Dissertations / Theses on the topic 'Música - Historia'

Memoria conducente al título profesional de Periodista
Estas palabras fueron las primeras en ser entonadas en esa función de preestreno, un 7 de abril de 1960 en la sala Camilo Henríquez, cuando el Teatro de Ensayo de la Universidad Católica presentó La pérgola de las flores, de Isidora Aguirre y Francisco Flores del Campo, frente al público por primera vez. Esa noche, la historia de la huasa que llega de San Rosendo a la ciudad y las pergoleras que intentan a toda costa salvar su lugar de trabajo de la demolición, logró llegar inmediatamente a sus espectadores: la totalidad de los asistentes ovacionó la obra, dando inicio en ese momento a un fenómeno único en el teatro chileno, que aún sigue con vida luego de más de medio siglo de historia. Y sigue vivo gracias a que estas mismas palabras, en todos estos años, han continuado, continúan y lo más probable es que continuarán siendo escuchadas por los espectadores que asistan a sus funciones. Porque el teatro “sólo existe en práctica viva” , es decir, es lo que es sólo cuando el texto es representado arriba de un escenario. Y La pérgola de las flores es eso: una historia teatral que, en vez de morir en su primera temporada y quedar congelada en el papel, logró mantenerse en movimiento y ser aplaudida por públicos de diferentes generaciones. De esta forma, este fenómeno ha marcado también las carreras de la mayoría de quienes integraron sus distintos repartos. Muchos de los actores más reconocidos del país fueron parte de La pérgola cuando recién estaban abriéndose espacio en la escena del teatro nacional y pudieron ganarse con ella el cariño del público. Nombres sobran: Silvia Piñeiro, Carmen Barros, Héctor Noguera, Silvia Santelices, Ramón Núñez y Violeta Vidaurre son sólo algunos de quienes fueron reconocidos por el público gracias a su participación en la obra de Isidora Aguirre y Francisco Flores del Campo. No hay nada que refleje mejor esto que una frase dicha por Violeta Vidaurre en nuestra entrevista: “La pérgola es como mi mamá”. Y es que La pérgola de las flores, a estas alturas, ya es parte de la historia de Chile o, más bien, de los chilenos. Es mucho más que una obra de teatro, más que un texto: es un fenómeno cultural. Es extraño encontrar a alguien que no conozca nada de sus canciones más emblemáticas o que no haya escuchado alguna vez hablar de la Carmela. Todos hemos vivido un momento o tenemos algún recuerdo con La pérgola, por más pequeño que sea. Todos hemos sido parte de esta historia de diferentes maneras. La pérgola ya es parte del imaginario cultural de Chile. Sin embargo, hasta ahora, la historia completa, desde su génesis hasta nuestros días, jamás había sido documentada de manera íntegra más allá de los recortes de los diarios. Luego de cincuenta y dos años, muchos de sus primeros protagonistas (incluyendo su autora) han fallecido, y, junto con ellos, un sinnúmero de memorias y anécdotas. Por esta razón escribo estas líneas. Con ellas, mi intención es retratar el fenómeno que se generó tras el estreno de La pérgola de las flores. Si bien se recurrió a notas y críticas de la prensa y fuentes documentales que cuentan parte de esta historia, esta memoria existe principalmente gracias a la experiencia y los recuerdos de sus protagonistas, tanto del elenco original de 1960, como de sus adaptaciones, hasta las últimas realzadas en 2012. Espero que este trabajo sea sólo un primer fragmento y que, en un futuro, haya una segunda parte por contar. Porque la historia la vamos armando año tras año, en cada una de las funciones en que las melodías y letras de Francisco Flores del Campo y los textos de Isidora Aguirre son representados en un escenario y aplaudidos por su público. Sin embargo, por ahora sólo puedo contar estos primeros cincuenta y dos años de historia que se presentan a continuación.

Actualmente existen en Colombia cuarenta y seis programas destinados a la formación de profesionales en Música, los cuales se desarrollan en treinta y dos centros de Educación Superior. Gracias a la libertad de cátedra, vista como un derecho de los maestros para proponer y desarrollar los programas, contenidos y metodología de sus clases, sin ir en contravía a lo estipulado por la Constitución Nacional ni a la normativa impuesta desde el Ministerio de Educación Nacional, cada docente de la asignatura Historia de la Música, puede impartir sus procesos de enseñanza en forma diferente. Debido a ello y con el objeto de caracterizarlos, se desarrolla el análisis comparativo, objeto de la presente investigación. Mediante esta investigación se pretende resolver la siguiente pregunta: ¿Cómo se están generando los procesos de enseñanza de Historia de la Música, dentro de los programas de Licenciatura en Música en Colombia? El objetivo general de la investigación es realizar un análisis comparativo de cómo se están generando los procesos de enseñanza de Historia de la Música, dentro de los programas de Licenciatura en Música en Colombia, teniendo como objetivos específicos los siguientes: - Determinar el enfoque y la razón de ser de Historia de la Música. - Establecer si en los programas se comprenden todos los aspectos que componen los registros curriculares. - Determinar las estrategias metodológicas y los criterios de evaluación más utilizados por los docentes. - Establecer las tendencias, modelos, métodos pedagógicos y didácticas contemporáneas que se utilizan en los procesos de enseñanza de Historia de la Música, dentro de los programas de Licenciatura en Música en Colombia. - Establecer el cumplimiento del Decreto 2566 del 10 de septiembre de 2003 y de la Resolución 3456 del 30 de diciembre de 2003. Esta investigación corresponde a un estudio transversal y se desarrolla a partir de un Análisis Comparativo compuesto por cuatro etapas: descripción, interpretación, yuxtaposición y comparación. Como técnicas para recolección de datos se realizaron entrevistas semiestructuradas a los docentes de Historia de la Música y a los coordinadores de las carreras de Licenciatura en Música, Observaciones de clase, una por cada uno de los docentes de Historia de la Música, Revisión documental de los Programas de Licenciatura en Música y de los diseños curriculares de Historia de la Música, y Revisión de los materiales disponibles para desarrollar la asignatura. Entre las conclusiones encontradas se encuentran las siguientes: - En el enfoque y la razón de ser de Historia de la Música, dentro de los programas de Licenciatura en Música es el de estudiar la música del hombre a través de su historia, incluyendo información relacionada a los hechos, personajes, fechas y acontecimientos más destacados de cada periodo. - En cuanto a los componentes del diseño curricular de Historia de la Música, solo tres de los once programas (27%), cuentan con todos los aspectos que se deben contemplar en la elaboración de un documento de este tipo. - En cuanto a los Contenidos para la enseñanza de Historia de la Música, el 100% de los programas presenta dos características comunes: son desarrollados según un orden cronológico, desde la Antigüedad o la Edad media hasta el s. XX y entre las temáticas planteadas incluyen formas, estilos, géneros musicales, principales compositores y obras.
"The teaching of History of music in the Bachelor of Arts in Music syllabus in Colombia" Among the guidelines provided by the National Education Ministry Bureau of Colombia, we find the Resolution 3456 of 30 December,2003, “in virtue of which the specific characteristics are provided for the supply and development of professional formation programs in Arts” by turning the History of Music into a course of basic and professional formation . Thanks to the freedom of teaching/lecturing , foreseen under the National Constitution , each and every teacher may provide his/her teaching processes freely. Due to it and with the purpose in mind of typifying how the process of History of Music is occurring, is that the present research is undertaken. The general purpose of this research, is to undertake a comparative analysis of how the teaching processes of History of Music are being generated, within the programs or syllabus of Bachelor degree in Music in Colombia, by having these specific goals: - Determine the approach and raison d´etré of the History of Music. - Establish if within the formal syllabus we find all the aspects that should normally be found in this sort of document. - Determine the most used methodological strategies and evaluation criteria by teachers. - Establish the trends, models, teaching methods and contemporary didactics employed in the teaching processes of the course. - Establish the adequate fulfillment of the Decree 2566 10th September,2003 and of the Resolution 3456 of 30th December, 2003. This research work is a cross-study developed in virtue of a Comparative Analysis divided into four phases: description, interpretation, juxtaposition and comparison. In order to collect data a series of semi-structured interviews were held to History of Music teachers and coordinators of the career of Bachelor in Music , class Notes and Remarks, documentary review of the syllabi or academic programs of Bachelor in Music and of the curricular designs of History of Music, and the Review of the material available for performing the course.

Magíster en artes con mención en composición musical
En este trabajo se revisan brevemente algunos aspectos que permiten problematizar el proceso compositivo de la obra “Queridos Compatriotas”. En la primera parte, se exponen las posibilidades musicales del habla, explorando también en la dimensión léxica y retórica de la palabra. Desde ahí, se repasan sus usos e influencias a lo largo de la historia de la música docta. En la segunda parte, se expone un análisis de la obra que da cuenta de la aproximación sobre los materiales sonoros, la contextualización de los fragmentos seleccionados y la metodología de trabajo que se implementó para desarrollar la obra.

Memoria para optar al título de periodista
“Una tarea central para construir un país distinto, más respetuoso, más libre, que valora más la diversidad, que ofrece espacios más amplios y numerosos para todas las expresiones ciudadanas, tiene que ser un país que coloca la cultura en el centro de sus preocupaciones”, afirmaba Ricardo Lagos, en el acto de presentación de su política cultural en el Museo de Bellas Artes, en mayo de 2000. Dichas palabras las complementaba en aquella ocasión con una idea que es otra de las premisas de la presente investigación: “No se trata de dirigir desde el Estado la actividad cultural, sino tan sólo de crear las condiciones para que cada chileno y chilena puedan expresarse y participar con entera libertad. Seamos claros, cuando se habla de política cultural, se encienden las antenas, “allí están los que quieren dirigir”. No, aquí estamos los que creemos que es necesario crear condiciones para que ustedes creen la cultura libre de cortapisas, con amplitud y libertad”. Si bien ideas similares a éstas habían sido enunciadas con anterioridad por diversas personalidades del mundo de la cultura, académicos o políticos, que las dijera el presidente de la república recientemente electo, le otorgan una significación especial y hablan de un énfasis y una convicción no vistas antes en un gobierno chileno. El Estado tiene una responsabilidad ineludible con la cultura. Las razones son muchas y variadas, pero lo más relevante, a estas alturas, es que son un hecho. Nadie ya discute este postulado. Pero también va quedando más claro que su rol prioritario es el de crear las condiciones para que los artistas se desarrollen con todas las facilidades –legales, sociales, de infraestructura, económicas, etc.- y en un clima de libertad. Obsoletas han quedado las ideas más extremas: el Estado no debe ser el creador de la cultura, ni menos, dejarla librada únicamente a los brazos del mercado.

La presente tesis es un análisis de los tratados, métodos y libros sobre la pedagogía y la enseñanza del violín en su fase inicial existentes en el período que va desde mediados del siglo XVIII hasta el siglo XXI. Esta tesis encuentra su justificación y motivación principal en la necesidad de mejorar tanto la calidad de la metodología actual con la que se está enseñando violín en la etapa inicial, así como rellenar el vacío que existe respecto a la falta de estudios y de investigaciones similares sobre el estado de la enseñanza del violín en su etapa inicial a través del análisis de diferentes fuentes pedagógicas. Este trabajo consta de varios apartados: en primer lugar mostramos una declaración de intenciones en cuanto a los objetivos y la metodología desempeñada; una exposición de los orígenes y antecedentes del violín y de las principales escuelas violinísticas partiendo desde el siglo XVII hasta nuestros días. El cuerpo central de la tesis representa un total de 47 fuentes pedagógicas, donde se examinan los contenidos didácticos, la idoneidad de sus planteamientos y su efectividad en la práctica en nuestra época actual con alumnos que se inician en el aprendizaje. Para el análisis se ha utilizado una plantilla ad hoc validada por expertos en el ámbito de la pedagogía musical y del violín que consta de seis parámetros o ejes fundamentales. Los resultados obtenidos se comparan y contrastan con los principios pedagógicos actuales de la enseñanza del violín en la fase inicial. A este grueso le sigue un estudio comparativo de todos los métodos, tratados y libros propuestos para llegar a una conclusión sobre los textos de enseñanza que hemos considerado más importantes en las épocas estudiadas ofreciendo una visión prospectiva a futuros trabajos de investigación que sigan la misma línea de estudio de nuestra tesis doctoral. En conclusión el interés fundamental de esta tesis se centra en averiguar cómo se gestionaba el aprendizaje del violín, en cuanto a su organización de contenidos, en las épocas en las que vivieron los autores de las fuentes pedagógicas analizadas para tratar de comparar los elementos de una época determinada con respecto a la adecuación de los aprendizajes referidos a la enseñanza del violín en su etapa inicial en la actualidad.
This thesis is an analysis of treaties, methods and books on pedagogy and teaching violin in its initial phase, existing in the period from the mid-eighteenth century to the twenty-first century. It consists of several sections: first a declaration of intent with regard to the objectives and methodology performed; followed by the exposition of the origins and history of the violin and the major violin schools starting from the seventeenth century to our days. The main body of the thesis includes a total of 47 pedagogical sources, where the teaching contents are examined, the appropriateness of its approach and its effectiveness in practice in our present time with students who start learning the violin. We also compare and contrast the results with current pedagogical principles of teaching the violin at an early stage. This main part is followed by a comparative study of all methods, treatises and books proposed, reaching a conclusion on teaching texts which we have considered to be the most important in the studied period of time and offering a prospective view to future research which follows the same line of investigation as our thesis.

Tesis para optar al grado de Magíster en Historia mención Historia Europea
El siglo XX constituyó un tiempo de procesos que marcaron dramáticamente al mundo, sus Guerras Mundiales dañaron la hegemonía de Europa Occidental y desplazaron los polos de poder hacia Este y Oeste, abriendo paso a la Guerra Fría. La Segunda Guerra Mundial se presentaba en el imaginario como una gesta de libertad, pero nuevos autoritarismos aparecían, ahora enmarcados en la Era Bipolar. El nuevo escenario alcanzó ribetes que amenazaron a la humanidad con un colapso total, hecho que fue percibido por sociedades civiles informadas que pensaron, actuaron y cantaron al respecto. Estas nuevas sensibilidades chocaron con aquellos paradigmas autoritarios de larga data y generaron movimientos que remecieron al mundo a partir de la década de los 50´. Aquellos anhelos de libertad se expresaron básicamente en un cambio generacional, caracterizado por el nacimiento de la cultura juvenil que encontraba en la música, el cine y la moda sus banderas, esto sumado al ambiente de auge económico de la postguerra y al aumento de la población urbana y universitaria, detonó el mayor de los cambios culturales del siglo. Entre las representaciones culturales que nos legó ese tiempo parece particularmente interesante indagar en la construcción de los discursos de la música popular, cuyo carácter masivo y significado profundo nos puede permitir ingresar a un mundo amplio de sensibilidades, libertades y limitantes que nos acerquen a las percepciones que la gente común tuvo sobre la Guerra Fría.

Esta tesis doctoral se articula en torno a las escuelas de música que dependen de las sociedades musicales valencianas. Representa el estudio de una realidad social, cultural y educativa, y también una investigación planteada desde una perspectiva docente. Su objetivo era conocer su contexto específico y peculiaridades docentes para modernizarlas y posibilitar que alcanzaran mejores expectativas. Su hipótesis de partida planteaba la errónea tendencia generalizada en estos centros no reglados a reproducir los planteamientos de los Conservatorios Elementales de Música. La investigación está diseñada desde una metodología integrada de análisis, en la que se utilizan técnicas cuantitativas y cualitativas. Se han planteado distintos instrumentos de análisis y la conveniente triangulación mediante tres encuestas dirigidas al profesorado de Escuelas de Música (E1, E2 y E4) y otra al de Conservatorios Elementales (E3). El tratamiento de los datos se ha realizado mediante programas de análisis cuantitativo (Excel y SPSS) y cualitativo (Atlas-ti) y ha aportado información relevante para el análisis y la mejora de estos centros educativos. La tesis analiza la historia y características de las escuelas de música valencianas para señalar que constituyen un modelo diferente al de otras zonas de España, Europa e Iberoamérica. También estudia la legislación por la que se rigen, apuntando las incoherencias legislativas detectadas. Las conclusiones de la investigación apuntan a la incuestionable labor desarrollada por la red de escuelas de música de las sociedades musicales valencianas y detectan problemáticas económicas, educativas y de formación del profesorado, debidas fundamentalmente a la histórica discriminación de estos centros educativos por el hecho de impartir estudios no reglados, por no ser tenidos en cuenta como salidas profesionales en la formación inicial del profesorado y por las trabas legislativas que encuentran sus docentes en el acceso a la formación continua. También plantea la necesidad del reconocimiento de un modelo propio que busca la normalización a partir de la formación, renovación e investigación, y que indiscutiblemente debe contar con una financiación adecuada por parte de la administración. También remarca que la confluencia de la educación formal, no formal e informal de la música reporta grandes beneficios educativos, lo que hace indispensable la necesidad de colaboración entre todos los niveles formativos. Las conclusiones y aportaciones de esta tesis doctoral son significativas y justifican la hipótesis e interrogantes de partida, proponiendo un nuevo modelo de centros educativos y nuevos caminos abiertos a la investigación. Toda la bibliografía citada al final de la misma está referenciada a lo largo del trabajo.

Made available in DSpace on 2016-04-28T14:16:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Carla Bromberg.pdf: 1463420 bytes, checksum: 54a431481064f4d288f342a061df9c6a (MD5) Previous issue date: 2009-04-22
Fundação de Amparo a Pesquisa do Estado de São Paulo
Vincenzo Galilei (1520?-1590) was born at Santa Maria a Monte, a small city near Florence. He was a music-theorist, a lutenist and a teacher. He was sent to Venice to start theoretical studies with Gioseffo Zarlino and interested in the studies of ancient texts, he was helped by the philologist Girolamo Mei. Galilei had basically two main goals. The first was to clarify, what he called misunderstood facts of the history of music and the second was to restore music to its original place among the sciences. Therefore he explored the nature of ancient music in a very detailed and systematic fashion and provided novelties based mostly on the results of his investigative method. In experimenting with different materials, cotton, metal, wood, etc., combined into different shapes, Galilei showed to take matter into account to know how it affects the behavior of the instruments. Despite the fact that Music was based on the concept of number, and that most of the musical theorists of the sixteenth century were not interested in the physical nature of sound or in the materials that produce it, Vincenzo Galilei succeeded to provide to Music a new basis, named sound
Vincenzo Galilei foi um músico teórico, alaudista e professor, nascido em uma pequena cidade nos arredores de Florença na primeira metade do século XVI. Embora pouco se saiba de sua formação, sabe-se que após os seus estudos com o teórico Gioseffo Zarlino, manteve intensa correspondência com o filólogo Girolamo Mei que o introduziu aos textos da antigüidade clássica. Vincenzo Galilei estudou e criticou os textos clássicos e desenvolveu experimentações com instrumentos. Ao estudar os instrumentos musicais e os materiais de que eram constituídos, Galilei buscava solucionar problemas musicais. A sua análise dos diversos comportamentos dos materiais, assim como dos instrumentos, proveu um novo fundamento para a música teórica. Galilei concluía que a Música não estava embasada no número, como acreditavam alguns teóricos de sua época, mas no fenômeno físico sonoro

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2016-11-30T11:42:48Z No. of bitstreams: 1 Rodrigo Trevisan Braga.pdf: 18417993 bytes, checksum: f078ac8a6e926776178a5a86ec3bb3ff (MD5)
Made available in DSpace on 2016-11-30T11:42:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rodrigo Trevisan Braga.pdf: 18417993 bytes, checksum: f078ac8a6e926776178a5a86ec3bb3ff (MD5) Previous issue date: 2016-09-19
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
The Telharmonium was a musical instrument created in the late nineteenth century, of great technical complexity and size, coming to occupy a three-story building in New York City. Telephone cables were used to stream music for homes, restaurants, clubs and other places, through a subscription service. Fruit of labor of Thaddeus Cahill (1867-1934), an electrical engineer, the instrument enabled change in the timber as it was played, resemble thus an orchestra. Cahill presented several patent applications, reformulating them every time, for over twenty years, and in 1897 obtained the registration. For a number of reasons – many of them related to music streaming system to subscribers – the Telharmonium had to be turned off, leaving, however, a great legacy for the construction of electric musical instruments. This research aimed to recognize in the work of Cahill the theoretical basis of science that gave rise to it. Thus, approached the ideas of H. L. F. V. Helmholtz (1821- 1894), present in his book on acoustics, tuning and music theory titled On the Sensations of Tone as a Physiological Basis for the Theory of Music, as well as the patents filed by Cahill during the development of Telharmonium. These results indicated that the theories presented by Helmholtz were used as a basis for the development of such a musical instrument
O Telharmonium foi um instrumento musical criado no final do século XIX, de grande complexidade técnica e tamanho, chegando a ocupar um prédio de três andares na cidade de Nova York. Utilizava cabos telefônicos para transmitir música para residências, restaurantes, clubes e outros locais, por meio de um serviço de assinaturas. Fruto do trabalho de Thaddeus Cahill (1867-1934), um engenheiro eletricista, o instrumento possibilitava a troca de timbre na medida em que era tocado, podendo assemelhar-se, assim, a uma orquestra. Cahill apresentou vários pedidos de patente, reformulando-os a cada vez, por mais de vinte anos, e, em 1897, obteve o registro. Por uma série de razões – várias delas relacionadas ao sistema de transmissão de música aos assinantes – o Telharmonium teve de ser desativado, deixando, entretanto, um grande legado para a construção de instrumentos musicais elétricos. A presente pesquisa buscou reconhecer no trabalho de Cahill as bases teóricas da ciência que o fundamentaram. Assim, abordou as ideias de H. L. F. V. Helmholtz (1821- 1894), presentes em seu livro sobre acústica, afinação e teoria musical intitulado On the Sensations of Tone as a Physiological Basis for the Theory of Music, assim como as patentes solicitadas por Cahill durante o desenvolvimento do Telharmonium. Os resultados desta pesquisa apontaram que as teorias apresentadas por Helmholtz foram utilizadas como base para o desenvolvimento de tal instrumento musical

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:32:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Angela Tereza de Oliveira Correa.pdf: 2382107 bytes, checksum: eaa55980085b5dfb0ea0b9c912f4a9bf (MD5) Previous issue date: 2010-05-21
This investigation is focused in Belém, Pará, between the 1920s and 1940s. Under the perspective of Cultural History, it seeks to recover other urban experiences and sonority. In a moment of economic and cultural changes, the intellectuals from Pará attempt to delineate new faces for the city, making it acquire more regional contours. Instead of Paris in l America, as the elites liked to call it, it was called brunette city, city of the mango trees, of the sun, of the rain, the Metropolis of the Amazon. Women and men moved about the city, and their sound and noises could be heard by the dwellers, delimiting territories and allowing themselves to be seen daily in the town. At night, the streets and squares were invaded by the sounds and songs of the bohemian and serenading musicians, and an idealized and romantic representation of these subjects was elaborated by the modernist intellectuals that participated in it. However, bohemia was not restricted to serenading groups; other bohemian practices could also be lived in closed spaces. While the elites continued attached to the aesthetic values of the Belle Époque, considering the classical music as the true musical art, a multiplicity of sounds, rhythms and timbres could be heard in the town and was criticized as popular and distorting of the true musical art. The songs, produced in their majority for teatro de revista [Brazilian cabaret], told and sang about political, economic and social problems faced by the common people. Gentil Puget, member of a generation of musicians of classical background imbued of the modernist ideals, incorporated the popular and the regional to his artistic production, seeking to build a music that was intended as delimiting the regional and national identity
Esta investigação focaliza Belém do Pará, entre as décadas de 1920 a 1940. Sob a perspectiva da História Cultural, busca recuperar outras experiências e sonoridades urbanas. Num momento de mudanças econômicas e culturais, os intelectuais paraenses procuraram delinear novas faces para cidade, fazendo-a adquirir contornos mais regionais. Em vez de Paris n a América, como as elites gostavam de chamá-la, passou a ser denominada a cidade morena, das mangueiras, do sol, da chuva, a Metrópole da Amazônia. Mulheres e homens circulavam pela cidade, e seus sons e ruídos poderiam ser ouvidos pelos moradores, demarcando territórios e se deixando visualizar cotidianamente na urbe. À noite, as ruas e praças eram invadidas pelos sons e cantos dos boêmios e músicos seresteiros, e uma representação idealizada e romântica desses sujeitos foi elaborada pelos intelectuais modernistas que dela participavam. Entretanto, a boemia não se restringia aos grupos seresteiros, outras práticas boêmias poderiam também ser vividas em espaços fechados. Enquanto as elites continuavam apegadas aos valores estéticos da Belle Époque, considerando a música erudita como a verdadeira arte musical, uma multiplicidade de sons, ritmos e timbres poderia ser ouvida na urbe e era criticada como popularesca e deturpadora da verdadeira arte musical. As canções, produzidas em sua maioria para o teatro de revista, contavam e cantavam sobre problemas políticos, econômicos e sociais enfrentados pelos populares. Gentil Puget, membro de uma geração de músicos de formação erudita imbuídos dos ideais modernistas, incorporou à sua produção artística o popular e o regional, buscando construir uma música que se pretendia demarcadora da identidade regional e nacional

Tesis para optar al Grado de Magister en Comunicación Política
El autor no autoriza el acceso a texto completo de su documento
Esta investigación abordará la problemática relación entre poesía y política presente en la estética de la obra poético musical del cantautor cubano Silvio Rodríguez. Entendiendo que para tales efectos, no se espera realizar un análisis musicológico de Silvio Rodríguez, sino un análisis de las categorías estéticas y políticas que componen las letras de sus canciones. Para ello, se realizará un análisis interpretativo del discurso literario poético, que permita examinar en profundidad el poema plasmado por Silvio en cada una de sus canciones, para comprender el carácter de lo político presente en ellas y de qué manera esta relación entre poesía y política se manifiesta en la estética de sus letras y cómo influye en ellas el contexto en que él escribe. El corpus de esta investigación está compuesto por doce canciones pertenecientes a los veintisiete discos del cantautor, que fueron seleccionadas de acuerdo al criterio que incluye aquellas canciones que reflejan mayores contenidos ligados a la realidad política y social a nivel mundial, aquellas donde se puedan observar categorías estético políticas que permitan vislumbrar un proceso de subjetivación política, y aquellas donde se aprecien algunas categorías míticas interesantes para el análisis. Además, porque es aquí donde se diferencia Silvio de otros artistas. Finalmente, la relación entre poesía, política y melancolía, se produce cuando a través de la poesía se manifiesta la melancolía que provoca al autor el pensar los abusos del sistema capitalista en el que vivimos, pero que se convierte en su motivación para la lucha por la Revolución, esta misma motivación potencia su proceso creativo, a través del cual se evidencia el conflicto constitutivo de la política.

La Tesis analiza la trayectoria artística de la Banda Municipal de Valencia desde el año 1903 hasta finales del año 2002 y su aportación a la historia de la música valenciana. Primeramente, el autor hace un estudio sobre las agrupaciones de viento y percusión desde sus orígenes hasta la actualidad. Este análisis siempre ha sido enfocado desde el punto de vista de los grupos de músicos profesionales al servicio de los ayuntamientos, es decir, hacia las bandas o conjuntos municipales. Por ello, también hay un apartado dedicado a la formación de las primeras bandas municipales en la historia de España.En un segundo apartado se trata los diferentes aspectos sociales, musicales, culturales y políticos en la Valencia del cambio del siglo XIX al XX, época en que se creó la Banda Municipal. Tras analizar las primeras oposiciones de la Banda Municipal, el autor aborda un estudio económico sobre los sueldos de los primeros profesores de la agrupación. A continuación, se estudia a cada uno de los directores que han estado al frente de la Banda Municipal de Valencia. No es una biografía de cada uno de ellos, sino la labor ejercida por éstos durante su etapa al frente del colectivo. Desde su fundación hasta la actualidad han pasado los siguientes directores titulares: Santiago Lope, Emilio Vega, Luis Ayllón, Emilio Seguí, Antonio Palanca, José Ferriz, Juan Garcés, Julio Ribelles y Pablo Sánchez Torrella.En otro capítulo se hace una valoración de la participación de la Banda Municipal en los Certámenes de Bandas de la Feria de Julio de Valencia desde 1903 hasta el 2002. Para ello, se ha establecido una comparación entre la municipal valenciana y las bandas de mayor número de plazas. De esta forma, podemos observar los directores que estaban a la moda en cuanto a estilos y géneros musicales. Por otro lado, hay un estudio entre las relaciones existentes entre la Banda Municipal y el Conservatorio, ya que muchos profesores de la agrupación también ejercieron simultáneamente la docencia en el Conservatorio hasta el año 1986, fecha en que apareció la Ley de Incompatibilidades. Así, los profesores que compaginaban simultáneamente sus menesteres en la Banda y en el Conservatorio tuvieron que elegir entre un sitio u otro. También el autor hace una investigación sobre la Banda Municipal de Valencia como la principal promotora de la música bandística en la Comunidad Valenciana. En este apartado se hace un estudio sobre todos los profesores que han pasado por la Banda Municipal y al mismo tiempo han dirigido bandas de música de carácter aficionado. El último capítulo de esta Tesis Doctoral está dedicado al estudio estético y estilístico de una composición o transcripción musical de cada director que ha ocupado la titularidad al frente de este colectivo.Cierra la investigación un apéndice documental donde se ha incluido la documentación más importante que hemos encontrado a lo largo de estos casi cien años de labor artística, como diversas plantillas de la agrupación, programas de conciertos, el Reglamento de la Banda Municipal en el año 1903, así como diversos documentos importantes.
The Thesis analyzes the artistic career of the Municipal Band of Valencia since 1903 and its contribution to the valencian music history.At First, the author makes an study about the winds groups and percussion from its origins up to the current times. After that, the author treats the different social, musical, cultural and political aspects of Valencia since the end of the century XIX. After analyzing the first oppositions to join the Band, the author approaches an economic study on the salaries of the first teachers of the group. Also, is studied each of the directors who have been at the head of the Municipal Band of Valencia. It is not a biographic work of each of them, its just only a recopilation of their labor during his stage at the head of the group. In another part of this work, there is an evaluation since 1903 until 2002 about the participation of the Municipal Band in the Certamen de la Feria de Julio de Valencia. In that way, we have known which director was fashioned talking about styles and musical genres. On the other hand, there is a study between the Municipal Band and the Conservatoire, since many teachers of the group also exercised simultaneously the teaching in the Conservatoire until the year 1986, date in which the Law of Incompatibilities appeared. In this way, the teachers who were arranging simultaneously his occupations in the Band and in the Conservatoire had to choose between one place or other. Also the author does an investigation of the Municipal Band of Valencia as the principal promoter of the band music in the Valencian Country. In this part are studied all the teachers who have passed for the Municipal Band and at the same time directed amateur music bands.The last chapter is dedicated to the aesthetic and stylistic study of the composition or musical transcription of every director who occupied the ownership at the head of this group.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:22Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-04-11Bitstream added on 2014-06-13T18:54:43Z : No. of bitstreams: 1 schmiedecke_na_me_fran.pdf: 6607890 bytes, checksum: c4f8447cf39fc3857c6873fdf16b0e82 (MD5)
O presente trabalho se dedica a analisar a maneira pela qual Víctor Jara, Quilapayún e Inti- Illimani – músicos ligados ao movimento da Nova Canção Chilena – procuraram “tomar a história em suas mãos”, colocando-se ao lado do “povo” na realização do que consideravam ser o seu devir. Reivindicando protagonismo na transformação da ordem social vigente e elaborando discursos sobre o papel social da arte, tais músicos buscaram filiar seu repertório a determinada tradição musical, reinventando-a. Em contraposição ao que consideravam uma visão estática do folclore, defenderam seu caráter dinâmico, que permitiria sua transformação e atualização de acordo com as demandas políticas do presente. Filiados ao Partido Comunista, ofereceram apoio a Salvador Allende durante a campanha eleitoral de 1970 e, posteriormente, passaram a integrar seu governo, contribuindo para a identificação da Nova Canção Chilena – termo cunhado no festival homônimo realizado em 1969 – como um movimento politicamente engajado. A fim de compreender como esse movimento participou do processo intenso de transformações sociais ocorrido no Chile entre a segunda metade dos anos 1960 e o início dos 1970, examinamos o universo de referências estéticas, políticas e históricas presentes nos LPs dos artistas selecionados – abarcando desde suas primeiras gravações (1966) até o golpe militar (1973) –, tendo como foco as relações estabelecidas entre música popular e ideais revolucionários
The present work is dedicated to analyze the way in which Víctor Jara, Quilapayún and Inti- Illimani - musicians linked to the Chilean New Song Movement - sought to take history into their hands, putting themselves next to the people in achieving what they considered to be their becoming. Claiming protagonism in the transformation of the social order and elaborating speeches on the social role of art, such musicians sought to affiliate their repertoire to a particular musical tradition, reinventing it. In opposition to what they considered a static view of folklore, they defended its dynamic character, which would allow its transformation and update according to the political demands of the present. Affiliated to the Communist Party, they offered support to Salvador Allende during the electoral campaign of 1970, and later became part of his government, contributing to the identification of Chilean New Song - a term coined in the homonymous festival held in 1969 - as a movement politically engaged. In order to understand how this movement participated in the intense process of social transformations that occurred in Chile between the second half of the 1960s and early 1970s, we examinated the universe of aesthetic, political and historical references present in the selected artists' LPs - spanning from their first recordings (1966) to the military coup (1973) -, focusing on the relationship between popular music and revolutionary ideals

Orientador: Tania da Costa Garcia
Banca: Marcos Francisco Napolitano de Eugênio
Banca: Marcos Sorrilha Pinheiro
Resumo: O presente trabalho se dedica a analisar a maneira pela qual Víctor Jara, Quilapayún e Inti- Illimani - músicos ligados ao movimento da Nova Canção Chilena - procuraram "tomar a história em suas mãos", colocando-se ao lado do "povo" na realização do que consideravam ser o seu devir. Reivindicando protagonismo na transformação da ordem social vigente e elaborando discursos sobre o papel social da arte, tais músicos buscaram filiar seu repertório a determinada tradição musical, reinventando-a. Em contraposição ao que consideravam uma visão estática do folclore, defenderam seu caráter dinâmico, que permitiria sua transformação e atualização de acordo com as demandas políticas do presente. Filiados ao Partido Comunista, ofereceram apoio a Salvador Allende durante a campanha eleitoral de 1970 e, posteriormente, passaram a integrar seu governo, contribuindo para a identificação da Nova Canção Chilena - termo cunhado no festival homônimo realizado em 1969 - como um movimento politicamente engajado. A fim de compreender como esse movimento participou do processo intenso de transformações sociais ocorrido no Chile entre a segunda metade dos anos 1960 e o início dos 1970, examinamos o universo de referências estéticas, políticas e históricas presentes nos LPs dos artistas selecionados - abarcando desde suas primeiras gravações (1966) até o golpe militar (1973) -, tendo como foco as relações estabelecidas entre música popular e ideais revolucionários
Abstract: The present work is dedicated to analyze the way in which Víctor Jara, Quilapayún and Inti- Illimani - musicians linked to the Chilean New Song Movement - sought to "take history into their hands", putting themselves next to the "people" in achieving what they considered to be their becoming. Claiming protagonism in the transformation of the social order and elaborating speeches on the social role of art, such musicians sought to affiliate their repertoire to a particular musical tradition, reinventing it. In opposition to what they considered a static view of folklore, they defended its dynamic character, which would allow its transformation and update according to the political demands of the present. Affiliated to the Communist Party, they offered support to Salvador Allende during the electoral campaign of 1970, and later became part of his government, contributing to the identification of Chilean New Song - a term coined in the homonymous festival held in 1969 - as a movement politically engaged. In order to understand how this movement participated in the intense process of social transformations that occurred in Chile between the second half of the 1960s and early 1970s, we examinated the universe of aesthetic, political and historical references present in the selected artists' LPs - spanning from their first recordings (1966) to the military coup (1973) -, focusing on the relationship between popular music and revolutionary ideals
Mestre

La presente tesis tiene como objetivo analizar las razones que llevaron a un grupo de jóvenes limeños varones, en la década de los ochenta, a tocar metal, tanto en la variante de heavy metal tradicional como en la extrema, a la vez que busca explicar de qué manera las circunstancias de la realidad nacional, tanto económicas como sociales y políticas, influyeron en la constitución de dicho género musical como escena. Para ello, parto de dos hipótesis. Por un lado, en un contexto de globalización y desestructuración, estos jóvenes encuentran, en la oscuridad, pesadez y potencia del metal, un espacio en el que construir lazos sociales entre pares y afianzar estructuras paralelas de autonomía y poder. Por otro lado, la formación de la escena metalera se da primero en una etapa (1983-1985) de convivencia entre las bandas de metal y las de otros subgéneros del rock; y luego, en una segunda etapa (1986-1989), esta adquiere carácter independiente y se perfila en dos vertientes: una que busca la profesionalización, que eventualmente pierde terreno ante la crisis económica, y otra underground, que lograr sortear la crisis a partir de sus propios códigos, los cuales marcan el futuro de la escena. Con el fin de poner a prueba dichas hipótesis, realicé entrevistas a participantes de la escena de la época, consulté diversos periódicos, revistas y fanzines, además de fuentes secundarias. Además de confirmar las hipótesis de investigación, esta tesis muestra, primero, que los códigos musicales (en este caso del metal) influyeron en la realidad de los jóvenes que adoptaron dicho género como seña identitaria; y, segundo, que las particularidades de la escena metalera limeña respondieron a eventos y tendencias sociales, políticas y económicas propias de la realidad peruana.
Tesis

Tesis no autorizada por su autor para ser publicada a texto completo en repositorio.
Doctor en filosofía con mención en estética y teoría del arte
La cuestión fundamental que la presente tesis tratará es la importancia que tendrá la música para la modernidad en tanto modo de pensamiento.

El presente trabajo fue concebido a partir de la hipótesis que la práctica musical en las iglesias bautistas de Chile, inserta en una correspondiente red de usos y funciones, tiene una vinculación estrecha con los procesos históricos generales tanto socioculturales como musicales articulados a nivel nacional o internacional. Como primer paso para validar esta hipótesis se formula como objetivo básico describir en términos globales la historia de la práctica musical en las iglesias afiliadas a la Convención Evangélica Bautista de Chile (CEBACH), el repertorio musical usado en ellas y el discurso que los líderes bautistas manejan acerca de su música. En el capítulo I se realiza una presentación general del protestantismo evangélico latinoamericano y de las principales iglesias evangélicas establecidas en Chile con el fin de enmarcar con mayor claridad el universo de estudio. Los capítulos II, III y IV se articulan a partir de los tres ejes fundamentales de nuestra aproximación, la historia, el repertorio y el discurso émico. El capítulo II corresponde a un panorama de la historia de la música en las iglesias bautistas chilenas, donde damos cuenta del repertorio y del discurso émico en cada etapa identificada. El capítulo III corresponde a un acercamiento al repertorio musical usado en estas iglesias, donde consideramos la historia de sus principales categorías y fuentes matizada con comentarios puntuales de líderes evangélicos. Por su parte, en el capítulo IV se expone una aproximación a dos iglesias bautistas visitadas en Santiago, donde se da cuenta de la historia de cada una de ellas, el repertorio musical que usan y la opinión de sus líderes. A partir del trabajo realizado, se desprenden conclusiones que apuntan a una validación de la hipótesis inicial en cuanto al uso y función de la música en las iglesias bautistas chilenas y en cuanto al valor que la música posee en este sector social en términos de concreción cultural e identitaria. Se presentan además algunas de las proyecciones que surgen del estudio realizado y que debieran constituir referencias para futuras investigaciones en este ámbito.

[EN] This doctoral dissertation aims to make an approach aimed at Spanish-speaking area, to the music of Korea, as well as their historical and social conditions, and assess its contribution to the development of culture, art and music internationally. It is to analyze analyze what were the distinguishing traits (both native and imported but assimilated into Korean territory) Korean music, and explain all that to the Spanish area, while studying the arrival of Western music (and particularly, Christian and Catholic music) to the country of the Morning Calm, and analyze its development over time and possible future relationships. The justification of the work is relevant today, because it doesn't exists up to now, in Spanish language, one work like this, that certainly can serve as a bridge of understanding between two countries and distant cultures in space, although both committed to the spirit of progress in democratic countries, and gradually taper mutual relations. The methodology that has been used has been to provide first to the Spanish reader a state of the question about what has been and is the historical and social context of the Korean peninsula, ie identify their geographical, linguistic characteristics and historical, serve to better understand the cultural and artistic development of the country. I wanted to stop, especially, in matters of religion and thought, fundamental in Korea, because it is certainly a country that values much everything about the religious culture and the human sciences (its cosmogony, with its myths, legends, symbols-, religion, theology and philosophy) since antiquity. Then the paper analyzes the history of Christianity in Korea and its implications to the present, to move quickly to deal with the musical world of Korea: Korean traditional music through its historical traces and reception of Western music, putting a special emphasis on the analysis and study of Korean musical instruments, as well as the oriental music at home (Buddhist music -with an Indian-origin-, and Chinese music -Confucianism-). Next, a detailed history of Korean music review, through its historical periods: ancient period, Choson dynasty, modern times and contemporary period, with a special section devoted to the study of Western music in contemporary Korea to end with a careful history of Catholic music in Korea approximation, ie the Western music in Korea through Christian music, and traditional Korean music through its historical traces and reception of Western music. Finally, I provide the relevant conclusions and future perspectives (ie, openness to new research that this paper provides), and an extensive bibliography is exposed, gathered here for the first time within the musicological field in Spanish language. I wanted to illustrate the work profusely, in order to facilitate more and better grasp of the issues, -sometimes very distant conceptually from the usual European musicological concept and Spanish-, trying to offer, at the same time (when it seemed necessary or it has been possible), terminology translation of certain concepts, in a multilingual way: the Castilian phonetic transcription, the term in English, the term in Korean and Hankel alphabet, and even, in Chinese. Similarly, it seemed interesting to include, as Annex (given its great relationship with the Korean field, and that this may explain certain issues addressed in the body of work), a chapter devoted to the study of traditional Indian instruments, ending with a reflection on the need to build bridges between two countries and two peoples begin to know, and in the music section, as in the arts and culture, and many other fields (especially also in the religious section and cultivation of the spirit), have much to be able to offer each other and just beginning to open new avenues of common knowledge.
[ES] La presente tesis doctoral pretende realizar una aproximación, destinada al ámbito hispanoparlante, a la música de Corea, así como a sus condicionantes históricos y sociales, y valorar su contribución al desarrollo de la cultura, el arte y la música a nivel internacional. Se trata de analizar cuáles han sido los rasgos distintivos de la música coreana, tanto propios como foráneos aunque asimilados en territorio coreano, y explicarlos al ámbito español, al tiempo que estudiar la llegada de la música occidental (y muy en particular, de la música cristiana y más específicamente, católica) al país de la calma matutina, así como analizar su desarrollo a lo largo del tiempo y posibles relaciones futuras. La justificación del trabajo tiene plena actualidad, dado que no existe en lengua castellana un trabajo de las presentes características, que sin duda podrá servir como puente de entendimiento entre dos países y culturas alejados en el espacio, aunque ambos comprometidos con el espíritu de progreso de los países democráticos, y que poco a poco, van estrechando mutuas relaciones. La metodología que se ha empleado ha consistido en ofrecer en primer término al lector español un estado de la cuestión a propósito de cuál ha sido y es el contexto histórico y social de la península de Corea, es decir, señalar sus características geográficas, lingüísticas e históricas, que sirvan para comprender mejor el desarrollo cultural y artístico del país, así como detenerse muy especialmente en cuestiones de religión y pensamiento, fundamentales en Corea, pues se trata sin duda de un país que valora muchísimo todo lo relacionado con la cultura religiosa y las ciencias del espíritu (su cosmogonía -mitos, leyendas, símbolos-, la religión, teología y filosofía)desde la antigüedad. A continuación, el trabajo analiza la historia del cristianismo en Corea y sus implicaciones hasta el presente, para pasar enseguida a tratar del mundo musical de Corea: la música tradicional coreana a través de sus huellas históricas y la recepción de la música occidental, poniendo un especial énfasis en el análisis y estudio de los instrumentos musicales coreanos, así como de la música oriental en el país (música budista -de origen indio- y música china -confucianista-). A continuación, se hace un repaso minucioso a la historia de la música coreana, por períodos históricos: período antiguo, dinastía de Chóson, época moderna y época contemporánea, con un apartado específico dedicado al estudio de la música occidental en la Corea contemporánea, para finalizar con una aproximación detenida a la historia de la música católica en Corea, es decir, a la música occidental en Corea a través de la música cristiana, y a la música tradicional coreana a través de sus huellas históricas y la recepción de la música occidental. Finalmente, se ofrecen las pertinentes conclusiones y perspectivas de futuro (es decir, la apertura a nuevas investigaciones que este trabajo pretende aportar), y se expone una amplísima bibliografía, aquí reunida por vez primera dentro del ámbito musicológico de habla hispana. El trabajo se ha querido ilustrar profusamente, con vistas a facilitar una mayor y mejor aprehensión de los temas tratados, en ocasiones muy alejados conceptualmente del concepto musicológico europeo y español, tratando de ofrecer al mismo tiempo, cuando ha parecido necesario o ha sido posible, la traducción terminológica de determinados conceptos, de manera plurilingüe: transcripción fonética al castellano, término en inglés, en coreano y alfabeto hánkel, e incluso en chino. De modo semejante, ha parecido interesante incluir como Anexo, dada su gran relación con el ámbito coreano, y que ello puede explicar determinadas cuestiones tratadas en el cuerpo del trabajo, un capítulo dedicado al estudio de los instrumentos tradicionales de la India, para finalizar con una reflexión
[CAT] La present tesi doctoral pretén realitzar una aproximació, destinada a l'àmbit hispà-parlant, a la música de Corea, així com als seus condicionants històrics i socials, i valorar la seva contribució al desenvolupament de la cultura, l'art i la música a nivell internacional. Es tracta d'analitzar quins han estat els trets distintius de la música coreana, tant propis com forans encara que assimilats en territorio coreà, i explicar-los a l'àmbit espanyol, alhora que estudiar l'arribada de la música occidental (i molt en particular, de la música cristiana i més específicament, catòlica) al país de la calma matutina, així com analitzar el seu desenvolupament al llarg del temps i les seves possibles relacions futures. La justificació del treball té plena actualitat, atès que no existeix en llengua castellana un treball de les presents característiques, que sens dubte podrà servir com a pont d'entesa entre dos països i cultures allunyats en l'espai, encara que tots dos compromesos amb l'esperit de progrés dels països democràtics, i què, a poc a poc, van estrenyent mútues relacions. La metodologia que s'ha emprat ha consistit en oferir en primer terme al lector espanyol un estat de la qüestió a propòsit de quin ha estat i quin és el context històric i social de la península de Corea, és a dir, assenyalar les seves característiques geogràfiques, lingüístiques i històriques, que serveixin per comprendre millor el desenvolupament cultural i artístic del país, així com aturar-se, molt especialment, en qüestions de religió i pensament, fonamentals a Corea, ja que es tracta sens dubte d'un país que valora moltíssim tot el relacionat amb la cultura religiosa i les ciències de l'esperit (la seva cosmogonia -mites, llegendes, símbols-, la religió, teologia i filosofia) des de l'antiguitat. A continuació, el treball analitza la història del cristianisme a Corea i les seves implicacions fins al present, per passar de seguida a tractar del món musical de Corea: la música tradicional coreana a través de les seves petjades històriques i la recepció de la música occidental, posant un especial èmfasi en l'anàlisi i estudi dels instruments musicals coreans, així com de la música oriental al país (música budista -d'origen indi- i música xinesa -confucianista-). A continuació, es fa un repàs minuciós a la història de la música coreana, per períodes històrics: període antic, dinastía Choson, època moderna i època contemporània, amb un apartat específic dedicat a l'estudi de la música occidental a la Corea contemporània, per finalitzar amb una aproximació detinguda a la història de la música catòlica a Corea, és a dir, a la música occidental a Corea a través de la música cristiana, i a la música tradicional coreana a través de les seves petjades històriques i la recepció de la música occidental. Finalment, s'ofereixen les pertinents conclusions i perspectives de futur (és a dir, l'obertura a noves investigacions que aquest treball pretén aportar), i s'exposa una amplíssima bibliografia, aquí reunida per primera vegada dins de l'àmbit musicològic de parla hispana. El treball s'ha volgut il·lustrar profusament, per tal de facilitar una major i millor aprehensió dels temes tractats, de vegades molt allunyats conceptualment del concepte musicològic europeu i espanyol, tractant d'oferir, a la vegada, quan ha semblat necessari o ha estat possible, la traducció terminològica de determinats conceptes, de manera plurilingüe: transcripció fonètica al castellà, terme en anglès, en coreà i alfabet Hankel, i fins i tot, en xinès. De manera semblant, ha semblat interessant incloure, com a annex (donada la seva gran relació amb l'àmbit coreà, i que això pot explicar determinades qüestions tractades en el cos del treball), un capítol dedicat a l'estudi dels instruments tradicionals de l'Índia, per finalitzar amb una reflexió al voltant de la
Choi, SH. (2015). El mundo musical de Corea. Música tradicional coreana a través de sus huellas históricas y la recepción de la música occidental [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/53449
TESIS

Made available in DSpace on 2016-04-25T20:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Patricia Fatima Crepaldi Bento da Silva.pdf: 1452903 bytes, checksum: 7bc99178309ff828a83e99b1122f86ad (MD5) Previous issue date: 2008-10-09
Secretaria da Educação do Estado de São Paulo
The present work has as objective to analyze the occured transformations in brazilian popular music being verified if and of that it forms occurred, the process of exclusion of the black population in this brazilian cultural segment, thus leading, Brazilian music to a whiteness process. We concentrate ourselves in the study of the official and registered history of the Bossa Nova, inside of the period of 1958 the 1968, as well as its disagreements, unfoldings and antagonisms, therefore this is officially the first musical movement to happen in Brazil and from it diverse changes in brazilian popular music had occurred and that they answer to the main questions proposals in this work. In the perspective of music as a social field, according to Pierre Bourdieu, we analyze brazilian popular music from the existing racial conflicts in its half one, using the concept of a market of symbolic goods that legitimize chosen its and that it perpetuates its choices through its instances of reproduction, thus pointing the gotten results that confirm our initial hypothesis
O presente trabalho tem como objetivo analisar as transformações ocorridas na música popular brasileira verificando se e de que forma ocorreu, o processo de exclusão da população negra neste segmento cultural brasileiro, levando assim, a música brasileira a um processo de branqueamento. Concentramo-nos no estudo da história oficial e documentada da Bossa Nova, dentro do período de 1958 a 1968, bem como suas dissidências, desdobramentos e antagonismos, pois este é oficialmente o primeiro movimento musical a acontecer no Brasil e a partir dele ocorreram diversas mudanças na música popular brasileira e que respondem às principais questões propostas neste trabalho. Na perspectiva da música como um campo social, segundo Pierre Bourdieu, analisamos a música popular brasileira a partir dos conflitos raciais existentes em seu meio, utilizando o conceito de um mercado de bens simbólicos que legitima seus escolhidos e que perpetua suas escolhas através de suas instâncias de reprodução, apontando assim os resultados obtidos que confirmam nossa hipótese inicial

Esta tesis doctoral es relativa al concepto de repertorio, concretamente a su aplicación y uso en la producción musical para flauta travesera. Se trata de una investigación que pretende cuestionar y justificar el por qué y el cómo dentro de las obras disponibles para ser tocadas algunas han adquirido durante el siglo XX, una supremacía que las ha convertido en obras habituales, mientras otras aparecen en pocas ocasiones o quizá nunca en el repertorio de los intérpretes. A través de esta investigación se pretende establecer si existe o no una fórmula que garantice no solo el éxito de la obras sino su proyección y perdurabilidad como obra destacada dentro del repertorio, así como también revisar el término ¿repertorio¿ para observar si necesita definiciones más precisas.

Desarrolla las estrategias socioculturales, musicales, comerciales y performativas que los protagonistas de la cumbia peruana han tenido que implementar para que ésta pueda adaptarse a los tiempos y mantenerse vigente desde 1968 hasta el 2000. Está dividida en cuatro capítulos: El primero es un marco conceptual en el que se desarrollan términos como migración, identidad cultural, popular – modernidad – hibridación, cumbia peruana y globalización, para que el lector comprenda las explicaciones y los análisis de los capítulos posteriores. En el segundo capítulo se realiza un paralelo entre el contexto sociocultural de los grupos migrantes en la ciudad de Lima en las décadas del cincuenta, sesenta, setenta y la primera fase de la cumbia peruana (cumbia costeña). En el tercer capítulo se hace una correlación entre el contexto sociocultural del sector migrante en la capital en los años ochenta y el segundo período de la cumbia peruana (cumbia andina o chicha). En el cuarto capítulo se explica el contexto sociocultural de los inmigrantes en la ciudad de Lima en los noventa, el surgimiento de la tecnocumbia (la tercera etapa de la cumbia peruana) y su desarrollo. El objetivo general es demostrar en qué medida la cumbia peruana logró diseñar diversas estrategias para mantenerse vigente y adaptarse a los cambios socioculturales que experimentó el sector migrante en la capital en la década del noventa a raíz de siete factores: La masividad mediática, el cambio en los paradigmas de la producción musical, la instalación de la región amazónica como epicentro de la tecnocumbia, la ausencia de un afán excluyente, la búsqueda de una imagen internacional (apariencia física o estética y cambio de nombre), el protagonismo de la mujer y el cambio en las temáticas de la lírica. En conclusión, se puede decir que cada fase de la cumbia peruana ha sido capaz de reinventarse a través de estrategias socioculturales, musicales, comerciales y performativas que le han permitido adaptarse a los cambios socioculturales que los grupos migrantes experimentaron en la capital en los años noventa. Esto fue posible en vista de que la tecnocumbia impuso una serie de criterios como la masividad mediática, los cambios en los paradigmas de la producción musical, la Amazonía peruana como su epicentro, la ausencia de una vocación de exclusión, la internacionalización del producto musical (apariencia física y cambio de nombre), el protagonismo de la mujer y el cambio en las temáticas de las letras de las canciones, muy compatibles con el estilo de vida, los deseos, el sentido de la estética y las preferencias musicales de la tercera generación de inmigrantes en una vorágine de transformaciones de la sociedad en su conjunto producto del proceso de globalización. Por lo tanto, se puede aseverar que la hipótesis se ha cumplido en su totalidad.

El objetivo principal de esta tesis es recuperar la totalidad de la obra compositiva de Emilio Pujol y ponerla al alcance de ejecutantes, maestros e investigadores. La investigación llevada a cabo ha permitido recopilar en un solo trabajo una enorme cantidad de datos y valorar su objetividad y fiabilidad al cotejarlas con otras fuentes. La tesis está dividida en tres volúmenes. Los volúmenes segundo y tercero contienen los resultados de un largo trabajo de recuperación, catalogación y estudio de todas las fuentes disponibles hasta ahora dispersas en diferentes colecciones de su obra compositiva. El primer volumen cronológicamente el último , es un acercamiento general y un primer intento de valorar la trascendencia de esta producción en tanto que representativa de un estilo de composición para guitarra en uso durante la primera mitad del siglo xx y su influencia en el desarrollo de nuevas tendencias durante los años subsiguientes.
El estudio se ha desarrollado en cinco partes. En la primera se ha hecho un acercamiento al contexto histórico donde se desarrolla la obra de Pujol, revisando de una manera general desde las últimas décadas del siglo xix hasta mediados del siglo xx y extendiéndose específicamente hasta el año de su muerte. La segunda parte se relaciona directamente con su biografía, especialmente en sus años de juventud y su carrera como guitarrista. La tercera parte corresponde a sus aportaciones como maestro, abarcando prácticamente toda su vida desde la década de 1920. Su aportación a la historiografía de la guitarra, a través de sus escritos musicológicos se revisa en la cuarta parte. Finalmente, la quinta parte hace una revisión general sobre su formación como compositor y su obra, analizando con cierto detalle un breve número de obras que, sin ser necesariamente las más conocidas, se han considerado como representativas de sus diferentes acercamientos a la composición y de los estilos que señalan las influencias recibidas de otros autores.
De manera muy parecida a otros guitarristas-compositores, como F. Tárrega, M. Llobet, D. Fortea o G. Tarragó quienes quedaron encerrados entre el rescate de los guitarristas del pasado y las nuevas generaciones de guitarristas nacidos durante el siglo xx , la obra compositiva de E. Pujol y su trascendencia está apenas siendo reconocida. Actualmente, apenas una veintena de obras de Pujol siguen ejecutándose regularmente y el catálogo disponible no sobrepasa los treinta títulos. Como conclusión general este estudio señala el protagonismo de Pujol en dos aspectos fundamentales para el desarrollo de la guitarra en el siglo xx: el desarrollo de un método pedagógico completo y progresivo que permita al estudiante adquirir las herramientas necesarias para poder vencer las dificultades del repertorio contemporáneo, y la creación de un repertorio que sintetiza las prácticas compositivas y los ideales estéticos de su momento.
The main objective of this dissertation is to recover Emilio Pujol´s compositional works and to make them available to performers, teachers and scholars. The research has made possible to put together, in a single work, a great deal of scattered data and to evaluate their reliability when comparing different sources to each other. The dissertation is divided in three volumes. Volumes second and third are the result of a long work of recovery, catalogation and study o all available sources until now disperse in many different colections of Pujol´s compositional works. Volume one chronologically the last one to be completed is a general aproach and a first attempt to evaluate the significance of this material as a model for a guitar´s compositional style in use during the first half of the twentieth century and its role in the development of new tendencies in the following years.
The comparative study has been set in five parts. The first one is an aproach to the historical context around Pujol´s works. This part presents an overview of the last decades of the ninetieth century to the mid-twentieth century, following Pujol´s life up to the year of his death. The second part deals specifically with Pujol´s biography: his early years and his career as a guitarist. The third part is a review of Pujol´s achievements as a teacher during a period that encompasses practically all his life from the decade of the 1920´s. His writings and contributions to the field of guitar historiography are reviewed in the fourth part. Finally, the fifth part is a general review of his development as composer and his compositions. Here a few number of works are discussed. This works are not necessarily the best known but they are considered to be good examples of Pujol´s different approaches to composition and models that points out the varied influences and styles that Pujol received from other contemporary composers.
Like some other guitarist-composer F. Tárrega, M. Llobet, D. Fortea or G. Tarragó, to name a few Pujol´s achievements got stuck between the recovery of renaissance and baroque music for the guitar and the output of the younger twentieth-century composers and guitarists. Because of this, Pujol´s significance is just recently starting to be acknowledged. Hardly twenty of his works are still performed regularly and no more than thirty of his pieces are still available from music retailers.
In conclusion this study points out Pujol´s primary role in two fundamental aspects related to the development of twentieth century guitar: first, the development of a method, pedagogical, complete and progressive, in order to ensure that the student could acquire the proper tools to overcome all difficulties of guitar repertoire; and second, the creation of a new repertoire which represents the compositional styles and the aesthetics ideals of his time.

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:31:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Anderson da Costa e Silva Grecco.pdf: 2572431 bytes, checksum: 26f5d42696335bcedf032aa5b941c5bd (MD5) Previous issue date: 2007-10-19
Titled as The Racionais Mc`s: music, media and social criticizing in São Paulo the research aimed on presenting and analyzing the production and the constitution of the greastest rappers of the country since the biggining, the end of the 80`s boomed on the media by their social arguements and being in front of the several situations of the society. Their contestant attitude are known for about two decades and during this journey are icluded embate the media, against the repression forces of the State with the political class and also with the State itself. Their cronics were part of the ethic questions, by the capital and work relation and by the world family relationship as well. During their career, they headed their rap songs as a machine gun of social criticizing using annalize or cronics about reality experienced from their poor lives from the suburbs of São Paulo. In spite of their concequences and acts, they reached the top of the opinions division that they couldn´t neutralize their respect. On one more chapter of this great interaction of music and history, they present a work of a group that renewed the protest songs and represented a new act by making songs with no indirect or side to side criticizings. The great big deal of Racionais songs went over edges of São Paulo and named themselves as the parameter to annalize several other poor areas in Brazil, after all suburbs are suburbs
Intitulada como: Os Racionais Mc s: música, mídia e crítica social em São Paulo a pesquisa objetiva apresentar e analisar a produção e a constituição do maior grupo de rap do país que desde seus primórdios no final da década de 80 ganhou projeção pelas críticas sociais e por se confrontar com os mais diversos setores da sociedade. As atitudes contestadoras dos rappers se estendem a quase duas décadas e, neste percurso, incluíram embates com a mídia em geral, com as forças de repressão do Estado, com a classe política e o próprio Estado. As crônicas dos Racionais Mc s também enveredaram pelas questões étnicas, pela relação capital e trabalho e pelo mundo das relações familiares. No decorrer da carreira o quarteto paulistano encaminhou sempre seu rap por uma trilha que continha uma metralhadora giratória de críticas sociais disparada em análises ou crônicas da realidade vivida nas periferias pobres de São Paulo. Por conseqüência de suas atitudes e atos, o grupo alcançou tal patamar na divisão de opiniões, que impossibilitou a neutralidade a seu respeito. Em mais capítulo da ampla relação entre música e história, apresenta-se a obra de um grupo que revitalizou as músicas de protesto e representou uma novidade por construir músicas onde não existem críticas veladas ou indiretas. A amplitude do rap dos Racionais ultrapassou as fronteiras paulistanas e os gabaritou como parâmetro para analisar diversas outras áreas pobres do Brasil afinal Periferia é periferia

En los años sesenta del siglo pasado los medios de prensa limeños clasificaron a Los Saicos como un grupo de nueva ola. Cuarenta años más tarde, a inicios del siglo XXI, los historiadores del rock peruano lo conceptualizaron como un grupo “inventor del punk”. Estos dos hechos demuestran que, a lo largo de cuatro décadas, los discursos que determinaron la clasificación de Los Saicos en los medios de prensa y en la historiografía del rock local pasaron por un importante proceso de transformación. Dado que no existen investigaciones académicas que muestren los antecedentes históricos y las premisas conceptuales que subyacieron a estas transformaciones, la presente tesis busca llenar este vacío a través de un análisis de la construcción de lo punk en el discurso historiográfico sobre Los Saicos. El primer capítulo muestra la problemática polisemia del término punk, así como la asunción por parte de periodistas e historiadores de que el rock de garaje de mediados de los años sesenta –el género practicado por Los Saicos– fue la raíz del punk británico de finales de los años setenta. Estos dos hechos son relevantes porque se encuentran en la base de la reconstrucción de Los Saicos como un grupo “inventor del punk”. El segundo capítulo se aproxima a los géneros musicales como hechos estéticos y distingue analíticamente entre el rock de garaje de los años sesenta y el punk británico de los años setenta, evaluando la música de Los Saicos a partir de estas distinciones. Finalmente, en el tercer capítulo, tras las aclaraciones históricas y estéticas hechas en los dos capítulos anteriores, se muestran cuáles fueron los presupuestos que subyacieron a la conceptualización de Los Saicos como un grupo responsable de “inventar el punk”, señalando los alcances y las limitaciones de esta conceptualización.

El presente trabajo se enmarca dentro del ámbito de la epistemología de las Ciencias Sociales con linderos con la neurociencia, la psicología, la antropología, la arqueología y la música misma. Partimos de una aproximación ligada a una concepción evolutiva de la música y las relaciones que comparte con las diversas áreas del conocimiento. Se dejara un poco entre paréntesis, aproximaciones de corte más “humanístico” que, si bien valiosas y ricas en muchos aspectos, no necesariamente se ligan a las ciencias. A menudo se ha catalogado a la música como una actividad más bien “artística” que guarda escasa relación con la ciencia y, curiosamente, por parte de algunos psicólogos evolutivos como Steven Pinker como una especie de producto de carácter “no evolutivo” y más bien “parasitario” de la evolución. Nosotros planteamos justamente la tesis contraria a modo de hipótesis: Hipótesis: La música sí tiene relación con la evolución del hombre en su adaptación y posicionamiento dentro de un medio agreste y también con su capacidad de perdurar, afirmarse como grupo y rivalizar con otros grupos. En el presente trabajo pretendemos explicar el fenómeno musical a partir de argumentos evolucionistas.
Tesis

Objetivos Entre los objetivos que nos marcamos en este trabajo están, sobre todo, los que pretenden explicar la naturaleza musical del flamenco y sus orígenes, a saber: 1. Determinar cuál es la naturaleza estético-musical que define al género flamenco, para poder calificar qué es flamenco y qué no lo es. 2. Delimitar históricamente hasta dónde se remontan estos antecedentes estético-musicales para poder referirnos a ellos como flamenco o preflamenco. 3. Analizar y explicar las características musicales de todos los estilos flamencos, realizando una clasificación de los mismos atendiendo a estas características. 4. Establecer un criterio de transcripción musical coherente con la práctica interpretativa flamenca y con sus antecedentes musicales. 5. Estudiar la música coetánea al nacimiento del género flamenco que pueda relacionarse con él, para así compararla y poder descubrir posibles influencias. 6. Establecer un criterio a la hora de considerar una mayor o menor antigüedad en los estilos conservados por tradición oral o en grabaciones históricas. 7. Estudiar las características estilísticas de las letras flamencas, sus orígenes, transmisión y transformación, así como su posible papel en la transmisión de melodías de cantos populares asociadas a las mismas. 8. Determinar las figuras artísticas más importantes en el nacimiento y desarrollo del género flamenco, estudiando a fondo sus aportaciones. Metodología La labor de investigación ha consistido en el análisis de los diferentes estilos musicales del flamenco y su estudio temporal, usando todas las fuentes documentales posibles. El primer punto de partida ha sido el estudio de la naturaleza musical de los cantes flamencos que surgen hacia mediados del siglo XIX. Para ello nos hemos servido de la herramienta de la transcripción musical. Con ella hemos llevado al papel los cantes flamencos conservados en grabaciones desde aproximadamente 1895, época en la que se graban los primeros cilindros de flamenco en España. De forma paralela hemos estudiado las partituras de la misma época que reflejan cantes flamencos, también piezas instrumentales y de baile, tanto de corte flamenco como de escuela bolera. Igualmente se han estudiado las recopilaciones de cantos populares del siglo XIX. Se han rastreado los posibles antecedentes guitarrísticos en las publicaciones de guitarra barroca y música renacentista. Lo mismo hemos hecho con el repertorio de música para canto con acompañamiento. El resto de documentación estudiada y la de carácter bibliográfico es en su mayoría documentos y textos coetáneos a la época de estudio. Se han consultado periódicos del siglo XIX, revistas, libros de viaje, libros sobre musicología, diccionarios bibliográficos, libretos teatrales, etc. y diversos blogs de gran calidad en Internet. Conclusiones El cante flamenco se forma musicalmente a partir de la amplia nómina de cantos tradicionales y populares que existen en la Península. La naturaleza musical de los cantes flamencos y su forma de acompañamiento coincide con cantos tradicionales fuertemente arraigados en la cultura popular española, como son: fandangos, jotas, seguidillas, romances y cantos de trabajo. Estas modalidades nutrirán el repertorio de los artistas del género primero llamado andaluz y luego flamenco, transformándose posteriormente en los estilos flamencos que estarán por surgir a lo largo del siglo XIX, como fueron: cañas, polos, livianas, serranas, peteneras, seguiriyas, jaleos, cantiñas, soleares, cantes sin guitarra y, muy a finales del siglo XIX, tangos y bulerías. Los antecedentes musicales más remotos del flamenco los encontramos en la música del siglo XVI, en algunos pasacalles, romanescas y folías; y luego en la del XVII en algunas jácaras y canarios. La música para guitarra del siglo XVIII y su lenguaje idiomático, con la técnica del rasgueo, será el antecedente más importante y la base fundamental del llamado “toque flamenco” de acompañamiento que se irá definiendo a lo largo del siglo XIX. Se ha detectado una importante relación entre la música flamenca y músicas venidas de América, proceso que se remonta hasta el siglo XVI. La cercanía al continente africano y la trata de esclavos desde el siglo XIV es un factor a tener en cuenta en cuanto al trasvase de ritmos, bailes y músicas desde África a España, algo que vino ocurriendo tiempo antes de su viaje hacia América. Una vez afincadas estas músicas en las colonias de ultramar sufrieron una transformación con el paso del tiempo y un posterior trasvase hacia la Península por los principales puertos de embarque con el Nuevo Mundo, como fueron Cádiz y Sevilla. Es a mediados del siglo XIX cuando de forma evidente encontramos descripciones de música, cantos y bailes relacionados con el flamenco que conocemos, con su expresividad y estética. Los antecedentes directos pueden remontarse al último cuarto del siglo XVIII, cuando afloran los primeros datos de ciertas fiestas y bailes de candil en los que se canta y baila con un carácter muy relacionado con el flamenco, apareciendo los primeros nombres de cantes y bailes que formarán parte del repertorio posterior. También aparecen los nombres de los primeros artistas y dinastías familiares de cantaores y cantaoras importantes. El papel de Silverio Franconetti como uno de los primeros empresarios en sacarle partido al flamenco y como codificador y creador de estilos de cante parece decisivo en el desarrollo del flamenco. Su personalidad artística dejó una impronta de gran relevancia en casi todas las modalidades en boga en su tiempo: cañas, polos, serranas, seguiriyas y soleares, transmitiéndose sus formas de cante en sus discípulos y cantaores posteriores. Al igual que Silverio, otros importantes artistas antes que él y otros posteriores se han encargado de ampliar la nómina de variantes en los estilos flamencos, apareciendo sus nombres dentro de las diversas modalidades flamencas. Otras creaciones han pasado de forma anónima, sin atribución ninguna.
Musical training of «Cante Flamenco». Around the figure of Silverio Franconetti (1830-1889) Guillermo Castro Buendía Objectives The specific objectives that we set ourselves in this work are, above all, those who purport to explain the musical nature of flamenco and its origins: 1. Determine what is the musical nature that defines Flamenco genre, to qualify what flamenco is and what it is not. 2. Define historically to where these musical nature that date to be able to refer to them as Flamenco or Pre-flamenco depending on the presence of these defining elements. 3. Analyze and explain the musical characteristics of all Flamenco styles, performing a classification thereof according to these characteristics. 4. Establish a coherent musical transcription on Flamenco music. 5. Study the coetaneous music to the birth of the flamenco genre that can interact with it, to compare it and to discover possible influences. 6. Establish a guideline when considering the antiquity of styles preserved by oral tradition or historical recordings. 7. Study of the stylistic features of the flamenco lyrics, origins, transmission and transformation, as well as their possible role in the transmission of folk songs melodies associated with them. 8. Determine the most important artistic figures in the birth and development of the flamenco genre, studying their contributions. Methodology The research work has consisted of the analysis of the different musical styles of flamenco and its study temporarily, using all possible documentary sources. The first point of departure has been the study of the musical nature of the flamenco songs that arise around the middle of the 19th century. For this purpose we have transcribed Flamenco songs preserved in recordings since about 1895, time in which are recorded the first cylinder of flamenco in Spain. We have studied the scores from the same period reflecting flamenco songs. At the same time we have studied parts instrumental and dance. We have also studied the collections of folk songs performed by folklorists who approached them in the 19th century and guitar Baroque and Renaissance music publications. Same thing we’ve done with the Repertoire of music for voice with accompaniment. The rest of studied documentation is mostly contemporary to the time of study. We had viewed newspapers of 19th-century, magazines, travel books, books of musicology, bibliographic dictionaries, theatrical scripts, etc. and various flamenco blogs of high quality on the Internet. Conclusions Flamenco music is formed from traditional songs that exist on Spain. The musical nature of the flamenco songs and their accompaniment coincides with traditional songs strongly rooted in the Spanish popular culture, such as: fandangos, jotas, seguidillas, romances and worksongs. These modalities will be subsequently becoming Flamenco styles throughout the 19th century, as they were: Cañas, Polos, Livianas, Serranas, Peteneras, Seguiriyas, Jaleos, Cantiñas, Soleares, songs without guitar and very end of the 19th century, Tangos and Bulerías. We find the most remote musical elements of flamenco in the music of the 16th century, in some Passacagliaz, Romanesques and Folias; and then in the 17TH in some Jacaras and Canaries. Guitar music of the 18th century and his idiomatic language, with the technique of strumming, will be the most important antecedent and the fundamental basis of the flamenco playing, that it will be defined during the 19th century. We have detected an important relationship between flamenco and music from America, process that dates back to the 16th century. The proximity of Africa and the slave trade from the 14th century is a factor to keep in mind regarding the transfer of rhythms, dances and music from Africa to Spain, something that came to happening time before their journey to America. These music in the colonies overseas suffered a transformation with the past of time and arrived again to the Peninsula by the main ports with the new world, such as Cádiz and Seville. It is in the mid-19th century when, clearly, we find descriptions of music, singing and dancing flamenco we know. The direct antecedents can be traced back to the last quarter of the 18th century, when are related the first data of parties and dances of candle with songs and dances with flamenco character, appearing the first names of songs and dances that will be part of a later repertoire. There are also the names of the first artists and family dynasties of singers and dancers. The role of Silverio Franconetti as one of the first businessmen in flamenco and encoder and creator of song styles seem decisive in the development of flamenco. His artistic personality left a mark of great importance in almost all modalities in his time: Cañas, Polos, Serranas, Seguiriyas and Soleares, transmitting his way of singing in his disciples and later singers.

La tesi que aquí es presenta està basada en una recerca sobre l'evolució en la narrativa audiovisual dels programes musicals periodístics en televisió per la qual hem aplicat una plantilla d'anàlisi narrativa que ens oferís una visió cronològica dels canvis i transformacions per les quals ha passat el format en les televisions públiques espanyola i catalana. Abans de dur a terme aquesta anàlisi s'ha construït un marc teòric que abasta dos terrenys fonamentals per parlar del periodisme musical en televisió: d'una banda, la història de la música popular urbana (internacional, nacional i catalana) des de l'arribada del mitjà i, per un altre, les relacions entre música i imatge. En aquesta segona part de la teoria no només hem volgut parlar de la importància de la televisió en la divulgació de la música popular urbana sinó també en la influència que han tingut altres mitjans i formats (tals com els fanzines, la ràdio, el videoclip o el cinema) en la història dels programes musicals de televisió; una història que hem escrit pràcticament des de zero (lloc que no existeix cap llibre o recerca prèvia que s'ocupi d'això més enllà d'alguna etapa de la història) aportant una classificació o tipologia d'aquests programes. D'aquesta forma hem dividit els programes musicals en televisió en diverses categories englobades en dos grans grups: programes periodístics i programes no periodístics, establint en aquest últim grup diferents subcategories que van dels xous de varietats als programes dedicats íntegrament a l'emissió de videoclips, la retransmissió de concerts i una sèrie de “inclassificables” que hem estimat suficientment rellevants quant a la relació de la música popular urbana i la televisió.
La tesis que aquí se presenta está basada en una investigación sobre la evolución en la narrativa audiovisual de los programas musicales periodísticos en televisión para la cual hemos aplicado una plantilla de análisis narrativa que nos ofreciera una visión cronológica de los cambios y transformaciones por las que ha pasado el formato en las televisiones públicas española y catalana. Antes de llevar a cabo dicho análisis se ha construido un marco teórico que abarca dos terrenos fundamentales para hablar del periodismo musical en televisión: por un lado, la historia de la música popular urbana (internacional, nacional y catalana) desde la llegada del medio y, por otro, las relaciones entre música e imagen. En esta segunda parte de la teoría no sólo hemos querido hablar de la importancia de la televisión en la divulgación de la música popular urbana sino también en la influencia que han tenido otros medios y formatos (tales como los fanzines, la radio, el videoclip o el cine) en la historia de los programas musicales de televisión; una historia que hemos escrito prácticamente desde cero (puesto que no existe ningún libro o investigación previa que se ocupe de ello más allá de alguna etapa de la historia) aportando una clasificación o tipología de dichos programas. De esta forma hemos dividido los programas musicales en televisión en diversas categorías englobadas en dos grandes grupos: programas periodísticos y programas no periodísticos, estableciendo en este último grupo diferentes subcategorías que van de los shows de variedades a los programas dedicados íntegramente a la emisión de videoclips, la retransmisión de conciertos y una serie de “inclasificables” que hemos estimado suficientemente relevantes en cuanto a la relación de la música popular urbana y la televisión.
This PhD dissertation is a research about the evolution in the audiovisual narrative of television musical programs. We have applied a template of narrative analysis that offers us a chronological view of the changes and transformations the format has experimented. Our study is limited to Catalan and Spanish public television. Before carrying out this analysis, we constructed a theoretical framework that covers two fundamental areas for talking about musical journalism on television: on the one hand, the history of urban popular music (international, national and Catalan) since the arrival of the medium. On the other hand, the relations between music and image. In this second part of the theory, we do not only talk about the importance of television in the popular urban music, but also in the influence of other media (such as fanzines, radio, music videos or cinema) in the history of television. Much of this research has been written from scratch -since there is no book or previous research that deals with it beyond some stage of history- by providing a classification or typology of such programs. In this way we have divided the musical programs in television in diverse categories encompassed in two great groups: journalistic programs and non-journalistic programs, establishing in this last group different subcategories that go of the shows of varieties to the programs dedicated entirely to the emission of music videos. It also includes the retransmission of concerts and a series of "unclassifiable" that we have considered sufficiently relevant in relation to urban popular music and television.

Orientadores: Mauricy Matos Martin, Maria Lucia Senna Machado Pascoal
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-03T17:50:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Souza_IraceleAparecidaVeraLiverode_M.pdf: 15202621 bytes, checksum: d304c65d3012adcc7663f00b3e8043f2 (MD5) Previous issue date: 2003
Resumo: Este trabalho tem como principal objetivo realizar uma análise-interpretativa dos Prelúdios para Piano de Cláudio Santoro- peças compostas no período de 1946 a 1989. Visa o estudo, a análise e a divulgação da música contemporânea brasileira, colaborando para a bibliografia sobre o assunto. Com o estudo analítico, procura-se investigar as técnicas de composição e os procedimentos composicionais adotados, quais os elementos utilizados pelo compositor e como ele os manipula. De acordo com esse estudo analítico, estão indicadas sugestões sobre à interpretação destas obras, apontando aspectos relevantes da interpretação pianística. Para introduzir e contextualizar essa análise, realizou-se um levantamento biográfico e histórico da vida do compositor amparado por cartas, depoimentos e entrevistas. A Conclusão da dissertação reúne as informações obtidas por meio da análise, identificando o material empregado em suas respectivas fases de composição e a linguagem musical nos Prelúdios para piano. O trabalho tem como complementação, a edição dos 34 Prelúdios, realizadas em sojtware de editoração de partituras musicais, cartas do compositor dirigi das a Curt Lange, obtidas no Acervo Curt Lange em Belo Horizonte, e a gravação em compact disc, executada pela autora desta pesquisa
Abstract: The principIe objective of this research was an interpretive analysis of the Preludes for Piano of Claudio Santoro composed between 1946-1989. Concurrently, the analysis and dissemination of the work wiIl contribute to the bibliography of Brazilian contemporary music. The analytical study focuses on the compositional techniques employed, as weIl as elements utilized by the composer and how they were manipulated. lncluded also are suggestions and, what the author believes, relevant aspects to interpretation. To introduce and put into prospective the analyses, the author provided a biographical and historical analysis based on letters by the composer and interviews with people associated with him. The information obtained by the analysis atIorded a conclusion in respect to the musicallanguage of the Piano Preludes. Included in the dissertation is an edition of the 34 Preludes and letters ftom Claudio Santoro addressed to Curt Lange in Belo Horizonte, as weIl as compact disc recording of a performance of the works by the author
Mestrado
Mestre em Artes-Musica

La presente investigación tiene como objetivo general conocer los orígenes y el desarrollo de las colonias musicales en España, así como los ámbitos y dimensiones formativas presentes en las mismas. De esta forma, y a través de una metodología fundamentada en el paradigma interpretativo, de carácter descriptivo y exploratorio, combinando datos cualitativos y cuantitativos, implicando la recolección, análisis y vinculación de dichos datos, podemos afirmar que las colonias musicales son una evolución de las actividades artísticas, en concreto musicales, que siempre han acompañado, desde sus inicios, a las colonias escolares. Respecto al origen de las colonias musicales, éste se sitúa en Cataluña, propiciado por una asentada red de Orfeones además de una reconocida tradición excursionista. De esta forma, y a causa de la influencia ejercida por el movimiento coral internacional A Coeur Joie, se organizaron en 1968 las primeras colonias musicales en España de manos de l’Orfeó Lleidatà y su director Lluís Virgili, con la intención de recuperar y transmitir, a través de las actividades corales, las costumbres y la lengua catalana. Posteriormente, el desarrollo de las colonias musicales fue desigual en el resto del estado, manteniendo Cataluña la hegemonía sobre la organización de éstas, a pesar de que en los últimos 20 años se ha observado una propagación por el resto de España y en especial por la mitad norte. A través de un pormenorizado estudio de campo, presentamos las características de las mismas en la actualidad, tanto a nivel técnico como lo referenciado a las dimensiones artísticas presentes. Dicho estudio nos muestra las colonias como una actividad formativa complementaria a la que el alumnado participante recibe durante el curso lectivo, con unas características intrínsecas que la diferencian de cualquier otra tipología educativa centrada en el desarrollo artístico. Dicha diferenciación se debe, principalmente, a la convivencia entre los diferentes agentes implicados. Por otro lado, y a través de la aplicación de una serie instrumentos de recogida de datos, ofrecemos el perfil competencial de los asistentes a unas colonias de música.
This research aims to understand the origins and development of musical camps in Spain, as well as areas and educational dimensions in them. In this way, and through a methodology based on the interpretive paradigm, descriptive and exploratory, combining qualitative and quantitative data, involving the collection, analysis and linkage of these data, we can say that musical camps are an evolution of the art's activities, music in particular have always accompanied, from the beginning, to school camps. Regarding the origin of musical camps, that is in Catalonia, led by an established network of choruses along with a recognized hiking tradition. Thus, because of the influence exerted by the international choral movement A Coeur Joie, the first music camps in Spain are the camps of l'Orfeó Lleidetà and his director Lluís Virgili, organized in 1968, with the intention of retrieving and transmitting, through choral activities, customs and language of Catalonia. Subsequently, the development of musical colonies was uneven in the rest of the state, maintaining Catalonia the hegemony over the organization of these, although in the last 20 years have seen a spreading through the rest of Spain and in particular by the northern half. Through a detailed field study, we present the characteristics of them today, both technically as referenced to the artistic dimensions present. This study shows the colonies as a complementary training activity to which the participating students receive during the school year, with intrinsic characteristics that differentiate it from any other educational typology focused on artistic development. Such differentiation is mainly due to the coexistence of different stakeholders. On the other hand, and through the implementation of a number of data collection instruments, we offer the skills profile of the persons of a music camps.

Orientador: Renato Ortiz
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-07-22T02:00:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zan_JoseRoberto_D.pdf: 6621209 bytes, checksum: 355e9788578e91a038612a9d87b6b0fa (MD5) Previous issue date: 1996
Resumo: Não informado
Abstract: Not informed
Doutorado
Doutor em Sociologia

La tesi comprén la trajectòria del moviment coral a la província de Castelló des dels seus inicis, al 1862, fins a 1980 des d‘una perspectiva global. Exposa els antecedents i l’evolució cronològica del moviment coral a la província de Castelló al llarg de la història, des del naixement de la primera societat coral de l’Estat Espanyol i la influencia directa de la mateixa a la província amb la creació de la primera entitat del País Valencià, la Sociedad Coral El Maestrazgo de Vinaròs al 1862, fins el 1980. Aporta també una catalogació de totes les agrupacions corals detectades des de l’inici del moviment fins la finalització de la tesi. Realitza una anàlisi de la situació en què es troba el fenomen en l’actualitat recolzada en l’estadística i gràfics representatius per a poder visualitzar millor les dades aportades i particularitats de les entitats.

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:30:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Thiago Hausner de Macedo.pdf: 6738965 bytes, checksum: 5bea5dde55cc6296d5c51360d11f1c85 (MD5) Previous issue date: 2011-10-25
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
The musical trio Sa, Rodrix and Guarabyra, and the musical style created by them, so-called country-rock, will be studied in this dissertation. The group, formed in the 1970s, had an artistic career permeated by songs that realized the social and political scenarios' changes in Brazil. Through analysis of his songs and interviews the insertion of the trio in the Brazilian MPB and in the social scene will be understood, thus coming to the processes of struggles, tensions and their stand and roundness. Approaching to the protest music and song festivals, Sa, Rodrix Guarabyra have contemplated not only the interior of an utopic brazil, touted by the military government, but a field in changes, which denounced the lifestyle of the Brazilian society of the 1960s and 1970s . Thus differing from the música sertaneja our caipira (typical rural music of the central-southern region of Brazil) - (which featured an interior look by the country music singers) - in the trio the look was reversed - came from the city to the field, thus bringing a new approach within the MPB, realizing the brazilian's interior in a perspective of the traveler. This look is accompanied by appropriation of other cultures within the between-places which was located the rural rock, causing it to be studied within the perspective of cultural hybridity, because through it is possible to evaluate the historical context to which the musicians and their compositions were inserted
O trio musical Sá, Rodrix e Guarabyra e o estilo musical criado por eles, o chamado rock rural, serão estudados nesta dissertação. O grupo, formado na década de 1970, teve uma trajetória artística permeada por canções que perceberam um Brasil em transformação no cenário político e social. Mediante a análise de suas canções e entrevistas, se buscará compreender a inserção do trio na MPB e no cenário social brasileiro, chegando assim aos processos de lutas, tensões, com suas permanências e circularidades. Aproximando da música de protesto e dos Festivais da Canção, Sá, Rodrix e Guarabyra contemplavam não só o interior do Brasil utópico alardeado pelo governo militar, mas um campo sob transformações, que denunciava o estilo de vida da sociedade brasileira das décadas de 1960 e 1970. Diferiu-se assim da música sertaneja ou caipira (que trazia um olhar do interior pelos próprios cantores sertanejos) no trio o olhar se inverteu, veio da cidade para o campo, trazendo assim uma nova abordagem dentro da MPB, percebendo o interior brasileiro pela ótica do viajante. Esse olhar é acompanhado por apropriações de outras culturas, situado no entrelugar, no qual estava localizado o rock rural, levando-o a ser estudado dentro da ótica do hibridismo cultural, pois por meio dele é possível avalizar o contexto histórico em que estavam inseridos os músicos e suas composições

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SEDUC/PA - Secretaria de Estado de Educação
A presente dissertação trata da atuação de intelectuais (poetas, jornalistas, militantes, estudantes, folcloristas, antropólogos) e artistas populares na formação da chamada “MPB”, Música Popular Brasileira, no Pará. Entre meados da década de 1960 e de 1970, setores intelectualizados da classe média paraense iniciaram uma grande mobilização no sentido de atualizarem a música popular produzida em Belém aos debates políticos e estéticos que a MPB realizava no restante do país. Festivais foram realizados, grupos de poesia e música surgiram, atuações políticas se misturavam com posturas boemias e grande atividade artística. A nova intelectualidade buscava ao mesmo tempo fazer uma música moderna, mas pautada em elementos da cultura popular paraense ou amazônida. Em meio a novos artistas advindos destes setores da sociedade uma revisão da memória da música popular se fazia e antigos nomes eram incorporados a uma tradição. Concomitantemente a isso, o carimbó, que até então estava restrito às cidades e comunidades interioranas, surge em Belém como uma explosão musical e torna-se música consumida pelas rádios, TVs e indústria do disco. A urbanização deste gênero do folclore regional leva a um amplo debate sobre autenticidade, mercado e identidade cultural da região amazônica e do Pará em particular. Neste processo, artistas de extratos populares entram em cena dando sua contribuição à música popular do Norte. O amplo debate nos jornais sobre o carimbó (sua autenticidade ou sua degeneração frente ao mercado) se soma as atuações da jovem intelectualidade. Neste complexo contexto de múltiplas atuações surge uma MPB de feições regionais.
The present dissertation treats about the intellectuals's acting (poets, journalists, militants, students, folklorists, anthropologists) and popular artists in the formation of the called “MPB”, Popular Brazilian Music, in the state of Pará. Between middles of the decade of 1960 and of 1970, intellectual sectors of the middle class from Pará initiated a great mobilization into the sense of updating the popular music produced in Belém to the political and esthetic discussions that the MPB was carrying out in the remainder of the country. Festivals were carried out, groups of poetry and music appeared, political actings were mixed by bohemian postures and great artistic activity. The new intellect was looking at the same time to do a modern music ruled, but based on elements of the popular culture from Pará or amazônida. Amid new artists that became from these sectors of the society, a revision of the memory of the popular music was done and ancient names were incorporated to one tradition. At the same time, the carimbó, which up to that time was limited to the cities and communities from the country, appears in Belém like a musical explosion and becomes a music consumed by the radios, TVs and the industry of the disc. The urbanization of this type of regional folklore leads to a spacious discussion about authenticity, market and cultural identity of the Amazonian region and of the Pará individually. In this process, artists of popular extracts enter on the stage giving their contribution to the popular musician of the North. The spacious discussion in the newspapers about the carimbó (his authenticity or his degeneration in front of the market) adds up the actings of the intellectual young people. In this complex context of multiple actings, appears a kind of MPB with regional forms.

En los manuales de historia de la música suele comúnmente ubicarse a Rousseau, sin mayor distinción, entre aquellos teóricos que colocan a la música en relación con la sensación o con el mero placer de los sentidos. Se cita continuamente una famosa frase de su Diccionario de música de 1767 –que se utiliza indistintamente como definición–, según la cual la música es el “Arte de combinar los sonidos de una manera agradable al oído” (artículo “música”, 281) y con ello parece jugarse el destino de la rica concepción musical de Rousseau: la música, sobre todo si la concebimos bajo la distinción posterior que ofrece Kant en la jerarquía de las artes del §51 de su Crítica de la facultad de juzgar (1790), sería solo un arte menor, en la medida en que no alcanza las esferas sentimental ni mucho menos intelectual del ser humano. La música con las justas alcanzaría –aunque de manera agradable, cosa que estaría a su favor– el placer sensorial, hedonista. Con esto, mostramos desconocimiento, olvidamos o pasamos por alto muy rápido otras sentencias de Rousseau más importantes, como la siguiente: “Así como la pintura no es el arte de combinar colores de manera agradable a la vista, tampoco la música es el arte de combinar sonidos de una manera agradable al oído. Si se redujeran a esto, tanto la una como la otra formarían parte de las ciencias naturales y no de las bellas artes” (Ensayo, XIII, 104; cursivas nuestras).
Tesis

No autorizada por el autor para ser publicada a texto completo
Este proyecto de título consiste en la elaboración de un sitio web sobre la música en Santiago en la década del 30, donde se muestran los distintos escenarios, músicos, estilos, lugares, situaciones, y hechos históricos, intentando abarcar la globalidad de la situación musical de la época y exponerla de la forma más completa posible (por ejemplo cuál era la realidad msical de la época , cuántas orquestas existían, qué música se cantaba, baillaba, etc.)

(...) Por tanto, el problema de estudio que aquí se desarrolla consiste en las tensiones y transformaciones operadas en el ámbito del consumo cultural de los habitantes urbanos, específicamente en las prácticas musicales, asociando el fenómeno a las percepciones y representaciones de lo moderno y a las problemáticas de continuidad y cambio que se observan en la adopción social de estos patrones. En el tango buscaremos, entonces, la cristalización de esas transformaciones en la urbe chilena. El marco temporal escogido va desde la década de 1880, época en que se introdujo el tango en nuestro país, hasta la de 1930, cuando se extendió la radiofonía como parte del consumo cultural doméstico. El criterio utilizado para elegir este periodo, se basa en la constatación de que en el transcurso de esos años se constituyeron las bases socio-culturales para la emergencia de una cultura de masas, coincidiendo con la difusión del fenómeno tanguero entre los sectores populares y el público de las elites urbanas. Por otra parte, la masificación de la radio dejó atrás una era fecunda para el análisis histórico, en que las prácticas culturales asociadas a la música tuvieron que desenvolverse a través de otros canales, como la prensa, las revistas, la venta de artículos musicales y la promoción de artistas.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:59:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 1128601.pdf: 34845169 bytes, checksum: cafb8655de32a1cbf729f769b841e962 (MD5) Previous issue date: 2013-05-14
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Esta dissertação é um estudo sobre as manifestações sonoras, poéticas e visuais do grupo Expresso Rural (1980 - 2012), através das interpretações, apropriações e ressignificações das temáticas: cidade, campo e juventude, em um período de transformações urbanas e demográficas iniciado em fins dos anos 1970 em Florianópolis/SC. A partir de então, cidade recebe novas cores e novos sons, as ruas são substituídas por avenidas provocando a horizontalização da zona urbana e a verticalização da área central. A chegada de novos moradores promove a confluência de novas dicções e comportamentos, e, estes elementos do cotidiano se tornam inspiração para o conjunto da obra sonora do referido grupo musical, que tem a sua trajetória ligada à implantação das mídias televisiva e radiofônica em modulação FM do grupo RBS, filiado a rede Globo em Santa Catarina. Desta relação resultou o lançamento de cinco discos entre os anos de 1983 ¿ 1993, quarenta canções autorais, e repercussão nos Estados do Rio Grande do Sul, Brasília, e Santa Catarina. A relação estabelecida com o tempo e o lugar, nas canções do grupo Expresso Rural nos coloca em acesso com a história da música popular em Santa Catarina, mas também com os sentimentos e realidades compartilhados de uma época. Experiências passadas, prolongadas no tempo pela lembrança daqueles que partilharam e se identificaram com suas produções audiovisuais.

La presente tesis doctoral se ha desarrollado a través de estrategias de investigación sobre la presencia de parámetros musicales en la música académica latinoamericana, específicamente en el caso de Chile, procedentes del Romanticismo y Postromanticismo europeos. Para ello, se ha realizado un trabajo de análisis del repertorio vocal acompañado, es decir, la canción lírica o de arte y algunos de los ejemplos más representativos de la ópera en cuanto a su evolución estilística. En la primera parte del trabajo se ofrecen algunos datos de lo que constituyó la primera etapa musical en el Chile, los primeros promotores, los medios de comunicación utilizados, los primeros centros de enseñanza, las obras y sus intérpretes, etc. Este trabajo de carácter archivístico se completa con un estudio pormenorizado de algunas de las obras líricas que se han considerado ejemplares para el objeto de esta tesis. Tras un breve apunte sobre la historia del género lírico del Lied, se presentan las obras, analizadas de manera detallada tanto en el aspecto literario como musical, destacando por medio de indicaciones gráficas sobre la partitura los aspectos que se quieren poner de relieve. Además se adjunta un CD con una grabación profesional de las obras analizadas. De este modo, el trabajo ofrece una panorámica integral del estudio del repertorio lírico chileno, partiendo de los fondos archivísticos, las referencias hemerográficas, los materiales musicales y literarios, su análisis y, finalmente, su interpretación. Se concluye de este modo la relevancia del influjo de los patrones europeos en la composición vocal académica en la República de Chile durante los siglo XIX y XX y el modo cómo han sido asimilados y desarrollados.
This thesis has been developed through research strategies exploring the presence of musical parameters within Latin American academic music, specifically in the case of the Republic of Chile, originating from the Romanticism and Post Romanticism European era. An analytical study of the vocal repertoire has been carried out, namely concerning the lyrical song and some of the best examples of opera in regards to its stylistic evolution. The initial part of the study covers certain details explaining what constituted the first musical stage in Chile; the first promoters, the type of media used, the first schools, the early compositions and how they were interpreted. This research, which is of an archival nature, is completed by a detailed study of some of the lyrical works that have been considered exemplary for the purpose of this thesis. After a brief note on the history of the Lied as a lyric genre the compositions are presented, analysed in detail in both their literary and musical aspect, highlighting by means of graphical indications on the score, the aspects that are emphasized. A CD with a professional recording of the analysed musical works is attached. Thus, a comprehensive overview of the study of the Chilean lyric repertoire is provided, based on musical, literary and hemerographical archival material, its analysis and interpretation. This study concludes by defining the importance of the influence of European musical standards in Chilean academic vocal composition during the nineteenth and twentieth century and the way they have been assimilated and developed

Orientador: Claudiney Rodrigues Carrasco
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-15T03:28:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_MarciaReginaCarvalhoda_D.pdf: 1640701 bytes, checksum: 69204ec432c76f603c318f71b491b203 (MD5) Previous issue date: 2009
Resumo: O principal foco desta pesquisa é investigar o diálogo entre a produção musical e a produção cinematográfica brasileira a partir do mapeamento da presença da canção popular na história do cinema brasileiro. A tese apresenta um levantamento historiográfico do uso da canção popular, composta para filmes ou neles inserida, nos vários períodos que compõem a história do cinema brasileiro, desde as primeiras experiências de sonorização e o início do cinema sonoro, passando pelas tentativas de industrialização do cinema com as companhias produtoras Cinédia, Atlântida e Vera Cruz, as tendências e experimentações do Cinema Novo e Marginal até as produções mais contemporâneas do chamado cinema da retomada e os filmes da década de 2000. Esse trabalho possui um viés bastante informativo ao construir um panorama histórico que leva em conta a inegável contribuição de intelectuais, críticos, analistas e historiadores que já desbravaram outras investigações sobre o cinema brasileiro. Nele é examinada a literatura específica sobre cinema brasileiro para traçar um panorama transversal e compilar uma filmografia que coloca como foco a trilha musical, com o intuito de apresentar ao leitor a importância da canção popular ao longo da história do cinema feito no Brasil
Abstract: The main goal of this dissertation is to investigate the dialogue between the musical and the cinematographic production according to the presence of popular songs in the Brazilian cinema history. It presents a historiographical review on the use of songs in films, either specifically composed or just inserted in it during different historical Brazilian cinema periods. The work starts with the first experiences on sonorization and the very beginnings of sound cinema, includes the efforts to establish an industrial cinema in Brazil, with companies such as Cinédia, Atlântida and Vera Cruz; it examines new trends and experimentation of Cinema Novo and Marginal, and finally analyses the contemporary productions of the so called "Cinema da Retomada" (recovered cinema) and also films from the decade of 2000. This research integrates the incontestable contributions on Brazilian cinema investigations of intellectuals, critics, analysts and historians. This work also analyse all literature compilation that embodies this broad view of the subject is intended not only to focus on film music, but mainly to present the importance of popular songs for the history of the cinema made in Brazil
Doutorado
Doutor em Multimeios

Orientador: Helena Jank
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-06T13:05:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Holler_MarcosTadeu_D.pdf: 8279326 bytes, checksum: 3bbf032f34d8385133644870f8a10506 (MD5) Previous issue date: 2006
Resumo: Em 1549 chegou ao Brasil o padre jesuíta Manoel da Nóbrega, dando início à intensa atuação os jesuítas nas Américas. Apesar da restrição à música expressa nos documentos da Companhia de Jesus, referências ao uso do canto e de instrumentos em cerimônias religiosas e eventos profanos são extremamente freqüentes em relatos jesuíticos desde pouco tempo depois da sua chegada no Brasil até a expulsão dos padres em 1759. O objetivo principal deste trabalho é o levantamento de informações sobre a música na atuação dos jesuítas no Brasil colonial, desde a sua chegada, em 1549, até a expulsão em 1759, utilizando como fundamentação os documentos da época, sobretudo os de autoria dos próprios jesuítas. Além de manuscritos jesuíticos originais dos sécs. XVI a XVIII foram utilizadas publicações ou transcrições modernas destes documentos, e cópias (manuscritas, xerográficas, digitalizadas ou microfilmadas) de originais. A leitura dos documentos não nos permite responder a todas as questões referentes à atuação musical dos jesuítas, mas pode revelar importantes aspectos da história da música no Brasil
Abstract: In 1549 the Jesuit priest Manoel da Nóbrega arrived at the Brazilian shores, and this was a milestone to the beginning of an intensive activity exerted by Jesuits in America. Despite the fact that the musical practice was forbidden by the rules of the Society of Jesus, references to the use of songs and instruments in religious ceremonies and non-sacred events are very frequent in reports left by the Jesuits since their first arrival in Brazil to their extinction and expulsion in 1759. The main purpose of this research is to raise informations about the music in the activities of the Jesuits during the time they were in colonial Brazil. Besides the original Jesuitical manuscripts from 16th to 18th centuries, publications, modern transcriptions or copies (handwritten, photocopied, scanned and microfilmed) of originals were also used in this research. Those documents do not answer all the questions referring to the music practiced in the jesuitic establishments, but can reveal important aspects of the history of the music in Brazil
Doutorado
Doutor em Música

La publicación analiza la construcción de la identidad negra a través de la música en Perú. Félix Casaverde fue un guitarrista afroperuano con un estilo musical único que cautivó a una audiencia peruana. Sus aportes musicales contribuyeron a una revaloración de la cultura afroperuana a inicios de la década de 1970 y la consolidación de espacios sociales y culturales para los afroperuanos hasta la actualidad.

Orientador : Profª. Drª. Silvana R. Scarinci
Dissertação (mestrado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Artes, Comunicação e Design, Programa de Pós-Graduação em Música. Defesa: Curitiba, 25/02/2016
Inclui referências : f. 103-106
Resumo: O presente trabalho trata sobre a vida, obra e voz do famoso cantor do início do Período Barroco Francesco Rasi. Conhecido por ter personificado o personagem de Orfeu na ópera homônima de Claudio Monteverdi, a figura desse cantor, apesar de célebre em sua época, encontra-se em nossos dias desprovida do merecido realce. Rasi, que também foi poeta, instrumentista e compositor teve significativa contribuição para o desenvolvimento e estabelecimento da música criada na Itália no início da primeira metade do século XVII. Membro da Camerata Florentina esteve envolvido na execução das produções florentinas e mantovanas de diversos dos mais proeminentes autores da época, como, Cini, Belli, Peri, Monteverdi, Gagliano e Chiabrera. Suas composições se encontram entre os primeiros exemplos da monodia no mundo. Sua trajetória é analisada do ponto de vista pessoal, profissional e por fim vocal. Para tanto, buscamos reunir dados biográficos a seu respeito que juntamente com os relatos obtidos sobre sua carreira como cantor, possibilitaram a construção de um quadro maior sobre formação da figura do primeiro cantor de ópera da história e de como este atuou auxiliando na formação do gênero operístico. Uma análise da técnica vocal e dos ideais do canto barroco, da afinação utilizada pelos músicos naqueles dias e nas localidades onde ele atuou, em conjunto com as obras por ele executadas e compostas, também é feito no sentido de esclarecer qual seria sua classificação vocal transportada para os dias de hoje. Palavras Chave: Francesco Rasi. Canto Barroco. Voz. Ópera. Monteverdi
Abstract: The present work is about the life, works and voice of the famous singer from the beginning of the Baroque Period, Francesco Rasi. Mostly known for having personified the character of Orpheus in Monteverdi's homonymous opera, this singer, although famous on his days, is now quite forgotten. Rasi, who was also a poet, a composer and an instrument player, had a significant contribution for the development and establishment of the music created in Italy on the beginning of the first half of the XVII century. Member of the Florentine Camerata he was involved in the execution of the Florentine and mantuan productions of many of the most important authors of that time like Cini, Belli, Peri, Monteverdi, Gagliano and Chiabrera. His compositions are among the first examples of the monody in the world. His trajectory is analyzed from the personal, professional and vocal point of view. In order to do so we gathered biographic data about him that, along with descriptions of his carrier as a singer, made possible the construction of a larger picture regarding the formation of the figure of the first opera singer and how he helped the formation of the operatic gender. A analysis of the vocal technique and ideals of the baroque singing, of the tuning used by the musicians of those days and localities where he performed, in conjunction with the pieces performed and composed by him, is also accomplished in this work in order to clarify what would be his vocal type transported to the one we use today. Key Words: Francesco Rasi. Baroque Singing. Voice. Opera. Monteverdi.

Submitted by isabela.moljf@hotmail.com (isabela.moljf@hotmail.com) on 2016-08-04T19:35:57Z No. of bitstreams: 1 pedrohenriqueleite.pdf: 1334723 bytes, checksum: 030a65521a4207c14274376a97aefc36 (MD5)
Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-08-05T11:52:36Z (GMT) No. of bitstreams: 1 pedrohenriqueleite.pdf: 1334723 bytes, checksum: 030a65521a4207c14274376a97aefc36 (MD5)
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FAPEMIG - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Minas Gerais
Este estudo tem por objetivo oferecer um novo olhar sobre um dos mais prolíficos intelectuais latino-americanos do século XX: o romancista cubano Alejo Carpentier (1904-1980). Parto da análise de um de seus últimos romances, Concerto Barroco (1974), considerado pelo autor como a Suma Teológica de sua carreira. Entendo-o como um espaço em que Carpentier representou alegoricamente muitas das ideias pensadas durante a vida, em especial, a defesa de um ―barroco americano e universal‖ como forma de definir as relações da América com o restante do mundo, numa inversão das relações entre centro e periferia. Ao lado desse discurso da singularidade barroca do continente, Carpentier foi reconhecidamente um fervoroso propagandista da Revolução Cubana (1959) e do Governo de Fidel Castro. Isso gerou muitas críticas a sua figura e algumas tensões em seu próprio discurso, que se refletiram em seus romances, particularmente em Concerto Barroco. É sobre essas tensões presentes no discurso de Carpentier, e que refletiram no referido romance, que centro minha análise como um todo. Trabalho com a hipótese de que a fuga pela música foi uma estratégia utilizada por Carpentier para aliviar as tensões provenientes de seu discurso e que acabaram expressas em Concerto Barroco
This study aims at to provide a new look at one of the most prolific Latin American intellectuals of the twentieth century: the Cuban novelist Alejo Carpentier (1904-1980). It starts with the analysis of one of his last novels, Concerto Barroco (1974), considered by the author as the Summa Theologica of his career. It takes it as a place in which Carpentier allegorically represented many of his ideas thought during his life. In particular, the defense of a baroque that is, at the same time, American and universal, that looked for redefine America‘s relations with the rest of the world, in an inversion of the relationship between center and periphery. Alongside this discourse of the uniqueness baroque continent, Carpentier was admittedly a fervent propagandist of the Cuban Revolution (1959) and the government of Fidel Castro, a fact that generated much criticism of his figure and some tensions in his own speech, which reflected in his novels, including Concerto Barroco. My analysis centers in these tensions within the discourse of Carpentier, and in the novel itself. My hypothesis is that music was an escape route used by Carpentier as a strategy to ease tensions from his speeches that had repercussions in Concerto Barroco.

OBJETIVOS: Esta tesis se enmarca en el ámbito de la Pervivencia de la Mitología Clásica y el objetivo es investigar sobre el tratamiento e influencia que la leyenda de Andrómeda y Perseo ha tenido a lo largo de tres periodos histórico-musicales en la ópera: barroco, clasicismo y siglo XX. El origen de este trabajo es la lectura de la leyenda de Andrómeda y Perseo en la versión canónica de Ovidio en las Metamorfosis, 4.604-803 y 5.1-235. Nuestro objetivo es examinar la proyección de este mito en la ópera a través del análisis de la producción literaria y musical de los siguientes autores: Ovidio, Pierre Corneille, Philippe Quinault, Giambattista Varesco, Michael Veber-Nino- y Salvatore Sciarrino, en la parte literaria; y Jean-Baptiste Lully, Johann Michael Haydn, Jacques Ibert y Salvatore Sciarrino en lo musical. METODOLOGÍA: El proceso de investigación se ha articulado en tres fases con la siguiente metodología: Partimos de la observación de la leyenda en Ovidio así como en otros autores que han difundido también este mito, ya sea basándose en Ovidio directamente o no. A continuación analizamos el tratamiento literario del mito en los libretos de las cuatro óperas elegidas, encuadradas dentro de diferentes estilos y épocas musicales. Y finalmente, estudiamos los recursos musicales utilizados por los compositores en sus óperas para la interpretación del mito clásico de Andrómeda y Perseo. Las tres fases citadas anteriormente nos acercan a los objetivos de este trabajo. La primera, nos sitúa en el objetivo de estudio de la investigación; la segunda nos lleva a conocer el objetivo de estudio en su contexto y sus características; y la tercera nos plantea la finalidad de la investigación en el contexto de la adecuación música-texto. CONCLUSIÓN: A lo largo de la historia siempre han estado unidas las diferentes artes, una vez más literatura y música han sido fuente de inspiración en la historia de la ópera. La propia evolución estética, literaria y musical han sido las responsables de las numerosas diferencias conceptuales a la hora de plasmar la leyenda del mito de Andrómeda y Perseo en las óperas de Lully, Haydn, Ibert y Sciarrino. A través de las cuatro óperas analizadas podemos observar cómo Lully, Haydn, Ibert y Sciarrino, ya sea por medio del bajo continuo, arias virtuosísticas, armonías impresionistas y textos silábicos u orquestación electrónica han interpretado aquella antigua leyenda recogida en las Metamorfosis de Ovidio, en la Andromède de Corneille o en las Moralidades legendarias de Laforgue. La relación más cercana con respecto al mito clásico ovidiano que se da en Lully o Haydn no lo es tanto en Ibert y menos en Sciarrino, por el final trágico que inventa el italiano en su ópera. En la presente tesis se estudia la significación del texto y la profunda relación entre éste y la música, que a través de multitud de lenguajes y procedimientos compositivos, y una vez interrelacionados y ensamblados magistralmente por el compositor hacen que la inspiración en la leyenda mitológica ovidiana se convierta en verdaderas obras de arte.
OBJECTIVES: This thesis is defined within the continued existence of Classical Mythology and its objective is to hold a research on the treatment and influence that the story of Perseus and Andromeda has had on opera over three periods of the history of Music: Classicism, Impressionism and the twentieth century. This piece of work originates in Ovid's approach to the legend of Perseus and Andromeda in the canonical version of the myth found in "Metamorphoses", 4.604-803 and 5.1-235. Our objective is to examine the impact of this myth on opera by evaluating the literature production and musical work of the following authors: Ovid, Pierre Corneille, Philippe Quinault, Giambattista Varesco, Michael Veber-Nino- and Salvatore Sciarrino as for literature; and Jean-Baptiste Lully, Johann Michael Haydn, Jacques Ibert and Salvatore Sciarrino for their musical work. METHODOLOGY: The research process has been performed in three phases according to the following methodology: The starting point of this study is the evaluation of Ovid's legend, as well as other authors' who have also spread this myth, whether basing their work on Ovid's directly or not. Then, we analysed the literary treatment of the myth found in the libretti of the four operas chosen within different music styles and periods. Finally, we studied the musical resources used by the composers in their operas to interpret the classical myth of Perseus and Andromeda. The three phases mentioned above bring us closer to the objectives of this research. The first one pictures the objective of this study; with the second one, we get to know the context and characteristics of the objective; and the third one sets out the purpose of this research work within a music and text adaptation context. CONCLUSION: Through history, the different Arts have always been linked together and, once again, literature and music have been of great influence in the history of opera. In fact, the aesthetic, literary and musical evolution have been responsible for the wide range of conceptual differences that arise when interpreting the story of Perseus and Andromeda in Lully, Haydn, Ibert and Sciarrino's operas. Through the four operas analysed, we can see how Lully, Haydn, Ibert and Sciarrino, either by using a continuous bass, virtuosistic arias, impressionistic harmonies and syllabic texts or electronic orchestration, they all have interpreted the ancient legend of Ovid's Metamorphoses, in Corneille's Andromède or Laforgue's Moralités Légendaires. Those who relate the most to the classical Ovidian myth are Lully or Haydn, whereas this closeness is less obvious in Ibert's work and gets even further away from the legend in Sciarrino's, specially due to the tragic end that the Italian composer adds to his opera. In this thesis, the meaning of the text and the profound connection between text and music via a wide variety of languages and composition processes, once masterfully interrelated and assembled together by the composer, make the influence of the Ovidian myth turn into true masterpieces.

Busca acerca al lector a la obra musical peruana compositor Enrique Iturriaga Romero (1918), así como a la historia social e histórica papel que su trabajo ha ejercido sobre el pueblo peruano. Iturriaga vive en un siglo caracterizado por numerosos avances sociales y tecnológicos en el mundo. Su formación artística recibió los impactos e influencia de la cultura tradicional del Perú y la cultura de Europa occidental, creando así un mestizaje cultural sin precedentes. Se realiza un análisis de algunas de sus composiciones más representativas, descubriendo en ellos elementos de las culturas que él representa, lo que dará como resultado en la contribución a una nueva estética nacional peruana. De la misma manera, Iturriaga realiza un importante trabajo pedagógico que trasciende todos los niveles. Comprender el trabajo del compositor Iturriaga nos ayuda a entender mejor nuestra historia, nuestro origen y permanece como evidencia de nuestro sincretismo cultural.
Tesis

Publicación a texto completo no autorizada por el autor
Documenta el quehacer rockero de los años ochenta en Lima, conectándolo al proceso social que se vivía entonces e indaga por las razones de una continuidad rockera autogestionada y formadora de un mercado cultural. La tesis analiza las acciones de los jóvenes creadores del rock limeño de los años ochenta. En líneas generales, abarca el rock hecho por los jóvenes de sectores populares y de bajos recursos así como la propuesta de los jóvenes de clase media y con los medios de producción a su alcance para hacer música. Se considera el método de la descripción densa y la teoría utilizada es la antropología interpretativa propuesta por Clifford Geertz ya que permite interpretar cómo percibían la ciudad los jóvenes de aquella época y cuál era su propuesta de vida. El trabajo etnográfico es la base para tomar lo que interpretan los actores sobre su accionar, y este discurso nos ayuda a encontrar la simbología manejada por ellos. Se investiga sobre el tema en sí en cuanto a material bibliográfico, sobre todo extranjero puesto que en el Perú es casi nula la investigación antropológica del rock, aunque sí hay material desde el punto de vista del nativo, el más conocido es el libro de Pedro Cornejo Guinassi Alta tensión. Al finalizar esta investigación concluye que a pesar de la crisis sistémica que fue puesta a prueba con la guerra civil y una fortísima crisis económica a nivel internacional, los jóvenes siguieron proponiendo y apostando por el futuro, para algunos –los radiales- ese futuro era el tradicional, al seguir las pautas que marcaba la historia reciente del mundo de la música, otros -los subterráneos-, buscaron nuevas formas de incluirse en el espacio cultural, creativas y quizás, sin proponérselo, ingresaron al llamado capitalismo cultural que se da en este tercer milenio, donde la globalización y el poder cultural permite hacer la música que te agrade y, gracias a los mercados virtuales, hacer llegar sus propuestas y no sentirse “utilizados” o “manipulados” por el sistema; lo que no significa que el sistema social imperante no se refugie en estas formas para cubrir su fracaso en los modelos económicos que impone y practica.
Tesis

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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
Cet étude essaye comprendre quelques característiques de la musique gaúcha a partir de la fin des années 1970 jusque aux jours actuelles par la base de trois musiciens: Bebeto Alves, Raul Ellwanger e Vitor Ramil. Pour cela, dans la première partie il est developpé une éxègese de la frontière sud du Brésil avec Uruguai et Argentina, en essayant de comprendre son développement historique et ses consequences simboliques dans les façons d’identification de ses habitants; en suite, il est mis en question le concept de la frontière comme un lieu de rencontre avec l’altérité , ouvert aux contingences de l’histoire et a les vicissitudes de la vie. Cette analyse propose une étude sur la relation entre les especificitées regionales avec la momoire des musiciens. Il est étudié, dans la deuxième partie, d’une part, la construction de l’identitée des musiciens a partir des entretiens qui nous ont donné accès à leurs souvenirs – pour comprendre la construction de la connaissance historique a partir de ces souvenirs – et, d’autre part, avec la possibilite d’explication du événement musical que soutient une identité, une forme d’affirmer sa existence. Voici il est nécessaire une étude à propos de la relation entre la musique et la vie pour comprendre l’association entre les valeurs externes à la musique que peuvent être exprimés en elle. Dans la dernière partie, l’étude est fait spécifiquement avec les chançons. Tout d’abord, une brève réflexion sur le choix et les lignes interpretatives et, en suite, une analyse de ces chançons avec leur relation avec ce qui a été étudié jusqu’à ce moment, en essayant de confirmer l’hypothèse que, soit la frontière le lieu d’inattendu, les musiciens que lui appartiennent s’experiment musicalement dans ses chançons à travers de cette notion de surprise, de la contingence.
Esse estudo procura compreender algumas nuances da música gaúcha, a partir do final da década de 1970 até os dias atuais, baseado em três compositores: Bebeto Alves, Raul Ellwanger e Vitor Ramil. Para tanto, num primeiro momento é desenvolvida uma exegese da fronteira sul do Brasil com o Uruguai e a Argentina, procurando compreender sua formação histórica e suas implicações simbólicas nas formas de identificação de seus habitantes; em seguida, é problematizada uma noção de fronteira como um espaço de encontro com a alteridade, aberto às contingências da história e às vicissitudes da vida. Tal análise sugere uma investigação acerca da relação entre as especificidades locais com a memória dos compositores. É trabalhada, num segundo momento, por um lado, a construção da identidade dos compositores a partir de entrevistas que nos deram acesso às suas lembranças – procurando refletir acerca da construção do conhecimento histórico a partir dessas memórias – e, por outro lado, com a possibilidade de explicação do fenômeno musical como sustentação de uma identidade, uma forma de afirmar a própria existência. Aqui se mostra necessária uma breve investigação acerca das relações entre música e vida para compreender a relação entre valores externos à música podem ser expressos nela. Na última parte, o trabalho é feito especificamente com as músicas. Primeiramente, uma breve reflexão sobre a escolha e as diretrizes interpretativas e, em seguida, uma análise dessas canções com as suas relações com o que foi estudado até então, procurando confirmar a hipótese de que, sendo a fronteira o lugar do inesperado, os músicos que a ela pertencem expressam-se musicalmente transpassando em suas canções essa noção de surpresa, de contingência.