Dissertations / Theses on the topic 'Musica barroca'

Orientador: Luiz C. Marques Filho
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-07-16T01:54:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Kuhl_PauloMugayar_M.pdf: 11045077 bytes, checksum: 80a45ecb45fd41babd1d35ca8d80940d (MD5) Previous issue date: 1992
Resumo: Não informado.
Abstract: Not informed.
Mestrado
Historia da Arte
Mestre em História

Orientador: Aci Taveira Meyer
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-15T19:46:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Yansen_CarlosAlbertoSilva_D.pdf: 9019012 bytes, checksum: fc908c58d267fc30aab80a2e1038a796 (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: Neste trabalho buscou-se a identificação do material composicional como ponto de partida para uma interpretação. Contém ainda sugestões para a resolução de possíveis problemas técnicos e interpretativos relacionados ao Concerto Fribourgeois do compositor Almeida Prado. Justifica-se por contribuir para a arte da interpretação. Para tanto, foi necessário uma breve explanação sobre o Concerto, bem como um breve resumo histórico sobre os títulos dos movimentos. Em seguida, foi feita a identificação do material, sendo ressaltadas características relevantes, relacionadas à textura, ao tempo e à rítmica, à dinâmica, ao timbre, às ressonâncias e à forma, com ênfase no uso do material encontrado. Seguidamente, foi feito um levantamento sobre as dificuldades técnicas da obra e sugestões de solução que possivelmente interfiram na concepção interpretativa da peça. A conclusão traz possíveis interações entre os dados levantados, identifica elementos unificadores e elabora considerações acerca da estrutura da obra, formulando assim a base para uma interpretação. O trabalho ainda possui a obra toda digitalizada e em um de seus anexos, uma redução da grade de orquestra para um segundo piano
Abstract: In this study we sought to identify the compositional material as a starting point for an interpretation. It also contains suggestions for solving possible technical and interpretative problems related to the Fribourgeois Concert by the composer Almeida Prado. Its merit lies in that it contributes to performance. T35 herefore, a short explanation about the concert was necessary which is, in itself, a historic summary of the movement titles. Incluided also is identification of the material of the above mentioned piece highlighting relevant characteristics related to texture, tempo and rythym, dynamics, tone, ressonance and form with enphasis on the material found. Subsequently, a survey of on the technical difficulties of the piece and suggestions were made regarding possible solutions which will possibly interfere in the interpretative conception of the piece. The conclusion brings possible interactions among the data collected, it identifies unifying elements and draws considerations on the structure of the piece concerning the technical difficulties of the instrument, therefore, creating a groundwork for an interpretation. This work has also a digital version of the piece and, in one of the annexes, a reduction of the orchestra grid for a second piano
Doutorado
Doutor em Música

Resumo: Este trabalho trata de questões de interpretação de música barroca, mais especificamente de parâmetros interpretativos para a Sonata para Violino solo em Lá menor, BWV 1003 de Johann Sebastian Bach. A sonata faz parte de um conjunto de obras que são referência absoluta no repertório para violino e imprescindíveis na formação violinística. O estudo traz um resumo do debate travado no final do século XX sobre o papel do intérprete e sua relação com o texto musical e com o compositor. É apresentada uma síntese da crítica e autocrítica feita da interpretação historicamente informada e chega-se à conclusão que o movimento de música antiga é legítimo, trazendo diversificação para o cenário interpretativo. Para contextualizar a sonata, traço um histórico da música escrita para violino desde o início do século XVII até a gênese dos Sei Solo por volta de 1720. Uma análise é feita de sete gravações diferentes da sonata, quatro modernas e três com violino barroco, e estas são confrontadas com ou comparadas à literatura sobre interpretação dos últimos 300 anos.

Orientador: Helena Jank
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-08T03:12:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Scarinci_SilvanaRuffier_D.pdf: 2871057 bytes, checksum: 1ee2088b08c8ed4f846cbdf040db486e (MD5) Previous issue date: 2006
Resumo: Este projeto aborda de forma crítica e interdisciplinar os lamentos da compositora do seicento italiano, Barbara Strozzi. Para realizá-lo, diferentes abordagens tornaram-se necessárias: primeiramente fiz uma análise de seus lamentos mais representativos. Em segundo lugar, o confronto destas obras com obras similares de diferentes autores possibilitou a compreensão dos ideais estéticos e expressivos do período; e por último, estabeleci as conexões entre estas obras e o cenário cultural e ideológico que as circunda. As vozes de muitas mulheres, poetas e musicistas, criam um denso diálogo com a voz de nossa Venere canora. De Safo a Gaspara Stampa, das heroínas de Ovídio a Barbara Strozzi, todas elas expressam as dores do abandono com as cores violentas do desejo erótico. Tento explicar como a obra de Strozzi encaixa-se nesta tradição e como ela constrói a figura do ser abandonado dentro de um novo contexto, permeado pela força propulsora de Giambattista Marino. Como anfitriã da Accademia degli Unisoni, Barbara Strozzi cria uma música que dialoga com os intelectuais e poetas que freqüentam sua academia, usando uma linguagem que jocosamente provoca, seduz e corajosamente reafirma seu lugar como cortesã
Abstract: This project adresses in a critical and interdisciplinary way the Laments of the seicento woman composer Barbara Strozzi. This task is approached in three complementary steps: firstly an analysis of her most representative laments; secondly, confronting these works with similar ones from different authors, which enables us to understand the aesthetic and expressive ideals of the period; and thirdly the connections between these works and the cultural and ideological scenery that surrounds them. The voices from many women poets and musicians create a dense dialogue with the Venere Canora?s own singing voice. From Sappho to Gaspara Stampa, from Ovid?s heroines to Barbara Strozzi, they all express the pains of abandonment with the violent shades of erotic longing. I try to explain how Strozzi?s work fits into this tradition and how she constructs the figure of the abandoned being within a new poetic and cultural environment, permeated by the revigorating impulse of Giambattista Marino. Being the hostess of the Venetian Accademia degli Unisoni, Barbara Strozzi creates a music that dialogues with her male visitors in a language that wittily provokes, allures and bravely restates her position as a courtesan
Doutorado
Mestre em Música

Este trabalho se ocupa da tradução comentada para o português do Instruccion de Musica sobre la Guitarra Espanõla, de Gaspar Sanz (1697), um dos mais importantes livros de repertório e de instruções de como tocar a guitarra de cinco ordens, que ora denominamos guitarra barroca. A tradução procura contextualizar o texto de Sanz, levando ao leitor, mesmo aquele não habituado à leitura dos tratados dos séculos XVII e XVIII, subsídios que lhe permitam compreender o texto e tirar utilidade prática de seu conteúdo. Assim como o Instruccion, o trabalho aborda temas os mais diversos concernentes à guitarra barroca: música solística, para a compreensão da qual a afinação reentrante mostra-se essencial, música de acompanhamento em suas diferentes vertentes, Rasqueado, Ponteado e Obbligato, instruções de afinação, ornamentação, escolha das cordas e diferentes afinações. Abrange também, embora não como objetivo principal, uma proposta de metodologia para transcrição da tablatura original, levando em conta a afinação reentrante modificada. Os comentários sobre o vasto conteúdo do Instruccion baseiam-se na leitura da obra de Sanz, no cotejamento com outras fontes primárias e secundárias, mas também, e não menos importante, na minha experiência como instrumentista de cordas dedilhadas antigas há mais de quinze anos. Todos os exemplos e transcrições trazem o fac-símile para confronto, convidando o leitor a exercer sua curiosidade em relação às fontes primárias e fazendo disto, de fato, seu principal objetivo.
This work deals with the commented translation into Portuguese of the Instruccion de Musica sobre la Guitarra Española , by Gaspar Sanz (1697), one of the most important books of repertoire and instructions on how to play the five orders guitar, we now call baroque guitar. This translation aims to contextualize Sanz\'s, text, leading the reader, even those not used to reading the treaties of the seventeenth and eighteenth centuries, subsidies to help understanding the text and make practical use of it\'s content. As the Instruccion, this work addresses the most diverse topics concerning the baroque guitar: solo music, where reentrant tuning shows to be essential to their understanding, accompanying music in its various aspects, rasqueado, ponteado and obbligato, ornamentation, choice of chords and different tunings. It also covers, although not as its main objective, a proposed methodology for transcription of the original tablature, taking into account the modified reentrant tuning. Comments on the vast content of the Instruccion are based on the reading of Sanz\'s work in mutual comparison with other primary and secondary sources, but also, and not least, in my experience as a player of early plucked strings over fifteen years. All examples and transcriptions bring also the facsimile, inviting the reader to exercise their curiosity about primary sources and making it in fact their main goal.

Orientador: Edmundo Pacheco Hora
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Insstituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-12T16:10:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aguilar_PatriciaMichelini_M.pdf: 3684123 bytes, checksum: 24e1c408f76195a26447f223c958eec2 (MD5) Previous issue date: 2008
Resumo: Este trabalho investiga o uso da articulação na flauta doce durante a Renascença e o Barroco italiano através da análise dos tratados Fontegara (1535), de Silvestro Ganassi e Compendio Musicale (1677), de Bartolomeo Bismantova. Para uma compreensão abrangente do assunto, inicialmente procurou-se definir como se dá o processo de articulação na flauta doce, em seguida verificou-se o contexto musical e o papel do instrumento no período e nas cidades onde estes autores atuaram e finalmente foram estabelecidos paralelos com a fala e o canto contemporâneos. Na parte final as instruções sobre articulação de Ganassi e Bismantova foram transcritas, traduzidas e detalhadamente comentadas. O objetivo maior desta dissertação foi instruir o intérprete brasileiro sobre a forma de realizar tais articulações e de como adequá-las ao repertório, não exclusivamente ao daquele período. A metodologia utilizada foi o levantamento e leitura dos tratados e da bibliografia a eles relacionada associada à experiência da autora como intérprete de flauta doce. Foram utilizados conceitos de fonética para explicar a realização do processo de articulação na flauta doce, com o cuidado para que as explicações ficassem acessíveis ao leitor leigo no assunto. Constatou-se que os maiores indícios do uso da flauta doce na Itália durante os séculos XVI e XVII estão nas confrarias, academias e em situações informais; era um instrumento menos utilizado nos ambientes profissionais, mas muito apreciado por nobres amadores. Concluiu-se que a voz humana falada e cantada exercia influência na prática instrumental dos séculos XVI e XVII, que a língua utilizada como referência era o dialeto toscano e que a expressividade da língua era realçada no instrumento através do uso de dinâmicas e articulações irregulares. Constatou-se ainda que as principais sílabas de articulação indicadas nos tratados são te, de, re, le e che, principalmente nas combinações te-re, le-re e te-che. A maior diferença na realização destas sílabas entre intérpretes italianos e brasileiros é a predileção pela vogal [?] (pronuncia-se é) pelos primeiros e pela vogal [?] pelos últimos.
Abstract: This study investigates the use of syllable tonguing in recorder performance during the Italian Renaissance and Baroque periods through the analyses of the Fontegara (1535) treatise, by Silvestro Ganassi and the Compendio Musicale (1677) treatise, by Bartolomeo Bismantova. For a comprehensive understanding of this subject, first it was defined how recorder tonguing articulation occurs, then an analysis was conducted on the musical context and role of the instrument during the relevant period in the cities where these authors worked, and finally parallels were drawn against contemporary speech and singing. On the last part the instructions about tonguing syllables from Ganassi and Bismantova were transcribed, translated and comented in details. The major purpose of this study was to instruct Brazilian performers on how to implement such tonguing articulations and fit them into repertoires, which may include works not exclusively from that period. The methodology used for the analysis was an interpretation of the treatises and related literature that is associated with the author's experience as a performer. Phonetic concepts were used to explain the recorder tonguing articulations, and the descriptions were structured to be easily comprehensible by any reader. It was found that the most evidence of recorder use in Italy during the 16th and 17th centuries was apparent at religious orders, academies and informal situations; the instrument was used less frequently in professional settings, but was very appreciated by amateur noblemen. It was concluded that the spoken and sung voices influenced instrumental performance during the 16th and 17th centuries, that the language used as reference by performers was Tuscan dialect, and that the language expressiveness was emphasized in recorder performance through techniques of dynamics and irregular tonguing. It was also observed that the main tonguing syllables displayed in the treatises were te, de, re, le and che, specially the combinations te-re, lere and te-che. The most prominent difference between Italians' and Brazilians' use of tonguing syllables is the preference for the open vowel e [?] by the former and u [?] by the latter.
Mestrado
Mestre em Música

Orientador: Edmundo Pacheco Hora
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-08T23:18:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rosa_StellaJocelinaAlmeida_M.pdf: 8868389 bytes, checksum: c5eca93c5b6405115e9d07d8b3208c78 (MD5) Previous issue date: 2007
Resumo: A presente dissertação de mestrado tem como assunto principal aspectos teórico-práticos da realização de baixo contínuo, abordando-os através do estudo do conjunto de documentos deixados por J.S.Bach acerca do tema. O primeiro grupo de instruções, que recebeu especial atenção neste trabalho, data de 1725, e aparece nas páginas finais do volume de peças dedicado a sua esposa Anna Magdalena Bach. Intituladas ¿Algumas Regras do Baixo Contínuo¿, são quinze regras para a iniciação ao assunto, com finalidade didática e destinada ao uso imediato de alunos e familiares. O segundo grupo, de 1738, é um trabalho mais robusto e abrangente, resultado dos anos de atividade pedagógica de Bach em Leipzig, e leva o título ¿Preceitos e Princípios para tocar o Baixo Contínuo ou Acompanhamento a Quatro Vozes¿. Para um esclarecimento geral do assunto, recorreu-se a um estudo sobre as origens do baixo contínuo, apresentando um capítulo sobre as suas primeiras fontes históricas. A reflexão sobre o processo prático da execução de baixo contínuo, que foi objetivo principal da pesquisa, deu-se através da elaboração de uma série de exemplos musicais enfocando obras de música de câmara instrumental do compositor, além de uma análise do ¿Largo e Dolce¿, segundo movimento da Sonata em Si menor para flauta e cravo BWV 1030, cuja escrita para o último instrumento é considerada um modelo de realização de baixo contínuo do próprio Bach. O processo culminou na interpretação de obras do compositor de acordo com essas reflexões, e acredita-se que elas contribuam para o entendimento e execução de obras musicais escritas nessa linguagem
Abstract: The present dissertation has, as its main subject, the theoric and pratic aspects of figured bass realization, with a view from J.S.Bach¿s documents about it. The first group of instructions, which one has received special attention in this work, dates from 1725, and belongs to the final pages of Anna Magdalena Bach¿s notebook. ¿Some Rules of Thorough-Bass¿ are fifteen rules for the beginning in the matter, with didactic intentions and destined for his students and family¿s circle. The second group, from 1738, is a bigger and including work, resulting from his years of teaching in Leipzig, entitled ¿Precepts and Principles for Playing the Thorough-Bass or Accompanying in Four Parts¿. A study about the origins of the thorough-bass and its first historical sources is presented as a general understanding about the subject. As a main objective of the research, series of musical examples were developed to reflect about the pratic process of playing thorough-bass. They include works of instrumental chamber music by Bach, besides an analysis of the Largo e Dolce, second movement of the B minor Sonata for flute and harpsichord BWV 1030, in which the harpsichord part is considered a model for figured bass realization. The end of the work comes with the interpretation of the composer¿s music under these reflections, and we believe that they are a contribution for the understanding and execution of musical pieces written under this language
Mestrado
Mestre em Música

Orientadores: Helena Jank, Paulo Mugayar Kuhl
Acompanha anexos I-IV (308p., il. publicados separadamente) e Anexo V em CD-ROM
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-09T09:53:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Carpena_LuciaBecker_D.pdf: 28904081 bytes, checksum: 2b59739db096e3ab52bf504eb62fd4e4 (MD5) Previous issue date: 2007
Resumo: A tese trata da maneira como Reinhard Keiser (1674-1739) utilizou a flauta doce nas árias de suas óperas, e teve como objetivo principal ampliar o repertório orquestral e vocal com flauta doce. Para tanto, foram estudadas características da ópera no norte da Alemanha, a partir de suas origens, até o início das atividades do Theater am Gänsemarkt, em Hamburgo, onde Keiser trabalhou durante quase toda sua vida. Além disso, são apresentadas considerações a respeito do uso da flauta doce na música dramática dos séculos XVII e XVIII, de modo a compreenderem-se as especificidades propostas por Keiser. A bibliografia sobre o compositor, desde seus contemporâneos até a mais recente, é estudada com o objetivo de compreender o esquecimento e a reabilitação da produção de Keiser e sobretudo para conhecer quais características foram tradicionalmente atribuídas a ele. Por fim, apresenta-se uma discussão do uso da flauta doce nas árias de ópera de Keiser, comparando-as entre si e também com árias de outros compositores, com o intuito de caracterizar e contextualizar o emprego do instrumento, averiguando os procedimentos composicionais adotados. A análise dos dados levantados mostrou que Keiser manteve-se fiel a convenções tradicionais ao mesmo tempo em que as renovou, e ampliou princípios e procedimentos estabelecidos, acrescentando uma nova dimensão à flauta doce na música vocal e orquestral
Abstract: The thesis examines how Reinhard Keiser (1674-1739) used the recorder in the arias of his operas. The text presents some aspects of northern german baroque opera, from its origins until the activities in the Theater am Gänsemarkt (Hamburg), where Keiser worked almost his entire life. There are also some considerations about the use of the recorder in 17th and 18th century opera, in order to understand the specific solutions proposed by Keiser. The bibliography about the composer is analyzed from his contemporaries until the most recent authors, to understand the oblivion and the later rehabilitation of Keiser?s work, and, more especially, to know the specific characteristics assigned to him. At the end, the text discusses the use of the recorder in Keiser?s operas in order to characterize and contextualize it, verifying his composicional proceedings. The analysis shows that Keiser, though relying on traditional proceedings, renewed and extended them, giving a new place to the recorder in vocal and orchestral music
Doutorado
Praticas Interpretativas
Doutor em Música

Submitted by isabela.moljf@hotmail.com (isabela.moljf@hotmail.com) on 2016-08-04T19:35:57Z No. of bitstreams: 1 pedrohenriqueleite.pdf: 1334723 bytes, checksum: 030a65521a4207c14274376a97aefc36 (MD5)
Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-08-05T11:52:36Z (GMT) No. of bitstreams: 1 pedrohenriqueleite.pdf: 1334723 bytes, checksum: 030a65521a4207c14274376a97aefc36 (MD5)
Made available in DSpace on 2016-08-05T11:52:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 pedrohenriqueleite.pdf: 1334723 bytes, checksum: 030a65521a4207c14274376a97aefc36 (MD5) Previous issue date: 2013-10-22
FAPEMIG - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Minas Gerais
Este estudo tem por objetivo oferecer um novo olhar sobre um dos mais prolíficos intelectuais latino-americanos do século XX: o romancista cubano Alejo Carpentier (1904-1980). Parto da análise de um de seus últimos romances, Concerto Barroco (1974), considerado pelo autor como a Suma Teológica de sua carreira. Entendo-o como um espaço em que Carpentier representou alegoricamente muitas das ideias pensadas durante a vida, em especial, a defesa de um ―barroco americano e universal‖ como forma de definir as relações da América com o restante do mundo, numa inversão das relações entre centro e periferia. Ao lado desse discurso da singularidade barroca do continente, Carpentier foi reconhecidamente um fervoroso propagandista da Revolução Cubana (1959) e do Governo de Fidel Castro. Isso gerou muitas críticas a sua figura e algumas tensões em seu próprio discurso, que se refletiram em seus romances, particularmente em Concerto Barroco. É sobre essas tensões presentes no discurso de Carpentier, e que refletiram no referido romance, que centro minha análise como um todo. Trabalho com a hipótese de que a fuga pela música foi uma estratégia utilizada por Carpentier para aliviar as tensões provenientes de seu discurso e que acabaram expressas em Concerto Barroco
This study aims at to provide a new look at one of the most prolific Latin American intellectuals of the twentieth century: the Cuban novelist Alejo Carpentier (1904-1980). It starts with the analysis of one of his last novels, Concerto Barroco (1974), considered by the author as the Summa Theologica of his career. It takes it as a place in which Carpentier allegorically represented many of his ideas thought during his life. In particular, the defense of a baroque that is, at the same time, American and universal, that looked for redefine America‘s relations with the rest of the world, in an inversion of the relationship between center and periphery. Alongside this discourse of the uniqueness baroque continent, Carpentier was admittedly a fervent propagandist of the Cuban Revolution (1959) and the government of Fidel Castro, a fact that generated much criticism of his figure and some tensions in his own speech, which reflected in his novels, including Concerto Barroco. My analysis centers in these tensions within the discourse of Carpentier, and in the novel itself. My hypothesis is that music was an escape route used by Carpentier as a strategy to ease tensions from his speeches that had repercussions in Concerto Barroco.

A partir de la transcripció i edició crítica de la important col•lecció de vint-i-set motets a doble cor de Josep Reig (1595-1674), conservats en el que es coneix com a Manuscrit número 5 de Santa Maria del Mar de Barcelona, s'ha realitzat una anàlisi que contempla tres aspectes clau: anàlisi formal, vincles i divergències amb la teoria musical contemporània i elements retòrics que s'hi poden localitzar. Aquesta anàlisi ha estat posada en relació amb uns altres disset motets del mateix format de Joan Pujol (1570-1626) conservats a la mateixa font. D’altra banda la comparativa ha estat feta des de la perspectiva de la més que probable relació mestre-deixeble existent entre els dos compositors.Altres aspectes treballats han estat un aprofundiment en aspectes fins ara desconeguts de la biografia de Reig, com també la fixació del seu catàleg d’obra conservada. Igualment, la conservació de part del Manuscrit núm. 5 de Santa Maria del Mar ha permès d’elaborar-ne un estudi codicològic.L’objectiu principal de la tesi és, doncs, la descripció i aprofundiment en el coneixement del procés de consolidació de l’estètica musical barroca a Catalunya a través d’un dels principals corpus de repertori del que s’ha vingut anomenar primera etapa del Barroc.

Antes de empezar el estudio de la dramaturgia poético-musical de Antonio de Zamora (1665-1727) propiamente dicho, es necesario detenerse en la recepción de su obra durante los siglos XVIII, XIX y principios del XX. Esta, desvirtuada y errónea, motivó la postergación del dramaturgo y, con él, la fundamental etapa de entresiglos, convirtiéndose esta recepción en un indicador privilegiado del cambio de etapa cultura y literaria de España a lo largo del siglo XVIII. Tiene especial interés Leandro Fernández de Moratín, debido a que fue el primero que lo situó en la historiografía literaria a la vez que su despotismo neoclásico hizo que fuera el que peor entendió la obra del madrileño. El sentido dramático para el madrileño atiende a una percepción pragmática y dinámica del teatro, tanto palaciego como popular, y atiende a los menesteres que van surgiendo en la praxis dramática. Además, el estudio del prólogo a Comedias nuevas de 1722 y su contextualización literaria aporta una irrefutable prueba de la magnitud que ya en aquel tiempo empezaba a tener el elemento clasicista, tal y como lo pone de manifiesto Responde a don Panuncio don Armengol. Para la profundización en las fiestas reales barrocas del dramaturgo era indispensable realizar una revisión propiamente del género. Esta se centraba en una teorización que atendiera desde su concepción a un reconocimiento de los rasgos principales que posibilitan la existencia de fiestas reales barrocas. De esta manera se ha logrado un profundo estudio de las fiestas reales barrocas como ceremonias espectaculares dinámicas y aglutinadoras de poesía, música y escenografía, motivadas por una determinada “ocasionalidad” espacio-temporal e histórico-política y expresadas mediante el elemento fabuloso y no realista. Este nuevo marco teórico aplicado al autor ha permitido que por primera vez se haya podido estudiar desde la formación de un dramaturgo palaciego a la ideología y posicionamiento político y social del madrileño en los complejos e importantes tiempos de Carlos II y Felipe V. En esa evolución producida con la nueva dinastía, Antonio de Zamora será un protagonista en el proceso de adaptación y cambio del género poético-musical de principios del siglo XVIII. Además, se ha podido datar mediante la interpretación de la “ocasionalidad” las fiestas reales Viento es la dicha de amor (1708) y Desprecios vengan desprecios (1708), comedias de figurón tan importantes como El hechizado por fuerza (1698) o Don Domingo de don Blas (1707), así como confeccionar un catálogo de sus obras completas.
Before starting the study of poetic-musical drama of Antonio de Zamora (1665-1727), it is necessary to dwell on the reception of his work during the eighteenth, nineteenth and early twentieth centuries. This reception, which was distorted and misleading, led to the postponement of the playwright, and with him, the fundamental period between centuries, and turning its reception into a privileged indicator of the cultural and literary changing period in Spain during the eighteenth century. For the Madrilian, the dramatic sense serves to a pragmatic and dynamic perception of the theater and it serves the needs that arise in drama practice. The study of the prologue to Comedias nuevas, in 1722, and his literary contextualization provides the irrefutable evidence of the magnitude that began to have the classical element at the time as it is shown in Responde a don Panuncio don Armengol. In order to go into detail about the baroque royal festivities of the playwright, it was essential to carry out a review of the genre itself. This was focused on the theorizing that attends from its conception to the recognition of the key features that enable the existence of baroque royal festivities. Therefore, a thorough study of the baroque royal festivities as dynamic spectacular ceremonies has been done, these festivities include poetry, music and scenery, and are motivated by a certain space-time and historical-political "occasionality" and expressed by the fabulous and unrealistic element. This new theoretical framework applied to the author has allowed, for the first time, the study from the formation of a palace playwright to the ideology and political and social positioning of the Madrilian in the complex and important times of Carlos II and Felipe V. In this evolution produced during the new dynasty, Antonio de Zamora will be one of the protagonists in the process of adaptation and change of the poetic-musical genre of the early eighteenth century. In addition, figurehead comedies as important as El hechizado por fuerza (1698) and Don Domingo Don Blas (1707) have been dated by interpreting the "occasionality" of the real parties Viento es la dicha de amor (1708) and Desprecios vengan desprecios (1708), and it has also allowed to draw up a catalog of his complete works.

Doutoramento em Música - Violino
Ao abordar este tema, pretendemos oferecer um possível quadro de meios interpretativos, destinados a uma revelação actualizada do texto bachiano para violino solo. Considerando o manuscrito como fonte básica de informações, são analisados vários aspectos componísticos – ritmo, articulações, polifonia, harmonia, estrutura –, seleccionando os itens ou as características com incidência directa e maiores repercussões sobre a interpretação. Procurou-se encontrar convergências entre: a) a suposta representação sonora do autor, na época, e as especificidades do violino e do arco modernos, b) as dificuldades características do texto e os meios técnicos disponíveis na arte violinística actual, c) as exigências estéticas contemporâneas e a valiosa experiência conquistada, nas últimas décadas, pela interpretação em maneira barroca, autêntica, e com instrumentos originais.
By tackling this topic, we pretend to offer a possible frame of interpretative means that reveals an actual presentation of the Bach’s text dedicated to the solo violin. We considered the manuscript as the main information source and we analyzed the different compositional aspects – rhythm, articulations, polyphony, harmony, structure – selecting the points and the characteristics with direct incidence and main consequence on the interpretation. We tried to find the convergences between: a) the assumpted sound representation of the author and the specificities of the modern violin and bow, b) the characteristic difficulties of the text and the technical means on actual violinistic use, c) the contemporary esthetic demands and the valuable last decades practice on interpretation in the authentic styl, playing the original instruments.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 FARIAS.pdf: 10421 bytes, checksum: 00e25980bfec2bc9e52d75aa043b7157 (MD5) Previous issue date: 2010-04-12
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This dissertation presents a study of Brazilian composer Ary Barroso and his role in musical nationalism in Brazil. It seeks to understand how Ary Barroso expressed his national identity in his musical compositions. To achieve this end, a reflection is carried out about the phenomenon of nationalism in its theoretical foundations, thus seeking to understand the important role of music for the nationalist ideological purposes. This is followed by a discussion of the course of nationalism in Brazilian music, in which Ary Barroso played a considerable role. This can be verified both by the repercussion his work had and continues to have, judging by the public s reception and by the exposition of the composer s biographical aspects, in which, especially because of the content of his statements, his nationalist motivations are perceptible. Finally, a musical and contextual analytical approach to his musical production is employed to identify and describe the ingredients used by the composer to express, through musical form, aspects of a nation and the national feeling
Nesta dissertação é realizado um estudo sobre o papel do compositor brasileiro Ary Barroso no nacionalismo musical brasi leiro, procurando compreender a maneira como o mesmo compositor expressou a identidade nacional em suas composições musicais. Para isso, procura-se realizar uma reflexão sobre o fenômeno do nacionalismo em seus fundamentos teóricos, compreendendo o importante papel da música para os propósitos ideológicos nacionalistas. Em seguida, aborda-se a trajetória do nacionalismo na música brasileira, na qual Ary Barroso teve uma considerável atuação, averiguável tanto através da maneira como sua obra repercutiu e ainda repercute em sua recepção pelo público, como pela exposição de aspectos biográficos do compositor nos quais, principalmente pelo teor de suas declarações, são perceptíveis suas motivações nacionalistas. Por fim, através de uma abordagem analítica musical e contextual de sua produção musical, são identificados e descritos os ingredientes usados pelo compositor para expressar musicalmente aspectos da nação e o sentimento nacional

Doutoramento em Música – Performance
O presente trabalho trata o tema da interpretação de música barroca na flauta de sistema Boehm. Efectivamente, o tema da interpretação de música barroca em instrumentos modernos vem ocupando, desde há algumas décadas atrás, um lugar muito importante nas preocupações dos músicos, instrumentistas, musicólogos e investigadores, tendo despoletado divisões entre eles. Essas divisões, assim como as polémicas que o Movimento de Música Antiga veio gerar, estão hoje em dia mais ultrapassadas, assistindo-se portanto a um interesse crescente pelas interpretações historicamente informadas. Resultado de uma análise comparativa de gravações de interpretações desde cerca de 1960 até aos nossos dias, articulada com a realização de entrevistas e com a experiência pessoal, foi proposta uma sistematização de um núcleo de recursos expressivos incontornáveis do estilo barroco, com vista à sua utilização na criação de uma interpretação de duas obras barrocas pela autora (Sonata em Dó Maior, BWV 1033 e Sonata em Mi menor, BWV 1034, de J. S. Bach), assim como no âmbito pedagógico, através de experiências realizadas com cinco alunos. Este trabalho pretende então criar uma proposta interpretativa historicamente informada de obras do período barroco na flauta de sistema Boehm, fazendo o paralelo e o contraste com as práticas performativas anteriores, de tradição romântica ou moderna.
The present work deals with the subject of the interpretation of baroque music on the Boehm system flute. Effectively the theme of baroque music interpretation on modern instruments has already occupied over previous decades a very important position vis a vis the musicians, instrumentalists, musicologists and researchers, triggering divisions between them. These divisions, just as in the polemics that the Early Music Movement has come to generate are nowadays less prevalent, bringing about a growing interest for historically informed performances. Along with the results of a comparative analysis of recordings of interpretations from 1960 to the present, articulated with the realization of interviews and from the author's personal experience, it is proposed to show a systematization of a nucleus of unavoidable expressive resources of the baroque style with the intention of their use in the creation of an interpretation by the author, also in the pedagogic field by way of experiences realized with five pupils. This work intends to create therefore, a historically informed interpretive proposal for two works from the baroque period on the Boehm system flute (C Major BWV 1033 and E minor BWV 1034 Sonatas by J. S. Bach), in parallel and in contrast with the preceding performance practices of the romantic and modern tradition.

Orientadores: Marcelo Gimenes, Antônio Rafael Carvalho dos Santos
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-26T07:13:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Campos_DanielRibeiro_M.pdf: 10314517 bytes, checksum: 98c61daff17555991c00175fd3b94713 (MD5) Previous issue date: 2014
Resumo: A década de 1960, no Brasil, foi marcada por uma proliferação de trios formados por piano, baixo a bateria. Nota-se, então, uma mudança na maneira de tocar contrabaixo no contexto da música instrumental no país. A partir do estudo das linhas de contrabaixo de Humberto Clayber de Souza Voto e de Sérgio Portella Barrozo Netto, o presente trabalho pretende identificar alguns padrões rítmicos e melódicos de condução do samba. Num primeiro momento, foram identificados alguns particulares de cada contrabaixista. A seguir, foram encontrados alguns padrões em comum entre os dois contrabaixistas, a fim de descobrir padrões característicos do estilo. Além disso, na construção da linha de contrabaixo, foram extraídos alguns pontos de interação entre os integrantes do trio, interações essas que influenciam diretamente na construção dessas linhas
Abstract: The 1960s in Brazil was marked by a proliferation of trios consisting of piano, bass and drums. It was noticed a change in the way of playing the bass in the context of instrumental music in the country. From the study of the bass lines of Humberto Clayber de Souza Voto and Sergio Barrozo Portella Netto, this work aims to identify some rhythmic and melodic patterns of the bass line in samba. Initially, some particular patterns of each bassist were identified. Afterwards, some common standards and characteristic stylistic patterns were found. Moreover, while studying the bass lines, some points of interaction between the members of the trio were perceived, which have a direct influence in the construction of the bass line itself
Mestrado
Fundamentos Teoricos
Mestre em Música

Abstract The content of this thesis focuses on the musical work by José Hinojosa (fl. 1662-Valencia, 1673), preserved in the musical archive of the Real Colegio del Corpus Christi (Patriarca). After making a critical biography of the composer, updating the inventory of his 47 preserved works and studying the standards of practice of the musical chapel during the 11 years that José Hinojosa served as chapel master (1662-1673), I have selected, transcribed and studied a set of eight of his works. Through these works, it is possible to see, among other things, the treatment of polychorality, the employed technique of composition, theatrical and acoustic-space resources used and which were the vocal and sound features of the musical chapel he ruled. I have also done research on the use of rhetorical figures by Hinojosa, compared with the application of them in liturgical works of different composers belonging to the seventeenth century, in order to frame his work in the European context of the time. I have concluded the investigation with other aspects of interest, such as: a synthetic analysis of political, economic and cultural events in Valencia along the seventeenth century, the launching of the Real Colegio del Corpus Christi by Juan de Ribera, the double regulations concerning the College and the musical chapel, the liturgical ceremonial and, finally, the receiving of polyphonic choirbooks during the arrival of José Hinojosa as a chapel master in 1662.
Resumen El contenido de esta tesis se centra en la obra musical de José Hinojosa (fl. 1662-Valencia, 1673) conservada en el archivo musical del Real Colegio del Corpus Christi (Patriarca). Tras realizar una biografía crítica del compositor, actualizar el inventario de sus 47 obras conservadas y estudiar el funcionamiento de la capilla musical en los 11 años en que José Hinojosa ocupó el cargo de maestro de capilla (1662-1673), he seleccionado, transcrito y estudiado un conjunto de ocho obras del autor, a través de las cuales se puede observar, entre otros elementos, el tratamiento de la policoralidad, la técnica de composición empleada, los recursos teatrales y acústico-espaciales utilizados y cuáles eran las características vocales y tímbricas de la capilla que regía. Asimismo, he investigado sobre el uso de la retórica musical por parte de Hinojosa, en comparación con la aplicación de la misma en obras litúrgicas de diferentes compositores del siglo XVII, a fin de enmarcar su obra en el contexto europeo de la época. He completado la investigación con otros aspectos de interés, como son: un análisis sintético de los acontecimientos políticos, económicos y culturales de Valencia en el siglo XVII, la puesta en marcha del Real Colegio-Seminario del Corpus Christi por Juan de Ribera, la doble normativa concerniente al Colegio y a la capilla musical, el ceremonial litúrgico y, finalmente, la recepción de libros de polifonía disponibles a la llegada de José Hinojosa como maestro de capilla en 1662.
Resum El contingut d'esta tesi se centra en l'obra musical de Josep Hinojosa (fl. 1662-València, 1673) conservada a l'arxiu musical del Reial Col·legi del Corpus Christi (Patriarca). Després de realitzar una biografia crítica del compositor, actualitzar l'inventari de les seues 47 obres conservades i estudiar el funcionament de la capella musical en els 11 anys en què Josep Hinojosa ocupà el càrrec de mestre de capella (1662-1673), he seleccionat, transcrit i estudiat un conjunt de huit obres de l'autor, a través de les quals es pot observar, entre altres elements, el tractament de la policoralitat, la tècnica de composició emprada, els recursos teatrals i acusticoespacials utilitzats i quines eren les característiques vocals i tímbriques de la capella que regia. Així mateix, he investigat sobre la utilització de la retòrica musical per part d'Hinojosa, en comparació amb l'aplicació de la mateixa en obres litúrgiques de diferents compositors del segle XVII, per tal d'enquadrar la seua obra en el context europeu de l'època. He completat la investigació amb altres aspectes d'interès, com ara: una anàlisi sintètica dels esdeveniments polítics, econòmics i culturals de València en el segle XVII, l'endegament del Reial Col·legi del Corpus Christi per Joan de Ribera, la doble normativa concernent al Col·legi i a la capella musical, el cerimonial litúrgic i, finalment, la recepció de llibres de polifonia disponibles a l'arribada de Josep Hinojosa com a mestre de capella en 1662.
Sánchez Mombiedro, R. (2016). La capilla musical del Real Colegio-Seminario del Corpus Christi en la segunda mitad del siglo XVII: biografía crítica, legado musical y magisterio de José Hinojosa (fl. 1662-1673) [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/75085
TESIS

[ES] Elementos de teoría musical al servicio de la interpretación históricamente informada de los repertorios italianos del Renacimiento y del Barroco temprano: análisis de fuentes y nuevos antecedentes. La práctica de la interpretación musical históricamente informada nos enfrenta continuamente a la necesidad de herramientas que permitan abordar y reconstruir los repertorios anteriores al siglo XVIII y, especialmente, aquellos italianos del Renacimiento y del Barroco temprano objeto de este estudio. La teoría musical tonal, el solfeo y el análisis moderno parecieran no bastar: la lejanía espacio-temporal y la falta de referencias estéticas, éticas y poéticas dificulta su interpretación. Es que, queriendo interpretar dichos repertorios de forma históricamente informada, lo mejor sería hacerlo con las mismas herramientas con las que los músicos de aquella época lo hacían. A estas se puede acceder a través del análisis de la composición y de las fuentes, mediante elementos de teoría musical que en muchos casos se alejan de los actuales: quizás uno de los más importantes sea la solmisación. Inicialmente concebida en el siglo XI como un método nemotécnico de aprendizaje de los intervalos, ésta se desarrolla por más de siete siglos con la contribución de músicos y teóricos de diversos orígenes y culturas. En este sentido, al igual que el solfeo parece aludir a los rudimentos teóricos de la tonalidad, una gran parte de la teoría musical antigua se transmite por generaciones a través de la solmisación. Sin embargo, a este tradicional carácter pedagógico podemos agregar una dimensión de herramienta de la interpretación musical y de elemento de la composición. No obstante, estas dos últimas perspectivas incidan directamente en la interpretación musical, hoy en día la solmisación se utiliza poco en la actividad musical profesional. Por ello, a través de un renovado análisis, pretendemos adentrarnos en las noticias que las fuentes teóricas y prácticas de la época nos ofrecen de la solmisación, tanto como herramienta de interpretación musical, como elemento de la composición. Algunas de estas noticias han sido ya estudiadas como parte de la teoría musical modal: las revisamos ahora desde el punto de vista interpretativo. Otras son nuevos antecedentes de incidencias del método guidoniano útiles a la interpretación musical históricamente informada de estos repertorios.
[CAT] Elements de teoria musical al servici de la interpretació històricament informada dels repertoris italians del Renaixement i del Barroc enjorn: anàlisi de fonts i nous antecedents. La pràctica de la interpretació musical històricament informada ens enfronta contínuament a la necessitat d'eines que permeten abordar i reconstruir els repertoris anteriors al segle XVIII i, especialment, aquells italians del Renaixement i del Barroc primerenc objecte d'aquest estudi. La teoria musical tonal, el solfeig i l'anàlisi moderna semblen no bastar: la llunyania espacial i temporal i la falta de referències estètiques i èmiques dificulta la seua interpretació. És que, volent interpretar aquests repertoris de forma històricament informada, el millor seria fer-ho amb les mateixes eines amb les quals els músics d'aquella època ho feien. A aquestes es pot accedir a través de l'anàlisi de la composició i de les fonts, denotant elements de teoria musical allunyats dels actuals: potser un dels més importants és la solmització. Inicialment concebuda en el segle XI com un mètode mnemotècnic d'aprenentatge dels intervals, aquesta es desenvolupa per més de set segles amb la contribució de músics i teòrics de diversos orígens i cultures. En aquest sentit, igual que el solfeig sembla al·ludir als rudiments teòrics de la tonalitat, una gran part de la teoria musical antiga es transmet per generacions a través de la solmització. No obstant això, a aquest tradicional caràcter pedagògic podem agregar una dimensió d'eina de la interpretació musical i d'element de la composició. No obstant això, aquestes dues últimes perspectives incideixen directament en la interpretació musical, en l'actualitat la solmització s'utilitza poc en l'activitat musical professional. Per això, a través d'una renovada anàlisi, pretenem endinsar-nos en les notícies que les fonts teòriques i pràctiques de l'època ens ofereixen de la solmització, com eina d'interpretació musical i com a element de la composició. Algunes d'aquestes notícies han sigut ja estudiades com a part de la teoria musical modal: les revisem ara des del punt de vista interpretatiu. Unes altres són nous antecedents d'incidències del mètode guidonià útils a la interpretació musical històricament informada d'aquests repertoris.
[EN] Elements of Music Theory at the Service of Historically Informed Performance of Italian Renaissance and Early Baroque Repertories: analysis of sources and new antecedents. The practice of historically informed musical performance continually confronts us with the need for tools that allow us to address and reconstruct the pre-18th century repertoires and, especially, those italians of the Renaissance and early Baroque period, that are the object of this study. Tonal music theory and modern analysis seem not enough: the spatio-temporal distance and the lack of aesthetic, ethics and poetics references make their interpretation difficult. Therefore, to perform these repertoires in an historically informed way, the best thing would be to do it with the same tools as the musicians of that time. These can be accessed through the analysis of the composition and the sources, but also by denoting elements of music theory differents from the current ones: worthy of note in particular is solmisation. Initially conceived in the 11th century as a mnemonic method to do intervals learning, it has been developed for more than seven centuries with the contribution of musicians and theorists from various origins and cultures. In this sense, just as music theory seems to allude to the theoretical rudiments of tonality, a large part of ancient music theory is passed, down through generations, through solmisation. However, to this traditional pedagogical character we can add a dimension of a musical interpretation tool and element of the composition. Even if these last two perspectives have a direct incidence on musical performance, today solmisation isn't widely used in professional musical activity. For this reason, through a renewed analysis, we intend to get into the notices that the theoretical and practical sources of that time offer us about solmisation, both as a tool for musical interpretation and as an element of composition. Some of this news has already been objet of study as a part of modal music theory: we now review it from an interpretive point of view. Others are new incidences of the guidonian method useful to the historically informed performance of these repertoires.
Suez Suez, SM. (2020). Elementos de teoría musical al servicio de la interpretación históricamente informada de los repertorios italianos del Renacimiento y del Barroco temprano: análisis de fuentes y nuevos antecedentes [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/158620
TESIS

El ahora llamado “Ensamble Códice” es una orquesta conformada por alumnos y egresados de la especialidad de Música de la PUCP, que hace arreglos contemporáneos de música peruana y latinoamericana, de parte del repertorio del Códice Martínez Compañón. Esta banda se genera dentro del contexto del curso de Ensamble Proyecto en el 2018, para el cual se involucra al maestro Arturo “Kike” Pinto como profesor de dicho curso, posteriormente director y arreglista musical, y hacia final del 2019, asesor del proyecto. El conjunto está enfocado en la difusión de este patrimonio cultural y en la revalorización de las piezas incluidas en el Códice (una de las primeras músicas populares en quedar registrada en partituras de nuestro territorio). La presente tesis tiene como objetivo identificar los aportes del proceso creativo del Ensamble en la elaboración de arreglos musicales, tanto instrumentales como vocales de las obras del manuscrito del siglo XVIII, entre los miembros de la orquesta (que en ese entonces estudiaban composición o ejecución). Para el logro de los objetivos se hace uso de: entrevistas, observación participante, y revisión de los diversos registros del proceso creativo. Al ser la encargada de esta investigación, la observación participante que se usa es la más completa, dado que soy creadora e integrante del ensamble. Es por ello que mi investigación es del tipo participativo. Adicionalmente, también, es una investigación descriptiva, ya que esta tesis busca profundizar en las características del ensamble, su formación, arreglos, puesta en escena, etcétera.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:11:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cibele Simoes Ferreira Kerr Jorge.pdf: 6525204 bytes, checksum: 1b1b6acbd5939fa21677261827c4aa4e (MD5) Previous issue date: 2012-04-23
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
The study object of this work is the musical and media mixes produced by Raul Seixas in his work, in dialog with the hybrid culture tradition. The research problem is to investigate Raul Seixas as a musical mix producer that acts between the media and the mediatic ambient and as a translator of the book culture to the popular language. The research was made in São Paulo city, São Paulo state, for being the where he lived in his carrier mature phases and for concentrate his biggest audience. The research period includes from beginning 2008 until beginning 2012. The research emphasis is on his carrier length period, from 1962 to 1989. The general objective is to analyze Raul Seixas discography production texts, as the lyrics and melodies were are proved his musical and mediatic mixes. The thesis justifies because there are no works of this kind that includes the mix and the cultural translate in Raul Seixas work. The hypothesis are: 1- the Raul Seixas work uses baroque procedure and 2-The verbal and body elements of Raul Seixas texts are traduced on media and mediatics ambient through mix procedure. Method : I have done a study of Raul Seixas medias action (on radio, television, shows, video clips, interviews and discs); for that are done research with his friends, parents and fans, and collected information in digital and printed media, like LPs, CDs, DVDs, photography, books, magazines and internet. The theoretic base counts with the culture Semiotic studies, mix and baroque theories developed by authors: Severo Sarduy with Baroque, Iuri Lotman with The Semiosphere I, Serge Gruzinsky with The Mestizo Thought, Paul Zumthor with The Letter and the Voice and Oral Poetry: An introduction, Alexis Nouss and François La Plantine with Mestizajes, Jesús-Martín Barbero with From the Media to Mediations, Eduardo Viveiros de Castro with The Inconstancy of the Indian Soul, Amálio Pinheiro with The Means is The Mestizaje and From this Side of Identity and Opposition and Octávio Paz with Convergences
O objeto de estudo deste trabalho são as mestiçagens musicais e midiáticas produzidas por Raul Seixas em sua obra, em diálogo com a tradição híbrida da cultura. O Problema de Pesquisa é investigar Raul Seixas como um produtor de mestiçagens musicais que atua entre as mídias e os ambientes midiáticos, e como um tradutor da cultura livresca para a linguagem popular. A pesquisa foi realizada na cidade de São Paulo, estado de São Paulo, por ser onde ele morou na fase madura de sua carreira e por concentrar seu maior público. O período de pesquisa abrange do início de 2008 ao início de 2012. A ênfase da pesquisa está no intervalo de duração de sua carreira, de 1962 a 1989. O objetivo geral é analisar as obras de Raul Seixas como formas de construção entre as mídias e os ambientes midiáticos. O objetivo específico é analisar textos da produção discográfica de Raul Seixas, tais como letras de músicas e melodias, onde se comprovam suas mestiçagens musicais e midiáticas. A tese se justifica porque não há trabalhos do gênero que abordem a mestiçagem e a tradução cultural na obra de Raul Seixas. As hipóteses são: 1 - A obra de Raul Seixas se utiliza de procedimentos comunicativos barrocos e 2 - Os elementos verbais e corporais dos textos de Raul são traduzidos, na mídia e nos ambientes midiáticos, por meio de procedimentos de mestiçagem. Metodologia: Realizei estudos sobre a atuação de Raul Seixas na mídia (nas rádios, televisão, shows, videoclipes, entrevistas e discos); para tanto, fiz pesquisas de campo com alguns de seus amigos, parentes e fãs, e coletei informações em mídias digitais e impressas, como: LPs, CDs, DVDs, fotografias, livros, revistas e internet. A base teórica conta com os estudos de Semiótica da Cultura, Teorias da Mestiçagem e do Barroco desenvolvidos pelos seguintes autores em suas obras: Severo Sarduy, com Barroco; Iuri Lotman, com La Semiosfera I; Serge Gruzinsky, com O Pensamento Mestiço; Paul Zumthor, com A Letra e a Voz e Introdução à Poesia Oral; Alexis Nouss e François Laplantine, com Mestizajes; Jesús-Martín Barbero, com Dos Meios às Mediações; Eduardo Viveiros de Castro, com A Inconstância da Alma Selvagem; Amálio Pinheiro, com O Meio é a Mestiçagem e Aquém da Identidade e da Oposição, e Octavio Paz, com Convergências

Este ensayo constituye un estado de la cuestión sobre las prácticas musicales en la catedral de Lima, comparándolas con otras catedrales del mundo hispano: Madrid, Sevilla, Córdoba y el Cusco durante la época del Barroco (Siglos XVII y XVIII). Con esto se busca demostrar que las prácticas musicales en el ámbito hispano seguían las mismas tendencias en cuanto a los cambios en instrumentación, como la inclusión de instrumentos de cuerda frotada, y formas musicales, como villancicos, chanzonetas e incluso formas teatrales. Sin embargo, la reacción de las autoridades religiosas en el caso de la catedral de Lima a estos cambios se dio con un mayor control sobre la música sacra y hacia los músicos en la segunda mitad del siglo XVIII. Para explicar este fenómeno, primero se va a tratar las discusiones que se habían estado desarrollando en torno a la música por teóricos españoles. Esto con el objetivo de entender cómo es que estas discusiones afectaron lo que se entendía por música sacra en su forma, instrumentación y su función con los feligreses. Luego se va a pasar a comparar a las diferentes capillas y catedrales en sus cambios de instrumentación, repertorio y prácticas. Para esto se va a dar énfasis al papel de los músicos en la implementación de estos cambios

Submitted by Bruna Rodrigues (bruna92rodrigues@yahoo.com.br) on 2016-09-22T11:56:05Z No. of bitstreams: 1 DissEGV.pdf: 2197790 bytes, checksum: 3f73d09e8939281eaee7e20b23321872 (MD5)
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Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP)
This work aims to study the relationship between the “teatro de revista” (revue) and the musical comedies made by Luiz de Barros. An important name in the history of Brazilian cinema, Luiz de Barros made dozens of films during his long career as a filmmaker. However, he did not dedicate his activities only to cinema, having established also an important career in "teatro de revista" and other stage shows. Based on researches in periodicals and archives, it was made a survey of the many activities of the director. Full of attractions, the musical comedies used elements of mass culture, like popular music and carnival, to attract the audience, bringing also several aspects of the “teatro de revista” and other artistic forms. Through the analysis of the movies Berlim na batucada (Luiz de Barros, 1944) e Caídos do céu (Luiz de Barros, 1946), this research aims to study how the filmmaker articulated characteristic elements of the “teatro de revista” in his films, both in the narrative level and in relation to production, also investigating the casting of theatrical actors and musicians well known to the public. Thus, this work intends to expand a research field of the history of Brazilian cinema that studies the dialogue with other kinds of entertainment.
Este trabalho estuda a relação entre o teatro de revista e as comédias musicais realizadas por Luiz de Barros. Um nome importante na história do cinema brasileiro, Luiz de Barros realizou dezenas de filmes durante sua longa carreira como cineasta. No entanto, sua atuação artística não se limitou apenas ao cinema, estabelecendo, também, uma importante trajetória no teatro de revista e em outros tipos de espetáculos de palco. A partir da pesquisa em periódicos e documentos, foi feito um levantamento das diversas atividades do realizador. As comédias musicais, repletas de atrações, se utilizavam de elementos da cultura de massa, como a música popular e o carnaval, para atrair o público, trazendo também diversas características do teatro de revista e outras formas artísticas. Através da análise dos filmes Berlim na batucada (Luiz de Barros, 1944) e Caídos do céu (Luiz de Barros, 1946), tem-se o objetivo de estudar como o cineasta articulava elementos característicos do teatro de revista, tanto no nível narrativo quanto em relação à produção, observando também a participação de atores teatrais e músicos conhecidos pelo público. Deste modo, o presente trabalho procura ampliar um campo de pesquisa da história do cinema brasileiro, que estuda o diálogo com outros tipos de entretenimento.

Este trabalho visa analisar os problemas envolvidos na transcrição para o violão de obras compostas para alaúde barroco. São discutidas as diferenças entre os dois instrumentos relacionados à notação, número de cordas e afinação. É também apresentado um histórico do uso de scordatura nos diversos instrumentos de corda. São analisadas as características idiomáticas da música composta para alaúde barroco e as maneiras de adapta-las ao violão, propondo-se a utilização de afinação que reproduz no violão a relação intervalar das cordas do alaúde. Por fim é apresentada uma transcrição da Suíte XIII em Ré Maior, de S. L. Weiss, originalmente composta para alaúde barroco.
The aim of the present work is to analyze the problems involved in transcribing for guitar works originally composed for the baroque lute. The differences between the two instruments regarding notation, number of strings and tuning are discussed, followed by an overview of the use of scordatura in a variety of plucked instruments. The idiomatic characteristics of the music written for the Baroque lute and the possibility to adapt them to the guitar are analyzed. Finally, a guitar transcription of the Suíte XIII in D Major, by S. L. Weiss, originally written to the baroque lute, is presented.

Esta dissertação consiste na tradução comentada do tratado L\'Art de Preluder de Jacques Martin Hotteterre - Le Romain (1674-1763), publicado em Paris em 1719. Este trabalho teve como objetivo ampliar a literatura em língua portuguesa para a flauta doce, tornando-o acessível aos estudantes de música e principalmente aos instrumentistas de sopro que se preocupam com uma performance historicamente orientada. Para tanto, foram estudados termos importantes que circundam a Arte de Preludiar de Hotteterre de acordo com as fontes primárias, como os dicionários setecentistas de Furetière e Brossard, e fontes secundárias, como o dicionário de Benoit. A pesquisa de termos indicou a dimensão retórica de diversos conceitos utilizados no tratado, tais como arte, engenho, capricho, princípios, método etc. Além da pesquisa de elementos gerais pertencentes ao estilo barroco francês, uma biografia do instrumentista e compositor, a relação de suas obras e, ainda, o resgate do significado setecentista do gênero musical \"prelúdio\", são partes integrantes deste trabalho. Este trabalho mostra que a técnica de improvisação apresentada por Hotteterre é baseada em práticas francesas e italianas. Esse fato permitiu conhecer uma nova dimensão da influência italiana na música francesa do início do Setecentos.
This work is a commented translation of the treaty L\'Art de Preluder by Jacques Martin Hotteterre Le Romain (1674-1783), published in Paris in 1719. The purpose of this work is to extend the recorder references in Portuguese language, making it accessible to music students and wind musicians that care about historical performance. For that, all-important terms that were used in the treaty were studied with the primary sources, like Brossard and Furetières eighteenth dictionaries, and with secondary sources, like the Benoit Dictionary. This research of terms points to a rhetorical dimension of various terms used in the treated, like art, wit (ingenium), caprice, principles, method, etc. Beyond the research of French styles general elements, a musician composers biography, his works list, and so the eighteenth means of the prelude musical genre, are part of this work. The research points that Hotteterres improvisation technique is based in Italian and French practices. This fact allowed to know a new dimension of the Italian influence in the French early eighteenth century music.

O presente trabalho consiste numa etnografia junto à Banda Musical Gioachino Rossini, instituição centenária da cidade de Rio Grande-RS. A análise aqui proposta baseia-se no “conviver” e no “lembrar” de seus músicos. No conviver, enfoca-se as interações entre eles e a relação destes com o espaço de sua sede, com a memória e a música. No lembrar, trata-se da memória de seus músicos, da relação destes com seus tempos, os “tempos” (sonoros e sociais) de suas vidas. A relação desses músicos com seus múltiplos tempos e espaços, apontaram, ao longo do trabalho de campo, para uma ambivalência deste conviver e lembrar. Esta ambivalência, por sua vez, apontou para uma concepção de memória, na qual as “afecções musicais” e as “artes do dizer”, assim como as representações coletivas sociais e musicais, intercalaram-se de forma processual. Sendo a música, em suas propriedades de sucessão e simultaneidade, o elemento central para se entender essas memórias; para se pensar o tempo (sonoro) e o tempo (social) experenciado por esses músicos.

Estudo etnográfico das trajetórias de três Tamboreiras de Nação, mulheres batuqueiras atuantes no contexto musical afro-religioso do extremo sul brasileiro, nas cidades de Pelotas e Rio Grande/RS, representantes de uma restrita rede de mulheres (re)conhecidas como prontas no Tambor de Nação. Tomando como objeto o batuque produzido por mulheres, suas concepções e práticas religiosas e musicais, procuro compreender os significados que a música adquire nesse contexto religioso e as condições de sua transmissão. O ponto de partida é o pressuposto de uma realidade bastante conhecida de religiosos e adeptos do Batuque gaúcho: a marcante presença de homens assumindo a posição de músicos rituais nas festas, cerimônias e ritos, comumente chamados de Tamboreiros de Nação. Detendo-me nas trajetórias e experiências religiosas e musicais de três mulheres Tamboreiras, esta dissertação tem por principal objetivo abordar as implicações de gênero existentes no acesso a esta tradição percussiva, buscando revelar como se aprontam tamboreiras no universo sonoro-musical do Batuque gaúcho.

Orientador : Carmen Zink Bolognini
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
Made available in DSpace on 2018-08-19T13:24:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rosa_Marli_D.pdf: 1281168 bytes, checksum: 3406072aea332c5f85cec08d43d81822 (MD5) Previous issue date: 2011
Resumo: A presente tese de doutorado consiste de um estudo qualitativo de natureza interdisciplinar, ancorado na teoria da Análise do Discurso Materialista e com contribuições decisivas de trabalhos das Artes e Humanidades (em especial da História, Antropologia, Sociologia da Cultura e Música). O objetivo central do trabalho foi investigar as condições de produção e as representações de Brasil presentes em três letras de canções que abordam essa temática: "Aquarela do Brasil" (1939), de Ari Barroso; "País Tropical" (1968), de Jorge Ben; e "Que país é este" (1978/1987), de Renato Russo. Tais obras foram compostas e veiculadas em momentos políticos e culturais de grande importância para a compreensão do Brasil atual e de nossa história ao longo do Século XX, em momentos cujos temas mais recorrentes giravam em torno da (re)construção ou (in)viabilidade de projetos nacionalistas e de modernização para o país. O trabalho foi organizado da seguinte forma: na introdução temos o delineamento e o percurso da pesquisa, com o afunilamento do tema, objetivos, justificativas, corpus de pesquisa e aparato teórico-metodológico; no primeiro capítulo, temos uma exposição sobre a relação entre música e política, com destaque para o papel da música na construção do nacionalismo, além das representações de Brasil em Casa- Grande & Senzala, de Gilberto Freyre, e Raízes do Brasil, de Sérgio Buarque de Holanda; os capítulos 2, 3 e 4 referem-se ao trabalho de análise com cada uma das três canções do corpus, respectivamente; e, fechando o trabalho, temos as considerações finais, a bibliografia consultada e um anexo com as letras das canções. Como contribuição desse estudo está a importância de compreendermos o papel do funcionamento discursivo de canções de música popular na constituição identitária do povo brasileiro. Essa importância se dá na medida em que a MPB desempenhou, ao longo do Século XX, um papel crucial na constituição do que hoje se entende por "Nação Brasileira"
Abstract: This doctoral dissertation consists of a qualitative study with an interdisciplinary approach, based on the theory of the materialist discourse analysis with key contributions from works developed by authors from Arts and Humanities (mainly in the fields of History, Anthropology, Sociology of Culture and Music). The main objective of this study was to investigate the conditions of production and the representations of Brazil in three songs that address this theme: "Brazil" ("Aquarela do Brasil") by Ary Barroso, "País Tropical" by Jorge Ben, and "Que País É Este" by Renato Russo. These songs were composed and launched in political and cultural moments of great importance for the understanding of contemporaneous Brazil and its history throughout the twentieth century, when the most frequent political issues were related to the (re)construction and (in)viability of nationalist and modernization projects for the country. The dissertation was organized as follows: in the introduction it is presented the first steps taken and choices made in order to have a theme focus and to develop the study, besides the objectives, justification, corpus and theoretical background. In the first chapter, it is presented the relationship between music and politics, with an emphasis on the role of music in the construction of nationalism, besides the representations of Brazil in The masters and the slaves, by Gilberto Freyre, and Raízes do Brasil, by Sérgio Buarque de Holanda. Chapters 2, 3 and 4 refer to the work of analysis with each of the three songs, respectively. Finally, it is presented the final considerations, the bibliography and an appendix with the lyrics. This study aims to contribute to the understanding of the discursive meaning construction of some very known Brazilian songs and its role in the development of an identity for the Brazilian people. This importance relies on the very presence and importance that Brazilian songs had over the twentieth century, with an eminent role in the formation of what today is portrayed as the "Brazilian nation"
Doutorado
Lingua Materna
Doutor em Linguística Aplicada

Relatório de estágio de mestrado em Ensino de Música
O estudo intitulado “O Ensino das Ciências Musicais e a Retórica: Discurso Musical no Período Barroco”, é uma abordagem à temática da retórica musical no ensino das Ciências Musicais. Este projeto foi implementado no Conservatório de Música do Porto, no âmbito do mestrado em Ensino de Música na Universidade do Minho. O trabalho detém-se nas seguintes questões de investigação:1) o que é a retórica musical, 2) como abordar com os alunos a problemática da retórica musical barroca, e 3) qual o contributo da temática em estudo para a formação dos alunos. A metodologia utilizada nesta investigação é de natureza qualitativa e os participantes foram os alunos de quatro turmas das disciplinas de Iniciação Musical IV, Formação Musical (6º Ano/ 2º Grau e 9º Ano/ 5º Grau) e História da Cultura e das Artes (11º Ano) do Conservatório de Música do Porto. Em síntese, o estudo visa a compreensão a aplicação na didática das Ciências Musicais das estruturas de discurso retórico nas obras do período musical do barroco, tendo em conta que a retórica musical é uma temática pouco conhecida/ trabalhada pelos alunos; que a retórica musical é um tema que se cruza com diversas disciplinas existentes no currículo nomeadamente Filosofia e Português; que os alunos se interessam pela temática, conseguindo estabelecer relações com as disciplinas supramencionadas e ainda pelo facto do material de apoio pedagógico de suporte ser quase inexistente. O presente trabalho é uma contribuição a uma possível abordagem ao universo da comunicação e organização do pensamento musical.
The study entitled “The Education of Musicology and the Rhetoric: Musical Discourse in the Baroque Period”, is an approach to the subject of musical rhetoric in the teaching of Musicology. This project was implemented at the Oporto Music Conservatory, within the framework of a Master's degree in Music Education at the University of Minho. The study gives close attention to the following research questions: 1) what is music rhetoric, 2) how to deal with the issue of Baroque musical rhetoric with students, and 3) what is the contribution of the subject matter at hand to the training of students. The methodology used in this research is qualitative and participants were students from four different classes studying Music Initiation IV, Music Training (grade 6 / level 2 and grade 9 / level 5) and History of Culture and Arts (Grade 11) at the Oporto Music Conservatory. In short, the study aims to understand and apply the structures in rhetoric discourse in the didactics of Musicology in the works of the baroque period, taking into account that musical rhetoric is a subject that is often unknown / worked on by students; understand that the musical rhetoric is a theme that overlaps with several existing subjects in the curriculum including Philosophy and Portuguese; get students interested in the subject, establishing relationships with the above mentioned subjects taking into consideration that pedagogical support material is almost non-existent. This study is a contribution to a possible approach to the world of communication and organization of musical thought.

Relatório de estágio de mestrado em Ensino de Música
No âmbito do Projeto de Intervenção Pedagógica Supervisionada foi elaborado o presente relatório de estágio, no intuito de refletir sobre o trabalho desenvolvido ao longo do percurso formativo que integra o Mestrado em Ensino da Música, revelando estratégias e metodologias diversificadas no Ensino das Ciências Musicais. Sob o título “Música e dança na era barroca – perspetivas da sua aplicabilidade no Ensino das Ciências Musicais”, o projeto foi aplicado no Conservatório do Vale do Sousa em Lousada, nas disciplinas de História da Cultura e das Artes e Formação Musical, em turmas de diferentes níveis. Neste projeto, os objetivos direcionam-se para três vetores essenciais no campo de estudo selecionado. O primeiro, a música e a dança como motivação para a aprendizagem nas disciplinas de História da Cultura e das Artes e de Formação Musical. O segundo enquanto conteúdo de aprendizagem de eleição e um terceiro vetor considerando a música e a dança como um elemento potenciador de interpretações com proficiência artística. Partindo da problemática do ensino das Ciências Musicais nos Conservatório de Ensino Especializado, construiu-se uma filosofia de ensino que se traduziu na valorização de um conteúdo programático pouco discutido na sala de aula, a dança. Assim, os objetivos específicos do presente projeto de intervenção centraram-se na lecionação dos conteúdos de aprendizagem das disciplinas de História da Cultura e das Artes e de Formação Musical no contexto da dança. As estratégias, metodologias e recursos alicerçaram-se nos conteúdos relacionados com a música e com a dança. À luz da literatura procurou-se transpor barreias e ideias pré-concebidas acerca da lecionação dos conteúdos nas disciplinas em questão e arquitetar novos significados e imagens da música e da dança na história da música ocidental. Na prática pedagógica destacou-se nos alunos o interesse pelas danças históricas, nomeadamente as danças do período barroco, constituindo um entendimento melhorado das obras que interpretam no seu instrumento e simultaneamente conferiu um entendimento empírico consolidado na abordagem da dança enquanto conteúdo programático. Com este projeto os alunos obtiveram conhecimentos em conteúdos que não fazem parte do currículo de forma explicita, proporcionando uma aprendizagem significativa de acordo com os objetivos propostos.
As part of the Supervised Pedagogical Intervention Project was written the present report with the objective to reflect about the work developed along the formative course which integrates the Master in Musical Teaching, revealing diverse strategies and methodologies in the teaching of musical sciences. With the title “Music and dance in the baroque era - perspectives of its applicability in the teaching of musical sciences", the project was applied in Conservatório Vale do Sousa, in Lousada, in the subjects History of Culture and arts and Musical Training, in classes of diferente levels. In this project, the main objectives were directed for three essentials vectors in the field of study that was selected. The first, the music and the dance as motivation for the learning in the subjects of History of Culture and arts and Musical Training; the second while content of learning of election and the third vector, considering the music and the dance as an enhancer element of interpretation with artistic proficiency Starting from the problematic about the teaching of musical sciences in the conservatories of specialized teaching, it was built a teaching’s philosophy that if reflected in the appreciation of a somewhat discussed content program in the classroom, the dance. Like this, the specifics objectives of the presente project of intervention, were centered in the teaching of learning contents of the subjects History of Culture and arts and Musical Training, in dance context. The strategies, methodologies and resources was based in the content that are related with the music and with the dance. By the light of literature was sought overcome barriers and preconceived ideas about teaching of contentes in the subjects in analysis and construct new meanings and images of music and of dance in History of Western music. In the pedagogical practice stood out in the pupils the interesse by historical dances in particular the dances of the Baroque period, constituting an understanding of the works they interpret in their instrument and simultaneously conferred a consolidated empirical understanding on the dance approach as programmatic content. With this project, the students obtained the knowledge in contents that aren’t part of the curriculum explicitly, providing a meaningful learning in accordance with the objectives proposed.

La pandemia de covid-19, generada por la circulación masiva del virus sars-CoV-2, motivó al Poder Ejecutivo Nacional a dictar el Decreto 297/2020 y sus modificatorias que estipulan el Aislamiento (o Distanciamiento, según corresponda) Social Preventivo y Obligatorio para todos los habitantes del país. Como consecuencia, se suspendieron las actividades presenciales del sistema educativo nacional, lo que motivó a usos y exploraciones generalizados de plataformas digitales de comunicación y enseñanza sin precedentes. En ese marco, el dictado de la materia «Metodología y Práctica de la Enseñanza» del Profesorado en Composición Musical (Plan 1986) del Departamento Académico de Música de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, que les autores cursamos durante el año 2020, se vio afectado ante la imposibilidad de realizar el período de residencia. Ante esta situación, la cátedra planteó, como parte del proceso de acreditación, una experiencia de vinculación con instituciones educativas de Nivel Superior de la Ciudad de Córdoba. Esta actividad tuvo la finalidad de conocer las características de los procesos de enseñanza y aprendizaje mediados por tecnologías, desarrollando posteriormente algunos contenidos del programa de la unidad curricular con la que se realizó la vinculación, mediante la realización de actividades puntuales y la elaboración de recursos didácticos. Les estudiantes debimos optar entre varias unidades curriculares de diversas instituciones educativas. Elegimos llevar a cabo esta experiencia en la asignatura «La Música en la Historia», del segundo año del Profesorado de Música del Instituto de Culturas Aborígenes, centro académico del Instituto Superior de Lengua y Cultura Aborigen.
Fil: Acebo Vietto, Raymi Ezequiel. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Música; Argentina.