Academic literature on the topic 'Modernisme (art) – Peinture – Critique littéraire'

Les oeuvres presentees tentent de renouer avec la grande tradition europeenne tant par leur facture que par leur thematique. Cette entreprise est etayee : 1e par une refutation du discours avant-gardiste en general et de la theorie institutionnelle de dickie en particulier ; 2e par une explication socio-historique de la substitution du non-art a l'art ; 3e par une esthetique qui prend en compte les acquis de la pensee contemporaine en psychanalyse, anthropologie et theorie de l'information. L'esthetique proposee part du postulat qu'on peut distinguer l'art du non-art en considerant les caracteres intrinseques des objets. Elle met l'accent sur la capacite de la peinture a creer un monde imaginaire vraisemblable et signifiant ainsi que sur le caractere polyphonique de l'art. Un tableau (au sens habituel du mot) est juge selon les quatre points de vue de la mimesis, de la decoration, de l'utopie (ou sens), de l'illustration (ou signification). En revanche, une oeuvre abstraite releve d'un seul de ces points de vue : le deuxieme. C'est la peinture figurative, quand elle est fidele a sa vocation de communiquer une vision du monde et de faire rever, qui realise le propre du pictural
The works presented attempt to resume the grand european tradition both in treatment and as to subject matter. In support of such a purpose the vanguardist discourse is confuted, the present substitution of non-art to art is explained by the unfavourable conditions prevailing in our society (reification, autonomization, valorization of the new, capitalist strategies etc) and a set of aesthetical propositions is put forward buttressed on lacan's psychoanalysis), levi-straussian anthropology and informational theory. As against dickie's institutional theory it is reaffirmed that an artwork distinguishes itself from anything else by objectively exhibiting aesthetic qualities. Figurative (but not abstract) painting is able to create an imaginary world which is plausible (mimetically well done), decorative (pleasing to the eye), the expression of the artist's longing (an opportunity for day-dreaming) and full of meaning

La poésie s'éprouve sur le mode de la complétude. La totalité du réel serait-elle son objet, elle ne dépasse pas' l'horizon des mots. Inquiète de ne pas être, elle se ressource à son ipséité, elle s'affermit dans l'écart. La peinture est une tout autre manière qui n'abandonne pas davantage l'espoir d'une autonomie. Le réel est également son point de départ, mais elle s'en tient à la présence des formes. Incertaine de son fondement, elle creuse par la pratique sa propre identité. Elle se maintient, indemne, sur son écart. À l'une appartient le lisible, à l'autre le visible. Toutefois, à l'encontre de ce premier constat, il leur vient le désir de se rencontrer. Avec passion elles se portent l'une vers l'autre et le dialogue naît. Tel est l'un des traits dominants des modernités, même si son attente utopique a, depuis longtemps, hanté les consciences créatrices. Ce sont les figures éponymes de Mallarmé et de Manet qui consacrent ces deux formes de l'expression dans leur intensité intrinsèque comme ils les enrichissent d'un regard tourné vers leur plus expresse différence. De fait, il convient de se posséder pleinement soi-même pour pouvoir s'offrir en partage. Dans l'égalité absolue de l'échange. Quitte même (comme Dada sait le suggérer) à parfois franchir les lois du vis-à-vis ou de l'entrelacs pour une osmose plus catégorique, abolissant les frontières admises et revendiquant la confusion. Ce défi ne cesse d'être porté par les diverses novations qui traversent le xx· siècle, d'Apollinaire et Duchamp à Du Bouchet et Broodthaers. Poésie et peinture entendues au sens métaphorique (soit l'écriture et le fait plastique) sont parfaitement antagoniques et néanmoins s'aimantent sans fin dans l'espace du livre comme en dehors, inventant les modalités les plus diverses d'un attrait qui est l'une des spécificités du fait moderne

Étudier la critique d’art de Joris-Karl Huysmans soulève des enjeux esthétiques, poétiques et idéologiques. Si elle constitue un genre à part entière, que l’auteur a pratiqué en tant que tel, la critique d’art entretient des relations de complémentarité et d’interférence avec le reste de l’œuvre. S’y élabore en effet une esthétique, qui à son tour définit une poétique : parce que le critique est également écrivain, la réflexion qu’il mène au sujet des arts plastiques – peinture, sculpture, architecture – se développe parallèlement à sa pratique d’écriture. Ses options critiques reposent sur une analogie entre les arts, s’inscrivant en cela dans une longue tradition, qui va de l’ut pictura poesis horatien aux correspondances baudelairiennes, en passant par le paragone de la Renaissance. Aussi regarde-t-il l’art en tant qu’écrivain, y cherchant tantôt la confirmation de ses idées sur la littérature, tantôt un modèle d’écriture. Mais parce que la critique engage des valeurs et des convictions, elle se fait aussi la chambre d’écho des options idéologiques de son auteur, aux plans socio-économique, politique et épistémique. Huysmans regarde l’art à travers une idéologie qui se décline en un certain nombre de valeurs et de contre-valeurs : héritier d’un siècle de romantisme, il entretient un rapport douloureux avec son temps, en délicatesse avec la pensée de son époque. Cette idéologie – à la fois anticapitaliste, antibourgeoise et antimoderne – filtre donc le regard qu’il pose sur l’art : elle détermine en partie ses jugements esthétiques, elle les oriente de façon diverse et souvent contradictoire
In Joris-Karl Huysmans’s art criticism, aesthetics, poetics and ideology are at stake. Though art criticism is a genre in its own right, which the author used as such, it maintains close relations with his other works: they complete one each other as well as they interfere together. In his art criticism, Huysmans develops aesthetics, which define in its turn poetics: because the critic is also a writer, his thinking about visual arts – painting, sculpture, architecture – runs parallel with his writing process/practice. His critical assessments rest upon a comparison between the arts and therefore form part of a tradition which roots in Horace’s maxim ut pictura poesis, crosses the Renaissance period with the paragone and leads to Baudelaire’s correspondances. When watching a painting, Huysmans remains a writer: he’s looking for a confirmation of his ideas about literature or a model for his writing. But because art criticism puts values and beliefs at stake, it echoes the ideological choices of its author, on socio-economic, political and epistemic levels. Huysmans sees the arts through an ideology which comes in various values (et contre-valeurs): heir of a century deeply marked by romanticism, he maintains painful relationships with his time, in trouble with modern ideas. His ideology – against capitalism, bourgeoisie and modernity – filters the way he considers the arts; it partly determines and influences, in various but often opposing ways, his aesthetic judgement

Ce travail se propose de mener une interprétation minutieuse de l'oeuvre du peintre brésilien Cicero Dias [1907-] pour la période qui va des années 20 aux années 50. Le peintre a traversé le siècle et sa longue carrière qui débute à Rio de Janeiro s'est déroulée entre le Brésil et la France. Son départ précipité du pays en 19371 sous le régime de la dictature Vargas, pour un séjour à Paris qui dure depuis cette date, fait qu'il laisse derrière lui une quantité importante de ses oeuvres et un discours partial de la critique qui célèbre sans modération son côté régional. Nous chercherons tout d'abord à reconsidérer l'expérience formelle de son langage figuratif pour ensuite mettre en lumière le passage de la figuration à l'abstraction sous l'angle de l'analyse de l'oeuvre et des faits généraux auxquels elle renvoie. Puis, nous interpréterons les changements formels de l'abstraction construite chez Dias en esquissant les rapports qui se sont établis entre lui et la scène artistique française et entre son oeuvre et le monde de l'art brésilien. Si, au Brésil, l'aura de mystère qui entoure le déroulement de sa carrière a progressivement remplacé tout regard analytique, l'oeuvre est, en revanche, presque inconnu en France aujourd'hui. Il importait donc d'interpréter et de remettre en question l'oeuvre, tout en essayant parallèlement de replacer l'artiste dans l'histoire de l'art brésilien.

Consacrée au peintre moderniste Guido Molinari, né à Montréal en 1933, cette thèse comprend un essai et un catalogue raisonné. Dans le premier tome, à partir de l'analyse d'un important corpus de presse, d'une centaine d'entretiens avec le peintre, de nombreux entretiens avec des conservateurs, peintres, collectionneurs, et de ses œuvres, est appréhendée la manière dont Molinari s'est imposé comme artiste dans un contexte artistique, politique et social en constante mutation. Automatisme montréalais, Op art et art de l'intime ; nationalisme canadien et nationalisme québécois ; logique de marché et soutien de l'État : autant d'éléments contre lesquels ou avec lesquels Molinari a composé son identité d'artiste. Dans le second tome sont inclus les catalogues raisonnés des 1090 tableaux, 21 sculptures, 110 estampes et 5 livres d'art de l'artiste (avec, pour chaque notice, un historique de l'œuvre, une liste de ses expositions et une bibliographie), et la liste complète de ses expositions
This thesis includes an essay and a catalogue of the complete works of the modernist painter Guido Molinari, born in Montreal in 1933. In the first volume, the manner in which Molinari defined himself as an artist within an ever-changing socio-political context is analysed, based on his work, a sizeable corpus of press documents, and numerous interviews with the painter, with curators, and with collectors. Montreal's Automatist movement, Op art and the art of the intimate, Canadian and Quebec nationalism, market logic, and state support : these are all currents with and against which Molinari sought to construct his artistic identity. The second volume contains the complete catalogues of his 1090 paintings, 21 sculptures, 110 prints, and 5 artist's books (each with historical notes, an exhibition list, and bibliographical references), as well as the complete list of exhibitions of his work

L’œuvre d'Andy Warhol a été évaluée dans le contexte culturel du Pop Art en fonction de certains thèmes : condition de l'image médiatique, héritage duchampien, paradoxes du modernisme, statut de la marchandise, unicité de l’œuvre d'art... Ce faisant, la culture propre de Warhol, déterminée par son rapport à la religion chrétienne, a été largement ignorée. Ces essais interrogent l'articulation d'une culture et d'une pensée religieuses à une pratique et à des motifs modernes à partir d'un changement de paradigme et de perspective. Il fallait vérifier comment ces sources chrétiennes se manifestent dans le détail et en évaluer les conséquences sur l'interprétation. Les questions de l'incarnation et de l'individuation, telles qu'il les traite dans ses portraits, ne sont pas envisageables sans une réflexion sur son rapport à la religion chrétienne. Plus généralement, ce point de vue fait ressortir le rapport complexe de Warhol à la modernité
The work of Andy Warhol has been evaluated in the context of Pop Art, and scholarship favored a number of themes: the condition of the mass media image, Marcel Duchamp's legacy, the paradoxes of modernism, the status of commodities, the notion of originality of the artwork... So that his specific culture, established in a stringent relationship to Christian religion, has regularly been largely ignored. This dissertation envisions the articulation of a religious culture and thinking to modern praxis and topics. Thus, a change of paradigm and perspective is required. It became necessary to substantiate how the Christian inspiration reveals itself in the work and modify its interpretation. The issues of incarnation and individuation, as Warhol handles them in his series of commissioned portraits, can't be understood without an extended examination of his relationship to Christian theology. More generally, this standpoint does stress Warhol's complex attitude towards modernism

Cette étude se concentre sur l’Ecole de New York en poésie (« The New York Poets ») de la première génération (surtout John Ashbery, Frank O’Hara, Kenneth Koch, James Schuyler, et Barbara Guest) et de la second génération (surtout Bill Berkson, Alice Notley, Ted Berrigan, Eileen Myles, Anne Waldman, Ron Padgett, et Joe Brainard) – à travers la production de ces poètes (poèmes, pièces de théâtre, romans, essais, peinture-poèmes, collages, etc.). Les parallèles entre la peinture et la poésie de l’époque sont probants. Pour le poème, la peinture est à la fois un élément significatif du contexte et un facteur important d’inspiration. L’optique en examinant les textes est triple : d’abord, l’influence de l’évolution de l’art et particulièrement des stratégies des plasticiens d’avant-garde ; puis, l’influence du milieu social et du contexte des quartiers bohêmes de New York des années 1950 et 1960 ; et enfin, tout ce qui peut traduire un positionnement chez les poètes vis-à-vis de la politique et la société et le désir d’une progressivité. Ces trois facteurs s’additionnent pour s’inscrire avec une grande complexité dans les textes
This study focusses on the poets of the New York School (« The New York Poets ») of the first generation (especially John Ashbery, Frank O’Hara, Kenneth Koch, James Schuyler, et Barbara Guest) and the second (especially Bill Berkson, Alice Notley, Ted Berrigan, Eileen Myles, Anne Waldman, Ron Padgett, et Joe Brainard) – taking into account the textual production of the poets (including poems, plays, novels, essays, poem-paintings, collages, etc.), and making a parallel study of the painting of the period, to help evoke the precise context and show relevant strands of inspiration. Works are discussed through three lenses : an idea of the evolution of art leading up to the present and particularly avant-garde artistic strategies, the influence of the social sphere including the relevance of the New York bohemia in the 1950s and 1960s, and all that conveys a sense political positioning with the desire for progress. Those three factors combine to create complexity in the texts

Etude de l'interface entre un support visuel, la gravure, et un support verbal, le texte dramatique, a une epoque (le xve siecle) et dans un contexte donne, celui des relations culturel1es, artistiques et commerciales entre 1'angleterre et les pays-bas. Elle comporte 1'analyse d'un corpus d'images gravees dont le denominateur commun est le theme du miroir de la folie humaine, theme majeur dans l'art septentrional sous influence des milieux humanistes. Le discours mora1inherent a ces images de l'exces et de la transgression montre d'une part un grand nombre de convergences avec les preoccupations du theatre seculier de l'epoque et, permet d'autre part d'entrevoir la possibilite d'une interaction entre certaines images populaires et le texte theatral. La thematique du miroir de la folie et les paralleles qu'elle permet d'etablir entre le domaine des lieux communs, des proverbes et des themes gravees fournissent le point d'ancrage avec le texte dramatique proprement dite. L'oeuvre shakespearienne s'avere etre le receptacle des differentes associations d'idees et de motifs egalement presents dans l'art graphique. L'analyse des correspondances entre le texte et l'image permet une interpretation des differentes utilisations des images morales par shakespeare et certains de ses contemporains
A study of the connections and the interdependence that existed between the verbal and visual means of communication in renaissance england in the light of the cultural, artistic and commercial exchange with the netherlands. It comprehends an analysis of a corpus of continental prints that can be linked to the iconographic tradition of the mirrors of human folly, reflecting the influence and concern of sixteenth-century humanist circles. The moral discourse inherent to these images of excess and transgression shows a significant number of similitudes with the preoccupations of secular theater of the time. Which suggests a possible interaction between popular graphic themes and the theatrical text. The mirror of folly as a thematic issue, and the comparisons it allows for with the popular field of common-places, proverbs, and visually illustrated themes, provides the link with the dramatic text proper. In many instances, playwrights and poets adopted thought schemes and motifs that are also to be found in the graphic arts. The elizabethan spectator possessed a visual vocabulary enabling him to recognize possible references made to pictorial types and conceits. A subsequent comparative study offers some insight in shakespeare's use of these moral images

Cette thèse se propose de décomposer le spectre des commentaires critiques, historiques ou littéraires qui se sont projetés sur l'œuvre d'Édouard Manet dans la première moitié du XXe siècle, en regard de multiples contrepoints visuels. Cet «exercice de style méthodologique total» que permet Manet, selon les mots de Pierre Bourdieu, vise à rendre compte d'une réception mythique, monumentale et pourtant méconnue, tout en procédant en permanence à l'analyse réflexive de ses propres outils d'investigation. Par le prisme de ces présences posthumes très hétérogènes, souvent d'une grande violence, le but est de retracer la généalogie du concept narratif de «modernité» qui s'est déployé à partir d'Édouard Manet, en Europe et aux États-Unis, alors que son œuvre était simultanément défigurée en incarnation du classicisme national. Plus qu'une origine, Manet peut alors se définir comme un «carrefour» : un embranchement, à la puissance spéculaire considérable, d'idéologies, d'historicités et de projections fantasmagoriques. Ces analyses ont pour objet des réseaux très denses d'attraction, de répulsion, et de contamination entre différents systèmes d' énonciation dissonants, envisagés en regard des procédés déployés par Manet lui-même, dans le mouvement d'une œuvre à la fois profondément relationnelle et d'une radicale altérité. La problématique récurrente du fractionnement - dans la multiplicité de ses enjeux et de ses déterminations schizoïdes, du dualisme au fétichisme - forme le fil directeur de cet effort d'exhumation intellectuelle : est ici retracée en détail l'impossible tentative d'en finir avec un peintre qui ne cesse d'inquiéter une modernité constituée sur son nom
The purpose of this dissertation is to decompose the spectrum of commentary, historical and literary, along with the multiple visual counterpoints, that were generated from the work of Édouard Manet in the first half of the 20th century. Manet allows for this « total methodological exercise », in Pierre Bourdieu's words, which endeavours to reckon with a mythical, monumental, yet mostly unknown reception, while continually conducting a reflexive analysis of its own investigative tools. Through the scope of these posthumous, heterogeneous and often extremely violent occurrences, the goal is to retrace the genealogy of the narrative concept of« modernity » which was uncoiled from the figure of Édouard Manet, in Europe and the United States, during a time when his work was simultaneously being distorted as an incarnation of national classicism. More than a point of origin, Manet can be defined as a « crossroad » : a powerful specular junction of ideologies, historicities and phantasmagorical projections. The abject of these analyses is the dense network of attraction, repulsion, and contamination that has been woven between the various and discordant systems of enunciation, studied in the light of processes set up by Manet himself, through a body of work both profoundly relational, yet radically alien. The recurrent question of fractioning, in its multiple issues and schizoid determinations - from dualism to fetishism - make up the guiding principle of this effort of intellectual exhumation; here are retraced in detail the impossible attempts that were made to do away with a painter who has time and again proven to be cause for concern to an idea of modernity created under his name