Academic literature on the topic 'Modernité dans l'art'

Le terme " avant-garde " recouvre habituellement deux orientations tout à fait différentes : l'avant-garde proprement dite, qui désigne les mouvements conjoignant assaut contre l'autonomie de l'art et projet de changement social révolutionnaire, et la modernité, qui, selon Adorno, a pour centre l'œuvre d'art autonome et insiste sur la pureté esthétique. Or, il semble aujourd'hui que la définition exigeante d'Adorno ne puisse plus s'appliquer à une modernité qui puise désormais dans le répertoire des gestes esthétiques au lieu de chercher à développer le matériau ; quant aux avant-gardes, en l'absence de projet visant à changer la praxis de la vie, elles ne survivent, en définitive, qu'en tant que passé. Le présent article pose la question de la possibilité de poursuivre le projet de la modernité ou de fonder une nouvelle avant-garde à l'ère postmoderne de la déshistorisation des arts et de la littérature.

Résumé La post-modernité peut être vue comme l'implosion catastrophique de la culture contemporaine dans une série de scènes qui reflètent l'excès, le surplus, la désaccumulation et la panique. Comme une séismographie de cette condition, le présent essai regroupe trois " thèses " reliées au phénomène sportif. L'art post-moderne, le corps " plastique " et l'image mass-médiatique contemporaine sont présentés comme les résultats de véritables implosions : (a) l'art est fragmenté, éclaté, et son hyper-marchandisation est assurée par l'appropriation et la reproduction des mosaïques de la télévision et des divers signes, symboles et marchandises du capitalisme de consommation, y compris le sport ; (b) le corps sportif est morcelé, entraîné, façonné puis subordonné à l'appareil post-moderne du pouvoir au plan épistémolo-gique, idéologique, technologique et sémiologique ; et (c) le sport médiatisé contribue à la culture " excrémentale " (Kroker & Cook, 1986) en reproduisant le populisme esthétique, la fragmentation, le manque de profondeur et l'effacement de l'histoire caractéristiques de la culture post-moderne.

La mise en perspective du travail artistique des artistes Micheline Beauchemin et Marcelle Ferron dans le contexte du changement sociopolitique et culturel des années 60 au Québec vise à inscrire leur œuvre dans un nouveau rapport au public, dans la recherche d'un nouveau rôle social de l'artiste et dans un processus de questionnement des limites hiérarchiques propres aux arts visuels par la réappropriation de techniques et médiums traditionnels. La monumentalité et le rapport à l'environnement architectural et urbain des œuvres qu'elles réalisèrent à la fin des années 50 et au cours des années 60 mirent en cause la vision traditionnelle qu'on se faisait des femmes artistes : petits formats, visions intimistes, travail privé et solitaire, fonction décorative. De plus, plutôt que d'opter pour la tabula rasapropre à la modernité en art ou encore pour les valeurs strictement formelles et optiques chères aux arts visuels des années 60, elles adoptèrent une stratégie de réintégration de valeurs culturelles dont la légitimité n'était pas encore reconnue dans l'art d'avant-garde.

Les poètes français contemporains présentent des visages de la ville moderne très différents sinon opposés. Les villes de l'ère industrielle du début du XXe siècle sont dépeintes dans une poésie fortement antithétique (à la fois décrites dans leur réalité triviale et transfigurées dans des images valorisantes) par des poètes dont l'art lyrique très personnel s'allie à toute une tradition symboliste. Les villes de l'ère post-industrielle du début du XXIe siècle ne suscitent plus chez les poètes de célébration dithyrambique, mais plutôt une certaine suspicion. La poésie de la ville s'est profondément transformée au cours du XXe siècle jusqu'à nos jours. Les poètes du début du XXe siècle, vivant à l'ère industrielle sans avoir connu les cataclysmes des guerres mondiales, étaient enthousiasmés par le progrès et célébraient les villes comme des lieux de modernité, tout en exprimant un certain lyrisme nostalgique. Les poètes du début du XXIe siècle, époque «post- industrielle», qui n'ont plus cette foi dans le progrès, cherchent dans la poésie un dépassement de la banalité de la vie citadine et un ré- enchantement de la ville.

C'est sans doute le terme de « suprématiste » qui conviendrait le mieux pour décrire le travail de Maurice Blanchot à cause de ce qui se donne comme un thème récurrent dans toutes ses publications : le défi qu'il s'est lancé de considérer comme absolues les limites de la représentation. Dans l'un ou l'autre de ses ouvrages, l'abstraction du langage devient paradoxalement le genre suprême de la qualité concrète, en peinture aussi bien qu'en littérature, de sa praxis. À ce stade, les enjeux naissent de la crise qui affecte une avant-garde qui ne parvient plus à soutenir les signes de renouvellement perpétuel de la forme de sa création. Entre les années 1910 et 1913, l'aporie de la modernité conduit rapidement à la formulation de l'idée de la mort de l'art et, après la deuxième guerre mondiale, avec l'apparition de L'Espace littéraire de Blanchot, cette même aporie amène à engager la littérature dans l'expérience des limites. Cet article se propose donc d'évaluer, par le biais de la présence du silence dans l'oeuvre, le degré d'aridité qui affecte la représentation, de celle des sens en particulier, et les limites que peuvent atteindre de telles aventures.

Depuis une quarantaine d'années, un certain nombres d’artistes-cinéastes, se situant du côté de l'art vidéo, dans l’art des nouveaux médias ou encore du côté du cinéma dit avant-gardiste, ont successivement pris position face aux changements et innovations technologiques. Il s’agissait non seulement de repenser l’argentique, la fonction esthétique et les composants du cinéma, mais aussi des questions de dispositif au sens large du terme. En tant que modalités de textes écrits, les manifestes occupent une fonction charnière entre création artistique et théorie. Le présent article commente une série de textes déclaratifs tenant lieu de la fonction traditionnelle du manifeste, rédigés par des artistes ou cinéastes. Les discours sur la numérisation héritent souvent de la rhétorique des grands récits de l’avant-garde, empruntant des attitudes apocalyptiques, utopiques ou prophétiques, tout en s’inscrivant dans une tradition moderniste par la revendication de l’innovation, de l’opposition, ou encore de la critique des images.

Cette recherche questionne les dimensions artistiques du Bèlè et son inscription dans la modernité. Cette inscription s’origine dès l’expansion coloniale avec les renouvellements de la pensée et des idéaux dans le monde européen. La modernité du Bèlè s’opère en résonnance aux bouleversements permanents de la période esclavagiste, à l’élan des découvertes et des progrès technologiques, scientifiques et philosophiques qui ont suivi au fil du temps. Ces progrès se formulent dans les paradoxes de conceptions des rapports à l’humain entre idéal des lumières et libéralisme des modernes, dans les modalités d’exploitation économique particulièrement. Ainsi aux expansions économique et géopolitique s’associeront des idéaux humanistes, ceux de piété religieuse chrétienne contrastant avec la servilité et à la déshumanisation. C’est dans ce contexte que la domination européenne sur le monde va s’exercer, en Amérique, à partir de l’extermination des Amérindiens et de la traite, l’esclavage des Africains. Toutes ces raisons sous-tendent la réaction des déportés et descendants africains à la Martinique. Cette réaction va s’inscrire dans une construction et une quête permanente de (re)humanisation et de progrès, dans les rapports humains symbolisés et matérialisés par la musique et la danse des Calenda de l’ère esclavagiste (à partir de 1635), et s’étaleront jusqu’à l’ère contemporaine du Bèlè Renouveau, initié à l’orée de 1980. Cette réalité s’inscrit dans une consubstantialité entre musique et modernité où les principes structurants Chantè, Répondè, Bwatè, Tanbou, Lawonn, Kadans se formalisent, avec une marge d’analogie tranchant entre figuralisme et abstraction, à travers des médias de formalisation. Cet écart d’analogie entre principe et formalisation implique le Wèlto, le faux semblant, qui induit la dualité muée par la feinte, la ruse et le détour. Cela se réalise dans des modalités formelles, en permanente élaboration, entre l’immuabilité de surface et renouvellements du matériau musicochorégraphique, mais aussi de l’instrumentarium.La présente étude démontre que le Bèlè peut s’entendre comme art, avec les déclinaisons nécessaires pouvant s’inscrire dans le classicisme, autant que comme tradition sous-tendant et nourrissant la modernité. Afin de répondre aux enjeux de pouvoir, tenir compte des rapports de force dans les antagonismes ou modalités d’intégration sociales, entre l’Europe et la Martinique, le Bèlè contemporain privilégie sa définition en tant que tradition en masquant, au point de l’occulter, sa véritable acception en tant qu’Art. Cette occultation de la dimension artistique du Bèlè marginalise par conséquent la modernité de l’art bèlè
This research questions the artistic dimensions of Bèlè and its inscription in modernity. This inscription originated from colonial expansion with the renewal of thought and ideals in the European world. The modernity of Bèlè resonates with the permanent upheaval of the slave period, the impetus for the discoveries and technological, scientific and philosophical advances that have followed over time. This progress is formulated in the paradoxes of conceptions of the relations with the human between the ideal of the enlightenment and the liberalism of the moderns, especially in the modes of economic exploitation. Thus, economic and geopolitical expansion combine humanist ideals, those of Christian religious piety contrasting with servility and dehumanization. It is in this context that European domination of the world would be exercised in America, from the extermination of the Amerindians and the slave trade of Africans. All these reasons underlie the reaction of African deportees and their descendants in Martinique. This reaction would be part of a construction and a permanent quest for (re) humanization and progress, in the human relations symbolized and materialized by the Calenda music and dance of the slave era (from 1635), and would spread to the contemporary era of the Bèlè renewal, initiated at the beginning of 1980.This reality is part of a consubstantiality between music and modernity, where the structuring principles Chantè, Répondè, Bwatè, Tanbou, Lawonn, and Kadans are formalized, with a margin of sharp analogy between figuralism and abstraction, through mediums of formalization. This gap of analogy between principle and formalization implies the Wèlto, the false semblance, which induces the muted duality by feint, cunning and detour. This is realized in formal modalities, permanently elaborated between the immutability of surface and renewal of the musicochoregraphic material, but also of the instrumentarium.The present study shows that Bèlè can be understood as art, with the necessary variations that may fit within classicism, as much as a tradition underlying and nourishing modernity. In order to respond to the stakes of power, to take into account the balance of power in the antagonisms or modalities of social integration between Europe and Martinique, contemporary Bèlè privileges its definition as a tradition by masking, to the point of obscuring, its true acceptation as Art. This concealment of the artistic dimension of Bèlè therefore marginalizes the modernity of the art of bèlè

Image de la modernite, la figure de la grille est reperable dans toutes les periodes de l'expression picturale, depuis 1907 jusqu'aux annees 1960. D'abord virtuelle, consequence d'un processus analytique dans les oeuvres des peintres cubistes, la grille s'est ensuite imposee comme un outil, participant a l'expose de l'esthetique des theoriciens, soutenant les methodes des pedagogues, organe experimente garant de la structure de l'oeuvre. Matrice de dispositifs picturaux, paree de son statut d'archetype, la grille a apporte la clarte au plan mis en vue du tableau ; assise probante de l'objet peint, elle a impulse l'elaboration des procedes plastiques adequats. Chargee de montrer le bien-fonde d'une demarche, la grille a transmis et s'est transmise, dotant l'oeuvre ainsi que son auteur de l'aura moderniste. Elle a participe a la constitution du mythe de la modernite comme structure ouverte a l'alterite. Objet reel reproductible, elle est un bien partage, un lien entre les poles de creation et les evenements artistiques de l'histoire de son siecle, solidaire des caracteres modernistes exprimes. Aux fonctions dont les peintres avaient jusqu'alors voulu doter la grille s'ajoute la dimension metaphorique. Le reseau conventionnel se refere a une realite exterieure a l'objet specifiquement pictural. Il sert de tremplin aux propos qui excedent les rigueurs formelles et les limites imposees aux genres. La grille integre son propre depassement. Elle est appelee a sa propre transgression. L'objet, singulier desormais, fonde sur des relations poetiques, donne a voir et signifie ; il doit resonner en atteignant son public. Les dispositifs plastiques de trois peintres particuliers sont etudies dans la 2eme partie de ce memoire : jasper johns met en scene la realite de son quotidien et la perception qu'il en a. Brice marden mene dans la dissolution de la grille une quete spirituelle des energies environnantes. Francois rouan met en oeuvre une poetique de la materiologie, une esthetique de la transmutation. Chez ces artistes, la grille genere des images propres, consubstantielles aux procedes. La foi en la viabilite de la peinture a la fin du xxeme siecle est la marque du caractere utopique, que la grille a toujours soutenu, des demarches plastiques analysees ici.

L'oeuvre de beethoven s'inscrit dans une perspective esthetique de progres (innovation, progression du discours), de raison (architecture de la forme, unite) et de depassement (transgression, transcendance). C'est a travers l'emancipation des parametres de l'ecriture relatifs a l'espace, au temps et a l'energie que se manifeste surtout l'esprit de modernite : beethoven explore de nouvelles possibilites expressives (c'est ce que montrent nos analyses desstructures et du materiau d'oeuvres cle) en exploitant les attributs spatiaux de l'ecriture dans leur statique (position, densite), comme dans leur dynamique (vectorisation, circulation entre les voix). Il elabore un systeme de modulations de tempo, fait inter ferer des ordres temporels differents, reproduit le geste de l'improvisation au sein des formes les plus structurees : arborescent et polymorphe, le temps beethovenien est un temps moderne dans sa tentative d'echapper a la linearite. Une poetique des intensites donne a l'oeuvre tout son sens et son elan, qu'il procede de l'energie dramatisante (style heroique style tragique), de l'energie de debordement (catastrophe, jubilation dionysienne) ou de l'energie spirituelle (transcendance, stase). Avec son maillage intertextuel, ses incrustations heterogenes, l'oeuvre de beethoven etablit un systeme ouvert de communication. Recourant a la rupture, a la distanciation, elle offre une resistance nouvelle a l'analyse
Beethoven's work can be seen in an easthetic perspective of progress (innovation), of reason (unity) and transcendence (transgression). This is seen through the emancipation of the parameters related tospace, time and energy, which reveal in beethoven's style the spirit of modernity, which has been analysed here by using the material and structures of the key works. Beethoven is able to explore new expressive possibilities by exploiting not only these spatial attributes in their static form (position), but also their dynamic form (vectorisation, circulation between voices). He develops a system of modulation, juxtaposing differing temporal orders and introducing an improvisatory gesture in the midst of the most structured forms. Arborescent and polymorphous, beethoven's time is a modern time in his attempt to escape linearity. It is through a poetry of intensities and rhythmic effervessence that a work finds its impulse whether in the form of dramatic energy (tragic style, heroic style) or spiritual energy (transcendence, stasis). With its intertextual patterns and heterogeneous incrustatons, beethoven's work establishes an open system of communication, andby its use of sudden rupture and distancing this music presents a new form of resistance to analysis

L'image de synthese est analysee dans la perspective historique de la tradition picturale, non pas uniquement dans la tradition p@erspectiviste, mais aussi en regard d'autres mouvements picturaux, afin qu'elle soit bien percu comme issue d'une histoire de la representation illusionniste dont elle epouse les enjeux pour les continuer. Derriere les formes reconnaissables, identifiables a diverses esthetiques picturales, la synthese utilise cependant de nouveaux moyens de creation. Ces outils sont autant des objets, comme les machines, que des concepts, comme l'algorithme, et c'est en utilisant ces outils qu'elle change la nature profonde de la chose representee. Par la multiplicite des representations possibles, la synthese fait entrer l'image dans le monde du mouvement et par la, permet une immension dans la representation tant au niveau individuel, les realites virtuelles, que sociale, les communautes virtuelles. C'est tout le probleme des formes de representations plastiques dont le perfectionnement fait qu'elles se confondent avec l'image analogique, avec la trace du reel, pour se substituer meme au reel
It computer graphics is analysed within a historical background of a pictorial tradition, and not exclusively under the traditional perspective view-point, it also can be thorugh other artistic evolutions, so that it sounded out as the outcome of the illusionnist representation history, whose stakes computer graphics joins and brings foreward. Beyond a possible comparison of these shapes to varied pictorial aesthetics, computer graphics creation tools are resolutely new. They sometimes materialize into a computer. But they can remaion conceptual, asd an algorithm, the nature of such a represented object comes completely transformed. By using those numerous representations of a same object, computer graphics is brought into the world of motion, and thus, through virtual realities, it can immensde as well individually people, as virtual communities socially do it. In fact, the improvement in these representation forms can lead to confusion with analogical image - a reality trace - and can supplant reality itself

L'exploration de ce sujet traitant du modernisme dans l'art en Corée au XXe siècle évoque une problématique des rapports de la modernité avec ce pays confiné en Extrême-Orient et inconnu du monde occidental jusqu'à la veille du XXe siècle. D'autant que le qualificatif moderne est une conception étymologiquement formulée en Occident, cette étude s'engage d'emblée dans des réflexions sur la validité des arguments du moderne au sujet de la Corée et de son art. C'est par rapport au processus historique du moderne que se pose la question : peut-on considérer dans l'art dit moderne en Corée des composantes de la modernité identiques à celles qui ont constitué l'histoire de l'art moderne occidental et ce, dans un contexte historique et social spécifiquement différent? Cette interrogation conduit à inscrire l'étude dans un spectroscope à multiples reflets, qui situe l'histoire du pays au moment de l'irruption du monde extérieur sur son territoire ; ce qui aboutit, à la révision de la dimension de la modernité dans le sens occidental du terme.

Dans ce travail, nous avons deux termes principaux : l’histoire et le style, mais le but que nous voulons atteindre est la légitimation de l’art ou la légitimation de la création de notre époque appelée, «l’art contemporain». Si l’on présente autrement la question de la légitimation, c’est pour chercher un chemin dans cette situation confuse de l’art contemporain. Ce travail commence à partir de deux termes que mentionne le titre de la thèse. Et de même que l’on tricote un tissu, ces deux termes «le style» et «l’histoire» disposés horizontalement se croisent avec le problème de l’image disposé verticalement. Cela signifie que la recherche sur«l’histoire» et «le style» couvre les aspects philosophique et sociologique. Nous allons donc à la fois évoquer la discussion sur les problèmes du sens de style et de l’histoire à l’aide de la théorie de Danto et chercher le lien avec l’art plastique. Ce dernier sera réalisé à travers la recherche sur «l’image» de Hans Belting. Nous trouverons une similarité dans les étapes historiques analysées par A. Danto et le point de vue de H. Belting
In this study, we have two principal terms : history and style, but the goal which wewant to reach is the legitimation of art or the legitimation of the creation of ourtime called, “the contemporary art”. If the question of legitimation is differently presented, it is to look for a way in this confused situation of the contemporary art. This work starts from two terms which the title of the thesis mentions. And just asone knits a fabric, these two terms “the style” and “the history” horizontally laidout cross with the problem of the image laid out vertically. It means that the research on “the history” and “the style” covers the philosophical and sociologicalaspects. We thus at the same time will evoke the discussion on the problems of the direction of style and the history using the theory of Danto and will seek the link with the visual art. This last will be carried out through the research on “the image” of Hans Belting. We will find a similarity in the historical steps analyzed by A. Danto and the point of view of H. Belting

Plus encore que celle de jugement en général, c'est la notion d'accord indéterminé des facultés (définies comme sources de représentations), c'est-à-dire de jugement réfléchissant, qui est au centre du criticisme, et ce en vue de la forme supérieure d'une faculté définie comme rapport avec un sujet et un objet, tout ceci dans le but de satisfaire un intérêt de la raison. Nous avons essayé de montrer que le génie, dans la philosophie critique de Kant, constituait la condition de possibilité ultime du jugement réfléchissant lui-même et donc de la réalisation du but final dans l'histoire. Ce noyau le plus vivant de l'esprit prend tout son relief mis en rapport avec la modernité dans l'art par quoi nous entendons les oeuvres de toute époque (musicales, littéraires, picturales ou cinématographiques) difficilement récupérables par la culture en tant qu'ensemble d'institutions. Bref, le génie au coeur d'un véritable activisme révolutionnaire.

L'objet de la recherche consiste a decouvrir les elements issus du folklore roumain et ceux de la musique moderne dans les oeuvres d'enesco, au debut du vingtieme siecle l'etiquette attribuee a enesco affirme qu'il est le chef de file de la jeune ecole roumaine, ce que nous recusons. Actuellement, il n'existe aucune etude universitaire sur l'oeuvre d'enesco en dehors des publications de son pays natal: la roumanie. Cette these s'imposait donc. Elle fait apparaitre qu'enesco utilise les elements folkloriques roumains comme de simples materaux et non comme un concept ideologique de son esthetique. Le, folklore roumain n'etant qu'un alibi au service d'experiences musicales d'avant-garde, principalement sur le plan voval et orchestral, mais aussi vis a vis du concept meme de musique
The rearch of this thesis about enescu's music shows how traditionalism and modernism can be married in a classical style of music at the beginning of the twentieth century period. The problematic which aren't agree is the turning of folklore by enescu to designate him as a leading composer of romania school music. Actually, no exists an univerity study about enescu's music exemptedin his native country : romania. So, it was necessary to realize an analyze of his work with a french view. It appears that enescu used folklore only as material and not ideological concept. His opera oedip attests enescu as one of the highest lyric composers of the twentieth century and not a romanian composer, because of modernist concets. Romania folklore serves only to modern experiences, especially about vocal an,d orchestral music

Cette étude s'attache à montrer que la notion de représentation n'a jamais été pensée sans présupposé d'un certain «système classique» précédant la « modernité» comme catégorie historico-philosophique. Or, cette « modernité» a précisément montré à travers le champ spécifique de la peinture une autre transformation dans le concept de représentation. En jouant à l'intérieur de la tradition picturale, la modernité s'est développée jusqu'à produire les conditions d'un changement dans la compréhension du concept de représentation à partir de la prise de conscience de ce qu'est la peinture. La peinture, dans son cheminement vers la modernité, a réussi à montrer que la pensée qui relègue le fait de représenter à la simple imitation d'une réalité préalable est forcément aporétique face aux mécanismes objectifs de la représentation - c'est-à-dire son expression, qui met en évidence la représentation comme un acte capable d'instaurer la figure paradoxale de l'anti-image

Le propre de la modernité est d'inclure la critique dans ses fondements et de permettre les questionnements autant que le développement des savoirs. La modernité est donc indissociable du mouvement et du changement. Elle implique de nouvelles relations sociales, politiques et culturelles entre le singulier et le collectif, le particulier et l'universel, une complexité dont la littérature du XIXe siècle a su témoigner. Il est néanmoins remarquable que la notion de simplicité soit au centre des préoccupations d'auteurs fondateurs de la modernité littéraire et artistique. Dans les œuvres de Flaubert qui portent sur la modernité, dans les écrits sur l'art de Baudelaire et dans certaines vues urbaines et architecturales, tant littéraires que picturales, dont la série de La Cathédrale de Rouen de Monet, les formes de la simplicité et les notions afférentes permettent de mettre en évidence les formes du changement, afin de composer une esthétique de la modernité fondée sur la nuance plutôt que sur la binarité ou le dogmatisme. Si la simplicité désigne l'indécomposable, la nuance se caractérise en effet par des différences de degrés quasiment indiscernables. L'art de la nuance qui procède d'une réévaluation moderne de la simplicité fait tenir ensemble la défense du beau, la singularité de l'œuvre d'art, l'attention portée au réel, aux savoirs et aux nouvelles temporalités, afin d'éloigner l'esthétisation, c'est-à-dire une conception du beau qui lisse les traits de la modernité. La nuance témoigne ainsi d'une relation inédite entre le visuel et le verbal, le texte et l'image, qui permet de mettre au jour les nouages entre poétique, esthétique et politique au coeur de la modernité
The peculiarity of modernity is to integrate criticism in its foundations and to allow questions as well as knowledge development. Therefore, modernity cannot be dissociated from movement and change. Thus, it implies a new kind of social, political and cultural relationship beween the singular and the collective, the particular and the universal, a complexity which XlXth literature managed to testify. However, it is noteworhy that the notion of simplicity is at the centre of the preoccupations of founder authors of artistic and literary modernity. In Flaubert's works dealing with modernity, Baudelaire's written works on arts and in urban views, either literary, pictorial or architectural ones, for instance Monet's series of The Rouen Cathedral, the simplicity forms and meanings which are associated to them make it possible to put the forms of change in a conspicuous position in order to make up an aesthetics of modernity based on shade instead of on binarism or dogmatism. If simplicity refers to what cannot be broken down, the main features of shade are, indeed, grade differences which can hardly be detected. The art of shade which originates in a modern revaluation of simplicity holds together the defence of the beautiful, the singularity of the work of art, the attention to reality, knowledge and new temporalities in order to thwart aesthetization, in other words a conception of the beautiful that covers the features of modernity. Thus, shade shows a new relationship between the visual and the verbal, the text and the image, which brings up to date the knotting between poetics, aesthetics and politics at the heart of modernity