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Dissertations / Theses on the topic 'Musique – Canada'
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1
Papillon, Jacques. "L'écoute de la musique au Canada." Thèse, Université du Québec à Trois-Rivières, 1987. http://depot-e.uqtr.ca/5780/1/000569484.pdf.
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2
Payne, Daniel. "Social music in London, Upper Canada/Canada West, establishing a "sort of colonial nobility"." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1998. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/tape15/PQDD_0008/MQ30669.pdf.
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3
Sarrasin, Francine. "La Représentation des instruments de musique iconographie de la vie culturelle au Canada /." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37601055w.
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4
Sarrasin, Francine. "La representation des instruments de musique : iconographie de la vie culturelle au canada." Paris, EHESS, 1986. http://www.theses.fr/1986EHESA112.
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Ma these porte sur la representation des instruments de musique dans l'art canadien. Plus de trois cents oeuvres (peintures, gravures, dessins) ont ete prealablement repertoriees dans les grands musees de l'est canadien (ottawa, montreal, quebec, toronto. . . ). Bien qu'incomplet, cet inventaire a servi d'element declencheur pour la repartition des divers chapitres et le travail analytique. Sur le plan methodologique, l'etude du "comment" de la representation, associee au caractere specifique du motif choisi (instrument de musique), ouvre le champ d'intervention a plusieurs disciplines. L'iconologie comme methode de base rejoint, au niveau des oeuvres, les connotations historiques et sociologiques de meme que les references musicales, ethnologiques et philosophiques. La demarche multidisplinaire et l'analyse comparative permettent de capter au mieux la polysemie du sujet traite. Une des hypotheses de base est que l'instrument de musique, comme motif iconographique, est, d'emblee, porteur de signification culturelle. Il s'avere que le caractere "canadien" se livre davantage avec le contenu des trois premiers chapitres: -l'instrument des fetes et rejouissances populaires: le violon de violoneux; - les instruments de plein air: la fanfare britannique et la musique amerindienne; - la femme pianiste. Les trois derniers chapitres, plus universels de contenu, revelent l'artiste et la pensee avant le documentaire. Il s'agit de: -l'instrument de musique dans le portrait; -le symbolisme de l'instrument de musique: de la mythologie au decor d'eglise; -instrument de musique et vie silencieuse: objet de nature morte. Jouant dans les premieres scenes, l'instrument montre devient de plus en plus silen- cieux a partir du chapitre sur le portrait. La musique qu'il faut entendre passe a- lors tres souvent au sein de la representation plutot que dans le motif montre. Il y a donc, sur le plan de la musique, un chiasme entre le represente et la repre- sentationMy thesis is based on the analysis of musical instruments in canadian works such as paintings, drawings, etchings. . . I have previously listed more than three hundred of the latter from the great eastern canadian museums (national gallery of canada, fine arts museum of montreal, museum of quebec, royal ontario museum. . . ). This inventory is not exhaustive but significant enough to layout the different chapters and set off the process of analysis. On the methodological point of view, the study of the different kinds of representations and the specific character of the chosen iconographic theme (the musical instrument), extend the area of my investigations. The iconology remains the principal way of my intervention but is frequently linked with the historical or sociological study, with the musical, ethnological or philosophical reference. The use of several methods of working in different specialized fields is a good way to circumvent the polysemic meaning of the subject which is concerned. One of the basic hypotheses is that the musical instruments, as figured in paintings, reveal something about the cultural reality. The canadian specification expresses itself principally with the instruments of the three first chapters: the instrument used in merrymaking: the fiddler's violin; -the instruments played outdoors: the military brittain wind-band and the indians' music; -the woman pianist. The three last chapters discuss a more universal subject. They are about the musical instrument in the portrait, the symbolism of the mythological lyre and of religious instruments and about still-life. The musical instruments which are played on in the first scenes become progressively silent. About this music, the representation takes over from which is represented
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Dubois, Paul-André. "Naissance et évolution de la musique religieuse en langue vernaculaire dans les missions amérindiennes de Nouvelle-France au cours de la première moitié du XVIIième siècle." Master's thesis, Université Laval, 1996. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28409.
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6
P, Bouliane Sandria. "L'impact de Herbert Berliner et Roméo Beaudry sur la structuration du champ de la phonographie populaire canadienne-française, 1918-1932." Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/24073/24073.pdf.
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7
Bouchard, Valérie. "Naissance et déchéance des volontés : une histoire commune du droit civil et du droit d'auteur illustrée par le régime canadien de gestion collective du droit d'exécution des œuvres musicales." Master's thesis, Université Laval, 2008. http://hdl.handle.net/20.500.11794/20485.
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8
Watson, Jada. "Country Music's "Hurtin' Albertan" : Corb Lund and the Construction of "Geo-Cultural" Identity." Doctoral thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26199.
Full textAbstract:
Le concept de lieu fait partie intégrante de la musique country, genre musical traditionnellement associé à certaines aires géographiques, à des paysages ruraux et aux valeurs communautaires. Bien que la littérature sur la musique country ait bien cerné les liens entre ce genre musical et la notion de lieu, en particulier en ce qui concerne la géographie des origines du genre et de ses scènes importantes, on observe un intérêt scientifique croissant envers les chansons de plus en plus nombreuses explorant le thème du lieu. Cette tradition trouve ses racines dans les chansons hillbilly, les chansons de cowboys chantants, le bluegrass du Kentucky et le western swing, où les artistes ont exprimé la nostalgie des lieux familiers et du temps de leur enfance. Ces récits ne décrivent pas seulement le paysage et la culture d’aires géographiques données; plutôt, ils définissent la relation entre les individus et leur environnement, dévoilant ainsi le caractère, les valeurs et les croyances de l’artiste. En se concentrant sur la musique de l’artiste canadien de country alternatif Corb Lund, cette thèse vise à définir cette relation entre cet artiste de musique country et son environement, et à interroger la façon dont il utilise (à l’instar d’autres artistes du genre) ces chansons afin d’explorer plus à fond les liens avec ses origines albertaines. Plus précisément, il s’agit d’étudier comment ces récits de lieu contribuent à la construction de l’identité de l’artiste, ce que Simon Frith (1996) appelle la persona. Selon Richard Peterson (1997) et Pamela Fox (2009), les artistes country ont tendance à se référer à leurs origines dans un acte de « sincérité authentique », afin de construire une conception personnalisée du lieu (souvent autobiographique). Cette recherche a dû considérer les multiples couches de signification entourant l’artiste en tenant compte du genre, des niveaux identitaires et des rapports géoculturaux. Les approches géoculturelles et écomusicologiques permettent de mieux comprendre les façons dont les individus réagissent au lieu et aux liens intimes entre le « sentiment de soi » et le « sentiment de lieu » (Tuan 1974; Cantrill 1993; Solomon 2000). Le concept d’identité « géoculturelle », issu des sciences politiques (Talukder 2013), est invoqué pour décrire cette relation. Par l’analyse de la musique de Lund, cette thèse explore les manières dont l’artiste aborde la vie quotidienne, le travail et les questions socioculturelles propres à l’Alberta en proposant diverses conceptions du lieu, tout en construisant sa propre identité géoculturelle albertaine.The concept of place is integral to country music, a genre conventionally associated with geographic regions, rural landscapes, and community values. While country music literature has defined the genre’s connection to place in relation to the geography of its origins and prominent scenes, there has been a growing scholarly interest in the place-themed songs that proliferate the genre. The tradition of place songs finds its roots in early hillbilly recordings, songs of the singing cowboy, Kentucky bluegrass, and western swing, where songwriters expressed nostalgia for the seemingly simpler places and times of their childhood. These narratives do not just describe the landscape and culture of geographic regions, but rather, they also define the relationship between individuals and their surrounding environment and community, unveiling elements of the artist’s character, values, and beliefs. Focusing on the music of Canadian alt-country artist Corb Lund, this dissertation seeks to define this relationship between country singer-songwriter and place, and interrogate how he (like many other country artists) uses place songs to explore more fully his ties to his Albertan origins. More specifically, it is interested in how place-based narratives contribute to the construction of an artist’s identity, what Simon Frith (1996) calls the artistic persona. As both Richard Peterson (1997) and Pamela Fox (2009) have noted, country artists tend to refer to their origins as an act of “authentic sincerity, ” constructing personalized (often autobiographical) conceptions of place. For a study of this nature, it was important to consider the multiple layers of signification surrounding a singer-songwriter including genre, levels of artistic identity, and geographic-cultural (“geo-cultural”) association. Cultural geographic and ecomusicological discourse offers a rich understanding of the ways in which individuals respond to place and the intimate connection between the “sense of self” and the “sense of place” (Tuan 1974; Cantrill 1993; Solomon 2000). The concept “geo-cultural” identity, drawn from the political sciences (Talukder 2013), is invoked to describe this connection and define the geographic-cultural elements of an artist’s identity. Through an interrogation of Lund’s music, this dissertation explores how the singer-songwriter describes life, work, and socio-cultural issues in his native Alberta, creating diverse conceptions of place, all while constructing his uniquely Albertan “geo-cultural” identity.
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Laflèche, Chrystine. "La "participation active des fidèles à la messe" : réception et mise en application par deux groupes de musiciens au Canada français (1950-1954)." Master's thesis, Université Laval, 2001. http://hdl.handle.net/20.500.11794/42789.
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La musique liturgique est au coeur de ce mémoire. Elle en constitue même le sujet, sous l’angle de la participation active des fidèles à la messe. Cette notion apparue au début du XXe siècle dans les documents officiels de l’Église catholique fera du chant liturgique un important instrument de la pastorale liturgique. Suite à la parution de l’encyclique Mediator Dei en 1947, deux mouvements de musique liturgique se distinguent nettement au Canada français : le mouvement grégorien et celui du cantique populaire. Ces deux mouvements sont l’objet de notre étude. Il s’agit donc d’analyser le répertoire de chacun de ces mouvements sous l’angle de la participation active des fidèle à la messe. Liturgie, musique et participation active représentent les principaux éléments qui composent ce mémoire. Les trois premiers chapitres en dégagent les principales composantes ainsi que leurs divers aspects et le dernier chapitre présente les groupes de musiciens qui représentent les deux mouvements tout en mettant en relief les caractéristiques de leur répertoire respectif. Le résultat de cette analyse démontre que la situation actuelle est grandement tributaire de la réalité de cette époque et permet également de mieux cerner la cause des problèmes actuels.
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Dubois, Paul-André. "Chant et mission en Nouvelle-France : espace et rencontre des cultures." Doctoral thesis, Université Laval, 2004. http://hdl.handle.net/20.500.11794/17927.
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Lanthier, Pierre. "La mémoire historique de la communauté noire dans la société québécoise : l'expérience d'un atelier de musique organisé à Québec en 2004." Master's thesis, Université Laval, 2005. http://hdl.handle.net/20.500.11794/18125.
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12
Perron, Alain. "Duo concertant ; : Dorléac ; Relevés no. 7 ; Séquences voilées ; Double éclat : œuvres musicales." Master's thesis, Université Laval, 1992. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28621.
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Giguère, Patrick. "La gestion du timbre comme genèse à la création de trois oeuvres musicales originales." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30136/30136.pdf.
Full textAbstract:
Mon mémoire de maîtrise porte sur la gestion du timbre comme genèse à la composition de trois œuvres originales : 1) Halocline – 11’45’’ – pour flûte, clarinette, percussions, violon, alto et violoncelle; 2) Le mot juste – 9’30’’ – pour orchestre symphonique; 3) Profondeurs de champ – 16’30’’ – pour orchestre de chambre. Après la présentation de mes préoccupations artistiques, des origines et objectifs de mon travail de création, j’expose l’ensemble de mes recherches préliminaires. Finalement, les œuvres sont sommairement analysées de manière à mettre en lumière des modes de gestion du timbre ayant menés à la composition des œuvres. Ceux-ci tirent leurs origines de réflexions sur des concepts génériques du timbre. 1) Halocline : combinaisons de timbres – l’orchestration traditionnelle; 2) Le mot juste : emprunt de la structure du syntagme « le mot juste » pour la gestion du timbre – la phonétique; 3) Profondeurs de champ : catégorisation de timbres – les techniques instrumentales avancées.
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Dumont, Mathieu. "L'influence du black metal sur la composition de quatre œuvres musicales originales." Master's thesis, Université Laval, 2011. http://hdl.handle.net/20.500.11794/22485.
Full textAbstract:
Ce mémoire traite globalement de l'influence de la musique populaire sur la création de nouvelles musiques d'art, et plus spécifiquement de l'influence du true norwegian black metal (TNBM) sur quatre de mes compositions récentes. Dans la première partie du chapitre I, nous exposons les aspects musicaux et extramusicaux des principales périodes du black metal afin de bien comprendre la genèse du TNBM. Dans la seconde partie du chapitre I, nous abordons spécifiquement le TNBM de la même façon. Dans le chapitre II, nous démontrons concrètement, à l'aide de plusieurs exemples, les modes d'influence des musiques du TNBM sur les quatre musiques à l'étude. Ces types d'influence sont au nombre de cinq : les caractères propres au TNBM, ses caractéristiques structurelles, les techniques d'écriture employées, la gestion des hauteurs et les techniques instrumentales typiques. Je dresse un portrait sommaire en conclusion des enjeux importants de ma musique à venir : la musique de timbre et l'accessibilité de la musique d'art à un large public.
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Côté-Angers, Jean-Philippe. "Joseph Vézina et l'orchestre à vent: l'expression d'un nationalisme musical canadien." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/26819/26819.pdf.
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Roy, Pierre-Olivier. "L'écriture par gestes-piliers dans ma démarche compositionnelle." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27389/27389.pdf.
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Rose, Marian. "Use of music in adult second language instruction : a canadian perspective." Thèse, Université Laval, 2016. http://constellation.uqac.ca/4081/1/Rose_uqac_0862N_10268.pdf.
Full textAbstract:
The present study examines the use of musical techniques by teachers of French second language (FSL) and English second language (ESL) to adults in Canada. Using a mixed-method approach (on-line survey and interviews), the study examines teacher attitudes and beliefs towards using music and the ways in which they currently use music as a teaching tool. This information is described in light of other factors such as the teachers’ general education, second language training, as well as their musical background and experience. This document presents information about teachers’ preferred resources, factors that may prevent them from adopting a musical approach in their second language (L2) teaching, and their suggestions and encouragement for other teachers who are contemplating using more music in their teaching.
La présente étude porte sur l'utilisation des techniques musicales dans l’enseignement du français langue seconde (FLS) et de l’anglais langue seconde (ALS) auprès des adultes au Canada. L’emploi d’une méthode mixte (un sondage en ligne et des entretiens écrits) permet d’examiner l’attitude des enseignants et leurs croyances à l'égard de l’utilisation de la musique ainsi que les façons dont ils utilisent actuellement la musique comme un outil d'enseignement. Ces informations sont décrites à la lumière
d'autres facteurs tels que l'éducation générale des professeurs, leur formation en l’enseignement des langues secondes, ainsi que leur expérience et leur formation musicales. Ce document présente des informations sur les ressources qu’utilisent les enseignants, les facteurs qui peuvent les empêcher d'adopter une approche musicale dans l'enseignement d’une langue seconde (L2), ainsi que des
suggestions et des encouragements pour d’autres enseignants qui envisagent d'utiliser davantage la musique dans leur enseignement.
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Lesacher, Claire. "Le rap comme activité (s) sociale (s) : dynamiques discursives et genre à Montréal (approche sociolinguistique)." Thesis, Rennes 2, 2015. http://www.theses.fr/2015REN20030/document.
Full textAbstract:
Cette recherche propose d’interroger l’activité rap montréalaise d’un point de vue sociodiscursif et à l’aune du genre, à travers le prisme des pratiques, des représentations, des expériences et des trajectoires de rappeuses à Montréal. Inscrite dans le champ de la sociolinguistique et arrimée aux, ancrages théoriques et épistémologiques qui envisagent le genre comme un rapport social coproduit et les subjectivités en tant que traversées des rapports sociaux, mais jamais Pleinement déterminées par ces derniers, cette étude se base sur une enquête de terrain réalisée en 2011 auprès de rappeuses à Montréal. Axée sur un corpus discursif et interprété selon une méthode qui croise analyse du discours et analyse de contenu thématique, elle engage une approche des phénomènes et des processus à l’œuvre en tant qu’ils sont territorialisés.Les pratiques, les expériences et les représentations des rappeuses seront envisagées dans un contexte marqué par leur « rareté ». Il sera constaté qu’outre une actualisation des rapports sociaux de sexe, les pratiques et les expériences des rappeuses sont aussi impactées par les enjeux sociolinguistiques de l’espace montréalais, ainsi que par ce qui relève du concept de québéquicité. Ainsi, les rappeuses composent leurs pratiques et leurs trajectoires en étant toujours situées à une place unique, dynamique et forcément ambivalente au sein de la matrice de la domination, et qui se façonne notamment par l’imbrication du genre, du langage, des représentations sur le rap, et des héritages d’une idéologie de la francophonie canadienne-française, que réactualise notamment le concept de québéquicité contemporainThis research offers a socio-discursive insight on the Montréal rap scene, by looking into the practices, representations, experiences and trajectories of female rappers in Montréal, through the prism of gender. Grounded in the field of sociolinguistics – and even more so in urban sociolinguistics for the originality of its questionings – and anchored to the theoretical and epistemological frameworks that envisage gender as a coproduced social relation (“rapport social”) and subjectivities as permeated by social relations, but never completely determined by them, this study is based on a fieldwork among female Montréal rappers, which took place in 2011. Based on a discursive corpus, interpreted using both discourse analysis and thematic analysis, it engages an interpretation of the phenomena and of the processes as territorialized. The practices, experiences and representations of the female rappers will be analyzed in a context marked by their scarcity. Beside the actualization of gender relations and formation processes, I find that the sociolinguistic features of Montréal’s social space, and what is referred to as “québéquicity”, also impact the practices and the experiences of the rappers. Thus, the rappers compose their practices and their trajectories while being constantly positioned in a unique, dynamic, and bound to be ambivalent place inside the “matrix of domination”, shaped by the interweaving of gender, language, perspectives on rap music, and the heritage of an ideology of the French-Canadian “francophonie”, that notably actualizes the contemporary concept of “québéquicity”
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Locke, Sharon. "Canadian musique: English to French translation in contemporary Canadian music." Thesis, University of Ottawa (Canada), 2005. http://hdl.handle.net/10393/26962.
Full textAbstract:
This thesis examines translation in English Canadian music of the late 20th/early 21st century and the challenges unique to song translation. It first explores this increasingly apparent trend in the light of Canadian Radio-television and Telecommunications Commission (CRTC) regulations, and then studies the history and background of Canadian music. It then looks at song translation as a form of poetry translation, to study the challenges faced in the process and the solutions found, focussing specifically on the translation of various poetic devices used in the corpus. Further, it examines the intentions that generate these translations and seeks to analyze the finished products in the light of these motivations. Do musical groups translate their work in order to expand their horizons and explore another culture, or do they do so primarily to expand the fan base and generate more revenue? And what methods are used to deal with all the inherent restrictions of song translation? What does the finished product tell the listener about the intention of the translation?
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Pichette, Marie-Hélène. "Musique populaire et identité franco-ontariennes La nuit sur l'étang." Thesis, University of Ottawa (Canada), 2000. http://hdl.handle.net/10393/9121.
Full textAbstract:
Cette thèse examine la construction de l'identité à travers un événement musical annuel, la Nuit sur l'étang , qui a été institué à Sudbury (Ontario) en 1973. Par l'analyse des sources disponibles, elle recherche les éléments qui s'avèrent essentiels à la formulation de l'identité franco-ontarienne. Après avoir choisi trois dates charnières--la fondation en 1973, la dixième Nuit en 1983 et la vingt-cinquième en 1998--et mis en contexte ces manifestations, l'étude scrute les discours de la presse et des témoins de l'époque de même que le contenu du spectacle lui-même. Apparaissent alors les composantes qui ont servi à l'élaboration de cette identité. D'une part, la thèse tend alors à démontrer que l'identité n'est pas un fait acquis, mais que, tout au contraire, elle se construit à travers les éléments et les événements qui la forment. D'autre part, elle illustre comment musique populaire et identité franco-ontariennes se définissent et s'influencent mutuellement dans le cadre de la Nuit sur l'étang .
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Côté, Jean-Charles. "Rossignolet des bois ; : Pièce concertante ; et Rives : (œuvres musicales)." Master's thesis, Université Laval, 2000. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33551.
Full textAbstract:
Rossignolet des bois pour chœur à quatre voix mixtes, Pièce concertante pour saxophone alto, percussion et 24 cordes, et Rives pour orchestre sont des œuvres réalisées au cours des trois dernières années dans le cadre de la maîtrise en composition. Des rapports entre les protagonistes et la musique sont établis dans la pièce pour chœur. Ces protagonistes sont représentés par les différents solistes et les regroupements vocaux. Le contenu poétique correspond à la forme musicale et à la série utilisée dans la pièce pour orchestre. La Pièce concertante s’inspire du motif musical de l’œuvre The Unanswered Question de Charles Ives. Ces compositions font appel à divers langages musicaux : modalité, chromatisme et sérialisme. La Pièce concertante et Rives sont construites à partir d’une organisation de la durée, du tempo, de la métrique, de l’orchestration et du jeu instrumental.Québec Université Laval, Bibliothèque 2019
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Olford, Gertrude Carolyn. "Four organ recitals and an essay, selected Canadian solo organ music, 1981-1996 : introduction and annotated catalogue." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/nq23105.pdf.
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Durrieu, Jean-Louis. "Transcription et séparation automatique de la mélodie principale dans les signaux de musique polyphoniques." Phd thesis, Télécom ParisTech, 2010. http://pastel.archives-ouvertes.fr/pastel-00006123.
Full textAbstract:
Nous proposons de traiter l'extraction de la mélodie principale, ainsi que la séparation de l'instrument jouant cette mélodie. La première tâche appartient au domaine de la recherche d'information musicale (MIR) : nous cherchons à indexer les morceaux de musique à l'aide de leur mélodie. La seconde application est la séparation aveugle de sources sonores (BASS) : extraire une piste audio pour chaque source présente dans un mélange sonore. La séparation de la mélodie principale et de l'accompagnement et l'extraction de cette mélodie sont traitées au sein d'un même cadre statistique. Le modèle pour l'instrument principal est un modèle de production source/filtre. Il suppose deux états cachés correspondant à l'état du filtre et de la source. Le modèle spectral choisi permet de prendre compte les fréquences fondamentales de l'instrument désiré et de séparer ce dernier de l'accompagnement. Deux modèles de signaux sont proposés, un modèle de mélange de gaussiennes amplifiées (GSMM) et un modèle de mélange instantané (IMM). L'accompagnement est modélisé par un modèle spectral plus général. Cinq systèmes sont proposés, trois systèmes fournissent la mélodie sous forme de séquence de fréquences fondamentales, un système fournit les notes de la mélodie et le dernier système sépare l'instrument principal de l'accompagnement. Les résultats en estimation de la mélodie et en séparation sont du niveau de l'état de l'art, comme l'ont montré nos participations aux évaluations internationales (MIREX'08, MIREX'09 et SiSEC'08). Nous avons ainsi réussi à intégrer de la connaissance musicale améliorant les résultats de travaux antérieurs sur la séparation de sources sonores.
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Gampel, Alan. "Les indications musicales dans l’Orient chrétien du VIe au IXe siècle : l’apport des papyrus." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040160.
Full textAbstract:
Les trois parties de cette thèse forment une unité pour défendre l’hypothèse de la présence de signes musicaux dans la transmission d’hymnes chrétiennes liturgiques durant la deuxième moitié du premier millénaire, ce qui ferait remonter de plusieurs siècles la naissance de la notation musicale chrétienne, ordinairement située au IXe siècle. Dans une première partie, la présentation d’un corpus papyrologique démontre l’existence de trois genres d’indications musicales écrites, les hirmoi utilisés, dès le VIe siècle, comme strophes-modèles dans le canon poétique, les modes de l’octoechos et des signes interlinéaires non identifiés. Dans une deuxième partie, la tradition manuscrite des hirmologia datés du Xe au XIIIe siècle, en grec et en d’autres langues liturgiques, a été rassemblée et étudiée afin d’y retrouver les hirmoi identifiés dans les papyrus et d’en reconstituer les mélodies. Enfin, dans une troisième partie, ces mélodies et leurs notations neumatiques ont été superposées au schéma rythmique des hirmoi et les signes non identifiés y ont été positionnés. Cette suite de présentations de corpus et de comparaisons sémiologiques et musicologiques a préparé l’analyse et les propositions d’interprétation des signes jusqu’alors non-identifiésThe three parts of this doctoral dissertation combine to support the hypothesis that musical signs were used in the transmission of Christian hymns during the 5th – 10th centuries. In the first part, a papyrological corpus provides evidence of three types of musical indications: hirmoi, which were used as musical models for liturgical canon strophes, modal signs from the octoechos system and un-identified interlinear symbols. In the second part, several hirmoi identified in the papyri are located in hirmologia from the 10th – 13th centuries – liturgical books containing paleo-byzantine and medio-byzantine musical notations. The different versions of the melodies are compared and then transcribed into modern notation. In the final part, the strophe texts and unidentified symbols from the papyri are superimposed on the musical transcriptions in order to analyze and interpret the functions of the symbols
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Arella, Suet-Lin. "Rêve d’artiste : la littérature, la musique et l’histoire de l’art dans la poésie d’Émile Nelligan." Thèse, 2019. http://hdl.handle.net/1866/23730.
Full textAbstract:
La fin du XIXe siècle montréalais est une période de grand foisonnement intellectuel et culturel, qui voit l’apparition de plusieurs courants artistiques, comme l’impressionnisme et le symbolisme. Ces courants artistiques manifestent des tendances analogues dans des arts différents. Plusieurs associations artistiques se forment durant cette période, et l’École littéraire de Montréal, fondée en 1895, est l’une des plus importantes. Un de ses membres les plus célèbres est le poète Émile Nelligan, qui rédige une œuvre fulgurante entre 1896 et 1899. Par ses liens avec les autres membres de l’École, Nelligan est proche des changements culturels de son époque, et plusieurs de ses poèmes font référence à des arts autres que la littérature, comme la peinture et la musique. Notre objectif est d’étudier comment les tendances artistiques principales de l’époque, particulièrement en peinture et en musique, se présentent dans l’œuvre poétique de Nelligan. Notre étude s’appuie sur la démarche de Gérard Dessons, qui analyse les éléments constitutifs du discours poétique pour en extraire le sens. Nous désirons apporter une meilleure compréhension des courants artistiques présents à Montréal durant cette période et montrer comment Nelligan emploie des procédés littéraires analogues pour incorporer les traits principaux de ces courants artistiques dans son œuvre. Nous voulons aussi éclairer la nature transdisciplinaire de l’œuvre de Nelligan et sa profonde sensibilité aux relations entre les arts, même s’il n’a pratiqué que la littérature.The end of the 19th century in Montreal is a time of great intellectual and cultural development, which sees the birth of new artistic currents such as impressionism and symbolism. These currents appear in many different arts of the time. Many artistic associations are created during this period, and the École littéraire de Montréal is one of the most important among them. One of the most famous members of the École is poet Émile Nelligan, who produced a great amount of work between 1896 and 1899. Through his connections with the other members of the École littéraire de Montréal, Nelligan was in contact with the cultural and artistic changes of the time, and many of his poems include references to arts other than literature, such as painting and music. Our aim is to study how the artistic currents of the time, particularly in painting and in music, appear in Nelligan’s poetry. We base our study on the approach of literary analysis by Gérard Dessons, which is based on the analysis of different literary elements and techniques that make up the poem in order to derive its meaning. We wish to bring a greater understanding of the artistic trends present in turn-of-the-century Montreal and how Nelligan uses literary techniques to incorporate the principal techniques and ideas of those artistic currents in his work. We also wish to show the transdisciplinary nature of Nelligan’s work and his great sensibility to the relationships between the arts, even if he practiced only literature during his lifetime.
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Mathien, Theo. "The Wolf and the Whale: aesthetic relationships between electroacoustic music and poetry inspired by the Canadian landscape." Thèse, 2014. http://hdl.handle.net/1866/10758.
Full textAbstract:
La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU).La présente thèse explore les relations esthétiques entre la poésie et la musique. Elle examine les éléments qui unissent et qui différencient les deux formes d’art, en mettant l’accent sur les caractéristiques que la poésie contemporaine et la musique électroacoustique ont en commun. Pour tenter d’expliquer la façon dont les caractéristiques de la poésie peuvent servir d’outil de composition musicale, ce document s’appuie sur des recherches récentes et plus anciennes concernant la musique et le récit, l’esthétique des musiques électroacoustiques, la psychoacoustique, la poétique, la sémiologie, la linguistique ainsi que l’histoire de la poésie et de la musique. Cette approche globale présente une analogie entre le son environnemental et le mot poétique, communicateur d’image, de sentiment et d’histoire qui, lorsque recontextualisé en musique, peut à la fois transmettre et provoquer des émotions. En effet, dans la musique électroacoustique, le son environnemental peut détailler de manière explicite les caractéristiques d’un espace acoustique réel; cependant, grâce à la transformation créée par le traitement du signal, le son peut également passer du côté abstrait. Ce mouvement entre les sons perçus comme réels et ceux perçus comme abstraits se compare à celui observé dans la poésie contemporaine. Les deux formes d’art peuvent également exprimer un sens littéral et symbolique. La présente thèse cherche à définir la façon dont ces éléments communs, entre autres, permettent de surmonter les obstacles intercommunicationnels naturellement entraînés par les différences syntaxiques entre la poésie et la musique afin de permettre une interprétation associative de la poésie en musique. La thèse se termine par l’analyse musicale de quatre compositions, dont trois ont été créées grâce au soutien du Conseil des arts du Canada. Ces trois pièces, qui forment le noyau de mon doctorat, exemplifient la musique inspirée par la poésie et composée à partir d’enregistrements de sons environnementaux. Trois œuvres des poètes canadiens John Steffler, Don Domanski et Marilyn Dumont évoquent les différentes régions du Canada d’où les enregistrements sont tirés. Ces poèmes, variés sur le plan esthétique, utilisent un langage distinct pour décrire la diversité de l’écologie canadienne moderne. Le contenu de chaque poème, de concert avec mon propre souvenir empirique des environnements qui font l’objet des enregistrements, est la source d’inspiration principale de la musique. La quatrième pièce utilise également la poésie comme base de la composition; il s’agit toutefois d’une œuvre antérieure, moins axée sur l’exploitation du potentiel de l’enregistrement de sons environnementaux pour créer une œuvre musicale représentative d’une imagerie poétique portant sur un lieu précis. Elle est présentée à titre d’exemple de l’évolution de mes stratégies et de mes préoccupations compositionnelles.
This thesis explores aesthetic relationships between poetry and music. It looks at both the analogous and disparate traits of the two arts with a focus towards the shared qualities of contemporary poetry and electroacoustic music. In suggesting how those of the former lend themselves as a tool for the composition of the latter, the paper touches on current and past research concerning music and narrative, electroacoustic aesthetics, psychoacoustics, poetics, semiology, linguistics and the history of poetry and music. This broad approach considers environmental sound as similar to the poetic word – a communicator of image, feeling, and history that, when re-contextualized in music, has the ability to both convey and elicit emotion. Indeed, in electroacoustic music, environmental sound can explicitly detail the characteristics of a real acoustic space, however, with the transformative effects of signal processing it can also shift into the abstract. This motion between sounds perceived as real and abstract parallels motion in contemporary poetry. Both arts can also express literal and symbolic meaning. This thesis investigates how these and other shared traits overcome intercommunicative barriers that arise naturally from their syntactical differences to mediate associative interpretations of poetry in music. The thesis ends with the musical analysis of four compositions, three of which were created with the support of the Canada Council for the Arts. These three pieces are the fruition of much of my doctoral work, exemplifying music inspired by poetry and composed from recordings of the Canadian environment. The regions represented in these recordings feature in the work of contemporary Canadian poets, John Steffler, Don Domanski and Marilyn Dumont. Varying in aesthetic, these poems use distinct language to depict the diversity of modern Canadian ecology. The content of each poem, in combination with my own experiential memory of the recorded environments, provides the inspiration for much of the music. The fourth piece presented also uses poetry as a foundation for composition; however, it is an earlier work that is less concerned with exploiting the potential of environmental recordings to create music representative of location-bound imagery in poetry. It has been included as an example of how my compositional strategies and concerns were refined.
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Bessette, Pascale-Andrée. "Émiliano Renaud (1875-1932) : premier pianiste-virtuose du Québec : interprète-pédagogue-compositeur." Thèse, 2011. http://hdl.handle.net/1866/5898.
Full textAbstract:
La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l'Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU).La carrière du pianiste-compositeur Émiliano Renaud (1875-1932) est peu connue. Surnommé le «Paderewski canadien», il est le premier virtuose québécois à avoir établi, à l’instar du maître polonais, de nouveaux standards dans la présentation des récitals, à une époque où ces concerts affichaient surtout des programmes constitués d’extraits de pièces rarement exécutés par un seul interprète et proposés la plupart du temps, sous forme de pot-pourri. Il est également le premier musicien à avoir utilisé la nouvelle technologie de la radio à des fins pédagogiques et l’un des rares compositeurs de l’époque à avoir été édité aux États-Unis. Formé à Vienne et à Berlin auprès de virtuoses renommés, il poursuit d’abord une carrière d’enseignant au Conservatoire d’Indianapolis avant de s’installer à New York du-rant quelques années où il élabore une méthode d’apprentissage du piano. Il revient défini-tivement à Montréal en 1921 et s’implique dans de nombreuses activités musicales : récitals, composition, enseignement et édition. Notre recherche, la première sur le sujet, retrace les principaux jalons de la carrière de ce virtuose du piano au début du vingtième siècle, tout en la situant dans le contexte cul-turel et musical de l’époque. Nous souhaitons ainsi réhabiliter un musicien relégué injuste-ment dans l’oubli après son décès et qui a contribué, à sa manière, au développement de la vie musicale du Québec; tout en nous interrogeant sur la perception de la virtuosité dans la presse musicale de cette époque. Les annexes offrent quelques points de repère dont une chronologie, une liste de son répertoire ainsi qu’un inventaire de ses œuvres.
Little is known of the career of composer and pianist Émiliano Renaud (1875-1932). Called the “Canadian Paderewski”, Renaud is the first Quebec virtuoso to have set up, as his Polish master, new standards in recitals, at a time when concerts mainly offered programs made of a mixture of excerpts rarely played by a single interpreter. Émiliano Renaud is also the first musician to have used the new technology of the radio for pedagogical purposes, as well as one of the few composers of the time to have had his works edited in the United States. Trained in Vienna and Berlin by renowned masters, he first pursued a teaching career at Indianapolis Music School before moving to New York for a few years, where he created a piano learning method. He moved permanently to Montreal in 1921 and was involved in numerous musical activities: giving recitals, composing, teaching and editing. This study, the first on the subject, traces the landmarks of Renaud’s career as a virtuoso at the beginning of the twentieth century. It offers a broad cultural and musical frame through which to assess the artist’s achievements. One of the main aims of this research is to rehabilitate Émiliano Renaud, undeservedly cast into oblivion after his death. This rehabilitation is all the more necessary as Renaud contributed, in his own way, to developing Quebec’s musical life. In a related way, this study also tackles the issue of the reception of the phenomenon of virtuosity by the critics at that period. Annexes provide benchmarks, including a chronology, a list of the musician’s repertoire, and an inventory of his works.
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Paré, Justine. "Messe solennelle pour la famille Lebel ; suivi de L'évolution du procédé polyphonique chez Suzanne Jacob." Thèse, 2014. http://hdl.handle.net/1866/11684.
Full textAbstract:
Mon essai et mon roman se font l’écho l’un de l’autre, ils se répondent et reflètent ainsi le sujet de ma recherche : la polyphonie. Dans L’évolution du procédé polyphonique chez Suzanne Jacob, je m’attarde à trois romans de Suzanne Jacob, L’obéissance, Rouge, mère et fils et Fugueuses, œuvres chorales et teintées par la musique dans lesquelles la prose se décline en plusieurs voix. Puisque j’étudie la polyphonie dans son aspect musical et, parallèlement, dans une perspective littéraire, il est possible d’admettre que je fais moi aussi, au cœur de mon essai, l’exercice du contrepoint. Cet essai est précédé par Messe solennelle pour la famille Lebel, roman polyphonique qui, à la manière de Fugueuses, où la musique est déjà implicite dans le titre, se donne à lire comme une partition musicale. J’y présente quatre membres d’une même famille, deux hommes et deux femmes, qui doivent faire face à la mort de l’un des leurs. Ils se partagent une narration en contrepoint dans un récit à plusieurs voix (inspirées par les quatre catégories vocales principales en musique) dont la structure rappelle celle du requiem ou messe des morts.My essay and my novel echo and dialogue with one another, thus mirroring the subject of my research: polyphony. In L’évolution du procédé polyphonique chez Suzanne Jacob, I study three choral novels by Suzanne Jacob (L’obéissance, Rouge, mère et fils and Fugueuses) in which musical references are omnipresent and stories are told by many voices. Since I study the musical aspect of polyphony in parallel with its literary counterpart, it can be said that I also use the counterpoint at the heart of my essay. This essay is preceded by Messe solennelle pour la famille Lebel, a polyphonic novel in which, like that of Fugueuses, the musical references are implicit in the title itself and can be read like a musical score. It tells the story of four family members – two men and two women – who have to face the death of one of their own. They share a counterpoint narration in a story told through many voices (inspired by the four main vocal categories in music) whose structure is reminiscent of the requiem, also known as Mass for the dead.