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Dissertations / Theses on the topic 'Musique et architecture – 20e siècle'
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Bridoux-Michel, Séverine-Alice. "Architecture et musique : croisements de pensées après 1950 : la collaboration de l'architecte et du musicien, de la conception à l'œuvre." Lille 3, 2006. http://www.theses.fr/2006LIL30020.
Full textAbstract:
Après 1950, le monde artistique occidental est le théâtre de profondes mutations. Par rejet de la tradition académique ou par attirance pour le phénomène de modernité, les artistes et créateurs rendent alors plus perméables les frontières des différentes disciplines, multipliant les expériences poly-artistiques. L'étude des nouvelles problématiques issues de l'interdisciplinarité constitue notre première approche de ce phénomène. A partir de cette approche, nous présentons de multiples manifestations de la relation architecture-musique et tentons de cerner à travers celles-ci une typologie des formes de relation. Trois monuments font ensuite l'objet d'analyses plus poussées : 1/le Pavillon Philips de l'Exposition internationale de Bruxelles 1958 pour lequel architectes et musiciens (Le Corbusier, E. Varèse et I. Xenakis) collaborent à un projet dans lequel l'idée de diathèse semble émaner de la confrontation de créations indépendantes ; 2/ dans le deuxième objet d'étude, c'est la réflexion menée par K. Stockhausen sur la notion de "musique dans l'espace" qui prime et débouchera sur la réalisation de l'Auditorium sphérique du pavillon allemand de l'Exposition universelle d'Osaka 1970, en collaboration avec l'architecte F. Bornemann ; 3/ le travail de conception réalisé pour Prometeo de L. Nono et pour sa structure spatiale associée, œuvre de R. Piano, concrétise une troisième grande collaboration. Ces trois exemples partagent une même volonté de renouveler l'espace de représentation scénique traditionnel. En étudiant de tels projets, nous tentons de montrer comment la rencontre de l'architecte et du musicien peut ainsi témoigner d'une nouvelle conception du mondeAfter 1950, the western artistic world is becoming the scene of profound mutations. By rejecting academic traditions or by attracting the phenomena of modernisation, artists and creators allow the frontiers of the different disciplines to become more permeable, thus multiplying poly-artistic experiences. Studying the new problems resulting from inter-disciplines constitutes our first approach to this phenomena. From this approach, we present multiple manifestations of the architectural musical relationship and we try to work out, through this, a typology of the forms of relation. Three "monuments" distinguish themselves and later become the object of more in-depth analysis : the first, "The Philips Pavilion" at the Brussels International Exhibition 1958, for which architects and musicians together, Le Corbusier, E. Varèse and I. Xenakis, collaborate in a project, whereby the idea of "diathesis" seems to emanate from the confrontation of independent creation. From our second subject, it is the reflexion led by K. Stockhausen on the notion of "music in space" which dominates. This results in the realisation of the "Spherical Auditorium" at the German Pavilion of the Universal Exhibition in Osaka in 1970, in collaboration with the architect F. Bornemann. Finally, conception and work carried out for Prometeo by L. Nono and for its associated spatial structure, work of R. Piano, solidifies a third major collaboration. These three examples share a similar purpose in renewing the space of traditional scenic representation. By studying such projects we are trying to show how the encounter between the architect and the musician can in this way witness a new conception of the world
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Boudin-Lestienne, Stéphane. "Paul Tissier (1886-1926) : les rôles de l'architecte." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010595.
Full textAbstract:
Dplg des Beaux-Arts de Paris, Paul Tissier cultive de nombreuses relations parmi les artistes, les architectes (les frères Carlu) et les musiciens (Gabriel Fauré) de son temps. Réputé dans le domaine de l'aquarelle il fonde l'orchestre symphonique des Beaux-Arts, «Le Violon d'Ingres ». Investi dans la reconstruction de la Meuse et le mouvement régionaliste, Tissier prône, sous une forme traditionnelle, le progrès dans la conception et la construction et entame une réflexion originale sur la typologie et la modularité de l'habitat. Pour la Côte d'Azur, dès 1921, il propose sur catalogue des villas modernes inspirées de l'architecture provençale. Entre 1924 et 1926, Tissier transpose son expérience d'artiste et sa réflexion d'architecte dans la conception de grandes fêtes mondaines. Exigeantes et créatives, proposant des attractions de qualité, les « Fêtes d'Art» transforment intégralement les lieux dans lesquels elles se déroulent par des architectures éphémères ornées de fastueuse toiles peintes. Malgré la célébrité due à cette entreprise, Tissier disparaît trop tôt pour passer à la postérité. La découverte d'un considérable fonds d'archives (400 éléments de décors, un millier de documents) a permis de mesurer la cohérence de ce travail. Loin d'être en contradiction avec sa formation centrale, son parcours atypique prolonge autant qu'il renforce sa nature d'architecte. De même, selon qu'il agisse pour un client ou qu'i1 défende des conceptions personnelles, qu'i1 se présente en tant qu'expert ou urbaniste, Tissier joue des « rôles» variés qui interrogent la pratique de l'architecture.
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Lévy, Fabien. "Complexité grammatologique et complexité aperceptive en musique : étude esthétique et scientifique du décalage entre la pensée de l'écriture et la perception cognitive des processus musicaux sous l'angle des théories de l'information et de la complexité." Paris, EHESS, 2004. http://www.theses.fr/2004EHES0123.
Full textAbstract:
La complexité musicale regroupe deux catégories : les complexités grammatologiques en tant que complexité de la pensée d'une écriture, et les complexités aperceptives en tant que difficultés cognitives de perception. Leurs mécanismes sont distincts : deux procédures de même complexité grammatologique peuvent produire deux résultats sonores de complexités aperceptives dissemblables et inversement. Cependant, l'écriture musicale est aussi une façon de penser la musique. Etudier la complexité grammatologique nécessite donc d'étudier la perception analytique de la musique. Inversment, la perception d'une oeuvre est une écriture mentale. Etudier la complexité aperceptive erquiert d'étudier la complexité analytique de l'algorithme réengendré par l'auditeur. Cette recherche s'appuie sur des applications musicales ( sur l'écriture et la perception des rythmes, des transformations motiviques, des consonances. . . ) et sur l'élaboration de concepts et de paradoxes de l'écriture et de la perceptionTwo categories can be distinguished for the notion of musical complexity : the grammatological complexities, which mean the complexity of the thought of a writting, and the apperceptive complexities, designating cognitive difficulties of perception. Their mechanisms are distinct : two procedures with identical grammatological complexity can result in dissimilar apperceptive complexities, and inversely. However, the musical writting also carries a way of thinking the music. Hence, studying the musical grammatological complexity requires a study of our analytical perception of the music. Conversely, the perception of the music is a mental writting, and studying the apperceptive complexity requires a study of the analytical complexity of the algorithm reprocessed by the listener. This research uses concrete musical applications (concerning rythms, motivic transformations, consonance, etc. ), and the elaboration of theoretical concepts and paradoxes on writting and perception
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Robert, Martial. "Communication et musique en France entre 1936 et 1986." Aix-Marseille 1, 1996. http://www.theses.fr/1997AIX10006.
Full textAbstract:
La musique, moyen de communication, dissequee et transformee par les outils d'une technique de communication : tourne-disques puis magnetophones de la radiodiffusion. Ce, grace -ou a cause- d'un homme : pierre schaeffer, qui fut a lui seul, pendant cinquante ans, la reflexion voire l'histoire des deux disciplines. Connu comme compositeur et inventeur de la musique concrete, un examen prealable des dictionnaires confirme l'etiquette en evoquant, pour la plupart timidement, quelques autres poles. Cheminant de ses premieres experiences de poesie radiophonique au glissement vers le terrain musical et compositionnel, il s'agit de tenter de cerner les forces qui poussent cet homme vers l'art, le troublent ou l'irritent : le faire avant le penser. Car, en fait, sa voie de polytechnicien au service de la radiodiffusion nationale a ete administrativement tracee ailleurs, a travers les continents meme, par volonte, par hasard. Le fonctionnaire et ses organismes crees non sans mal, en marge et en lutte perpetuelle avec les administrations bornees, sont en tout cas certainement toujours revelateurs du personnage : aussi, description des structures. La charniere ne peut etre que son ouvrage theorique celebre, source des malentendus : le traite des objets musicaux mais qui n'est pas une fin. Analyse des pretentions des centres de recherche et musiciens francais s'en reclamant par leurs activites. Qui serait en fait dans la lignee ? de quoi proner une ethique de la formation et du caractere scientifique : le penser redressant le faire. Deceler sa source dans les marques de l'enfance et des rencontres ; apprecier ensuite son fruit dans la trempe litteraire sous-jacente et au fond, premiere.
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Allain, Aurélie. "Musique et ritualité funéraire au XXe siècle." Rouen, 2004. http://www.theses.fr/2004ROUEL481.
Full textAbstract:
Genèse et fondement de tout l'art funéraire, le rite s'annonce dans la musique du XXe siècle comme l'expression infinie d'une solitude de l'âme. Entendue comme dissolution de l'être, la mort invite au recueillement et témoigne d'un repli hors de la réalité. Par conséquent, une étude des liens existant entre le rituel funéraire et la musique sera fondée sur les données catégorielles d'une esthétique de la mort. Réparties en deux catégories (immanentes et transcendantes), celles-ci soulignent l'intime liaison du rituel funéraire et de la musique au XXe siècle. Ensemble formel dont l'origine est la mort réelle d'un être, le rite funéraire articule le champ de la signifiance musicale. De quelle manière le rite et la musique s'interpénètrent-ils ? Quelles sont leurs différentes façons de s'unir ? Comment la structure rituelle peut-elle correspondre à la structure musicale ? Est-il possible de distinguer des invariants ? Autant de questions qui jalonnent notre proposGenesis and fundament of the funeral art, the rite appears in the twentieth century as the infinite expression of a loneliness of heart. Understood as the dissolving of being, death invite to meditation and indicates an innermost recess out of the real world. Therefore, a study of the links between the funeral ritual and music will be based on the categories of aesthetics of death. These ones (immanent and transcendental) emphasize the intimate links between the funeral ritual and the music of the twentieth century. Formal body built for the real death of a person, the funeral rite structures the field of the signication of music. How the rite and music do interpenetrate? What are there different ways to unit? How the ritual structure may correspond to the musical structure? Is it possible to distinguish invariants? Some questions punctuating our intention
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Hakima, Fakher. "Les aérophones dans la musique populaire égyptienne : tradition et évolution." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040237.
Full textAbstract:
Ce travail expose les principales mutations de la musique populaire égyptienne depuis le début du XXème siècle. Dans cette recherche, nos interrogations ont été essentiellement axées sur les modes d'utilisation des instruments à vent dans les traditions musicales populaires, rurales et citadines. Le transfert des genres musicaux ruraux vers la ville du Caire a engendré d'importantes mutations. Pour montrer ces changements, nous avons tenté d'étudier deux groupes d'instruments à vent : Les instruments authentiques (al-‘arghûl, al-mizmâr et al-kawalah) issus de la musique populaire rurale et les instruments occidentaux (accordéon et saxophone) qui font usage dans la musique populaire citadine du Caire. Par ailleurs, ce travail propose un aperçu de la musique militaire arabe en général et égyptienne en particulier et ce pour mettre en évidence la vulgarisation de ce genre musical qui fut à l'origine de l'apparition d'une nouvelle musique populaire citadine dite firqat hassab allah ( les fanfares populaires). Cette recherche a essayé de montrer la contribution de l'organologie et de la technique du jeu instrumental à l'évolution de la musique populaire égyptienneThis work reveals the principal mutations of the Egyptian popular music, right from the start of the twentieth century. Our essential interrogations will focus on the use of the woodwind instruments in both: the popular rural and urban music and around their role in the evolution of the style of interpretation. The transfer of the rural music of the Egyptian countryside towards the urban environment of the city of Cairo brought about important mutations. In order to expose those mutations we have studied peculiarly two mains groups of woodwind instruments: the authentic instruments (al-‘arghûl, al-mizmâr et al-kawalah) which interpret popular rural music and the occidental woodwind instruments (the accordion and the saxophone) which themselves interpret the popular urban music of Cairo. The research displays also a study of the Arabic military music. The vulgarization of this musical genre had been the consequence of the apparition of a new popular musical genre: popular brass-band hassab allh. The following research paper deals with the contribution of organology, as well as the instrumental technique, on the evolution of the Egyptian popular music
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Monnier, Gérard. "Architecture et culture en France de 1918 à1950." Paris 1, 1986. http://www.theses.fr/1986PA010564.
Full textAbstract:
La thèse se propose de dégager les contenus culturels qui fondent la modernité de la production architecturale française de 1918 a 1950. L'enquête porte sur la culture des partenaires, maîtres d'ouvrage et maîtres d'oeuvre, et sur la dimension culturelle des procédures et des pratiques qui ont pour objet l'architecture, comme la représentation des projets, la forme de l'édition. L'hypothèse de départ est que la modernité de l'architecture ne se réduit pas à l'emploi de nouvelles techniques constructives et à la mise au point de nouvelles formes, mais qu'elle est le résultat d'une convergence de ces données avec des critères culturels. L'inventaire porte sur les domaines de la culture artistique, de la culture du machinisme, des pratiques modernes de l'information. Il montre l'irruption dans l'architecture, sur un fond de crise des valeurs du luxe traditionnel, des critères d'efficacité du machinisme, des valeurs liées aux loisirs, et des exigences du confort obtenu par des réseaux de fluide et d'énergie. Le décor cède la place à l'équipement, l'ornement au message textuel. Ces valeurs deviennent des enjeux pour des groupes de professionnels, comme une nouvelle génération de décorateurs, regroupés dans l'u. A. M. Dans une dernière partie, l'analyse porte sur les modalités historiques de la période ; la crise economique, la guerre puis la reconstruction conduisent à des conflits où la culture du machinisme subit une éclipse provisoire, au profit de la "culture d'atelier" des architectes. Dans les années cinquante, dans les conditions d'une production de masse de l'habitation, la "synthèse des arts" et surtout un "art domestique moderne" viennent au premier plan.
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Decarsin, François. "La recherche du nouveau en musique au XXe siècle." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010565.
Full textAbstract:
En quoi consiste la modernité en art? Est-elle inéluctablement vouée à la création de nouveauté ou peut-elle répéter le passé dans un geste d'appropriation? Elle se définit tout d'abord par les différentes perspectives historiques dans lesquelles s'inscrit l'œuvre selon qu'elle reflète l'idée de progrès continu ou qu'elle témoigne au contraire de son indifférence à tout principe d'évolution cumulative. La détermination de la dimension collective dans la création permet ensuite de situer celle-ci dans un réseau de forces antagonistes : celles du conditionnement historique, de l'air du temps, de l'éventuelle présence de structures invariantes face à l'irréductible originalité créatrice. La synthèse de ces recherches s'est opérée à partir d'analyses plus directement liées à la spécificité esthétique de ce siècle : remise en cause de l'écriture tonale, mutation de la conception thématique, rôle de l'évolution technologique, accentuation de la pluralité des expériences, revalorisation de la composante temporelle et de ses techniques d'articulation, relation entre théorie et composition. Des références aux périodes antérieures permettent par ailleurs d'éclairer certaines convergences ponctuellesWhat does modernity in art consist of? Is it obliged to involve the creation of something new or can it be a repetition of the past, but in a re-appropriated form? It can be defined, firstly, in term of the different historical perspectives in relation to which a work is situated, depending on whether it reflects the idea of continuous progress or, on the contrary, demonstrates indifference towards the whole principe of cumulative evolution. By determining the collective dimension in creation, it is in turn possible to situate the latter within a network of antagonistic forces : those of historical conditioning, of the fashions of the day, of the possible presence of invariant structures confronting the individual. The synthesis presented in this research is the result of analyses particularly related to the aesthetic specificity of the present century : the mutations in tonal writing and thematic conception, the role of technological evolution, the emphasis placed on the diversity of experience, the manipulative techniques relating to duration, the relationship between theory and composition. Furthermore, references to the past make it possible to shed light on certain particular points of convergence
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Roblin, Catherine. "La littérature pour violoncelle seul au XXème siècle : entre tradition et modernité." Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/roblin_c.
Full textAbstract:
Ce travail cherche à montrer, d'une part, quel a été l'impact de la "redécouverte" des "Six suites pour violoncelle seul" de Bach au début du XXème siècle sur l'essor de la composition d'oeuvres destinées à ce medium, et d'autre part, en quoi celui-ci a pu correspondre à certaines aspirations propres aux créateurs de notre temps et se faire le reflet des différents courants et tendances esthétiques de ce siècle. La référence à l'oeuvre de Bach s'exprime très clairement à travers le "corpus" considérable de Suites (environ 180) mais transparaît aussi implicitement dans le souci d'inscrire ce type de composition dans un genre issu d'une longue tradition tel que la Sonate (plus de 280). Les techniques d'écriture employées par Bach pour donner une dimension polyphonique à cet instrument ont aussi inspiré les compositeurs de notre siècle, qui ont su par ailleurs leur donner de nouveaux prolongements (polyphonie de timbres, polyphonie gestuelle, utilisation de dispositifs électro-acoustiques). Et, même si le violoncelle est encore bien souvent traité comme un instrument lyrique, conformément à la tradition des siècles passés, il offre, par l'élargissement de ses modes de jeu, une très riche palette de timbres qui répond tout à fait aux exigences des compositeurs du XXème siècle et donne à ce medium instrumental un intérêt renouvelé. Les violoncellistes ont eux-même largement contribué au développement de ce répertoire, stimulant les compositeurs par leur personnalité, leur maîtrise instrumentale, voir même par la mise au point de nouvelles techniques, destinées en particulier à élargir les possibilités de jeu polyphonique sur l'instrument solo (jeu avec deux archets simultanés ou archet courbe).
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Korzilius, Pierre. "Soutien public et programmation de musique contemporaine en France, en Allemagne, au Royaume-Uni et aux Etats-Unis." Paris, EHESS, 2001. http://www.theses.fr/2001EHES0100.
Full text
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Andreatta, Moreno. "Méthodes algébriques en musique et musicologie du XXe siècle : aspects théoriques, analytiques et compositionnels." Paris, EHESS, 2003. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00004074.
Full textAbstract:
L'application de méthodes algébriques en musique représente une démarche récente dans la recherche musicale. Une réflexion historique sur l'émergence du concept de structure algébrique en musique met en évidence la place centrale occupée par trois compositeurs/théoriciens du XXe siècle : Milton Babbitt, Iannis Xenakis et Anatol Vieru. A partir de leurs propositions théoriques, cette étude développe une réflexion approfondie sur la notion de théorie musicale dans ses applications aussi bien analytiques que compositionnelles. Elle offre également une formalisation algébrique de la Set Theory et de ses développements transformationnels tout en discutant les rapports entre la tradition analytique américaine et la démarche théorique formelle en Europe. Les concepts abordés permettent de définir la place d'une démarche computationnelle en musicologie et ouvrent des questions philosophiques sur le rapport entre mathématiques et musiqueThe application of algebraic mtehods to music is a relatively new approach in musical research. We analyse the problem of the emergence of algebraic structures in music by looking at three main figures of twentieth-century theorists/composers : Milton Babbit, Iannis Xenakis and Anatol Vieru. Some of their music-theoretic contructions are the starting point for a discussion on the notion of music theory in some analytical as well ax compositional applications. This work discusses an algebraic formalisation of Set Theory and its transformational developments from a perspective which includes an analysis of the relationships between American tradition and a formalised European approach. The concepts elaborated in this work lead to a definition of the place of a computational approach in musicology and open several philosophical questions on the relationships between mathematics and music
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Li, Zheng. "Évolution de l'esthétique musicale chinoise après les rencontres entre les musiques chnoise et occidentale (fin du XIXe siècle à nos jours)." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010646.
Full textAbstract:
Depuis plus d'un siècle, la Chine s'efforce d'assimiler les avancées occidentales dans tous les domaines intellectuels. Apres les diffusions de la musique occidentale dans ce pays, les musiciens chinois ne cessent pas de chercher la fusion des cultures chinoise et occidentale. Cette recherche a pour objet d'analyser le développement de cette fusion et d'en trouver les raisons internes et externes. Sur quel terrain la musique occidentale a été introduite en Chine? Comment les rencontres entre les musiques chinoise et occidentale ont-elles engendré des bouleversements dans le domaine de l'esthétique musicale chinoise ? Face au conflit entre les cultures chinoise et occidentale, entre la tradition et la modernité, l'évolution de l'esthétique, comme un miroir, traduit davantage le changement délicat de la psychologie sociale. Cette recherche est au coeur d'interrogations variées renvoyant aussi bien à l'histoire récente de la Chine et de ses rapports avec l'Occident qu'aux phénomènes de globalisation culturelle.
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Ayari, Mondher. "Esquisse d'écoute et de pensée musicales arabes : essai de psychologie cognitive de l'audition." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081705.
Full text
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Arfouilloux, Sébastien. "La musique, entre pratiques et théorie littéraire, de Dada au surréalisme." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040061.
Full textAbstract:
Cette étude met à l’épreuve des faits les déclarations théoriques de Dada et du surréalisme sur la musique en proposant de les relire dans leur contexte historique et culturel. Il s’agit de voir en quoi la musique a un rôle à jouer dans le surréalisme, compte tenu des textes qui annoncent un refus, et de mesurer l’écart entre la théorie annoncée et les réalisations menées à bien. Prenant comme point de départ les spectacles et les théories musicales de l’avant-garde de l’époque dada, qui portent en germe ce que sera le surréalisme, elle examine ensuite l’ensemble des déclarations d’André Breton sur la musique. Elle met enfin en doute l’idée qu’il n’y a pas eu de surréalisme musical. Loin du postromantisme, à l’écart du retour au classicisme de la France au début du vingtième siècle, de nouvelles musiques s’élaborent. Certaines nouvelles tendances musicales sauront retenir l’attention des poètes surréalistes et constituer une inspiration. D’autres seront impulsées par des compositeurs ayant partie liée avec le mouvement surréalisteThis study puts to the test facts the theoretical declarations of Dada and surrealism about music, proposing to read them again in their historical and cultural context. It is about to know in what music has a role to play into surrealism, taking into account the texts that announce a refusal, and to measure the difference between the announced theory and the achievements concluded. Taking as starting point the spectacles and the musical theories of the avant-garde of the time of Dada, which carry in germ what will be surrealism, it examines then the whole of the declarations of Andre Breton on the music. It finally questions the idea that there was no musical surrealism. Far from the postromantism, well off the return to the classicism of France at the beginning of the twentieth century, new musics are worked out. Certain news musical tendencies will be able to hold the attention of the surrealist poets and to constitute an inspiration. Others will be impelled by composers having dependent part with the surrealist movement
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Simon, Agathe. "Le plaisir dans la littérature et la musique françaises au XXe siècle." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040205.
Full textAbstract:
La nature paradoxale du Plaisir relève d'une part de l'immanence et de la contingence (sensations et conscience de l'être humain) et d'autre part de la transcendance — transcendance érotique, mais également intellectuelle, esthétique, mémorielle, mystique ou hallucinatoire. Le Plaisir est ainsi illimité (il transcende l'espace et le temps) et indéterminé (il transcende le sens). Mais comment se résout le paradoxe entre le Plaisir — lequel transcende simultanément l'espace, le temps, le sens —, et les arts — lesquels relèvent simultanément de l'espace, du temps et du sens ? Autrement dit, comment s'exprime au XXème siècle le Plaisir en littérature et en musique ? Or l'analyse croisée de ces deux arts laisse apparaître que la faille ontologique en laquelle consiste le Plaisir devient l'occasion de questionnements et de bouleversements expressifs au sein de l'œuvre, par lesquels les créateurs tentent de relever ce défiThe paradoxical nature of Pleasure is part of immanence and contingency (the sensations and consciousness of human beings) on the one hand, and of transcendence on the other, whether it be erotic or intellectual, aesthetic, memorial, mystic or hallucinatory. Pleasure is therefore boundless, transcending both time and space, and undetermined, as it also transcends meaning. But how can one solve the paradox of pleasure — which transcends space, time, and meaning simultaneously — and the arts which are simultaneously grounded in space, time and meaning? In other words, how is Pleasure expressed in literature and music in the 20th century? Cross-analysis of the two art forms shows that the ontological gap that is inherent in pleasure can be the occasion for both expressive questioning and disruption in the work concerned, and that such questioning and disruption are the very means by which creators try to take up the challenge
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Carayol, Cécile. "Un langage musical spécifique au cinéma : du modèle américain à l'émergence d'une nouvelle forme de symphonisme dans le cinéma français contemporain." Rennes 2, 2011. http://www.theses.fr/2011REN20002.
Full textAbstract:
L’existence d’un langage musical spécifique au cinéma est mise en perspective par l’étude de deux formes de symphonismes – la réhabilitation du modèle américain et le « symphonisme intimiste » - dans les longs métrages français contemporains depuis la fin des années 1990. L’analyse de la musique composée pour Angel et Huit femmes montre un retour à la tradition des mélodrames américains des années 1930, 1940 et 1950. A travers les dimensions – épique, lyrique et fantastique présentes dans des films comme Les rivières pourpres, Nid de guêpes, Joyeux Noël ou Jeux d’enfants, on constate aussi une assimilation des codes musicaux du néo-hollywoodisme. Par ailleurs, l’émergence d’une nouvelle forme de symphonisme observée dans des partitions comme Swimming Pool, Sous le sable, Sur mes lèvres, De battre mon cœur s’est arrêté, Confidences trop intimes ou Hell s’exprime par une orchestration symphonique qui privilégie la « transparence » des timbres, un lyrisme contenu et développe une empathie émotionnelle avec l’action tout en se détachant d’un synchronisme descriptif. L’appropriation de caractéristiques issues du minimalisme et de l’impressionnisme renforcent la concision et l’épure de ce symphonisme. Cette approche musicologique permet d’apporter un éclairage sur la manière dont la musique symphonique originale se dessine en ce début du vingt-et-unième siècle et comment, au regard de ce qui préexiste dans l’histoire de la musique du cinéma français, elle se singulariseThe existence of a specific musical language in the cinema is put in perspective by the study of two forms of symphonisms – the rehabilitation of the American model and the « intimist symphonism » in the French contemporary features films since the end of the 1990s. The analysis of the scores composed for Angel and Huit femmes shows a return to the tradition of the American melodramas of the 1930s, 1940s and 1950s. Through the dimensions – epic, lyric and fantastic – present in movies such as Les rivières pourpres, Nid de guêpes, Joyeux Noël or Jeux d’enfants, we notice an assimilation of the musical characteristics of neo-hollywoodism. Besides, the emergence of a new form of symphonism observed in scores such as Swimming Pool, Sous le sable, Sur mes lèvres, De battre mon cœur s’est arrêté, Confidences trop intimes or Hell expresses itself by a symphonic orchestration that privileges the “transparency” of the instrumental color, a restrained lyricism and develops an emotional empathy with the action of the movie by avoiding a descriptive synchronization. The appropriation of the characteristics coming from the minimalism and impressionism intensifies the concision and the working drawing of this symphonism. This musicological approach allows to clarify the way the original symphonic music is outlined in the beginning of twenty-first century and how, in the eyes of what preexist in the history of the French cinema, it distinguishes itself
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Fléchet, Anaïs. "Aux rythmes du Brésil : exotisme, transferts culturels et appropriations : la musique populaire brésilienne en France au XXe siècle." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010698.
Full textAbstract:
Longtemps ignorés des voyageurs européens, les rythmes du Brésil connaissent une diffusion inédite en France au XXe siècle. L'engouement pour les danses de société américaines est à l'origine de l'adoption de la maxixe dans les dancings parisiens à la veille de la Première Guerre mondiale. Par la suite, nombre de genres populaires acquièrent les faveurs du public: la samba, le baião, la bossa nova, la chanson engagée et le tropicalisme contribuent à enrichir le paysage sonore français et donnent lieu à de multiples transferts culturels entre les deux rives de l'Atlantique. L'exotisme musical concerne également la création savante, représentée par Darius Milhaud et Heitor Villa-Lobos, et donne naissance aux premiers travaux d'ethnographie musicale sur le Brésil en France. L'étude des appropriations de la musique populaire brésilienne par les artistes et le public français permet donc d'identifier les principaux acteurs et vecteurs des relations musicales entre le Brésil et la France et d'interroger la traditionnelle « sympathie artistique» entre les deux pays. Les transferts concernent aussi bien les pratiques - édition de partitions, enregistrements, concerts, enseignement - que la création d'une image musicale du Brésil en France. Lis mettent en jeu une rhétorique de l'altérité, dans laquelle les rythmes brésiliens dessinent une figure de l'Extrême Ailleurs, et deviennent, au gré de l'évolution du « goût des Autres », primitifs, typiques et authentiques. Au-delà du public français, ces phénomènes de modes ont un impact sur le paysage culturel brésilien, contribuant notamment à la légitimation de genres populaires et à la mise en 1 place d'une diplomatie culturelle spécifique. L'exotisme musical et les « effets retour» marquent les continuités existant au sein de l'Euro-Amérique, pensée comme un espace culturel commun. Cependant, ils indiquent également le rôle joué par les États-Unis dans la circulation des genres populaires de part et d'autre de l'Atlantique. La diffusion des rythmes brésiliens en France emprunte un itinéraire nord-américain à partir de la Seconde Guerre mondiale, définissant des transferts triangulaires et soulignant le rôle du pôle bicéphale New York/Los Angeles dans la mondialisation culturelle du XXe siècle.
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Grenesche, Céline. "La modernité artistique du XXe siècle : critique et argumentation subjective." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010515.
Full textAbstract:
La réflexion développée au cours de ce travail cherche à interroger la place de l'art dans la société moderne et/ou post-moderne marquée par son pragmatisme. Il s'agit d'identifier ses enjeux au sein d'un environnement qui a su se démarquer d'une tradition culturelle sans pour cela créer une rupture définitive, et de découvrir en quoi la modernité a su proposer des modes de création inédits dans un monde en gestation. La modernité artistique s'est trouvée à la croisée des chemins entre un temps passé qui ne parvenait pas à garder sa stabilité et l'éclosion d'un monde où les avancées technologiques ont indiqué un nouveau sens à cette société. En associant ce phénomène aux changements constitutifs à cette civilisation, nous nous permettons de la penser en terme d'évolution et non plus comme un paysage statique. Cette première distinction réalise une rupture importante de notre système de représentation dont les peintres de la Renaissance avaient déjà perçu la portée significative. La modernité serait alors ce moment où l'être humain a commencé à penser qu'il était lui-même capable et était en possession des moyens lui permettant de raisonner le monde. Devant cette éternelle question, l'art répond par l'habileté et la sensibilité - domaines où le doute et le sujet ne font qu'un. L'expérience artistique pourrait être perçue comme le lieu où la rencontre entre ce sujet et la faculté d'abstraction a lieu dans un accord non pas parfait mais où la dissonance de leur statut fait écho dans notre intérieur. Comment alors reconnaître ce statut ambigu par notre seule raison ? Leur confrontation est l'enjeu de l'esthétique qui doit être à même d'exposer la problématique de l'expérience artistique en réinjectant du sens par son réactualisation.
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Bonnet, Antoine. "Conditions et possibilités actuelles de la composition musicale." Tours, 1991. http://www.theses.fr/1991TOUR2027.
Full text
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Bertrand, Daniel. "Musique carnatique et facture instrumentale : analyse et évolution du jeu de la vīnā et de sa lutherie au XXème siècle en Inde du Sud." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040061.
Full textAbstract:
Le but de ce travail est d'étudier la relation entre les différents styles de jeu interprétés sur la vina, grand luth à manche long de la musique classique d'Inde du sud (musique carnatique), et les écoles de facture instrumentale qui leur correspondent. Apres deux chapitres généraux d'introduction à cette musique et aux conditions de son apprentissage et de sa pratique, les méthodes d'analyse musicale mises en œuvre au cours de cette thèse sont exposées, ainsi qu'un système particulier de transcription utilisant simultanément des notations solfègiques indienne et occidentale, une transcription graphique et une notation des techniques instrumentales employées. Quatre chapitres sont alors consacrés à l'analyse et à la caractérisation des quatre grandes écoles régionales de jeu, et des principaux bani-s (traditions spécifiques se transmettant de maitre à disciple) qui les composent. Les styles de vingt-trois musiciens sont pour cela examinés en prenant pour sources les témoignages bibliographiques à leur sujet, leur discographie, et souvent des enregistrements originaux d'improvisations dans le raga kalyani réalisés pour les besoins de cette étude. L'adhérence plus ou moins prononcée à une esthétique cherchant à imiter le modèle vocal, où s'en affranchissant en tirant parti des spécificités de l'instrument, est particulièrement recherchée. La seconde partie de cet ouvrage étudie avec soin la facture de la vina. Après avoir d'abord décrit sa forme la plus universelle, une analyse de toutes ses variations régionales est entreprise, ainsi qu'un examen de quelques innovations ou expériences, plus ou moins récentes, cherchant à remédier à certaines de ses faiblesses. La conclusion récapitule les principaux parallèles entre les écoles et les bani-s d'une part, et les lutheries régionales d'autre part. Un annuaire de luthiers et une importante discographie sont joints en annexeThe aim of this work is to study the relation between the various styles of playing the vina, the big long-necked lute in south Indian classical music (Carnatic music), and the schools of instrument-making corresponding to them. After two general introduction chapters to this music and to the conditions for its learning and its practice, the methods of musical analysis used in the course of this thesis are exposed, as well as a particular system of transcription simultaneously using Indian and western notations, a graphic transcription and a notation of the instrumental techniques that are used. Four chapters are then devoted to the analysis and the characterization of the four great regional schools of playing and of the bani-s (specific traditions passed on from master to disciple) that compose them. Twenty-three musicians' styles are examined, using bibliographical testimonies about them, their discography and often original recordings of improvisation in the kalyani raga realized for the needs of this study. The more or less pronounced adhesion to an aesthetics trying to imitate the vocal model, or freeing itself from it by making the most of the specificities of the instrument, is particularly looked for. The second part of this work carefully studies the making of the vina. After first describing its most universal shape, an analysis of all its regional variations is set about, as well as a study of some more or less recent innovations or experiences trying to remedy some of its weaknesses. The conclusion sums up the main parallels between the schools of playing and the bani-s on the one hand, and the regional instrument-makings on the other hand. A directory of the makers and an important discography are included in an annex
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Michel, Philippe. "Problèmes de perception formelle dans la musique occidentale du XXe siècle." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081309.
Full textAbstract:
Les oeuvres novatrices de la musique occidentale de tradition ecrite (M. O. T. E. ) Ont connu, au XXe siècle, de graves difficultés d'accueil, revelant ainsi le probleme d'identite de cette discipline artistique dans la societe occidentale moderne. Ce probleme presente un axe d'explication privilegie a travers la question de la perception formelle. En effet, on remarque que, dans les oeuvres novatrices du XXe siecle, le suivi de la forme temporelle ne se fait plus necessairement par le suivi du destin d'un niveau formel emergeant - l'axe melodico-rythmique - comme c'est le cas dans les oeuvres traditionnelles de la M. O. T. E. La hierarchie synchronique de strates diachroniquement orientees n'est meme plus "la forme a priori" (P. Boulez) de l'oeuvre d'art musicale. Entre temps, l'evolution historique de la notion d'art musical a rendu obsolete ce modele morphologique ancestral. Pourtant, le traditionalisme morphologique du panorama mediatique actuel, autant que celui des circuits d'apprentissage musical, entretiennent sa validite. Ils accusent de la sorte quotidiennement l'ecart entre le cercle restreint des compositeurs contemporains et l'ensemble des individus musicalises par simple immersion culturelleIn the XX century, innovative works in western music in the written tradition (W. M. W. T. ) have met with serious difficulties of acceptance, thus revealing the identity problem of this artistic discipline in modern western society. This problem presents a privileged explanatory axis in the question of formal perception. Indeed, it is to be noted that in xx century innovative works, the observation of the development of temporal form no longer goes by the observation of the destiny of an emerging formal level -the melodic and rhythmic axis- as is the case in W. M. W. T. . The synchronic hierarchy of diachronically oriented strata is not even the "forme a priori" (P. Boulez) of the musical work of art any longer. Meanwhile, the historical development of the notion of musical art has made this morphological ancestral model obsolete, although the morphological traditionalism of the present media panorama as well as that of musical training systems keep it valid. They thus day after day lay the emphasis on the gap between the restricted circle of contemporary composers and the crowd of individuals that cultural immersion only has made musically knowledgeable
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Tzamou, Ekaterini. "Arts plastiques et architecture en France depuis 1950 : le sculpteur Philolaos." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010567.
Full textAbstract:
Cette thèse consiste, d'abord, en une monographie sur un artiste qui a largement travaillé sur l'art monumental, pour la commande publique et privée. On présente sa biographie dans le premier chapitre et le deuxième tome comporte un catalogue raisonné de ses sculptures monumentales. Le deuxième chapitre est une présentation de ces scupltures par catégorie de matériau et par catégorie de valeur d'usage. Le troisième chaître classe ces oeuvres par catégorie de maitrise d'ouvrage. Dans le quatrième chapitre, on fait une analyse de cette oeuvre à travers les critiques qui l'ont présentée depuis les années 50 jusqu'à nos jours. Cette référence à la critique nous permet d'analyser le regard porté sur la sculpture contemporaine, plus particulièrement sur la sculpture monumentale à connotation sociale, au fil des ans et durant cette période, de sorte que l'on puisse mieux comprendre l'évolution d'une mentalité concernant ce type de création artistique. À travers la monographie, une série de facteurs importants sont éclairés, tels que : l'apport de nouveaux matériaux à la sculpture contemporaine, la nouvelle définition de la valeur d'usage de la sculpture dans les lieux publics et privés, le rôle de la maitrise d'ouvrage dans l'évolution de la sculpture monumentale contemporaine. Les institutions étatiques permettant la création de cet art. De ce point de vue, la monographie sur Philolaos sert d'exemple ou de point de départ pour l'étude de l'art monumental contemporain. Le cinquième chapitre est celui qui se différencie de la monographie, traitant globalement des arts plastiques en rapport avec l'architecture, en France, depuis 1950 jusqu'à nos jours ; ce qui fait le lien avec le titre de la thèse : un historique culturel à travers une monographie.
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Castillo, Fadic Gabriel. "Identité et altérité dans la musique américaine du XXe siècle au sud du Rio Bravo." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1998PA010511.
Full textAbstract:
Le statut complexe de l'art américain résulte du fait qu'il représente, en même temps, une projection de l'occident et le lieu de toutes ses altérites. La dualité des projets sociaux, historiques, politiques et économiques que cela implique, se manifeste par des modalités de composition instables car soumises à une double exigence. D'une part elles expriment une tendance à l'adhésion aux styles d'écriture européens que l'on restitue par des versions locales dissociées des contextes d'origine et de leur contingence historique. D'autre part elles s'avèrent incapables de gérer le contact permanent avec des systèmes musicaux qui se situent en dehors des paramètres de légitimité du récit savant. Ce double conflit met en évidence le caractère incomplet du processus de spécification esthétique au sein de la sociétéThe complex status of American art results from the fact that it represents both a projection of the occident and the scene of all its othernesses. The duality of the social, historical, political and economical plans that it implies shows itself in modalities of unstable compositions because of its submission to a double particularity. On the one hand, they express a tendency to adhere to european writing styles reproduced in local versions which are dissociated from the original contexts and their historic contigency. On the other hand, they prove to be incapable of dealing with the permanent contact with musical systems that stand outside the legitimacy parameters of the learned speech. This double conflict underscores the incomplete character of the aesthetic specification process within the society
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Rimbot, Emmanuelle. "L'articulation entre discours sur l'identité et idéologie politique dans la nouvelle chanson chilienne de l'Unité populaire à la transition démocratique." Paris 3, 2006. http://www.theses.fr/2006PA030138.
Full textAbstract:
La Nouvelle Chanson (Nueva Canción Chilena) et le Chant Nouveau (Canto Nuevo) ont constitué au Chili deux processus successifs d’engagement artistique et militant à la fois dans le champ de la culture populaire et dans celui de l’action politique. Cette thèse propose l’analyse d’un vaste corpus de chansons écrites et interprétées pendant une période mouvementée de 25 ans : de la Révolution en liberté menée par Eduardo Frei, démocrate-chrétien, président du Chili de 1964 à 1970 à la transition démocratique amorcée par les partis de la Concertation à partir du référendum de 1989, en passant premièrement, par les mille jours du gouvernement populaire et de la Voie chilienne vers le socialisme proposée par Salvador Allende, puis, deuxièmement, par les 17 années de régime militaire sous la direction du général Augusto Pinochet. L’analyse de la chanson produite et diffusée durant cette période de forts bouleversements est une mise en lumière du sens des textes en fonction de l’interaction entre le projet créateur de l’artiste et sa réception. Elle s’appuie notamment sur les entretiens réalisés auprès d’artistes et agents culturels et sur la presse de l’époque. Nous proposons une réflexion sur les spécificités de la nouvelle chanson chilienne et sur la fonction sociale de la chanson populaire à la fois comme discours sur l’identité nationale et comme constitution d’un front d’action politique collective par la culture. Palimpseste d’une mémoire vivante, ces chansons ont favorisé la cristallisation de l’opposition face au régime militaire. La chanson populaire chilienne est entrée dans la construction à la fois intuitive et consciente de la mémoire face à un appareil politique qui œuvrait précisément à sa neutralisationNueva Canción Chilena (Chilean New Song) and subsequent Canto Nuevo (songs critical of the Pinochet regime produced within Chile during the military dictatorship) constitute two successive processes of artistic and militant commitment in the fields of popular culture and political action. This dissertation examines a broad corpus of songs written and performed over a period of 25 years: from the “Revolution in Liberty” undertaken by Christian Democrat President Eduardo Frei (1964-1970) to the democratic transition ushered by the Concertation of Parties for Democracy through the 1989 referendum. The time period covered by this study thus includes the one thousand days of Salvador Allende’s popular government (1970-1973), during which the “Chilean Way to Socialism” was initiated, as well as the seventeen-year-long military regime headed by General Augusto Pinochet (1973-1989). Through an analysis of the songs written and performed during this period of upheavals, this study attempts to elucidate the meaning of texts as it is produced by the interaction of the artist’s creative project with the forms of reception of that project. This analysis is based on interviews with the artists and on press archives from the period. I propose a reflection that focuses, on one hand, on the specificities of Nueva Canción Chilena and Canto Nuevo and, on the other hand, on the social function of popular song, construed both as a discourse on national identity and as the process of formation of a collective political front of action through culture. The palimpsest of a still vital memory, these songs contributed to the crystallization of an opposition to the military regime. Chilean popular song partook in the conscious and intuitive construction of memory, against a political apparatus that strove to neutralize it
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Guillot, Matthieu. "Epiphanie de l'imperceptible." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081256.
Full textAbstract:
Parmi les multiples modes d'expression musicale du vingtieme siecle, il est une dimension sonore particulierement captivante a l'ecoute, et qui ne se laisse pas facilement apprehender. Car il s'agit en l'occurence d'un sonore enclin ou resolu a ne presque plus sonner, qui va desormais se loger dans la profondeur du champ perceptif. Mais deja, l'ecart engendre par ce "presque" manifeste et amplifie la presence du sensible, dans lequel semble fremir le soupcon d'un monde jusqu'alors in-oui et incontemple ; sensible a la faveur duquel emerge un monde si intensement tenu que la subjectivite de l'auditeur envahit d'elle-meme, comme magnetisee, l'espace laisse vacant par le son decroissant. Cette troublante poetique de l'attenuation sonore parait ainsi constituer une categorie musicale et esthetique tout a fait specifique, caracteristique d'une veritable philosophie de la musique comme philosophie du son, qui reintroduit l'impor- tance essentielle de l'ecoute dans l'attention apportee au phenomene sonore et a l'experience interieure de son retentissement. Defi enigmatique au sens auditif surtendu mais aussi a la reception vive comme a la conscience esthetique qui, tous trois, interrogent de concert patiemment et sans relache, les musiques de l'imperceptible nous mettent pratiquement en demeure d'entre-distinguer l'arriere-monde qui se tient dans leur extreme fragilite vibratoire, et qu'elles nous font "apparaitre" a force de perseverantes explorations aux confins d'un au-dela du son. Tel est le voile de cette singuliere propriete musicale, frele et murmurante, que la presente these voudrait pouvoir lever. Car, comme tout voile, celui-ci ne manque pas de susciter bien des interrogations dans l'esprit de l'auditeur, ni d'attiser son desir de comprendre ce qui, derriere, se joue de luiAmong the many modes of musical expression that the xxth century offers, there is one dimension that is particularly fascinating to listen to but whose approach is anything but easy. We mean a range of sounds that tend to be scarcely audible and are buried in the deep bosom of the perception field. But the word scarcely brings a nuance that heralds and amplifies the presence of the sensitive world within which another world, hitherto unheard -of and unexplored seems to quiver to life. Thanks to the former, there emerges a world so intently tenuous that the listener's subjectivity, as if mesmerized, pervades the space left vacant by the fading sound. Thus, this troubling poetics of subdued sounds seems to form a very specific, aesthetic and musical category, typical of a true philosophy of music seen as the philosophy of sound which reintroduces the fundamental importance of listening when one concentrates on sound as a phenomenon and on its repercussions on the personal experience of the listener. Here is a baffling challenge to the overstrained ear but also to the listener's receptive skills and aesthetics awareness as well. For the three are simultaneously, patiently and relentlesly in quest of the musics of the imperceptible which demand of the listener "to go through the looking glass" to discover the world that dwells in their ethereal vibrations, a universe which they reveal unto him after long-suffering explorations which take him on the fringe of the "after sound". The presens thesis - it is hoped - may help to lift a corner of the veil behind which is lurking the frail whisper of this peculiar musical property. For, like all veils, it is obviously an enigma for the researcher and it stirs his desire to understand what it is that - behind the dropped curtain - plays tricks upon him
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Cohen, John. "Connaître et juger l'œuvre musicale : une pensée de la communauté esthétique à l'horizon des momnets beethovénien et kantien." Lille 3, 2002. http://www.theses.fr/2002LIL30035.
Full textAbstract:
La mise en perspective de l'en-soi de l'œuvre musicale au moyen d'une relecture du modèle organique ainsi que la constitution d'une analyse empirique, à partir des écrits de Lobe et de Michaux, susceptible de produire une connaissance esthétique de l'œuvre musicale (le moment beethovénien) ouvrent la voie à un point de vue, celui du jugement esthétique et à une question, celle de l'intersubjectivité. Lorsqu'un individu juge une œuvre musicale, il fait resurgir une idée issue de l'inconscient collectif de l'humanité, une communauté première, que dévoile l'étymologie du terme allemand Ur-teil (jugement) : le partage ordinaire. En communiant avec l'autre dans la contemplation de l'œuvre, je retrouve ce quelque chose de commun à tous, ce "juger" ensemble indispensable à la communication immédiate de l'homme avec l'homme. Comment toutefois justifier mon "intrusion", alors que la seule véritable faveur que je puisse offrir à l'œuvre musicale lorsqu'elle paraît, c'est de la laisser advenir par elle-même, de manière spontanée et désintéressée, comme le dit Kant, afin que par la brèche ouverte je puisse avoir la satisfaction d'apercevoir au loin ce fond de nature irréductible à l'œuvre ? On répondra en soulignant que le logos ne peut nous apprendre quelque chose sur l'œuvre musicale que parce que précisément cette dernière demande à être authentifiée par les mots décrivant l'expérience esthétique de l'homme : telle est son exigence pour exister librement, pour s'émanciper de son créateur, pour biser tout lien singulier avec lui et affirmer le Nous qu'elle n'a jamais cessé d'être
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Gervasoni, Arturo. "Directionnalités dans la musique d'Ivan Fedele." Phd thesis, Université Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00196059.
Full textAbstract:
La directionnalité dans la représentation comme notion d'« aller vers » et ou de « rapport à » est abordée dans différents domaines dont le domaine musical et elle est utilisée comme outil d'analyse de la musique du compositeur Ivan Fedele. Ces notions qui dérivent des notions de « sens » et de l'acte de comparaison sont l'essence même de l'acte d' « étude ». Du point de vue conceptuel et du point de vue stylistique, l'analyse de la directionnalité dans la musique d'Ivan Fedele nous a permis de relever des traits qui font partie de sa pensée. L'analyse de la musique d'Ivan Fedele sous l'angle des notions de directionnalité nous a également permis de relever des aspects de la pensée musicale des années 1990
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Benabdeljalil, Nabil. "L'hétérophonie dans la musique du 20ème siècle : autour de Stravinsky, Boulez et Berio : approche théorique générale et étude systématique." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2007. https://publication-theses.unistra.fr/restreint/theses_doctorat/2007/BENABDELJALIL_Nabil_2007.pdf.
Full textAbstract:
Cette étude de « L’hétérophonie dans la musique du 20ème siècle » contient trois livres. Le livre 1er est théorique : il a pour but la définition et la typologie de l’hétérophonie, puis l’élaboration d’un système analytique précis valable pour l’analyse dans les livres 2ème et 3ème. Sont spécialement considérés l’ouvrage Penser la musique aujourd’hui de Pierre Boulez (né en 1925) et l’étude des « polyphonies populaires russes » du colloque de Royaumont de 1991. Le livre 2ème s’intéresse à l’hétérophonie dans la musique de Stravinsky (1882/1971) : Petrouchka, le Sacre du printemps, Renard et les Noces. Le livre 3ème étudie l’hétérophonie dans Coro de Luciano Berio (1925/2003) puis dans l’Improvisation III selon Mallarmé de Boulez. Enfin, la conclusion compare l’écriture des trois compositeurs, en donnant un aperçu général sur l’hétérophonie durant le 20ème siècleThis study of « Heterophony in the 20th century music » is composed by three books. The first book is theoretical: his aim is to give a definition and a typology of heterophony, then to elaborate an exact and valid analytic system in order to make analysis in the parts 2 and 3. A special attention is given to the book Penser la musique aujourd’hui of Pierre Boulez (born in 1925) and to the study “Russian popular polyphonies” from the colloquium of Royaumont in 1991. The second book is focused on the heterephony in Stravinsky’s music (1882-1971): Petrouchka, le Sacre du printemps, Renard and les Noces. The third book studies the heterophony in Coro of Luciano Berio (1925-2003), and in Improvisation III selon Mallarmé of Boulez. At last, the conclusion compares the writing of the three compositors, giving a general survey of heterophony in the 20th century
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Obeisi, Charif. "Tradition et modernité des courants architecturaux contemporains dans les pays arabes : recherches et propositions." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010628.
Full textAbstract:
De nos jours, nous constatons que les architectes arabes concentrent leurs efforts créatifs sur l'utilisation d'une technologie et d'une architecture modernes sans tenir compte vraiment des besoins réels de l'homme et du développement du patrimoine architectural local. L'expression d'une véritable identité créative émane de l'espace architectural, c'est pourquoi toute oeuvre architecturale doit être en harmonie avec ce milieu. En tout cas, l'espace architectural est en fait constitue d'un jeu raffiné de renvois et de correspondances entre les composantes variées de la nature et de la culture, de l'individu et de la société, jeu à chaque fois original, et dont l'authenticité d'un peuple. Ce que nous avons essayé d'aborder dans le deuxième tome de notre étude (le théâtre national de Damas)Nowadays, one notice that arabic architects focus their creative efforts of the use of modern technology and architecture without taking into account the real needs of the man with the expansion of local architectural heritage. The expression of a real creative identity originates from the architectural surroundings. It's because any architectural work must be in harmony with this environment. Anyway, the architectural space is actually inspired by a subtil cross-references between the various constituents of nature and culture, of the individual and society, variatious every time renewed and which by their authenticity qualify this space characterizing it from others
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Criton, Pascale. "Total chromatique et continuums sonores : une problématique de la musique du XXe siècle vers une pensée des multiplicités." Aix-Marseille 1, 1999. http://www.theses.fr/1999AIX10070.
Full textAbstract:
Nous nous proposons, au cours de la these que nous presentons ici, de reunir les elements d'une problematique du continu et du discontinu a travers les differents niveaux theorique, esthetique et techniques impliques dans l'ecriture musicale du xxeme siecle. La thematique de la continuite et de la discontinuite constitue un foyer recurrent depuis la destructuration du systeme tonal du debut du siecle. Le total chromatique, limite aux douze demi-tons de la gamme temperee se fractionne en divers systemes de micro-intervalles et se distribue peu a peu en une constellation de structures de relations variables. Trois compositeurs de la premiere moitie du xxe siecle ivan wyschnegradsky (1893-1979), alois haba (1893-1973) et julian carrillo (1875-1965) se sont confrontes, en precurseurs, a l'infinite des frequences et des combinaisons sonores. L'ultrachromatisme technique et theorique de wyschnegradsky fait l'objet d'une presentation et d'une analyse. Dans la seconde moitie du xxe siecle les techniques electroniques et la synthese numerique ont permis d'integrer le total frequentiel. De l'ecriture instrumentale a l'electronique, les compositeurs ne cessent de penser et d'experimenter la variabilite et la structuration d'une pluralite de continuums: de varese, ligeti et nono a boulez, stockhausen et xenakis. Cette molecularisation du materiau s'etend sur tout le xxeme siecle, de la generation de formalismes aux progres de l'acoustique musicale, des outils nes de l'informatique aux nouvelles lutheries. La problematique du continuum sonore se renouvelle aujourd'hui avec les perspectives de la synthese et de nouvelles ecritures instrumentales.
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Volait, Mercedes. "Architectes et architectures de l'Egypte moderne (1820-1960) : émergence et constitution d'une expertise technique locale." Aix-Marseille 1, 1993. http://www.theses.fr/1993AIX10009.
Full textAbstract:
Les formes achitecturales et urbaines produites en egypte a partir de la seconde moitie du 19eme siecle ne sont pas seulement dues a des professionnels europeens mais resultent, pour une part importante, de l'activite deployee par une expertise technique locale de qualite, generalement meconnue. L'emergence et l'evolution de cette expertise, caracterisee par sa capacite d'assimilation et d'appropriation de la modernite, dans ses referents europeens, apparaissent etroitement liees au developpement notable, quoique heurte, de la commande publique, dans le domaine de l'architecture et de l'urbanisme, tout au long de la periode etudieeThe architectural forms and urban schemes produced in egypt since the mid-19th century were not only conceived by european professionals but also by local talent of high calibre - if generally unknownthe growth and evolution of this expertise, whose capacity to assimilate modern european technique and know-how was remarkable, seem mainly due to the substantial development of state programs and public policies in the field of architecture and urbanism during the period covered by the study
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Vandenheede, Jan. "Contributions à la musique contemporaine : idées, textes, partitions." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010707.
Full textAbstract:
La première partie est focalisée sur la transformation d'œuvres, explique une approche réaliste à l'œuvre ouverte et propose des solutions efficaces au problème de la transcription de rythmes jugés extrêmement difficiles, en occurrence des rythmes qui utilisent des échelles de durées chromatiques ou semblables dans Struktur I, œuvre commandée par l'IRCAM. La deuxième partie est centrée sur la narrativité, explique les mécanismes sous-jacents au discours musical de Struktur I, auquel un conflit et un passage sublime sont essentiels, et dévoile les secrets de la musique dans Orange Mécanique de Stanley Kubrick. Une troisième partie propose un système de comptage interne qui vise à augmenter la résolution temporelle en solfège, et une méthode pour réduire de façon agréable le nombre de bits piratables d'un signal musical. Cette dernière est utile si on veut mettre des fichiers de sons sur internet et peut fournir la base d'une simulation efficace de bruits tels que ceux de la mer.
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Benzi, Carlo. "Stratégies rhétoriques et communication dans la musique contemporaine européenne : (1960-1980)." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040103.
Full textAbstract:
Peut-on parler de communication dans la musique contemporaine? Dans les années 1960-1980 en Italie et en France la linguistique, la sémiologie, la psychologie de la perception développent des liens avec la musique qui permettent une "coopération interprétative" (Eco) entre le compositeur et l'auditeur. La rhétorique peut favoriser la compréhension de la musique contemporaine? L'intérêt pour la figure chez certains compositeurs (Boulez, Donatoni, Sciarrino, Ferneyhough) semble suggérer une réponse positive. Leurs positions rappellent les "figures-objet" et "figures-relation" de la rhétorique baroque sans nier la théorie sémiotique contemporaine (figure comme "écart" d'une régularité; Groupe m). On a analysé ainsi quatre œuvres (Eclat de Boulez, 1965; Spiri de Donatoni, 1977; Quintettino n. 2 de Sciarrino, 1977; Second String Quartet de Ferneyhough, 1979-80) en imaginant les questions d'un auditeur expert se proposant de reconstruire les stratégies de redaction de la pièce. L'hypothèse semble plausible: les résultats des expériments de perception (Deliège 1989) coi͏̈ncident avec ceux relevés par l'analyse "rhétorique"Does contemporary music allow communication ? From the 1960s till the 1980s, in Italy and in France the interaction of linguistics, semiotics, psychology of perception with music enhanced an "interpretative cooperation" (Eco) between the composer and the listener. Can rhetoric provide a means for understanding contemporary music? The increasing interest of some composers (Boulez, Donatoni, Sciarrino, Ferneyhough) towards the figure seems to suggest a positive answer. Their position reminds of the "object-figure" and "relation-figure" of the baroque rhetoric, without refusing contemporary semiotic theory (figure as "deviation" of a regularity, Groupm). The analysis of four works (Eclat by Boulez, 1965; Spiri by Donatoni, 1977; Quintettino n. 2 by Sciarrino, 1977; Second String Quartet by Ferneyhough, 1979-80) was carried on through the acknowledgement of the hypothetical questions of a self-conscious listener, who tries to recover the constructive strategies of the piece. The coincidence of test-of-perception results and of rhetoric-analysis tests provide evidence of the hypothesis plausibility
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Saidani, Maya. "La musique du Constantinois : contexte, nature, transmission et définition." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040014.
Full textAbstract:
Le présent travail s'attache à l'examen du contenu de la musique citadine du Constantinois, et ceci à compter du début du XIXe siècle. L'étude de ce répertoire est effectué en plusieurs étapes. Avant d'aborder les paramètres techniques, nous avons émis quelques hypothèses d'ordre historique pour tenter de comprendre les origines de cette musique. A ce chapitre, fait suite le second qui traite cette fois des questions d'ordre sociologique, car il est essentiel de comprendre de quelle manière se faisait la transmission du savoir musical à Constantine. L'étude des texte nous appprend que certains racontent des faits sociaux et leurs structures nous renseignent sur le quatrième chapitre qui définit les formes tant classiques que populaires. La suite de ce travail nous informe sur les aspects techniques de cette musique. L'étude des instruments de musique utilisés par ce centre puis les transformations qu'opèrent les musiciens pour obtenir le timbre désiré et celui qui traite des modes, en sont les chapitres centraux tant les informations sont nombreuses et contradictoires. L'étude des rythmes constitue le dernier aspect technique. La quatrième partie étudie tous les aspects connus de la diffusion de cette musique et clôture le travail qui marque une première approche d'un répertoire inconnu de la musicologie à ce jourThe present study is devoted to examining the content of urban music of the Constantinian as from the beginning of the nineteenth century. The study of his repertory is carried out in several stages. .
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Stavrinaki, Maria. "Les idéologies de l'œuvre d'art totale : les problématiques de l'union de l'art et de la vie selon quelques architectes allemands et ceux de la Glaeserne Kette en particulier." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010655.
Full textAbstract:
Ce travail examine la conception que l'expressionnisme architectural allemand se fait de l'œuvre d'art totale et de l'union de l'art et de la vie. Nous avons examiné dans un premier moment l'architecture en tant qu'art singulier, telle que présentée dans les projets et les textes divers. Nous avons constaté que cet art est conçu comme la force formatrice qui accomplit la nature et l'homme. La construction totale devrait donc aboutir à une nature parfaite, c'est-à-dire complètement anthropomorphisée et a une humanité qui aurait auto-produit son essence accomplie. Nous avons relaté nos conclusions à l'expressionnisme mystique de l'avant-guerre, aussi bien qu'aux réactions au réseau de la métropole, qui nous a servi également comme base d'un examen critique de la théorie architecturale en Allemagne les vingt premières années du siècle. Par la suite, nous avons montré que l'unité esthétique des arts, condition de leur union, est au fond un paragone acharné, en faveur évidemment de l'architecture. Tous les arts auraient un certain accès à leur accomplissement s'ils devenaient, sur le plan du contenu et de la forme, de proto-architectures, l'essence architecturale accomplie étant réservée à cet art singulier. En ce sens, l'œuvre d'art totale serait le remède à la défectuosité native des autres arts. Mais nous avons montré également que ce paragone est moral, la défectuosité constitutive des autres arts étant surtout morale. L'architecture aurait correspondu a la conscience communautaire des arts. Cela nous a amené directement à la conclusion que l'œuvre d'art totale fonctionne comme le modèle sur lequel se forgerait la communauté des hommes (esthétisation du politique) et, par conséquent, comme son moyen identificatoire. La construction totale de la terre implique sa transformation dans une œuvre d'art totale. Nous avons démontré l'idéologie du travail impliquée par les projets totaux de ces architectes. En fin, nous avons examiné le messianisme de ces artistes, formateurs inauguraux d'une humanité accomplie, autoformée.
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Portefaix, Valérie. "Architecture et territoire : outils et stratégies du projet à grande échelle dans l'oeuvre de Le Corbusier." Grenoble 2, 2001. http://www.theses.fr/2001GRE21027.
Full textAbstract:
"Architecture et territoire : outils et stratégies du projet à grande échelle dans l'oeuvre de Le Corbusier" présente un travail d'histoire de l'architecture et de l'urbanisme. A partir de l'étude sélective de la vie professionnelle et de l'oeuvre écrite, dessinée et construite de Le Corbusier, ce travail revisite les courants idéologiques et esthétiques, et les principaux systèmes théoriques, qui ont traversé le siècle de la modernité et de la ville industrielle. La première partie interprète le travail de Le Corbusier dans les années 1920 comme celui d'un "architecte organisateur", croisant les courants architecturaux berlinois de l'après-guerre, avec les projets de la "Ville contemporaine", puis du "Plan voisin", et la réalisation de l'ensemble loti de Pessac. Centrée sur les années 1930, la seconde observe le rôle de Le Corbusier comme "architecte planificateur" et confronte le modèle linéaire de la ville soviétique, au travail théorique de la "Ville radieuse ", et du "Plan Obus". Enfin, depuis l'"architecte harmoniseur", la troisième aborde la question de l'aménagement du territoire et plus particulièrement la réalisation de Chandigarh à partir de 1951.
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Corbel, Emmanuelle. "Vladimir Jankélévitch et le mystère de l'interprétation dans la musique française de la fin du XIXème siècle et du début du XXème siècle." Nancy 2, 2004. http://www.theses.fr/2004NAN21002.
Full textAbstract:
Vladimlir Jankélévitch, philosophe-pianiste, entremêle sa propre vie musicale dans sa réflexion philosophique. Sa culture musicale, recensée ici, prouve son intérêt constant pour la musique française de la fin du XIXème siècle et du début du XXème siècle. Son expérience de pianiste, où la réalité de l'expérience et de l'exécution musicale est unique, vivante ou mouvante, rjoint sa recherche d'un " je-ne-sais-quoi ", d'un " presque-rien ", ou celle de l'infini, de l'inaccessible, de l'absolu. Ce penseur offre au lecteur une approche sur l'interprétation musicale au-delà d'une spéculation technique maîtrisée. IL est alors indispensable de réfléchir sur l'argumentation de cette esthétique autour du mystère de l'interprétation qu'il tente de définir. Aussi s'agit-il d'éclaircir ce concept situé dans le langage musical, dans la création et la composition, puis au niveau du mystère de la lecture faite par les interprètes, de sa réception par le public et par la critiqueVladimir Jankelevitch, philosopher-pianist, intermingles his musical life in his philosophical reflections. His musical culture, listed here, proves his constant interest in the French music from the end of the 19th century to the beginning of the 20th century. His pianist experience in which the reality of musical performance is one, alive and changing is closely akin to his research of a " je-ne-sais-quoi ", a " presque-rien " or to that of the infinite, inaccessibility, the absolute. This thinker provides the reader a thinking about musical interpretation beyond mastered technical speculation. It's therefore necessary to think about the argumentation of this aesthetic around the mystery of interpretation which he attempts to define. It's also a question of clarifying this concept set in the musical language, in creation and in composition, and then in the mystery of performer' reading as well as in audiences' and critics' reception
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Salvati, Silvia. ""Punctum contra punctum" : interaction musique-architecture et réception au XXe siècle : du dodécaphonisme au déconstructivisme." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010704.
Full textAbstract:
Cette thèse montre que la musique possède des liens étroits, concrets et tangibles avec l'architecture. Son originalité consiste à comparer de façon critique de multiples théories ainsi que les courants artistiques qui abordaient partiellement cette interaction. La portée de la relation musique-architecture est replacée au sein de l'art en général (du futurisme au déconstructivisme), du milieu vécu (paysages sonores), et de la société (réception). Dans les quatre parties qui composent cette thèse, plusieurs domaines de réflexion s'entrecroisent: les traités de l'Antiquité en tant que fondement et source d'inspiration des théories modernes, les nouveaux rapports entre l'espace architectural et la composition musicale, la question de l'environnement sonore, la «réception» par les usagers et les élus. Cette approche multiple cerne le rapport musique-architecture dans sa totalité, en le reliant en particulier aux questions actuelles de l'espace habité et de la société, ceci afin de saisir les approches prospectives pour la compréhension et la valorisation des « polyphonies» de la ville moderne, tant du point de vue des urbanistes et des architectes, que de celui des musiciens et des designers sonores.
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Mazerolle, Valérie. "Les voix de l'espace occitan : les chansons occitanes : identités et représentations : 1965-1997." Clermont-Ferrand 2, 2005. http://www.theses.fr/2005CLF20017.
Full textAbstract:
Cette étude, qui s'inscrit à la fois dans l'histoire culturelle et dans l'histoire politique, se propose de montrer les différentes utilisations d'une expression artistique, les chansons, dans une perspective de redéfinition des identités occitanes. Fait social total, les chansons s'inscrivent dans le champ politique et culturel à chaque époque ; elles disent quelque chose de la situation imaginaire, et ce faisant, elles créent du politique. Trois mouvements sont successivement analysés : la "nouvelle chanson occitane" (1965-1997), qui reprend les théories Lafontiennes de colonisation interne ; le renouveau des musiques traditionnelles dans l'espace occitan (1973-1997), musiques légitimées et institutionnalisées ; la Linha Imaginot (1984-1997), mouvement axé sur l'idée de décentralisation culturelle, dont les acteurs proposent une renégociation de l'identité française.
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Zajackowski, Daria. "Ontologie et/ou "Essence" des oeuvres musicales dans la musicologie polonaise du XXe siècle : perspectives, esthétique, sémantique, sémiotique et sonoristique." Aix-Marseille 1, 1996. http://www.theses.fr/1998AIX10018.
Full textAbstract:
Il s'agit de demontrer, a partir de la presentation francaise de documents musicologiques publies en pologne entre 1907 et 1991, les differentes conceptions du contenu de l'essence et de l'explication des oeuvres musicales, developpees dans les etudes refletant les perspectives esthetique-semantique, semiotique et sonoristique, par lesquelles les chercheurs (bristiger, chominski, polony. . . ), manifestent un rattachement a la phenomenologie de l'art de roman ingarden. Deux objectifs fondamentaux sont ainsi poursuivis. 1. La consideration de l'essence de l'oeuvre musicale a travers les formulations reproduites: le probleme de la signification musicale (et ses corollaires transmission et reception), la relation de la musique avec la realite, (expression, la musique et la realite de la culture), l'essence effective des oeuvres, (conception de la musique en tant que phenomene sonore "vivant"). 2. Les etudes representees sont examinees d'un point de vue epistemologique, a travers leurs caracteristiques respectives (conceptions, influences), et les particularites de la musicologie en general (rattachement entre les differents chercheurs, recoupements des considerations methodologiques, similitudes d'influences et de problematiques).
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Arot, Dominique. "François Mauriac et la musique." Bordeaux 3, 2010. http://www.theses.fr/2010BOR30002.
Full textAbstract:
François Mauriac a abondamment écrit sur la musique, tout en se revendiquant comme un « illettré de la musique ». A partir de ce paradoxe apparent, cette thèse se fixe pour objectif de mettre au jour le caractère singulier de la relation de l’écrivain avec la musique. La présentation du paysage musical de cette première moitié du XXe siècle et l’inventaire précis du patrimoine musical recueilli par Mauriac dans ses années d’apprentissage constituent la première étape de cette recherche. En dépit des limites de ce capital initial, l’exceptionnelle sensibilité du romancier va lui permettre de se comporter en véritable musicien des mots et de traduire dans ses écrits toute la richesse de ses sensations sonores, qu’elles naissent de l’écoute de tous les genres de musique ou des mille et uns bruits de la nature qui l’environne. C’est la voix, avec toutes ses nuances, qui occupe la place centrale de cet univers sonore finement ressenti et recréé, qu’il s’agisse de la voix si singulière de l’auteur, de la voix des poètes, de l’opéra, de la chanson ou des musiques qui prolongent la voix. De cette multiplicité de rencontres se dégage une esthétique musicale propre à Mauriac qui privilégie l’approche de la musique par le prisme de l’émotion et récuse toute création ne reposant que sur la spéculation rationnelle. Mozart est pour Mauriac le compositeur qui résume le plus parfaitement son idéal esthétique, fait de vie et de naturel, réconciliant univers sonore et musique, tout en portant témoignage du divin, par sa perfection même. Le portrait renouvelé de l’écrivain qui se dégage de cette recherche révèle un auditeur qui fait de la musique un art de vivre.
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Sounac, Frédéric. "Modèle musical et composition romanesque dans la littérature française et allemande du XXe siècle : genèse et visages d'une utopie esthétique." Paris, EHESS, 2003. https://acces.bibliotheque-diderot.fr/login?url=https://doi.org/10.15122/isbn.978-2-8124-3042-8.
Full textAbstract:
"Voilà mon piano à queue": cette légende, portée en français par Thomas Mann sur une photographie de son bureau offerte à sa traductrice Louise Servicen, trahit à elle seule l'assimilation rêveuse de l'écriture romanesque à la composition musicale. Comment comprendre que l'auteur de Doktor Faustus veuille voir en ses oeuvres de "bonnes partitions"? Pourquoi se représenter le roman et le jeu totalisant de l'esprit, comme Hermann Hesse dans Das Glasperlenspiel, sous la forme d'un brillant exercice de contrepoint? Fallait-il que l'hypermnésie proustienne, juste avant le passage à l'écriture, prît la forme d'une recomposition rédemptrice, celle de la partition du Septuor? En prenant pour point de départ la théorie littéraire du premier Romantisme allemand, contemporaine d'un mouvement d'absolutisation de la musique instrumentale au sein de l'art, ce travail s'efforce de remonter aux sources d'une véritable utopie esthétique: l'application à la fiction narrative de procédés compositionnels. Le rôle paradigmatique de la musique dans la perspective idéaliste et historiciste appelée par Jean-Marie Schaeffer "Théorie spéculative de l'art", et plus généralement sous l'influence d'une "intellectualité musicale" (particulièrement chez Schopenhauer, Nietzsche, Adorno, Lévi-Strauss et Barhes) font ainsi office de fil conducteur à l'examen de textes français et allemands, parmi lesquels, outre les oeuvres mentionnées ci-dessus, des romans d'André Gide, Hermann Broch, Hans Henny Jahnn, Michel Butor, mais aussi de nombreux auteurs contemporains. L'hypothèse d'une idéalité musicale du roman, déjà perceptible dans certaines analyses de Friedrich Schlegel (en particulier sa lecture du Wilhelm Meisqter de Goethe) est donc l'objet de notre recherche. A l'aide de la notion de méloforme, elle est étudiée dans un premier temps en qualité de clef du "Poème" moderne des Romantiques; ensuite comme objectif de romans qui incluent réflexivement une méditation sur la composition musicale; et enfin en tant que "pratique" de textes qui s'efforcent, expérimentalement, d'adapter à la fiction narrative des structures musicales"This is my grand piano": these words in themselves, handwritten in french by Thomas Mann on a photograph of his desk sent to his translator, Louise Servicen, betray the dreamy assimilation of a novel writting to musical composing. Why does the author of Doktor Faustus consider his works as "good scores"? A novel, as welle as the full activity of the mind, are they comparable to a brilliant counterpoint exercise, as Hermann Hesse suggests in Das Glasperlenspiel? Did Proust's hypermnesia really had, jusy before turning into writting, to be associated with the redeeming Septuor? Beginning with the literary theory of first german Romantism, contemporary of a stream of "absolutisation" of instrumental music among arts, this work is intended to go back to the sources of a genuine aesthetic utopia: the use of musical devices in fiction. As a paradigm in the idealist and historicist thought that Jean-Marie Schaeffer calls " Speculative theory of art", music becomes an intellectual category, particulary with Schopenhauer, Nietzsche, Adorno, Lévi-Strauss and Barhes. The theory concerned, thus, leads the study of french and german texts, including, among those already mentionned, novels by André Gide, Hermann Broch, Hans Henny Jahnn, Michel Butor, and many other contemporary writers. The hypothesis of a musical ideality of the novel, which was actually already noticeable in some of Friedrich Schlegel's analyses (most of all his famous reading of Goethe's Wilhelm Meister), is consequently the purpose of this research. With the help of the concept of meloform, musical ideal is first studied as a key to the romantic modern "Poem"; then as the aim of some novels including a reflexive meditation on musical composition; and eventually as the practice of authors experimenting with the adaptation of musical structures to narrative fiction
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Marbehant, Sylvain. "Concevoir le contexte de l'architecture: réalité habitée et réalité projetée dans trois doctrines du 20e siècle." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2014. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209176.
Full textAbstract:
Cette thèse de doctorat développe un questionnement de nature épistémologique à propos du domaine architectural et des connaissances qui lui sont associées. La théorie architecturale se distingue par la grande diversité de ses formes, par la multiplicité des acteurs qui la mobilisent et surtout par la grande complexité de l'objet qu'elle vise :l'œuvre architecturale. Pour pouvoir aborder de manière lucide ces différents filtres, nous proposons d'en décoder les origines pour une notion théorique particulière: le contexte de l'œuvre architecturale.Le contexte d'une œuvre rassemble l'ensemble des conditions matérielles, sociocognitives et culturelles qui contribuent à sa signification. Cependant l'interprétation d'un contexte est souvent faite de manière équivoque tant les sources du sens sont multiples et variées pour l'architecture.
Un examen rapide de l'évolution de la culture architecturale dans le courant du 20e siècle permet de situer la grande popularité de la question du contexte dans la seconde moitié de ce siècle. L'importance du contexte y apparaissait comme une force effective pour endiguer la crise du sens que connaissait l'architecture. Une sensibilité commune émergea au sein de trois courants architecturaux – appelés dans cette étude la Team 10, les Italiens et les Américains. Tous fondaient leurs interprétations sur l'idée que les conditions matérielles et historiques d'une situation donnée participent à la signification que prend l'œuvre architecturale chez ses habitants. Ils en déduisirent une série de notions originales qui constituent l'objet de cette étude.
Au moment du repli théorique amorcé au moment du postmodernisme, ces interprétations furent formalisées au sein de trois doctrines :le structuralisme, le rationalisme et le contextualisme. Dans ce cadre doctrinal, à chaque situation donnée pouvaient correspondre plusieurs contextes élaborés a priori et conditionnant sans détour l'œuvre architecturale qui y prenait place. Ainsi, alors que la signification d'un contexte est liée à sa spécificité, ces interprétations formalisées encourageaient la reproduction de stratégies d'interventions architecturales abstraites de toute contingence.
La critique du postmodernisme expliqua ces pratiques caricaturales par l'oubli du rôle actif des auteurs architectes dans le travail d'interprétation du contexte d'une œuvre. Un contexte ne doit pas être interprété seulement en tant que réalité habitée – trouvant son sens chez les habitants de l'œuvre – mais aussi en tant que réalité projetée. – trouvant son sens dans la conception de l'œuvre.
La première hypothèse de cette recherche avance qu'au sein des trois courants à l'origine des doctrines du structuralisme, du rationalisme et du contextualisme s'exprimait consciemment cette différence entre réalité habitée et réalité projetée. Si les formalisations doctrinales écartèrent l'importance de l'engagement créatif des architectes dans l'interprétation d'un contexte n'avait pas été oubliée chez les principaux auteurs de ces trois courants. La seconde hypothèse de cette recherche avance que l'interprétation d'un contexte en tant que réalité projetée est nécessaire pour renouveler le sens de l'œuvre qui y est associée. Par l'engagement de l'auteur architecte, peut naître une relation spécifique entre l'œuvre architecturale et son contexte, spécificité garante de la signification.
Ces deux hypothèses s'appuient sur deux développements. D'abord un double inventaire des principales notions relatives à la compréhension du contexte de l'œuvre architecturale en tant que réalité habitée et en tant que réalité projetée. Ces inventaires sont illustrés par quelques projets exemplaires traduisant l'impact de ces interprétations sur l'architecture construite. Ensuite par une réflexion théorique plus générale développant la relation possible entre la connaissance architecturale et l'œuvre au sein d'une réalité projetée. A la suite de ce second développement de nature épistémologique, nous avançons que par la nature intermédiaire que prennent les connaissances dans le cadre d'une réalité projetée, il s'instaure une relation de réciprocité – et non pas d'autorité - entre le théorique et le pratique.
Doctorat en Art de bâtir et urbanisme
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Machaalany, Rabih. "L'architecture religieuse au Liban (XIXe et XXe siècles)." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040034.
Full textAbstract:
L'architecture religieuse au Liban du XIXe et du XXe siècles, traite des monuments religieux au Liban durant cette période. D'autres monuments chrétiens datant du XVIIe et du XVIIIe siècles font aussi partie de cette étude grâce aux restaurations et rénovations qu'ils ont subis durant les XIXe et XXe siècles. L'étude présente Le Liban historiquement avec son système communautaire, elle expose aussi le Patriarche Elias Hoayek et trois saints libanais du XIXe siècle. Les ermitages rupestres, les chapelles de village à nef unique ou à double nef, et les cathédrales croisées forment les sources des églises du XIXe et du XXe siècles. Les édifices religieux étudiés sont divisés entre Beyrouth La capitale, le Mont Liban, le Liban Nord, le Liban Sud et la Békaa. Une grande ressemblance est remarquée entre l'architecture civile traditionnelle et l'architecture religieuse, surtout par l'utilisation des tuiles rouges et de la pierre taillée qu'elle soit blanche, brune, grise ou jaunâtre. Le plan général des monastères s'agissait toujours d'un plan classique en forme rectangulaire autour d'une cour intérieure avec des jardins et un bassin. La plupart des couvents au Liban sont construits sur le même modèle, inspiré du style des grands sérails. Ils peuvent varier en surface et dans le nombre des étages, de même qu'entre les régions et leurs besoins et nécessités. Les églises se composent d'une seule nef large ou entourée de 2 bas-côtés se terminant par une abside semi-circulaire où se trouve l'autel et voûtée en berceau, en arêtes ou en arc brisé. L'entrée principale peut être précédée par un narthex ou un grand escalier. L'influence varie entre Byzantine, Croisée, Italienne, Française et AméricaineThe religious architecture in Lebanon from the XIX th. & XX th. Centuries presents religious monuments dating from this period. Other Christian monuments dating from the XVII th. & XVIII th. Centuries are also included because of the restorations & renovations done during the XIX th. & XX th. Centuries. This study presents the history of Lebanon, his religious community system, the Patriarch Elias Hoayek & 3 saints of the XIX th. Century. The rocky hermitages, the village chapels (single or double naves) & the large cathedrals of the crusaders period are the roots of the XIX th. & XX th. Century's churches. The religious monuments studied are divided between the capital Beirut, Mount Lebanon, North Lebanon, South Lebanon & the Bekaa. A huge resemblance is observed between traditional civil architecture & religious one, especially when using red roofing tiles & rock-cut stones (white, brown, grey, or yellow). The general plan of a monastery is always a classic rectangular one around an interior courtyard including gardens & a basin. Most of the Lebanese convents are nearly built the same way, but it varies in the surface, between 2 & 5 stories, & according to their regions & requirements. Churches are composed of one large nave & sometimes surrounded by 2 side aisles. It ends with a semicircular apse where the altar is placed. The nave is covered with different kinds of vaults. The principal entrance may be preceded with a narthex or stairs or even without both of them. The influence of religious architecture varies between Byzantine, Crusader, Italian, French & American styles
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Rekik, Lotfi. "L'acculturation dans la musique arabe au Proche-Orient et en Tunisie : syntaxe et organologie (1932-1979)." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040167.
Full textAbstract:
Les grandes lignes de notre thèse en sont les suivantes : I) synthèse des métissages culturels qu'ont connus l'Égypte, la grande Syrie (ach-Cham) et la Tunisie, de l'expédition de Bonaparte en Égypte (1798) jusqu'à l'accession des pays arabes à l'indépendance. II) analyse de l'évolution de la syntaxe musicale : les conséquences de l'utilisation des instruments tempérés sur les intervalles des maqam ; un métissage entre un maqam ; oriental et un tab' tunisien ; les conceptions nouvelles dans la pratique et la représentation du taqsim ; l'avènement d'une forme hybride : la "ughniya". III) examen du bouleversement que connait l'organologie traditionnelle - soit par l'introduction d'instruments étrangers, soit par l'altération des instruments authentiques - et étude de l'influence des nouvelles formations de musique traditionnelle sur le takht et les instruments traditionnels, et sur les modalités d'exécution.
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Lafond, Natacha. "La poésie moderne à l'écoute des musiques dans les oeuvres d'Yves Bonnefoy, Louis-René des Forêts, Philippe Jaccottet, Pierre Jean Jouve et Salah Stétié : pour un lyrisme baroque." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2006. http://www.theses.fr/2006STR20007.
Full textAbstract:
L'opéra de Mozart m'a permis dans un DEA de nouer une première approche autour de quatre poètes contemporains (Pierre Jean Jouve, Salah Stétié, Louis-René des Forêts et Yves Bonnefoy) sur les rapports entre poésie moderne et musique que le sujet de thèse approfondit en analysant toutes les formes musicales présentes chez ces quatre auteurs, ainsi que dans l'œuvre de Philippe Jaccottet (que ce soit des compositions romantiques, modernes ou baroques à travers les différents genres musicaux, Lied, opéras. . . ). C'est une recherche qui s'attache aux choix des œuvres musicales écoutées pour tenter de définir la modernité des enjeux du rapport essentiel de l'écriture aux arts, avec une ouverture à l'art pictural et architectural, porteurs de valeurs historiques, éthiques, sacrées et métaphysiques. Mais c'est aussi écouter le "retour" du lyrisme propre à ces auteurs du XXème siècle, les choix et les fondements communs de leur poétique musicale pour dégager une définition d'un "nouveau" lyrisme moderne : le "lyrisme baroque ou barrosso" aux valeurs engagées. Cette notion s'appuie sur la définition d'Yves Bonnefoy pour qui le baroque est "un réalisme passionnel", une quête d'unité dans et par le monde présent (étudiée dans ses approches artistiques). C'est une notion ouverte, non limitée à sa définition liée au XVIIème siècle, mais à mettre en tension avec l'héritage du romantisme et la modernité. Notion dialectique, elle permet alors de repenser les enjeux et significations de la modernité poétique en dialogue avec une mémoire de la culture assumée dans le monde. Refusant tout formalisme, tout comme une littérature réduite à n'être qu'un véhicule d'idées et non plus une création de sens, ces poètes développent par leur écoute des autres arts, une éthique ouverte et engagée. Ainsi ce lyrisme, imprégné de la musique baroque, n'est plus le lieu d'expression du moi, mais du passage à l'autre- que ce soit la femme aimée, le sacré (le plus souvent profane) ou les autres (au nom de la liberté et du "mé/tissage" spirituel). Le je n'existe plus désormais que par le "tu" et l'ancrage dans le monde des référents de la présenceIt is thanks to the opera by Mozart, that I first studied in a DEA the link between modern poetry and music which exists in the work of four contemporary poets (Pierre Jean Jouve, Salah Stétié, Louis-René des Forêts and Yves Bonnefoy). My thesis goes further, and analyses all the musical forms which can be found in the work of those four authors, and also in the work of Philippe Jaccottet (either romantic, modern or baroque pieces, through different musical genres such as lied or opera). This research studies the different musical works listened, in order to try to define the modernity at stake in the essential link between writing and arts. It is also oriented towards pictorial and architectural art, arts which carry some metaphysical, sacred, ethical and historical values. But it also listens to the “return” of the lyricism which is specific to these 20th century's authors, to the shared choices and basements of their musical poetics, in order to draw a definition of a “new” modern lyricism: the “baroque or barosso lyricism”, which stands for committed values. This notion holds on the definition by Yves Bonnefoy, who considers that baroque is a “passionate realism”, a quest for unity in this current world and through this current world (studied in his artistic approaches). It is an open notion, non limited to its first definition, linked to the 17th century. On the contrary, it has to be confronted with the inheritance of romanticism and modernity. As a dialectical notion, it permits to study in a different way the meaning of poetical modernity, through a dialogue with the memory of the assumed culture in the world. Rejecting any form of formalism, as much as a literature reduced to carry ideas instead of creating some meaning, these poets develop opened and committed ethics, thanks to their listening of other arts. Thus, this lyricism, filled with baroque music, is no longer a way of expressing the self, but the path towards the other -whether it is the beloved woman, the sacred (more often profane) or the others (in the name of freedom and spiritual crossbreeding). The self no longer exists but through the “you” and the anchorage in the world of the referents of the presence
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Hodant, Jean-Philippe. "Rhétorique et dramaturgie musicales dans l'oeuvre de Jean Guillou." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040120.
Full textAbstract:
A travers le prisme de trois œuvres de Jean Guillou, La chapelle des abimes, Judith-symphonie, Hypérion ou la rhétorique du feu, cet essai tente de mettre en lumière l'esthétique du compositeur. Chacune des œuvres retenues présente une problématique différente liée au texte littéraire, texte latent, texte présent dans le tissu musical, texte absent ou virtuellement issu du discours musical. Ces trois cas de figures mettent à jour une rhétorique musicale comparable à un discours littéraire qui contient des gestes dramatiques stylisesThrough the prism of three of the works of Jean Guillou, La chapelle des abimes, Judith-symphonie, Hyperion ou la rhétorique du feu, these experimental pieces attempt to demonstrate and bring out the aesthetic light of the composer. Each one of the works retained presents a different problem which is related to the literary text, a latent text, a text which is present in the musical tissue, a text absent or virtually issue of the musical discourse. These three examples bring to light a musical rhetoric which is comparable with a literary discourse which contains dramatic stylized gestures
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Gorge, Emmanuel. "L' imaginaire musical amérindien : modalités structurales et typologies stylistiques." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010646.
Full textAbstract:
La découverte du Nouveau Monde en 1492 a modifié à la fois la cartographie de la Terre et l'imaginaire de l'homme européen. Cette rencontre avec l'Indien d'Amérique a généré un renouveau des expressions musicales " savantes " à travers l'opéra baroque (The Indian Queen, 1695, et Les Indes galantes, 1735). Après une éclipse d'environ un siècle et demi, l'indianisme musical réapparut en 1893 aux États-Unis avec La Symphonie du Nouveau Monde, suscitant une vive réaction des compositeurs américains. Toutefois, la véritable rupture esthétique ne s'opéra qu'à partir de 1913 à travers Le Sacre du Printemps, relayé par des oeuvres de Busoni (Fantaisie indienne op. 44) et de Ives ( " The Indians " ). Instaurant un langage musical dérivé de l' atonalité, de la modalité, et de la polytonalité, ces oeuvres établirent les bases d'une nouvelle dialectique sonore, délimitant les repères d'une modernité indianiste qui allait connaître une expansion stylistique graduelle au cours du XXème siècle.
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Lalitte, Philippe. "Ecriture et perception des grandes formes en musique contemporaine et, en particulier, chez Roger Reynolds." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040194.
Full textAbstract:
Cette thèse aborde la question de la forme et du temps musical dans la seconde moitié du XXe siècle sous le double aspect de l'écriture et de la perception. Le premier chapitre décrit les principales conceptions du temps musical, stratégies d'écriture et modèles formels des compositeurs, ainsi que les principales théories musicologiques concernant la forme. Le deuxième chapitre est consacré au carré sémiotique des formes musicales (définition du modèle, approche typologique, approche syntagmatique). Le troisième chapitre est voué à The Angel of Death de R. Reynolds, œuvre qui permet de confronter écriture et perception. Le quatrième chapitre fait le point sur les principales études et théories forgées par la psychologie autour de cette question et présente une expérience portant sur la perception de la cohérence formelle. La fin du quatrième chapitre esquisse un modèle cognitif décrivant la structuration de l'information musicale et les quatre niveaux de cohérence temporelleThis PhD approaches the issue of musical time and form in the second half of the XXth century with the joint perspective of composition and perception. The first chapter describes inflluential conceptions of musical time, compositional strategies, functions and formal models for composers, as well as the main musicological theories concerning musical form. The second chapter is devoted to the semiotic square of musical form (definition,. Typological and syntagmatical approach). The third chapter is dedicated to R. Reynolds'The Angel of Death, work which allows a dual exploration of composition and perception. The fourth chapter reviews the principal studies and theories in psychology which address the subject and presents an experiment studying the perception of formal coherence. The end of the fourth chapter outlines a cognitive model describing the structuring of musical information and four levels of temporal coherence
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Steinegger, Catherine. "La musique à la comédie-Française de 1921 à 1964 : Aspects de l'évolution d'un genre." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040095.
Full textAbstract:
Une étude sur la musique de scène en tant que genre musical à partir d'un corpus constitué grâce à la découverte d'un fonds de partitions non cataloguées, pour la plupart manuscrites conservées à la Bibliothèque-Musée de la Comédie-Française. La première partie est consacrée à l'étude des sources afin de dégager la spécificité de l'emploi de la musique au théâtre. Puis la seconde partie s'intéresse au contexte historique dans lequel ces partitions ont été écrites. A travers le prisme de l'étude de la musique à la Comédie-Française, sont évoquées les créations des compositeurs appartenant à différents mouvements esthétiques du XXe siècle : l'Ecole d'Arcueil avec en particulier la présence de Roger Désormière et d'Henri Sauguet ; le Groupe des Six avec Germaine Tailleferre, Arthur Honegger et Darius Milhaud ; le Groupe Jeune France avec André Jolivet ; les indépendants avec Jacques Ibert, Roland-Manuel, Dutilleux et LandowskiA study on stage music as a musical genre based on a corpus of non indexed scores, most of them hand-written, discovered in the Comédie-Française museum library archives. The first part is devoted to the study of sources so as to draw out the specific use of music in theatre. The second part then deals with the historical context in which those scores were written. The works of composers belonging to different aesthetic movements of the 20th century seen through the prism of the stage music performed at "La Comédie-Française" ; the "Ecole d'Arcueil", giving prominence to Roger Désormière and Henri Sauguet ; the "Groupe des Six", with Germaine Tailleferre, Arthur Honegger, Darius Milhaud; the "Groupe Jeune France" with André Jolivet ; the "Indépendants", with Jacques Ibert, Roland Manuel, Henri Dutilleux et Marcel Landowski