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Academic literature on the topic 'Musique et architecture – 20e siècle'
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Journal articles on the topic "Musique et architecture – 20e siècle"
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Legault, Réjean. "Architecture et forme urbaine." Articles 18, no. 1 (August 7, 2013): 1–10. http://dx.doi.org/10.7202/1017820ar.
Full textAbstract:
Cet article propose une lecture du tissu urbain de Montréal produit au cours de l’expansion urbaine à la fin du 19e siècle. Prenant pour objet le quartier St-Jean-Baptiste entre les années 1870 et 1914, l’étude cherche à reconstituer la mise en forme des tracés au sol, du cadre bâti et de l’espace urbain de ce secteur témoin. Face à une interprétation dominante qui prévilégie les facteurs économiques et démographiques, l’étude tente de mettre en lumière le rôle des contraintes architecturales dans la genèse des formes du bâti. Elle vise à la compréhension de la genèse des formes qui deviendront typiques des quartiers montréalais au début du 20e siècle.
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Delaune, Benoît. "À la source de l’extra-disciplinarité : fixation par enregistrement et externalité de la musique au 20e siècle." Marges, no. 10 (April 15, 2010): 11–24. http://dx.doi.org/10.4000/marges.488.
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Vasold, Georg, and Hélène Sicard-Cowan. "Optique ou haptique : le rythme dans les études sur l’art au début du 20e siècle." rythmer, no. 16 (April 11, 2011): 35–55. http://dx.doi.org/10.7202/1001955ar.
Full textAbstract:
Cet article traite du « rythme », une notion abondamment discutée lors de l’émergence d’une littérature académique en histoire de l’art. Malgré l’utilisation qu’en faisaient déjà Karl Schnaase et Franz Kugler, ce n’est qu’après 1900 que le terme deviendra un principe de base sous l’influence d’August Schmarsow, à Leipzig, et d’Alois Riegl, à Vienne. Ces derniers reconnaissaient l’importance et le potentiel d’une telle notion, malgré leurs travaux divergents. Pour August Schmarsow, le rythme était le moyen de concevoir la relation de l’esthétique et de l’expérience physique : traverser une architecture, un mouvement rythmique donc, décrivait un mode de perception élémentaire. En revanche, pour Riegl, le rythme était une question de vision : en explorant l’esthétique de l’Antiquité tardive (qui anticipait, selon lui, le modernisme), il observait davantage le rythme dans les rapports dynamiques entre le blanc et le noir, une idée qui deviendra pertinente pour la théorie cinématographique des années 1920.
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Melot, Michel. "Les Nouvelles Bibliothèques Nationales et la Mutation des Bibliothèques à la Fin du 20e Siècle." Alexandria: The Journal of National and International Library and Information Issues 9, no. 3 (December 1997): 173–83. http://dx.doi.org/10.1177/095574909700900302.
Full textAbstract:
It is surprising to note the number of national libraries in the world being built at a time when virtual libraries are being talked about. The first reason for this phenomenon must be sought in the publication explosion, which information technology does not seem to be discouraging. There are however three more fundamental reasons for the persistence of libraries in their physical form. Their architecture is adapting to the diversification of media and usages, notably by the development of levels in accord with the rate of document use; the library has a symbolic function for people as a meeting place and a concentration of established knowledge; and, in spite of increasingly globalized and standardized electronic support, libraries express special features associated with regional cultures. As a threatened species, libraries arc developing their own defences and undergoing a transformation that could herald not just their survival but a renaissance.
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Lostia, Marine. "Rachid Koraïchi : une architecture céleste pour le soufisme." Études littéraires 33, no. 3 (April 12, 2005): 193–202. http://dx.doi.org/10.7202/501318ar.
Full textAbstract:
Dans cet article, nous nous proposons de présenter l'esprit dans lequel travaille Rachid Koraïchi, artiste algérien de tradition musulmane. Plus précisément, nous présentons son travail autour du fondateur de l'ordre des derviches tourneurs. Rûmî, poète mystique du XIIIe siècle, développe une conception de la fonction de l'art qui a séduit l'artiste. La musique, la danse et la poésie sont autant de moyens d'accéder à la beauté, beauté qui nous rapproche du divin. Cette métaphysique de l'art est mise en images par l'artiste. L'amour tient une place importante au sein de cette méditation. Redonner vie à la lettre de ce mystique, c'est aussi pour Koraïchi, lutter contre une image trop souvent négative de l'Islam.
6
Suciu, Silvia. "Piața de artă în Franța în sec. XVII-XVIII." Anuarul Muzeului Etnograif al Transilvaniei 33 (December 20, 2019): 171–205. http://dx.doi.org/10.47802/amet.2019.33.12.
Full textAbstract:
Conçu comme une continuation de l’essaye „L’affaire de l’Art. Le Marché d’Art aux Pays Bas, au XVIIe siècle” (AMET 2018), cette étude suit la création artistique et le destinataire de l’œuvre d’art en France, aux XVIIe et XVIIIe siècles. À la Cour du Roy Soleil, la possession d’un capital culturel (objets de luxe, tableaux, bijoux, calèches) était un moyen de montrer le rang, la vertu et la grandeur à travers la valeur associée à ces objets. Louis XIV a exercé un contrôle absolu de la production des œuvres d’art crées à Versailles, dans tous les domaines d’art : architecture, sculpture, peinture, théâtre, ballet, musique… Il y a réalisé un mouvement culturel et artistique et s’est entouré d’une pléiade d’artistes : Charles Le Brun, Nicolas Poussin et Pierre Mignard (premiers peintres du Roy), Molière (ses pièces étaient jouées à Versailles et dans les salons de Paris), Jean-Baptiste Lully (qui encourageait la passion du Roy pour la danse), Jean Racine (l’„historique officiel” du Roy), André le Nôtre (architecte du parc et des jardins de Versailles), Jean de la Fontaine, Charles Perrault etc. Parallèlement à la vie artistique de Versailles, pendant le XVIIIe siècle on assiste au développement du marché libre d’art à Paris ; dans le magasin appartenant à Edme-François Gersaint, Au Grand Monarque, les clients achetaient des tableaux, des gravures, des sculptures, des naturalia et d’autres objets de luxe. Gersaint a été le premier à Paris qui a réalisé des ventes aux enchères, suivant le modèle des Pays Bas. Ces enchères et les chroniques d’art de Denis Diderot ont beaucoup contribué à la „démocratisation” du public des arts plastique en France et dans tout le monde, à partir du XVIIIe siècle.
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Laberge, Yves. "Les cultures régionales du sud et leurs mutations dans la musique américaine au 20e siècle : Blind Willie Johnson, Robert Crumb, Bob Dylan, et John FogertyHéros du blues, du jazz et de la country, par Robert Crumb. Paris, Editions de La Martinière, 2008. 240 pp. 19,95 (couverture rigide).Revelation Blind Willie Johnson The Biography: The Man, The Words, The Music, by D. N. Blakey. Raleigh, Caroline du Nord, Lulu Press, 2007. 322 pp. $25,22 EU (poche).Dylan par Dylan: Interviews 1962-2004, par Bob Dylan, Jonathan Cott, et Denis Griesmar. Paris, Bartillat, 2007. 560 pp. 30,00 (poche).Bad Moon Rising: The Unauthorized History of Creedence Clearwater Revival, by Hank Bordowitz. Chicago, Illinois, Chicago Review Press, 2007. 400 pp. $16,95 EU (poche)." Canadian Journal of History 45, no. 2 (September 2010): 347–52. http://dx.doi.org/10.3138/cjh.45.2.347.
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Fox, Brittany, and Jillian Stroud. "Est-ce que nous parlons trop? Une étude sur les niveaux de la communication dans le monde d’aujourd’hui et la communication dans L’Artiste." Inquiry@Queen's Undergraduate Research Conference Proceedings, February 20, 2018. http://dx.doi.org/10.24908/iqurcp.9717.
Full textAbstract:
Dans un monde où la majorité de la population est obsédé par les communications au moyen des réseaux sociaux comme Facebook et Twitter, le film « L’Artiste » présente une réalité rafraichissante au point que l’audience n’a pas d’autre choix que de regarder attentivement le film. Avec l’usage de la musique, la langue du corps et l’intuition de l’audience, « L’Artiste » a réussi à communiquer efficacement, sans conversations orales. Le film comprend quelques intertitres, mais seulement là où c’était nécessaire et ces occasions n’étaient pas très fréquentes.Notre recherche inclura une analyse de la communication d’aujourd’hui, car ce film nous force à reconsidérer les niveaux de communication qu’on utilise dans notre vie quotidienne. Nous allons comparer les méthodes de communication qui sont utilisées dans le film, un film de 2011, mais qui se passe au début du 20e siècle, avec les méthodes qu’on utilise et qu’on considère normales aujourd’hui. Nous allons examiner la décision faite par le metteur en scène de ne pas utiliser de couleur ni de conversations orales dans un film du 21e siècle, une décision que l’on croit très courageuse. Une décision qui a aussi mené à la célébrité, car ce film a gagné 3 Golden Globes, 5 Oscars, et 6 Césars, ce film est maintenant le film français le plus célèbre de l’histoire.En analysant l’usage de la communication dans le film « l’Artiste » et l’usage de la communication dans la vie quotidienne, nous allons examiner les changements et les liens de la communication dans les deux mondes et ce qu’ils représentent.
Dissertations / Theses on the topic "Musique et architecture – 20e siècle"
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Bridoux-Michel, Séverine-Alice. "Architecture et musique : croisements de pensées après 1950 : la collaboration de l'architecte et du musicien, de la conception à l'œuvre." Lille 3, 2006. http://www.theses.fr/2006LIL30020.
Full textAbstract:
Après 1950, le monde artistique occidental est le théâtre de profondes mutations. Par rejet de la tradition académique ou par attirance pour le phénomène de modernité, les artistes et créateurs rendent alors plus perméables les frontières des différentes disciplines, multipliant les expériences poly-artistiques. L'étude des nouvelles problématiques issues de l'interdisciplinarité constitue notre première approche de ce phénomène. A partir de cette approche, nous présentons de multiples manifestations de la relation architecture-musique et tentons de cerner à travers celles-ci une typologie des formes de relation. Trois monuments font ensuite l'objet d'analyses plus poussées : 1/le Pavillon Philips de l'Exposition internationale de Bruxelles 1958 pour lequel architectes et musiciens (Le Corbusier, E. Varèse et I. Xenakis) collaborent à un projet dans lequel l'idée de diathèse semble émaner de la confrontation de créations indépendantes ; 2/ dans le deuxième objet d'étude, c'est la réflexion menée par K. Stockhausen sur la notion de "musique dans l'espace" qui prime et débouchera sur la réalisation de l'Auditorium sphérique du pavillon allemand de l'Exposition universelle d'Osaka 1970, en collaboration avec l'architecte F. Bornemann ; 3/ le travail de conception réalisé pour Prometeo de L. Nono et pour sa structure spatiale associée, œuvre de R. Piano, concrétise une troisième grande collaboration. Ces trois exemples partagent une même volonté de renouveler l'espace de représentation scénique traditionnel. En étudiant de tels projets, nous tentons de montrer comment la rencontre de l'architecte et du musicien peut ainsi témoigner d'une nouvelle conception du mondeAfter 1950, the western artistic world is becoming the scene of profound mutations. By rejecting academic traditions or by attracting the phenomena of modernisation, artists and creators allow the frontiers of the different disciplines to become more permeable, thus multiplying poly-artistic experiences. Studying the new problems resulting from inter-disciplines constitutes our first approach to this phenomena. From this approach, we present multiple manifestations of the architectural musical relationship and we try to work out, through this, a typology of the forms of relation. Three "monuments" distinguish themselves and later become the object of more in-depth analysis : the first, "The Philips Pavilion" at the Brussels International Exhibition 1958, for which architects and musicians together, Le Corbusier, E. Varèse and I. Xenakis, collaborate in a project, whereby the idea of "diathesis" seems to emanate from the confrontation of independent creation. From our second subject, it is the reflexion led by K. Stockhausen on the notion of "music in space" which dominates. This results in the realisation of the "Spherical Auditorium" at the German Pavilion of the Universal Exhibition in Osaka in 1970, in collaboration with the architect F. Bornemann. Finally, conception and work carried out for Prometeo by L. Nono and for its associated spatial structure, work of R. Piano, solidifies a third major collaboration. These three examples share a similar purpose in renewing the space of traditional scenic representation. By studying such projects we are trying to show how the encounter between the architect and the musician can in this way witness a new conception of the world
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Boudin-Lestienne, Stéphane. "Paul Tissier (1886-1926) : les rôles de l'architecte." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010595.
Full textAbstract:
Dplg des Beaux-Arts de Paris, Paul Tissier cultive de nombreuses relations parmi les artistes, les architectes (les frères Carlu) et les musiciens (Gabriel Fauré) de son temps. Réputé dans le domaine de l'aquarelle il fonde l'orchestre symphonique des Beaux-Arts, «Le Violon d'Ingres ». Investi dans la reconstruction de la Meuse et le mouvement régionaliste, Tissier prône, sous une forme traditionnelle, le progrès dans la conception et la construction et entame une réflexion originale sur la typologie et la modularité de l'habitat. Pour la Côte d'Azur, dès 1921, il propose sur catalogue des villas modernes inspirées de l'architecture provençale. Entre 1924 et 1926, Tissier transpose son expérience d'artiste et sa réflexion d'architecte dans la conception de grandes fêtes mondaines. Exigeantes et créatives, proposant des attractions de qualité, les « Fêtes d'Art» transforment intégralement les lieux dans lesquels elles se déroulent par des architectures éphémères ornées de fastueuse toiles peintes. Malgré la célébrité due à cette entreprise, Tissier disparaît trop tôt pour passer à la postérité. La découverte d'un considérable fonds d'archives (400 éléments de décors, un millier de documents) a permis de mesurer la cohérence de ce travail. Loin d'être en contradiction avec sa formation centrale, son parcours atypique prolonge autant qu'il renforce sa nature d'architecte. De même, selon qu'il agisse pour un client ou qu'i1 défende des conceptions personnelles, qu'i1 se présente en tant qu'expert ou urbaniste, Tissier joue des « rôles» variés qui interrogent la pratique de l'architecture.
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Lévy, Fabien. "Complexité grammatologique et complexité aperceptive en musique : étude esthétique et scientifique du décalage entre la pensée de l'écriture et la perception cognitive des processus musicaux sous l'angle des théories de l'information et de la complexité." Paris, EHESS, 2004. http://www.theses.fr/2004EHES0123.
Full textAbstract:
La complexité musicale regroupe deux catégories : les complexités grammatologiques en tant que complexité de la pensée d'une écriture, et les complexités aperceptives en tant que difficultés cognitives de perception. Leurs mécanismes sont distincts : deux procédures de même complexité grammatologique peuvent produire deux résultats sonores de complexités aperceptives dissemblables et inversement. Cependant, l'écriture musicale est aussi une façon de penser la musique. Etudier la complexité grammatologique nécessite donc d'étudier la perception analytique de la musique. Inversment, la perception d'une oeuvre est une écriture mentale. Etudier la complexité aperceptive erquiert d'étudier la complexité analytique de l'algorithme réengendré par l'auditeur. Cette recherche s'appuie sur des applications musicales ( sur l'écriture et la perception des rythmes, des transformations motiviques, des consonances. . . ) et sur l'élaboration de concepts et de paradoxes de l'écriture et de la perceptionTwo categories can be distinguished for the notion of musical complexity : the grammatological complexities, which mean the complexity of the thought of a writting, and the apperceptive complexities, designating cognitive difficulties of perception. Their mechanisms are distinct : two procedures with identical grammatological complexity can result in dissimilar apperceptive complexities, and inversely. However, the musical writting also carries a way of thinking the music. Hence, studying the musical grammatological complexity requires a study of our analytical perception of the music. Conversely, the perception of the music is a mental writting, and studying the apperceptive complexity requires a study of the analytical complexity of the algorithm reprocessed by the listener. This research uses concrete musical applications (concerning rythms, motivic transformations, consonance, etc. ), and the elaboration of theoretical concepts and paradoxes on writting and perception
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Robert, Martial. "Communication et musique en France entre 1936 et 1986." Aix-Marseille 1, 1996. http://www.theses.fr/1997AIX10006.
Full textAbstract:
La musique, moyen de communication, dissequee et transformee par les outils d'une technique de communication : tourne-disques puis magnetophones de la radiodiffusion. Ce, grace -ou a cause- d'un homme : pierre schaeffer, qui fut a lui seul, pendant cinquante ans, la reflexion voire l'histoire des deux disciplines. Connu comme compositeur et inventeur de la musique concrete, un examen prealable des dictionnaires confirme l'etiquette en evoquant, pour la plupart timidement, quelques autres poles. Cheminant de ses premieres experiences de poesie radiophonique au glissement vers le terrain musical et compositionnel, il s'agit de tenter de cerner les forces qui poussent cet homme vers l'art, le troublent ou l'irritent : le faire avant le penser. Car, en fait, sa voie de polytechnicien au service de la radiodiffusion nationale a ete administrativement tracee ailleurs, a travers les continents meme, par volonte, par hasard. Le fonctionnaire et ses organismes crees non sans mal, en marge et en lutte perpetuelle avec les administrations bornees, sont en tout cas certainement toujours revelateurs du personnage : aussi, description des structures. La charniere ne peut etre que son ouvrage theorique celebre, source des malentendus : le traite des objets musicaux mais qui n'est pas une fin. Analyse des pretentions des centres de recherche et musiciens francais s'en reclamant par leurs activites. Qui serait en fait dans la lignee ? de quoi proner une ethique de la formation et du caractere scientifique : le penser redressant le faire. Deceler sa source dans les marques de l'enfance et des rencontres ; apprecier ensuite son fruit dans la trempe litteraire sous-jacente et au fond, premiere.
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Allain, Aurélie. "Musique et ritualité funéraire au XXe siècle." Rouen, 2004. http://www.theses.fr/2004ROUEL481.
Full textAbstract:
Genèse et fondement de tout l'art funéraire, le rite s'annonce dans la musique du XXe siècle comme l'expression infinie d'une solitude de l'âme. Entendue comme dissolution de l'être, la mort invite au recueillement et témoigne d'un repli hors de la réalité. Par conséquent, une étude des liens existant entre le rituel funéraire et la musique sera fondée sur les données catégorielles d'une esthétique de la mort. Réparties en deux catégories (immanentes et transcendantes), celles-ci soulignent l'intime liaison du rituel funéraire et de la musique au XXe siècle. Ensemble formel dont l'origine est la mort réelle d'un être, le rite funéraire articule le champ de la signifiance musicale. De quelle manière le rite et la musique s'interpénètrent-ils ? Quelles sont leurs différentes façons de s'unir ? Comment la structure rituelle peut-elle correspondre à la structure musicale ? Est-il possible de distinguer des invariants ? Autant de questions qui jalonnent notre proposGenesis and fundament of the funeral art, the rite appears in the twentieth century as the infinite expression of a loneliness of heart. Understood as the dissolving of being, death invite to meditation and indicates an innermost recess out of the real world. Therefore, a study of the links between the funeral ritual and music will be based on the categories of aesthetics of death. These ones (immanent and transcendental) emphasize the intimate links between the funeral ritual and the music of the twentieth century. Formal body built for the real death of a person, the funeral rite structures the field of the signication of music. How the rite and music do interpenetrate? What are there different ways to unit? How the ritual structure may correspond to the musical structure? Is it possible to distinguish invariants? Some questions punctuating our intention
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Hakima, Fakher. "Les aérophones dans la musique populaire égyptienne : tradition et évolution." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040237.
Full textAbstract:
Ce travail expose les principales mutations de la musique populaire égyptienne depuis le début du XXème siècle. Dans cette recherche, nos interrogations ont été essentiellement axées sur les modes d'utilisation des instruments à vent dans les traditions musicales populaires, rurales et citadines. Le transfert des genres musicaux ruraux vers la ville du Caire a engendré d'importantes mutations. Pour montrer ces changements, nous avons tenté d'étudier deux groupes d'instruments à vent : Les instruments authentiques (al-‘arghûl, al-mizmâr et al-kawalah) issus de la musique populaire rurale et les instruments occidentaux (accordéon et saxophone) qui font usage dans la musique populaire citadine du Caire. Par ailleurs, ce travail propose un aperçu de la musique militaire arabe en général et égyptienne en particulier et ce pour mettre en évidence la vulgarisation de ce genre musical qui fut à l'origine de l'apparition d'une nouvelle musique populaire citadine dite firqat hassab allah ( les fanfares populaires). Cette recherche a essayé de montrer la contribution de l'organologie et de la technique du jeu instrumental à l'évolution de la musique populaire égyptienneThis work reveals the principal mutations of the Egyptian popular music, right from the start of the twentieth century. Our essential interrogations will focus on the use of the woodwind instruments in both: the popular rural and urban music and around their role in the evolution of the style of interpretation. The transfer of the rural music of the Egyptian countryside towards the urban environment of the city of Cairo brought about important mutations. In order to expose those mutations we have studied peculiarly two mains groups of woodwind instruments: the authentic instruments (al-‘arghûl, al-mizmâr et al-kawalah) which interpret popular rural music and the occidental woodwind instruments (the accordion and the saxophone) which themselves interpret the popular urban music of Cairo. The research displays also a study of the Arabic military music. The vulgarization of this musical genre had been the consequence of the apparition of a new popular musical genre: popular brass-band hassab allh. The following research paper deals with the contribution of organology, as well as the instrumental technique, on the evolution of the Egyptian popular music
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Monnier, Gérard. "Architecture et culture en France de 1918 à1950." Paris 1, 1986. http://www.theses.fr/1986PA010564.
Full textAbstract:
La thèse se propose de dégager les contenus culturels qui fondent la modernité de la production architecturale française de 1918 a 1950. L'enquête porte sur la culture des partenaires, maîtres d'ouvrage et maîtres d'oeuvre, et sur la dimension culturelle des procédures et des pratiques qui ont pour objet l'architecture, comme la représentation des projets, la forme de l'édition. L'hypothèse de départ est que la modernité de l'architecture ne se réduit pas à l'emploi de nouvelles techniques constructives et à la mise au point de nouvelles formes, mais qu'elle est le résultat d'une convergence de ces données avec des critères culturels. L'inventaire porte sur les domaines de la culture artistique, de la culture du machinisme, des pratiques modernes de l'information. Il montre l'irruption dans l'architecture, sur un fond de crise des valeurs du luxe traditionnel, des critères d'efficacité du machinisme, des valeurs liées aux loisirs, et des exigences du confort obtenu par des réseaux de fluide et d'énergie. Le décor cède la place à l'équipement, l'ornement au message textuel. Ces valeurs deviennent des enjeux pour des groupes de professionnels, comme une nouvelle génération de décorateurs, regroupés dans l'u. A. M. Dans une dernière partie, l'analyse porte sur les modalités historiques de la période ; la crise economique, la guerre puis la reconstruction conduisent à des conflits où la culture du machinisme subit une éclipse provisoire, au profit de la "culture d'atelier" des architectes. Dans les années cinquante, dans les conditions d'une production de masse de l'habitation, la "synthèse des arts" et surtout un "art domestique moderne" viennent au premier plan.
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Decarsin, François. "La recherche du nouveau en musique au XXe siècle." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010565.
Full textAbstract:
En quoi consiste la modernité en art? Est-elle inéluctablement vouée à la création de nouveauté ou peut-elle répéter le passé dans un geste d'appropriation? Elle se définit tout d'abord par les différentes perspectives historiques dans lesquelles s'inscrit l'œuvre selon qu'elle reflète l'idée de progrès continu ou qu'elle témoigne au contraire de son indifférence à tout principe d'évolution cumulative. La détermination de la dimension collective dans la création permet ensuite de situer celle-ci dans un réseau de forces antagonistes : celles du conditionnement historique, de l'air du temps, de l'éventuelle présence de structures invariantes face à l'irréductible originalité créatrice. La synthèse de ces recherches s'est opérée à partir d'analyses plus directement liées à la spécificité esthétique de ce siècle : remise en cause de l'écriture tonale, mutation de la conception thématique, rôle de l'évolution technologique, accentuation de la pluralité des expériences, revalorisation de la composante temporelle et de ses techniques d'articulation, relation entre théorie et composition. Des références aux périodes antérieures permettent par ailleurs d'éclairer certaines convergences ponctuellesWhat does modernity in art consist of? Is it obliged to involve the creation of something new or can it be a repetition of the past, but in a re-appropriated form? It can be defined, firstly, in term of the different historical perspectives in relation to which a work is situated, depending on whether it reflects the idea of continuous progress or, on the contrary, demonstrates indifference towards the whole principe of cumulative evolution. By determining the collective dimension in creation, it is in turn possible to situate the latter within a network of antagonistic forces : those of historical conditioning, of the fashions of the day, of the possible presence of invariant structures confronting the individual. The synthesis presented in this research is the result of analyses particularly related to the aesthetic specificity of the present century : the mutations in tonal writing and thematic conception, the role of technological evolution, the emphasis placed on the diversity of experience, the manipulative techniques relating to duration, the relationship between theory and composition. Furthermore, references to the past make it possible to shed light on certain particular points of convergence
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Roblin, Catherine. "La littérature pour violoncelle seul au XXème siècle : entre tradition et modernité." Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/roblin_c.
Full textAbstract:
Ce travail cherche à montrer, d'une part, quel a été l'impact de la "redécouverte" des "Six suites pour violoncelle seul" de Bach au début du XXème siècle sur l'essor de la composition d'oeuvres destinées à ce medium, et d'autre part, en quoi celui-ci a pu correspondre à certaines aspirations propres aux créateurs de notre temps et se faire le reflet des différents courants et tendances esthétiques de ce siècle. La référence à l'oeuvre de Bach s'exprime très clairement à travers le "corpus" considérable de Suites (environ 180) mais transparaît aussi implicitement dans le souci d'inscrire ce type de composition dans un genre issu d'une longue tradition tel que la Sonate (plus de 280). Les techniques d'écriture employées par Bach pour donner une dimension polyphonique à cet instrument ont aussi inspiré les compositeurs de notre siècle, qui ont su par ailleurs leur donner de nouveaux prolongements (polyphonie de timbres, polyphonie gestuelle, utilisation de dispositifs électro-acoustiques). Et, même si le violoncelle est encore bien souvent traité comme un instrument lyrique, conformément à la tradition des siècles passés, il offre, par l'élargissement de ses modes de jeu, une très riche palette de timbres qui répond tout à fait aux exigences des compositeurs du XXème siècle et donne à ce medium instrumental un intérêt renouvelé. Les violoncellistes ont eux-même largement contribué au développement de ce répertoire, stimulant les compositeurs par leur personnalité, leur maîtrise instrumentale, voir même par la mise au point de nouvelles techniques, destinées en particulier à élargir les possibilités de jeu polyphonique sur l'instrument solo (jeu avec deux archets simultanés ou archet courbe).
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Korzilius, Pierre. "Soutien public et programmation de musique contemporaine en France, en Allemagne, au Royaume-Uni et aux Etats-Unis." Paris, EHESS, 2001. http://www.theses.fr/2001EHES0100.
Full textBooks on the topic "Musique et architecture – 20e siècle"
1
Jean-Marc, Chouvel, ed. La musique et l'axiome: Création musicale et néo-positivisme au 20e siècle. [Sampzon]: Delatour France Editions, 2014.
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2
Desbiens, Patrice. Patrice Desbiens et les Moyens du bord (enregistrement sonore). Montréal: DAME, 1999.
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3
Strickland, Edward. American composers: Dialogues on contemporary music. Bloomington: Indiana University Press, 1991.
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4
Instruments de musique anciens à Bruxelles et en Wallonie: [17e-20e siècle]. Bruxelles: P. Mardaga, 1986.
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