is worth to be sought and to be given full attention to. Two points of view embrace each other in a perpetual swinging movement. We are permanently between objectivity and subjectivity, known and unknown, inside and outside and visible and invisible. And the separation between the two was never completely fulfilled and the cleavage remains unclear. In this sense the « in-between »denotes being at once within oneself and being in the world without, as if the poetartist himself wanders between two extremes, between two opposite poles of thought and knowledge. J. Gracq creates a space in which his creativity is at the summit. Theentire world stays for him an in-between indecipherable. The real sense for him is perhaps in this indeterminate situation. Thus, He suggests in this way an adventure of fulfillment, a way of life and a manner of being
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Pelletier, Nicole. "L'exploration et l'application du procédé de mise en abyme dans la création d'un recueil de nouvelles /." Thèse, Chicoutimi : Université du Québec à Chicoutimi, 2001. http://theses.uqac.ca.
Full text
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Rioux, Caroline. "Étude de la mise en abyme dans le roman le voyeur d'Alain Robbe-Grillet /." Thèse, Chicoutimi : Université du Québec à Chicoutimi, 2002. http://theses.uqac.ca.
Full text
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Raus, Tonia. "La mise en abyme chez Georges Perec [avec application des résultats théoriques à un corpus d'écrivains francophones luxembourgeois Jean Sorrente et Jean Portante]." Thesis, Paris 3, 2010. http://www.theses.fr/2010PA030106.
Full textAbstract:
La présente thèse propose d’aborder l’oeuvre perecquienne sous le prisme de la mise en abyme, procédé a priori éculé de la littérature du XXe siècle, dont l’efficacité narrative semble toutefois avoir séduit un écrivain préoccupé à la fois à fonder son écriture dans un système et à entretenir le plaisir illusoire de la fiction. En raison de l’aporie d’une apparition pure du procédé, le champ d’étude est élargi aux mouvements plus amples qu’il implique : l’inclusion et la répétition. Ces deux mouvements, qui stimulent une tension entre le tout et ses parties, peuvent également servir à décrire le geste d’écriture de Perec, profondément animé par une recherche d’adhésion au monde. Un horizon narratif spécifique se profile, complété de l’imaginaire du procédé en soi. D’une part, la mise en abyme est considérée dans sa proximité avec la dimension métatextuelle des récits, aux effets souvent métaleptiques. D’autre part, par la figurabilité du procédé, lui permettant d’agir comme sujet et objet d’une réflexion, l’écriture perecquienne est appréhendée dans sa plasticité. Enfin, cet horizon narratif est confronté à l’idée que Perec formule autour d’un possible « narratème », une unité narrative minimale qui contiendrait en germe un univers de fiction. L’effet local de la mise en abyme s’ouvre à la dynamique générale des récits, entre condensation et extension. Des seuils narratifs ou textuels émergent où se négocie l’inscription de l’auteur dans ses récits : raconter et se raconter. Outre le corpus perecquien, la pertinence de cet élargissement de la mise en abyme est vérifiée au sein des oeuvres des écrivains francophones luxembourgeois : Jean Portante et Jean Sorrente<br>This PHD thesis approaches Perec’s work through the prism of the mise en abyme, an a priori overused process of 20th century literature, whose narrative efficiency seems nevertheless to have attracted a writer set on basing his writing in a system and maintaining the illusory pleasure of fiction. Due to the aporia of a pure appearance of the process, the area of the study is broadened to the more wide et #8208;ranging movements it implies: inclusion and repetition. These two movements, which initiate a tension between the whole and its parts, can also be used to describe Perec’s gesture of writing, animated by the wish to be part of the world. A specific narrative horizon emerges. On the one hand, the mise en abyme is considered in its closeness to the metatextual dimension of the narratives, whose effects are often metaleptical. On the other hand, because of the process’ figurability, which enables it to act as subject as well as objet of a reflection, Perec’s writing can be apprehended in its plasticity. Finally, this narrative horizon is confronted with the idea that Perec voices about a possible “narratheme”, a minimal narrative unit that would contain the seeds of a fictional world. The local effect of the mise en abyme opens to a more general dynamic of the narratives, between condensation and extension. Narrative or textual thresholds appear, where the inclusion of the author in his writings is negotiated: to narrate and to narrate oneself. Besides the perecquian corpus, the relevance of the enlargement of the mise en abyme is demonstrated in the works of Luxembourgish authors writing in french: Jean Portante and Jean Sorrente
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Jeune, Francois. "Dia : le déplacement dans la peinture comme méthode." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010569.
Full textAbstract:
Le Corpus de cette recherche en Arts Plastiques est une série de deux cent trois peintures, titrée DIA, traversée (DIA : à travers) qui s'est déroulée sur neuf années de 1991 à 2000. Un diagramme a été établi pour faire apparaître les déplacements dans la série. Le déplacement physique dans l'espace, le voyage des peintres, a été abordé dans une géographie artistique. Le déplacement dans le temps des structures visuelles et mentales dans l'image, a été traité dans l'histoire de l'art par confrontation avec d'autres oeuvres, notamment l'atelier rouge de Matisse en 1911. Au concept de mise en abyme, proposé par Gide et mis en oeuvre dans la série DIA par le procédé du tableau dans le tableau s'est substitué progressivement dans l'analyse le mode nouveau d'une sortie de l'abyme; une image accueillant le spectateur à l'avant d'elle-même. Ce changement s'est accompli par le travail du négatif - Diabole - dont on a montré le rôle productif en Art. La conclusion situe la méthode entre condensation et déplacement, métaphore et métonymie.
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Grévy, Fabienne. "Les figurations de l'acte pictural et de la peinture dans le pop art et le nouveau réalisme." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010535.
Full text
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Castagné, Esther. "L'espace dans l'oeuvre de Luchino Visconti." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030055.
Full textAbstract:
Appréhender l’oeuvre de Luchino Visconti à partir de la notion d’espace, alors même que l’homme et le corps de l’acteur semblent être au centre de l’art du metteur en scène, permet de dégager aussi bien les correspondances existant entre théâtre, cinéma et opéra et les spécificités de chacun de ces arts que le dialogue qui s’établit entre les éléments et les influences de chaque création. La polysémie du terme “espace” autorisera en outre à l’envisager tant d’un point de vue matériel (espace scénique, espace(s) cinématographique(s))que temporel (inscription dans un espace-temps caractérisable d’un point de vue historique et/ou social, imbrications de temporalités multiples), tant sous l’angle philosophique(spatialité relative à la perception et à l’idée de finitude, espace mental) qu’artistique(influences littéraires, picturales, musicales notamment). L’espace apparaît ainsi comme une donnée sensible à partir et à l’intérieur de laquelle naît la représentation : il permet alors non seulement de contextualiser l’intrigue à travers des lieux réels se référant à un espace-temps déterminé mais encore de poser une atmosphère propice à l’apparition du personnage et au surgissement d’un monde imaginaire dont l’intensité favorise l’explosion de “vérité”. De cet ensemble se dégagera une esthétique faite de jeux de reflets et d’interpénétration visant à l’établissement d’un spectacle total, en un dialogue des arts toujours renouvelé<br>The apprehension of the oeuvre of Luchino Visconti from the perspective of the concept of space –when the actor as man and his corporal presence would seem to lie at the very heart of the director’sart – throws light on both the relations which obtain between theater, cinema and opera and the factors specific to each of these arts, as well as the dialogue which is established between the elements and the influences of each creation. The polysemic nature of the term “space” moreover justifies an approach considering it from both a material point of view (stage space, cinematographic space(s)) and a temporal perspective (as an component part of a space-time identifiable from an historical and/orsocial point of view, the interweaving of multiple temporalities), from both a philosophic angle (a spaciality relative to perception and to the idea of finiteness, mental space) and an artistic perspective(notably literary, pictorial and musical influences). Space thus appears as a perceptible factor ordonnée out of which, and inside which, the performance is born: it allows not only the contextualization of the plot through the real settings referring to a given space-time, but equally thecreation of an atmosphere conducive to the appearance of the character and to the bringing intoexistence of an imaginary world whose intensity furthers the explosion of “truth”. Out of this composite whole emerges an esthetic vision composed of the play of reflections and interpenetrationaspiring to the creation of a total spectacle, in a constantly renewed dialogue of the arts
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Riboni-Edme, Marie-Noëlle. "Ecrire la division : une lecture de la trilogie d'Agota Kristof." Nancy 2, 2004. http://docnum.univ-lorraine.fr/prive/NANCY2/doc211/2004NAN21018.pdf.
Full textAbstract:
La trilogie d'Agota Kristof, dans une langue minimaliste mais par une structure narrative très complexe, met en scène la division mentale opérée par la fracture historique, à travers la guerre et le totalitarisme et toutes les formes d'exil qu'ils ont provoquées. Les conséquences de cette fracture sont multiples et atteignent profondément l'identité du narrateur ainsi que son rapport au monde et au langage. L'emboîtement d'une fiction dans une autre, et encore dans une troisième, crée une géologie dont chaque strate donne forme à l'un des aspects de la division. L'écriture fictionnelle permet de réunir et de structurer, dans leurs dimensions multiples, les éléments d'un univers très noir et éclaté, où se nouent les fils d'un paradoxe : celui que forge l'idéologie totalitaire en niant l'individu et sa parole. Par l'organisation narrative mise en œuvre, le lecteur éprouve ce paradoxe et il est amené à se construire activement une place<br>By using a minimal language but a very complex narrative structure, Agota Kristof's trilogy stages the mental division which is operated by the historical fracture through war and totalitarism, and all the kinds of exile the entailed. The consequences of this fracture are numerous, and deeply reach the narrator's identity as well as his relation to language and to the world. The fact that a fiction is tied up to another one - and then to a third one - creates some geology, each layer of which gives shape to one aspect of division. Through fiction writing, elements which are part of a very dark and shattered universe can be gathered and structured in their multiples dimensions, where a paradox is taking shape, and which comes from the totalitarian ideology by denying the individual and his world. Through the narrative organisation of the work, the reader actually feels this paradox and is induced to actively penetrate it
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Trichet, Corinne. "Le statut des écrits dans Madame Bovary, l'Education sentimentale, Bouvard et Pécuchet de Gustave Flaubert." Thesis, Tours, 2018. http://www.theses.fr/2018TOUR2007/document.
Full textAbstract:
Nous traitons des écrits dans le roman flaubertien, en nous intéressant en particulier aux trois romans de Gustave Flaubert : Madame Bovary, L’Éducation sentimentale et Bouvard et Pécuchet. Cela nous conduit à examiner différents types d’écrits circulant dans ces œuvres. Ceux-ci sont très variés et peuvent aller de la lettre à l’affiche, en passant par les journaux, les dictionnaires, et la littérature bien sûr, tout autant de supports qu’il existe de fonctions et d’enjeux. Au XIXe siècle, l’écrit occupe une place croissante dans la société et dans les œuvres littéraires, notamment dans le roman réaliste balzacien où les billets mondains circulent en transmettant des codes sociaux. Mais les lettres et les œuvres y sont aussi introduites abondamment et peuvent être lues de manière polysémique mais toujours signifiante. Ces choix vont de pair avec le développement de l’écrit au XIXe, par le biais notamment des journaux et de l’avènement du roman-feuilleton. Les écrits peuvent d’abord être distingués selon leur visée utilitaire ou esthétique, ils sont très nombreux dans le roman flaubertien et revêtent de multiples fonctions comme celle consistant à mettre en relief ce qui est visuel, faisant naître une forme de théâtre par la graphie. Puis, ils peuvent aussi transmettre la voix officielle, comme lors de faits juridiques à valeur à la fois référentielle et romanesque. Leur statut est parfois même historique, surtout dans L’Éducation sentimentale où résonnent les événements révolutionnaires de 1848 qui ont marqué l’époque, mais cette polyphonie présente le plus souvent un enjeu métatextuel en transmettant la voix du romancier dans une mise en abyme ; donner à voir ou à lire l’écrit serait sans doute pour lui aussi un moyen de se représenter en tant qu’auteur ou peut-être aussi, à l’opposé, de se distinguer de tous les écrits utilitaires qui caractérisent cette nouvelle société démocratique<br>We are dealing with the writings in Flaubert’s novels, especially in the three following novels : Madame Bovary, L’Éducation sentimentale and Bouvard et Pécuchet. There are different types of writings in those works ; indeed they are varied and they can be a letter, a poster, a newspaper or even a dictionary, they are as varied as the numerous functions and issues that exist. In the nineteenth century, writing had an increasing part in society and literary works, especially in the realist novels by Balzac in which social notes were spread passing social codes. But letters and works were also abundantly introduced and could be read in different but always significant ways. Those choices went hand in hand with the development of writings in the nineteenth century thanks to newspaper and the advent of serials. Writings can be first distinguished according to their useful or aesthetic goal ; they are numerous in Flaubert’s novels and have several functions as the one which underlines what’s visual, making appear a kind of play thanks to the written form. Then they can also spread the official voice as in legal facts that have both a fictional and reference value. Their status is even sometimes historical, mainly in L’Éducation sentimentale in which the 1848 revolutionary events resonate ; but this polyphonic narrative often shows what’s at stake, delivering the novelist’s voice in a mise en abyme ; seeing or reading what is written could also be a mean to introduce himself as an author, but also maybe, on the contrary, to distinguish himself from the useful writing that characterized that new democratic society
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Savy, Nicole. "Le couvent, la femme, le roman : étude de l'épisode du Petit-Picpus des "Misérables"." Paris 7, 1985. http://www.theses.fr/1985PA070117.
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Mussard, Alice. "Intertextualité et intermédialité dans l'œuvre de Jane Campion : vers un métacinéma postmoderne." Thesis, La Réunion, 2010. http://www.theses.fr/2010LARE0012.
Full textAbstract:
L'étude des ressorts de l'intertextualité et de l'intermédialité dans l'œuvre de Jane Campion met en relief les enjeux d'un métacinéma postmoderne, tout d'abord à travers la question de l'adaptation. Illustrant le processus de novellisation, le roman Holy Smoke (1999) se clôt avec une mise en abyme fictionnelle qui, en proposant une fin alternative au roman au carrefour entre fiction policière et pastiche de texte biblique, place la question de l'écriture au centre de l'œuvre. Dans In the Cut [2001], les multiples citations littéraires du récit constituent des points névralgiques qui remettent régulièrement en question le devenir de l'œuvre et de l'héroïne. Enfin, dans An Angel at my Table [1991], le leitmotiv du cheminement et les fuites répétées d'une insaisissable protagoniste, combinés à l'utilisation d'une caméra aérienne dans le prologue et l'épilogue filmiques, se rapportent à une dimension réflexive du projet biographique. Dans le droit prolongement de ces dispositifs métatextuels, la mise en abyme des modes d'expression artistique permet à la fiction campionienne de faire retour sur elle-même. Le flash de dessin animé illustre la force de l'hypotypose en déployant des micro-fictions enchâssées, tandis que l'utilisation du tableau comme instrument métatextuel, l'allusion au conte ou encore la mise en scène du geste créatif transcendant donnent au film les moyens de se sonder lui-même. Pour finir, dans une démarche typiquement lacanienne qui distingue irrémédiablement le réel de sa représentation symbolique, Campion place sur un même plan fiction et documentaire. L'insert du documentaire botanique, du reportage sur les sectes ou des images d'archives dans la fiction dessinent des formes spécifiques de rencontres médiatiques, à travers lesquelles peuvent être identifiées l'anamorphose, la métalepse ou l'homologie intermédiales. Dans ce jeu permanent avec la frontière, l'iconographie fictionnelle emprunte les codes de représentation du réel comme avec Peel [1982], le biopic réalistico-magique, Passionless Moments [1984], le pastiche de documentaire, ou encore l'imitation d'images d'archives associées à des motifs surréalistes dans le travelogue de Portrait of a Lady. Dans cette confrontation des images documentaires et fictionnelles, le film engage à nouveau une réflexion métafilmique où le réel se donne comme l'impossible horizon de toute représentation<br>The study of intertextuality and intermediality in Jane Campion’s artistic creations casts light upon the mechanism of postmodern metacinema, an issue that is raised first through the question of adaptation. Holy Smoke (1999) ends with a mise en abyme through which the writing process is put at the core of the novel. With In the Cut [2001], the literary quotations are landmarks that regularly put into question the destiny and destination of the heroïn and of the fiction. Finally, in An Angel at my Table [1991], the recurrent images of Janet’s itinerary and the use of aerian tracking shots can be viewed as autoreferential devices. The embedding of other artistic genres within the movie also allows the fiction to comment on itself. The cartoon sequences bring about the essence of hypotyposis. The use of paintings as referential material, the allusions to fairy tales and the shooting of transcending creative moments give to the movie the tools to speak about itself. Lastly, in a typically lacanian approach, Campion puts fictions and documentaries on the same level when contrasted to the real. The botanical documentary footage, the report on sects or the archives shed light upon specific types of intermediality : the anamorphosis, the metalepsis and the homological structure. Moreover, the fiction borrows the codes of representation to the informational genres with the magical-realistic biopic, the imitation of the documentary footage or archives sometimes combined with surrealistic developments. In contrasting the fictional and the informational, the movie leads to a metafilmic reflection, in which the Real stands for the unreachable horizon of any form of representation
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Araujo, María Nieve. "Teoría y práctica de la metanarrativa y del "metacuento" : el caso del cuento venezolano (José Balza y Ednodio Quintero)." Perpignan, 2004. http://www.theses.fr/2004PERP0557.
Full textAbstract:
Il s'agit d'un travail de réflexion théorique sur un des modes d'existence de la narration de fiction : la métanarration, et plus spécifiquement d'un sub-genre narratif : le "métaconte". A partir d'une perspective générale, on s'interesse aux notions de "narrativité", de "mise en abyme", de "contestation du récit" et de "narcissisme narratif", tel comme elles ont été étudiées par les théoriciens Paul Ricoeur, Lucien Dällenbach, Jean Ricardou et Linda Hutcheon, parmi d'autres. A travers les trois dernières notions, le théorie littéraire a tenté d'expliquer les mécanismes de fonctionnement d'un type de récit qui a comme sujet et argument, "la dramatisation de son propre fonctionnement". On parle du "méta-récit", dont le "métaconte" constitue une de ses formes de matérialisation. Cette réflexion est suivie d'une pratique d'interprétation et d'analyse de quelques textes du récit hispano-américain, parmi lesquels se détachent les contes "Un hombre muerto a puntapiés" de Pablo Palacio, "Continuidad de los parques" de Julio Cortázar et "El librero" de Julio Garmendia. Dans le contexte de la littérature vénézuélienne, on fait référence aux décades de 1960 à 1980, où il faut mentionner les écrivains Salvador Garmendia, Adriano González León, Luis Britto García, José Balza et Ednodio Quintero, entre autres. La dernière partie du travail est dédiée à l'étude de deux ouvrages : "La mujer de espaldas" (1980) et "Volveré con mis perros" (1975), de Balza et Quintero, respectivement. L'originalité de notre recherche est située dans le fait de montrer la manière dont les mécanismes d'auto-représentation du discours se présentent dans le récit court<br>The subject of this work is the theoretical exploration of one style of fictive narration: "the meta-narrative", more specifically of a narrative sub-genre, "the meta-story". Beginning with a general perspective we will explore the themes of "narrative", "mise en abyme", "contestation du récit" and "narcissistic narrative" as studied by the theorists Paul Ricoeur, Lucien Dällenbach, Jean Ricardou and Linda Hutcheon. Through these last three ideas, literary theory has attempted to explain the working's of one type of narrative whose central subject and argument is "la dramatisation de son propre fonctionnnement". The meta-story constitutes one forme of "materialisation" with in the meta-narrative. This remark is followed by a practical interpretation and analysis of several textes of Hispanic narrative: "Un hombre muerto a puntapiés" by Pablo Palacio, "Continuidad de los parques" by Julio Cortázar and "El librero" by Julio Garmendia, among others. Within the context of Venezuelan literature, it is important to note the decades between 1960 and 1980, and some of the writers : Salvador Garmendia, Adriano González León, Luis Britto García, José Balza et Ednodio Quintero. The last part of the thesis looks at the study of the two works: "La mujer de espaldas" (1980) by Balza, and "Volveré con mis perros" (1975) by Quintero. The goal of our research is to show the different ways in which the mechanism of self representation in discourse are presented with in short story
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Pascal, Sylvie. "Mise en je dans la poésie de Pierre Reverdy." Toulouse 2, 2004. http://www.theses.fr/2004TOU20062.
Full textAbstract:
L'analyse aborde les fondements de l'identité poétique chez REVERDY par différentes mises en " je " : mises en espace, en spectacle et en récit, le sujet oscillant entre fiction et figuration. Il se fait metteur en scène dévoilant le sens original du monde. L'écriture elle-même mise en scène joue sur la brisure, chaque " flaque de verre " réfléchissant une image nouvelle dans laquelle le nom du poète s'inscrit comme une obsédante quête d'identité. Le récit morcelé conduit à la fragmentation du discours et des voix qui prennent en charge la parole. Le brouillage énonciatif fait écho au trouble identitaire et renouvelle le statut du lecteur chargé de reconstituer le sujet à partir d'indices disséminés. Le poème ne parlant plus à la première personne, Reverdy renvoie à un lyrisme pluriel. Ce n'est donc plus le " je " qui importe mais plutôt le " soi ", le réfléchi renvoyant à la fois à l'individualité singulière mais aussi à la pluralité et à la réflexivité<br>This analysis tackles the bases of Reverdy's poetic identity through various staging of the I : in space, in the theatricality, in the narrative, with the character passing from fiction to theatrical performance. The poet gives an aesthetic and dramatic dimension to reality revealing the original meaning of the world. The writing too takes a token role through its fragmentation, with every single "flaque de verre" mirroring a new image in which the poet's name is set in an obsessive quest for identity. The broken up narrative leads to a fragmented talk and voices convey the meaning. The deliberately blurred enunciation echoes the interrogation on the identity and leaves it up to the reader again to construe the theme from various scattered clues. Once the poem is no longer in the first person, Reverdy refers to a lyrical plural. So that it is no longer the I that matters but the self, the reflexive which refers both to the singular individuality but also to plurality and reflexivity
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Veysman, Nicolas. "Mise en scène de l'opinion publique dans la littérature des Lumières." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040058.
Full textAbstract:
Avant d'être la reine incontestée du monde politique à la fin du XVIIIe siècle, l'opinion publique est une idée philosophique, suspectée et condamnée comme connaissance incertaine et erreur populaire. Le spectacle des égarements humains l'accable. Pour qu'elle devienne l'expression publique de la vérité politique, née du jeu contradictoire des opinions singulières, il aura fallu qu'elle s'affranchisse de cette première image, qu'elle rejette toute référence a un contenu social : le parterre imprécis puis le public anonyme des lecteurs constituent les deux étapes nécessaires vers la conquête d'un imaginaire du pouvoir. L’idée d'opinion est au centre de cette promotion philosophique : erreur pérenne dans le discours historique de Bossuet a voltaire, elle est cette marge hétérodoxe hérétique ou irrationnelle, qui sert à rehausser l'éclat de l'orthodoxie. Sur les traces de Montesquieu, Duclos appréhende le phénomène social comme un moment historique spécifique. Après Locke, il désigne l'opinion publique comme une loi authentique, s'opposant au tribunal intime de la conscience morale ou s'accordant avec elle. Pour d'autres, la postérité doit sceller la concorde à venir entre opinion et conscience. Cette patience n'est toutefois pas celle des parlementaires qui préfèrent, à la subtilité de l'harmonie philosophique, la simplicité d'une opposition : l'autorité des « murs », invoquée contre la perversion des lois, doit leur donner raison aux dépensa du despotisme monarchique. Le triomphe de l'opinion publique est cependant loin d'être univoque, puisque deux conceptions contradictoires se côtoient : la conception « impulsive » désigne les philosophes comme origine des idées diffusées dans le public ; la conception « attractive » met, au contraire, l'accent sur l'équilibre qui résulte de la rencontre parfois violente des opinions contradictoires. La première légitime l'entreprise pédagogique des philosophes ; la seconde la dénonce comme stérile et célèbre les lumières du génie national.
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Tremblay, Roseline. "Le poète et le porte-parole : sociogramme de l'écrivain dans le roman québécois (1960-1995)." Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081596.
Full textAbstract:
L'etude de la representation de l'ecrivain condense les preoccupations individualistes de l'epoque moderne et postmoderne. Cette these l'illustre en proposant le sociogramme de l'ecrivain. Il s'agit de la premiere application systematique de l'outil sociogrammatique, qui s'y trouve jumele a d'autres notions, comme le discours social, la mise en abyme, l'autobiographie, le polyphonisme, l'espace textuel et l'institution litteraire. A partir de l'hypothese selon laquelle le roman de l'ecrivain traduirait un complexe discursif essentiel a la comprehension de la vision que la litterature a d'ellememe, nous avons constitue un corpus d'une trentaine de textes et une typologie du personnage. La premiere partie presente notamment l'historique du mot <<ecrivain>> et de ses hyponymes, <<auteur>>, <<poete>> et <<romancier>>. On voit que la charge semantique autour du mot <<ecrivain>> s'est accrue par rapport au mot <<auteur>> et s'est ainsi eloignee du sens original de scribe (scriba). La deuxieme partie dessine la typologie a travers l'analyse des textes. La troisieme partie prend en compte les liens entre representation de l'ecrivain et mimesis. Le sociogramme met en scene une lutte entre l'ecrivain-ecrivain et l'ecrivain porte-parole. Le premier, dont la figure ideale est le poete, revendique la liberte absolue de l'ecriture, et le second, qui s'aligne sur le modele de l'intellectuel, parle au nom des siens. Alors que le poete est designe comme etant l'ecrivain national, il est celui qui resiste a l'embrigadement ideologique. Jusque vers 1980, la liberte fait probleme pour l'ecrivain dont le portrait-robot exclut le feminin. C'est alors que l'iconoclaste vient bouleverser le roman avec ses personnages d'ecrivaines. Les visions divergentes de l'ecriture chez l'homme et la femme representent une premiere piste ouverte par cette recherche. Une autre avenue serait de poursuivre l'analyse de ce qui apparait comme une quete de sens et d'autorite de la part de l'artiste.
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Shim, Eun Jin. "L'image numérique dans le film : comment le cinéma pense-t-il le numérique ?" Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100005.
Full textAbstract:
Le changement que le numérique opère sur le cinéma pose la question de l'identité du cinéma. Le film commence déjà à refléter l'image numérique qui est intégrée en lui. En exhibant un personnage-spectateur doté d'un œil inutile ou anormal, les films sur l'image numérique proposent leurs représentations du concept de l'image numérique. Les films sur l'image numérique explorent aussi un rapport à l'espace totalement novateur puisqu'ils ne proposent pas seulement un nouveau concept spatial, mais permettent aussi aux spectateurs de percevoir ce nouvel espace, et même d'évoluer à l'intérieur de cette dimension, en tant que personnages-spectateurs de l'image virtuelle. Les films sur l'image numérique traitent également du bouleversement que subit le spectateur dans sa perception temporelle des nouvelles images<br>The use of digital media in making recent movies questions the identity of cinema. Recent movies have already begun to reflect on the digital image that is embedded into it. By showing a spectator-character with a useless or abnormal eye, movies about the digital image suggest a representation of the concept of digital image. Those movies also explore a new type of relation with space since they don't only suggest a new concept of space but also allow the spectator to experience the new space and to evolve within these new dimensions, as a character would do in the virtual world. Movies about the digital image also deal with disruption in the temporal perception of the digital image that the spectator may be subjected to
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Grépat-Michel, Nicole. "Les réécritures d'Andrée Chedid : des modèles miniatures aux répliques agrandies, de la quête textuelle aux enquêtes identitaires." Besançon, 2007. http://www.theses.fr/2007BESA1017.
Full textAbstract:
Dans l’œuvre prolixe d’Andrée Chedid, la tragédie du quotidien et de son souffle sont source d’inspiration inépuisable pour une incessante réécriture, qui s’opère au niveau des récits remaniés et agrandis, au niveau des personnages repris et répétés, et de la mise en abyme constante de la création et de ses affres. Chacun des récits dévoile les strates d’un itinéraire d’écriture : le travail des images fortes et foisonnantes, la passion des mots et de leur mise en scène et le travail de recherche poétique. Transposer un récit d’un genre littéraire dans un autre, rendre récurrents certains types de personnages, réécrire des figures spécifiques comme écriture identitaire offrent une nouvelle littérarité à l’œuvre à travers des métamorphoses créatives où transparaît un art de dire qui évolue, se dépouille et se concentre pour recharger le signe de connotations nouvelles. Toute l’œuvre d’Andrée Chedid est placée sous le signe de l’universel grâce à un individu personnage qui perçoit et exprime le monde à travers des déchirements successifs et des mises à mort systématiques, parfois métaphoriques. Trois motifs de personnages s’imposent car ils condensent et cristallisent l’essentiel de l’humanisme chédidien, ce sont le clown transgresseur, la grand-mère courage et l’enfant démiurge. L’énigme est la source vitale et vitalisante de ce fabuleux corps à corps avec les mots : Andrée Chedid accorde à la réécriture le pouvoir de s’affranchir de la mort et de l’oubli par la renaissance des mots ressurgis du texte réécrit comme métaphore tangible de la re-naissance de l’être. L’écrivain cherche à aller par les mots et leur ressassement obsessionnel jusqu’au fond de l’homme pour trouver la racine de ce qui fait l’humanité et dépasser ainsi les époques et les frontières. L’éloge obstiné de la fraternité se tisse alors dans la lucidité tragique du récit du meurtre de l’innocent et par un paradoxe assez fou, la mort elle-même réhabilite la nécessité de vivre par l’audace du combat à mener. Et quelle que soit la forme du texte, les mots sont là pour recomposer les choses détruites par la folie des hommes, ils sont l’immuable et la pérennité nécessaire pour affronter toutes les mutations et permettre des passerelles entre le passé et le présent, des liens entre les générations. Le langage jaillit très clair et l’écriture très simple au service de la volonté première de communiquer, les récits et les poèmes sont une fête permanente des mots, traduisant un goût oriental pour les symboles et une aptitude sans faille à saisir l’universalité des sentiments premiers. Redire, mieux dire, dire plus et rechercher sans vouloir forcément savoir, c’est un peu ce qu’explore la charte poétique d’Andrée Chedid et c’est dans cette force interrogatoire et jubilatoire que se dessinent les remodelages de tous ses récits initiaux. L’écrivain se dévoile comme son propre scribe, elle nimbe d’un voile autobiographique les récits de vie de ses héros. Le travail incessant de reprise et d’amplification thématique permet de développer un partenariat identitaire avec ses héros, qui finalement se nourrissent de ses propres obsessions<br>In Andrée Chedid’s prolific work the tragedy of ordinary, everyday life and its vital, driving force are an ever-renewed source of inspiration for a never-ending rewriting act. This operates at the level of stories that are taken anew, transformed and expanded, of characters who are repeated and reduplicated, and of the constant “mise en abyme” of the creative process ant the torments inherent to it. Each story reveals the different tiers of a writing path: the work of a luxurience of mind-etching images, the passion for words, specially for directing words (in a sense similar to one directing actors on stage), and the work of poetic exploration. By transposing a story from one literary genre into another, by making some character types recurrent, by rewriting specific figures, and by making all this the stamp of her own writing, she gives a new literary dimension to her work, through creative metamorphoses that reveal a story-telling artistry that develops into a more unadorned and concentrated form, and thus loads the linguistic sign with new connotations. The whole of Andrée Chedid’s work reveals the universality of the human condition, thanks to a human character who perceives and expresses the world through successive heartbreaks, and systematic, though sometimes metaphorical, deaths. Three character motifs appear to be essential because they sum up the pith and marrow of Chedid’s humanism and point to its very core: they are the clown/trespasser, the grand-mother/ figure of courage and the child/demiurge. Enigma is the living and life-giving source of this extraordinary wrestling with words. Andrée Chedid grants the act of rewriting the power to do away with death and oblivion: words are brought back to life again into the rewritten text and from then on stand as the tangible metaphore for the rebirth of the self. Through the obsessional repeating of words, the writer seeks to reach Man’s deepest being band and find the ultimate root that humanity stems from, and thus transcend the limits of space and time. The obstinate praise of brotherhood may then be intricately interwoven with the tragically lucid story of the murder of the innocent, and by an amazing paradox, death itself rehabilitates the necessity to live, so audacious is the combat we have to engage in. And, whatever the manner of the text, words are here to recompose the things that have been destroyed by Man’s madness; they are the unchanging, immutable entities that are necessary to confront all mutations, and to make it possible to bridge the gap between past and present, and weave bonds between generations. Language springs out crystal clear in a very simple style to serve the first will to communicate. The stories and poems are a constant word festival, which reveals an oriental taste for symbols and a faultless capacity to capture the universality of the deepest feelings. Retelling stories, telling them better, telling more of them, seeking out things though you don’t necessarily want to know: this, somehow, is what Andrée Chedid’s poetic art goes about to explore. And it is through the force of such interrogation and jubilation that her initial stories get remodelled and remolded. The writer unveils herself as her own scribe, she wraps the stories of her heroes’lives in an autobiographic veil. The never-ending work of thematic repetition and amplification allows her to treat her heroes as partial alter egos, so that, when all is said and done, they feed on her own obsessions
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Marcangeli, Catherine. "La troisième main : la citation dans la peinture américaine contemporaine." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030121.
Full textAbstract:
Cette thèse analyse les manifestations de la citation dans la peinture américaine entre les années 1950 et 1990. La citation est ici entendue comme un phénomène de co-présence, comme présence partielle, fragmentaire ou totale, d'une oeuvre dans une autre. Larry Rivers cite des oeuvres célèbres et les réinterprète avec humour, nostalgie ou ironie. Peter Saul s'adonne au travestissement burlesque : estimant que le musée paralyse les oeuvres à force de respect, il entreprend de "réactiver" les toiles dont il peint des versions iconoclastes. Qu'en est-il de la citation à l'âge de la reproduction mécaniséé ? Les oeuvres Pop de Roy Lichtenstein et Andy Warhol seront prétexte à examiner la notion de transformation dans ses rapports avec la citation, la mimesis et la représentation. Les années 1980 ont vu un retour en force de la figuration sur la scène artistique. L'usage que font de la citation les Néo-Expressionnistes et les Appropriationnistes met en question le statut de l'artiste et de l'art-même dans un contexte post-moderne où les notions d'originalité et d'avant-garde sont mises en doute<br>This thesis analyses contemporary American paintings (from the 1950s to the 1990s) which quote from previous works of art. Quotation is understood here as the literal presence of one work of art within another. Larry Rivers produces his own versions of famous paintings and develops his own personal style in the process. Peter Saul is an iconoclast ; his aim is to "reactivate" paintings which have been numbed by too much reverence, and he translates the pictures he quotes into the idiom of the comics. In the Pop Art works of Roy Lichtenstein and Andy Warhol, mechanical reproduction becames an issue : what of transformation and originality when the work of art is no longer given birth to by the sacrosanct hand of the painter ? the 1980s saw a spectacular return of figurative painting on the art scene. Historicism and quotation are part and parcel of the so-called postmodern era, as it centres round notions of originality, progress and avant-garde
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Labeille, Veronique. "« Un soir, ils allèrent au théâtre... » Scènes de théâtre dans les romans France-Québec, 1871-1949." Thesis, Lyon 2, 2011. http://www.theses.fr/2011LYO20060/document.
Full textAbstract:
La scène de théâtre, élément encore inexploré et pourtant clef dans de nombreux romans, questionne les liens entre l’œuvre et le médium enchâssé. À l’aide d’un corpus de romans français et canadiens-français, parus entre 1871 et 1949, cette étude repère les traits récurrents de la scène de théâtre, quels que soient l’époque, l’esthétique ou le lieu d’écriture du romancier. Topos privilégié pour le texte qui opère par ce biais un « retour sur lui-même », les questions de la réflexivité et de la spécularité éclairent ce que peut le théâtre dans le texte. À partir d’une lecture sociocritique, articulant l’art et le social, notre étude de la scène de théâtre couvre à la fois la dimension propre à l’art dramatique et celle inhérente au théâtre envisagé comme outil de classification sociale. Le costume, le corps des artistes, les lumières, ainsi que les espaces théâtraux, les types de public et la mondanité à l’œuvre dans la salle sont, entre autres, autant de facettes que notre analyse met au jour. Le prisme de la scène de théâtre ainsi révélé transcende l’intériorité de l’art et l’extériorité du social par le truchement du corps. Entre ce qu’André Belleau nomme le « code » et la « parole », la scène de théâtre incarne les deux aspects, elle les lie étroitement et les dépasse grâce aux corps tout à la fois érotisés et socialisés<br>The theater scene, key element of several novels yet unexplored, questions the bounds between the medium and the œuvre within. Supported by a corpus made of French and French Canadian novels published between 1871 and 1949, this work argues the recurrent specificities of the theater scene, whatever the time, the aesthetics or the place from which the novelist writes. Becoming a privileged topos for the text that operates « a return on itself », the questions of reflexivity and specularity enlighten what theater can do to the text. From a sociocritic reading articulating social and art matters, our study on the theater scene covers not only the dramatic art’s aspect but also the theater aspect thought as a social classification tool. The costume, the body of the artist, the lights, but also the theatrical spaces, the category of public and the society life happening in the theater hall are, if anything else, some facets our work would like to point out. The prism of the theater scene once revealed goes beyond the interiority of art and the exteriority of the social behavior through and thanks to the body. Between what André Belleau calls the « code » and the « parole (speech)», the theater scene embodies both aspects, links them both tight and goes past them thanks to the bodies that are both eroticized and socialized
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PERON, SIMON NATHALIE. "Stuctures narratives et mise en discours des recits du "batard abandonne" de guy de maupassant." Montpellier 3, 1997. http://www.theses.fr/1997MON30052.
Full textAbstract:
Le travail se propose d'analyser un corpus de recits de guy de maupassant, regroupes par la critique sous le theme des recits du batard abandonne, en utilisant les outils descriptifs de la semiotique narrative (schema narratif, formes passionnelles, figures du niveau discursif). Un premier chapitre s'applique a construire un modele de structure narrative propre aux recits du corpus, a partir du schema narratif canonique, reactualise par la problematique des formes de vie. La quete d'identite releve d'une forme de vie specifique, ou s'articulent une quete et un don ou un rejet, se deroulant a deux niveaux, pragmatique et cognitif, du recit. Un deuxieme chapitre s'attache a caracteriser le recit de quete d'identite du point de vue de la dimension passionnelle des recits. Un parcours thymique est etabli a partir de l'analyse des structures modales du sujet. La quete d'identite est engendree par le doute, propre au sujet de quete, et par des manifestations passionnelles, relevant essentiellement de la douleur, articulees au niveau des traits figuratifs deceptifs de l'objet de quete. Un troisieme chapitre envisage la description des figures du niveau discursif. Dans une premiere partie, les figures actorielles de la quete sont structurees afin de determiner leurs investissements thematiques et intertextuels. Dans une deuxieme partie, des matrices discursives (la parole et l'argent, l'heritage, la vengeance), construites a partir des fonctionnements actantiels et anthropologiques qui leur sont propres, sont degagees. La description de ces figures permet de rendre compte des enjeux profonds de la paternite et de la filiation dans l'univers des recits. Un quatrieme chapitre propose une application pratique du schema narratif restreint elabore dans le premier chapitre. Est montre comment l'utilisation du schema narratif restreint permet de mettre en valeur certains points de la signification textuelle et de les organiser en une lecture coherente<br>The purpose of this study is to analyse a group of short stories from guy de maupassant, put together under the title of "lost bastard short stories", using narrative semiotics concepts (narrative schema, passional patterns, discoursing instance). In the first chapter, we describe a narrative structured model fit to the short stories assembled, using the canonic narrative schema, adapted to a special "form of life" (greimas). Identity quest is a specific form of life, where a quest and a gift are coupled, on pragmatic and cognitive levels of narrating instance. The second chapter characterizes stories from a passional model point of view. A passional sequence is described analysing the modal structures of the acting narrative subject. Identity quest is generated by doubting and passional manifestations, recognizable by pain due to the negative figurative features of researched narrative object. In the third chapter, we discribe discoursive figures of narrative semiotics level. In a first part, actorial figures of identity quest are structured by thematic and mythical codes. In a second part, discoursive matrices are discovered, organized by speech and money, inheritance, revenge, one could describe with actantial and anthropological models. The description of discoursive level figures explains the very deep and intricate questions of paternity and filiation by maupassant stories. The fourth chapter tries to applicate the first chapter narrative model on a short story untitled "duchoux", in order to demonstrate that the model may lighten certain narrative text signs, linking them together in an interpretative system
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Barbéris, Isabelle. "Copi : le texte et la scène : mimèsis parodique, mise en scène de soi et subversion identitaire dans les années parisiennes (1962-1987)." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100050.
Full textAbstract:
Chaque pièce de Copi se présente comme un coup de dés. Son oeuvre dramatique ressemble à un kaléidoscope d'influences contradictoires, de sensibilités hétérogènes et d'étincelles de traditions diverses. Copi a voyagé à l'intérieur du champ du théâtre en pratiquant tous les gestes, en s'essayant à toutes les postures : ses différents Moi ont joué avec les différents Moi du théâtre. La dramaturgie copienne théâtralise de manière ironique la relation conflictuelle de l'étranger face au public, du dominé face au dominant, mais aussi du créateur face à ses chimères. Le théâtre extériorise, de manière chaotique et débordante, le conflit interne au geste créateur, exprime la division existentielle du faux inclus. Le champ de forces du théâtre permit à Copi de conduire des gestes symétriques de dissémination et de rassemblement. Sa manipulation des moyens du théâtre rend palpable la jubilation de l'artiste à faire et à défaire, à apparaître et à disparaître, à déballer et à remballer ses fantasmes. La scène et ses moyens frustes offrent un terrain de jeu dans lequel l'homosexuel argentin peut rassembler les signes épars d'une identité en exil, et la problématiser sous les yeux d'un public représentatif de la norme dominante. Oscillant entre la stigmatisation identitaire et l'effacement derrière l' « empire des signes », le théâtre de Copi pousse à bout le paradoxe de la sincérité de l'acteur en se présentant comme une décharge distanciée. La démarche de l'acteur en quête de stabilisation de l'image de soi consiste alors à s'opposer au public tout en s'offrant inconditionnellement à lui. La théâtralisation du malentendu, de la non-communication cherche une réponse sur scène, montrant par-là la nature transitionnelle de cette pratique en ordre dispersé. Dans cette approche du théâtre réfractaire à tout achèvement des formes et au-delà, à tout achèvement de la relation théâtrale elle-même, sortir du temps de la représentation et du temps du paraître équivaut à mourir, comme s'il n'y avait aucun au-delà à la mise en scène de soi. La manipulation des signes du théâtre, parce qu'elle est aussi manipulation de soi, prend l'artiste au piège du jeu avec les signes et les images. Derrière le jeu de masques et les oripeaux du travesti, derrière le recyclage subversif des signes, la pratique théâtrale de Copi est une manière d'éprouver, sur scène, son étrangeté à soi-même. Page blanche à remplir, espace à habiter, la scène est un lieu où le sujet exilé tente, par la manipulation des bribes de soi, de transformer les traces d'un monde perdu en instantanés et en présence scéniques.
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Giuliani, Pierre. "Un sang tragique : Racine, Phèdre et le sang : mise en perspective dramatique." Lyon 3, 2007. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/out/theses/2007_out_giuliani_p.pdf.
Full textAbstract:
Forts des qualités que l'Antiquité et la Renaissance leur ont accordées, le sang et l'imaginaire qui lui est associé jouissent d'un grand prestige au XVIIe siècle. Dans leurs domaines respectifs, la médecine, l'anthropologie culturelle, la rhétorique et les belles-lettres rendent compte de cette élection, même si de récentes découvertes infléchissent alors graduellement la teneur des appréciations axiologiques portées sur l'humeur vermeille. Or, à cette même époque, la tragédie française a connu une évolution sensible dont témoigne le théâtre de Racine. C'est ainsi que l'examen de Phèdre – œuvre qui recourt abondamment au mot sang – donne l'occasion de remettre en perspective les questions liées à la représentation dramatique de la violence et au bon usage des émotions : dans cette mesure, l'attention portée au motif du sang funeste dans Phèdre se présente aussi comme une contribution à l'intelligence du corps classique saisi par la passion<br>Imbued with the qualities that Antiquity and the Renaissance granted them, blood and the imaginary associated with it enjoy great prestige in the seventeenth century. In their respective domains, medicine, cultural anthropology, rhetoric, and belles-lettres bear witness to this status, even if recent discoveries have gradually modified the value judgments made about the ruby-red humor. In the same period of time, French tragedy was undergoing an evolution that is particularly notable in the theater of Jean Racine. Consequently, the analysis of his masterpiece Phèdre, a work that has frequent recourse to the term "blood", offers the opporhmity to rethink questions linked to the dramatic representation of violence and to the use of the passions for moral purposes : it becomes clear that studying the theme of "fatal blood" also has the advantage of being a contribution to the understanding of the classical body in the throes of passion
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Messa, Wambe Caroline Flore. "Femmes auteures, femmes publiques : mise en abyme de l'écrivaine par les romancières d'Afrique subsaharienne et du monde insulaire d'expression française, dans leurs productions littéraires contemporaines." Limoges, 2012. http://www.theses.fr/2012LIMO2006.
Full textAbstract:
La littérature féminine depuis son véritable envol dans les années 1980, en Afrique subsaharienne comme dans le monde insulaire d'expression française est de plus en plus prolifique. Les écrivaines entrent dans l'histoire et marquent les esprits. Leurs procédés narratifs impliquent et imposent une liaison étroite avec les lecteurs. Le sujet écrit et s'écrit. En effet, ainsi que le titre de cette thèse l'exprime, il s'agit d'observer le statut de l'écrivaine dans les productions contemporaines des romancières d'Afrique et du monde insulaire d'expression française. Outre la langue, le genre littéraire, les thématiques et les idéologies, ces écrivaines ont un passé historique commun, l'esclavage et la colonisation notamment, qui renforcent et justifient les différents rapprochements réalisés. La condition féminine dans cette étude, reste importante voire prioritaire, car c'est bien de cela qu'il s'agit : étudier le statut de la femme écrivaine tel qu'illustré dans leurs romans. Femmes, elles s'interrogent sur le devenir de la femme dans leurs sociétés respectives, notamment sur celui de la femme écrivaine, d'où l'émergence du livre-enfant et du livre-témoin, pour ne citer que ces exemples. Il est question d'analyser "les visions romanesques" que les écrivaines ont de leur métier, d'observer le regard des autres, l'attention, la légitimité et le crédit qu'ils leur accordent. Il s'agit par conséquent d'etudier les conditions de création du livre produit par la femme, les possibilités de publication, de promotion et de diffusion de ce livre, dans une approche comparatiste et une méthode analytique<br>The women's literature since its true take-off in the 1980s, in sub-Saharan Africa as in the island world of French speaking is more and more prolific. The women writers are making history and mark the minds. Their narrative processes imply and require a close link with readers. The written subject writes about herself. In fact, as well as the title of this thesis expresses, it is to observe the status of the woman writer in the contemporary productions of Africa's novelists and those of the island world of French speaking. Further to the language, the literary style, themes and ideologies, these women writers have a common history, especially slavery and colonization which reinforce and justify the various reconciliations made. The status of women, in this study, remains important and is even a priority, because it is all about this : investigate the woman writer's status as shown in their novels. Women, they question themselves on the future of the woman in their respective society, in particular on that of the woman writer, from which the book child and the testimony book emerge, just to mention those examples. The point is to analyze "the fictional visions" that the women writers have in regard to their job, to observe other's consideration, attention, legitimacy and the credit granted to them. It is therefore about studying in the condition in which the women produce their novels, the publication's possibilities, promotion and distribution of the book, in a comparative approach and analytical method