Dissertations / Theses on the topic 'Musique et architecture Architecture religieuse Musique'

L'originalité de l’œuvre de Iannis Xenakis repose en partie sur l'emploi d'analogies. À travers une recherche d'archives, nous éclairons les analogies entre sa musique et son architecture en analysant trois œuvres significatives : le couvent de la Tourette (1955), le Pavillon Philips (1958) et le Diatope (1978). Nous suivons aussi l’évolution de l'analogie « harmonique » dans certains traités d'architecture (Vitruve, Alberti, Blondel, Le Corbusier) pour saisir la forme qu'elle prend chez Xenakis. Nous montrons comment les permutations mathématiques d'une série de notes de Metastaseis (1953-54) et la notion de densité musicale sont transposées lorsqu'il distribue les pans de verre sur les façades du couvent. Nous soulignons que l'espace sonore de la partition graphique de Metastaseis —où des glissandi de cordes sont représentés en tant que droites tangentes de surfaces réglées— partage les propriétés d'ordre et de continuité avec l'espace du Pavillon Philips, construit de paraboloïdes hyperboliques. Nous reconstituons la spatialisation de L'interlude Sonore (1958) et de La Légende d'Eer (1978), où Xenakis conçoit l'espace acoustique comme l'espace stéréométrique, en représentant les haut-parleurs comme des points et la vitesse sonore comme une ligne entre ceux-ci. Enfin, nous interrogeons l'apport de son passé (expériences de guerre) dans sa création : alors qu'il instaure des analogies lorsqu'il transpose l'ordre de ces phénomènes dans sa musique, nous montrons que dans son architecture, lorsqu'il réutilise des formes dans des œuvres ultérieures —en en changeant l’échelle ou la géométrie ou en maintenant leur principe— il ne tisse des analogies qu'avec son passé créatif
The work of Iannis Xenakis is original largely due to the significance analogy plays in it. In this thesis I trace analogies between music and architecture in plans, texts and music scores through extensive archive research. In parallel, I follow the evolution of “harmonic” analogy in some treatises of architecture (Vitruve, Alberti, Blondel, Le Corbusier) in order to point out the form that it takes in Xenakis' work. I analyse three of his major architectural works : Monastery of Tourette (1955), Philips Pavilion (1958) and Diatope (1978). I observe how mathematical permutations of a series of notes in Metastaseis (1953-54) and the notion of musical density establish an analogy with the distribution of the glass panels on the facades of the Monastery. In Metastaseis, Xenakis represents the strings' glissandi as tangent lines of ruled surfaces. I underline that the sound-space of this graphical score forms another type of analogy with its architecture: it shares the properties of order and continuity with the three-dimensional space of Philips' Pavilion, entirely constructed by hyperbolic paraboloids. Finally, i reconstruct the spatialisation of L'interlude Sonore and La Légende d'Eer which Xenakis conceives as a stereometric space, by representing the loudspeakers as points and the speed of sound as a line between them. Xenakis also establishes analogies when he uses his experiences of war and memories of natural phenomena in his music. I describe how the significance of the past to his creative process in architecture is evident when he reuses forms by changing their scale, their geometry or by just retaining basic principles

Cette thèse montre que la musique possède des liens étroits, concrets et tangibles avec l'architecture. Son originalité consiste à comparer de façon critique de multiples théories ainsi que les courants artistiques qui abordaient partiellement cette interaction. La portée de la relation musique-architecture est replacée au sein de l'art en général (du futurisme au déconstructivisme), du milieu vécu (paysages sonores), et de la société (réception). Dans les quatre parties qui composent cette thèse, plusieurs domaines de réflexion s'entrecroisent: les traités de l'Antiquité en tant que fondement et source d'inspiration des théories modernes, les nouveaux rapports entre l'espace architectural et la composition musicale, la question de l'environnement sonore, la «réception» par les usagers et les élus. Cette approche multiple cerne le rapport musique-architecture dans sa totalité, en le reliant en particulier aux questions actuelles de l'espace habité et de la société, ceci afin de saisir les approches prospectives pour la compréhension et la valorisation des « polyphonies» de la ville moderne, tant du point de vue des urbanistes et des architectes, que de celui des musiciens et des designers sonores.

Après 1950, le monde artistique occidental est le théâtre de profondes mutations. Par rejet de la tradition académique ou par attirance pour le phénomène de modernité, les artistes et créateurs rendent alors plus perméables les frontières des différentes disciplines, multipliant les expériences poly-artistiques. L'étude des nouvelles problématiques issues de l'interdisciplinarité constitue notre première approche de ce phénomène. A partir de cette approche, nous présentons de multiples manifestations de la relation architecture-musique et tentons de cerner à travers celles-ci une typologie des formes de relation. Trois monuments font ensuite l'objet d'analyses plus poussées : 1/le Pavillon Philips de l'Exposition internationale de Bruxelles 1958 pour lequel architectes et musiciens (Le Corbusier, E. Varèse et I. Xenakis) collaborent à un projet dans lequel l'idée de diathèse semble émaner de la confrontation de créations indépendantes ; 2/ dans le deuxième objet d'étude, c'est la réflexion menée par K. Stockhausen sur la notion de "musique dans l'espace" qui prime et débouchera sur la réalisation de l'Auditorium sphérique du pavillon allemand de l'Exposition universelle d'Osaka 1970, en collaboration avec l'architecte F. Bornemann ; 3/ le travail de conception réalisé pour Prometeo de L. Nono et pour sa structure spatiale associée, œuvre de R. Piano, concrétise une troisième grande collaboration. Ces trois exemples partagent une même volonté de renouveler l'espace de représentation scénique traditionnel. En étudiant de tels projets, nous tentons de montrer comment la rencontre de l'architecte et du musicien peut ainsi témoigner d'une nouvelle conception du monde
After 1950, the western artistic world is becoming the scene of profound mutations. By rejecting academic traditions or by attracting the phenomena of modernisation, artists and creators allow the frontiers of the different disciplines to become more permeable, thus multiplying poly-artistic experiences. Studying the new problems resulting from inter-disciplines constitutes our first approach to this phenomena. From this approach, we present multiple manifestations of the architectural musical relationship and we try to work out, through this, a typology of the forms of relation. Three "monuments" distinguish themselves and later become the object of more in-depth analysis : the first, "The Philips Pavilion" at the Brussels International Exhibition 1958, for which architects and musicians together, Le Corbusier, E. Varèse and I. Xenakis, collaborate in a project, whereby the idea of "diathesis" seems to emanate from the confrontation of independent creation. From our second subject, it is the reflexion led by K. Stockhausen on the notion of "music in space" which dominates. This results in the realisation of the "Spherical Auditorium" at the German Pavilion of the Universal Exhibition in Osaka in 1970, in collaboration with the architect F. Bornemann. Finally, conception and work carried out for Prometeo by L. Nono and for its associated spatial structure, work of R. Piano, solidifies a third major collaboration. These three examples share a similar purpose in renewing the space of traditional scenic representation. By studying such projects we are trying to show how the encounter between the architect and the musician can in this way witness a new conception of the world

Proefschrift--Toegepaste Wetenschappen--Gent, 2004.
Mention parallèle de titre ou de responsabilité : Iannis Xenakis : ingénieur et architecte : une analyse thématique de l'oeuvre... Résumé en néerlandais. Bibliogr. p. 537-559.

Tout a commencé à partir de l'intuition qu'il existait un lien entre musique et architecture, auxquelles j'ai consacré beaucoup de temps et d'études, en suivant et complétant deux parcours académiques parallèles. Après un long processus d'analyse des sujets de réflexion infinis que présentait le thème, j'ai choisi de me concentrer sur un des exemples les plus significatifs de collaboration entre un architecte et un musicien du XXe siècle : l'œuvre Prometeo, tragédies dell‘ascolto composée par Luigi Nono en collaboration avec Massimo Cacciari et Renzo Piano. Cette recherche a été effectuée principalement sur la base de la lecture des écrits de Luigi Nono et sur l'étude des manuscrits, des dessins et de la correspondance conservés dans l'Archivio Luigi Nono à Venise et dans les archives de la Fondazione Renzo Piano à Gênes. J'ai ensuite interviewé quelques-unes des personnes liées de diverses manières à l'expérience de Prometeo. Ma thèse est organisé en trois parties: une première partie qui concerne le rôle de l'espace dans la musique du XXe siècle et dans les œuvres de Luigi Nono précédentes par rapport à Prometeo : une deuxième partie dans laquelle est approfondi le processus de composition qui a conduit aux représentations de Prometeo à Venise, Milan et Paris ; une troisième partie dans laquelle j'ai pris en compte ce qui s'est passé après Prometeo et j'ai réfléchi sur les contributions que cette expérience peut apporter à la conception d'espaces pour la musique, en analysant différentes versions de l'œuvre sans l'arche et en prenant en considération les projets de l'auditorium de l'International Art Village de Akiyoshidai et de la salle de la nouvelle Philharmonie de Paris
Architecture and music. Space and time. Sound. Experience. These are the key words on which my research is based. It all started from the intuition of the existence of a link between two disciplines to which I have devoted much time and study, along two parallel academics paths: the school of architecture and the conservatory. After a long process of identification and analysis of the infinite possible approaches to the topic, I chose to focus on one of the most emblematic example of collaboration between an architect and a musician of the twentieth century: "Prometeo, tragedia dell’ascolto" (1984), composed by Luigi Nono in collaboration with Massimo Cacciari and Renzo Piano. Through the study of Prometeo, I was able to deal with many possible interpretations of the interdisciplinary relationship between music and architecture. The research was mainly carried out by analysing the writings of Nono and by studying the documents stored at Archivio Luigi Nono and Fondazione Renzo Piano. The dissertation consists of three parts: the first part deals with the role of space in Nono's works preceding the Prometeo, highlighting the importance of cultural and sound environment in Venice: the second part explores the composition process that led to the set-up Promefeo in Venice, Milan and Paris; the third part deepens what happened after Prometeo, and reflects on the contributions that this experience can give to the design of spaces for music, analysing different setups of the play without the ark, and studying the projects of Akiyoshidai's International Art Village and the concert hall of the new Philharmonie in Paris. The study of the experience of Prometeo aims to encourage the curiosity to research, and the experimentation of those 'infiniti possibili’ of the architectural and musical composition mentioned by Nono

Cette thèse vise à établir un système informatique permettant le calcul de structures musicales, leurs représentations/manipulations à un niveau compositionnel, ainsi que leurs diffusions interactives. Elle constitue une étude à la croisée de multiples domaines informatiques : la modélisation des systèmes discrets, l'ordonnancement, la conception logicielle ou encore les interfaces homme-machine. Nous proposons une architecture dans laquelle la modification des programmes peut affecter leurs sorties, y compris durant la phase de restitution, tout en conservant les avantages compositionnels d'une approche temps-différé. Nous introduisons également de nouveaux outils pour planifier leur exécution grâce à la conception de scenarios dynamiques, que nous appelons la meta-composition. Les mécanismes de calcul et de restitution sont entremêlés : la restitution peut être affectée par des calculs qu'elle a elle-même déclenchés. Les différents résultats décrits dans ce manuscrit sont implantés dans le logiciel de composition OpenMusic, qui peut alors modéliser les ¿uvres à la fois comme des structures musicales et comme des programmes en continuelle exécution
This thesis aims at designing a computer system enabling the computation of musical structures, their presentation/handling on a compositional side, and their interactive rendering. It is a study at the crossroads between several computer science research fields : discrete systems modeling, scheduling, software design and human-computer interfaces. We propose an architecture where program editing can affect their outputs, including during the rendering phase, while preserving the compositional benefits of a deferred-time approach. Compositions are therefore considered as continually running programs, where computation and rendering mechanisms are interleaved. We introduce new tools and interfaces to arrange their execution through time thanks to dynamic temporal scenario scripting, which we call meta-composing. The different results described in this manuscript are implemented in the computer-aided composition environment OpenMusic

L’église paroissiale de Saint-Martin-des-Champs, dans l’actuel 10e arrondissement de Paris, fut fondée au début du Second Empire, en 1854, pour répondre à l’attente de la population d’un faubourg de Paris en pleine transformation, le quartier du Château-d’Eau. Érigée au 36, rue des Marais, grâce au zèle et à la générosité de l’abbé Bruyère, le premier curé de la paroisse, elle fut ouverte au culte, le 31 janvier 1856.La présente thèse est l’étude d’un cas unique à Paris. Elle montre comment, au fil d’un siècle et demi, l’histoire de Saint-Martin fut celle d’un établissement provisoire – l’église était destinée, tôt ou tard, à être remplacée et démolie – voué finalement à une pérennité institutionnelle : l’église se dresse et est en fonction, comme au premier jour. Le bâtiment, lieu de culte et de rassemblement des fidèles, est le corps de cette monographie. Ses murs portent la trace inextricable de cette condition provisoire devenue définitive et témoignent, dans la topographie urbaine et religieuse de la capitale de son origine inséparable de celle des autres succursales créées à la même époque, en réponse aux besoins de l’évangélisation et au désir de l’archevêque de Paris, Monseigneur Sibour.L’intérêt intrinsèque de l’histoire de Saint-Martin justifiait une approche monographique spécifique. Sa singularité, que le cadre juridique de la séparation de l’Église et de l’État, au début du XXe siècle, a effacée, nécessitait que nous en montrions les facteurs ainsi que les enjeux institutionnels et artistiques indissociables des données historiques. Au croisement de la géographie urbaine, de l’histoire religieuse, politique et sociale, de l’histoire de l’art (architecture, peinture), de la musique et de l’organologie, notre étude se veut à chaque instant comparative pour comprendre ce qui s’est joué, décidé et réalisé à Saint-Martin. Il était nécessaire de rapporter nos recherches à d’autres cas particuliers, déjà étudiés ou non. Les similitudes et les divergences permettent d’affiner, en y intégrant nos données et conclusions particulières, l’histoire dans ses grandes lignes
The parish church of Saint-Martin-des-Champs in the current 10th district of Paris, was founded at the beginning of the Second Empire, in 1854, to meet the expectations of the population of a suburb of Paris in full transformation, the neighborhood of Château-d'Eau. Erected at 36 rue des Marais, thanks to the zeal and generosity of Father Bruyère, the first parish priest, it was opened for worship on January 31, 1856.In this dissertation is investigated a unique case in Paris. It is demonstrated how, over a century and a half, the history of Saint-Martin was that of a temporary facility (sooner or later, the church was meant to be demolished and eventually replaced) which, by virtue of exceptional institutional sustainability, has remained in service until today. The building, a place of worship and of gathering of the faithful, is the focus of this monograph. It can be witnessed on its walls the inextricable traces of this transition from provisional to permanent premise. In the urban and religious topography of the capital, these traces bear witness of its history and origins inseparable from the other succursales constructed at the same time in response to the needs of evangelization, and the desire of the archbishop of Paris, Monseigneur Sibour.The intrinsic interest of the history of Saint-Martin justified a specific monographic approach. The peculiar status of the church ended with the law of the separation of Church and State introduced in the early twentieth century. Thus, it was necessary to bring to light its factors as well as its institutional and artistic stakes inseparable from the historical context. At the intersection of urban geography, religious, political and social history of art (architecture, painting), music and organology, this study aims for a comparative approach to understand what happened, what was decided and implemented at particular moments in Saint-Martin. In doing so, it was necessary to extend the research to other special cases already investigated or not. The similarities and differences that had emerged allow to refine the historical outline of the church of Saint-Martin

La thèse analyse la relation entre le cinéma et l'anachronisme. En partant des enjeux de la notion d'anachronisme en termes d'écriture de l'histoire et de discours autour de la mémoire, ce travail se propose de traiter certaines pratiques cinématographiques présentant une relation étroite avec une volonté de réflexion sur les temps et les chronologies. A partir d'une pratique spécifique comme le film-essai, dont on analyse les caractères en sens esthétique, un discours se dégage sur les liens entre le cinéma et le temps, entre la pluralité des formes de l'image et un temps anachronique capable de questionner les formes, les histoires, les lectures, les rapports. Si les Histoire(s) du cinéma (1988-97) de Jean-Luc Godard posent la grande question du sens du cinéma, de sa pluralité dans un réseau dense et complexe, Tokyo-Ga (1983) de Wim Wenders questionne les relations entre un cinéma passé et des formes plus actuelles, entre une mémoire du cinéma et la recherche difficile d'un présent de l'image. Chris Marker, avec Sans soleil (1982) et Level Five (1996) croise le cinéma, les images et leurs transformations aux rapports complexes entre passé, présent et futur, dans un contexte où le temps peut se déployer selon les formes de l'image. Dans certains de ses essais, Alexander Kluge assigne une importance stratégique aux images de tout type, mais aussi aux relations entre les images que nous produisons et notre histoire. Tous les parcours analysés font surgir certaines questions théoriques relatives aux pratiques du regard : toute image est le signe d'un agencement complexe entre l'histoire et notre travail à partir de là, selon une pratique plurielle des images
This thesis analyzes the relationship between cinema and anachronism. Starting from anachronism as an important topic in history writing and memory discourses, this work intends to deal with some film practices with a strong will if reflection about time and chronologies. Starting from a specific practice as the essay film, analyzed from an aesthetical point of view, a topic comes out about the links between cinema and times, between a multiplicity of image forms and an anachronic time questioning forms, histories, interpretations, links and relationships. If Jean-Luc Godard's Histoire(s) du cinéma (1988-97) questions the sense of cinema itself, his plurality in a dense, complex network, Wim Wender's Tokyo-Ga (1983) interrogates some links between past cinema and more actual film forms, between a memory of cinema and the difficult search for the image's present, actual time. With Sans soleil (1982) and Level Five (1996), Chris Marker crosses cinema, images and their transformations with the complex links between past, present and future, in a context in which time can be presented according to the images forms. In some of this essays, Alexander Kluge gives strategie importance to images of every sort but also to the relationship between the images we produce and our history. All the analyzed films develop some theoretical questions about gaze's practices : every image is the sign of a complexe relationship between history and our starting from history, in accordance with a plural practice of the image

Le titre principal de cette thèse veut répondre autant à des problèmes d'ordre conceptuel - l'analyse de l'espace à partir du son et du temps-, qu'à des problèmes concrets d'ordre géographique - l'identification des territoires à partir de leur production musicale-. Le sous-titre correspond à la polarisation géographique entre un type d'habitat dirigé vers l'intérieur de la Colombie, et un autre laissé aux marges, et à l'extérieur des manœuvres du « développement »-. On propose donc un parcours entre le « clos résidentiel entre le « clos résidentiel », représentant par excellence d'un mode de vie dirigé vers un intérieur géographique et ontologique, et le Palenque de San Basilio, représentant des multiples villages d'esclaves évadés de la ville de Cartagena à partir du XVIIe siècle, où a perduré un model collectif d'usage de la terre et de l'espace selon une ancienne cosmologie
The title of this thesis tries to respond to conceptual problems -the analysis of space using sound and time-, as well as specific and geographical problems, like the construction of certain territories from their musical production. The sub-title corresponds to a geographic polarization between a type of dwelling directed towards Colombia' s interior and another one left on the periphery and outside the country's «development» strategies. This thesis proposes an itinerary through this two kinds of dwelling: the gated community, which represents a life style directed towards a geographical and ontological interior, and the Palenque de San Basilio, which is the last of many villages constructed around the city of Cartagena by fugitive slaves at the turning of the XVII th century, and where has prevailed a collective usage of land and space based on an ancient cosmology

Célèbre compositeur et enseignant, Vincent d’Indy est moins connu pour l’intérêt qu’il porta tout au long de sa vie aux beaux-arts. Il pratiqua le dessin et la peinture pendant plusieurs décennies et parcourut l’Europe à la recherche des plus beaux sites historiques et des plus fameux musées. Sa fréquentation des artistes et des mécènes dans les Salons et les expositions lui permit d’avoir de fructueux échanges avec de nombreux plasticiens. Son obsédante référence à la nature dans ses aquarelles apparaît également dans ses poèmes symphoniques ou ses opéras. Cette thématique bucolique s’inscrit dans une sphère d’influence romantique qui jalonne ses compositions. Enfin, son approche de l’histoire de la musique est réhaussée de multiples références esthétiques. Elles nous éclairent sur ses influences, d’Émile Mâle à John Ruskin en passant par Félicité de Lamennais
The celebrated composer and professor Vincent d'Indy is less well-known for his lifelong interest in the arts. He drew and painted for many decades, and he travelled throughout Europe looking for the most beautiful historical sites as well as the most famous museums. Associating with artists and patrons of art in salons and exhibitions enabled him to benefit from contact with numerous painters or sculptors. His constant reference to nature in his watercolours was also apparent in his symphonic poems or operas. This rustic theme places him in a field of romantic influence in which compositions blaze a trail. Also, his approach to the history of music is heightened by the many aesthetic references which throw light on his influences, such as Émile Mâle, John Ruskin or Félicité de Lamennais

Dplg des Beaux-Arts de Paris, Paul Tissier cultive de nombreuses relations parmi les artistes, les architectes (les frères Carlu) et les musiciens (Gabriel Fauré) de son temps. Réputé dans le domaine de l'aquarelle il fonde l'orchestre symphonique des Beaux-Arts, «Le Violon d'Ingres ». Investi dans la reconstruction de la Meuse et le mouvement régionaliste, Tissier prône, sous une forme traditionnelle, le progrès dans la conception et la construction et entame une réflexion originale sur la typologie et la modularité de l'habitat. Pour la Côte d'Azur, dès 1921, il propose sur catalogue des villas modernes inspirées de l'architecture provençale. Entre 1924 et 1926, Tissier transpose son expérience d'artiste et sa réflexion d'architecte dans la conception de grandes fêtes mondaines. Exigeantes et créatives, proposant des attractions de qualité, les « Fêtes d'Art» transforment intégralement les lieux dans lesquels elles se déroulent par des architectures éphémères ornées de fastueuse toiles peintes. Malgré la célébrité due à cette entreprise, Tissier disparaît trop tôt pour passer à la postérité. La découverte d'un considérable fonds d'archives (400 éléments de décors, un millier de documents) a permis de mesurer la cohérence de ce travail. Loin d'être en contradiction avec sa formation centrale, son parcours atypique prolonge autant qu'il renforce sa nature d'architecte. De même, selon qu'il agisse pour un client ou qu'i1 défende des conceptions personnelles, qu'i1 se présente en tant qu'expert ou urbaniste, Tissier joue des « rôles» variés qui interrogent la pratique de l'architecture.

Le paysage sonore relève de la discrétion. L’écoute est une expérience solitaire dont le raffinement potentiel reste difficile à cerner par le langage, contaminé par l’image.Il existerait pourtant des formes de visualisations sonores dans l’art, qui nous permettraient paradoxalement d’aller au plus près des nuances de l’écoute et de révéler des aspects in-vus du paysage. Oubliés, inconscients, peu ou non encore repérées, mais non muets pour cela, ils participeraient à notre habiter. L’expérimentation constructive, c’est-à-dire l’écouter renforcé par un modus operandi spécifique, « la plongée », sorte de technique de chute, progressivement réelle, virtuelle autorisant des ajustements posturaux très fin, et le représenter quasi aveuglément, nous aiderait à les retrouver. La visualisation sonore opèrerait d’abord comme un outil de médiation. Parce qu’elle jongle délibérément avec la multi-sensorialité, elle permettrait de distinguer entre ce qui est donné à voir (figure) et ce qui est donné à vivre (fond).Elle fonctionnerait ensuite comme un support d’analyse, qui nous permettrait d’examiner l’action in situ in vivo d’un corps qui non se représente, mais qui trace pour mieux s’inscrire dans le mouvement. Doté d’une haute réceptivité et créativité, il serait capable d’assimiler le jeu d’une playing aura toujours plus actuelle par la convolution des gestes corporels (postures d'écoute, gestes plastiques) et ambiants (le « déjà là » sans qu’on en ait forcément conscience : les effets de la forme construite, les effets climatiques, culturels et sémantiques). Le mouvoir ensemble des corps et corporéités se densifierait momentanément sous forme de nœuds. L’organisation discrète, néanmoins concrète de ces figures de synthèse des transitions, de ces sommes, esthétiques, sensibles et intensives, que nous appellerons aussi des « motifs » de l’écoute, serait typique. Nos modes exploratoires et de restitution nous appendraient à les lire. Cela nous permettrait non seulement de nous comprendre en tant qu’êtres parmi des créatures tempérées, mais de découvrir un paysage simultanément guide et conséquence, dont l’habiter/construire se déclarerait dans et par son architecturation élastique, poreuse et à pouvoir intime. Nous serions alors en mesure d’opérer un bougé d’apparence du paysage. Nous examinerons l’ensemble de ces expériences à l’aide de notre corpus premier (d’origine artistique), tout en les raisonnant à l’aide de critères d’évaluation mixtes (Art, Architecture). Nous vérifierons nos modes d’exploration et de restitution à l’aide d’examens cognitifs. Nous les réfléchirons encore à travers des arguments phénoménologiques et philosophiques. Nous-nous intéresserons ensuite aux environnements artificiels. Nous pensons en effet qu’ils interviennent dans la texture de nos expériences. Comme elles instaurent des gestuelles normées qui assistent de plus en plus nos actes contemporains d’habiter/construire, elles méritent d’être évaluées. Tout en nous appuyant ici sur notre corpus second, qui se compose d’enquêtes auprès d’autres sujets percevants, nous analyserons les conséquences d’une telle incarcération technologique des gestes et plus précisément le comment elle interfère avec nos perceptions et nos représentations. Nous examinerons également des interfaces sensoriellement et gestuellement enrichies. Nous y étudierons les étiquettes, les décalages et les handicaps culturels. Nous réfléchirons enfin sur l’incorporation de nos mesures à l’intérieur des outils et maquettages existants. Nos modes d’exploration et de restitution s’illustreraient comme des auxiliaires de l’écoute sensible, qui deviendrait communément partageable. Instruments-mêmes d’une linguistique de l’in-vu, dont le spontané sophistiqué nous aiderait de nous mettre à la place de l’autre, ils permettraient de créer des connexions, de partager et de croiser nos idées, de faire évoluer nos interconnaissances et de concevoir des constructions collaboratives
Soundscape noticed to discretion. Hearing is a solitary experience whose potential refinement remains difficult to surround by language because its visual contamination.There exist yet kinds of sound visualisations in art, which would paradoxically permit us to approach very close nuances of hearing and to wander to un-viewed aspects of landscape. Forgotten, unconscious, but not mute at all, they are a part in our living and constructing activities. The constructive experimentation, which means the action of hearing reinforced by a specific modus operandi, a kind of falling, called « the plunge » and the quasi blind representing, could help us to discover them again. This technique, gradually real, virtual would complete the experience by finely postural adjustments.The sound visualisation operates here first as a tool for mediation. Wilful juggling with multi-sensory generated meaning it permits us not only to distinguish both which is given to see (figure) and to live (fond, substance), but also to discover the action of a body which is not representing it-self but tracing in the aim of better inscription into the movement. By virtue of high receptivity and creativity this body would be able to assimilate a playing aura which means the main present, conscious and unconscious, always topical because of the convolution of bodily gestures (listening poses, plastic expressions) and ambient gestures (the yet there, not automatically conscious: the acoustic, climatic, cultural and semantic effects). The moving together of bodies and body like beings would momentarily become denser and shaping knots. The discreet nevertheless concrete organisation of these synthetic figures of transitions, of this aesthetic, sensory and intensive summary, which we call even listening patterns, in the sense of motif, is typical. Our exploration and reproduction modes would help us to learn to interpret them.From then, we would not only understand us as beings among other tempered creatures, but also discover a landscape simultaneously guide and consequence, whose elastic, porous and intimate proceedings and values of living/constructing would make us able to carry out a fade of landscape appearance.We will study all these experiences through our principal corpus (artistic one). We will argue them by mixed evaluations (artistic, architectural ones). We will verify our exploration and restitution modes by cognitive exams. We will think about them by phenomenological and philosophical reasoning.After this we wont become interested by artificial environments. We think in fact that they intervene in the texture of our experience. As they institute normed gestures, which assist more and more frequently our contemporary living/constructing acts they need to be gauged. Leaning on our secondary corpus, which is composed by investigations with other perceiving subjects, we will analyse the consequences of this kind of technological imprisonment of the gestures and precisely the how they interfere with our perceptions and representations. We will also examine gestural and sensory enriched interfaces. The sound visualisation would help us to make etiquettes, shifts and handicaps clear, to think about incorporation of our measurements into the existing tools and models.Our exploration and restitution modes would make us more attentive for sensible aspects of listening, which would become a common divisible. Linguistic instruments of the un-viewen whose sophisticate spontaneous would help us to set to the place of our next neighbour they would permit us to create connexions, to divide up and to cross our ideas, to mature our mutual knowledge and to conceive collaborative constructions