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1
Gisinger, Arno, and Christine Delory-Momberger. "Album / Atlas. D’une transmission à une mise en conscience historique et artistique." Le sujet dans la cité Actulsn°9, no. 1 (2020): 77. http://dx.doi.org/10.3917/lsdlc.hs09.0077.
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2
Nánay, István. "En deçà et au-delà du tournant de millénaire." Pratiques & travaux, no. 47 (August 16, 2011): 173–85. http://dx.doi.org/10.7202/1005622ar.
Full textAbstract:
En Hongrie, le théâtre des années 1980 favorisait le réalisme, voire même le «petit» réalisme. À partir de 1990, le théâtre subit un changement décisif. Avec la venue de la liberté politique, le théâtre est appelé à redéfinir sa mission. La réinterprétation des classiques et l’extension du néo-naturalisme nécessite alors le renouvellement constant de formes et de styles en matière de mise en scène pour se rapprocher de tendances postmodernes. Ce renouvellement artistique aura pour effet d’engager une nouvelle génération de metteurs en scène, de créateurs dont l’objectif commun est de réévaluer le rapport entre la mise en scène et le texte.
3
Théberge, Mariette. "Éducation artistique à la formation à l’enseignement : autoévaluation de l’apprentissage réalisé lors d’une visite au Musée des beaux-arts du Canada." Articles 24, no. 3 (October 17, 2007): 515–40. http://dx.doi.org/10.7202/031970ar.
Full textAbstract:
Résumé Cet article porte sur la pratique pédagogique mise en oeuvre en éducation artistique dans un contexte particulier de formation. À l'automne 1996, 137 étudiantes et étudiants francophones, inscrits à la formation à l'enseignement élémentaire de la Faculté d'éducation de l'Université d'Ottawa, ont procédé à une autoévaluation de ce qu'ils ont appris en visitant les sections d'art moderne et contemporain du Musée des beaux-arts du Canada. L'analyse des réponses montre une compréhension accrue du sens personnel et professionnel qui ressort d'une expérience esthétique et l'importance à accorder au contexte social dans la réalisation d'une oeuvre artistique. Emergent également la nécessité d'encadrer toute visite au musée de manière à faciliter une ouverture d'esprit devant la nouveauté et la nécessité de reconnaître le bien-fondé de collaborer avec une institution muséale.
4
Couture, Ariane. "La Société de musique contemporaine du Québec : un modèle d’institutionnalisation de la musique de création au Québec (1966-1971)." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 10, no. 1 (November 28, 2018): 53–63. http://dx.doi.org/10.7202/1054171ar.
Full textAbstract:
Depuis sa fondation en 1966, la Société de musique contemporaine au Québec (SMCQ) a joué un rôle fondamental dans l’histoire de la création musicale au Québec, notamment au niveau de l’institutionnalisation de la musique de création. En tenant compte de l’expérience du Domaine musical en France, la SMCQ a développé son propre modèle de fonctionnement et de mise en valeur de la musique contemporaine. L’examen des cinq premières saisons (1966 à 1971) de la SMCQ permettra d’étudier la mise en application des paramètres de son modèle, tant au niveau de son programme artistique et de la périodisation des oeuvres que de la formation des musiciens, et de vérifier comment elle a du s’adapter aux exigences des organismes subventionnaires, aux pressions du marché de la culture et aux besoins des spectateurs.
5
Mroz, Daniel. "La chaleur est mémoire : tradition est innovation1." L’Annuaire théâtral, no. 52 (October 20, 2014): 55–72. http://dx.doi.org/10.7202/1027011ar.
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Cet article formule l’hypothèse que certaines pratiques théâtrales issues de la tradition peuvent offrir un contexte favorable à l’innovation et au développement de nouvelles formes scéniques. Dans cette perspective, son auteur met en regard deux traditions culturelles, la Wielka Reforma ou la Grande Réforme, qui a largement influence les arts scéniques en Europe au XXe siècle et en particulier l’art de la mise en scène, et les arts martiaux chinois. Cet examen aide à mieux saisir les conditions où l’innovation artistique résulte d’une fréquentation de la tradition et de l’assimilation de ses principes régulateurs.
6
Thobois, Céline. "“Leur vie d’ homme presque, d’ homme tout juste, d’ homme assez”." Samuel Beckett Today / Aujourd’hui 32, no. 2 (July 30, 2020): 289–305. http://dx.doi.org/10.1163/18757405-03202010.
Full textAbstract:
Résumé Cet article offre une nouvelle mise en contexte des créatures beckettiennes dans l’ Anthropocène et la Grande Accélération, ce qui nécessite l’ introduction d’ un nouveau vocabulaire afin de conceptualiser les créatures hybrides de Beckett. Après la définition du concept de ‘techno-humain’ selon The Techno-Human Condition de Braden R. Allenby et Daniel Sarewitz, cet article étudie l’ usage que fait Beckett de la technologie dans Oh les beaux Jours et Comédie aux niveaux artistique, pratique et éthique, et montre comment cela ouvre la voie aux adaptations cybernétiques.
7
Vidal, Jean-Pierre. "La Berlue et le mythe : S/K, ou de Stephen King à Stanley Kubrick." Cinémas 4, no. 1 (December 16, 2010): 115–29. http://dx.doi.org/10.7202/1000115ar.
Full textAbstract:
L’auteur analyse ici Shining du point de vue de l’adaptation que fait Kubrick du roman de Stephen King. Il montre que la mise en images du roman représente un travail de surexposition et de distanciation de la lecture comme telle, donnant une réalité « objective » à des images sans contour que produit toute lecture, opérant dans le dévoilement de sa propre lecture une représentation concomitante du regard piégé du spectateur. Le travail sur le texte laisse ainsi apparaître comme piste de lecture un récit sans texte, une sorte de fantasme, le mythe peut-être de toute création artistique.
8
Molho, Jérémie. "Mise aux normes et promotion internationale de la scène artistique d’Istanbul : l’émergence d’un système galeriste‑curateur." Anatoli, no. 7 (October 1, 2016): 83–95. http://dx.doi.org/10.4000/anatoli.568.
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9
Boulgakova, Oksana. "Comment éditer Eisenstein? Problème de Méthode (extraits inédits)." Édition 11, no. 2-3 (October 31, 2007): 27–67. http://dx.doi.org/10.7202/024846ar.
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RÉSUMÉ Cette étude s'efforce de présenter le dernier des trois grands projets théoriques, restés inachevés et non publiés à la mort d'Eisenstein, Méthode. Le maître soviétique cherchait à établir un « système théorique absolu - et utopique » qu'il entrevoyait de différentes manières. D'abord en tant que combinatoire artistique relevant d'un montage, qui donne lieu au projet d'un « livre sphérique », en 1929. Puis en tant que correspondance globale entre les sens et leur matérialisation dans l'art (son et couleur, synesthésie du contrepoint audio/visuel), explorée dans Montage (1937-1940). Enfin, en tant que « méthode artistique universelle appliquée à l'art », méthode universelle d'analyse permettant d'approcher tous les phénomènes examinés dans Méthode (1939-1947), où il s'attaque à un matériau plus vaste. La présente étude comprend une vingtaine de pages du dernier projet et examine les problèmes complexes que pose sa publication.
10
Birolli, Viviana, Camille Bloomfield, Mette Tjell, and Audrey Ziane. "Manart : une base de données sur les manifestes artistiques et littéraires au XXe siècle." Études littéraires 44, no. 3 (June 9, 2014): 149–50. http://dx.doi.org/10.7202/1025487ar.
Full textAbstract:
Ce texte vise à présenter la base de données Manart, un outil à vocation participative et à large spectre qui a pour objectif de recenser les manifestes artistiques produits au XXe siècle dans tous les domaines de l’expression créative sans se limiter à un espace géographique précis. La mise sur pied de cette ressource est notamment le fruit d’une journée d’études interdisciplinaires ayant porté sur le manifeste artistique contemporain, organisée à l’École des hautes études en sciences sociales (EHESS). En plus de susciter nombre d’interrogations, la base permet, par exemple, de mener des études statistiques et de dégager des pistes de réflexion susceptibles de conduire à une définition et à une analyse du genre manifestaire, tout en favorisant la collaboration.
11
Granier, E., Y. Haddad, L. Talabard, and H. Bentata. "De l’image à la mise en scène, quelle place la médiation artistique donne-t-elle au sujet adolescent ?" Neuropsychiatrie de l'Enfance et de l'Adolescence 59, no. 2 (March 2011): e21-e26. http://dx.doi.org/10.1016/j.neurenf.2010.09.003.
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12
Lefebvre, Marie-Thérèse. "Micheline Coulombe Saint-Marcoux et Marcelle Deschênes : pionnières dans le sentier de la création électroacoustique." Circuit 19, no. 1 (February 6, 2009): 23–41. http://dx.doi.org/10.7202/019932ar.
Full textAbstract:
Résumé L’auteure tente de cerner les attitudes « masculines » et « féminines » de la création musicale des cinquante dernières années afin de faire ressortir la contribution de deux compositrices québécoises, Micheline Coulombe Saint-Marcoux et Marcelle Deschênes, au développement de la musique électroacoustique au Québec. Par une mise en contexte historique, l’auteure situe dans un premier temps le milieu dans lequel elles ont vécu leur enfance, leur adolescence, et leur formation musicale à Montréal et à Paris ; puis la manière dont elles ont traversé le discours dominant des années 1970, pour finalement aborder leur rôle de pionnières. Parce qu’elles voulaient sortir des sentiers battus, elles ont compris que les nouveaux outils technologiques pourraient leur servir à exprimer musicalement une nouvelle sensibilité artistique. En ce sens, elles furent les « sherpas » du milieu électroacoustique au Québec.
13
Boudreau, Raoul. "La création de Moncton comme « capitale culturelle » dans l’oeuvre de Gérald Leblanc." Revue de l'Université de Moncton 38, no. 1 (July 9, 2008): 33–56. http://dx.doi.org/10.7202/018403ar.
Full textAbstract:
Résumé Un des legs important de l’oeuvre de Gérald Leblanc est d’avoir créé le mythe très improbable de Moncton comme capitale culturelle de l’Acadie. Il y parvient en utilisant des stratégies éprouvées ailleurs, comme l’intégration à son oeuvre d’un récit sur Moncton comme centre fébrile de création artistique et la mise en scène des oppositions parallèles tradition/modernité et ruralité/urbanité. Les handicaps de Moncton à une vocation culturelle en langue française deviennent pour Leblanc des stimulants qui relancent son écriture. La construction symbolique de Leblanc autour de Moncton s’avère très efficace dans le cercle des artistes acadiens et de leur public qui adhèrent à la croyance au mythe et en font une réalité. Au delà de l’Acadie, le pouvoir du mythe est plus aléatoire et si certains y adhèrent, d’autres soulignent le décalage entre le Moncton rêvé par Leblanc et la réalité.
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Pinauldt, Ariane. "Le Bouclier Bleu." Ethnologies 39, no. 1 (August 30, 2018): 205–12. http://dx.doi.org/10.7202/1051060ar.
Full textAbstract:
L’évolution des notions de bien culturel et de bien commun, ainsi que l’ampleur des atteintes contre le patrimoine artistique au cours du XXe siècle, ont conduit la communauté internationale à adopter des instruments juridiques protégeant les oeuvres. Dans le sillon du droit humanitaire issu de la création de la Croix-Rouge, le texte fondamental concernant le patrimoine en cas de conflit armé est la convention de La Haye de 1954. Mise en oeuvre par l’UNESCO, les principes de cette convention sont diffusés avec l’appui et le soutien d’un organisme spécifique, Blue Shield, qui mène des actions aussi bien en temps de paix qu’auprès de pays en guerre. En France, le Comité français du Bouclier bleu, quoique surtout tourné vers la protection face aux risques naturels, relaye auprès des institutions civiles et militaires les enjeux de la convention de La Haye.
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Chaîné, Francine. "Collage, Assemblage, Bricolage ou La Mise en Scène Dans l'Installation-Vidéo." Theatre Research in Canada 18, no. 1 (January 1997): 42–58. http://dx.doi.org/10.3138/tric.18.1.42.
Full textAbstract:
Les arts visuels ont été source d'inspiration pour les arts de la scène en particulier à cause de la performance. Oeuvre éclatée, la performance laisse place à l'artiste qui devient le centre de sa production, l'objet même de son travail. Ce dernier, agissant en général comme maître d'oeuvre, organise les divers éléments visuels, matériels, sonores, textuels, etc., dans l'espace de représentation. Bien que fascinante par son aspect fugace et éphémère, voire événementiel, la performance a été quelque peu mise à l'écart par plusieurs artistes qui sont revenus, vers le milieu des années '80, à un art d'objets (peinture, sculpture, photo, etc.). À cette même époque, l'installation a pris un essor considérable dans la pratique artistique québécoise et canadienne. Il ne s'agissait plus de présenter une seule oeuvre isolée ou présentée en série, mais plutôt de mettre en relation, dans un espace donné, divers éléments qui formaient un tout. L'installation fait appel à différents genres, qu'il s'agisse de la peinture, de la sculpture, de la photographie, etc. En fait, l'installation est l'art de l'hybride par excellence. Autant la performance a nourri les arts de la scène autant l'installation, qui plus est, l'installation-vidéo, fait appel au théâtre, et plus précisément à une mise en scène, par le dispositif à l'intérieur duquel le spectateur doit circuler pour en saisir le sens. Dans notre exposé, nous présenterons l'installation-vidéo en lien avec trois notions: le collage, fonctionnant par ajouts ou par petites touches, voire par transparence (les images télé). L'assemblage, la deuxième notion, opère dans la mise en relation des divers éléments matériels qui composent l'installation. Enfin, le bricolage ou la reconstruction de l'installation, se fait par le parcours du spectateur dans l'espace. Pour illustrer notre propos, nous présenterons l'une de nos productions ainsi que celle d'une autre artiste montréalaise.
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Tyszka, Juliusz. "APPROCHE ARTISTIQUE DU TRAUMATISME DE GUERRE DANS LE THÉÂTRE POLONAIS DANS LA DEUXIÈME MOITIÉ DU XXE SIÈCLE À L’EXEMPLE D’ACROPOLIS DU THÉÂTRE LABORATOIRE DE 13 RANGS AVEC LA MISE EN SCÈNE DE JERZY GROTOWSKI." Cena, no. 33 (April 20, 2021): 39–47. http://dx.doi.org/10.22456/2236-3254.111588.
Full textAbstract:
Cet article traite du théâtre polonais après la Seconde Guerre mondiale, en utilisant l’exemple du spectacle Akrópolis mis en scène par Jerzy Grotowski avec une influence directe du régime nazi pour sa conception. Fondant historiquement la situation de la Pologne dans ces périodes d’entre-deux guerres, l’article établit une réflexion sur les pertes et les traumatismes qu’une guerre peut causer dans un pays et dans son panorama artistique et théâtral. Mots ClésThéâtre polonais. Grotowski. Traumatisme. Nazisme.
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Faguy, Robert. "Pour un récepteur hautement résolu…" Protée 27, no. 1 (April 12, 2005): 117–24. http://dx.doi.org/10.7202/030552ar.
Full textAbstract:
Assister à une oeuvre de Robert Wilson suppose de la part du spectateur une certaine forme de renonciation à sa façon habituelle d’aborder la création artistique. À travers un style poétique privilégiant le formalisme et la mise en évidence d’une « surface simple », l’auteur construit son système avec des éléments métacommunicationnels (titre, structure, relations son/image et texte/image). Si cette approche est bien celle des premières oeuvres vidéo de Wilson, ce texte entend démontrer qu’avec La Mort de Molière, on assiste à un changement apparent de stratégie. Grâce notamment à l’utilisation d’un texte dit en voix hors champ, en ajout aux autres éléments formels, une dislocation se produit en ce qui a trait à notre réception. Une lutte s’installe entre les deux hémisphères cérébraux qui possèdent des fonctions de perception complémentaires. Pour dénouer l’impasse et obtenir la haute définition souhaitée, plus d’une lecture de l’oeuvre sera nécessaire.
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Leclerc, Josée. "Ce qui cherche à se figurer : du dicible et du visible dans le cadre de l’analyse et en psychothérapie à médiation." Filigrane 27, no. 2 (January 29, 2019): 125–38. http://dx.doi.org/10.7202/1055755ar.
Full textAbstract:
Comment comprendre la puissance de l’image, sa capacité à signifier ce qui nous « regarde » (Didi-Huberman, 1992) ? Comment la psychothérapie à médiation artistique peut-elle répondre aux visées cliniques qui guident les aménagements du cadre requis avec certains patients pour qui la cure-type n’est pas indiquée ? Il s’agira de prendre en considération certains points de convergence propres à la méthode psychanalytique telle qu’elle se déploie dans la situation analysante et en psychothérapie psychanalytique médiatisée, propos centré sur le pouvoir de figuration du mot et de l’image, sur l’associativité qui en découle et sur la disposition du psychothérapeute à saisir ce qui se présente dans le récit du patient, qu’il soit langage verbal ou visuel. Le cas d’une patiente souffrant de dépression majeure servira d’étayage afin de montrer comment la mise en oeuvre de dispositifs d’objectivation permet le travail de symbolisation d’expériences psychiques primaires jusque-là non métabolisées.
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Chneiweiss, L., S. borentain, C. Musa, and L. Sala. "La mise en place des TCC à la clinique Villa des Pages." Journal de Thérapie Comportementale et Cognitive 14 (December 2004): 53. http://dx.doi.org/10.1016/s1155-1704(04)97669-0.
Full text
20
Curtis, Gerard, and Heather McLeod. "Tradition and the contemporary collide: Newfoundland and Labrador art-education history / Le choc de la tradition et du contemporain : histoire de l’éducation artistique à Terre-Neuve-et-Labrador." Canadian Review of Art Education / Revue canadienne d’éducation artistique 46, no. 1 (January 29, 2019): 37–43. http://dx.doi.org/10.26443/crae.v46i1.74.
Full textAbstract:
Abstract: Newfoundland and Labrador, Canada, is a province proud of its historical traditions. Yet, these values are, at times, in conflict with contemporary global culture. The province’s socio-political and cultural struggles and successes, and the impact of an ongoing boom and bust cycle in resource development, are echoed both in the history of art education and in its artistic evolution. From modernism and post modernism, and DBAE to VCAE, the development of the Visual Art Program at the Grenfell Campus of Memorial University in Corner Brook provides a cautionary tale on the vagaries of promoting artistic traditionalism over contemporary meta-modernism, and the role of art in the classroom in reflecting global society at large. With a growingly mixed population in the province, art education plays a significant role in a contemporary dynamic that can challenge a self-promoted geographic and historical myopia. Art in Newfoundland and Labrador increasingly acts as a suturing mechanism and reflective device, through which to look at these tensions, allowing the art educator to play a somewhat subversive role to the larger historical, political, and social agenda. Yet art education and art have also been used as a tool to serve various shifting political agendas. Negotiating this terrain as an art educator can be difficult; tradition and the contemporary collide, yet the dynamic of this play has produced some amazing results culturally. Walking this tightrope provides a model for a newer generation who have to be increasingly multi-cultural and internationalist in their views.Keywords: Traditionalism; Contemporary Meta-modernism; Historical, Political, and Social Agenda; Subversive Role of Art Educator; Multi-cultural.Résumé : Terre-Neuve-et-Labrador est une province canadienne fière de ses traditions historiques. Il arrive cependant que ses valeurs soient en conflit avec la culture générale moderne. Les luttes et réalisations sociopolitiques et culturelles dans cette province, ainsi que la baisse brutale de la mise en valeur des ressources, trouvent écho dans l’enseignement des arts et l’évolution artistique de la province. Du modernisme au postmodernisme, et de l’éducation artistique axée sur les disciplines à l’éducation artistique fondée sur la culture visuelle, l’élaboration du Programme d’arts visuels sur le campus de Grenfell de l’Université Memorial de Corner Brook, constitue un récit édifiant des aléas de la promotion du traditionalisme artistique vis-à-vis le métamodernisme contemporain, et du rôle de l’art en salle de cours comme reflet de la société dans son ensemble. Compte tenu de la diversité croissante de la population de la province, l’éducation artistique joue un rôle prépondérant dans une dynamique moderne susceptible de s’opposer à une myopie géographique et historique auto-promue. À Terre-Neuve-et-Labrador, l’art agit de plus en plus comme un mécanisme de suture et un dispositif de réflexion permettant d’observer ces tensions et confiant à l’éducateur un rôle un tant soit peu subversif vis-à-vis le programme historique, politique et social. Pourtant l’éducation artistique et l’art ont aussi servi d’outils à certaines visées politiques en mouvance. Il peut être difficile pour un éducateur en art d’évoluer sur un tel terrain. Si tradition et modernisme s’entrechoquent, cette dynamique de jeu a, dans certains cas, abouti à d’étonnants résultats sur le plan culturel. Naviguer sur cette corde raide offre un modèle à une nouvelle génération qui se doit d’être davantage multiculturelle et internationaliste. Mots-clés : Traditionalisme, métamodernisme contemporain.
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Gaudreau, Guy, and Micheline Tremblay. "Technique de mise en pages, crise économique et journalisme d’opinion : Le Courrier de Saint-Hyacinthe de 1920 à 1938." Scientia Canadensis 36, no. 2 (October 22, 2014): 37–62. http://dx.doi.org/10.7202/1027021ar.
Full textAbstract:
Cet article, richement illustré, examine l’évolution de la technique de mise en pages du Courrier de Saint-Hyacinthe entre 1920 et 1938, en la comparant avec celle d’un journal concurrent, Le Clairon. Excluant l’analyse de contenu des articles, ce texte s’intéresse à la composition et à l’évolution de la une, à l’ordre et à l’emplacement des chroniques des pages intérieures, ainsi qu’aux facteurs ayant mené à leurs transformations. Outre la crise, qui pèse lourdement sur les finances des entreprises de presse, divers développements technologiques peuvent aussi influer sur l’évolution de la mise en page. L’utilisation faite de la photographie dans la composition du Courrier, le fait que celui-ci est un hebdomadaire plutôt qu’un quotidien, et sa vocation comme journal d’opinion laissent toutefois présager que les choix techniques dépendent de plusieurs facteurs qui ne sont pas que technologiques.
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Marcoux, Gabrielle. "Ossements animaux dans l’art autochtone actuel." Recherches amérindiennes au Québec 45, no. 2-3 (November 15, 2016): 25–32. http://dx.doi.org/10.7202/1038039ar.
Full textAbstract:
Les ossements animaux occupent des fonctions pratiques et rituelles extrêmement variées et complexes au sein des cultures ancestrales atikamekw et innue, que ce soit sur le plan spirituel, alimentaire, artistique ou autre. Encore aujourd’hui, en plus d’évoquer le trépas, les ossements font référence aux pratiques de communication avec les esprits animaux – comme la scapulomancie – et à la vision holistique du monde chez les peuples algonquiens. En intégrant des peaux et des fragments de squelettes animaux à leurs oeuvres portant sur des réalités contemporaines de pertes et de négociations intimes et collectives d’ordre culturel et territorial, les artistes Sonia Robertson et Eruoma Awashish parviennent à réactualiser le pouvoir de guérison et de résurgence traditionnellement associé aux ossements. Ainsi, la mise en scène d’os permet à ces créatrices de réécrire l’histoire de lieux chargés de sens et de réaffirmer l’importance actuelle de notions spirituelles, identitaires et culturelles autochtones ancestrales dans un contexte de réaffirmation collective et individuelle.
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Arbour, Rose Marie. "Arts visuels et espace public. L’apport de deux femmes artistes dans les années 60 au Québec, Micheline Beauchemin et Marcelle Ferron." Articles 2, no. 1 (April 12, 2005): 33–50. http://dx.doi.org/10.7202/057533ar.
Full textAbstract:
La mise en perspective du travail artistique des artistes Micheline Beauchemin et Marcelle Ferron dans le contexte du changement sociopolitique et culturel des années 60 au Québec vise à inscrire leur œuvre dans un nouveau rapport au public, dans la recherche d'un nouveau rôle social de l'artiste et dans un processus de questionnement des limites hiérarchiques propres aux arts visuels par la réappropriation de techniques et médiums traditionnels. La monumentalité et le rapport à l'environnement architectural et urbain des œuvres qu'elles réalisèrent à la fin des années 50 et au cours des années 60 mirent en cause la vision traditionnelle qu'on se faisait des femmes artistes : petits formats, visions intimistes, travail privé et solitaire, fonction décorative. De plus, plutôt que d'opter pour la tabula rasapropre à la modernité en art ou encore pour les valeurs strictement formelles et optiques chères aux arts visuels des années 60, elles adoptèrent une stratégie de réintégration de valeurs culturelles dont la légitimité n'était pas encore reconnue dans l'art d'avant-garde.
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Rice, Ryan. "Presence and Absence Redux: Indian Art in the 1990s." RACAR : Revue d'art canadienne 42, no. 2 (January 25, 2018): 42–53. http://dx.doi.org/10.7202/1042945ar.
Full textAbstract:
Les années 1990 sont une décennie cruciale pour l’avancement et le positionnement de l’art et de l’autonomie autochtones dans les récits dominants des états ayant subi la colonisation. Cet article reprend l’exposé des faits de cette période avec des détails fort nécessaires. Pensé comme une historiographie, il propose d’explorer chronologiquement comment les conservateurs et les artistes autochtones, et leurs alliés, ont répondu et réagi à des moments clés des mesures coloniales et les interventions qu’elles ont suscitées du point de vue politique, artistique, muséologique et du commissariat d’expositions. À la lumière du 150e anniversaire de la Confédération canadienne, et quinze ans après la présentation de la communication originale au colloque, Mondialisation et postcolonialisme : Définitions de la culture visuelle V, du Musée d’art contemporain de Montréal, il reste urgent de faire une analyse critique des préoccupations contemporaines plus vastes, relatives à la mise en contexte et à la réconciliation de l’histoire de l’art autochtone sous-représentée.
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Houcke, Anne-Violaine. "Pasolini, années 1940-1942 : généalogie d’une poétique antifasciste." Cinémas 27, no. 1 (September 25, 2017): 21–39. http://dx.doi.org/10.7202/1041106ar.
Full textAbstract:
Pier Paolo Pasolini a vécu sa jeunesse sous le ventennio nero : vingt années de mises en scène grandiloquentes de la romanità, sur fond de décors de marbre qu’une archéologie très sélective manipule. L’étude de ses premiers textes permet de retracer la genèse d’une résistance à ce que l’historien Eric Hobsbawm a appelé « l’invention [fasciste] des traditions ». En analysant les trois écoles fondamentales dont se réclame Pasolini dans sa correspondance — Longhi, la réflexion sur la langue (hermétisme et dialecte) et Freud —, ainsi que les concepts (l’histoire, la tradition) qu’il dispute au fascisme dans ses premiers textes publiés, cet article met en évidence l’élaboration d’une pensée de l’invention artistique, entendue au sens étymologique et archéologique de la mise au jour de données invisibles, car exclues de l’idéologie officielle, reléguées « hors champ », interdites de représentation. L’article se termine par une analyse succincte de la traduction qu’a faite Pasolini de fragments de la poétesse grecque archaïque Sappho, l’un des premiers exemples d’une matrice grecque qui informera toute son oeuvre à venir.
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Plas, Marc. "Les utopies électroniques de Paik et d’Averty : investigations et expérimentations télévisuelles." Cinémas 26, no. 2-3 (April 5, 2017): 151–72. http://dx.doi.org/10.7202/1039370ar.
Full textAbstract:
La visée principale de cet article, qui fait suite à des recherches dans les archives de l’INA, est la mise en évidence d’un aspect essentiel de l’oeuvre et de la démarche de Jean-Christophe Averty : la singularité de son approche de la télévision. L’auteur a pour cela jugé nécessaire de rapprocher Averty d’un autre créateur contemporain, Nam June Paik, qui a lui aussi été un pionnier de l’utilisation du médium vidéo dans une perspective artistique. Sans faire l’impasse sur les conditions sociales et historiques qui ont pu rendre possible l’émergence de telles entreprises, l’auteur cherche, dans son texte, à rendre compte de la part d’innovation radicale qu’elles comportent. L’activité d’Averty et celle de Paik sont liées à l’apparition massive de la technologie dans l’art de la seconde moitié du xxe siècle et aux particularités tant matérielles que conceptuelles de cette technologie. L’importance de leurs expérimentations apparaît d’une manière peut-être plus précise aujourd’hui, dans le contexte d’expansion et de généralisation des outils numériques.
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Semujanga, Josias. "Les méandres du récit du génocide dans L’aîné des orphelins." Études littéraires 35, no. 1 (September 20, 2004): 101–15. http://dx.doi.org/10.7202/008636ar.
Full textAbstract:
Résumé Cet article vise tout d’abord à réfléchir sur le roman du génocide des Tutsi du Rwanda à la lumière de la critique consacrée au sujet comparable dans la littérature occidentale à propos de la Shoah. Il montre qu’on y trouve la même interrogation sur la représentation artistique d’un événement caractérisé par une violence limite. Si certains arguent de la nécessité d’oublier, de passer à autre chose ; d’autres s’opposent à la mise en fiction du génocide en considérant la transformation de l’événement en objet littéraire comme immoral et scandaleux. Ces derniers estiment que le silence devant l’horreur serait dans ce cas la seule attitude moralement valable. D’autres se demandent non sans raison si le silence est respectueux des morts, et s’il est même nécessaire au recueillement, n’ouvrirait pas la porte à l’oubli, s’il perdurait. Et dans un deuxième temps, on montrera que dans L’aîné des orphelins, l’auteur n’évite pas l’événement, mais le soumet à une vision oblique et distanciée de façon à rendre étrange sa représentation qui le soustrait aux codes convenus de la vraisemblance romanesque.
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Nareau, Michel. "Entre Ducharme et le Mexique." Dossier 38, no. 3 (September 4, 2013): 87–100. http://dx.doi.org/10.7202/1018314ar.
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Le roman Drame privé de Michael Delisle semble peu lié à l’ensemble de ses textes narratifs, tant priment dans ce récit un éclatement de la narration, un recours abondant aux marqueurs artistiques, un cadre urbain huppé. Ce texte fait d’emblée écho au roman L’hiver de force de Réjean Ducharme, par la mise en récit du milieu intellectuel montréalais, par la présence d’un narrateur s’exprimant au « nous » (pronom qui évoque la gémellité des protagonistes) et par une série de références à une jeunesse innocente. Or, une rupture survient dans le roman, qui fait bifurquer l’action vers le Mexique, transformant ainsi le cadre référentiel proposé. Dans ce changement se jouent le statut de la culture artistique mise en évidence et la capacité de cerner la valeur des pratiques culturelles observées. De la proximité, voire de la connivence, entre les artistes et les narrateurs à la lecture distanciée du tourisme de masse, se creuse un écart de sens, un vertige culturel qui fait l’intérêt du roman. Dans cet article, l’auteure s’attarde à la fonction de cette dérive des sens, aux conditions de lisibilité culturelle évoquées par ce travail de labilité, de même qu’à la signification de ce détour mexicain, qui s’appuie certes sur le tourisme dans la diégèse, mais qui est autrement littéraire, par l’appareil paratextuel qui recourt à des citations de nombreux auteurs latino-américains. Ce dernier point (intertextualité fécondée par la tension entre pastiche et déférence) permet enfin de cerner le rôle de Ducharme dans cette remise en cause des apports culturels.
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Deschamps, Fran�ois. "Le r�le des services culturels et �ducatifs des collectivit�s. Dans la mise en �uvre des politiques territoriales d��ducation artistique." L'Observatoire N�42, no. 1 (2013): 40. http://dx.doi.org/10.3917/lobs.042.0040.
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Queinnec, Christian, and Hélène Giroire. "Pages dynamisées par filtrage. Une mise en œuvre sur un cédérom à but pédagogique." Sciences et techniques éducatives 8, no. 1 (2001): 190–91. http://dx.doi.org/10.3406/stice.2001.1552.
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Cazes, Hélène. "Les mille et une pages d’Henri Estienne et de ses lecteurs : le recueil infini." Études françaises 38, no. 3 (July 22, 2004): 71–80. http://dx.doi.org/10.7202/008384ar.
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Résumé La lecture des recueils publiés comme tels par Henri II Estienne (1530-1598), anthologies reprises ou composées par lui, raconte l’unité de l’oeuvre éditoriale et de l’oeuvre littéraire de l’humaniste. Ainsi, entre 1567 et 1594, la cohérence du commentaire sur la poésie, les guides de lecture accompagnant les recueils pour la jeunesse et les procédés de mise en page et en livre définissent l’éditeur-lecteur comme auteur ; les pages blanches invitent le lecteur à continuer ce mystérieux partage des rôles et des textes.
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Tabouret-Keller, Andrée. "Robert NICOLAÏ, Signifier. Essai sur la mise en signification, Paris, ENS Éditions, 2017, 234 pages." Langage et société 164, no. 2 (2018): 189. http://dx.doi.org/10.3917/ls.164.0189.
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von Blumröder, Christoph. "S’orienter selon Hermann Hesse." Circuit 19, no. 2 (June 3, 2009): 11–34. http://dx.doi.org/10.7202/037448ar.
Full textAbstract:
Resumé L’identité artistique de Stockhausen s’est forgée juste après la Seconde Guerre mondiale, durant la période entre les années 1948 et 1950, dans laquelle elle s’enracine. Pendant ces années, il était très créatif, particulièrement sur le plan littéraire, et à ce titre il était à la recherche d’une orientation, qu’il a trouvée chez Hesse. En 1949, quelques jours après son 21e anniversaire, Stockhausen fit parvenir à Hesse une lettre de six pages pour se présenter et lui offrir un de ses poèmes. Cette lettre, ce poème et la réponse encourageante de Hesse sont ici analysés, comme le sont aussi d’autres échanges épistolaires entre les deux hommes, quelques lettres de Stockhausen à son ami Karel Goeyvaerts, dans lesquels est examiné le roman de Hesse Das Glasperlenspiel, et un second poème de Stockhausen. L’oeuvre de Stockhausen s’est développée à partir de concepts thématiques et d’objectifs établis durant cette période.
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Viselli, Antonio. "Fuir la complétude ou Le métarécit intermédial des Faux-monnayeurs." Voix Plurielles 11, no. 2 (December 3, 2014): 53–63. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v11i2.1100.
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Les Faux-monnayeurs d’André Gide est un (anti-)roman qui fait appel à un autre médium artistique amimétique – en l’occurrence la musique – afin de mettre en question la représentation de l’authenticité, du réel et de la subjectivité de l’écrivain. Édouard, le protagoniste romancier qui souhaite lui-même rédiger un roman intitulé Les Faux-monnayeurs, se trouve plongé dans une mise-en-abîme où le récit linéaire contrapuntique déjà complexe se colore d’ambiguïté narrative grâce à une polyphonie verticale : et ce, par le biais de l’axe paradigmatique, des récits emboîtés et de l’usage du discours indirect libre. Gide réalise, au moins en partie, le rêve d’Édouard paralysé par la page blanche : terminer l’œuvre de Bach, L’Art de la fugue, en littérature. C’est-à-dire, que d’un point de vue intermédial, Gide emploie une poétique de la fugue – style musical théoriquement interminable – afin de subvertir le genre romanesque. L’intermédialité rejoint l’interdisciplinarité et, en appliquant le théorème mathématique et philosophique de Kurt Gödel – son théorème de l’incomplétude –, la verticalité textuelle, synonyme de métarécit chez Gide, se déploie dans toute son éloquence et renforce davantage la thématique du « faux » et de la « copie » dans un roman contrefait.
Fleeing Completeness or The Intermedial Metanarrative of Les Faux-monnayeurs
André Gide’s Les Faux-monnayeurs is a (anti-)novel that calls upon another amimetic artistic medium – music – in order to question the representation of authenticity, of the real, and of the novelist’s subjectivity. The novel’s protagonist, Édouard, wishes to write a novel entitled Les Faux-monnayeurs, and finds himself at the bottom of a mise-en-abîme where the already complex contrapuntal narrative becomes further ambiguous alongside examples of vertical polyphony: such as the paradigmatic axis, framed narratives (mise-en-abîme), and the use of free indirect speech. Gide is capable, in part, of realizing the goal of his protagonist, who is paralyzed by the blank page: to finish Bach’s work, The Art of Fugue, in literature. From an intermedial perspective, Gide employs a fugal poetics – the theoretically endless musical style – in order to subvert the genre of the novel. Finally, intermediality joins interdisciplinarity, and by applying Kurt Gödel’s mathematic and philosophical theorem – the incompleteness theorem –, textual verticality, synonymous with Gide’s metanarrative, reaches its height and further reinforces the themes of the “false” and the “copy” in a counterfeit novel.
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White, Kevin. "Cantos, Carte, and Columns: A Hypothesis Concerning the Original Mise-en-page of Dante’s Comedy." Mediterranea. International Journal on the Transfer of Knowledge 6 (March 31, 2021): 263–85. http://dx.doi.org/10.21071/mijtk.v6i.13028.
Full textAbstract:
John Ahern conjectures that, in writing out the first copies of the Comedy, Dante wrote on pages formatted for four 36-line columns, with two columns on each side of the page, and he assigned one page to each of the 100 cantos. Building on Ahern’s conjecture, the article suggests that Dante had a standard method of distributing the lines of a canto over the four columns. After describing the method, the article argues that Dante sometimes adapted his composition of a canto to the four-column page format, and that traces of this adaptation can be discerned in certain passages of the Comedy.
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Kirkham, Anne. "Contextualising the Interloper: Consistency and Inconsistency in Rylands Latin MS 164." Bulletin of the John Rylands Library 93, no. 1 (March 2017): 23–44. http://dx.doi.org/10.7227/bjrl.93.1.2.
Full textAbstract:
Rylands Latin MS 164 is one of over forty manuscript books of hours in the John Rylands Library. It was made in France in the middle of the fifteenth century and its extensive, high quality illumination associates its production with the worshop of the so-called Bedford Master. However, it has not been the subject of any sustained published research and consequently the significance of variations in the mise-en-page of the books pages has not been scrutinised. This article focuses on the variations in two replacement pages, one within the calendar and one beginning the Penitential Psalms, and in the case of the page beginning the Penitential Psalms considers whether the replacement could have been made by Sir Gregory Osborne Page-Turner, the owner of Rylands Latin MS 164 in the early nineteenth century.
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Mailhot, Laurent. "Hermé, Hermès, fragments d’herméneutique." Dossier 35, no. 1 (November 12, 2009): 37–49. http://dx.doi.org/10.7202/038569ar.
Full textAbstract:
Résumé Le poète Herménégilde Chiasson joue aussi bien des matières (papier, caractères, illustrations, mise en pages) que des formes lyriques, épiques, ironiques, didactiques ; de l’oralité que de la culture savante et de l’écriture raffinée. Mourir à Scoudouc a la souplesse d’un « cahier », la profondeur d’un « retour au pays natal ». Trois autres recueils — Prophéties, Vous, Climats — sont aussi examinés dans leurs ombres et lumières, séparations et apparitions. Des anges y veillent aux fenêtres, découpant l’infini, dessinant noir sur blanc, bleu sur bleu. Faute d’arrêter le voyage, la plume (ou le curseur) du poète donne à voir, à imaginer le monde obliquement, à ses frontières.
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Benbaruk-Lapointe, Hélène, and Yves Thomas. "Le Luxe en fleurs dans la Naissance du jour." Études littéraires 26, no. 1 (April 12, 2005): 47–56. http://dx.doi.org/10.7202/501030ar.
Full textAbstract:
Cette étude s'efforce de retracer l'ascendance et les développements d'une vision du luxe dans la Naissance dujour . Tandis qu'il est possible de montrer que Colette, dans des articles sur la mode et à travers son oeuvre, souscrit pleinement au luxe industriel, il n'est pas sans intérêt de constater qu'une autre vision du luxe est mise en place dans ce récit poétique publié en 1928. En des pages très denses qui évoquent le bonheur de la retraite, se tranforme l'espace intime marqué par le calme et la douceur de vivre en un lieu où s'exalte et se raffine le désir.
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Zahar, Hela, and Jonathan Roberge. "La scène comme nouvelle culture visuelle : entre effervescence urbaine, visibilité et circulation des images numériques." Cahiers de recherche sociologique, no. 57 (February 24, 2016): 115–31. http://dx.doi.org/10.7202/1035278ar.
Full textAbstract:
L’étude des scènes culturelles apparue dans les années quatre-vingt-dix a été rapidement assimilée au champ des popular music studies et ce, dans une volonté de trouver une alternative aux notions de contre- ou de sous-culture. La polysémie et la malléabilité du terme ont ainsi donné lieu à des efforts souvent disparates ayant pour thème la sonorité ou le « son » d’une ville. Or si le son rythme bel et bien l’urbanité et lui donne son effervescence, n’y a-t-il pas lieu également de s’interroger sur la manière dont les images fournissent davantage qu’un simple décor en donnant précisément vie et corps à la ville ? L’objectif de ce texte est de réfléchir au concept de scène à partir d’une focale encore sous-exploitée, à savoir celle des visual cultural studies. Comment l’image devient-elle performative et comment entre-t-elle en scène formant du coup une sorte de surproduction culturelle ? Comment la circulation des images peut-elle engendrer de nouvelles expériences de socialité ? Le propos est illustré à partir de l’étude du Street art et plus particulièrement du calligraffiti à Montréal — mais également dans la manière dont ce dernier trouve échos à Paris, Beyrouth et Tunis. En tant qu’articulation du local, du translocal et du virtuel, cette pratique émergente doit permettre de comprendre comment la circulation et la mise en visibilité des images, dans un contexte contemporain d’hétérogénéité culturelle, d’hybridation artistique et de controverses sociales, peut susciter de nouveaux enjeux et codes politico-culturels.
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Zolberg, Vera L. "La persistance de l’exclusion : les musées d’art et les artistes." Articles, no. 16 (April 19, 2011): 105–22. http://dx.doi.org/10.7202/1002131ar.
Full textAbstract:
La réalité à laquelle sont confrontés les artistes fait partie de ces controverses du milieu des arts qui bravent les limites de sa propre sphère pour déborder sur la société en général en captant l’attention du public. Bien qu’ils jouent un rôle central dans le processus de la création artistique, les artistes sont loin d’occuper une position de force dans la mise en scène de cette production. Au contraire, ils sont de simples pions dans le jeu des grandes institutions, des marchands, des critiques et des autres joueurs du milieu des arts auxquels ils sont confrontés. Aux États-Unis en particulier, la plupart des artistes, à l’exception des rares « vedettes », sont à la merci de pouvoirs sur lesquels ils n’ont à peu près pas de contrôle. À la lumière d’une réflexion sur les relations entre les musées américains et les artistes vivants — tant dans l’histoire qu’à l’heure actuelle — l’auteure tente de démontrer que les artistes et les musées, y compris ceux qui se spécialisent en art contemporain, communiquent rarement directement. De façon générale, leurs rapports s’établissent à travers la médiation de collectionneurs et de critiques. Les rapports qu’entretiennent les musées avec les communautés d’artistes sont habituellement tendus. Ces tensions peuvent être décelées à travers les positions que prennent les musées envers les artistes contemporains et leurs oeuvres. Elles permettent de comprendre pourquoi les artistes ne forment que rarement des communautés qui durent et elles soulèvent des questions concernant la possibilité d’un art autonome. Finalement, l’émergence de certains types de communautés d’artistes pourrait conduire à la remise en question des paradigmes actuels de l’art.
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des Rivières, Marie-José, and Simona Mancini. "Entretien avec Huguette Dagenais, première directrice de la revue Recherches féministes." Dossiers 21, no. 1 (June 26, 2008): 99–112. http://dx.doi.org/10.7202/018311ar.
Full textAbstract:
Cofondatrice et première directrice de la revue (printemps 1988 – automne 1997), Huguette Dagenais répond aux questions de Marie-José des Rivières et Simona Mancini sur la petite histoire des débuts de la revue, les appuis recherchés et obtenus, le travail scientifique d’équipe et la magie de la collaboration interdisciplinaire féministe. On mentionne, dans cet entretien, des sujets cruciaux tels que la langue, le choix des thèmes, les approches et méthodes, certaines controverses, l’importance de la recherche empirique et, enfin, plusieurs bons coups des dix premières années (l’humour, la beauté des pages de couverture, la dimension internationale). L’entretien se termine par l’énoncé de certains défis actuels et futurs, notamment la question de la mise en ligne de la revue.
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Hamelin, Lise. "Éléments pour une sémantique de ON." SHS Web of Conferences 46 (2018): 12006. http://dx.doi.org/10.1051/shsconf/20184612006.
Full textAbstract:
Les études consacrées au pronom on se fixent en général pour objectif, soit de rendre compte du fonctionnement textuel, discursif, énonciatif, du marqueur, soit de rendre compte des possibilités de traduction de on par la mise en contraste avec d’autres systèmes linguistiques et/ou l’étude de la traduction. Ces approches ont livré des apports indiscutables, sur lesquels nous reviendrons rapidement. Elles illustrent des démarches et des méthodologies différentes mais ont en commun le fait qu'elles posent la question de l’identité de on dans la perspective d’une p roblématique référentielle. Dans ces pages, nous proposons d’envisager ce pronom sous un autre angle, celui de son fonctionnement, de son comportement en contexte. S’interroger sur ce que fait on, c’est aussi se demander ce qui fait on, et proposer un autr e regard sur ce pronom. On laisse de côté les approches diachroniques du pronom, nous fixant comme objectif de rendre compte de son fonctionnement en synchronie. En effet, dans ces pages, nous envisageons ce pronom sous l'angle de son fonctionnement, de so n comportement en contexte. S’interroger sur ce que fait on, c’est aussi se demander ce qui fait on, et proposer un autre regard sur ce pronom. Plus précisément, nous postulerons que on est la trace d'une opération énonciative particulière, définitoire, do nt la mise en œuvre va générer en contexte différents effets de sens (pudeur, hypocoristique, distanciation) et se satisfaire d'une grande variété de contenus référentiels. On s'appuiera sur un corpus d'énoncés attestés récents (textes français des années 2010 issus essentiellementde FRANTEXT et occurrences tirées du web) sur lesquels on procédera à des manipulations pour montrer que l'emploi de on, en particulier lorsque son référent est aisément identifiable, témoigne d'un refus de prise en charge d'énonc iative et/ou d'un refus d'implication du locuteur dans l'événement dont il rend compte, d'une part; et, d'autre part, que l'emploi d'un tel marqueur déstabilise la relation prédicative de telle manière qu'elle accorde un statut particulier aux propriétés d u prédicats, qui se trouvent mises en valeur.
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Neveu, Franck. "La prédication seconde : essai de mise au point, Travaux de Linguistique, no 57, Éva Havu et Michel Pierrard (dir.), 2008,164 pages." Syntaxe et sémantique 10, no. 1 (2009): 137. http://dx.doi.org/10.3917/ss.010.0137.
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Beaudry, Lucille. "Histoire politique et création artistique : une antimonie pour l'institution : Pierre Falardeau, 15 février 1839, Montréal, éditions Stanké, 1996, 169 pages / Chevalier de Lorimier, Lettres d'un patriote condamné à mort, Montréal, Comeau & Nadeau Éditeurs, 1996, 132 pages." Bulletin d'histoire politique 5, no. 2 (1997): 144. http://dx.doi.org/10.7202/1063612ar.
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Rider, Robin E. "Equations as Unruly Objects." Nuncius 35, no. 3 (December 14, 2020): 471–505. http://dx.doi.org/10.1163/18253911-03503007.
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Abstract Specialized notation, complexity, and sheer length contributed to the unruly nature of 18th-century equations, whether in manuscript or printed form. By close examination of early modern material texts, this essay compares constraints and affordances of the pen and the composing stick for setting boundaries and imposing order on algebraic expressions. Drawing on French and British mathematical works, it considers typesetting practices and advice to readers in influential algebra textbooks, compares mathematical manuscripts prepared for print and the printed results, unpacks oversize pages brimming with derivations and multiple cases, and reflects on practices of mise-en-page in the Mémoires of the Paris Academy of Sciences and the Philosophical Transactions. It thus invites attention to the tools, gestures, and traces of amateur, expert, reader, writer, and typesetter in 18th-century algebra.
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Dardy, Claudine. "De quelques usages sociologiques des récits en édition numérique." Sociologie et sociétés 48, no. 2 (October 24, 2016): 261–83. http://dx.doi.org/10.7202/1037724ar.
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Le site éditeur Raconter la vie a constitué en deux ans d’existence une collection de six cents récits. L’abondance narrative ainsi suscitée déploie une mosaïque faite des fragments de vies multiples qui peut se prêter au regard sociologique au gré des angles de vue décelant tel ou tel motif ou thème. On peut encore s’essayer à identifier des types de récits : témoignage, récit de vie sociale ou même performance artistique. On a choisi, par l’enquête, de rencontrer quelques protagonistes de cette scène numérique, à commencer par la web éditrice pivot du site, ses collaborateurs, dits éditeurs communautaires, et les auteurs. L’intention était de situer la production de ces récits et leur proposition à l’édition numérique au regard des pratiques d’écriture et de lecture de leurs auteurs, prenant acte d’une culture de l’écrit, voire d’une culture littéraire en référence. Les auteurs évoquent des pratiques variées des carnets personnels à l’expérience d’ateliers d’écriture, en passant par les écrits professionnels. Beaucoup sont habiles à utiliser les ressources du numérique, blog, réseaux, plateforme. L’ombre d’une maison d’édition traditionnelle prestigieuse, l’engagement d’un professeur au collège de France, la compétence éditoriale — double lecture des textes, aide à la mise en forme technique — servent un désir latent de publication largement partagé par les auteurs. De quoi, pour ces derniers, se concevoir comme auteurs amateurs et caresser l’espoir d’une reconnaissance d’écrivain. À défaut d’impulser un impossible parlement des invisibles, le site éditeur préserve la forme narrative en même temps qu’il promeut une figure d’auteur amateur. Il pourrait s’apparenter à un atelier d’écriture grand format aux prismes du numérique ; on y est privé d’une sociabilité de lectures partagées mais autorisé aux jeux d’identités multiples, celles de ces personnages et auteurs appelés à raconter le roman vrai de la société et si fort en quête d’éditeurs.
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Zinguer, Ilana. "Le langage chaotique." L’Annuaire théâtral, no. 42 (May 5, 2010): 51–64. http://dx.doi.org/10.7202/041688ar.
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Ce que Novarina dit du langage de Rabelais attire l’attention sur sapropre création littéraire dont la forme ne vise pas un idéal artistique biendéterminé mais cherche au contraire à rester dans l’inachevé. Legigantisme verbal de Rabelais, fait de balourdises et de loufoqueries, instaure ununivers mythique où l’expression linguistique —bonimenteuse, affabulations du langage et enivrement duverbe — tient la place de l’intrigue. Sansatteindre les mêmes outrances, le langage novarinien devient chaotique, car ils’élabore en adoptant des formulations propres à rendre la confusion dumonde contemporain. En cela, il situe adéquatement des interrogations chaotiquesvécues mais restées ouvertes. De cette lecture première et rapide des œuvres de Novarina se dessine cependantun mouvement animé par ce qui peut le nourrir. L’auteur cherche enquelque sorte à saisir le désir ou le manque. Plus l’objet se refuse,plus le verbe s’acharne, à force de pensée et d’intelligence.Se fraie alors un chemin (grâce à l’impulsion et àl’inspiration) qui mène au saisissement ou à l’ébranlement del’âme, non par la rationalité mais par une inventivité quin’hésite pas à faire appel à tous les recours del’imagination, une alliance de l’illusionnisme du logos et de l’eidos (la « forme ») quiengendre des formes langagières et structurelles étonnantes. N’est-ce pas le fameux érosdu philosophe qui possède par le logos,comme le montre, par exemple, la chair montante de l’acteur en scène(Lettre aux acteurs) ou sa manièreexubérante de rendre la vie? « Toute la mise en scène del’érotisme a pour fin d’atteindre l’être au plusintime, au point où le cœur manque », dit Georges Bataille dans L’Érotisme. La poésie mène au mêmepoint que chaque forme : à l’érotisme, àl’indiscrétion, à la confusion des objets distincts. Elle nous mène aussià l’éternité. C’est dans ce sens que le langage de Novarinaest chaotique. Un chaos ordonnant, « très nécessaire » pourretrouver le mystère de la langue. De la parole nous sommes nés, à la parole nousretournerons.
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Winandy, Jacques. "Le signe de la mangeoire et des langes." New Testament Studies 43, no. 1 (January 1997): 140–46. http://dx.doi.org/10.1017/s0028688500022542.
Full textAbstract:
On ne trouvera pas dans les pages qui vont suivre une analyse détaillée du récit de Luc, ni un essai de reconstitution des étapes supposées de sa rédaction. Il nous suffira, dans cet ordre d'idées, de noter que le message adressé aux bergers, comme, du reste, les apparitions angéliques elles-mêmes, relèvent incontestablement d'un procédé littéraire hérité de l'Ancien Testament. Il s'agit, en somme, d'une mise en scène dramatique destinée à sou-ligner l'origine divine d'une intuition, d'une perception des choses qui, dans le cas présent, va âtre au coeur du récit et lui donnera tout son sens. Il n'y a pas lieu de la prendre à la lettre, ni, par conséquent, de se demander si et comment les bergers ont pu entrevoir quelque chose de la signification attribuée par l'ange à la mangeoire et aux langes.
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Serpault, Pauline. "There must be an explanation/There has to be an explanation: Tentative d’analyse énonciative du «semi-modal» have to." Canadian Journal of Linguistics/Revue canadienne de linguistique 60, no. 2 (July 2015): 163–85. http://dx.doi.org/10.1017/s0008413100026098.
Full textAbstract:
RésuméLa dichotomie subjectif/objectif est traditionnellement mise à contribution pour éclairer les différences d’emploi de must et have to. Cette représentation, qui se heurte parfois à la réalité linguistique, ne semble cependant pas propre à rendre compte à elle seule de la spécificité de have to. Il s’agit dans ces pages d’exploiter, énoncés authentiques à l’appui, les outils de la Théorie des Opérations Énonciatives afin de dégager les opérations dont have to et must sont la trace. Les deux formes se trouvent ordonnées sur un même axe paradigmatique, have to supposant en quelque sorte un must préconstruit, en ce que les opérations marquées par ce modal sont présentées par have to comme acquises au moment d’énonciation. Cette réflexion permet en outre de comprendre les glissements sémantiques provoqués en contexte par l’exploitation de la configuration de base du marqueur, qui le font préférer à must dans certains cadres potentiellement polémiques.
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Barbier-Le Déroff, Marie-Armelle. "Quand des institutions cherchent à sortir de la marge… Exploration de mots choisis pour raconter la Bretagne aux touristes." Troisième partie : les ambiguïtés de la marge. Mise en scène de la marge, no. 13-14-15 (October 27, 2009): 221–32. http://dx.doi.org/10.7202/038430ar.
Full textAbstract:
Résumé À partir d’une mise en perspective des contenus de dépliants touristiques et pages Internet valorisant « les » atouts de la Bretagne et plus particulièrement du Finistère, il s’agissait d’interroger les processus de dynamique des marges qui s’expriment au travers des catégories de mots et expressions utilisés pour attirer différentes clientèles de touristes. Lorsque des institutions, dans des opérations de communication/séduction, disent le « pays » en donnant un caractère exceptionnel à de nombreux éléments et en attribuant une valeur emblématique à différents patrimoines, peut-on faire l’hypothèse que ces manières d’invoquer le territoire expriment une volonté de s’imposer et d’entrer ainsi dans une revanche des marges? En même temps, une stéréotypisation des expressions identitaires et l’uniformisation des façons de dire ne peuvent que soulever des questions. Ces pratiques ne pourraient-elles pas conduire à un effet inversé, annihilant les efforts d’attraction des « gens d’ailleurs » et contribuant ainsi à renforcer l’état de marge?