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Dissertations / Theses on the topic 'Monstruos en el arte'
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1
Orellana, Fernández Rocío. "Autopsia AXD-66." Tesis, Universidad de Chile, 2005. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/101608.
Full textAbstract:
Abarcando todos los criterios, ciencias y creencias, el “azar” ha estado en algún momento presente. Desde tiempos inmemoriables, el hombre ha experimentado, creyendo en sí mismo y creando cosas que aparecen sin ser pensadas con anticipación. Al pasar las épocas todo empezó a ser mas racionalizado, pero a pesar de la potencial intelectualidad del hombre seguimos sujetos a ciertos conceptos que no necesitan ni requieren ser pensados, es como la suerte, que es solo un conjunto de hechos fortuitos que le suceden a una persona en una determinada situación.
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Balibrea, Melero María. "Visiones de lo grotesco: representación de la marginación en el arte a través del monstruo." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2015. http://hdl.handle.net/10251/48557.
Full textAbstract:
El análisis de lo grotesco desde una metodología basada en el estudio de sus imágenes
y en la recopilación y exámen de material bibliográfico sobre el tema, define la cuestión
principal de la presente investigación.
En un primer momento, consideramos una serie de términos clave que vinculados
a lo grotesco cambian a lo largo de la historia y al mismo tiempo varían sus matices y
significados, adaptándose a las distintas sociedades: ‘híbrido’, ‘prodigio’, ‘portento’, ‘fantasía’,
y ‘maravilla’; y que concluimos, en la definición de dos vertientes del concepto principal,
a saber, ‘lo grotesco-fantástico’ y lo ‘grotesco-cómico’, sobre los que fundamentamos el
estudio del monstruo como expresión de marginación. Cronológicamente hablando,
la representación del monstruo ha dejado patente que la teoría de Gombrich sobre el
‘simbolismo inconsciente’ es más que probable. El monstruo se encuentra vinculado
a la realidad marginal que lo circunda, y es por ahí por donde entra a formar parte del
imaginario del ser humano a lo largo de su historia.
El estudio de obra seleccionada de cuatro autores, como Bosco (1450-1516), Callot (1592-
1635), Hogarth (1697-1764) y Goya (1746-1828), concreta la biblioteca de imágenes de
lo grotesco utilizada en esta investigación, junto con las clasificaciones internas que
establecemos.
La investigación conluye en un acercamiento a las vanguardias artísticas y al arte
contemporáneo desde los planteamientos que proponemos, considerando cómo se
manifiesta lo grotesco en autores como Paula Rego o H.R. Giger, desde su particular forma
de mirar la realidad con la intención de atraparla y comprenderla.Balibrea Melero, M. (2015). Visiones de lo grotesco: representación de la marginación en el arte a través del monstruo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/48557
TESIS
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Flores, Cruz Fabiola. "Hacia una retórica de lo monstruoso en la obra de Gabriela Rivera." Tesis, Universidad de Chile, 2016. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/139346.
Full textAbstract:
Magíster en artes, mención en teoría e historia del arteTesis no autorizada por su autor para ser publicada a texto completo en repositorio institucional.
El siguiente trabajo tiene por objetivo determinar la función política y subversiva del uso del imaginario monstruoso en los proyectos "Bestiario" y Cría cuervas" de la artista chilena Gabriela Rivera. Mediante el análisis e interpretación de las obras, reseñas publicadas por la artista y curadores, sumada a una revisión general de la historia de lo monstruoso, se pretenderá establecer relaciones con teorías que se inmiscuyen en la categorización y constitución de lo monstruoso como paradigma de otredad, en contraste con el paradigma de lo humano, el hombre. Tales nociones se extraen de la biopolítica y el psicoanálisis, donde lo monstruosos acontece del binomio normal-anormal. Los resultados de desplegarán en una aproximación retórica, donde no sólo estará presente la crítica hacia el patriarcado y los estereotipos de belleza que nutren a la artista, también la idea de lo monstruoso como representación simbólica de la arbitrariedad social que constituye categorías socioculturales y determina sus modos de vida. No obstante, la construcción del imaginario que incluye el proceso de monstrificación de la artista, se presentará al mismo tiempo como herramienta de insurrección. La 3 emergencia de lo monstruoso, desde su epistemología, comparecerá como insubordinación, desviación o destrucción del orden constituyente en su obra, invitación a repensar y reconfigurar la cultura. La obra de Rivera es un intento por recuperar la función ética del arte y sociedad civil, instancia que la convertirá en política y subversiva.
4
Souza, Virgínia Laís de. "Quando o monstro convoca a resistência biopolítica: estratégias comunicativas na arte e na vida." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2017. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/20672.
Full textAbstract:
Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-13T09:10:38Z
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
The subject of this thesis is the monstrous body. This topic has been addressed by authors such as Jean-Jacques Courtine (2013; 2008), who explored the difficulties faced by human beings coping with (so-called) abnormal body types. However, the main goal of the present work is to analyse how a monstrous body can lead the individual to other forms of existence, over and above the stigmas that frequently paralyse the self. Based on the discussions taken up by Antonio Negri (2007, 2003) and Barbara Szaniecki (2014), the monster and the singular characteristics of monstrosity can be viewed as triggers for political and communicational processes and not merely as physical bodies which are socially excluded. In this sense, the monstrous body can be seen as a corpusmedia constituted from its co-evolutionary relations with the environment. The main hypothesis of this thesis is that artistic creations have contributed at a fundamental level to recent changes in our understanding of the monstrous body, undercutting recurrent interpretations that placed monstrous bodies solely within the scope of the exotic and led to their consistent marginalisation as an object of study. It is not merely a question of integrating a stigmatised body into society, but of analysing the power of art to reveal alternatives to our preconceptions of how to look at and represent a body that has been excluded from society. The empirical corpus of this research is derived through dance and theatrical presentations performed mainly in the 2000s, whose performers ranged from backgrounds as immigrants, foreigners and individuals of African descent to artists with physical disabilities. Among these presentations are included works by choreographers such as Jérôme Bel, Claire Cunningham, Faustin Linyekula and the theatre companies Theater Hora and Back to Back. The relevance of this thesis lies in demonstrating how these bodies can subvert stereotypes which have been rooted for centuries in social discourse and media. This work also seeks to highlight the construction of discursive practices that recognise monstrosity when compared to normal standards but which are not confined to pre-conceived interpretations, leading to new patterns of subjective analysis
O tema desta tese é o corpo monstruoso. Ele tem sido estudado por autores, como Jean-Jacques Courtine (2013; 2008), que explicitam a dificuldade em lidar com este tipo de alteridade. No entanto, o objetivo principal da pesquisa é analisar como o corpo monstruoso pode ser acionador de outros modos de vida, para além dos estigmas que o paralisam. Ao partir da discussão proposta por Antonio Negri (2007; 2003) e Barbara Szaniecki (2014), o monstro e as singularidades monstruosas são considerados acionadores de processos comunicacionais e políticos e não apenas excluídos da sociedade. Neste sentido, considera-se o corpo monstruoso como um corpomídia constituído a partir de relações co-evolutivas com seus ambientes. A hipótese principal é que alguns processos de criação artística têm colaborado de maneira fundamental com a recente mudança de entendimento do corpo monstruoso, desestabilizando as leituras recorrentes que apenas o restringiam ao âmbito do exótico e da marginalização. Não se trata de transformar o corpo estigmatizado em um corpo inserido socialmente, mas de afirmar a potência da arte para apresentar outro modo de olhar e constituir um corpo até então excluído. O corpus empírico da pesquisa são espetáculos de dança e teatro, criados especialmente a partir dos anos 2000, que apresentam em cena artistas imigrantes, estrangeiros, negros e deficientes. Entre eles, destacam-se os trabalhos dos coreógrafos Jérôme Bel, Claire Cunningham, Faustin Linyekula e das companhias Theater Hora e Back to Back. A relevância da tese está em demonstrar como é possível lidar com estes corpos de modo a subverter estereótipos arraigados durante séculos em nosso discurso (social e midiático). Busca-se evidenciar também a construção de práticas discursivas que reconhecem a sua monstruosidade em relação aos padrões considerados normais, mas não se deixam enclausurar em leituras pré-concebidas, acionando novas redes de subjetividades
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Bezerra, Laise Tavares Padilha. "A dan?a dos monstros: corpo e est?tica na arte e na Educa??o F?sica." Universidade Federal do Rio Grande do Norte, 2008. http://repositorio.ufrn.br:8080/jspui/handle/123456789/14253.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2008-03-27The speeches about the body in interface with the technology, that fulfill the contemporary discussions, have been a stage of innumerable ethical, epistemological, aesthetic and ontological reflections. These happened bodies of the biotechnological scene also invade the dance, making several possible dialogues, making old concepts instable, opening way to revealing explorations and bringing with it implications and reflections. In this context, this research has as objective to discuss relations between body and technology in the dance; to understand the aesthetic configurations of the monster in the dance as possibility to question the body; to establish relations between the monstrous body in the dance and the conceptions of body in the Physical Education. We believe to be able to contribute for the reflection in the field of the Physical Education, since the work visualizes to extend the field of the discussions on aesthetic body and, as well as evidencing dialogues between different areas of the knowledge, as the Art and the Physical Education. From the point of view of the method, the work follows orientation of the Phenomenology for an aesthetic image appreciation of the videos in the choreographies In'perfeito and Viol?ncia of Cena 11, Dance Group that has marked new aesthetic configurations in the brazilian dance. Thus, we took for us the reflections on the "significant scenes" proposed by Bicudo (2000), to appreciate the dance of Cena 11. We emphasize that, after the identification of the Significant Scenes, it was necessary to approach these scenes from close senses, from which we detach the appearance, the space and the gesture. We evidence that, the bodies revealed by the group Cena 11, show an aesthetic that it interlaces the beauty, the ugly and the grotesque. An aesthetic of the unharmony, capable to transgress the oppositions, dialoguing with multiple antagonisms and that it amplifies the apollonian aesthetic linear rules, so predominant in the history of the dance and the Physical Education. We identify some indicatives that take us to the problematizations on an affective and anarchic body, when questioning the tyranny of the perfect corporality; the naturalization of the pain; the closed gesture in a finished and unique grammar; the standardization of feminine and masculine roles and the negation of the feeling. From these indicatives, we discuss the aesthetic of the deformed bodies of Cena 11, approaching it of the conceptions of body in the Physical Education, sometimes criticizing the rationalists and naturalistic views, sometimes dialoguing with more recent perspectives studied by researchers of this area of knowledge, which point to a reflection on the body under the optics of the sensible
Os discursos sobre o corpo em interface com a tecnologia, que permeiam as discuss?es contempor?neas, t?m sido palco de in?meras reflex?es ?ticas, epistemol?gicas, est?ticas e ontol?gicas. Esses corpos advindos do cen?rio biotecnol?gico tamb?m invadem a dan?a, possibilitando di?logos diversos, desestabilizando velhos conceitos, abrindo caminho a explora??es desveladoras e trazendo consigo implica??es e reflex?es. Nesse contexto, esta pesquisa tem como objetivo discutir rela??es entre corpo e tecnologia na dan?a; compreender as configura??es est?ticas do monstro na dan?a como possibilidade de questionar o corpo; estabelecer rela??es entre o corpo monstruoso na dan?a e as concep??es de corpo na Educa??o F?sica. Acreditamos poder contribuir para a reflex?o no campo da Educa??o F?sica, visto que o trabalho visualiza ampliar o campo das discuss?es sobre corpo e est?tica, bem como evidenciar di?logos entre diferentes ?reas do conhecimento, como a Arte e a Educa??o F?sica. Do ponto de vista do m?todo, o trabalho segue orienta??o da Fenomenologia para uma aprecia??o est?tica de imagens dos v?deos das coreografias In?perfeito e Viol?ncia do Cena 11, grupo de dan?a que tem marcado novas configura??es est?ticas na dan?a brasileira. Assim nos apropriamos das reflex?es sobre as cenas significativas propostas por Bicudo (2000), para apreciar a dan?a do Cena 11. Enfatizamos que, ap?s a identifica??o das Cenas Significativas, buscou-se aproximar essas cenas a partir de sentidos pr?ximos, das quais destacamos a apar?ncia, o espa?o e o gesto. Constatamos que os corpos revelados pelo grupo Cena 11 evidenciam uma est?tica que entrela?a o belo, o feio e o grotesco. Uma est?tica das desmedidas, capaz de transgredir as oposi??es, dialogando com m?ltiplos antagonismos e que amplifica os preceitos lineares e as est?ticas apol?neas t?o predominantes na hist?ria da dan?a e da Educa??o F?sica. Identificamos alguns indicativos que nos levam ?s problematiza??es sobre um corpo afetivo e anarquista, ao questionarem a tirania da corporalidade perfeita; a naturaliza??o da dor; a gestualidade fechada em uma gram?tica ?nica e acabada; a padroniza??o de pap?is femininos e masculinos e a nega??o do sentir. A partir desses indicativos, discutimos a est?tica dos corpos deformados do Cena 11, aproximando-a das concep??es de corpo na Educa??o F?sica, ora criticando as vis?es racionalistas e naturalistas, ora dialogando com perspectivas mais recentes pronunciadas por pesquisadores dessa ?rea de conhecimento, as quais apontam para uma reflex?o sobre o corpo sob a ?tica do sens?vel
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Zanoni, Melize Deblandina. "De monstros e fantasmas : relações entre a imagem do corpo grotesco no teatro e a sobrevivência da imagem em Georges Didi-Huberman." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2017. http://tede.udesc.br/handle/handle/2421.
Full textAbstract:
Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-02T18:02:42Z
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Melize Deblandina Zanoni.pdf: 6041343 bytes, checksum: ed39c189b6c15afff30a12367009fa5b (MD5)Made available in DSpace on 2018-03-02T18:02:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Melize Deblandina Zanoni.pdf: 6041343 bytes, checksum: ed39c189b6c15afff30a12367009fa5b (MD5) Previous issue date: 2017-04-17
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
In Monsters and ghosts: Relations between grotesque body image in theater and image survival in Georges Didi-Huberman, I propose to investigate and identify in what way the systematization of techniques derived from the elements used in the grotesque theater applied to the scene can offer concrete and specific ways for the construction and survival of body images in the theater and their relations with dramaturgy. These reflections are based on the concepts of image survival, critical image and dialectical image coined by Walter Benjamin (1892-1940) and Georges Didi-Huberman (1953-), related to Didi-Huberman‘s reflections on Aby Warburg‘s writings (1866-1929). I also make use of concepts such as anachronism, aura, dialectics, montage, survival, trace, double, repression, dissimilarity, and theories of image of thinkers such as Michel Foucault (1926-1984) and theoretical theater practitioners as Vsevolod Meyerhold (1874-1940) and Antonin Artaud (1896-1948). With the reflections made through bibliographical research and experience reports, I intend to point out the elements that, in the communication established between textual and body dramaturgy in grotesque theater, may represent innovations with respect to the work of the actor (independently of the style or language) and to the survival of the image in the theater.
Em De monstros e fantasmas: Relações entre a imagem do corpo grotesco no teatro e a sobrevivência da imagem em Georges Didi-Huberman, proponho-me a investigar e a identificar de que maneira a sistematização de técnicas provenientes dos elementos utilizados no teatro de cunho grotesco, aplicados à cena, pode oferecer caminhos concretos e específicos para a construção e sobrevivência das imagens corporais no teatro e de suas relações com as dramaturgias do espetáculo. Tais reflexões são baseadas nos conceitos de sobrevivência da imagem, imagem crítica e imagem dialética, cunhados por Walter Benjamin (1892- 1940) e Georges Didi-Huberman (1953-), e relacionados às reflexões deste, sobre os escritos de Aby Warburg (1866-1929). Valho-me também de conceitos como anacronismo, aura, dialética, montagem, sobrevivências, rastro, duplo, recalque, dessemelhança, e das teorias de pensadores da imagem como Michel Foucault (1926-1984) e de teórico-práticos do teatro como Vsevolod Meyerhold (1874-1940) e Antonin Artaud (1896-1948). Com as reflexões realizadas por meio da pesquisa bibliográfica e de relatos de experiência, pretendo apontar os elementos que ? na comunicação estabelecida entre dramaturgia textual e dramaturgia corporal no teatro de cunho grotesco ? podem representar inovações no que diz respeito ao trabalho do ator (independentemente de estilo ou linguagem) e no que respeita à sobrevivência da imagem grotesca no teatro.
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Cavalcante, João Vitor de Sousa. "O acesso ao outro: monstro, fronteira e alteridade em Where the wild things are." www.teses.ufc.br, 2015. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/15840.
Full textAbstract:
CAVALCANTE, João Vitor de Sousa. O acesso ao outro: monstro, fronteira e alteridade em Where the wild things are. 2015. 118f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Comunicação Social, Fortaleza (CE), 2015.Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2016-03-29T17:42:08Z No. of bitstreams: 1 2015_dis_jvscavalcante.pdf: 3760721 bytes, checksum: 7d7222ff3d8ebc7e4e44a4d59ccf83fe (MD5)
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A proposta desta pesquisa é discutir as figurações da monstruosidade na obra do ilustrador norte-americano Maurice Sendak, mais especificamente no livro Where the Wild Things Are, publicado em 1963. Ao analisar a relação entre o herói Max e os monstros com os quais lida em sua aventura, discutimos a presença dessas criaturas bestiais como mecanismos de fabricação da alteridade e como elementos de intersecção cultural, habitantes das zonas fronteiriças das culturas. Na relação com o monstruoso, a subjetividade não se assenta no caráter estável e agregador de uma identidade, mas sim na relação conflituosa e fragmentária da alteridade, em que o “outro” é sempre fabricado, configurando-se não apenas como limite, mas também como condição para o “eu”. O corpo do monstro evidencia o caráter fronteiriço do ser, como signos que deliram em zonas limítrofes. Esses elementos entram em conflito com a ordenação binária estabelecida pela cultura e desagregam dicotomias elementares tais como natureza e cultura, normal e patológico, homem e monstro. Empreendemos nossa investigação a partir de questões que tocam a visualidade das páginas ilustradas por Maurice Sendak. Assim, centramos nossa análise na relação intersemiótica entre os sistemas sígnicos verbal e icônico. Tomamos como âncora conceitual estudos que versam sobre palavra e imagem (Flusser, 2011; Nodelman, 2012), bem como trabalhos sobre monstruosidade (Cohen, 1996, 1999; Corno, 1997; Gil, 2006). Além desses autores, articulamos nossas reflexões pondo em diálogo as noções de fronteira e de semiosfera elaboradas pelo semioticista Iuri Lotman com o conceito de limite do filósofo espanhol Eugenio Trías e com categorias da Antropologia Social, notadamente alteridade e cultura.
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Pascual, Galbis Pau. "Lo monstruoso en los vídeos musicales de Floria Sigismondi y Chris Cunningham en los años noventa (1993-1999)." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2011. http://hdl.handle.net/10251/11801.
Full textAbstract:
La presente tesis doctoral emprende la investigación de lo monstruoso y sus implicaciones de carácter ideológico, estético y político, especialmente desarrollado en los vídeos musicales de Floria Sigismondi y Chris Cunningham en la década de los noventa. En ese período en concreto nace una nueva generación de directores de videoclips, que ya no se encuentran en el anonimato, como sucedía en los ochenta, ahora son conocidos y respetados, además de transgredir frecuentemente las reglas del marketing promocional del clip estandarizado. Directores entre otros como Michel Gondry, Chris Cunningham, Spike Jonze y Floria Sigismondi, estarían dentro de esta lista privilegiada. Por lo demás estos respectivos realizadores en general trabajan misceláneos ámbitos estilísticos fronterizos, la ultrafragmentación, la intertextualidad y las narraciones figurativas no lineales.
Nuestro objetivo es proponer un corpus teórico interdisciplinar que determine las consecuencias que origina lo abominable en el lenguaje fluctuante del videoclip de esos respectivos autores, y sus analogías con otras corrientes del pensamiento postmoderno; a la vez que nos permiten ofrecer nuevas interpretaciones transversales sobre la ideación corporal inverosímil. A nivel metodológico hemos partido del estudio de la monstruosidad histórica y sobre todo de la cinematografía de terror como antecedente de la otredad somática en movimiento, de la cuál formulamos la hipótesis de que el concepto de lo teratológico contemporáneo aplicado al videoclip de factura grotesca; es similar en muchos aspectos al mencionado cine de género, especialmente desde la vertiente del psicoanálisis. Igualmente hemos utilizado el análisis estético aplicado a los videoclips de Carol Vernallis, el concepto de la audiovisión definido por Michel Chion, las teorías de Gilles Deleuze, Michel Foucault, Julia Kristeva, Gérard Lenne y Friedrich Nietzsche, entre otros; para la disertación en profundidad de las obras videográficas.Pascual Galbis, P. (2011). Lo monstruoso en los vídeos musicales de Floria Sigismondi y Chris Cunningham en los años noventa (1993-1999) [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/11801
Palancia
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Candiotto, Bruno Ferres. "Monstr.: entre monstros e aparelhos." Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2014. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/1916.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2014-08-25Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
MONSTR. BETWEEN MONSTERS AND APPARATUS is a theoretical and practical, literary, essayistic and imagery experiment based on applying an artistic operator: monstr. . Through this operator the text of the thesis was constructed proposing a self-questioning of the principles that govern the form of a dissertation in which images and words interacts without hierarchy. What emerges in the dissertation as "monstr." refers to the mode of appointing the creation process, while this process happens considering the strangeness of the act of creation, when creation is actually an interdiction of the creation itself. A radical investment in interdisciplinary dissertation led to the effect of this methodological application. Important authors of the theoretical scenario were used in the process we call "monstrification". Among them fundamentally i quote from Vilém Flusser. He and others served not as authority, but as partners who enter into a dialogue under the proposed methodology. A glossary was built to explain the terms of the text. This glossary aims at bringing the reader closer of the epistemology "monstr." which was used throughout the dissertation extending the theoretical horizons of the reader. The images produced by the "manipulation" of photographs, aims at not to illustrate the text, but to enable a dialogue with it. It suggests a dive in the deep water; a sensory and abysmal depths. All photographs displayed here are nothing more than self-portraits produced by the artistic operator, which exposes them through an admittedly nonlinear aesthetic, emphasizing hybrid characteristics and unusual "plurality" of himself. Actually these photographs have been manipulated and were set to "manipulate" and to be manipulated, causing reflections not only about the "visual" but also about the "sensory" and the myriad of possibilities that this dialectic allows.
MONSTR. ENTRE MONSTROS E APARELHOS é um experimento teórico e prático, literário, ensaístico e imagético baseado na aplicação de um operador artístico: monstr. . Por meio desse operador construiu-se o texto da dissertação proposto como autoquestionamento dos próprios princípios que regem a forma de uma dissertação em que a imagem e a palavra interagem sem hierarquia. Aquilo que na dissertação surge como monstr. refere-se ao modo de nomear o processo de criação, enquanto esse processo se dá tendo em vista a estranheza do próprio ato de criar quando a criação é, na verdade, interdição da própria criação. Um investimento radical na interdisciplinaridade provocou a dissertação como efeito dessa aplicação metodológica. Autores importantes do cenário teórico foram usados dentro do processo que chamamos aqui de monstrificação . Entre eles cito fundamentalmente Vilém Flusser. Ele e outros servem não como autoridade, mas como parceiros que entram em diálogo nos termos da metodologia proposta. Um glossário foi construído para explicitar os termos do texto, esse glossário visa aproximar o leitor da epistemologia monstr. que foi usada ao longo da dissertação ampliando os horizontes teóricos do leitor. As imagens produzidas por manipulação de imagens, fotografias, visam não a ilustração do texto, mas um diálogo com ele. Sugerem um mergulho em águas profundas; profundeza sensorial e abismal. Todas as fotografias aqui expostas nada mais são do que auto-retratos produzidas pelo operador artístico, que as expõe por meio de um estética assumidamente não linear, enfatizando características híbridas e pluralidade incomum, próprias de si mesmo. Tratam-se na verdade de imagens manipuladas, programadas para manipularem por meio delas mesmas, e que permitem serem manipuladas, provocando reflexões não somente acerca do visual , mas também do sensorial e da miríade de possibilidades que essa dialética permite.
10
Corrêa, Eduardo Arantes. "A serviço secreto de sua majestade, o pensamento: os usos do espaço filosófico, suas implicações, e o papel da arte." Universidade Federal de Uberlândia, 2014. https://repositorio.ufu.br/handle/123456789/15581.
Full textAbstract:
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível SuperiorThe aim of this study is to examine the meaning of the act of thinking and its implications on the possibility of doing or not philosophy. From the exposition of Gilles Deleuze about what the thought is, I try to point out his secret or not formally announced uses. This means that if philosophy creates concepts, it is because they refer to universal problems, meaning, in other words, that they always repeat themselves, responding to the particular needs of each time. If the problem of thought as noted by Deleuze is universal, this work tries to comprehend how philosophical discourses are constructed, either causing the difference or neutralizing the ability that the Other also have to think and create. Hence, even exercised by images (in the case of the art), philosophy as a way to justify the intentions of thought would create double-sided monsters with the retails of its history: both affirming the forms of life and making the existence an unhappy process of recognition.
O objetivo deste trabalho é examinar o significado do ato de pensar e suas implicações diante da possibilidade de se fazer ou não filosofia. Partindo da exposição de Gilles Deleuze sobre o que é pensamento, procuro apontar para seus usos secretos ou não formalmente anunciados. Isso significa que se a filosofia cria conceitos, é porque eles referem a problemas universais, ou seja, que se repetem sempre, respondendo não obstante às necessidades particulares de cada tempo. Se o problema do pensamento tal como notado por Deleuze é universal, trata-se de compreender a forma como os discursos filosóficos são construídos, seja para provocar a diferença, seja para neutralizar a capacidade que o Outro também teria de pensar e criar. Donde, até mesmo exercitada por imagens (no caso da arte), a filosofia como forma de justificar as intenções do pensamento criaria com retalhos de sua história um monstro de dupla face: tanto afirmando as formas de vida quanto tornando a existência um processo infeliz de recognição.
Mestre em Filosofia
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Bay, Dora Maria Dutra. "O sonho da razão produz monstros? imaginário e simbolização." Florianópolis, SC, 2001. http://repositorio.ufsc.br/xmlui/handle/123456789/81843.
Full text
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Rae, Heather. "Encountering the monstrous masculine : an exploration of monstrous bodies, behaviour and subjectivity in Greek and Roman literature and art." Thesis, University of Glasgow, 2013. http://theses.gla.ac.uk/4222/.
Full textAbstract:
This study develops the interpretation of hybrid and human-esque male monsters by examining ambiguous presentations of these figures in Greek and Roman literature and art, putting a fresh perspective on the hero/monster encounter and showing that monsters are developed characters rather than simple heroic attributes, as they are frequently interpreted in modern scholarship. Additional strands running through the thesis are consideration of the hero’s ambiguity through visual similarity to monsters and through shared characteristics; the relationship between monstrous body and monstrous behaviour; the subjectivity of monsters; how masculinity relates to monstrosity; and how monsters operate within the Other/self discourse as ways of exploring human behaviour and relationships in the two monster tale types of heroic encounter and love story. As well as looking at how media and genre affect characterisation, where relevant, the political and social contexts of Greece and Rome will form a background to considering how monsters are presented. This thesis explores the full range of the male monster’s ambiguity (humanised through gestures, clothing, or body; placed into a social context by humanising, or by relationships with humans; given subjectivity) and monstrosity (they explore excessive human behaviour and masculinity), and how the monster is a character in its own right.
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Roche, Carles. "La Sombra del coloso: figura y fondo en el género de monstruos gigantes." Doctoral thesis, Universitat Pompeu Fabra, 2016. http://hdl.handle.net/10803/385362.
Full textAbstract:
Partiendo de los conceptos de figura y fondo, procedentes del campo de la teoría del arte, el trabajo investiga en primera instancia su posible aplicación al ámbito de lo cinematográfico, vinculándolos al discurso más amplio sobre la representación
geométrica del espacio (perspectiva) entendida como forma simbólica de aprehensión de la realidad. Para ello, el trabajo interroga un género popular en el que se declinan de manera especialmente fructífera los temas de la figura y fondo como es el cine de monstruos gigantes, cuyo primer momento de esplendor gira entorno a los años 50 y 60 del siglo XX, era de apogeo y crisis de los modelos tradicionales de representación. En la segunda parte del trabajo, se plantean algunos interrogantes hermenéuticos alrededor
del resurgimiento de la figura del monstruo gigante en la cultura audiovisual contemporánea, su función estética en el contexto digital y su conexión con las nuevas formas de representar la realidad en el género fantástico, así como la paralela –y
aparentemente paradójica– conversión del gigante en signo íntimo para la conciencia del espectador.Taking as a starting point the Figure/Background division as established in art theory, this work tries first to reframe it within the cinematographic studies, and to link it to wider aspects of geometric rendering of space (the Perspective System) as a symbolic form of apprehending reality. In order to do so, this work addresses a popular film genre where the Figure/Background issues are central: the giant monster movies that had their Golden Age in the 50’s and 60’, a time when traditional models of representation came to a crisis with the arrival of modern cinema. In the second part of this work, hermeneutic analysis is put into work to address the comeback of the giant monster in contemporary audiovisual culture, its aesthetic function in our digital era and its connection with new forms of representing reality in science fiction cinema, as well as the apparently paradoxical conversion of the giant monster in a sort of intimate sign for the viewer.
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Turner, James Lloyd. "Monstrous Dialogues: THE HOST and South Korean Inverted Exile." Scholar Commons, 2012. http://scholarcommons.usf.edu/etd/4244.
Full textAbstract:
Bong Joon-ho‟s monster movie blockbuster, The Host (Gweomul, 2006), is the most commercially successful film in South Korean cinema history. The film‟s popularity and significance derive from its unearthing of the ambivalence concerning South Korea‟s rapid transformation from a rural dictatorship to an urban democracy with one of the strongest economies on the planet. This ambivalence is buried beneath a veneer of "progress" blanketing contemporary South Korea and constitutes a condition I call inverted exile. The Host explicitly engages life in inverted exile through my notion of aesthetic dialogue. Aesthetic dialogue, takes influence from the work of Mikhail Bakhtin and allows for proliferation of meaning beyond authorial intent by focusing on The Host‟s context. My approach focuses on genre, narrative, and style to flesh out the political, historical, and social ambivalences behind any given moment of The Host to put them in dialogue with one another. The project progresses through sites of cultural dialogue central to the film and/or life in inverted exile: the monster, the city, the home. I approach each site through the genres associated with them and gender roles each of them assume in inverted exile. South Korea‟s transformation and its relationship with the United States are causes of anxiety (e.g. loss of traditional values, overwhelming Western influence) and desire (political freedom, economic opportunity). Ultimately, I argue, The Host suggests that South Korea and its citizens need to embrace the ambivalences of inverted exile and actively shape an identity that takes an active and critical attitude towards Western influence. Such an attitude can better preserve the desirable aspects of traditional culture (e.g. traditional food, familial unity) and alleviate the anxieties caused by Western influence (e.g. rampant consumerism, unjust class divisions). The Host‟s dialogic form is integral to its shaping of Korean identity as it takes from multiple cultural sources (i.e. Hollywood and Korean history) without challenging their polarization.
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Nichols, Chelsea. "Human curiosities in contemporary art and their relationship to the history of exhibiting monstrous bodies." Thesis, University of Oxford, 2014. http://ora.ox.ac.uk/objects/uuid:ba167028-a762-4846-a016-dd26870f0b5c.
Full textAbstract:
This thesis analyses the representation of so-called human curiosities in recent visual art, by drawing a connection to historical practices of exhibiting 'monstrous' and deformed bodies within institutions such as freak shows, anatomical collections and medical museums. The last two decades have witnessed a surge of scholarly interest in the histories of these institutions, particularly through the work of Robert Bogdan, Rosemarie Garland-Thomson, Rachel Adams, Richard Sandell and Samuel J.M.M Alberti, whose research can be situated in interdisciplinary humanities fields such as disability studies, museology, history of science and literary and visual studies. Concurrently, a remarkable number of contemporary artists have also turned to the history and imagery of these spaces to explore the politics of display in exhibitions of non-normative bodies. This study addresses the critical gap between these two parallel domains of inquiry, drawing upon recent studies concerning historical exhibitions of monstrous bodies to analyse how contemporary artists have simultaneously confronted and extended these traditions through their artworks. In order to show that the very notion of 'monstrous bodies' is inextricably bound up in the curious display practices that frame them, I analyse the representation of human curiosities in the work of Zoe Leonard, Joanna Ebenstein, Diane Arbus, Mat Fraser, Pauline Boudry & Renate Lorenz, Marc Quinn and John Isaacs. Each chapter examines a distinct institutional context – the anatomical collection, the freak show, the art gallery, and the contemporary medical museum – to investigate how these artists challenge the meanings conferred upon extraordinary bodies within each space, bestowing new significance upon these forms within the context of their various art practices. I argue that, by doing so, artists themselves can take on roles like curious collectors, freak show talkers and teratologists, revealing the potential for 'art' to act as yet another display framework that imposes a particular set of meanings onto anomalous bodies.
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Jaramillo, Ampuero Gloria Patricia. "De sangre, voluptuosidad y dese: un acercamiento a lo vampírico y su configuración estética de lo monstruoso." Tesis, Universidad de Chile, 2007. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/101667.
Full textAbstract:
Bajo esta idea, es posible postular que lo vampírico logra instaurarse como una operación o clave de comprensión de la subjetividad moderna. En tanto que criatura monstruosa, el vampiro puede ser analizado como una de las manifestaciones más seductoras y complejas del deseo humano; constituye aquella paradoja existente entre el desear y la concepción del sujeto mismo, considerando que el concepto moderno de experiencia se constituye en una relación estética con la alteridad que nunca se consuma -es decir, que sólo tiene lugar en el individuo. En ese sentido, la pregunta por lo vampírico forma parte de la fantasía que el sujeto tiene de sí mismo, y puede ser entendida como una forma de autocomprensión de éste en sus angustias y temores.
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Oliveira, Amael. "Representações monstruosas em A paixão segundo G.H de Clarice Lispector." Universidade Federal de Sergipe, 2012. https://ri.ufs.br/handle/riufs/5773.
Full textAbstract:
Monsters have always been present in the popular imaginary and in many artistic expressions, including literature, practically in very era of human history. As a cultural construct, monstruosity can be shown under many shapes, by means of a monstrification process of the Other in an alterity relation. In view of this aspect, this work analyzes the novel A Paixão Segundo G.H. by Clarice Lispector especially its monstruous representations both in content (theme) and in form (writing). The monstruosities are built in the novel, from the perspective proposed here, by the narrator´s point of view who, with a |microscope look| exaggerates the dimensions of objects and beings, metamorphosing them as monsters. Among these beings, the cockroach is converted by this strangeness effect in a real monster, gifted with an ancestrality that universalizes it. By means of an interdisciplinary approach, that links contribution arising from cultural studies, philosophy, psychoanalysis, history and Brazilian literature critique, this work is based on theoretical aspects relative to the notion of monstruosity basically developed by Luiz Nazário (1998), Julio Jeha (2007), Michel Foucault (2002), Jeffrey Jerome Cohen (2000) e Nöel Carrol (1999). It is argued that the writer´s novel builds an |Aesthetic of the Negative|, a term used by Yudith Rosenbaum (1999) to characterize the rebellion posture of the novelist in relation to civility precepts, in favor of a more instinctive, wild stance, that requires from the narrator the deconstruction of her own human condition. G.H.´s itinerary is, hence, a trajectory from the human to the inhuman, from culture to nature.Os monstros sempre foram figuras presentes no imaginário popular e nas diversas manifestações artísticas, inclusive na literatura, em praticamente todas as épocas da história da humanidade. Como construto cultural, a monstruosidade pode se apresentar sob vários contornos, por meio de um processo de monstrificação do Outro numa relação de alteridade. Tendo em vista esse aspecto, o presente trabalho analisa o romance A Paixão segundo G.H. de Clarice Lispector a partir das representações monstruosas elaboradas, tanto no nível do conteúdo (tema) como no nível da forma (escrita). As monstruosidades na obra são construídas, através do viés aqui proposto, pelo ponto de vista da própria narradora que com um olhar microscópio exagera as dimensões dos objetos e seres, metamorfoseando-os em monstros. Dentre esses seres, a barata se converte por esse efeito de estranhamento em um verdadeiro monstro, dotado de uma ancestralidade que o universaliza. Por meio de uma abordagem interdisciplinar que conjuga contribuições advindas dos estudos culturais, filosofia, psicanálise, história e crítica da literatura brasileira, este trabalho se fundamentou em aspectos teóricos relativos à noção de monstruosidade desenvolvidos basicamente por Luiz Nazário (1998), Julio Jeha (2007), Michel Foucault (2002), Jeffrey Jerome Cohen (2000) e Nöel Carroll (1999). Argumenta-se que a obra da escritora constrói uma Estética do Negativo , termo utilizado por Yudith Rosenbaum (1999) para caracterizar a postura de rebeldia da romancista em relação aos preceitos da civilidade, em favor de um posicionamento mais instintivo, selvagem, que exige da narradora a própria desconstrução de sua condição humana. O itinerário de G.H. é, por isso, um percurso do humano para o inumano, da cultura para a natureza.
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Rothberg, Nicole. "A less monstrous mirror : Creating empathetic, likeable, and accurate mentally ill characters in computer games." Thesis, Högskolan i Skövde, Institutionen för informationsteknologi, 2018. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:his:diva-15554.
Full textAbstract:
This study is about possibilities for improving representation of mentally ill characters in roleplaying computer games. The areas of improvement are empathy for the characters by the players, enjoyment of the game by players, and more accurate depictions of mental illness in computer games. The qualitative study created three unique character concepts, each with two backstories/game concepts, and interviewed respondents on the three aforementioned areas. The research focused on common stereotypes held in modern society and the history of these embedded beliefs, as well as what mental illness really looks like and how negative stereotypes affect an audience. The research also covers current representation of mental illness in video games and analyses their depictions. The study concludes that stereotypes about mentally ill people are harmful, and that accurate and empathetic representations of mentally ill characters in video games should begin with detailed research and respect for the issue at hand.
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Farias, Sandra Maria Barbosa. "O monstro do medo e a leitura na escola." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2013. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/14264.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2013-06-05Secretaria da Educação do Estado de São Paulo
Through studies for understanding what comes to text today, we conducted reading activities and quizzes goals among elementary school students of a public school in Sao Paulo in order to discover how important is reading in school, and what unleashes the numbers registered by the Education Department of the State of São Paulo as the low efficiency of competence reading of these students in the year 2011. By agreeing to authors who see reading as an interaction between author, text and reader, we want to know what kind of relationship exists between these students and the texts proposed by the Portuguese teachers in the classrooms. If found, through research conducted by the Education Department, the student presents difficulties in their reading competence, we do not find out why the school has been developing, with competence, its teaching strategies to achieve a pleasant and proficient reading. And we get the rhetoric, the art of arguing, the art of persuasion through discourse, to evidence the presence of fear in reading activities conducted in the classroom as an inhibitor of the process of learning to read in school
Por meio de estudos realizados para a compreensão do que vem a ser texto hoje, realizamos atividades de leitura e questionários objetivos entre alunos do Ensino Fundamental II de uma escola pública estadual da grande São Paulo para descobrirmos que importância tem a leitura na escola, e se existe algum tipo de mal que desencadeie os números registrados pela Secretaria de Educação do Estado de São Paulo quanto ao baixo rendimento da competência leitoras desses alunos no ano letivo de 2011. Ao concordar com autores que veem a leitura como uma interação entre autor, texto e leitor; queremos saber que tipo de relação existe entre esses alunos e os textos propostos por seus professores de Língua Portuguesa em sala de aula. Se constatado, por meio de pesquisa realizada pela Secretaria de Educação, que o aluno apresenta dificuldades em sua competência leitora, queremos descobrir por que a escola não vem desenvolvendo, com competência, seu papel de ensinar as estratégias para a realização de uma leitura prazerosa e proficiente. Para tanto, fomos buscar na retórica, arte de argumentar, arte de persuadir pelo discurso, indícios que comprovem o medo nas atividades de leitura realizadas em sala de aula como inibidor do processo de aprendizagem da leitura na escola, visto ser uma paixão que perturba e traz desgosto, preocupação com um mal eminente, danoso ou penoso
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Ares, Alvaro. "MONSTRUOS FAMILIARES: REPRESENTACIONES DEL MIEDO EN LA GUERRA CIVIL Y LA POSGUERRA EN LA LITERATURA Y EL CINE ESPAÑOL CONTEMPORÁNEO." Thesis, University of Oregon, 2016. http://hdl.handle.net/1794/20560.
Full textAbstract:
This dissertation studies the cultural traces of the experience of fear in relation to the social and cultural legacies of the Spanish Civil War and the Francoist dictatorship. By applying the theoretical and narratological insights afforded by the horror genre and through the figure of the monster, the research identifies and analyzes alternative memories of the traumatic past, exploring the experience of fear within film and literature to reveal and claim an unrecognized approach to the representation of the war, with key critical findings and implications regarding the shaping and interpretation of the Spanish social imaginary of this event in this most persistent of cultural debates.
Chapter II, explores the maquis in Luna de lobos (1985) by Julio Llamazares, tracing the human involution of a group of men that seeking refuge from Francoist repression become monstrous shells of themselves. It pursues this degradation to rethink the locus of the monster, finding it in the monstrous policies of the regime, that demands the exorcism of the resistance movement—the ultimate Other—rendering it ghostly by community and family as the cornerstone foundational violence of a new society. Chapter III, delves into the cinematographic representation of monsters and monstrous elements in Pa negre (2010) by Agustí Villaronga. It studies the competing narratives in postwar Spain that turn a child of the defeated into a monstrous regime supporter, a process that suggests the origins of contemporary society as the monstrous traces of Francoist society. It analyzes the features that render its protagonist, first, a monster in the eyes of the new regime—along the lines of the classical monster—to later on, through disappointment, shame and betrayal, a monster to his family and social class—thus becoming a modern monster. Chapter IV tackles a cinematographic allegorical representation of the past in Balada triste de trompeta (2010) by Álex de la Iglesia, a tour de force that attempts to be a total narrative of the war, a collage of historical memory through the monstrous moments that define Francoism. The fusion of elements from “esperpento”, horror and melodramatic national romance render a unique postnational satire.
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Delage, de Luget Marion. "Du monstre dans l’œuvre intermédiale de David Lynch : ou comment les arts peuvent déborder le cadre formel de l’identité." Paris 8, 2012. http://www.theses.fr/2012PA083543.
Full textAbstract:
L’Œuvre de Lynch, intermédiale, déconstruit les canons. Elle dit ce monstre dont l’organisation formelle ne respecte pas l’économie symbolique : celui qui s’émancipe du mythe de l’archétype, sur lequel reposent les constructions identitaires. Quels mécanismes produisent le genre, l’archétype (Aristote), et conséquemment l’exception ? Quels appareils sont élaborés pour générer ces représentations itératives (J. -L. Déotte) ? Un modèle édicte toujours corrections et disqualifications (Derrida) ; en contre, Lynch propose une utilisation irrévérente des notions d’anomalie, de défaut. Des partitions arbitraires distinguent le tabou du sacré (M. Douglas). Interrogeons ces limites, qui attestent d’une totalité en en garantissant l’homogénéité : le cadre – structure prédicative –, pour dénoncer son caractère fabriqué. Critiquons la complétude que suppose le Beau : Lynch y oppose une dislocation des corps, générant cet ensemble, non plus unité insécable et exclusive, mais réseau d’enchaînements. Et envisageons des stratégies déjouant la reproduction du même. Contre l’invariant de la summetria, la négentropie (R. Caillois). Contre ces hiérarchies distinguant bonnes et mauvaises formes, les solutions critiques du bas matérialisme (G. Bataille), de la performativité (J. Butler), de l’informe (Y. -A. Bois, R. Krauss). Lynch moque ce standard qui conduit à la perte de toute identité, insistant : viabilité et reproductibilité ne sont pas indissociablement couplées. Ceci pour une définition du monstre en art, fécond, métastable, en progrès (Lyotard) : une opération proposant une re-signification des normes établies – la bonne forme de l’individu, de l’œuvre, et l’idéal des pratiquesThe intermedial Work of Lynch deconstructs canons: it says this monster, formal organization which does not respect the symbolic economy, the one who becomes emancipated of this myth of the archetype, on which identical constructions are based. Which mechanisms produce the genre, the archetype (Aristotle), and consistently the exception? Which devices are elaborated to generate these iterative representations (J. -L. Déotte)? A model always promulgates corrections and disqualifications ( Derrida); against it, Lynch proposes an irreverent use of the notions of anomaly and defect. Arbitrary partitions distinguish the taboo and the sacred (M. Douglas). Let us question these limits which attest to a totality by protecting its homogeneity: the frame, predicative structure, to denounce its artificiality. Let us criticize the comprehensiveness that Beauty supposes: Lynch put dislocation of bodies forward against it, generating this set, not an indivisible and exclusive unity, but network of linkings. And let us envisage strategies thwarting the reproduction of the same. Against the invariant of the summetria, the négentropie (R. Caillois). Against these hierarchies distinguishing good and bad forms, the critical solutions of bas matérialisme (G. Bataille), performativity (J. Butler), informe (Y. -A. Bois, R. Krauss). Lynch parodies this standard which leads to the loss of identity, insisting: viability and reproducibility are not indossociably coupled. This for a definition of the monster in art, fertile, métastable, in progress ( Lyotard): an operation proposing a re-meaning of the established standards - the good shape of the individual, of the work, and the ideal of the practices
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Piqueira, Verônica D'agostino. "Monstrumanidade: o encontro entre o humano e o monstro no cinema de Tod Browning." Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2013. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/1852.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2013-01-23Universidade Presbiteriana Mackenzie
Hoping to contribute to broaden the discussion on the issue of popular American cultural imaginary, the objective of this dissertation is to reflect on the concept of normality and abnormality featured in the movie Freaks (1932), dedicated to the representation of the social and cultural universe of sideshows. We will present the influences that pierced the way director Tod Browning, searching referrals for the formation of his author cinema in his history since his youth as itinerant artist until the dimension of slapstick actor, director and writer of his own films. We'll also discuss some of the reasons that led to the emancipation of the horror genre during the Great Depression, seeking aesthetic, literary and political references in the narrative of his major classics. Based on these studies, this research transits in an interdisciplinary way by languages History of Culture and Film, presenting an encounter between monsters and humans and the way how they are expressed in the body exposed in Freaks.
Esperando contribuir para ampliar as discussões sobre a questão do imaginário cultural popular americano, o objetivo da presente dissertação é refletir sobre o conceito de normalidade e anormalidade apresentado no filme Freaks (1932), dedicado à representação do universo social e cultural dos sideshows. Apresentaremos as influências que transpassaram o caminho do diretor Tod Browning, buscando referências para a formação do seu cinema autoral em sua história vivida desde a juventude como artista itinerante até a dimensão como ator de pastelão, diretor e roteirista de seus próprios filmes. Discutiremos também algumas razões que levaram à emancipação do gênero de horror no período da Grande Depressão, buscando referências estéticas, literárias e políticas na narrativa de seus principais clássicos. Baseando-se nesses estudos, esta pesquisa transita de forma interdisciplinar pelas linguagens História da Cultura e Cinematográfica, apresentando o encontro entre monstros e humanos e o modo como são expressos no corpo exposto em Freaks.
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Dubois-Joucla, Leila. "L'utopie et ses monstres : images du corps et perspectives des nouvelles technologies." Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30033.
Full textAbstract:
Les rêves de perfection de la société occidentale ont toujours modelé le corps à l’image d’un idéal. Celui-ci était considéré comme beau, mais l’envers en était parfois monstrueux. Aujourd’hui, la puissante vague d’innovations technologiques et scientifiques réactive ces rêves, ouvrant la voie à de nouvelles utopies, à de nouvelles images. Sur la scène de l’art, au milieu des visions hyper idéalisées qui envahissent notre quotidien, surgissent des monstres engendrés par le numérique et les multimédia. Cependant des figures, créées par des artistes, se distinguent par leur ambivalence entre corps rêvé et corps redouté. Citons quelques exemples parmi d’autres : Aziz et Cucher, Michaël Najjar, Nicole Tran Ba Vang, Inez Van Lamsweerde ou encore Keith Kottingham. Comment interpréter ces images à l’heure où la fascination pour ces mutations est au moins aussi grande que les craintes et les doutes qu’elles inspirent ? Serait-ce le désir de voir se réaliser cet idéal ou, au contraire, d’en dénoncer l’esprit totalitaire ? Comment les artistes, à travers leur pratique même, se positionnent-ils ? Quelles formes donnent-ils à ces dérives possibles ?This research work has been built along a visual art thought upon the image of the body in the era of digital technology. It leans on a personal plastic practice, dedicated to the diversion of the advertising ideal of beauty, that has contributed to fix the limits of the research. The dreams of perfection of the western society have always shaped the human body in the image of an ideal. This body was thus considered has beautiful, but the reverse side was sometimes monstrous. Today, the powerful wave of technological and scientific innovations is reviving these dreams, opening up the way to new utopian views and new images. On the art scene, among the hyper idealized visions that flood our everyday environment, freaks bred by the digital technology and the multimedia are arising. In the meantime, some figures created by contemporary artists can be distinguished by their ambivalence between dream body and feared body. A few examples are: Aziz and Cucher, Michaël Najjar, Nicole Tran Ba Vang, Inez Van Lamsweerde, or Keith Cottingham. How can these images be interpreted, at this moment in time where the fascination exerted by the contemporary mutations is at least as important as the fears and the doubts that they inspire? Would it be the desire to see that ideal come true or, on the contrary, to denounce its totalitarian spirit?
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Silva, Sara Panamby Rosa da. "O corpo-limite." Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2013. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=7423.
Full textAbstract:
Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de JaneiroA pesquisa Corpolimite parte do discurso de onde a fisicalidade e experiência informe do corpo que atravessa camadas, dos rituais de passagem às políticas urbanas, cria complexidades e zonas desestabilizantes que revelam saberes via percepção e sentidos através da experiência poética em carne-viva. Partindo da perspectiva das modificações corporais no contexto das transformações extremas (como tatuagens, piercings, escarificação, implantes e suspensão corporal) o trabalho traça um percurso errático acerca das práticas de corpo que borram fronteiras, abrem fissuras e desviam, criando novos caminhos poéticos, novos jogos de significação. Baseando-se numa escrita poética e biográfica, o texto mistura imagem e palavra de forma a elaborar uma trama das complexidades envolvidas nos processos descritos. Trabalhando no campo da Performance Art e da Body Art o discurso arte-vida é permanente, trazendo à tona traços da vida cotidiana. Estes rastros transbordam e jorram pelo texto que é carne, matéria viva deste corpo de papel
Bodylimit is a study based on a discourse in which both the physicality and the amorphous experiences of the body as it crosses through layers of situations ranging from rites of passage to urban policies create complexities and zones of destabilization that reveal different forms of knowledge through sense perception and through a poetic experience felt in living flesh. Viewing body modification within the context of extreme transformations (such as tattoos, piercings, scarification, implants, and suspension), the research traces an erratic path through physical practices that blur borders and open fissures and detours to create new poetic paths and new games of signification. Utilizing a poetic and autobiographical writing style, the text mixes images and words to elaborate a web based on the complexities involved in the physical processes it describes. The study situates itself in the fields of Performance Studies and Body Art, in which the discourse of art-life is a permanent phenomenon that brings traces of quotidian life to the forefront of the text. These traces spill and overflow throughout the flesh-text, which is the living material in this body of paper
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Albecker-Grappe, Sylvie. "Recherches sur l'expression de la violence dans les arts figurés grecs d'époque archai͏̈que et classique." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2003. http://www.theses.fr/2003STR20039.
Full textAbstract:
La violence figurée sur les vases l'est tantôt par des schémas expressifs tantôt par des détails discrets et significatifs. Les œuvres différentes, de la période archai͏̈que ou classique en Grèce, qui représentent une ou des violences sont nombreuses. Un choix a été nécessaire, et nous avons dirigé notre recherche selon quatre axes : les représentations des monstres, le Vase François, des images de l'Ilioupersis et les coupes qui illustrent l'attribution des armes d'Achille. Les artistes grecs construisent l'image de la violence. Quelques peintres ont utilisé des constructions très subtiles que nous avons tenté de démonter, pour rendre visible cette essence même de la violence. Elles n'en ont pas moins suffi à indiquer la pertinence du " problème artistique " qu'elles ont soulevé et tenté de résoudre. En effet, les représentations étudiées marquent une progression. Les monstres laissent d'abord apparaître dans leurs schémas plus archai͏̈ques une idée de mascarade. Puis, nous avons vu une démonologie liée au destin de l'homme qui mène jusqu'à une " transsubstantiation ". Mais la victoire de l'homme, qui peut paraître d'abord aisée, demeure beaucoup plus difficile et complexe. Et cela s'observe grâce au talent des artistes. D'abord, si elle dépend du courage des Grecs, elle a aussi besoin, souvent, de l'aide des dieux. Et ils sont très fréquemment représentés à côté des combattants. Mais parfois, cette présence divine a du mal à vaincre elle aussi. La représentation des femmes combattantes met en lumière une lecture qui remet en question cette sempiternelle victoire. Derrière ces combats de guerriers se profilent le combat d'Athéna et des Erinyes et peut-être aussi le celui de l'oi͏̈kos contre la polis. Enfin, dans les documents que nous avons relus, au-delà de l'ordre et de l'harmonie des compositions nous avons montré le désordonné et même le chaos. En fait, de façon très contemporaine, ces représentations introduisent le chaos dans l'ordreThe violence depicted on the vases is shown either by expressive models or by discreet and significant details. Different works representing one or more types of violence are many in the archaic and classical periods of Greek art. A choice was necessary and our research follows four lines: illustrations of monsters, the François Vase, depictions of the Ilioupersis and the cups illustrating the presentation of Achille's armour. The Greek artists constructed the image of violence. Some used very subtle constructions, That we have attempted to interpret, in order to reveal this essence of violence. These chosen constructions are sufficient to demonstrate the "artistic problem" they raise and attempt to solve. The representations studied here show a progression. Firstly, the archaic models of monsters convey the idea of masquerade. Then we detected a demonology connected with man's destiny leading to a "transubstantiation". But man's victory, apparently easily attained, remains much more difficult and complex. This is shown in the skill of the artists. If victory depends on the valour of the Greeks, it also often requires the help of the gods. They are frequently represented beside the warriors. But at times this divine presence has difficulty in prevailing. Depictions of women warriors emphasize a reading which questions this perpetual victory. Behind the warriors in combat can be discerned the combat of Athena and the Erinyes and possibly also that of the oi͏̈kos against the polis. Finally in the document we have studied, we have shown, beyond the order and harmony of the compositions, disorder and even chaos. In fact, in a quite contemporary manner, these representations introduce chaos into order
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Souza, Nívea Faria de. "Entremeios da arte: moda e arte." Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2012. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=4820.
Full textAbstract:
Este trabalho versa sobre o universo da arte tangenciado pela moda, sua efemeridade, pertencimentos e seus agenciamentos. Nesse contexto, busca-se exemplificar o quanto a moda e a arte estão intrinsecamente ligadas. O ponto de partida é a moda como experiência e expressão coletiva e/ou individual, principalmente em trajes e formas vestimentares, pois são esses que mais forte influência exercem sobre o homem, seu corpo, seu espaço e memória. Localiza-se esse processo de aproximação entre arte e moda no século XX, quando vanguardas romperam com o academicismo clássico, agregando à arte sinestesias de sistemas relacionais. Rejeitam-se intermitências escultóricas e pictóricas para dar lugar a linguagens que interagem com o espectador. Os dados do presente trabalho traçam o panorama da aproximação entre arte e moda, a partir de duas vertentes: a primeira demonstra como a arte busca, no traje, suas sinergias, influenciando-se e apropriando-se da sinestesia proporcionada pela roupa; a segunda, como a moda apropriou-se de elementos da arte, em busca de um reposicionamento como expressão e não somente consumoThis work discusses the art universe touched by fashion, its ephemerality, belongings and its relations. In this context, the purpose is to exemplify how fashion and art are inextricably linked. The starting point is fashion as an experience and as an expression, which can be collective and/or individual. Fashion is mainly comprised by clothes and raiment, because these are the forms that have more influence on the human, his body, his space and his memory, on this way the process of art and fashion approximation occurred in the Twentieth Century, when the vanguards broke down to the classic academicism bringing to art a intersection of feelings and relational systems. The sculptural and pictorial intermittent manifestations gave place to languages that interactes with the spectator. The data presented in this work show how art and fashion approached themselves, focusing on two slopes: the first one is how art seek on clothes its synergies, influencing itself and assuming the effects of the intersection of feelings created by clothes, and the second one is how fashion arrogated arts elements in order to be viewed as a way of expression and not only as an ordinary expenditure
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Firestone, Amanda Jayne. ""Is That What You Dream About? Being a Monster?": Bella Swan and the Construction of the Monstrous-Feminine in The Twilight Saga." Scholar Commons, 2014. https://scholarcommons.usf.edu/etd/5217.
Full textAbstract:
ABSTRACT
This dissertation argues that Bella Swan is a representation of Barbara Creed's monstrous-feminine which serves to reinforce ideologies that insist women are abject, inherently dangerous to men, and threatening to a patriarchal status quo. Through close-textual analysis of The Twilight Saga, I demonstrate how the monstrous-feminine frames the hysterical teenage body, hypersexuality, and eternal motherhood as simultaneously unacceptable and unavoidable. These negative women's stereotypes continue to persist in dominant popular culture, and this doublebind is overcome only by the impossible perfection of vampirism. The monstrous-feminine invites constructions of teenage bodies as unstable and unreliable, women's sexuality as dangerous and impure, and motherhood as a requirement for a complete identity. These constructions are particularly dangerous in Young Adult literature and particularly inspirational in fanfiction.
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Andrade, Arancibia Ricardo. "Una tesina Freak: "Carnaval tras bambalinas : para una configuración global del monstruo"." Tesis, Universidad de Chile, 2009. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/109810.
Full text
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Bleicher, Taís. "Arte e psicanálise : dos usos freudianos da arte à arte como terapêutica." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2007. http://repositorio.unb.br/handle/10482/3099.
Full textAbstract:
Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Psicologia, Departamento de Psicologia Clínica, 2007.Submitted by Fabrícia da Silva Costa Feitosa (fabriciascf@gmail.com) on 2010-01-11T18:04:56Z No. of bitstreams: 1 2007_TaisBleicher.pdf: 1119555 bytes, checksum: 025f102be89548a56e120322246a753d (MD5)
Approved for entry into archive by Carolina Campos(carolinacamposmaia@gmail.com) on 2010-01-11T18:39:40Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2007_TaisBleicher.pdf: 1119555 bytes, checksum: 025f102be89548a56e120322246a753d (MD5)
Made available in DSpace on 2010-01-11T18:39:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2007_TaisBleicher.pdf: 1119555 bytes, checksum: 025f102be89548a56e120322246a753d (MD5) Previous issue date: 2007-05-25
A relação da arte com a psicanálise é próxima desde os primórdios da última. A sociedade em que viveu o criador da psicanálise, Sigmund Freud, atribuía um forte valor à produção artística, assim como ele próprio. As produções artísticas foram entendidas como manifestações do Inconsciente, assim como os atos falhos e os sonhos. Portanto, a arte teve diversos usos entre os psicanalistas: como ilustração; como possibilidade de validação de descobertas clínicas; como elemento para a realização de psicobiografias; como forma de favorecer a associação livre, entre outros. A retomada desse percurso freudiano, de forma breve por diversos artigos relacionados à arte, e especificamente, nos artigos “Delírios e Sonhos na Gradiva de Jensen” e “Leonardo da Vinci e uma lembrança da sua infância” permite demonstrar esses usos e refletir sobre os mecanismos psíquicos da criação artística, pensados metapsicologicamente. O estudo do romance “López e eu”, de Carlos Cañeque, permite discutir sobre como podem ser pensadas a arte, a criatividade e o processo de criação artística, para refletir sobre a questão: é possível lançar mão do recurso artístico visando um tratamento psicanalítico? Entendemos que sim, respeitando o caráter de especificidade de cada sujeito no que diz respeito a se é possível ou não se beneficiar do uso da arte como técnica para um tratamento psicanalítico. _________________________________________________________________________________________ ABSTRACT
The relationship of art with psychoanalysis has been close since the first years of the latter. The society where the creator of psychoanalysis, Sigmund Freud, lived attributed great value to artistic production, and so did he. Artistic productions were understood as manifestations of the Unconscious as well as faulty actions and dreams. Thus, art had several uses among psychoanalysts: as illustration; as an element for the realization of psycho biographies; as a form of benefiting the free association, among others. The retaking of this Freudian course, in a brief form, by several articles related to art, and specifically, in the articles “Delírios e sonhos na Gradiva de Jensen” and “Leonardo da Vinci e uma lembrança de sua infância” permits to demonstrate these uses and think about the psychic mechanisms of the artistic creation, considered metapsychologically. The study of the novel “López e eu”, by Carlos Cañeque, permits to discuss how art, creativity and the process of artistic creation can be thought in order to consider the question: is it possible to make use of the artistic resource aiming a psychoanalytic treatment? We think so since the character of each subject is respected in what concerns if it is possible or not to benefit from the use of art as a technique for a psychoanalytic treatment.
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Abuhab, Flávio Antonio [UNESP]. "A arte não esquece a arte: aproximação : apropriação e citação em arte." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2013. http://hdl.handle.net/11449/86973.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0
Previous issue date: 2013-09-27Bitstream added on 2014-06-13T18:47:59Z : No. of bitstreams: 1
abuhab_fa_me_ia.pdf: 1914301 bytes, checksum: f7dfae9dbfde76d56efa1ddaa5186a82 (MD5)Este texto é um relato sobre duas experiências realizadas durante minha permanência no Programa de Pós Graduacão do Instituto de Artes da Universida de Estadual Paulista, onde pude desenvolver dois trabalhos práticos e relacionados com disciplina ministrada por meu orientador: Práticas Contemporâneas da Instalação e Site Specific. No primeiro, um projeto de Site Specific tendo como referência as paisagens litorâneas do pintor Benedicto Calixto. Já no outro trabalho, uma Instalação apresentada na Galeria do Instituto de Artes e que homenageia o artista plástico Nelson Leirner. Ambos são resultado de minha pesquisa sobre apropriação, citação e autoria na arte, e estabelecendo conexões poéticas com a História da Arte.
This paper is a report on two experiments performed during my stay in the graduate program of the Art Institute of São Paulo State University, where I developed two projects and related subject taught by my mentor: Contemporary Practices Installation and Site Specific. In the first, a draft site specific with reference to the landscapes coastal painter Benedicto Calixto. In the other work, an installation presented at the Institute of Arts Gallery and honors the artist Leirner. Both are the result of my research on ownership, citation and authorship in art, poetry and establishing connection with History of Art.
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Abuhab, Flávio Antonio 1957. "A arte não esquece a arte : aproximação : apropriação e citação em arte /." São Paulo, 2013. http://hdl.handle.net/11449/86973.
Full textAbstract:
Orientador: José Paiani SpaniolBanca: Agnus Valente
Banca: Marcos Rizolli
Resumo: Este texto é um relato sobre duas experiências realizadas durante minha permanência no Programa de Pós Graduacão do Instituto de Artes da Universida de Estadual Paulista, onde pude desenvolver dois trabalhos práticos e relacionados com disciplina ministrada por meu orientador: Práticas Contemporâneas da Instalação e Site Specific. No primeiro, um projeto de Site Specific tendo como referência as paisagens litorâneas do pintor Benedicto Calixto. Já no outro trabalho, uma Instalação apresentada na Galeria do Instituto de Artes e que homenageia o artista plástico Nelson Leirner. Ambos são resultado de minha pesquisa sobre apropriação, citação e autoria na arte, e estabelecendo conexões poéticas com a História da Arte.
Abstract: This paper is a report on two experiments performed during my stay in the graduate program of the Art Institute of São Paulo State University, where I developed two projects and related subject taught by my mentor: Contemporary Practices Installation and Site Specific. In the first, a draft site specific with reference to the landscapes coastal painter Benedicto Calixto. In the other work, an installation presented at the Institute of Arts Gallery and honors the artist Leirner. Both are the result of my research on ownership, citation and authorship in art, poetry and establishing connection with History of Art.
Mestre
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Acuti, Isabelle. "Le monstre dans l'art de 1950 à nos jours." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010532.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une approche du monstre comme énigme au travers du travail de différents artistes qui sont, par ordre alphabétique Acuti, Francis Bacon, Dado, Gary Hill, Jean Rustin et Velickovic et qui ne saurait être confondu avec celui de Botero, Dali et Niki de Saint Phalle chez qui le monstre est symbole. L'énigme interroge sans jamais définir, alors que le symbole contient la réponse. Le monstre comme énigme est un élément concret d'interrogation, il pose la question des origines de l'homme, celle de son identité présente et de son devenir, il questionne sur ce qu'est la condition humaine aujourd'hui. Différents thèmes y sont abordés tels que le malaise et l'inquiétude, l'obscurité et le flou, l'obsession et le voyeurisme, l'obscénité, le débordement et l'explosion, la déformation et la défiguration, ainsi que le morcellement et la décomposition. Réunis sous le terme générique de de figuratifs, ces artistes redéfinissent l'art au travers d'œuvres figuratives qui de 1950 à aujourd'hui, responsabilisent l'artiste et le spectateur et abordent l'idée de la liberté sous un nouvel angle qui vivifie l'histoire de l'art plus que jamais. Une distinction est faite entre le monstre énigmatique sujet et le monstre symbolique objet. Dans ce sens ou le premier interroge pour créer une dynamique de réflexions et de réactions alors que le second répond et dès lors, nie toute possibilité de suppositions en utilisant différents axes tels que la caricature et l'humour, l'utilisation de codes et de la répétition et enfin les couleurs et les jeux. Dans ces œuvres, il est question de représentation presque universelle alors que dans celles des defiguratifs, il s'agit d'agir de façon individuelle, ou l'explication n'a pas sa place, ou il est question davantage d'excitation des sens plus que du sens. Dans les unes, une pétrification s'opère qui n'a pas lieu dans celles qui traitent du monstre comme énigme, interrogeant sans cesse, réactualisant toujours les questions primordiales qui sont celles d'une humanité en quête d'identité.
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Freire, Rafael Leite. "O corpo alien?gena no entre-lugar m?dias e artes: uma an?lise das personagens de Jornada nas Estrelas." PROGRAMA DE P?S-GRADUA??O EM ARTES C?NICAS, 2016. https://repositorio.ufrn.br/jspui/handle/123456789/21729.
Full textAbstract:
Submitted by Automa??o e Estat?stica (sst@bczm.ufrn.br) on 2017-01-13T12:34:55Z
No. of bitstreams: 1
RafaelLeiteFreire_DISSERT.pdf: 5587232 bytes, checksum: af7254b0e2cbb0b57a16d93d8d90d36e (MD5)Approved for entry into archive by Arlan Eloi Leite Silva (eloihistoriador@yahoo.com.br) on 2017-01-23T16:06:21Z (GMT) No. of bitstreams: 1 RafaelLeiteFreire_DISSERT.pdf: 5587232 bytes, checksum: af7254b0e2cbb0b57a16d93d8d90d36e (MD5)
Made available in DSpace on 2017-01-23T16:06:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 RafaelLeiteFreire_DISSERT.pdf: 5587232 bytes, checksum: af7254b0e2cbb0b57a16d93d8d90d36e (MD5) Previous issue date: 2016-03-28
Este trabalho tem como objetivo geral compreender as continuidades e descontinuidades hist?ricas na representa??o dos corpos monstruosos/alien?genas no di?logo entre a linguagem televisiva, teatral e cinematogr?fica. Procuro, assim, o entre-lugar que o corpo transversaliza nos espa?os acerca dessas linguagens com base no seriado Jornada nas Estrelas dos anos 1960, no projeto de teatro de rua ?Trek in The Park? (2009-2013), e no filme hom?nimo ao seriado (2009). Nesses tr?s objetos art?sticos-midi?ticos se verificou uma mudan?a na percep??o ao corpo monstruoso. No decorrer da hist?ria, esse corpo foi visto em produ??es art?sticas variadas, como a representa??o do feio, e produtor dos sentidos de medo, constrangimento e riso. No corpus de an?lise pressuponho uma mudan?a ao olhar esses corpos na contemporaneidade, por se tratar de um per?odo no qual se assiste a um maior protagonismo de minorias, a exemplo de gays, negros e mulheres, e ainda maior visibilidade do corpo monstruoso - agora gerador de identifica??o positiva - nos ?mbitos da performance e da cena em geral. Portanto, os objetivos espec?ficos s?o: percorrer historicamente as concep??es de corpo monstruoso, relacionar as concep??es de corpo na contemporaneidade, analisar a produ??o de sentidos e o investimento pol?tico nos corpos alien?genas. Para tanto, o trajeto te?rico-metodol?gico se constitui por meio do movimento interic?nico proposto por Courtine (2013), o qual se refere a imagens que est?o ligadas ? mem?ria interna (lembran?as) e externa (diversas imagens visualizadas). Tal como ao conceito de Dispositivo, de Foucault (1979), entendido como a rede que interliga discursos, institui??es, proposi??es filos?ficas ou morais, enunciados cient?ficos, etc. Assim como o conceito ampliado e atualizado por Agamben (2009). Analiso, pois, dois epis?dios de Jornada nas Estrelas encenados tamb?m pela companhia Teatral ?Trek in the Park: Tempo de Loucura? e ?A Caminho para Babel?, procurando de forma aprofundada debater a respeito do corpo dos Vulcanos e seu gestual. Por fim, concluo o personagem Spock como controverso e com ares de anti-her?i.
This study aims to understand the continuities and discontinuities in the historical representation of the monstrous / alien bodies in the dialogue among the television, theatrical and cinematic language, seeking thus the betweenplace distance that goes along the body in a transversal direction in the spaces between these languages based on the Star Trek television series of the 1960s, the street theater project "Trek In The Park" (2009-2013), and the eponymous to the show, the film of (2009). These three artistic-media objects have been a change in the perception of the monstrous body. Down through history, this body was seen in various artistic productions as representing the ugly and producer of fear of felt, embarrassment and laughter. The analysis corpus presupposes a change to look at these bodies in contemporary times, because it is a period in which we are witnessing a major role of minorities, such as gays, blacks and women, and greater visibility of the monstrous body - now a generator of positive identification - in the areas of performance and the overall scene. Therefore, the specific objectives are: to go historically through the monstrous body of conceptions, to relate the concepts of body in contemporary times, and to analyze the production of senses and political investment in alien bodies. Thus, the theoretical and methodological path is constituted through intericonic movement proposed by Courtine (2013), which refers to images that are linked to the internal memory (memories) and external (various images viewed). As the concept of device, of Foucault (1979), understood as the network that interconnects speeches, institutions, philosophical or moral propositions, scientific statements, etc. As well as the expanded and updated concept by Agamben (2009). Thus, I analyze, two episodes of Star Trek also staged by the Theatre Company "Trek in the Park: Amok Time" and "Journey to Babel", looking in depth to debate about the body of Vulcan and his gestual. Finally, I conclude the character Spock as controversial and with anti-hero characteristics.
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Chagas, Marcelo Luiz dos Santos [UNESP]. "Arte pública: fundamentos do discurso público da Arte." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2006. http://hdl.handle.net/11449/86846.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0
Previous issue date: 2006-03Bitstream added on 2014-06-13T18:49:07Z : No. of bitstreams: 1
chagas_mls_me_ia.pdf: 915219 bytes, checksum: d601eee135e7d3d68f9e91654d4d8c9c (MD5)Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
O trabalho procura refletir sobre as condições de validação do discurso da Arte destinada aos espaços públicos. O chamado espaço público de convívio encarna a contradição dos interesses entre sujetividade, capital e estado, tornando esse ambiente ideologicamente tenso e descontínuo. Discutir sobre a validez social de uma obra de arte instalada em lugar público, além de investigar os procedimentos conceituais e poéticos dos artistas, representa a reflexão sobre a tensão do conceito de público, da sua materialização geográfica, política e histórica e sobre a formação de uma opinião pública que confere - ou não - essa validez.
This research reflects upon the conditions of validation of the discourse of Art destined to public spaces. The so called public space of living incarnates interests contradictions between subjectivity, capital and sate, making this environment ideologically tense and discontinuos. Arguing about social validness of a work of art installed in a public spot, beyond investigating conceptual and poetical proceedings of artist, represents refleting about the tension of the concept of public. its geographical, political and historical materialization, and about the formation of a public opinion that confers - or not - this validness.
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Weizmann, Eliane [UNESP]. "Arte@Tempo: as temporalidades da arte na rede." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2006. http://hdl.handle.net/11449/87004.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0
Previous issue date: 2006Bitstream added on 2014-06-13T19:47:39Z : No. of bitstreams: 1
weizmann_e_me_ia.pdf: 1655401 bytes, checksum: 11293a6ceb67f15b51407a0c65f4c3ae (MD5)Com o advento do computador, da internet e da web, ou seja, das mídias digitais, novos paradigmas temporais surgiram e uma nova relação espaço-tempo se impôs. Nessa dissertação analisamos as potencialidades temporais suscitadas pelas novas mídias e o seu desenvolvimento especificamente na arte criada com a rede mundial de computadores. Buscamos na história da arte referências da representação do tempo, abordando desde a impossibilidade da pintura de mostrar a passagem do tempo até as pesquisas de obras cinéticas que fizeram uso de mecanismos para assumir seu movimento transformativo em tempo real. As tecnologias e a interdisciplinaridade tiveram profunda influência nesse processo com a fotografia, o cinema, o vídeo, o computador, dentre outros, e as parcerias principalmente entre artistas e engenheiros. O mapeamento das diversas classificações de tempo que alguns pesquisadores pontuaram para determinadas mídias deram o subsídio necessário para introduzir a questão do tempo na arte digital. Estabelecemos nesse estudo um recorte do tema das artes digitais direcionando a pesquisa para os trabalhos realizados na web e com a internet. A partir de análises de trabalhos selecionados, entrevistas com os autores dessas obras e, ainda, com a apresentação de uma experiência prática da própria pesquisadora, surgiram reflexões a respeito do tempo real, tempo de conexão e visualização, as noções de efêmero e permanência, a desterritorialização, experiência do tempo e simultaneidade. Com essas informações pudemos fazer associações dos conceitos e das práticas que envolvem essas produções, procurando criar um discurso mais específico para a temporalidade aqui pesquisada.
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Chagas, Marcelo Luiz dos Santos. "Arte pública : fundamentos do discurso público da Arte /." São Paulo : [s.n.], 2006. http://hdl.handle.net/11449/86846.
Full textAbstract:
Orientador: João J. SpinelliResumo: O trabalho procura refletir sobre as condições de validação do discurso da Arte destinada aos espaços públicos. O chamado espaço público de convívio encarna a contradição dos interesses entre sujetividade, capital e estado, tornando esse ambiente ideologicamente tenso e descontínuo. Discutir sobre a validez social de uma obra de arte instalada em "lugar público", além de investigar os procedimentos conceituais e poéticos dos artistas, representa a reflexão sobre a tensão do conceito de "público", da sua materialização geográfica, política e histórica e sobre a formação de uma opinião pública que confere - ou não - essa validez.
Abstract: This research reflects upon the conditions of validation of the discourse of Art destined to public spaces. The so called public space of living incarnates interests contradictions between subjectivity, capital and sate, making this environment ideologically tense and discontinuos. Arguing about social validness of a work of art installed in a "public spot", beyond investigating conceptual and poetical proceedings of artist, represents refleting about the tension of the concept of "public". its geographical, political and historical materialization, and about the formation of a public opinion that confers - or not - this validness.
Mestre
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Weizmann, Eliane. "Arte@Tempo : as temporalidades da arte na rede /." São Paulo : [s.n.], 2006. http://hdl.handle.net/11449/87004.
Full textAbstract:
Orientador: Milton Terumitsu SogabeBanca: Giselle Beiguelman
Banca: Silvia Laurentiz
Resumo: Com o advento do computador, da internet e da web, ou seja, das mídias digitais, novos paradigmas temporais surgiram e uma nova relação espaço-tempo se impôs. Nessa dissertação analisamos as potencialidades temporais suscitadas pelas novas mídias e o seu desenvolvimento especificamente na arte criada com a rede mundial de computadores. Buscamos na história da arte referências da representação do tempo, abordando desde a impossibilidade da pintura de mostrar a passagem do tempo até as pesquisas de obras cinéticas que fizeram uso de mecanismos para assumir seu movimento transformativo em tempo real. As tecnologias e a interdisciplinaridade tiveram profunda influência nesse processo com a fotografia, o cinema, o vídeo, o computador, dentre outros, e as parcerias principalmente entre artistas e engenheiros. O mapeamento das diversas classificações de tempo que alguns pesquisadores pontuaram para determinadas mídias deram o subsídio necessário para introduzir a questão do tempo na arte digital. Estabelecemos nesse estudo um recorte do tema das artes digitais direcionando a pesquisa para os trabalhos realizados na web e com a internet. A partir de análises de trabalhos selecionados, entrevistas com os autores dessas obras e, ainda, com a apresentação de uma experiência prática da própria pesquisadora, surgiram reflexões a respeito do tempo real, tempo de conexão e visualização, as noções de efêmero e permanência, a desterritorialização, experiência do tempo e simultaneidade. Com essas informações pudemos fazer associações dos conceitos e das práticas que envolvem essas produções, procurando criar um discurso mais específico para a temporalidade aqui pesquisada.
Mestre
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SOUZA, Leonilia Gabriela Bandeira de. "Arte Postal: perspectivas de uma arte em rede." Universidade Federal de Pernambuco, 2010. https://repositorio.ufpe.br/handle/123456789/3225.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2014-06-12T16:29:06Z (GMT). No. of bitstreams: 2
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license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5)
Previous issue date: 2010A pesquisa tem como objetivo investigar um movimento de arte de âmbito internacional, denominado Arte Postal e sua relação com a comunicação baseada no conceito de rede, além de seu desdobramento na internet. Considerando relevante a participação do espectador na produção artística, a pesquisa contempla o contexto histórico e tecnológico na produção de artistas em momentos diferentes da história, principalmente no que concerne a produção de Arte Postal. Tendo como característica inicial a comunicação indiscriminada entre artistas do mundo inteiro, utilizando, para isso, o sistema de correios, os próprios artistas postais logo passaram a incorporar pessoas anônimas em suas listas o que alimentava e estimulava, cada vez mais, o crescimento de uma rede. A interação com as novas tecnologias, inclusive com espaços midiáticos, fortalecem o viés comunicacional do movimento de Arte Postal, e para tanto trabalhamos com autores que refletem e investigam esse espaço intermediário entre arte e tecnologia, além de autores da comunicação. Dessa forma, a pesquisa se constrói num fluxo contínuo de investigação entre as áreas da comunicação e da arte/tecnologia que compreendemos ser a forma possível de discussão do tema proposto. Para tanto, analisamos alguns trabalhos de artistas postais que tomamos como exemplo dentro do vasto universo da Arte Postal, que nos serviram como instrumentos de mapeamento dos estímulos e trajetórias desse circuito
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Diederichsen, Maria Cristina Ratto. "Pesquisar com a arte: devir-pesquisa, devir-arte." reponame:Repositório Institucional da UFSC, 2018. https://repositorio.ufsc.br/handle/123456789/190908.
Full textAbstract:
Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Ciências da Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação, Florianópolis, 2018.A presente tese visa a afirmar o potencial da arte enquanto uma via de pesquisa acadêmica capaz de propiciar modos alargados de pensamento e ação, concebendo a criação e a experiência como elementos centrais do processo investigativo. Na perspectiva que elege, a tese entende a pesquisa com a arte não tanto como uma elaboração epistemológica, mas como um dispositivo de ações ontológicas: a composição de uma estética da existência, de um devir-pesquisa, de um devir-arte. No momento contemporâneo, em que a humanidade se confronta com a possibilidade de estar causando sua própria extinção, a tese apresenta a força do ato poético de perscrutar caminhos outros, desestabilizando o lugar comum do pensamento, propiciando um acreditar na possibilidade do mundo (Deleuze). A Tese sublinha a importância da arte na formação de pesquisadores e na efetivação de uma educação enquanto educere, permitindo uma humanidade por-vir. A pesquisa, de caráter ensaístico, é organizada como uma tese-parangolé (Oiticica), propondo operações discursivas bricoladoras e lúdicas, visando a produzir deslocamentos e intensificações da potência de vida, articulando, na educação, tanto saberes quanto não saberes. A tese revisita a obra de alguns autores da metodologia conhecida como Pesquisa Baseada em Arte, enfatizando a contribuição dos desafios colocados por Jan Jagodzinski e Jason Wallin. A tese propõe ainda navegações teórico-poéticas por diferentes águas: pelos gestos transgressores nietzscheanos, que situam a arte no centro da vida; pelos processos foucaultianos de subjetivação, que desdobram liberdades e práticas de si; pelo olhar noturno de Blanchot, que vislumbra a experiência-do-fora; pela in-fância ética agambeniana que favorece experiências; pelo pensamento desviante de Deleuze, que se espalha em multiplicidades produzindo inícios. E propõe, especialmente, encontros com você, leitor. E com quem mais chegar.
Abstract : The objective of this thesis is to affirm the potential of art as a means for academic research that is capable of propitiating broad modes of thinking and action, conceiving creation and experience as central elements of the investigative process. The thesis understands research with art not so much as an epistemological elaboration, but as a dispositif for ontological actions: the composition of an aesthetic of existence, of a become-research, of a become-art. At the contemporary moment, when humanity faces the possibility that it is causing its own extinction, the thesis affirms the strength of the poetic act for scrutinizing other paths, destabilizing the commonplace of thought, propitiating a believe in the possibility of the world (Deleuze). The thesis highlights the importance of art in the education of researchers and in the realization of an education as educere, which makes possible a humanity to come. This essay-like research is organized as a parangolé thesis (Oiticica), proposing ludic discursive operations and bricolages, aiming to produce displacements and an intensification of the potential for life, articulating, in education, forms of knowledge and non-knowledge. The thesis revisits the work of some authors of the methodology known as Arts- Based Research, emphasizing the contribution of the challenges raised by Jan Jagodzinski and Jason Wallin. The thesis also proposes theoretical-poetic navigations through different waters: through the transgressive Nietzchean gestures, which locate art at the center of life; by the Foucaultian processes of subjectivation, which unfurl liberties and practices of self; through the nocturnal look of Blanchot, which envisions the outside-experience; through the Agambenian ethical childhood that is propitious to experiences; and through the deviant thinking of Deleuze, which spreads out in multiplicities to produce beginnings. It especially proposes encounters with you, the reader. And with those to come.
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Vida, Marco Girolamo Espírito Santo Arnaldo M. "Arte poética /." Lisboa : Centro de estudos clássicos da Universidade de Lisboa, 1990. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35681464b.
Full text
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Freitas, Artur. "Contra-arte." reponame:Repositório Institucional da UFPR, 2012. http://hdl.handle.net/1884/27151.
Full textAbstract:
RESUMO
De saída, uma pergunta: como, eventualmente, a arte brasifeira de vanguarda reagiu - em termos estéticos e ideológicos - frente às contradições culturais dos ditos "anos de chumbo" do regime militar? Partindo dessa questão inicial, esta tese procurou desenvolver todo o tempo a idéia de que não é ausente de sentidos históricos a notável coincidência cronológica que existe entre os primeiros anos de vigência do Ato Institucional n° 05 (c. 1969-1973) e o surgimento de uma produção artística conceituai ou conceitualista, ela mesma voltada a problematizar a relação entre arte e realidade - aí incluídas, claro, tanto a "realidade" fenoménica quanto a social. Assim, buscando caracterizar as principais intenções estéticoideológicas do conceitualismo no Brasil e visando a interpretação conjunta daquilo a que o crítico Frederico Morais batizou, já na época, de "contra-arte" ou "arte de guerrilha", esta pesquisa optou pela análise de algumas obras-chave dos artistas Antonio Manuel, Cildo Meireles e Artur Barrio. palavras-chave: arte brasileira, arte conceituai, conceitualismo, arte e política, arte de guerrilha, Antonio Manuel, Artur Barrio, Cildo Meireles, Frederico Morais
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Rodrigues, Marcelo Andrade. "Arte digital." Master's thesis, Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, Universidade Nova de Lisboa, 2012. http://hdl.handle.net/10362/8734.
Full textAbstract:
Dissertação apresentada para cumprimento dos requisitos necessários à obtenção do grau de Mestre em História da Arte Contemporâneaaceleração tecnológica tende a reduzir cada vez mais o espaço e o tempo dos processos que herdámos da história.” Emerge, deste modo, uma nova plasticidade da experiência, como se todas as diferenças se tornassem numa diferença de grau, num continuum criado pela codificação digital”9. Inserir um travelling panorâmico nesta hipotética narrativa, significa questionar convivências, padrões sociais, assim como toda a tecnologia inerente que “tende a tornar-se num imenso automatismo de repetição, cujo perigo está em dispensar o próprio humano, que pôs em movimento esta estrutura”10. Este estudo procura identificar alguns destes perigos, assim como o contexto artístico emergente. Importa também considerar um dos artistas nativo da produção nacional, como se de um plano de pormenor se tratasse, não descorando elementos do contexto internacional como num plano geral. A debutar, a importância das aplicações digitais específicas sob as quais o phatos artístico contemporâneo se faz depender.
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Edlund, Isac. "Skräcken som lyser igenom bilden : Analys av bildkomponenter i John Carpenters The Thing." Thesis, Högskolan Dalarna, Bildproduktion, 2018. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:du-29290.
Full textAbstract:
Skräck har länge varit en fascinerande genre inom filmmediet. Alla har sin egna tolkning av vad skräck är för dem men många skräckfilmer är allmänt accepterade som skrämmande. En sådan skräckfilm är John Carpenters The thing. Filmen blev universellt ratad när den kom ut men har genom åren fått ett kultfölje. Eftersom filmen är så omtalad har det varit av intresse att undersöka skräckkomponenter den använder. För att avgränsa sig har uppsatsen fokuserat på bildkomposition och ljussättning i filmen. För att förstå filmens olika medel har uppsatsen delat upp analysen i olika stadier av skräck vilka är oro, fruktan, terror, skräck och avsky. Dessa stadier har sedan delats in i tre kapitel där oro och fruktan står för uppbyggnad, terror och avsky står för filmens monster som attackerar och skräck står för reaktion hos karaktärer. Genom denna uppdelning har uppsatsen undersökt hur de olika stadierna i skräck gestaltas med bildkompositioner och ljussättning. De genomgående slutsatserna är att kameraåkningar och olika sorters kontraster används för att försöka inge publiken i skräck. Utöver det så återanvänds olika bildkompositioner och ljussättningar för att återkoppla scener till varandra i ett försök att stärka de senare scenerna med vad som varit tidigare. Detta resultat sätts slutligen i ett perspektiv om hur det kan användas vilket är som potentiellt tillvägagångssätt för att skapa skräck samt grund för vidare studier om ämnet.
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Ferri, Gandía Manuel. "Arquetipos imaginarios. Las claves del cine fantástico de aventuras de Ray Harryhausen." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2016. http://hdl.handle.net/10251/61977.
Full textAbstract:
[EN] Ray Harryhausen (1920-2103) was the creator of the animation special effects of The Seventh Voyage of Sinbad (1958), Jason and the Argonauts (1964) or Clash of the Titans (1981), but his share in the movies went further, suggesting arguments, designing scenes and animating creatures. For that reason he is considered not only an animator, but the soul of the films in which he participated.
This research attempts to analyze the reasons why we believe that Ray Harryhasusen is one of the greatest fantasy film creators of the history, an universal and unique craftsman, as Méliès and Walt Disney. Through a tour of his life and work focus on people and circumstances that we have considered relevant to his sentimental education and training as an artist, whether through family or professional relationships, or through movies like King Kong or such the works of Gustave Doré or Charles R. Knight.
The most important thing that has transpired in his films has been the creatures that starred in, real stars that relieved the human actors into the background. All those creations emerged from the author's own mind and reflect his personality and love for fantasy and the supernatural through the purely craftsmanship technic like Dynamation. This gallery is made up of dinosaurs, mythological animals, aliens, legendary monsters and all sorts of creatures, not monsters, arising from his imagination and encouraged by his own hand. In this work will treat each of them, analyzing their origins, design, movement, character and influence in later works of other authors or fields, meeting with style striking and revealing similarities of style and design. This rerearch, in sum, is a love letter to Harryhausen.[ES] Ray Harryhausen (1920-2103) fue el creador de los efectos especiales de animación de Simbad y la princesa (1958), Jasón y los argonautas (1964) o Furia de titanes (1981), pero su participación en las películas fue más allá, sugiriendo argumentos, diseñando escenas y animando las criaturas. Por esa razón se le considera no solo un animador, sino el alma de las películas en las que participó. Este trabajo trata de analizar las razones por las que consideramos que Ray Harryhasusen es uno de los más grandes creadores de fantasía de la historia del cine, un artesano universal e irrepetible, como Méliès y Walt Disney. Mediante un recorrido por su vida y obra se hace especial atención en las personas y circunstancias que hemos considerado relevantes para su educación sentimental y formación como artista, ya sean a través de relaciones personales, familiares o profesionales, películas como King Kong u obras como las de Gustavo Doré o Charles R. Knight. Lo que más ha trascendido de sus películas ha sido las criaturas que las protagonizaron, auténticas estrellas que relevaron a los actores a un segundo plano. Todas aquellas creaciones surgieron de la propia mente del autor y reflejaron su personalidad y amor por la fantasía y lo sobrenatural a través de una técnica puramente artesanal como la Dynamation. Dicha galería está formada por dinosaurios, animales mitológicos, alienígenas, monstruos legendarios y toda clase de criaturas, que no monstruos, surgidas de su imaginación y animadas por su propia mano. En este trabajo daremos cuenta de cada uno de ellos, analizando su procedencia, diseño, movimiento, carácter e influencias en obras posteriores de otros autores y otros campos, encontrándonos con semejanzas de estilo y diseño sorprendentes y reveladoras. Este trabajo, en suma, es una carta de amor a Harryhausen.
[CAT] Ray Harryhausen (1920-2103) va ser el creador dels efectes especials d'animació de Simbad y la pricesa (1958), Jasón y los argonautas (1964) o Furia de titanes (1981), però la seva participació en les pel·lícules va ser més enllà, suggerint arguments, dissenyant escenes i animant les criatures. Per eixa raó se li considera no sols un animador, sinó l'ànima de les pel·lícules en què va participar. Este treball tracta d'analitzar les raons per les quals considerem que Ray Harryhasusen és un dels més grans creadors de fantasia de la història del cine, un artesà universal i irrepetible, com Méliès i Walt Disney. Per mitjà d'un recorregut per la seva vida i obra es fa especial atenció en les persones i circumstàncies que hem considerat rellevants per a la seva educació sentimental i formació com a artista, ja siguen a través de relacions personals, familiars o professionals, pel·lícules com King Kong o obres com les de Gustavo Doré o Charles R. Knight. El que més hi ha sagaç de les seves pel·lícules ha sigut les criatures que les van protagonitzar, autèntiques estreles que van rellevar els actors a un segon pla. Totes aquelles creacions van sorgir de la pròpia ment de l'autor i van reflectir la seva personalitat i amor per la fantasia i el sobrenatural a través d'una tècnica purament artesanal com la Dynamation. La dita galeria està formada per dinosaures, animals mitològics, alienígenes, monstres llegendaris i quasevol classe de criatures, que no monstres, sorgides de la seva imaginació i animades per la seva pròpia mà. En este treball donarem compte de cada un d'ells, analitzant la seva procedència, disseny, moviment, caràcter i influències en obres posteriors d'altres autors i altres camps, trobant-nos amb semblances d'estil i disseny sorprenents i reveladores. Aquest treball, en suma, és una carta d'amor a Harryhausen.
Ferri Gandía, M. (2016). Arquetipos imaginarios. Las claves del cine fantástico de aventuras de Ray Harryhausen [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61977
TESIS
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Luna, Polo Carolina. "El arte antes del arte : la posibilidad de un arte ancestral a partir de la filosofía analítica del arte de Arthur Danto." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2018. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/13368.
Full textAbstract:
La presente investigación tiene como objetivo determinar los alcances y las limitaciones de la filosofía del arte
de Arthur Danto al momento de explicar la ontología artística de los objetos ancestrales no occidentales, con el
propósito de evaluar si es que esta es relevante para el entendimiento de una posible ontología artística de los
objetos de la América Ancestral. Inicialmente, se parte de la hipótesis de que la propuesta de Danto podría sugerir
ciertos recursos teóricos para llevar esto a cabo, sin embargo, no será lo suficientemente contundente. Así, la
investigación se divide en dos capítulos. En un primer capítulo, se examinan los conceptos fundamentales de la
filosofía del arte de Arthur Danto según lo expuesto por el filósofo en su obra La transfiguración del lugar
común. Los conceptos que se examinan en esta sección son: el problema de los homólogos indiscernibles; la
cualidad de representación-expresión en las obras de arte y, finalmente, la interpretación de las mismas. En el
segundo capítulo, se examinan los conceptos expuestos en la obra de Arthur Danto titulada Arte y artefacto en
África, analizando la manera en la que se plantean las cuestiones desarrolladas en el capítulo anterior respecto
de la ontología del arte propuesta en La transfiguración del lugar común. Así, se realiza un análisis crítico de la
manera en la que Danto aborda el tema de los homólogos indiscernibles, la cualidad de representación-expresión
en las obras de arte y la interpretación de las mismas en el contexto del arte ancestral no occidental. La
investigación concluye que los recursos utilizados por Danto para probar la ontología artística de los objetos
ancestrales no occidentales (y, con ello, la posibilidad de un arte de la América Ancestral) son insuficientes,
pues, a pesar de sus pretensiones de universalidad recaen en el eurocentrismo.Tesis
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Santos, Jorge António Pereira de Sousa. "O lugar da arte-museu, arquitectura, arte e sociedade." Master's thesis, Instituições portuguesas -- UTL-Universidade Técnica de Lisboa -- -Faculdade de Arquitectura, 2002. http://dited.bn.pt:80/29523.
Full text
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Buelau, Renata Monteiro. "Plataforma Arte, Estação Clínica: fronteiras entre arte e vida." Universidade de São Paulo, 2013. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/93/93131/tde-18122013-184631/.
Full textAbstract:
Desenvolver reflexões sustentadas na possibilidade do estranhamento acerca da adjacência da arte com a vida que partem de diferentes vivências clínicas circunscritas pela prática como terapeuta ocupacional, mas a extravasam por todos os lados. Esse é o enunciado desta pesquisa. A escrita é amparada na construção de narrativas, que intentam produzir enunciados coletivos e favorecer a constituição de um plano de duplo devir, onde ao mesmo tempo em que recria o vivido, o próprio narrador cria-se a si próprio. A seleção das cenas para se colocar em jogo inquietações e encantamentos advindos dos pontos de contato entre uma prática clínica e certos acontecimentos estéticos e/ou artísticos parte de achados da memória que emergem em seu caráter violento e indecifrável, que obriga a vida a transgredir-se a si própria e criar novos campos de alastramento. A exploração do tema parte de dois lugares de enunciação e ancoragem, apresentados como Plataforma Arte e Estação Clínica. A Plataforma Arte se ocupa de percorrer passagens de estado na história da arte que ajudam a pensar a transitoriedade das certezas sobre a produção estética e sua indissociabilidade com acontecimentos de ordem política e social. A história é pensada a partir do ponto de vista de Walter Benjamin, ou seja, como um discurso que é sempre do colonizador, ao que caberia então escovar a história a contrapelo, buscando uma história menor dentro de uma história maior. Trabalhos de artistas, cenas da experiência como monitora da 27a Bienal de São Paulo Como Viver Junto e da prática profissional são mobilizadas para favorecer a construção de um pensamento contemporâneo da arte, entendido como aquele que, em seu caráter estrangeiro, permite a liberação de novas possibilidades da experiência; a escritura de outras histórias. Essa conceituação aproxima-se inevitavelmente de um posicionamento ético-político, o que justifica sua relevância para a pesquisa. A Estação Clínica, por sua vez, passeia por cenas de atendimentos feitos em Centros de Atenção Psicossocial (CAPS) da cidade de São Paulo e outras advindas de situações cotidianas quaisquer. Os pontos de atenção são aqueles nos quais algo se desencaixa sutilmente do previsto e onde, a despeito das funções institucionalmente designadas, não se sabe mais ao certo quem acompanha quem. Ditos de outros, tais como Barthes, Deleuze, Guattari, Agamben, Blanchot e Walter Mignolo; e conceitos como o silêncio, a delicadeza, o eterno retorno, o acontecimento, a comunidade que vem; comparecem ao longo da pesquisa como amizades que partilham encantos, permitem e acompanham minúsculas conexões que se fazem na tentativa de desobrigar a vida de seus aprisionamentos. Ao invés da linha de chegada, trata-se aqui da declaração e perseguição de um desejo, o qual se delineia a partir do olhar para o que se dá entre elementos estabelecidos e deles desmanda. Trata-se da afirmação da fronteira como lugar onde se pode, eventualmente, experimentar liberações que fortalecem a vida em sua potência de criação de si, e de uma comunidade que vem.This research aims to develop reflections sustained by the feeling of strangeness as a possibility on the contiguity of art and life, from clinical experiences in occupational therapy and the context beyond them. Narratives support the writing process in the attempt of producing collective enunciations and with the purpose of constructing a pattern of double becoming, in which the narrator recreates the experience at the same time that he creates himself. The selection of scenes was based on memory findings in order to reveal inquietudes and delights resulting from points of contact between clinical practice and certain esthetic and/or artistic events. Those memories findings emerge with their violent and undecipherable nature, forcing life to trespass itself and creating new spreading fields. The theme is explored from two points of enunciation and anchorage, presented here as Art Platform and Clinical Station. Art Platform deals with passages of state in History of Art, considering the transience of certainty on esthetic production and its inseparability from political and social events. History is interpreted according to Walter Benjamin, i.e., as a speech that always belongs to the colonialist, what gives us the task to brush history against the grain, looking for a minor history within a major one. Works of art, scenes from the author\'s experience as a staff member of 27th São Paulo Art Biennial How to live together and her professional practice are mobilized towards the production of a contemporary concept of Art, understood by its foreign nature, which allows new possibilities of experience and the writing of new histories. This concept is inevitably linked to an ethical and political point of view, what justifies its importance in this work. Clinical Station, by its turn, encompass scenes from clinical sessions performed by the author at CAPS (Centros de Atenção Psicossocial/ Psychosocial Care Centers) in São Paulo and other scenes from everyday life. The focus is directed to scenes in which something is subtly displaced from what is expected and when, in despite of institutional functions, it is impossible to distinguish who accompanies who. This research includes thoughts of Barthes, Deleuze, Guattari, Agamben, Blanchot and Walter Mignolo; and concepts such as silence, delicacy, eternal return, event, community that comes. They appear throughout the research in the context of friendships that share delight, allow and accompany minuscule connections made in attempt to release life from its imprisonments. Instead of reaching for a finish line, this research aims to declare and search for a desire, outlined from the regard to what happen with and what trespass established elements. It is about affirming boundaries as places where it is possible to experience releases that empower the creation in life itself and of a community that comes.
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Moreno, Paola. "Arte textil y textiles en el arte — esbozo para una historia y definición del arte textil." Tesis, Universidad de Chile, 2012. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/101363.
Full textAbstract:
La tesis Arte textil y textiles en el arte es, tanto un breve resumen de la historia del arte textil, como una revisión crítica de las expresiones plásticas vinculadas a este medio en tanto materialidad y técnica. La complejidad de esta presentación reside en las muchas vinculaciones que el arte textil tiene con disciplinas afines tales como: las artes visuales, la artesanía, el diseño, el patrimonio cultural y temáticas socioculturales como por ejemplo las de género. En este sentido, el de la amplitud de sus bordes, la presente tesis se plantea como una posibilidad de definición y reconocimiento de las características propias del "arte textil" dentro de las artes visuales contemporáneas.
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Thiemer-Sachse, Ursula. "¡Qué arte es comprender el arte ...! : la visión del arte indígena de América por Alejandro de Humboldt." Universität Potsdam, 2006. http://opus.kobv.de/ubp/volltexte/2009/3566/.
Full textAbstract:
Die Sicht, die Alexander von Humboldt von indianischer Kunst hatte, kann man an den Notizen in den Reisetagebüchern erkennen, die dank des unermüdlichen Wirkens von Margot Faak zugänglich sind, und an vielen Bemerkungen in seinen Publikationen. Man kann beobachten, dass der deutsche Gelehrte Probleme hatte, archäologische Objekte des vorspanischen Amerika als Kunstwerke zu verstehen. Ursache dessen war seine humanistische Erziehung, welche die klassische griechisch-römische Antike als ästhetischen Maßstab favorisierte. Dennoch kämpfte er zu Gunsten der Erhaltung derartiger Objekte, die er als historische Monumente charakterisierte.La visión que tuvo Alejandro de Humboldt del arte indígena se la puede conocer por medio de sus notas en los diarios de viaje – que gracias a la laboriosa actividad de Margot Faak son accesibles – y sus publicaciones. Se observa que el erudito alemán tuvo problenas de comprender los objetos arqueológicos de la América prehispánica como piezas de arte, por causa de su educación humanística que favoreció la antigüedad clásica greco-romana como la medida estética. Sin embargo, luchó en favor del mantenimiento de tales objetos caracterizándolos como monumentos históricos.
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Peña, Anaí Haeser. "Vida para a arte e arte para a vida : lugares da educação em arte na constituição subjetiva." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2010. http://repositorio.unb.br/handle/10482/8728.
Full textAbstract:
Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Psicologia, 2010.Submitted by Max Lee da Silva (bruce1415@hotmail.com) on 2011-06-22T21:41:17Z No. of bitstreams: 1 2010_AnaíHaeserPeña.pdf: 4840675 bytes, checksum: d740ac9d446f120bd45cafdfbc142a06 (MD5)
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Esse trabalho investiga como a educação em arte se reflete na constituição subjetiva de pessoas que participaram de projeto social ou artístico-cultural com esse tipo de atividade. Tem como objetivos específicos: identificar os significados construídos por essas pessoas a partir da experiência de educação em arte; analisar as relações entre esses significados e os contextos sócio-culturais de sua produção; contribuir para a reflexão sobre as abordagens baseadas em arte na pesquisa científica. A fundamentação teórica está alicerçada na Psicologia Cultural e Histórico-Social, na compreensão do papel das imagens na construção de significados e sentidos, e na história da educação em arte no Brasil. A fundamentação metodológica é da pesquisa qualitativa, em especial da compreensão da pesquisa como bricolagem e do uso de abordagens artísticas. Participaram dessa pesquisa: 4 entrevistados objeto de estudo de caso, Estela, Flora, Eleutério e Ditirambo; 9 entrevistados que constituíram o pano de fundo da análise dos estudos de caso, FD, JS, PA, WA, PG, CG, RA, GS, JD; 9 coordenadores de projetos sociais e culturais, presentes nas cidades de Brasília (n=2), Taguatinga (n=1), Ceilândia (n=5), Planaltina (n=1); 8 servidores de órgãos governamentais que ofereciam apoio ou incentivo a projetos sociais ou artístico-culturais com atividades de educação em arte. Foram realizadas observações, pesquisa documental, conversas, entrevistas semi-estruturada, entrevista narrativa autobiográfica verbal, entrevista narrativa visual. As informações construídas foram analisadas por meio de metodologias artísticas, como um diário e livro de recortes, construção de um mural, de um conto e de retratos, entre outras estratégias de análise, em busca de temas e significados da educação em arte na constituição subjetiva. Identifiquei duas orientações semióticas das propostas educativas em arte nesses projetos de educação não-formal: (i) voltadas mais para as finalidades estéticas da educação em arte; (ii) voltada para os ganhos secundários ou finalidades instrumentais dessa educação. Foi possível verificar a influência da configuração dos significados atribuídos à arte em cada contexto sobre a forma como os participantes narravam a influência de sua experiência educativa em arte sobre si mesmos. O estudo permite identificar a educação em arte, segundo as narrativas de ex-participantes de projetos artístico-culturais, como um meio de atender à necessidade de criar um conduto permanente para a criação e apreciação artística, uma forma de construir, multiplicar e transformar a si e seu meio, uma forma de inserção social e identificação cultural. As narrativas construídas pelos participantes evidenciaram três orientações semióticas principais de significação da arte: como meio, como modo, ou complemento de vida. O presente estudo também ilustra a fertilidade das abordagens artísticas e do uso de imagens e narrativas visuais para a pesquisa em Psicologia. ___________________________________________________________________________________ ABSTRACT
This dissertation aims at investigating how art education reflects on subjective constitution of people who took part of social or artistic projects with such type of education. The specific objectives are: to identify the meanings constructed by these people from this experience of arte education; to analyze the relation between those meanings and the sociocultural contexts of their production; and to contribute to the reflection about the arts based methodologies in psychological research. The theoretical grounding of this investigation is based on Cultural Psychology and Sociocultural Psychology, and on the understanding of images whole in meaning making, and the history of art education in Brazil. The methodology is grounded on qualitative research, especially on the understanding of research as bricolage, as well as on arts based methodologies. The participants of this investigation were: 4 interviewees object of case studies, Estela, Flora, Eleuterio and Ditirambo; 9 interviewees who were object of context analysis, FD, JS, PA, WA, PG, CG, RA, GS, JD; 9 artistic project coordinators, from the cities of Brasília (n=2), Taguatinga (n=1), Ceilândia (n=5), Planaltina (n=1); and 8 civil servants of government institutions which gave support or funding for social or artistic projects with art education activities. Observations, documental research, conversations, semi-structured interviews, autobiographical narrative interviews and visual narrative interviews were conducted. Analysis was based upon arts based methodologies, specially for the construction of a diary and scrapbook, a pin board, short stories and portraits, among other analysis strategies, for determining the themes and meanings of art education in subjective constitution. I identified two semiotic orientations of art education’s design: (i) concerned with the aesthetic purpose of art education; (ii) concerned with other purposes for art education. It was possible to verify the influence of the sociocultural contexts meanings over the narratives of participants about their art education experience. This study shows that art education is understood as a means for creating a permanent flow for artistic creation and appreciation, a way for constructing, multiplying and transforming, a way for elaborating and expressing ones feelings, as well as a form of social insertion and cultural identification. The narratives of the participants bring into evidence three semiotic orientations for art: as a way of life, as a means for life and as a complement. The present work also illustrates that using arts based methodologies, and images, and visual narratives can contribute to psychological research.