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Dissertations / Theses on the topic 'Museum with live exposition'
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Gresh, Kristen Ann. "The Family of man : histoire critique d'une exposition américaine." Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0132.
Full textAbstract:
En 1955, Edward Steichen organise l'exposition monumentale «The Family of Man» au Museum of Modem Art (MoMA) à New York, qui a été ensuite exposée dans le monde entier sous les auspices de l’United States Information Agency. L'objectif principal de cette thèse est de retracer les arcanes de cette exposition afin de créer un document de référence dévoilant sa nature concrète. Cette démystification de l'exposition a été conçue à partir de témoignages directs de photographes participants recueillis par l'auteur, complétée par un travail d'analyse de documents d'archives inédits. La première partie s'interroge sur les programmes du Musée lors de la Seconde Guerre mondiale qui ont préparé le terrain pour «The Family of Man», sur le personnage de Steichen et sur son rôle de directeur du département de la photographie du MoMA. La deuxième partie remonte aux prémices du projet, afin d'éclaircir les diverses collaborations de Steichen, comme de nombreuses correspondances, des réunions collectives, et un voyage déterminant en Europe. La troisième partie met en lumière les méthodes et les résultats du travail de Steichen, à la fois comme photographe et comme éditeur. A l'appui d'une discussion des sources, notamment journalistiques, les contours du monde de la photographie de presse à l'époque sont esquissés, suivis d'une synthèse de l'exposition et de sa diffusion à l'étranger en plusieurs versions. Ce travail révèle que «The Family of Man», à la fois véritable prouesse de la photographie et arme de propagande, témoigne de toute une chaîne de contacts et de connaissances au sein du monde de la photographie et de la politique, et des croisements entre ces deux mondesIn 1955, Edward Steichen organized the historic exhibition "The Family of Man" at the Museum of Modem Art (MoMA) in New York. Under the auspices of United States Information Agency, it was exhibited throughout the world and gained a mythic status. This dissertation looks beyond that myth, in order to present a reference document with background information not previously examined. It is based on the author's research involving personal interviews with photographers who contributed to the exhibition as well as the analysis of unpublished archival documents. Part 1 explores the MoMA's World War II programs that paved the way for "The Family of Man", Steichen's career and his role as director of the museum's photography department. Part II traces the origins of the project, showing Steichen's various collaborations through a thorough examination of his correspondence, his individual and group meetings with photographers, and, in particular, his decisive trip across Europe. Part III examines the methods and results of Steichen's work, as both photographer and editor. A discussion of the sources of "The Family of Man", mainly photojournalistic, illustrates the contours of press photography at the time followed by a synopsis of the exhibition and its international circulation, in several versions. This dissertation demonstrates how "The Family of Man" was a tour de force in the history of photography because of Steichen's ability to combine his innovative photographic and editing skills that exploited the medium to communicate a political agenda that is a reflection of a complex network of colleagues, friends and acquaintances from the world of photography and of politics
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鄭遠君 and Yuen-kwan Vicky Cheng. "Sceneric city: 'live' Museum in Old Sheung Wan." Thesis, The University of Hong Kong (Pokfulam, Hong Kong), 2002. http://hub.hku.hk/bib/B31986328.
Full text
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Cheng, Yuen-kwan Vicky. "Sceneric city 'live' Museum in Old Sheung Wan /." Hong Kong : University of Hong Kong, 2002. http://sunzi.lib.hku.hk/hkuto/record.jsp?B25954799.
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Boháč, Ivo. "ZOO stavby - architektektura jako okno do přírody Pavilony ekosystémů." Doctoral thesis, Vysoké učení technické v Brně. Fakulta architektury, 2014. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-233269.
Full textAbstract:
Today’s ZOO is varied mosaic of buildings and elements in the whole typological scale. Czech republic is country with affluent history and proceeded structure today‘s zoological gardens and parcs. But comprehensive draft view of solue problems is missing. This thesis has next basic objectives: Carry out value historical development of coexistence man and animals, constructions of ZOO gardens and today’s condition. a) apply systematical categorization of ZOO buildings with accent for complex expositions of ecosystems pavilions. b) analyse basic today’s principles of design ZOO buildings with a view to pavilions of ecosystems. c) produce comprehensive document like data for architectural practice and for education of new architect – specialist. This paper will serve for education too. That is why presentation of describe principles on the real example from own practice and on the school designs from my classes is attach. The basic task, which follow from objective of the thesis, is definition of principles for design of ecosystems pavilions, like top representative of ZOO exposition buildings. It is definition of basic character, description of general and specific principles above all.
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Greenstein, Steven. "Re-envisioning the 1876 Centennial Exhibition: New Exhibit Solutions for an Old Interpretive Problem." Master's thesis, Temple University Libraries, 2011. http://cdm16002.contentdm.oclc.org/cdm/ref/collection/p245801coll10/id/145513.
Full textAbstract:
HistoryM.A.
This paper takes a fresh look at the Centennial Exhibition of 1876 and exhibits that interpret it, and suggests new exhibit strategies to re-interpret this complicated moment in American history.
Temple University--Theses
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Lai, Wing-yee Winnie. "Live museum : redesign Temple street & associate open spaces in Yau Ma Tei /." View the Table of Contents & Abstract, 2005. http://sunzi.lib.hku.hk/hkuto/record/B34612373.
Full text
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Lai, Wing-yee Winnie, and 黎穎怡. "Live museum: redesign Temple street & associate open spaces in Yau Ma Tei." Thesis, The University of Hong Kong (Pokfulam, Hong Kong), 2005. http://hub.hku.hk/bib/B45009582.
Full text
8
Ricci, Giada. "L’espace muséographique au Japon : concepts et spécificités de la mise en exposition des œuvres dans les musées d’art." Electronic Thesis or Diss., Université Paris sciences et lettres, 2020. http://www.theses.fr/2020UPSLP003.
Full textAbstract:
Au croisement de disciplines telles que l’architecture, la muséologie, la muséographie-scénographie, l’histoire des musées et de l’architecture, et avec l’objectif de dépasser l’approche historique et la simple description, cette recherche étudie l’espace muséographique dans les musées d’art au Japon. Depuis la première apparition dans le vocabulaire japonais du mot « musée d’art », bijutsukan, à l’occasion de la participation du Japon à l’Exposition universelle de Vienne en 1873, les musées du XXIe siècle portent des valeurs esthétiques et culturelles spécifiquement japonaises. Cette recherche s’interroge sur l’évolution des musées dans le temps, à travers l’étude des typologies de musées et d’expositions, entre lieux d’expérience esthétique et espaces de sociabilité. L’architecture japonaise prémoderne a développé des modalités particulières de création et de construction, notamment une spatialité ouverte sur le paysage, que l’on retrouve dans les réalisations contemporaines. À cet égard la recherche s’appuie sur les traditions pré-Meiji dans l’architecture, religieuse et domestique, et sur les codes de présentation des œuvres. L’approche du statut de l’œuvre d’art muséifiée et la notion de trésor national, kokuhō, ainsi que l’espace muséographique et le rapport à l’œuvre dans les musées d’art, sont considérés en parallèle à certains aspects de l’habitat traditionnel, comme les placements codifiés des peintures et des objets d’art dans le tokonoma. Les pratiques architecturales et muséographiques actuelles sont étudiées à travers les différents aspects de la conception et de l’aménagement de l’espace : de l’architecture du musée à la mise en exposition, jusqu’à la perception des œuvres. L’exposition est entendue comme communication de sens, l’espace muséographique comme espace culturel et physique, empreint de symboles, depuis l’approche classique de présentation, purement esthétique, à l’évolution contemporaine vers un espace conceptuel d’interprétation. La lecture de l’espace muséographique comme communicateur de sens et du parcours d’exposition comme espace-temps passe par la définition des termes et des notions spatiales, en tant qu’expression d’une forme de pensée de l’espace. Dans le but de cerner le lien entre les œuvres et l’espace muséographique, perçu comme support de contenu, cette recherche considère le dispositif spatial et les modes d’exposer dans leurs spécificités. Le musée est un espace public où une intimité doit pouvoir se créer avec l’œuvre exposée. Ainsi les espaces d’exposition se chargent pour le visiteur d’une émotion et d’une valeur presque affective. La littérature japonaise contribue à éclairer cet aspect de la perception du musée dans la société et dans l’imaginaire japonais. Par un travail de simplification et de synthèse dans la conception des espaces, en reprenant certaines pratiques spatiales de l’architecture prémoderne, les musées au Japon ont développé des modalités propres de création et de construction de l’espace. Construire en revisitant la tradition est la manière spécifiquement japonaise de faire revivre le patrimoine dans l’architecture et l’espace du musée, qui s’exprime notamment par l’attention à la nature, l’emplacement dans le site et le choix des matériaux, l’intimité du rapport intérieur-extérieur, le parcours et l’articulation des espaces. Alliant esthétique et fonctionnalité, qualité architecturale et environnementale, qualité muséographique et conservation des œuvres, les musées et les aménagements muséographiques contemporains, souvent l’œuvre d’architectes japonais reconnus internationalement, se révèlent ainsi des réalisations exemplaires et cohérentes, qui expérimentent avec succès une architecture d’interrelations complexes dans une vision du musée ouvert aux visiteurs, aux sensations et au mondeAt the crossroads of disciplines such as architecture, museology, museum-scenography, history of museums and architecture, aiming to go beyond the historical approach and the simple description, this research studies the museum space in art museums in Japan. Since the appearance in the Japanese vocabulary of the word "art museum", bijutsukan, on the occasion of Japan’s first participation in the World Exposition in Vienna, 1873, the 21st century museums have evolved towards the expression of Japan’s very own aesthetic and cultural values. This research examines the museums evolution over time, between aesthetic experience and sociability, through the study of museums, exhibitions typologies, and models of spatial distribution. The premodern Japanese architecture developed particular forms of creation and construction, including a spatiality open to the landscape, which can also be found in contemporary achievements. In this respect, research is based on pre-Meiji traditions in religious and domestic architecture, as well as the display of artworks and objects. The approach to the status of museum exhibit and the notion of national treasure, kokuhō, as well as the museum space and its relation to the art museum collections, are considered in parallel with certain aspects of traditional housing, such as the codified placement of paintings and art objects in the tokonoma. Current architectural and museum practices are studied through different aspects of the museums layout and exhibition design: from the museum’s architecture to the exhibition space, up to the perception of the artworks. The exhibition is understood as a communication of meaning, the museum space as a cultural and physical space, imbued with symbols, from the classical approach to display, purely aesthetic, to contemporary evolution towards a conceptual space of interpretation. The reading of the museum space as a communicator of meaning and of the exhibition route as space-time passes by the definition of terms and spatial notions, as an expression of a way of thinking the space. In order to understand the link between the artworks and the museographic space, perceived as a medium of content, this research considers the spatial device and the modes of display in their specificities. The museum is a public space where intimacy must be created with the work on display. Thus the exhibition spaces are charged to the visitor with an almost emotional value. Japanese literature helps to shed light on this aspect of museum perception in Japanese society and imagination. Through a work of simplification and synthesis in the design of spaces, by resuming certain spatial practices of premodern architecture, museums in Japan have developed specific modalities for the creation and construction of space. Building by revisiting tradition is the Japanese way to revive heritage in the architecture and space of the museum, which is expressed in particular by the attention to nature, the location in the site and the choice of materials, the intimacy of the inner-outer relationship, the path and the articulation of spaces. Combining aesthetics and functionality, architectural and environmental quality, museographic quality and conservation of works, museums and contemporary museum installations, often the work of internationally renowned Japanese architects, are thus exemplary and coherent achievements, successfully experimenting an architecture of complex interrelations, in a museum vision open to visitors, sensations and the world
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Nascimento, Rosana Andrade Dias do. "O “Brasil Colonial” e a exposição do mundo português de 1940." Programa de Pós- Graduação em História da UFBA, 2008. http://www.repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/11231.
Full textAbstract:
280f.Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-04-22T19:48:43Z No. of bitstreams: 4 Tese Rosana Nascimento4.pdf: 5751370 bytes, checksum: 8d53ddb1b003a9f7136a4f70f65bab0e (MD5) Tese Rosana Nascimento3.pdf: 5659205 bytes, checksum: ed672c6a7c8333bc90efafaeeed6ba92 (MD5) Tese Rosana Nascimento2.pdf: 5786944 bytes, checksum: 8823dee29fa7f434751f6e05cd243d45 (MD5) Tese Rosana Nascimento1.pdf: 5635316 bytes, checksum: 873f546d1c0daac4188605a098d87ef0 (MD5)
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A Exposição do Mundo Português em 1940 foi um evento idealizado pelo Estado Novo portugues para marcar oito séculos de história dos portugueses no mundo. Diferentemente das Exposições Internacionais realizadas até então, o Estado Novo realizou uma exposição de caráter nacional para contar uma história de glórias do passado aos portugueses do presente. O nosso estudo tratou da participação do Brasil, nessas Comemorações Centenárias, na exposição denominada “Brasil Colonial”. Seu objetivo foi investigar o papel do Museu Histórico Nacional (MHN), por meio de seu acervo, na reconstrução histórica do Brasil Colonial na Exposição do Mundo Português (EMP). Foram definidos os seguintes objetivos específicos: investigar a EMP como um evento marcante das Comemorações Centenárias que contavam oito séculos de história dos portugueses no mundo; identificar o acervo do MHN selecionado para compor o Pavilhão do Brasil Colonial na Exposição do Mundo Português; analisar os fatos históricos do Brasil Colonial considerados representativos para a definição do circuito da exposição a partir do acervo do MHN; e estudar a influência de Gustavo Dott Barroso nas decisões para a exposição do Brasil Colonial. A metodologia empregada foi a análise histórica e historiográfica, realizada com base na documentação iconográfica, documental e fotográfica existentes nos arquivos, museus e bibliotecas de instituições públicas e privadas brasileiras e portuguesas. A análise dos dados coletados permitiu desmistificar alguns pontos, tais como: a periodização da história do Brasil Colonial definida para a Exposição; o acervo do MHN, escolhido para narrar a História do Brasil Colonial; conhecer os caminhos percorridos por um acervo museológico, no caso, o do MHN, usado para a construção de um discurso expositivo que objetivava a representação da herança portuguesa na construção do Brasil Colonial. Os resultados permitiram concluir-se que, em 1940, a Exposição do Mundo Português foi um momento de afirmação da nacionalidade portuguesa usando o passado de glórias e de expansão no mundo. Sobre o Brasil e a sua participação, houve uma condução por intelectuais brasileiros e portugueses, por meio de cartas codificadas, cifradas, com registros de confidenciais que atravessaram o Atlântico em conchavos e conluios para possibilitar a representação brasileira. Com relação à montagem da exposição do Pavilhão Brasil Colonial com o acervo do MHN, foram marcantes as atitudes de Gustavo Barroso à frente da construção dessa narrativa, realizando uma exposição para enaltecer, através dos objetos, a epopéia do paraíso - o Brasil Colônia. Assim, em 1940, o Brasil é Português.
Salvador
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Sim, Grace. "Learning about biodiversity : investigating children’s learning at a museum, environment centre and a live animal show." Thesis, University College London (University of London), 2015. http://discovery.ucl.ac.uk/10021761/.
Full textAbstract:
School trips in environment centres, in museums and at live animal shows can cover the same curriculum objectives, relating to habitats and adaptations, at age-appropriate levels. However, each of these three settings has traditions and goals which influence the subtexts conveyed by educators, and therefore the messages pupils gather from learning experiences. This research investigated children’s experiences in these three different informal learning settings in London, UK. The aim was to identify and understand the learning that took place. The main evidence was collected with 180 year 4 pupil participants from local state primary schools. Their learning is visualised in a conceptual framework ‘SPEAK’ that represents learning in the domains of Skills, Place, Emotion, Attitudes and Knowledge (SPEAK). Analysis was based on an existing socioecological literacy framework. There is evidence that the environment exploration was the source of considerable motivation for children. Live animal shows led to children describing species, and subsequently recalling aspects of individual animals’ personalities. Natural history specimen collections developed skills of observation, identification, discovery and reading. A representation of the SPEAK domains is proposed as a tool for reflection for educators, to review the learning intentions of informal teaching experiences. A case study at the Royal Veterinary College shows how it has been used to understand learning, using iPads. A salience theory of informal learning is proposed through considering memorable and transformative aspects of informal learning, from a learning psychology perspective. Aspects of this theory are suggested as areas for future research.
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Kirchgessner, Mandy L. "The Impact of Zoo Live Animal Experiences on Students' Propensity to Engage in Conservation Behavior." Diss., Temple University Libraries, 2014. http://cdm16002.contentdm.oclc.org/cdm/ref/collection/p245801coll10/id/304287.
Full textAbstract:
Educational LeadershipEd.D.
Zoos frequently deploy outreach programs, often called "Zoomobiles," to schools; these programs incorporate zoo resources, such as natural artifacts and live animals, in order to teach standardized content and in hopes of inspiring students to protect the environment. Educational research at zoos is relatively rare, and research on their outreach programs is non-existent. This leaves zoos vulnerable to criticisms as they have little to no evidence that their strategies support their missions, which target conservation outcomes. This study seeks to shed light on this gap by analyzing the impact that live animals have on offsite program participants' interests in animals and subsequent conservation outcomes. The theoretical lens is derived from the field of Conservation Psychology, which believes personal connections with nature serve as the motivational component to engagement with conservation efforts. Using pre, post, and delayed surveys combined with Zoomobile presentation observations, I analyzed the roles of sensory experiences in students' (N=197) development of animal interest and conservation behaviors. Results suggest that touching even one animal during presentations has a significant impact on conservation intents and sustainment of those intents. Although results on interest outcomes are conflicting, this study points to ways this kind of research can make significant contributions to zoo learning outcomes. Other significant variables, such as emotional predispositions and animal-related excitement, are discussed in light of future research directions.
Temple University--Theses
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Engdahl, Lottie. "An Evaluation of”Middle Ages Dead or Live?”The first interactive exhibition at the National Museum of History." Thesis, Högskolan Dalarna, Vetenskapskommunikation, 2005. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:du-2541.
Full textAbstract:
This is a study conducted at, and for, the National Museum of History in Stockholm. The aim of the study was to confirm or disconfirm the hypothesis that visitors in a traditional museum environment might not take part in interactivity in an interactive exhibition. And if they do the visitors might skip the texts and objects on display. To answer this and other questions a multiple method was used. Both non participant observations and exit interviews were conducted. After a description of the interactive exhibits, theory of knowledge and learning is presented before the gathered data is presented. All together 443 visitors were observed. In the observations the visitors were timed on how much time they spent in the room, the time spent on the interactivity, texts and objects. In the 40 interviews information about visitors’ participation in the interactivity was gathered. What interactivity the visitor found easiest, hardest, funniest and most boring.The result did not confirm the hypothesis. All kinds of visitors, children and adults, participated in the interactivities. The visitors took part in the texts and objects and the interactive exhibits.
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Craveiro, Joanna. "A live/living museum of small, forgotten and unwanted memories : performing narratives, testimonies and archives of the Portuguese Dictatorship and Revolution." Thesis, University of Roehampton, 2016. https://pure.roehampton.ac.uk/portal/en/studentthesis/a-liveliving-museum-of-small-forgotten-and-unwanted-memories(f671342c-cb8d-4696-9340-b3644a601cde).html.
Full textAbstract:
This practice-as-research thesis investigates and contributes to the transmission of official, non-official and personal memories of the Portuguese Dictatorship (1926-1974), Revolution (25th April 1974) and Revolutionary Process (1974-1975) – three key historical moments, memories of which are still subject to contestation. My research addresses these disputes, part of the overall “memory struggles” (Jelin, 2003) concerning the public politics of memory in Portugal, together with the lack of inscription of those memories in the public space. Moreover, in what I argue to be the absence of an official process of transitional justice and the lack of reparation for victims of state repression during the dictatorship, – I interrogate not only state policies over the last 40 years, but also the personal responsibility of the individuals in the preservation and transmission of memory. A Living Museum of Small, Forgotten and Unwanted Memories, presents a series of seven performance-lectures on aspects of the three historical moments, as évenements “…shaped from conflicting imaginations at once past and present” (de Certeau, 1988 xv). My employment of different performance devices within the performancelecture mode intersects the “archive” and the “repertoire” (Taylor, 2001) in the transmission of memory, demonstrating that, rather than disappearing, performancecan remain (Schneider, 2011) in various ways, as when written materials originally pertaining to the “archive” are performed and thus become “repertoire”, and through the effect of the performance on spectators and their memories of the events portrayed. Using autobiography and oral testimonies, I accessed the meaning of the events for these individuals, myself and my family, creating a set of personal histories with which I challenge some of the dominant master narratives, disseminated through privileged channels, such as the media and political discourses. As such, the performance A Living Museum became a space to disseminate an alternative history, altering the perception of these events in the public space. It also became a space of live interaction between past events and their present representation, through post-performance debates staged every night, whereby spectators and some of the interviewees could voice their opinions, as well as their own personal memories. The performance thus encouraged emancipated spectatorship (Rancière, 2009), offering an active practice of reconciliation for individuals with traumatic features of their past, namely state repression and the Colonial War during the dictatorship; the return from the Portuguese ex-colonies during the revolutionary process; and the lost utopias of an “impossible” revolution (the revolutionary process of 1974-75), today perceived through negative narratives of excess and exoticism.
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Salvator, Laurence. "La culture, un partage convoité. Étude socio-médiatique des lieux hybrides de commerce et de culture." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL086.
Full textAbstract:
Le travail de recherche que nous présentons porte sur une médiation particulière, l’exposition culturelle, dans un contexte particulier, celui de l’hybridation des lieux commerciaux (par l’affichage d’une prétention culturelle) et des lieux culturels (par la montée en puissance d’activités et de logiques commerciales). L’ambition culturelle est, de fait, de plus en plus souvent revendiquée par des acteurs commerciaux et cette revendication dessine, à notre sens, les lignes d’un nouveau partage dont il convient d’étudier les modalités, d’une part, et la portée socio-symbolique, d’autre part. Les exemples de ce mélange des genres, entre relation commerciale et relation culturelle, sont légion. Celui-ci caractérise des lieux physiquement situés et intentionnellement aménagés qui composent une part non négligeable de nos environnements quotidiens. Deux types de lieux retiennent ici notre attention : le centre commercial et le musée. Pour articuler au mieux les différents niveaux de notre analyse, nous envisageons ces lieux hybrides à trois échelles distinctes qui, partant de l’observable le plus circonscrit, s’ouvrent sur l’espace social de la réception et structurent notre développement : le dispositif d’exposition est au cœur de la première partie de notre étude ; le lieu, en l’occurrence muséal (la Cité des sciences), fournit la matière et le terrain d’enquête sur lesquels se fonde la seconde partie ; le territoire du Nord-Est parisien, dans lequel deux lieux hybrides de culture et de commerce se trouvent situés (la Cité des sciences et le centre commercial du Millénaire), ouvre enfin l’étude aux phénomènes de transformation et de circulationThe research presented here focuses on a specific form of media, the cultural exhibition, considered in the specific context of the hybridisation of commercial venues (showing a growing cultural aspiration) and cultural venues (showing a growing number of commercial activities and commercial strategies). Commercial players are more frequently demonstrating cultural ambitions with the results that the line between business and culture needs to be redefined both in terms of procedures and socio-symbolic implications. Examples of the mixture of genres between the commercial and cultural are numerous and are to be found in places often encountered in our daily lives, places with an actual physical existence and established with the intention of blurring the lines. Two types of place will be under scrutiny: the shopping center and the museum. In order to articulate the different levels of this analysis, these hybrid venues will be considered on three distinct levels, starting with pure observation and moving to the social impact of these transformations: the study of the layout of the exhibition is at the heart of the first part of this study; the place which happens to be a museum (La Cité des Sciences) provides the subject and the basis of the second part of the study; the area made up of the north-eastern part of Paris, in which two of these hybrid venues of culture and commerce are located (la Cité des Sciences and the Millénaire shopping center) will finally open up the study to show the phenomena of transformation and circulation
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Park, Ji Young. "Musée national d'art Coréen, un dispositif de transmission de valeurs et de connaissances des arts coréens : Analyse muséologique de la mise en exposition de sarangbang au musées nationaux en République de Corée." Thesis, Avignon, 2017. http://www.theses.fr/2017AVIG1170/document.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour but de comprendre la situation communicationnelle des valeurs et connaissances délivrées par un musée d’art en République de Corée. Pour ce faire, nous avons choisi de mener une analyse approfondie d’un type de dispositif expographique de vulgarisation : la restitution d’un sarangbang, proposée par le National Museum of Korea (musée des beaux-arts) et le National Folk Museum (musée ethnographique) de Séoul. Nous abordons ce dispositif comme constituant un archétype paradigmatique des productions architecturales coréennes et comme un condensé de plusieurs problématiques relatives aux arts et aux musées de la péninsule.Que ce dispositif soit conçu comme un intermède visuel et matériel visant une contextualisation des objets exposés dans une salle d’exposition, ou qu’il soit envisagé en tant qu’objet exposé créé récemment pour l’exposition muséale, la conception et la perception de ce sarangbang au sein d’un musée fait appel à des connaissances scientifiques relatives au sarangbang ainsi qu’à la société et à la culture dont il relève. Il communique également diverses perspectives ayant trait aux arts, aux objets destinés à être exposés, aux supports expographiques et aux visiteurs des musées.L’étude de concepts tels que ceux de musée national, d’art, de patrimoine confucéen, et l’analyse sémio-pragmatique de la restitution d’un sarangbang par ces deux musées nationaux nous permettent de comprendre la situation communicationnelle produite autour de leur mise en exposition : avec ces dispositifs de sarangbang, les musées transmettent une information qui ne dévoile qu’une partie des faits historiques sans suggérer l’existence de bien d’autres choses. La stratégie de vulgarisation scientifique est uniformisée par des critères subjectifs édictés par l’État dont l’intention politique est de promouvoir les valeurs confucianistes dans la société coréenne et au monde entier. En outre, d’autres stratégies de vulgarisation scientifique portées par des signes iconiques font circuler de faux savoirs visuels sélectivement forgés actuellement par certains muséographes œuvrant dans les musées d’artThe aim of this dissertation is to explore the communicational situation of knowledge and values delivered by an art museum in the Republic of Korea. To this end, it approaches a specified type of exhibition device: the restitution of a sarangbang, proposed by the National Museum of Korea and the National Folk Museum of Seoul. The device is here considered as a paradigmatic archetype of Korean artistic productions, and as a condensation of several problems related to the arts and museums of the peninsula.Whether conceived as a visual and material interlude aiming at a contextualization of the exhibited objects in an exhibition gallery, or apprehended as an exhibit only recently created for the museum exhibition, design and perception of this sarangbang within a museum makes use, not only of scientific knowledge relating to the sarangbang as well as to the society and the culture to which it belongs, but also various perspectives relating to the arts, the objects displayed, and to museum visitors.The study of concepts such as the national museum, art, Confucian heritage, and the semio-pragmatic analysis of the restitution of a sarangbang by these two national museums allows us to understand the communicational situation produced around their mise en exposition. With the device of sarangbang, the museums transmit information that selectively reveals the historical facts without acknowledging the existence of many more and possibly different ones. The strategy of popularizing science is framed by subjective criteria, enacted by the state with the political intention of promoting Confucian values within Korean society and the world. In addition, other strategies of popularizing scientific knowledge via iconic signs circulate false visual knowledge, selectively forged at present by curators in art museums
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Chen, Si. "Entrepreneurial Programming Through Partnership: A Case Study of a Multimedia Performance and Interdisciplinary Arts Making by Shadowbox Live and the Columbus Museum of Art." The Ohio State University, 2016. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=osu1460719553.
Full text
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Bianchi, Pamela. "Espaces de l'oeuvre, espaces de l'exposition." Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080026.
Full textAbstract:
Réfléchir sur le terme espace signifie, d’abord, être conscient des multiples usages sémantiques et des diversités linguistiques dont il est porteur. Son rapport avec les concepts d’œuvre et d’exposition a été modifié au fur et à mesure des changements statutaires respectifs. En ce sens, cette thèse vise à interroger le statut de l’espace d’exposition face aux propositions artistiques contemporaines. Elle se développe autour des concepts d’espace et de lieu de monstration dans leur relation avec les notions principales d’architecture muséale, d’œuvre et d’exposition, à partir des années 1960 et jusqu’à nos jours. Grâce à une étude évolutive et multidisciplinaire, et sans oublier la généalogie des concepts principaux, cette thèse se nourrit de cas concrets et contemporains pour offrir un panorama des espaces d’exposition, singuliers et alternatifs. Il s’agit d’un travail d’analyse qui a décomposé, étudié et restructuré la notion d’espace d’exposition à partir de ses paramètres fondamentaux et de périodes spécifiques ; cela a permis d’insister sur la présence d’un processus évolutif en chaine (sorte de syllogisme) où, d’abord, l’œuvre se fait exposition, ensuite, l’espace se fait œuvre et, enfin, l’espace se fait exposition. Ainsi, derrière un espace façonnable qui évolue par rapport à l’art qu’il accueille, apparait aussi un espace multifonctionnel (un « hyperespace ») qui réclame un art spécifique et de nouvelles exigences expographiquesFirst, reflect on the space term means be aware of its multiple semantic uses and of its linguistic diversity. His relationship with the concept of artwork and of exhibition has changed in relation to the respective statutory changes. In this sense, this thesis aims to examine the status of the exhibition space in relation to contemporary artistic proposals. In particular, this thesis is developed around the concepts of Space and Place of the exhibition, in their relationship with the main notions of museum architecture, artwork and exhibition, since 1960 until today. With an evolutionary and multidisciplinary study, and not forgetting the genealogy of main concepts, this thesis is also enriched with concrete and contemporary cases offering a particular view on the exhibition spaces, unique and alternative. It is an analysis that tried to decompose, to study and restructure the concept of exhibition space, from its basic parameters, and in relation to specific historical periods. This allowed to insist on the presence of an evolutionary process (type of syllogism), for which, in the first place, the artwork becomes an exhibition, secondly, the space becomes an artwork and, finally, the space becomes an exhibition. Thus, behind a modular space that evolves in relation to the artwork that contains, it appears also a multifunctional space (a "hyperspace") that claims a specific art and new display requirements
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Cassola, Virginia. "L’Arabie saoudite : musées, territoires, identités : collectes et expositions de l’objet archéologique." Thesis, Université de Lorraine, 2016. http://www.theses.fr/2016LORR0286/document.
Full textAbstract:
Qu’apportent la collecte et l’exposition des objets préislamiques et islamiques dans la définition d’un rapport spécifique entre l’Arabie saoudite et ses objets archéologiques ? Il s’agit de rendre compte de l’activité de conservation saoudienne « consciente et systématique » pour comprendre la manière dont des objets archéologiques sont parvenus à incarner un pan du « patrimoine » du berceau de l’Islam. L’étude de la collecte et de l’exposition d’objets archéologiques dans une approche centrée sur l’objet doit permettre de décrire les évolutions de sens donnés aux objets préislamiques et islamiques en Arabie saoudite. Le propos est organisé en deux parties. La première a pour objectif de présenter, et le processus de collecte de l’objet archéologique en Arabie ottomane puis saoudite (1761-1981), et ses conséquences sur la reconnaissance des objets archéologiques transformées en antiquités nationales. Un suivi chronologique a été privilégié, depuis les missions ethnographiques, épigraphiques et archéologiques menées entre 1761 et 1953 par des étrangers jusqu’à la nationalisation saoudienne de l’archéologie avec la création d’un Département des Antiquités et Musées en 1963 et d’un Département d’Archéologie à la King Saud University en 1966, et le lancement d’un premier plan quinquennal de fouilles archéologiques entre 1976 et 1981. La seconde partie présente le processus d’exposition publique de ces nouvelles antiquités nationales. Le déroulé chronologique est poursuivi pour rendre compte de trois contextes d’exposition de ces antiquités entre 1978 et 2015 : en musées régionaux, en musée national, et dans le cadre d’expositions temporaires à l’étranger. Le récit de ces expositions amène à percevoir les transformations sémiotiques des objets archéologiques et à véritablement présenter la reconnaissance du passé préislamique de l’Arabie saouditeWhat do the processes of collection and exhibition of pre-Islamic and Islamic objects bring to the definition of a specific relationship between Saudi Arabia and its archaeological objects? The objective is to describe the “conscious and systematic” Saudi conservation activities to understand how archaeological objects have come to embody pieces of the cradle of Islam’s “heritage”. To study the collection and exhibition of archaeological objects from a centred-object approach should allow the understanding of the recognition given to pre-Islamic and Islamic objects in Saudi Arabia. The thesis is organized in two parts. The first aims to introduce the collection process of archaeological objects in Ottoman and Saudi Arabia (1761-1981) as well as its impact on the recognition of archaeological objects transformed into national antiquities. A chronological track is privileged, from ethnographic scientific missions to epigraphic and archaeological ones conducted between 1761 and 1953 by foreigners, to the Saudi nationalization of archaeology along with the creation of a Department of Antiquities and Museums in 1963 and of a Department of Archaeology at the King Saud University in 1967, and the launch of a first five-year plan of archaeological excavations between 1976 and 1981. The second part presents the public exhibition process of these national antiquities. The chronological path followed in the first part is pursued to account for three exhibition contexts of these antiquities between 1978 and 2015: in regional museums, in the National Museum, and within temporary exhibitions abroad. The presentation of these exhibitions leads to the understanding of both the semiotic transformation of collected archaeological objects and the inner recognition of the pre-Islamic past of Saudi Arabia
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Silva, Everton Menezes. "Museu Casa do Sert?o: veredas e narrativas das exposi??es." Universidade Estadual de Feira de Santana, 2016. http://localhost:8080/tede/handle/tede/452.
Full textAbstract:
Submitted by Carolina Neves (carolinapon@uefs.br) on 2017-02-17T23:35:58Z
No. of bitstreams: 1
Museu Casa do Sert?o veredas e narrativas das exposi??es.pdf: 2673880 bytes, checksum: 23f099cd3ae1fc2dfc306c226d799df9 (MD5)Made available in DSpace on 2017-02-17T23:35:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Museu Casa do Sert?o veredas e narrativas das exposi??es.pdf: 2673880 bytes, checksum: 23f099cd3ae1fc2dfc306c226d799df9 (MD5) Previous issue date: 2016-04-25
Funda??o de Amparo ? Pesquisa do Estado da Bahia - FAPEB
The present study has as main objective the research on educational processes in the Museu Casa do Sert?o, belonging to the Universidade Estadual de Feira de Santana, in the analysis of the expository route of guided tours. To this end, we used a process of qualitative research with semi-structured interview, questionnaire, analysis of some documents and some observations from the exhibitions. The theoretical framework is constructed according to Certeau's ideas (1996), Canclini (2013), Albuquerque (2011), Cury (2006) among other authors. The discourse of its creator, Eurico Alves Boaventura, is very present in the exhibition, but it also coexists with some elements of modernity in the use of certain industrialized materials present in some objects. The historical perspective is striking in the exhibition, though the exhibits focus on other issues such as, for example, man's relationship with nature. These discursive elements relate to other discursive productions on the Brazilian Northeast accentuating a cultural repertoire that produces a scenario typically propagated by the media. In addition, there was a didactical trend in your exhibitions, assuming that the most of public of this Museum is scholar.
O presente estudo tem como objetivo principal a investiga??o sobre as a??es pedag?gicas do Museu Casa do Sert?o, pertencente ? Universidade Estadual de Feira de Santana, procurando analisar o percurso expositivo das visitas guiadas. Para tanto, utilizou-se um processo de pesquisa qualitativa com entrevista semi-estruturada, question?rio, an?lise de documentos da institui??o e observa??es das exposi??es. O referencial te?rico est? constru?do de acordo com as ideias de Certeau (1996), Canclini (2013), Albuquerque J?nior (2011), Cury (2006) entre outros autores. O discurso do seu idealizador, Eurico Alves Boaventura, est? bastante presente nas exposi??es, mas ele tamb?m convive com alguns elementos da modernidade na utiliza??o de determinados materiais industrializados presentes em alguns objetos. A perspectiva hist?rica ? marcante nas exposi??es, embora elas versem sobre outros assuntos como, por exemplo, a rela??o do ser humano com a natureza. Estes elementos discursivos se relacionam com outras produ??es discursivas sobre o Nordeste acentuando um repert?rio cultural que produz um cen?rio tipicamente veiculado pela m?dia. Al?m disso, observou-se uma tend?ncia didatizante nas exposi??es, levando em considera??o que a maior parte do p?blico do Museu ? escolar.
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Imbert, Clémence. "Oeuvres ou documents ? : un siècle d’exposition du graphisme dans les musées d’art moderne de Paris, New York et Amsterdam (1895-1995)." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080084/document.
Full textAbstract:
La thèse s’intéresse aux expositions de design graphique, à la fois en tant qu’événements constitutifs de l’histoire de la discipline et en tant qu’espaces (scénographiques et discursifs) où se manifestent ses liens plus ou moins assumés avec la création artistique. Elle s’appuie sur un corpus de quatre cents expositions, organisées entre 1895 et 1995, au sein de trois institutions muséales : le Stedelijk Museum d’Amsterdam, fondé en 1895, le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, créé en 1929 et le Musée national d’art moderne-Centre de création industrielle (Mnam/Cci), né en 1993 de la fusion de deux départements du Centre Pompidou. L’étude des archives de ces manifestations met au jour ce que furent les choix de programmation des musées (quels objets, quelles époques, quels graphistes mettent-elles en avant ?) ; mais aussi les différents statuts qui sont conférés aux objets imprimés, par la scénographie ou par les discours qui les environnent. La thèse révèle, notamment, la préférence des musées d’art moderne pour l’affiche, pour le graphisme « d’utilité publique » et pour le travail des « graphistes-auteurs ». À ce graphisme « de musée » sont appliqués des cadres interprétatifs qui le rapproche de la création artistique : assimilation du graphiste à un artiste, omission des circonstances de la commande, description des styles, recherche des influences… Les expositions de « communications visuelles » organisées par le CCI offrent un singulier contrepoint à ce modèle, dans la mesure où elles consacrent moins les « œuvres » du graphisme qu’elles ne s’interrogent sur leur contexte social de production et d’utilisationThis dissertation looks at graphic design exhibitions both as events that are part of the history of the discipline and as scenographic and academic forums for expressing, more or less consciously, its links with artistic creativity. It is based on the analysis of four hundred exhibitions, held between 1895 and 1995 at three modern art museums : the Stedelijk Museum in Amsterdam, founded in 1895, the MoMA in New York, inaugurated in 1929 and the Musée national d’art moderne-Centre de création industrielle (Mnam/Cci), created in 1993 after the fusion of two separate departments of the Centre Pompidou. The archives of these exhibitions highlights both the choices of programming (what objects, eras and graphic designers do they ?), and the various status confered to printed objects by scenography and surrounding texts and discourses. The dissertation reveals the preference of modern art museums for posters, for graphic design for the public domain, and for the work of ‘graphic designers-cum-authors’. This specific graphic design elected by museums is envisionned according to interpretative frames that likens it to artistic creation through the rapprochement between graphic designers and artists, the omission of circumstances pertaining to commissions, descriptions of styles, search for influences, etc. The ‘visual communication’ exhibitions organised by the CCI provide a striking contrast to this model in so far as they concentrated less on the actual ‘works’ of graphic design than on the social context of their production and use
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Lesaffre, Gaëlle. "Objets de patrimoine, objets de curiosité : Le statut des objets extra-occidentaux dans l’exposition permanente du musée du quai Branly." Thesis, Avignon, 2011. http://www.theses.fr/2011AVIG1115/document.
Full textAbstract:
La question du statut des objets issus des sociétés extra-occidentales conservés dans les musées occidentaux restait posée, jusqu’à récemment, dans les termes du paradigme construit au cours du vingtième siècle opposant le statut ethnographique au statut esthétique, et à partir d’une conception intrinsèque du statut des objets. La controverse suscitée par l’annonce du projet du musée du quai Branly au sein des communautés anthropologique et muséale en témoigne. Cette recherche propose de renouveler l’approche du statut des objets extra-occidentaux en adoptant une conception extrinsèque du statut des objets. Elle repose sur deux analyses sémiotiques successives de l’exposition permanente du musée du quai Branly. La première vise à analyser séparément et exhaustivement les registres médiatiques de l’espace, scriptovisuel et audiovisuel qui composent, avec le registre des objets, l’exposition ; la seconde à analyser, au sein d’un corpus restreint d’unités d’exposition, l’interaction des registres, dans le but final d’identifier les processus interprétatifs producteurs du sens des objets. L’objectif de cette double analyse consiste à vérifier que l’exposition permanente du musée du quai Branly assigne le statut d’objet de patrimoine aux objets issus des sociétés extra-occidentales qu’il conserve.La première partie de la thèse est consacrée à restituer la construction de la question de recherche, qui porte surle caractère patrimonial du statut des objets de musée extra-occidentaux, et à rendre compte des moyens méthodologiques mis en oeuvre pour y répondre. La deuxième partie, consacrée aux résultats de l’analyse séparée des registres, confirme que les marqueurs nécessaires à l’assignation du statut patrimonial des objets extra-occidentaux, les mondes d’origines ailleurs et muséaux, sont bien certifiés dans l’exposition. Elle montre également la mobilisation particulière du registre de l’espace. L’ensemble incite à formuler l’hypothèse que l’espace ne constitue pas un interprétant des objets, que les mondes d’origine ailleurs et muséaux occupent une place secondaire dans l’assignation du statut des objets et, finalement, que les objets sont les principaux interprétants des objets. Enfin, la troisième partie permet de vérifier que la certification de l’appartenance des objets à leur double monde d’origine est bien réalisée par le traitement muséal, l’exposition assigne donc bien le statut de patrimoine aux objets exposés, mais elle montre aussi que les éléments de la certification apparaissent comme secondaires, tandis que la production du sens des objets par la relation entre les objets favorise l’assignation d’un autre statut de l’objet : le statut de curiosité. En s’appuyant sur la production de la signification des objets par le dispositif d’exposition pour le visiteur, cette recherche permet de penser, plus largement, la capacité de l’exposition à proposer un discours neutre qui modifie son opérativité, et qui permet à l’institution muséale de se placer dans une posture de délégation du sens produit par l’expositionUntil today, the question of the status of objects from non-Western societies preserved in Western museums wasraised, in terms of twentieth century paradigms which associated ethnographic and aesthetic status, and whichpresupposed objects to have an intrinsic status of their own. The controversy amongst anthropological andmuseum communities caused by the announcement of the Quai Branly museum project testifies to thesepresuppositions. This thesis aims to re-elaborate the approach to non-Western objects through an extrinsicapproach to their status. It rests on two subsequent semiotic analyses of the permanent exhibition of the QuaiBranly Museum. The first one analyzes separately and exhaustively the space, texts, pictures and audiovisualmaterial as media categories of the exhibition. The second one analyzes, in a restricted corpus of exhibitionunits, the interactions between different media categories with the goal of identifying the interpretative processeswhich produce the sense of the objects. The purpose of this double analysis is to verify whether the permanentexhibition of the Quai Branly Museum a heritage status to the objects from non-Western societies which itpreserves.The first part of the thesis presents the construction of the research question, focused on the heritage status ofnon-Western objects in museums, and explains the methods implemented to answer such a question. The secondpart, devoted to the results of the separate media categories’ analysis, confirms that the labels necessary to theassignment of heritage status to non-Western objects, the elsewhere world origin and museum world origin, areindeed present in the exhibition. It also shows the particular mobilization of space in the exhibition. Together,these two sections encourage us to theorize that space is not a mode of interpretation for objects, in that the“elsewhere” world origin and the museum world origin have but a secondary place in the assignment of objectstatus, while objects are themselves the main means for object interpretation. Finally, the third part verifies thatthe attestation of the objects’ double world of origin is effectively authenticated in the exhibition ; this sectionshows that, while the exhibition does assign a heritage status to the exhibits, the elements of authentification arenot necessary for the interpretation of the objects’ meaning, whereas the meaning produced by the relationshipbetween objects promotes the assignment of yet another object status : the status of curiosity. This thesis,focused on the production of object meaning for the visitor by means of the exhibition display, more broadlysuggests the exhibition’s ability to provide a neutral view which modifies its operativity, an ability which allowsthe museum to delegate the production of the object’s meaning to visitors
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Stefanello, Liriana Zanon. "HISTÓRIA, MEMÓRIA E PATRIMÔNIO CULTURAL: FUNDAMENTOS E SENSIBILIZAÇÕES DA COMUNIDADE DE NOVA PALMA (CPG E MUSEU HISTÓRICO)." Universidade Federal de Santa Maria, 2010. http://repositorio.ufsm.br/handle/1/10959.
Full textAbstract:
Along of times and of history, we observated the transformation of several conceptions and proper society. This is perceived, for example, in comprehensions of cultural patrimony, of history and of museum. In this sense, this study presents the importancy of historical basis to museum institution. While memory referency, of history and thus of community identity. Community identified in this study, as The Fourth Imperial Colony of
Italian Immigration in the State of Rio Grande do Sul, more specificaly, in the towm of Nova Palma. So, since perspective that the Italian Immigrant descendents elect cultural traces which associate them with their ancestors and with the Italy, the material culture and immaterial
elements become cultural patrimony that will may find the place of their materialization. Parting this, one preservation forms of mencionated patrimony is the museum, comprehend how the memory place that interaleds and presents the community which belong. There fore,
to that this community sensibilizeds and understands its social script in to fight by cultural patrimony preservation is fundamental one exposition in this form, this searsh mastership dissertation pretends through of two chapters, with basis in bibliographic source, documents
and iconographics, to trate anwers about cultural patrimony conceptions, history, memory and identity as well as to sunthetize the historical process in the towm of Nova Palma, rebound the Centro de Pesquisas Genealógicas importancy as the instituition which might and incentivated the preocupation as the memory preservation and its history. Since this we present a proposal to creation the Municipal Historical Museum and local community sensibilization through exposition, to that integrate the fight for concreteness this instituition.Ao longo dos tempos e da história, observamos a transformação de muitas concepções e da própria sociedade. Isso é percebido, por exemplo, nas compreensões de patrimônio cultural, de história e de museu. Nesse sentido, esse estudo apresenta os fundamentos históricos da importância da instituição museológica enquanto um referencial de memória, de história e dessa forma de identidade de uma comunidade. Comunidade identificada, nesse estudo, como sendo a Quarta Colônia Imperial de Imigração Italiana do Rio Grande do Sul e, especificamente, do Município de Nova Palma. Assim, a partir da perspectiva que os descendentes de imigrantes italianos elegem como traços culturais que os identificam com seus antepassados e com a Itália, os elementos da cultura material e imaterial tornam-se um patrimônio cultural que poderá ser encontrado na instituição museológica, local de sua materialização. Partindo disso, uma das formas de preservação do patrimônio mencionado é o museu, compreendido como um local de memória que interage e representa a comunidade a qual pertence. Por isso, para que essa comunidade se sensibilize e entenda seu papel social de lutar pela preservação do patrimônio cultural é fundamental uma exposição. Dessa forma, este trabalho de dissertação de mestrado, pretende, por meio de dois capítulos, com base em fontes bibliográficas, documentais e iconográficas, tratar das questões referentes às concepções de patrimônio cultural, história, memória e identidade, bem como sintetizar o processo histórico do município de Nova Palma, ressaltando a importância do Centro de Pesquisas Genealógicas (CPG) como uma instituição que possibilita e incentiva a preservação da memória e da história desse município. A partir disso, apresentamos uma proposta de criação do museu histórico municipal e de uma sensibilização da comunidade local, por meio da exposição, para integrar a luta pela concretização desta instituição.
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Benlian, Michèle. "Modes d'émergence de l'architecture contemporaine à travers l'édification des premiers musées d'art moderne, entre New York et Paris au XXème siècle." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA013.
Full textAbstract:
Le travail abordé concerne le domaine de l’histoire artistique et culturelle. La période étudiée est le XXè siècle. Les événements se déroulent à New York et à Paris. - La recherche pose l’hypothèse suivante : la création, puis l’édification du premier musée d’art moderne, le MoMA à New York, ouvre la voie à l’architecture contemporaine, à travers l’édification du musée d'art moderne. Les pensées architecturales américaine et française, n’œuvraient pas dans le même sens. Tandis que l’une s’appuie sur une recherche formelle, qui trouverait des liens avec la réception de l’art moderne, l’autre oriente la projection formelle de l’architecture en relation avec la ville. La démonstration se fait à partir d'exemples, pris dans l’histoire de l’architecture moderne de 1910 jusqu'aux années fin soixante : la construction du Musée national d’art moderne à Paris en 1936, au Palais de Tokyo, la création en 1929 et la construction, en 1939, du MoMA à New York. Deux autres musées s'édifient à New York : le Solomon Guggenheim Museum en 1959, et le Musée Whitney en 1966, et les agrandissements du MoMA réalisés aux mêmes années. Sont pris en compte, concernant et autour des édifications muséales : les débats intellectuels dans l’art, les conflits, les acteurs, les lieux, les usages, les effets d’influence et de voisinages. L'histoire culturelle contemporaine se fait à plusieurs niveaux : - dans la période qui précède la réalisation des édifices muséaux, à travers l'analyse des réalisations architecturales et de leurs esthétiques, auprès des architectes auteurs des édifices.- Dans un autre temps, sont développés la réception et les usages des lieux mis en fonction des réalisations, et les effets d’influence des réalisations et de l'architectureThe thesis concerns the history of contemporary architecture artistic and cultural. The period is the 20th century and the events take place in New York and Paris. - My research poses the following hypothesis. The creation and erection of the first museum of modern art, the MoMA in New York, opened the way to contemporary architecture though the edification of the museum. American and French views on architecture do not stem from the same school of thought. One direction of architecture leans on a formal view findings links in art and the reception of art, the other architecture opens the formal projection of architecture in relation to the city. - The demonstration is done using examples taken from the history of modern architecture from 1910 until the late sixties : the creation of MoMA in New York in 1929 and its construction in 1939. Then, there are the works of the Solomon Guggenheim Museum in 1959 and the realization of the Whitney Museum in 1966, and the enlargements of MoMA. In parallel, we are developing the construction of the National Museum of Modern Art in Paris in 1936, at the Palais de Tokyo. The following are taken into account the different intellectual considerations in Art, the artists, the conflicts, the actors and the places, the different uses and the influence of the neighbouring areas on the museums themselves, the architects and the aesthetics of the buildings put into function and the effects/influences caused by each building
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Guyot, Elsa. "Les représentations du Moyen Âge au Québec à travers les discours muséaux (1944-2014) : pour une histoire du goût, du collectionnement et de la mise en exposition de l'art médiéval au Québec." Thèse, Montpellier 3, 2015. http://hdl.handle.net/1866/13601.
Full textAbstract:
Cotutelle de thèse France-Québec : Université Paul-Valéry Montpellier 3 et Université de Montréal. Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de cette thèse a été dépouillée de certains documents visuels. La version intégrale de la thèse a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.Cette thèse a pour but d’étudier les diverses représentations du Moyen Âge au Québec à travers un corpus d’expositions parcourant le XXe siècle et le début des années 2000. Nous nous intéressons au rôle joué par l’espace muséal québécois dans la diffusion de discours sur cette période européenne. Chaque exposition est replacée dans son contexte de création afin de mettre en évidence les raisons d’ordres religieux, culturels, politiques et linguistiques qui incitent les musées à privilégier telle ou telle représentation du Moyen Âge.
This thesis aims to study the various representations of the Middle Ages in Quebec through a corpus of temporary exhibitions held during the twentieth century and the early 2000s. We question the role played by the Quebec museums in the diffusion of discourses about this European period. In order to highlight the religious, cultural, political or linguistic reasons for museums to focus on a specific representation of the Middle Ages, each exhibition is replaced within its original context of creation.
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Wang, Hsiao-yun. "Le marketing des arts et de la culture : le cas des expositions éducatives pour les enfants dans les musées." Thesis, Lyon 3, 2014. http://www.theses.fr/2014LYO30003.
Full textAbstract:
Avant la fin des années 1980, l’enfant n’était pas encore le public visé dans les musées. Faute d’espaces et d’expositions pour enfants, nous nous demandons si un musée destiné au jeune public est nécessaire. En vue de mettre en œuvre l’éducation muséale pour l’enfant, nous aborderons l’exposition éducative pour comprendre ce qui semble nécessaire à un tel projet. Et face au phénomène des expositions blockbuster, nous verrons comment le musée se met en relation intime avec le marketing qui joue un rôle de communication entre le public, l’éducation, l’exposition et le musée. De ce fait, nous traiterons du modèle de Disneyland qui adopte des méthodes de marketing pour attirer le public enfant et familial. Le fonctionnement du musée semble influencé par ce modèle, et s’oriente vers une tendance à la « disneylandisation ». Le musée, pour mieux remplir l’une des ses missions, la mission éducative, en visant le public enfant, doit-il prendre le risque d’un glissement vers la disneylandisation en adoptant des méthodes de marketing ? Nous traiterons deux grands points : l’analyse BEST étudiera l’environnement afin de comprendre les problèmes existants dans le domaine du musée ; la pratique BEST discutera des possibilités de résolution des problèmes existants dans le fonctionnement du musée. Cette thèse tentera de contribuer à élaborer un modèle de référence d’un système opératoire et offrira des propositions, par une approche renouvelée du marketing, pour répondre à l’équilibre de l’offre éducative du musée et de la demande du public enfantPrior to the late 1980s, for example, children were not part of the museum audience. Lacking spaces and exhibitions for children, museum education for young people was absent. In order to support the implementation of museum education for children, we will discuss the types of exhibits appropriate for this endeavor. Recognizing the phenomenon of blockbuster exhibitions in particular, the purpose of this research is to investigate how museums elevate the practice of marketing, and how marketing plays a role in the interplay between the public, educational goals, the exhibit and the museum and influences the operation and presentation of the museum. We discuss the model of Disneyland, which employs marketing methods to attract children and family audiences. Museums seem to be influenced by this model, leading to a tendency of “Disneylandization.” Is it necessary for a museum that wishes to fulfill an educational mission and aim at a child audience to risk “Disneylandization” through its marketing methods? Our study provides an analysis of the methods of art marketing as they relate to educational museum exhibitions for children. We deal with two major issues: the “BEST analysis” to explore the environment and to understand the existing problems in the museum field; and the “BEST practice” approach to possible ways to solve the existing problems in the operation of the museum. The thesis proposes, in conclusion, to demonstrate that marketing gives to museums the means of better fulfilling their social and educational mission. We will show that a renewed approach to marketing makes it possible to use the proposed techniques to better meet the educational objectives of the museums; in other words, to more closely join supply (of education) and demand (by families and children)
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Machado, Tatiana Gentil. "Projeto expográfico interativo: da adoção do dispositivo à construção do campo da interatividade." Universidade de São Paulo, 2015. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/16/16136/tde-08032016-170135/.
Full textAbstract:
Este trabalho procura refletir sobre como o projeto expográfico pode ser desenvolvido de modo a construir o campo da interatividade. Dada à exacerbação em torno da ideia de interatividade e da quase incondicional exigência da mesma nos novos projetos de exposições, o que se pode observar muitas vezes é conseqüente banalização de seu conceito em função da superficialidade com que acaba sendo tratado - seja pelo desconhecimento do conceito em sua completude, seja em virtude da redução ou da simplificação do mesmo. Uma das tendências atualmente é a associação direta e automática da interatividade com meios e dispositivos digitais - como se estes necessariamente promovessem a interatividade. O que resulta na adoção cada vez mais freqüente de dispositivos deste tipo pelos museus, com o argumento de que os mesmos têm o potencial de quebrar a relação mediativa e a comunicação \"unidirecional\". Entretanto, uma das hipóteses assumidas aqui é a de que esta associação é equivocada e que a simples adoção de dispositivos digitais não garante a promoção da interatividade no ambiente expográfico. Desta primeira hipótese, deriva a segunda, segundo a qual seria necessário desvincular a ideia da interatividade da relação direta e automática com os meios digitais, para, então, considerá-la em sua essência: como relação dialógica. O museu não pode deixar de ter em mente que o seu potencial está não apenas em fornecer informações, mas em estruturar oportunidades para que os visitantes possam compreendê-las e (re-)significá-las, possibilitando e estimulando, assim, que construam suas próprias identidades, e encontrem seu lugar no mundo. O projeto expográfico seria, então, um dos maiores recursos de que dispõe o museu para construir o campo desta interatividade.This research aims to reflect on how the exhibition design can be developed in order to build the field of interactivity. Given the exacerbation around the idea of interactivity and its unconditional requirement in many recent exhibition projects, what one can often see is the consequent trivialization of his concept due to the superficiality with which it ends up being treated. One of the trends is currently the direct and automatic association of interactivity with media and digital devices - as if they necessarily promoted interactivity. This results in an increasing adoption of such devices by museums, on the grounds that they have the potential to break the meditative relationship and the \"one-way\" communication. However, one of the assumptions here is that this association is mistaken and that simply adopting digital devices does not guarantee the promotion of interactivity in the exhibition environment. This first hypothesis leads to a second assumption, according to which it is necessary to detach the idea of interactivity of the direct and automatic relationship with digital media, and consider it in its essence: as a dialogical relationship. The museum can not fail to keep in mind that its potential is not only to provide information, but in structuring opportunities for visitors to understand and (re-) signify them, enabling and encouraging the construction of their own identities and the definition of their place in the world. The exhibition project is one of the major resources available to the museum to build the field of this interactivity.
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Procházka, Libor. "Pavilon savců a ptáků Asie - ZOO Dvůr Králové." Master's thesis, Vysoké učení technické v Brně. Fakulta architektury, 2009. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-215631.
Full text
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Castel, Mathilde. "La muséologie olfactive, une actualisation résonante de la muséalité de Stránský par l'odorat." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA053/document.
Full textAbstract:
A l’instar d’autres médiums, la muséologie permet de rendre compte d’une manière dont l’homme s’approprie spécifiquement la réalité. Cette dernière consiste à y sélectionner des objets, à les prélever, puis à les agencer dans le cadre d’expérience que constitue le musée afin de créer ce que l’on appelle une réalité muséalisée : addition de savoirs contenus dans les objets, manifestés par l’exposition, puis proposés à l’acquisition par l’intermédiaire de sa visite. Cette relation spécifique de l’homme à la réalité est appelée muséalité et telle que ci-dessus relatée, renvoie aux travaux du muséologue Zbynĕk Zbyslav Stránský pour qui la collection d’objets revêt une place centrale au sein du système muséal. Mais à l’heure du numérique connecté et de la possibilité que nous avons de voir les éléments de la réalité sans se trouver physiquement en leur présence, l’importance accordée à la collection d’objets par Stránský semble rendre sa conception de la muséalité obsolète à penser la muséologie. Prenant par conséquent appui sur les travaux du sociologue et philosophe Hartmut Rosa, et notamment sur leur désignation du rôle joué par la perception olfactive dans la qualité de notre relation au monde, la présente recherche s’attache à démontrer que si inadéquation il y a entre les théories de Stránský et l’actualité de l’appropriation de la réalité par l’homme, elle n’incombe pas tant à la dimension physique des objets de musées, qu’à la mono-sensorialité des moyens dont il nous est permis de les entretenir. Alliant la théorie à la pratique, ce travail argumente le fait qu’actualisé au prisme du concept de résonance proposé par Rosa, les travaux de Stránský jouissent encore d’une légitimité à penser les muséologies d’aujourd’hui et de demainLike other mediums, museology shows a way in which man specifically appropriates reality. It consists in selecting objects from it, taking them out and arranging them in the museum's experimental setting in order to create what is called a musealized reality: addition of knowledge contained in objects, manifested by the exhibition, and offered for acquisition through the visit. This specific relation of man to reality is called museality and as mentioned above, refers to the work of the museologist Zbynĕk Zbyslav Stránský for whom the collection of objects is central to the museum system.But in the age of digital and the possibility that we have to see the elements of reality without being physically with them, the importance given to the collection of objects by Stránský seems to make his conception of museality obsolete to think museology.Taking as a result the work of the sociologist and philosopher Hartmut Rosa, and in particular his designation of the role played by olfactory perception in the quality of our relationship with the world, the present research endeavors to demonstrate that if there is a mismatch between Stránský's theories and the actuality of the appropriation of reality by man, it is not so much because of the physical dimension of museum objects than the mono-sensoriality of the means of which we are allowed to maintain them. Combining theory with practice, this work argues that, updated by the concept of resonance proposed by Rosa, Stránský's works still have a legitimacy to think about museologies of today and tomorrow
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Dion, Michaël. "Scénographies communicationnelles des installations : regard esthétique et immersion sociale." Thesis, Bordeaux 3, 2019. http://www.theses.fr/2019BOR30010/document.
Full textAbstract:
Cette thèse explore l’espace communicationnel contemporain à partir de la forme installative. L’enjeu est d’envisager comment dans une société médiatisée où l’exposition est devenue la norme du visible, l’installation parvient à créer ou renégocier dans l’espace social des formes de visibilités. Ces reformulations sensibles proviennent du geste scénographique, tout à la fois processus de création et de représentation, à travers lequel peuvent être circonscrites des « scénographies communicationnelles ». L’installation artistique est l’espace archétypal servant à entreprendre cette réflexion. À partir d’un corpus d’installations artistiques contemporaines, nous analysons les processus par lesquels l’installation conduit à une expérience hétérogène de l’espace tendant favoriser l’immersion du visiteur et le renversement des cadres qui servent à intelligibiliser le réel. Ces processus font de l’installation un espace permettant d’expérimenter le sensible à l’aune d’agencements spatiaux qui en redéfinissent le partage. L’installation peut être conçue comme une forme scénographique constitutive de pratiques et de processus communicationnels tendant s’intercaler entre l’expérience esthétique et l’expérimentation sociale de l’espace. La « communication anthropologique du sensible » favorisée par des dispositifs artistiques de toutes sortes, permet justement d’illustrer comment l’installation, devenue une scène sociale, transforme tout à la fois notre perception et nos modes d’êtres communicationnels. Pour saisir et mettre en perspective ces enjeux à cheval entre les disciplines de la communication et de l’esthétique, cette réflexion prend comme point d’appui l’espace muséal. Le musée, espace scénographié et régime d’exposition matérialisé, permet d’observer comment le paradigme communicationnel intervient dans les pratiques culturelles à travers le rôle que joue l’espace, alors conçu comme une « scène ». L’installation d’abord envisagée dans le milieu typique de l’hétérotopie muséale, sera observée au fil de ses déterritorialisations dans l’espace social, mais aussi à travers des processus circulaires et réflexifs qu’elle provoque sur notre regard. Il s’agit finalement de se demander comment l’installation non plus seulement artistique peut faire lieu de support ou de modèle pour analyser l’espace communicationnel contemporain et plus loin, une hypothétique « société de l’installation »This thesis explores the contemporary communicational space on the basis of the installation form. The challenge is to consider how installation manages to create or renegotiate forms of visibilities in a media-orientated society in which exhibitions have become the norm of what is visible. These sensitive reformulations result from the scenography movement, defined as a process of creation and representation through which “communicational scenography” may be contained. The artistic installation is the archetypal space that will be used to undertake this reflection. Using a corpus of contemporary art installations, we will analyse the processes by which installation leads to a heterogeneous experience of space, which typically favours the immersion of the visitor and the reversal of frameworks which serve to make the real world intelligible. These processes make installation a space which allows for experimentation with the sensory experience in relation to spatial layouts which redefine its division. Installation may be appreciated as a form of scenography constituting of communicational processes and practices which tend to insert themselves in between the aesthetic experience and the social experiment of space. The “anthropological communication of the sensible”, promoted by all sorts of artistic devices, illustrates precisely the way in which installation, as a social stage, transforms both our perception and methods of communication. To grasp and put into perspective these issues, which criss-cross between the disciplines of communication and aesthetic, this reflection will focus upon space specifically within the museum. The museum, acting as both a set designed space and a stage of materialised exhibition, makes it possible to observe how the communicational paradigm intervenes in cultural practices through the role played by space, here defined as a “scene”. Initially considered in the typical environment of museum heterotopia, installation will be observed over the course of its derritorialisation in social space, but also through circular and reflexive processes that it may have on our perspective. In the end, it is a question of whether installation, a not only an artistic practice, can act as a medium or a template to analyse the contemporary communicational space and, further still, as a hypothetical “society of installation”
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Laberge, Marie Elizabeth. "Médiation de l'architecture par l'exposition et sa réception par des visiteurs experts et non experts." Phd thesis, Université d'Avignon, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00879654.
Full textAbstract:
Cette thèse s'intéresse à la médiation de l'architecture au musée et aux divers moyens employés pour communiquer le projet architectural en exposition. L'objectif est de mieux connaître la réception que font les visiteurs architectes et non-architectes des outils utilisés pour exposer les aspects variés du projet architectural. On s'entend pour dire que la communication du projet architectural par l'exposition n'est pas tâche facile. Des représentations diverses (dessins, maquettes, photographies, vidéos, etc.) sont utilisées pour exposer le bâti absent. Plusieurs des objets présentés sont complexes à interpréter, surtout pour un néophyte, notamment en raison des codes qu'ils contiennent. Une méthode souvent employée par les commissaires est la " mise en série " de divers types de représentations, chaque outil permettant d'accéder à des informations spécifiques sur le projet. Comme les objets présentés sont souvent difficiles d'accès et que leur présentation sous forme de série peut ajouter à la complexité, il apparaît important d'investiguer la manière dont les visiteurs font sens de ce type de dispositif. Cette recherche vise principalement à jeter les bases d'une connaissance empirique de la réception d'expositions d'architecture par les visiteurs. Six questions ont été retenues pour analyse : (1) Quels objets sont mobilisés par le visiteur? (2) Quels types d'opérations mentales sont faites en lien avec ces objets? (3) Quels sont les obstacles rencontrés, et que fait le visiteur suite à la rencontre d'un obstacle? (4) Quels aspects du projet architectural (matérialité, concept, contexte, etc.) retiennent l'attention du visiteur? (5) Comment le visiteur fait-il des liens entre les différents objets exposés sous forme de série? (6) Le profil professionnel des visiteurs (architectes vs non-architectes) a-t-il une influence sur la construction de sens? Le recueil de données auprès d'une trentaine de visiteurs s'est déroulé au Centre canadien d'architecture (CCA) de Montréal dans l'exposition " Perspectives de vie à Londres et à Tokyo imaginées par Stephen Taylor et Ryue Nishizawa ". Chaque participant visite l'exposition en compagnie de la chercheure avec qui il partage, au fur et à mesure de sa visite, ses pensées et émotions, selon la méthode des protocoles verbaux concomitants (aussi connue sous le nom de thinking aloud ou protocol analysis). L'ensemble des propos est enregistré pour permettre une retranscription exacte avant analyse. Plusieurs des résultats obtenus confirment des idées déjà avancées par les chercheurs telles la popularité des photographies, le peu d'intérêt de la part des non-architectes pour les plans, les aspects variés du projet mentionnés face aux objets exposés, ou encore l'établissement de liens entre les objets comme moyen d'identifier la série. D'autres résultats mettent plutôt en doute des affirmations retrouvées dans les écrits, mais encore jamais appuyées par des données empiriques. Par exemple, plusieurs commissaires considèrent que la maquette est un excellent outil pour communiquer l'architecture et qu'elle est appréciée de tous. Or, dans le cadre de la présente étude, la maquette est peu utilisée par les visiteurs. Le type de maquette et la manière dont elle est disposée dans l'espace peuvent ainsi rendre cet outil peu utile dans la construction de sens du visiteur. Plusieurs auteurs appréhendent des difficultés et des obstacles pour les visiteurs non-architectes. Les présents résultats confirment certaines difficultés des visiteurs néophytes, mais ils démontrent également que les architectes rencontrent eux aussi des obstacles variés
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Kinoshita, Harumi. "La diffusion culturelle internationale : les enjeux de la politique de prêts d'oeuvre et d'expositions du MNAM-CCI (Centre Georges Pompidou) pendant la période 2000-2007." Phd thesis, Université d'Avignon, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00767576.
Full textAbstract:
Le musée contemporain ne se caractérise plus seulement comme un lieu voué à préservation, conservation et présentation des collections mais comme un lieu inscrit dans des réseaux, comme le montre l'étude de la politique de diffusion : celle-ci est l'objet de ma thèse en sciences de l'information et de la communication intitulée " La diffusion culturelle à l'échelle internationale : les enjeux de la politique du prêt des œuvres et des expositions du Mnam-Cci (Centre Georges Pompidou) pendant la période 2000-2007 ".Le Mnam-Cci est l'un des plus importants musées au monde grâce à sa collection d'art moderne et contemporain. Il offre non seulement des expositions temporaires mais aussi de nombreuses activités culturelles : cinémas, conférences, concerts, spectacles. Sa collection se compose de 60 000 œuvres, est empruntée auprès des musées du monde entier.Compte tenu de la richesse de la collection, la politique du prêt des œuvres est l'une des stratégies importantes du musée. Dans la perspective d'une étude muséologique, l'analyse de la politique du prêt des œuvres nous paraît des plus pertinentes.La première partie de la thèse met en évidence les mécanismes de la circulation des œuvres et celles des expositions dans un contexte des territoires à l'échelle internationale. La deuxième partie de la thèse décirt la circulation des biens culturels à l'heure de la mondialisation. La dernière partie de la thèse montre le développement de la stratégie communicationnelle à l'échelle internationale à travers la politique de diffusion.C'est ainsi que ce travail montre la diffusion culturelle à l'échelle internationale par l'intermédiaire de la politique du prêt des œuvres et des expositions du Mnam-Cci.
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Piette, Jacques-Erick. "Le neuvième art, légitimations et dominations." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA081/document.
Full textAbstract:
En France, la bande dessinée est exposée dans des musées et des bibliothèques, ses dessins originaux sont vendus dans des galeries dédiées et par de prestigieuses maisons de ventes, mais est-elle pour autant réellement légitimée en tant qu'art au sein de ces champs ? Qui a initié et participe aujourd'hui à ce processus, et selon quelles stratégies ? Cette thèse s'attache à répondre à ces questions en mobilisant les concepts de champs et de légitimité développés par Pierre Bourdieu mais aussi par des emprunts théoriques et méthodologiques à différents sociologues de l'art comme Howard Becker, Serge Chaumier, Jean-Louis Fabiani, Nathalie Heinich, Bernard Lahire, Eric Maigret, Raymonde Moulin, ou Alain Quemin. En venant questionner les trois pôles que sont les artistes, les institutions et le marché, nous établissons un corpus d'évènements et de dessinateurs valorisés par ceux-ci, mais aussi des producteurs de ces évènements. En étudiant leurs déclarations et en allant à leur rencontre lors d'entretiens, nous analysons leurs motivations. Nous parvenons finalement à établir la relativité de la légitimation de la bande dessinée, tant en qualité qu'en nombre d'individus concernés. Malgré la mise en valeur d'un phénomène générationnel dans l'évolution du statut de la bande dessinée et de sa reconnaissance, nous concluons que l'acquisition d'une semi-légitimité (pour reprendre le mot de Jean-Louis Fabiani) du neuvième art est davantage d'un état de fait que d'un processus dynamique en cours d'évolutionIn France, museums and libraries exhibit comics, galleries devoted to them sell their original drawings and renowed art auction houses do too, but does it mean thereby that comics are truly legitimated as art within these fields ? Who initiated the process and today who keeps participating in it, and in doing so, according to which strategies ? This thesis seeks to answer these questions by gathering together the concepts of fields and legitimacy developed by Pierre Bourdieu but also by borrowing theories and methodologies from art socioloists such as Howard Becker, Serge Chaumier, Jean-Louis Fabiani, Nathalie Heinich, Bernard Lahire, Eric Maigret, Raymonde Moulin, or Alain Quemin. By questioning the three poles formed by the artists, the institutions and the art market, we have established a corpus of events, of strip cartoonists highlighted by these events and of the producers of these same events. By studying their declarations and by meeting them to interview them, we have analysed their motivations. We have finally come to establish the relativity of the legitimation of comics both for their quality and the number of the individuals concerned. Despite the fact that a generational phenomenon has been given prominence in the evolution of the status and the recognition of comics, we can conclude that the acquisition of a semi-legitimacy (to employ Jean-Louis Fabiani’s own word) by the ninth art is more of a fact than a dynamic process in development
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Jousselme, Gwladys. "Enseignement, pratique de l’art et rôle du musée en Russie : le cas du Musée russe de Saint-Pétersbourg." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040117.
Full textAbstract:
La pédagogie muséale est une discipline portant sur l’introduction de l’art et du musée dans le système éducatif et sur l’utilisation particulière des ressources muséales lors des visites au musée par les enfants. L’expérience russe est à cet égard particulière et mérite une étude approfondie que propose cette thèse. En nous concentrant sur l’étude du Musée russe, musée pionnier et chantre de la pédagogie muséale, nous comprenons que le musée est en Russie une institution extrêmement dynamique et porteuse d’innovations originales. Ces avancées sont le fruit d’une forte tradition ancrée dans le monde muséal russe depuis la période soviétique, durant laquelle le musée était un lieu d’éducation majeur. Aujourd’hui, la pédagogie muséale russe a évolué et n’est plus teintée de propagande. Le Musée russe, un des plus grands musées de Russie, a théorisé et développé la pédagogie muséale à un niveau jusqu’à présent inégalé dans le monde. Le Musée russe travaille depuis plus de vingt ans à offrir à l’éducation russe une humanisation de l’enseignement au moyen de l’art. Son programme éducatif « Bonjour musée ! » appliqué dans les écoles, de la maternelle au lycée, donne aux enfants, par l’étude de l’art russe et mondial, les bases culturelles indispensables à une harmonieuse compréhension du monde environnant, alliée à l’éveil du sentiment national, un thème cher aux Russes. L’analyse de l’expérience du Musée russe dans le domaine de la pédagogie muséale vise à montrer d’une part l’impact bénéfique de l’art sur l’épanouissement de l’enfant et d’autre part les multiples applications de l’art pour l’enseignement, par le développement de l’interdisciplinarité : enseignement des mathématiques, chimie, physique et langues étrangères par le biais de l’artThe museum pedagogy is a discipline on the introduction of art and museum resources in the education system. The Russian experience in this regard is particularliar and deserves further study as it is proposed in this thesis. By focusing on the study of the Russian Museum, museum pioneer of museum pedagogy, we find evidence that the museum is an institution in Russia extremely dynamic with original innovations. These advances are the result of a strong tradition rooted in the museum world since the Soviet period that the museum is a major place for education. Today, the Russian museum education has evolved and is no longer linked with propaganda. The Russian Museum, one of the largest museums in Russia, has theorized and developed museum pedagogy at a level far unequaled in the world. The Russian Museum has over twenty years offered the Russian education humanization of education through art. Its educational program "Hello museum! "applied in schools, from childrengarden to high school, gives children, trough the study of Russian and world art, cultural foundations necessary for a harmonious understanding of the surrounding world, coupled with the awakening of national consciousness, a beloved theme for Russians. The analysis of the experience of the Russian Museum in the field of museum pedagogy is to show, first the positive impact of art on the development of the child and secondly the multiple applications of art education for the development of interdisciplinarity: teaching of mathematics, chemistry, physics and foreign languages through the medium of art
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Germain, Floriane. "Les visites nocturnes, l’impact de la nuit sur l’expérience de visite : le cas de la cour Marly au musée du Louvre." Thesis, Avignon, 2014. http://www.theses.fr/2014AVIG1138/document.
Full textAbstract:
Cette thèse examine l’influence de la nuit sur la réception d’une visite de musée. Elle propose d’envisager le paramètre horaire comme participant de la construction de l’expérience et plus largement du sens donné à sa visite. Or, ce rapport de la nuit à l’expérience de visite est encore peu interrogé malgré les nombreuses occasions qui permettent de visiter de nuit des institutions culturelles telles que les musées ou les monuments historiques. L’analyse phénoménologique et sémiotique de cette situation de réception permet de comprendre ce que les visiteurs vivent et ressentent au cours d’une visite nocturne. Elle révèle une variation du sens qui se construit autour de l’émergence de la nuit à la fois comme donnée physique, naturelle, dans l’exposition et comme donnée mentale dans l’état d’esprit des visiteurs. À travers l’étude comparative de la réception de la cour Marly au musée du Louvre, de jour et de nuit, c’est l’univers du discours des visiteurs qui est mis en question. Les interactions entre la nuit, les visiteurs et l’exposition marquent, par rapport à la journée, un processus de transformation du sens donné par le message de l’exposition et du sens reçu par les visiteurs. Autrement dit, le changement lumineux intervenant entre jour et nuit influence la recomposition du discours de l’exposition par les visiteurs de nocturnes. La dimension émotionnelle ainsi que la fantasmatique de la nuit interviennent dans l’interprétation du discours de l’exposition et le transformentThe aim of this work is to analyse the impact of the night on the visitors’experience. Here, the time of the day is considered as a parameter of the processof meaning building within the visitor’s experience.The link between visitors’ experience and night has not yet been thouroughlyresearched although a lot of cultural events take place at night time and provideand occasion for visiting museums.The phenomenological and semiotic analysis of the night impact, and perception,lead to the understanding of the emotional experience of the visitors during anight time visit. It reveals a variation of the meaning created by the apparition ofthe actual night in the museum and of the idea of night in the visitors’ mind.A night and day comparison of the reception of the cour Marly, in the musée duLouvre, questions the visitors’ speeches. It shows a network of interactionsbetween the night, the visitors and the exhibition which initiates a transformationof the meaning given by the exhibition and received by the visitors.In other words, the lighting modification between night and day affects thereconstruction of the exhibition’s message operated by the visitors at night. Theemotional aspect as well as the night phantasmagoria partake in the interpretationof the exhibition’s message and change it.Key words: night - reception - visitors’ experience - interpretation - - - - - phantasmagoria - night visit
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Monteiro, Carla Rafaela. "Entre o Tejo e os Jerônimos: a Exposição Histórica do Brasil nas comemorações dos centenários de Portugal em 1940." Universidade de São Paulo, 2011. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8138/tde-18062012-085247/.
Full textAbstract:
O foco dessa dissertação é a Exposição Histórica do Brasil organizada no interior da Exposição do Mundo Português, em Lisboa, no ano de 1940, quando Oliveira Salazar decidiu comemorar os centenários da fundação de Portugal (1139) e o da Restauração (1640). A Exposição brasileira foi orientada e executada sob a direção de Gustavo Barroso, enviado a Portugal como um dos delegados do Brasil à Exposição do Mundo Português e como Diretor do Museu Histórico Nacional. Ao propor a Exposição Histórica do Brasil como tema, pretendeu-se compreendê-la como expressão de uma forma específica de reconstituir o passado do Brasil, tentando inseri-la no contexto cultural e político do período, contribuindo para o entendimento do modo pelo qual se configurou, na época, uma escrita da História do Brasil, simultaneamente, incrustada no Museu Histórico Nacional e no espaço dos eventos ocorridos em Portugal.The focus of this essay is the Historical Exposition of Brazil organized inside the Exhibition of the Portuguese World, in Lisbon, in 1940, when Oliveira Salazar decided to celebrate the centenary of Portugal foundation (1139) and of the Restoration (1640). The Brazilian Exposition was guided and carried out by the lead of Gustavo Barroso, who was sent to Portugal as one of the Brazilian representatives in the Exhibition of the Portuguese World and as the Curator of the National Historical Museum. In proposing the Historical Exposition of Brazil as a theme, the intention was to understand it as an expression of a specific way of reconstituting the past of Brazil, trying to insert it in the political and cultural context of the time, contributing to the understanding of how it configured, at the time, a writing of the History of Brazil, simultaneously, incrusted in the National Historical Museum and in the area where the events took place in Portugal.
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Soulier, Virginie. "Donner la parole aux autochtones : Quel est le potentiel de reconnaissance de l'exposition à plusieurs points de vue dans les musées ?" Thesis, Avignon, 2013. http://www.theses.fr/2013AVIG1129/document.
Full textAbstract:
Depuis la fin des années 1980, les collaborations avec les communautés autochtones semblent s’accroître dans les musées canadiens. Un déplacement apparaît de la prise de parole en contexte de revendication au don de parole en contexte muséal. Après la remise en cause des musées ethnologiques, la prise en charge de la parole autochtone annonce le temps de la reconnaissance. Seulement, le mot reconnaissance est employé dans des contextes variés en muséologie. Ses occurrences indiquent plusieurs sens, dérivés de la volonté de redonner dignité et respect aux peuples autochtones et de produire des expositions qui présentent leur patrimoine d’origine à la lumière de leurs points de vue. Selon une approche communicationnelle, notre travail a porté sur les pratiques des musées qui consistent à donner la parole aux peuples autochtones et à l’exposer. Le travail a été centré sur la combinaison des points de vue autochtones avec ceux des concepteurs-muséographes. L’entreprise de la recherche a visé à cerner les opérations induites et générées par cette situation d’entrecroisements de points de vue, plus ou moins discordants, qui doivent, d’une manière ou d’une autre, s’unir dans un même espace communicationnel. Le système polyphonique de l’exposition est conceptualisé en trois moments de médiation : la prise en compte, la monstration et l’interprétation des points de vue autochtones. Ils correspondent aux intentions des concepteurs-muséographes et des expositions, puis à la manière dont elles sont interprétées par les visiteurs. Nous avons réalisé quatre enquêtes de terrain dans onze musées à travers le Canada : observation participante ; entretiens individuels auprès de professionnels des musées ; analyse de discours ; entretiens de groupes auprès de visiteurs autochtones et allochtones. Nous avons examiné les pratiques collaboratives et croisé ces quatre formes de discours des musées afin de mettre à l’épreuve le potentiel de reconnaissance des expositions qui tiennent compte des points de vue des représentants autochtones. Il résulte que la patrimonialisation est conçue en tant que processus de reconnaissance. De plus, l’intensification de la patrimonialisation des objets autochtones est synchronique de l’expansion coloniale. Néanmoins, l’analyse de la prise de distance du concepteur-muséographe vis-à-vis de son point de vue et de celui des autochtones rend compte des relations complexes entre le don de parole, l’autorité de discours et l’auctorialité. Malgré les divergences entre les intentions explicitées par les professionnels et leurs intentions implicites dans les expositions, les discours des visiteurs autochtones et allochtones traduisent un contrat de reconnaissance entre le musée et les visiteurs. Ainsi, le principe polyphonique et ses formes de reconnaissance sont mis en évidence dans les espaces de production et de réception des expositions produites en collaboration. Notre recherche révèle plusieurs modalités de reconnaissance manifestes dans la combinaison et l’entrecroisement des voix autochtones avec celles des praticiens. Cet essai d’interprétation met au jour des conflits d’ordre patrimonial et socio-historique qui engendrent des mécanismes de régulation par assimilation/accommodation. Il décrit deux logiques fondamentales relatives à l’identité et à la mémoire. De ces adaptations mises en œuvre par les musées ressort un phénomène permanent de reconnaissance amorcé depuis la colonisation des territoires autochtones. La recherche suggère finalement d’envisager le musée comme lieu de reconnaissance non seulement du patrimoine, mais aussi des publics et des peuples donateurs et donataires du patrimoineCollaborations with aboriginal communities appear to be increasing in Canadian museums, with the communities shifting from speaking in a context of claiming theirrights to being given a voice in the museum context. In keeping with the questioning about ethnological museums, taking into account the voice of the aboriginal peoplesprefigures since the eighties the time for recognition. But the word recognition is used indiverse museum contexts.Based on a communicational approach, our research considers the links between thepolyphonic and recognition modalities of the exhibition media. We have attempted toidentify and understand the processes induced and generated by exhibitions’ interactionaland intertextual systems. The polyphonic system is conceptualized in three mediation moments in the production and reception spaces of the exhibition: acknowledgment, monstration, and interpretation of aboriginal points of view. They correspond to there cognition intentions of the exhibitions and designers-museographers, then visitors’recognition. We have conducted four field studies in eleven different Canadian museums : participant observation; one-on-one interviews with museum professionals; discourse analysis ; group interviews with native and non-native visitors. We have studied the collaborative practicesand these four types of museum discourses to demonstrate the recognition potential ofexhibitions dedicated to the aboriginals’ perspectives.Our research reveals several recognition modes manifest in the combination andinterlinking of aboriginals’ and practitioners’ voices; it identifies logic in the polysemy ofthe word recognition. This interpretation essay reveals patrimonial and socio-historical conflicts that generate regulation mechanisms through assimilation/accommodation. A permanent recognition phenomenon emerges from the adaptations implemented by themuseums since the beginning of aboriginal patrimonialization during the colonizationperiod. Our research proposes to apprehend the museum as a recognition place of heritage, but also of the general public and the peoples, whether donors or donees of that heritage
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Schmitt, Daniel. "Expérience de visite et construction des connaissances : le cas des musées de sciences et des centres de culture scientifique." Phd thesis, Université de Strasbourg, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00802163.
Full textAbstract:
Pouvons-nous saisir, comprendre et décrire l'expérience de visite dans un musée ? Cette étude aborde l'expérience des visiteurs à partir d'une perspective énactive comme ce qui fait sens du point de vue du visiteur dans le cours de sa visite. Les principaux résultats portent sur une méthode d'investigation originale dans le champ muséal qui autorise un nouveau point de vue sur l'expérience des visiteurs dans les musées. Nous montrons que l'analyse du cours d'expérience réalisée à partir d'un entretien en re-situ subjectif permet de décrire et de comprendre les unités élémentaires de l'expérience des visiteurs, ainsi que l'expérience globale de visite avec précision, finesse et profondeur. Nous mettons en évidence les actions et les cheminements cognitifs des visiteurs qui concourent à la construction de leurs connaissances et nous proposons des cours d'expérience typiques aux visites de musées.
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Van, de Casteele Marlène. "Le making of de la photographie de mode (1932-2017) : culture matérielle, instance collective, image plurielle." Thesis, Lyon, 2019. http://www.theses.fr/2019LYSE2095.
Full textAbstract:
Cette thèse entend entreprendre un making of de la photographie de mode, sur plusieurs décennies, et à l’échelle internationale. Un déplacement épistémologique est ainsi opéré. En effet, l’enjeu de cette étude n’est pas de procéder à une analyse esthétique de la photographie de mode, mais de déconstruire certaines idées reçues sur l’identité de ces images de mode principalement étudiées jusqu’ici par le prisme de la sémiotique, du genre, ou du paradigme identitaire. Tout en révélant différentes sources annexes qui gravitent autour de l’image, cette recherche tend à débusquer des matériaux documentaires qui n’ont pas été considérés dans l’histoire de l’art et de la photographie ; elle analyse ses porosités, en décelant les manques et les lacunes. De ce fait, il s’agit de révéler l’envers du décor pour explorer trois moments de la vie de ces images de mode, à une période donnée, en montrant les coulisses d’élaboration d’une photographie de mode, les conditions de collecte, de conservation, et enfin les pratiques d’exposition. Le propos de cette étude n’est donc pas de transcrire le parcours singulier d’un art dit « appliqué » en quête de légitimation artistique, mais de mettre en lumière les significations polysémiques et valeurs culturelles de la photographie de mode. Le terme makingof est ainsi entendu au sens élargi : il ne fournit pas seulement des informations et descriptions détaillées en montrant à voir la façon dont une photographie de mode ou une série éditoriale est réalisée, mais il s’intéresse aussi aux mécanismes internes de l’industrie de la mode, aux processus créatifs, aux réseaux, aux procédés de circulation, et aux processus institutionnels concourant à la création de valeur culturelle. Cette étude propose de percevoir le making of comme le résultat de pratiques, de négociations, d’échanges et de hiérarchies qui caractérisent, et vont au-delà de l’action même de produire et de publier une photographie de modeThis doctoral thesis intends to explore the ‘making-of’ of fashion photography, over several decades and geographies. The aim is to operate an epistemological displacement to rethink fashion photography beyond certain interpretations that identified its scope with semiotic, gender or identarian paradigms. Rather, this study proposes to think the ‘making of’ as a result of practices, negotiations, exchanges and hierarchies that characterize – but also move beyond – the very action of producing and publishing a fashion photograph. By shedding light on the multiple and overlooked sources produced around the production and circulation of the fashion image, the research explores three moments in the life of fashion photographs: the making of a fashion photograph; the collecting and conserving practices; and its exhibition. Therefore, the ‘making-of’ is here understood in a broad sense. This term is not only used to identify the descriptions and detailed information showing creative processes behind the production of a fashion photograph or an editorial series, but it also takes into consideration the mechanisms of circulations beyond the industry, the networks and the institutional processes concurring to the formation of the cultural value of an image. In doing so, this thesis sheds light on the polysemic meanings and values of fashion photography, moving beyond an interpretational path that has restricted this practice into an “applied” art in search of artistic legitimization
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Bělehradová, Věra. "Galerie letecké techniky a tradic letectví na letišti Medlánky v Brně." Master's thesis, Vysoké učení technické v Brně. Fakulta stavební, 2016. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-354975.
Full textAbstract:
Sport Airport complex Brno-Medlánky is nestled in the undulating hilly terrain in fields just beyond populated areas in Brno-Medlánky. The history of the airport dates back to 1924 when it was built the first wooden hangar for training purposes glider flights. Current state urban of airport is orderless. The aim is to streamline the complex and give it the order, allowing easy and efficient orientation in the space. The main intervention was the creation of a new central building - Aviation Museum. The concept of the design is based on the division of the whole area into two branches - communication axes, based on the mass preserved historic wooden hangars. Between the two communication arms is inserted a central axis on which is located the heart of the complex - Aviation Museum. It is a building organic form, inspiring axially symmetric wingspan (bird, airplane, beetle). It is this symmetry axis of the building creates a view towards building on the runway. Mass of the building used by the sloping terrain and is partially sunk under the ground. Building volume follows an upward slope from the outside and blends with the surrounding terrain. The internal layout consists of three floors, one of them is completely sunk below ground level and second half. The main entrance to the gallery is located in the uppermost floors, the direction of the exhibition is therefore directed downwards into the basement. The exposition is divided into six parts: RC models exposure, gliders exposure, powered aircraft exposure, screening room, children's exposure and air trainers. Other areas consist of building technical facilities. In the basement there is a workshop with aircraft lift, with the possibility of placement unexposed aircrafts. The supporting system of the building consists of two parts: reinforced concrete tubs and arched steel structure with a span of 50m.
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Júnior, Jair Sanches Molina. "Cinema ao vivo e experiências audiovisuais em tempo real." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27161/tde-07112017-152733/.
Full textAbstract:
Refletir sobre as experiências com imagens e sons em tempo real é pensar em uma ampla gama de possibilidades e experiências pela humanidade, desde os tempos mais remotos. Pelo fato dessas experiências audiovisuais em tempo real serem numerosas no tempo e no espaço, e já amplamente citada em diferentes estudos, esta apresentação tem por objetivo realizar um recorte mais restrito às experiências audiovisuais em tempo real no campo cinematográfico contemporâneo: uma arte, meio e processo em expansão que culmina na existência de um fenômeno semiótico, realizado principalmente através de modos experimentais com a presença do(s) autor(es) concebendo a experiência audiovisual, conjuntamente ao aparato tecnológico e ao público, todos participantes da criação e exibição da obra audiovisual no mesmo tempo em que ela ocorre, em transmissão direta para a tela de cinema, monitores, telas digitais ou espaços arquitetônicos. Com base em obras audiovisuais realizadas entre 2007 a 2017 desenvolveremos uma reflexão e análise das poéticas e técnicas das experiências audiovisuais em tempo real, de maneira a compreender com um olhar mais atento as possibilidades criativas e contribuir com a reflexão sobre estes formatos do audiovisual contemporâneo, cujos meios e processos estão em contínua expansão de suas fronteiras. Em estética do cinema, esta pesquisa segue em continuidade aos estudos e práticas do cinema experimental e em sua vértice ao cinema expandido.Reflecting about real-time imagery and sounds experiences is thinking about a wide range of possibilities and experiences for humanity, from the earliest times. Because the real-time audiovisual experiences are numerous in time and space, and already widely quoted in different studies, this presentation aims to make a more restricted cut-off to real-time audiovisual experiences in the contemporary cinematographic field: an art, medium and an expanding process that culminates in the existence of a semiotic phenomenon, performed mainly through experimental modes with the presence of the author(s) directing the audiovisual experience in real-time, together with the technological apparatus, the cast, and the public, all participants in the creation and exhibition of the audiovisual work at the same time as it occurs, in direct transmission to the cinema screen, monitors, digital screens or architectural spaces. Based on audiovisual works carried out between 2007 and 2017 we will develop a reflection and analysis of the poetics and techniques of audiovisual experiences in real-time, in order to understand with a closer look the creatives possibilities in live cinema and contribute with reflection on these forms of the contemporary audiovisual, whose means and processes are in continuous expansion of its borders. In aesthetics of the cinema, this research follows in continuity to the studies and practices of the experimental cinema, and in its vertex to the expanded cinema.
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Stokke, Michelle M. "Would you leave them behind? : disaster preparedness for live animals in museum collections /." 2007. http://library2.jfku.edu/Museum_Studies/Would_You_Leave_Them_Behind.pdf.
Full text
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Lebeau, Justine. "La réactualisation des collections fermées, études de cas : le Isabella Stewart Gardner Museum, le Kettle's Yard Museum & Gallery et la New Art Gallery Walsall." Mémoire, 2010. http://www.archipel.uqam.ca/3723/1/M11689.pdf.
Full textAbstract:
Ce mémoire fait l'analyse du phénomène de réactualisation des collections fermées et de ses stratégies en se basant sur trois études de cas : le Isabella Stewart Gardner Museum, le Kettle's Yard Museum & Gallery et la New Art Gallery Walsall. Restreintes par des législations, ces institutions ont développé différentes stratégies leur permettant de réinscrire le contenu de leurs collections fermées à l'intérieur d'enjeux actuels. Dans un premier temps, de la présentation de nos trois études de cas sont apparues des caractéristiques que nous avons réunies pour exposer l'idée de collection fermée et souligner sa valeur esthétique, historique et artistique : les restrictions testamentaires, la vision du collectionneur, l'expérience du visiteur, le type d'accrochage et la mise en exposition des œuvres et des objets. Ces caractéristiques nous ont permis de cerner le contexte à l'intérieur duquel les conservateurs, les directeurs et les commissaires d'exposition interviennent pour réactualiser les paramètres temporels, narratifs et spatiaux de la collection fermée. L'idée de collection fermée est également développée à l'aide de propositions connexes provenant de 1'histoire de l'art et de la culture. Dans un deuxième temps, quatre des principales stratégies de réactualisation ont été dégagées de nos trois cas de figure : la construction d'une nouvelle architecture basée sur la collection fermée, la mise en place de programmes d'artistes en résidence, la création de programmes d'expositions temporaires et l'accumulation d'œuvres à l'intérieur d'une collection parallèle. Ces stratégies permettent une ouverture et une réorganisation des paramètres narratifs, spatiaux et temporels de la collection fermée à partir du présent actuel tout en respectant les restrictions protégeant son intégralité. L'analyse de ces stratégies permet non seulement de marquer les paramètres de la collection fermée sur lesquels la réactualisation s'opère, mais également de mettre en évidence les valeurs esthétiques et conceptuelles des projets d'artistes, architecturaux, d'exposition et de collection menés autour de la collection fermée. Dans un troisième temps, nous avons questionné la constitution et le fonctionnement temporel de la collection fermée et du phénomène de réactualisation pour pointer les changements qui s'opèrent dans le temps sur la collection fermée. De sa constitution par le collectionneur à sa relecture à partir des interventions du présent en passant par son legs restrictif, la collection fermée subit des changements malgré l'immobilité de sa mise en exposition. Enfin, notre recherche ouvre sur de nouvelles hypothèses. La réactualisation serait rendue possible à l'heure actuelle en relation avec une nouvelle conception de l'histoire basée sur une vision anachronique du temps. Cette vision anachronique et son potentiel pour la discipline de l'histoire de l'art développés par Georges Didi-Huberman (2000) nous ont permis d'explorer le phénomène de réactualisation non seulement dans la gestion muséologique des collections qu'il implique, mais également d'en traiter par rapport à la constitution de l'histoire de l'art et du rapport instauré avec le passé.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Collection fermée, Isabella Stewart Gardner Museum, Kettle's Yard Museum & Gallery, New Art Gallery Walsall, réactualisation, exposition
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"From State Exposition Building to Science Center: Changing Ideals of Progress in Los Angeles, 1873-1992." Doctoral diss., 2018. http://hdl.handle.net/2286/R.I.51623.
Full textAbstract:
abstract: Los Angeles long served as a center of technological and scientific innovation and production, from nineteenth-century agriculture to twentieth-century aerospace. City boosters used spectacle-filled promotional strategies to build and maintain technological supremacy through industry. Evaluating the city’s premier industry-focused science museum, the California Science Center, is therefore a must. The California Science Center is one of the most-visited museums in the United States and is in the historic Exposition Park. Yet, no thorough analysis has been done on its influential history. This dissertation is an interdisciplinary study of the California Science Center, from its 1870s beginnings as an agricultural fairground, to the construction of the world’s fair-inspired State Exposition Building in the 1910s, to its post-World War II redesign as the California Museum of Science and Industry. It uses regional history, design history, and museum studies to evaluate the people behind the museum’s construction and development, how they shaped exhibits, and the ideologies of progress they presented to the public. This dissertation builds on established historical components in Los Angeles’ image-making, primarily boosterism, spectacular display, and racism. The museum operated as part of the booster apparatus. Influential residents constructed Exposition Park and served on the museum board. In its earliest days, exhibits presented Anglo Los Angeles as a civilizing force through scientific farming. During the Cold War, boosters shifted to promote Los Angeles as a mecca of modern living, and the museum presented technology as safe and necessary to democracy. Local industries and designers featured centrally in this narrative. Boosters also used spectacle to ensure impact. Dioramas, Hollywood special effects, and simulated interactive experiences enticed visitors to return again and again. Meanwhile, non-white residents either became romanticized, as in the case of the Mexican Californios, or ignored, as seen in the museum’s surrounding neighborhood, primarily-African American, South Central. Anglo elites removed non-whites from the city’s narrative of progress. Ultimately, this dissertation shows that the museum communicated city leaders’ ideologies of progress and dictated exhibit narratives. This study adds nuance to image-making in Los Angeles, as well as furthering regional analysis of science museums in the United States.Dissertation/Thesis
Doctoral Dissertation History 2018
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Benson, Bernadine Carol. "Addressing heritage crime in Gauteng, South Africa : an integrative exposition." Thesis, 2013. http://hdl.handle.net/10500/13055.
Full textAbstract:
This research explored, described and explained the nature and the extent of heritage crime as it manifested in the Gauteng Province of South Africa for the period 2006-2010. Gauteng was selected since it is deemed to be the hub of the legal trade. An operational definition of heritage objects was drafted for this study as ‘objects of artistic, cultural, historic or archaeological value regardless of age, housed in or curated by museums or galleries within Gauteng, and which are both tangible and moveable.’ Heritage crime for the purpose of this study was the illegal removal of any heritage object from a museum or gallery.
The annual crime statistics released by the South African Police Services (SAPS) contain no reference to heritage crime of any sort. Therefore this research attempted to quantify the incidents of thefts experienced by museums and galleries in Gauteng for the period 2006-2010. Using a mixed method approach, data were gathered by qualitative and quantitative surveys. A total of 28 qualitative interviews were conducted. These data were integrated with the quantitative data which permitted the achievement of the strategic aims set out for this research. The following aims were achieved:
• The roles and responsibilities of the custodians of the national estate were clarified; • International conventions designed to assist in combating crime perpetrated against cultural property were discussed;
• The national legislation which guides the management, preservation and protection of heritage objects as well as the trade therein within South Africa was examined;
• Policing agencies at the forefront of combating heritage crime were interviewed and international best practices were identified and compared with that which the SAPS are doing to address crime of this nature. These police agencies are situated in Italy, the United Kingdom, the USA and Germany;
• The dynamics of the reported incidents of loss/theft were examined. Several anomalies were identified. Among these are the identification of the typologies of items being targeted and the possible identification of the type of thief perpetrating these crimes.
• Through analysis of incidents it was also possible to highlight that the majority of thefts occur during the time when museums and galleries are open and that the items stolen are usually on open display (not affixed to the surface and not behind a barrier of any sort).
Through the analysis of the data for legal trade and the theft incidents it was possible to design a Framework depicting the interface between the legal and illegal markets for trade in heritage objects. The research also provides law enforcement with minimum guidelines to ensure that crimes of this nature are addressed more effectively.D.Litt. et Phil.
Department of Criminology (Police Science)
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Belo, Cristina Maria dos Santos Antunes. "A musealização do Palácio Nacional de Mafra." Master's thesis, 2010. http://hdl.handle.net/10071/3855.
Full textAbstract:
O conjunto arquitectónico de Mafra (palácio, convento e basílica), é considerado o expoente máximo da arquitectura barroca em Portugal. O palácio foi residência real do século XVIII até 1910. O palácio está aberto ao público como museu desde 1911.
Esta dissertação de mestrado centra-se no Palácio Nacional de Mafra enquanto instituição museológica. É um estudo sobre a evolução da musealização neste espaço, uma reflexão sobre as práticas museológicas e a forma como é feita a construção do espaço e do discurso expositivo nesta instituição museológica. Faz um percurso histórico desde a sua construção mas centrando-se nos processos de musealização desde 1911 até aos nossos dias.
O palácio enquanto casa real (desde meados do século XVIII) é palco da vivência de várias gerações da família real. Enquanto instituição museológica é o veículo não só das memórias individuais de várias personagens reais mas também veículo de memória de um conceito mais abstracto que é o de realeza.
À instituição museológica compete a elaboração de um discurso sobre os objectos e os espaços que é necessariamente selectivo. Assim, de 1911 à actualidade, vários conservadores fizeram opções de musealização cujas razões se pretende analisar.The architectonic ensemble of Mafra (palace, convent and basilica), is considered the maximal exponent of baroque architecture in Portugal. The palace was a royal residence from XVIII century till 1910. The palace is open to the public as a museum since 1911. This dissertation focuses in the National Palace of Mafra as a museological institution. Is a study regarding the musealization evolution of this space and a reflection on the museological practices and how the museum discourse construction is done. Refers to the historical background since the construction but it focuses in the musealization processes from 1911 till nowadays. The palace, as a royal residence since mid XVIII century, is the stage of several generations’ royal family life. As a museological institution is the carrier of individual memories of several royal persona but also carrier of the memory of a much abstract concept of royalty. The museum discourse constructed over the objects and spaces is a responsibility of the museological institution which is necessarily selective. So, from 1911 till nowadays, several curators have taken curatorial decisions on musealization which reasons we pretend to analyze.
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KAO, HUANG-CHUAN, and 高凰娟. "Conceptual Quest for a Virtual 'Live City Museum'--A Study on the Comprehensive Experience from the Backpackers' Cultural Tour Itineraries to the City of Seoul." Thesis, 2018. http://ndltd.ncl.edu.tw/handle/p8c9v3.
Full textAbstract:
碩士輔仁大學
博物館學研究所碩士班
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This thesis is relevant to four functions of museum are, collection, exhibition, education, research. The foundation is searcher’s experience of Korean culture by independent travel, to compare confer how Seoul as a city has turning into a living museum itself. Initial theory is all about sequence of cultural history, extending to concentrate of cultural construct. Tentatively, visiting Seoul city itself as like reviewing all its culture, all simply combine experience of cultural tourism and museums. In chapter three, culturally strategy has carried out for three mayors of Seoul city, the main purpose is how to popularize the city which is teeming with culture thoroughly, and team work with brands. How the execution is processing, from surroundings turning into museum vividly in upcoming chapter four. In view of combination of Museology and Tourism, many resemblances can be realized between living surrounding and museum, as demonstration as well. In conclusion, city being museum is truly carrying out but in the abstract by using all facilities, and unite all wealth of culture. The characteristics of such a "Museum", are of ecological altitude (Environment in its Entirety), of recognizing city heritages as "museum objects", of city cultural governance as curatorship, of city tour guide as museum docentship, and particularly, of regarding the magnitude of the ability of cultural interpretation of all museums within the city limits as part of the construct of this "Mega City Museum". This thesis takes Seoul, the capital city of South Korea, as the study field that all the above mentioned points would put to be contested.
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Houle, Nathalie. "Le discours muséal à travers l'exposition des collections de quatre musées d'art : Montréal, Québec, Joliette et Sherbrooke." Thèse, 2013. http://hdl.handle.net/1866/10384.
Full textAbstract:
Les musées d’art sont des lieux privilégiés pour contempler les productions artistiques du passé et d’aujourd’hui. En vertu de leur mandat, ceux-ci ont la tâche difficile de concilier leurs fonctions de délectation et d’éducation du public. Certains favorisent une approche plutôt que l’autre, mais tous portent un regard subjectif sur ce qu’ils exposent. Même si les oeuvres semblent être disposées naturellement dans les salles, tout ce qui relève de la conception et de la réalisation des expositions est savamment construit et résulte d’un parti-pris de la part du musée. En fonction de ses choix, c’est-à-dire de ce qu’elle présente ou non et comment elle le fait, l’institution muséale participe à la définition de ce qu’est l’art et influence la signification des oeuvres. En conséquence, chaque musée est producteur d’un discours qui véhicule notamment sa vision de l’histoire de l’art et ses valeurs institutionnelles. Ce discours est produit tant par les écrits qui sont installés auprès des oeuvres que par l’ensemble du dispositif muséographique qui les entoure. Ce mémoire explore, à travers l’analyse comparative de quatre musées des beaux-arts québécois, les éléments constitutifs d’un tel discours ainsi que les relations qui s’instaurent entre les différentes composantes du discours muséal et ce qui est montré dans leurs salles d’exposition.Art museums are the perfect settings to gaze at past and actual works of art. According to their mandate, the museums have to conciliate two functions that can be difficult to manage, that is to say their functions of enjoyment and education. Some favor one approach instead of the other, but each museum is subjective in the way it exhibits works of art. Even if the art seems to be displayed naturally in the galleries, everything that is related to the conception and the realisation of the exhibition is the object of a construction and results from a decision of the museum. In accordance with their choices, that is to say which objects are presented or not, and the way they are exhibited, the museums contribute to define what art is, and influence the meanings of the works of art. Consequently, each museum transmits its own vision of art history and its institutional values. This particular discourse can be foregrounded as much by the writings installed near the works of art as by the museography around them. With a comparative analysis of four fine arts museums from the province of Quebec (Canada), this thesis explores a typology of museums discourses, as well as the intertwined relations between the different components of those discourses and the works of art that are shown in their galleries.
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Dubreuil, Martine. "Les acquisitions du Musée d'art contemporain de Montréal 1992-2012." Thèse, 2017. http://hdl.handle.net/1866/19041.
Full textAbstract:
Le sujet de notre thèse concerne les acquisitions par achat et par don réalisées au Musée d’art contemporain de Montréal (MACM) entre 1992 et 2012. Nous documentons l’agrandissement de la collection qui est passée de 3000 œuvres à 7500 au cours de ces deux décennies pour déterminer s’il y a présence de sens motivant les acquisitions (collectionnement) ou si au contraire, il s’agit d’une accumulation d’œuvres.
Au cours de la période étudiée, nous constatons les difficultés que le MACM rencontre pour maintenir ce sens en raison de certains facteurs : la décision du gouvernement en 1992 d’acheter au nom du MACM la collection corporative Lavalin (1324 œuvres), les années de restriction financières à partir de 1992 et leurs effets sur le budget d’acquisition du Musées, ainsi que les trois changements de direction.
Nous examinons aussi les 31 expositions de la collection mises sur pied par les conservateurs du MACM à partir d’œuvres provenant exclusivement de la collection entre 1992 et 2012. Nous considérons l’exposition comme lieu privilégié pour communiquer le sens que le Musée entend donner à sa collection et à cet effet nous y regardons les œuvres présentées, le parcours, les réitérations d’œuvres.
Notre enquête montre qu’après vingt ans de présence au centre-ville, les acquisitions sollicitées par achat ou par don qui rejoignent la collection du MACM sont soutenues par une intention double : la mise en avant des étapes de la modernité artistique au Québec, et la présentation de ce qui se fait dans l’actualité. Le sens motivant les acquisitions est parfois confus notamment en ce qui concerne les œuvres de la collection Lavalin dont seul un faible pourcentage (une centaine) remplit les conditions.
Notre étude des 31 expositions de la collection met également en évidence l’existence d’une présentation et d’un parcours suivant la double intention du collectionnement, à savoir : l’arrivée de l’abstraction et le cheminement stylistique de l’art contemporain au Québec ainsi que la monstration de l’actualité artistique. Dans ce domaine également, un nombre restreint d’œuvres provenant de la collection Lavalin sont représentées.
Finalement, afin d’ouvrir une fenêtre sur d’autres façons de faire nous faisons quelques petits détours. Nous regardons les propositions apportées par la vaste étude sur l’état des musées québécois Entre mémoire et devenir, aussi appelé le Rapport Corbo (2013) pour répondre aux questions de collectionnement, d’engorgement des réserves et de désactualisation de certains corpus de la collection. Nous examinons aussi comment d’autres institutions vouées à l’art contemporain de par le monde répondent à des questions similaires.The aim of this thesis is to document and examine 20 years of collecting at the Museum of Contemporary art of Montreal between 1992 and 2012, a period during which the collection went from 3300 works of art to more than 7700. We investigate the development of the collection and its representation via exhibitions organized by the Museum. We seek to report what the acquisitions tell us about the institution, the orientation it is giving its collection and the message it seeks to transmit. Our research based on analysis of facts collected in public documentation examines the composition and functioning of the various decision committees responsible for acquisitions, and the financing of the institution. It details acquisitions made via purchase and gift, looks at the style and date of the works selected. It documents the arguments (justifications) brought forward in order to acquire the work and add it to the collection. It observes the image the Museum wants to convey of its collection through its exhibitions. Our study draws a factual portrait of collection during the mandates of the 3 directors in charge of the Museum over a 20 year period and the idea of the collection they tried to communicate via exhibitions.
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Moineau, Claire. "La construction des artistes femmes du Moyen-Orient dans les expocollections du Centre Pompidou : les cas de "elles@centrepompidou" et "Modernités plurielles de 1905 à 1970"." Thèse, 2018. http://hdl.handle.net/1866/21278.
Full text
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Bouchard, Karine. "L'exposition revisitée par le sonore : l'émergence de nouveaux régimes d'écoute au musée d'art." Thèse, 2018. http://hdl.handle.net/1866/23433.
Full textAbstract:
L’art sonore et la musique apparaissent plus régulièrement dans la programmation de musées d'art depuis le tournant du 21e siècle et provoquent des transformations majeures au sein des pratiques de l'exposition. Toutefois, aucun modèle expositionnel n'a permis jusqu'à maintenant de réinvestir le sujet à partir des enjeux spécifiques au sonore, de ses technologies et de ses possibilités d'écoute, qui sont souvent négligées, ni de réévaluer intrinsèquement les limites des modèles oculocentristes qui ont orienté les discours et les pratiques des institutions muséales. Cette thèse revisite l'exposition du musée d'art, soit l'ensemble des espaces discursif et physique qui interagissent avec le lieu, en démontrant l'épuisement d'une logique rappelant les codes du white cube et de la black box, en proposant le studio de son et le concert de musique comme nouveaux modèles d'exposition, issus des modèles de production et de diffusion de l'industrie de la musique. Pour ce faire, cette recherche défend le postulat selon lequel le développement du sonore dans l'exposition est tributaire des sons enregistrés produits grâce aux technologies de reproduction et de diffusion sonores ainsi que des pratiques – individuelles et collectives – d’écoute de la sphère quotidienne. L'étude s'appuie sur une série d'expositions dévoilant différentes déclinaisons de la relation entre le discours muséal et la mise en espace selon des points d'ancrage sonores spécifiques : l'exposition d'art sonore Soundings: A Contemporary Score (2013) au Museum of Modern Art ; Ragnar Kjartansson (2015) et Anri Sala (2011) au Musée d'art contemporain de Montréal ; la musique électronique de Sonic Process (2002) au Centre Pompidou ; et finalement, la musique populaire au sein de l'exposition David Bowie Is (2013) développée par le Victoria & Albert Museum. De là, cette thèse démontre, en s'appuyant sur les théories des sound studies et de la phénoménologie de l’écoute, la manière dont le son exposé renvoie à des enjeux qui lui sont propres, à des éléments de mixage qui favorisent des régimes d'écoute au musée d'art et qui reconstruisent la posture du visiteur par l'errance. Au-delà de la dimension sensorielle, le son dans le contexte du musée d'art déplace les modèles théoriques et disciplinaires de manière à abolir les hiérarchies et à reconfigurer l'idée du musée sous l'angle de la résonance.Sound art and music have appeared in art museum programming with increasing regularity since the turn of the 21st Century and have caused major shifts in the exhibitory practices. However, no exhibition model has so far been able to properly account for the multifarious issues raised by sound in the museum space. There has been a failure to adequately address both the technological and audible opportunities of sound and, concomitantly, an inability to re-evaluate the intrinsic limits of oculocentric models that have guided the discourses and practices of museum institutions. This thesis revisits the exhibition practices of the art museum—the set of discursive and physical spaces that interact within these locations. It demonstrates the limits of a logic built on codes reminiscent of the white cube and the black box, proposing instead the idea of the sound studio and the music concert as new exhibition models, which are related to the production and distribution models of the music industry. To do so, this research initially argues that the development of sound in an exhibition context depends on the recorded sounds of reproduction and distribution technologies as well as the practices—individual and collective—of listening in everyday. The study is based on a series of exhibitions that reveal variations in the relation between the museum discourse mapped out above and the organization of the exhibition spaces according to sound-specific pieces: the exhibition of sound art Soundings: A Contemporary Score (2013) at the Museum of Modern Art; Ragnar Kjartansson (2015) and Anri Sala (2011) at the Museum of Contemporary Art in Montreal; the electronic music of Sonic Process (2002) at the Center Pompidou; and finally, popular music in the David Bowie Is exhibition (2013) developed by the Victoria & Albert Museum. From here, the thesis will demonstrate—based on the theories derived from both sound studies and listening phenomenology—the ways in which the sound within the exhibition space raises specific issues, how mixing encourages regimes of listening in the art museum and how the visitor's posture is transformed by the possibilities of wandering through the museum space. Beyond the sensory dimension, sound in the art museum context brings about a shift in theoretical and disciplinary models; abolishing hierarchies and reconfiguring how we understand the idea of the museum from the concept of resonance.