Relevant bibliographies by topics / Mise en pages artistique

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  4. Book chapters

Academic literature on the topic 'Mise en pages artistique'

Author: Grafiati
Published: 4 June 2021
Last updated: 1 February 2022

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Journal articles on the topic "Mise en pages artistique"

1

Gisinger, Arno, and Christine Delory-Momberger. "Album / Atlas. D’une transmission à une mise en conscience historique et artistique." Le sujet dans la cité Actulsn°9, no. 1 (2020): 77. http://dx.doi.org/10.3917/lsdlc.hs09.0077.

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2

Nánay, István. "En deçà et au-delà du tournant de millénaire." Pratiques & travaux, no. 47 (August 16, 2011): 173–85. http://dx.doi.org/10.7202/1005622ar.

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Abstract:
En Hongrie, le théâtre des années 1980 favorisait le réalisme, voire même le «petit» réalisme. À partir de 1990, le théâtre subit un changement décisif. Avec la venue de la liberté politique, le théâtre est appelé à redéfinir sa mission. La réinterprétation des classiques et l’extension du néo-naturalisme nécessite alors le renouvellement constant de formes et de styles en matière de mise en scène pour se rapprocher de tendances postmodernes. Ce renouvellement artistique aura pour effet d’engager une nouvelle génération de metteurs en scène, de créateurs dont l’objectif commun est de réévaluer le rapport entre la mise en scène et le texte.
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3

Théberge, Mariette. "Éducation artistique à la formation à l’enseignement : autoévaluation de l’apprentissage réalisé lors d’une visite au Musée des beaux-arts du Canada." Articles 24, no. 3 (October 17, 2007): 515–40. http://dx.doi.org/10.7202/031970ar.

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Abstract:
Résumé Cet article porte sur la pratique pédagogique mise en oeuvre en éducation artistique dans un contexte particulier de formation. À l'automne 1996, 137 étudiantes et étudiants francophones, inscrits à la formation à l'enseignement élémentaire de la Faculté d'éducation de l'Université d'Ottawa, ont procédé à une autoévaluation de ce qu'ils ont appris en visitant les sections d'art moderne et contemporain du Musée des beaux-arts du Canada. L'analyse des réponses montre une compréhension accrue du sens personnel et professionnel qui ressort d'une expérience esthétique et l'importance à accorder au contexte social dans la réalisation d'une oeuvre artistique. Emergent également la nécessité d'encadrer toute visite au musée de manière à faciliter une ouverture d'esprit devant la nouveauté et la nécessité de reconnaître le bien-fondé de collaborer avec une institution muséale.
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4

Couture, Ariane. "La Société de musique contemporaine du Québec : un modèle d’institutionnalisation de la musique de création au Québec (1966-1971)." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 10, no. 1 (November 28, 2018): 53–63. http://dx.doi.org/10.7202/1054171ar.

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Abstract:
Depuis sa fondation en 1966, la Société de musique contemporaine au Québec (SMCQ) a joué un rôle fondamental dans l’histoire de la création musicale au Québec, notamment au niveau de l’institutionnalisation de la musique de création. En tenant compte de l’expérience du Domaine musical en France, la SMCQ a développé son propre modèle de fonctionnement et de mise en valeur de la musique contemporaine. L’examen des cinq premières saisons (1966 à 1971) de la SMCQ permettra d’étudier la mise en application des paramètres de son modèle, tant au niveau de son programme artistique et de la périodisation des oeuvres que de la formation des musiciens, et de vérifier comment elle a du s’adapter aux exigences des organismes subventionnaires, aux pressions du marché de la culture et aux besoins des spectateurs.
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5

Mroz, Daniel. "La chaleur est mémoire : tradition est innovation1." L’Annuaire théâtral, no. 52 (October 20, 2014): 55–72. http://dx.doi.org/10.7202/1027011ar.

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Abstract:
Cet article formule l’hypothèse que certaines pratiques théâtrales issues de la tradition peuvent offrir un contexte favorable à l’innovation et au développement de nouvelles formes scéniques. Dans cette perspective, son auteur met en regard deux traditions culturelles, la Wielka Reforma ou la Grande Réforme, qui a largement influence les arts scéniques en Europe au XXe siècle et en particulier l’art de la mise en scène, et les arts martiaux chinois. Cet examen aide à mieux saisir les conditions où l’innovation artistique résulte d’une fréquentation de la tradition et de l’assimilation de ses principes régulateurs.
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Thobois, Céline. "“Leur vie d’ homme presque, d’ homme tout juste, d’ homme assez”." Samuel Beckett Today / Aujourd’hui 32, no. 2 (July 30, 2020): 289–305. http://dx.doi.org/10.1163/18757405-03202010.

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Abstract:
Résumé Cet article offre une nouvelle mise en contexte des créatures beckettiennes dans l’ Anthropocène et la Grande Accélération, ce qui nécessite l’ introduction d’ un nouveau vocabulaire afin de conceptualiser les créatures hybrides de Beckett. Après la définition du concept de ‘techno-humain’ selon The Techno-Human Condition de Braden R. Allenby et Daniel Sarewitz, cet article étudie l’ usage que fait Beckett de la technologie dans Oh les beaux Jours et Comédie aux niveaux artistique, pratique et éthique, et montre comment cela ouvre la voie aux adaptations cybernétiques.
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Vidal, Jean-Pierre. "La Berlue et le mythe : S/K, ou de Stephen King à Stanley Kubrick." Cinémas 4, no. 1 (December 16, 2010): 115–29. http://dx.doi.org/10.7202/1000115ar.

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Abstract:
L’auteur analyse ici Shining du point de vue de l’adaptation que fait Kubrick du roman de Stephen King. Il montre que la mise en images du roman représente un travail de surexposition et de distanciation de la lecture comme telle, donnant une réalité « objective » à des images sans contour que produit toute lecture, opérant dans le dévoilement de sa propre lecture une représentation concomitante du regard piégé du spectateur. Le travail sur le texte laisse ainsi apparaître comme piste de lecture un récit sans texte, une sorte de fantasme, le mythe peut-être de toute création artistique.
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8

Molho, Jérémie. "Mise aux normes et promotion internationale de la scène artistique d’Istanbul : l’émergence d’un système galeriste‑curateur." Anatoli, no. 7 (October 1, 2016): 83–95. http://dx.doi.org/10.4000/anatoli.568.

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9

Boulgakova, Oksana. "Comment éditer Eisenstein? Problème de Méthode (extraits inédits)." Édition 11, no. 2-3 (October 31, 2007): 27–67. http://dx.doi.org/10.7202/024846ar.

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Abstract:
RÉSUMÉ Cette étude s'efforce de présenter le dernier des trois grands projets théoriques, restés inachevés et non publiés à la mort d'Eisenstein, Méthode. Le maître soviétique cherchait à établir un « système théorique absolu - et utopique » qu'il entrevoyait de différentes manières. D'abord en tant que combinatoire artistique relevant d'un montage, qui donne lieu au projet d'un « livre sphérique », en 1929. Puis en tant que correspondance globale entre les sens et leur matérialisation dans l'art (son et couleur, synesthésie du contrepoint audio/visuel), explorée dans Montage (1937-1940). Enfin, en tant que « méthode artistique universelle appliquée à l'art », méthode universelle d'analyse permettant d'approcher tous les phénomènes examinés dans Méthode (1939-1947), où il s'attaque à un matériau plus vaste. La présente étude comprend une vingtaine de pages du dernier projet et examine les problèmes complexes que pose sa publication.
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10

Birolli, Viviana, Camille Bloomfield, Mette Tjell, and Audrey Ziane. "Manart : une base de données sur les manifestes artistiques et littéraires au XXe siècle." Études littéraires 44, no. 3 (June 9, 2014): 149–50. http://dx.doi.org/10.7202/1025487ar.

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Abstract:
Ce texte vise à présenter la base de données Manart, un outil à vocation participative et à large spectre qui a pour objectif de recenser les manifestes artistiques produits au XXe siècle dans tous les domaines de l’expression créative sans se limiter à un espace géographique précis. La mise sur pied de cette ressource est notamment le fruit d’une journée d’études interdisciplinaires ayant porté sur le manifeste artistique contemporain, organisée à l’École des hautes études en sciences sociales (EHESS). En plus de susciter nombre d’interrogations, la base permet, par exemple, de mener des études statistiques et de dégager des pistes de réflexion susceptibles de conduire à une définition et à une analyse du genre manifestaire, tout en favorisant la collaboration.
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Dissertations / Theses on the topic "Mise en pages artistique"

1

Martin, Andrée. "Pour une mise en scène chorégraphique de l'image." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010525.

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Abstract:
S'inscrivant dans une approche phénoménologique, cette recherche propose une réflexion et une analyse de l'image de danse ; image fixe (photographie) et image-mouvement (cinéma, vidéo). Je me suis principalement intéressée à la rencontre entre la danse et l'image, ainsi qu'aux rouages menant à une image de danse, et non uniquement au résultat final ; c'est-à-dire l'œuvre. Il apparaissait que la photographie, la vidéo et le cinéma entretenaient depuis le début du siècle des rapports complexes, mais pour la plupart du temps mal définis, voire sous exploités. En premier lieu je me suis donc attardée à relever les données qui, dans l'histoire propre des mediums en cause, les avaient menés l'un vers l'autre, de même que la multiplicité des tangentes de création retrouvées. À la suite de ce (re)positionnement historique, il demeurait capital de faire un bref arrêt sur la nature de la danse, du corps dansant, et de la perception que j'en ai en tant que spectateur. À partir de là, le glissement qui s'opère lors de la mise en image de la danse, les rapports entretenus entre l'image et la danse, la nature même de cette image de danse, ainsi que l'identité plurielle qu'elle épouse, constituent le cœur de cette recherche. L'extension d'une approche chorégraphique à travers la pratique de l'image photographique, cinématographique et vidéographique, s'installe en dernier lieu comme une voie possible de la notion de danse à l'image. La première partie de cette recherche présente donc l'image de danse en tant qu'art impur résultant du phénomène d'hybridation propre à la création artistique du vingtième siècle. La seconde partie, quant à elle, s'attarde uniquement à témoigner de quatre expériences personnelles de création; deux séquences photographiques, flore. . . Où te caches-tu? et la mort d'Anna, une courte vidéo ssss. . . , et un film bice
Adhering to a phenomenological approach, this research consists of both a reflection on and analysis of dance images : static images (photography) and moving images (film, video). I focused primarily on the place where dance and image intersect, as well as on the structure leading to a dance image, and not only on the final result, that is, the work itself. Photography, video and film produced since the beginning of the century have been immersed in complex, but for the most part poorly defined, even underexploited relationships. At the outset, my research concentrates on revealing the historical facts and events that brought these media together, as well as on the various creative tangents pursued. Following this historical (re) positioning, it was critical to conduct a brief overview of the nature of dance, the dancing body, and my perception thereof as a spectator. From here, the transition that occurs when creating an image of dance, the relationship between image and dance, the nature of this image of dance, as well as its various identities, constitute the heart of this study. Finally, the extension of a choreographic approach applied to photographic, cinematographic and video images, is offered as possible evolution in our notion of the relationship between dance and image. The first part of this research thus presents the image of dance as an impure art form resulting from the phenomenon of hybridization inherent in the artistic process in the twentieth century. The second part explores four personal creative experiences : two photographic sequences, flore. . . Ou te caches-tu? and la mort d'Anna, a short video ssss. . . , and a film bice
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Viguier, Emma. "Corps à corps : corps, écriture, photographie : de la mise en signes à la mise en scène, l'exploration d'une pratique artistique." Toulouse 2, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU20008.

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Abstract:
Impulsée par une pratique artistique faisant du corps le support d’une mise en signes et le cœur d’une mise en scène, l’étude ici menée est une invitation à parcourir trois voies plastiques et discursives : le corps, l’écriture et la photographie. Sur le corps, j’écris, je peins, je calligraphie. Je trace des signes. Je le crée ou le recrée par un acte éphémère. Cette mise en signes du corps, fugitive, est ensuite articulée à un rituel photographique qui la met en scène, l’image, l’expose. La mise en signes et la mise en scène du corps sont donc les deux actions (ou rituels) qui forment et transforment le corps, qui le transportent dans un ailleurs référentiel cristallisant les imaginaires les plus variés. Philosophie, anthropologie, ethnologie, histoire de l’art, sociologie, cinéma…, sont les champs métissés dans lesquels la pratique du corps écrit et imagé s’inscrit. Entre théories et plasticités, les rituels instaurent un autre corps : un corps nourri d’invocations culturelles, artistiques et disciplinaires ; un corps « tissé » de représentations, de discours et de rêves. À la rencontre des rituels d’écritures du corps dits primitifs, à la rencontre des signes, à la rencontre des regards et des images, un autre corps, une seconde peau se dessinent entre modelage plastique et jeu visuel, entre autoreprésentation et esthétique du voile, entre investissement et mise à distance. Ce travail propose d’explorer un rituel de mise en signes et de mise en scène du corps, un processus de création, de transformation et d’occultation, un entrelacement d’imaginaires, un corps à corps
Triggered by an artistic practice in which the body is a medium for written signs at the heart of a staged conceptualisation, this study is a means to discover three visual and discursive languages : body, writing and photography. I paint, write, make signs on the body. Creating it, recreating it through transient additions. These fleeting bodywritings become the pretexts for a photographic ritual that composes, stages and displays them. Creating signs and staging signs are the two steps (or rituals) which form or transform the body and then drag it into a referential elsewhere ; a place where the wanderings of imagination take shape. Written and staged bodies are used in many intertwined fields, such as philosophy, anthropology, ethnology, art history, sociology, cinema and so on. Standing on a thin line between theory and plasticity, rituals bring about another body : a body fed with cultural, artistic and disciplinary invocations ; a body made up with representations, conceptualisations and dreams… Through the so-called 'primitive' use of bodywriting, through signs, through looks and pictures, another body, a new skin is arising. It is made of artistic modelling and visual play-abouts ; self-representation and veils ; presence and absence. This study is the exploration of a ritual which consists of taking written bodies into a creative process implying transformations, concealments, interlaced imaginations and body settings
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Turki, Ramzi. "La mise en réseau sur internet : possibilité de la création d'un nouveau courant artistique." Thesis, Bordeaux 3, 2012. http://www.theses.fr/2012BOR30064.

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Abstract:
À partir des années soixante, les nouvelles technologies ont colonisé les champs culturels. Prenant acte de cette puissance technologique, les artistes se sont mis à transformer ces dispositifs en outils de recherche esthétique. C'est ainsi que le Web est devenu un support à la fois pour les oeuvres d'art numérique et la réalisation de net oeuvres, et pour une mise en réseau universelle. Dans le même contexte, des critiques, des théoriciens et des philosophes ont annoncé un état de crise (comme l'avaient mentionné Aude de Kerros, Jean-Pierre Béland, Yves Michaud, Véronique Fabbri, Daniel Lagoutte, etc.). Selon eux, cet état est dû à un manque de communication et à une dissolution des courants artistiques, voire à une perte progressive de la communication entre les artistes. Comme le Web, l'e-mailing a généré plusieurs fantasmes de communication, il a institué également la réactivité et l'interactivité entre des individus. Pour cela, j'ai choisi d'approfondir mes recherches en thèse sur des pratiques artistiques qui peuvent toucher la crise de la communication et qui sollicitent une mise en réseau des artistes. Progrès pratique : En 2006, j'ai reçu un e-mail contenant une oeuvre scannée de l'artiste belge Luc Fierens. J'ai transmis cette image à environ 7000 adresses e-mails d'artistes en sollicitant leurs interactions, afin d'acquérir presque 200 contributions et réponses dont quelques-unes sont exposées sur le blog suivant : http://ramziturki.artblog.fr/11/. Mon acte consiste à analyser et à mettre en valeur la communication entre les artistes à travers un outil télé-communicationnel contemporain
Since the sixties, new technologies have conquered cultural areas. Thanks to technological power, artists have transformed these technologies into tools of aesthetic research. Thus, the web has become a medium for digital art as well as network design in addition to establishing universal networking. In the same context, criticizers, thinkers and philosophers have announced a state of crisis (As announced by Aude de Kerros, Jean-Pierre Béland, Yves Michaud, Veronica Fabbri, Daniel Lagoutte, etc.). According to them, this crisis is due to lack of communication and dissolution of artistic movements, surely progressive loss of communication between artists. In the Web world, email has emerged several communication fantasies. It has also established the reactivity and the interactivity between people. For this, my research Thesis focuses on artistic practices that impact positively on communication between artists. This research also proposes an artist networking. Practical progress:In 2006, I received an email containing a scanned work of Luc Fierens, a Belgian artist. I emailed this work to nearly 7000 addresses of artists to solicit their interactions. This is to acquire about 200 contributions and answers, some of which are described on the blog: http://ramziturki.artblog.fr/11/. My Thesis aims to analyze and enhance the communication between artists via tools of modern communication
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Entrialgo, Frédérique. "Locative media : la mise en oeuvre artistique des technologies de géolocalisation comme médiation esthétique et critique dans la relation corps/réseau/territoire." Nice, 2012. http://www.theses.fr/2012NICE2030.

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Lanzani, Rossana. "Objets portables, prothèses et mise en scène : l'expérience du corps." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/27739.

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Abstract:
Mon travail s'appuie sur l'expérience duale du corps humain, particulièrement le corps de la femme. Pour exprimer cette expérience corporelle, je me sers de la photographie et de la vidéo où je fais interagir les corps avec des objets sculpturaux que je nomme objets portables, du fait de leur rapport étroit avec le corps. Ces objets sont dérivés de bijoux, de prothèses médicales ou d'ornements et ont une fonction de médiation. Mon travail se nourrit des souvenirs du passé, pour lesquels j'ai recours à la mémoire et au rêve. Dans les images créées pour l'ensemble de mes projets s'établit une ambigüité temporelle, située entre une réactualisation du passé et une résurgence de souvenirs d'enfance.
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Oguet, François. "Exigence artistique et intrication des valeurs dans les festivals de théâtre amateur." Thesis, Rennes 2, 2017. http://www.theses.fr/2017REN20007/document.

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Abstract:
Cette thèse pose la question de l’exigence artistique dans les pratiques théâtrales en amateur. On s’appuie principalement sur l’observation de festivals de portée départementale ou nationale, suivant l’hypothèse que ces manifestations favorisent les discussions sur les choix esthétiques. La recherche se déploie autour d’une interrogation : quand une activité artistique se pratique dans un cadre non professionnel, comment s’articulent les objectifs d’amélioration de la qualité des spectacles avec le souci de maintenir un respect mutuel ? Constituée à partir de l’analyse des représentations et des rencontres inscrites à l’affiche des festivals, l’étude a été complétée par des entretiens avec les membres des troupes participantes, des comités d’organisation ou des jurys, dont certains artistes professionnels. On structure les résultats obtenus en s’intéressant d’abord aux conditions dans lesquelles les amateurs satisfont leur passion et en évoquant les moyens et les outils dont ils se dotent collectivement pour y parvenir. Puis on envisage les façons dont les amateurs exercent leur jugement quand il leur faut construire le programme d’un festival. On aborde alors les festivals en les considérant comme des expériences de vie et on considère les valeurs mises en œuvre dans ces aventures humaines. Un dialogue est instauré entre tous ces aspects et différentes conceptions théoriques de l’art, selon que l’accent est placé sur ce qui se passe lors d’une représentation, sur les intentions, sur l’expertise ou sur les effets. On insiste sur la dimension sociale de ces pratiques et sur le fait que le temps disponible est consacré de préférence au plateau, plutôt qu’aux discours
This thesis deals with the question of the artistic demand in amateur theatre practices. It mainly relies on the observation of national or departmental festivals, based on the assumption that these events allow for the debating about aesthetical choices. The research is driven by on the interrogation: when one practises an artistic activity as a non-professional, how to articulate the objectives of improving the quality of the shows with the concern for maintaining a mutual respect? The study analyses performances and group discussions scheduled during the festivals, completed by interviews with some members of companies, or of the organising committees, or of the juries, some of them being professional artists. The results are taken up, in turn, beginning with the conditions under which the amateurs satisfy their passion, including the means they collectively develop and put into action, therefore. Then the ways of assessing one’s taste when having to elaborate the program of a festival are examined. It is then proposed to regard festivals as whole experiences of life and to take into account the values which are at work during these human adventures. All these aspects are put into dialogue together with some theoretical conceptions of art, according to the most significant elements: intentions, expertise, effects. The social dimension of the practices is underlined, as well as the fact that amateurs have rather spend their time on scene, rather that discussing
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Gagneré, Georges. "Permanence artistique et pratique theatrale. L'atelier de charles dullin, roger planchon au theatre de la cite a villeurbanne, l'ensemble artistique du theatre national de strasbourg dirige par jean-pierre vincent et la comedie de reims dirigee par christian schiaretti." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030013.

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Abstract:
Ce travail aborde la notion de permanence artistique et sa place dans le processus de creation theatrale. Apres avoir etabli une echelle de permanence artistique a partir d'une methode de description du parcours des comediens, nous avons pu etudier l'evolution du degre de permanence artistique dans le travail d'importantes troupes francaises de 1913 a 1997. Cette premiere approche historique a permis de degager des contextes de production profondement differents, qui influencaient en profondeur les enjeux lies a l'instauration d'une permanence artistique. Nous avons etudie trois grandes periodes : avant la seconde guerre mondiale (1913-1939), les debuts de la decentralisation theatrale (1947-1968) et une troisieme periode de maturation qui s'etendait de 1968 a nos jours. Nous avons ensuite etudie la dynamique de permanence artistique sous l'angle de l'elaboration du langage scenique, en degageant une poetique de la troupe et en la mettant en perspective avec l'irruption de l'approche dramaturgique sous l'influence du modele brechtien. La mise en evidence de cette dynamique, et le constat de connexions recurrentes entre les politiques de permanence artistique et la volonte de renouvellement du repertoire, nous ont conduit a etudier la place de la permanence artistique dans le processus de renouvellement des structures de production, c'est-adire dans le phenomene d'evolution du champ theatral. Nous avons alors mis en relief le role preponderant de la logique d'implantation des troupes dans le processus de decentralisation theatrale francaise et le necessaire contrepoids de la permanence face au systeme d'intermittence du spectacle vivant. Nous avons enfin essaye de comprendre la lutte obstinee de l'artiste de theatre contre toute standardisation, en vue de rester le plus ouvert aux transformations de la societe.
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Guimiot, Vincent Bernard. "Plagiat, emprunts, cliché : mise en question de l'originalité artistique et disparition de l'auteur dans La Carte et le Territoire de Michel Houellebecq." Miami University / OhioLINK, 2011. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=miami1313764886.

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Chouinard, Michel. "Les effets de trois variables typographiques sur le jugement de préférence d'étudiants adultes relativement à huit mises en pages." Master's thesis, Université Laval, 1989. http://hdl.handle.net/20.500.11794/29451.

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Velasco, Fabiola. "La photographie artistique vénézuélienne à la fin du XXe siècle : Nelson Garrido et l’hybridation culturelle." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=http://theses.paris-sorbonne.fr/2020SORUL050.pdf.

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Abstract:
L'œuvre photographique du vénézuélien Nelson Garrido (1952) présente un caractère transgresseur du régime scopique national. À travers l'esthétique de la violence et de la laideur, ses images iconoclastes mettent en scène une lecture approfondie de la culture vénézuélienne de la fin du XXème siècle. La richesse iconographique et l'efficacité symbolique des prises de vue garridiennes nous ont amenés à vouloir les interroger dans le but d’identifier et d’analyser le regard qu’elles portent sur le pays caribéen. Dans cette première approche, la notion d'hybridité et les processus d'hybridation culturelle apparaissaient, à nos yeux, comme un fil d'Ariane dans son œuvre, notamment à partir de 1989, date à laquelle il quitta le travail sur le terrain (série Muertos en Vía) et débuta son travail en studio. En raison de ces considérations, nous nous sommes proposés de construire une lecture interprétative et contextuelle du regard garridien, en partant de la théorie de l'hybridation culturelle avancée par l'anthropologue Argentin Néstor García Canclini. Notre corpus d'étude est la série Todos los santos son muertos, réalisée à Caracas entre 1989 et 1993. Nous avons choisi ce fragment de son travail car il condense le vocabulaire visuel de l'artiste et cristallise ses plus profondes inquiétudes esthétiques, intellectuelles et éthiques. Cette recherche est la première réflexion doctorale consacrée à Nelson Garrido et, pour cette raison, elle est également la première à utiliser des sources de première main qui sont conservées dans les archives personnelles de l'artiste et dans les archives nationales vénézuéliennes
The photographic work of Venezuelan artist Nelson Garrido (1952) is a transgression of the national scopic regime. Through the aesthetics of violence and ugliness, his iconoclastic images present a profound reading of Venezuelan culture at the end of the 20th century. The richness and the symbolic effectiveness in Garrido's shots have led us to question its iconography in order to identify and analyze how they represent this Caribbean country. In this first approach, the notion of hybridity and the processes of cultural hybridization appeared, in our eyes, as a common thread in his work, particularly from 1989, when he left the fieldwork (Muertos en Vía series) and devoted himself to work only in his studio. Taking this into consideration, we set out to construct an interpretative and contextual reading of the guardian gaze, based on the theory of cultural hybridization put forward by Argentine anthropologist Néstor García Canclini. Our corpus of study is the series Todos los santos son muertos, made in Caracas between 1989 and 1993. This fragment of Garrido’s work condenses the visual vocabulary of the artist and crystallizes his deepest aesthetic, intellectual and ethical concerns. Our exploration of Garrido’s work constitutes the first doctoral research based on his work and it is also the first to use first-hand sources kept in both the artist's personal archives and in the Venezuelan National Archives
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Books on the topic "Mise en pages artistique"

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Anciaux, Jean-Pierre. La mise en page: Les règles d'or de la communication, écrite. Paris: Éditions d'Organisation, 1992.

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Craig, James. Thirty centuries of graphic design: An illustrated survey. New York: Watson-Guptill Publications, 1987.

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Craig, James. Thirty centuries of graphic design: An illustrated survey. New York: Watson Guptill, 1987.

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Mak, Bonnie. How the page matters. Toronto: University of Toronto Press, 2011.

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Massin. La mise en pages. Paris: Hoëbeke, 1991.

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6

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Exploration et création artistique aea4o cours ouvert. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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Guéry, Louis. Précis de mise en page. 4th ed. Paris: Éditions du Centre de formation et de perfectionnement des journalistes, 2001.

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Art and design in children's picture books: An analysis of Caldecott Award-winning illustrations. Chicago: American Library Association, 1986.

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L'impulsion et le geste: Notes sur la création artistique : jeu, mise en scène, écriture : essai. Paris: Bérénice, 2006.

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10

Arabyan, Marc. Le prêt-à-clicher: Typographie et mise en pages. Paris: L'Harmattan, 1997.

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Book chapters on the topic "Mise en pages artistique"

1

"Pages de début." In Travail artistique et économie de la création, 2–8. Ministère de la Culture - DEPS, 2008. http://dx.doi.org/10.3917/deps.rouet.2008.01.0002.

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2

"Pages de fin." In Travail artistique et économie de la création, 243–52. Ministère de la Culture - DEPS, 2008. http://dx.doi.org/10.3917/deps.rouet.2008.01.0243.

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3

Pouspin, Marion. "Chapitre 2. La mise en pages des pièces gothiques." In Publier la nouvelle, 57–69. Éditions de la Sorbonne, 2016. http://dx.doi.org/10.4000/books.psorbonne.27168.

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4

Fèvres-Limonet, Céline. "La mise en actes d’un projet artistique et politique d’autonomie collective. L’apprentissage du métier de comédien animateur au Théâtre du Fil." In Tous autonomes !, 249–64. Presses universitaires du Septentrion, 2018. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.25476.

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5

Le Ribeuz, Anne-Cécile. "Des manuscrits aux imprimés d’Ysaïe le Triste : le romanesque à l’épreuve de la mise en pages et en images." In Le Romanesque aux xive et xve siècles, 243–56. Presses Universitaires de Bordeaux, 2009. http://dx.doi.org/10.4000/books.pub.25296.

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