Academic literature on the topic 'Musique (UMI : 0413)'

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Ce mémoire comprend à la fois l’analyse et les partitions de toutes les oeuvres que j’ai composées tout au long de ma maîtrise, ainsi que les documents nécessaires à leur écoute et visionnement. Les analyses détaillées porteront essentiellement sur les pièces « Sirus-l’étoile double » pour orchestre symphonique et « La légende d’Astre d’Or » pour orchestre à vent, qui sont deux oeuvres de concert d’environ vingt minutes chacune et qui ont fait l’objet d’une commande par des orchestres amateurs. Le reste du mémoire sera consacré à quelques petites pièces de concert ainsi qu’un chapitre essentiel qui portera sur les musiques de sept petits films d’animation 2D et 3D d’étudiants finissants. Il ne s’agira donc pas de porter essentiellement l’analyse de l’ensemble des oeuvres de ce mémoire sur le côté intellectuel de la construction de chaque thème ou de chaque motif, mais évidemment sur la relation qu’elles entretiennent avec une histoire ou et des images ainsi que les émotions qui en découlent.
This thesis includes analysis and scores for every work I have composed as part of my Master’s degree, as well as documents necessary for listening and viewing. The detailed analyses essentially concern the work “Sirus-l'étoile double” for symphony orchestra and the work “La légende d’Astre d’Or” for wind orchestra, both of which are about twenty minutes in length and were the result of a commission from amateur orchestras. The rest of the memoir is dedicated to some short concert works and an essential chapter about music for students of 2D and 3D animated short films. The purpose of these analyses concerns not so much the intellectual side of the construction of every subject or motif, but the relationship the music has with a particular story and or image as well as the feelings that ensue from it.

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Ce mémoire de maîtrise parle de la démarche derrière la composition de trois pièces électroacoustiques. Ladite démarche consiste principalement à tenter d'établir un rapport geste-son clair en musique électronique. Une critique est formulée à l'égard des moyens de production électroacoustiques : les outils disponibles ne permettent pas l'utilisation de gestes expressifs. Un réel rapport geste-son permettrait de retrouver le côté ludique du jeu instrumental et d'établir un lien plus intime avec le public lors des concerts. Il est suggéré que l'utilisation d'interfaces mieux adaptées à l'expression musicale pourrait être une solution à ce problème. S'ensuit un survol critique d'un éventail d'interfaces. Cette critique sert de base au design de l'éponge, l'interface qui sera utilisée pour la performance de deux des trois pièces composées dans le cadre de ce mémoire. Les questions de l'expressivité et de la virtuosité dans un tel contexte sont abordées. L'éponge est décrite en détail : construction et stratégies de captations. Les trois pièces composées dans le cadre de ce mémoire sont ensuite présentées. Le discours musical, les matériaux, la structure, la spatialisation et le mapping sont discutés individuellement pour chacune des pièces.
This master's thesis is about the creative process that lead to the composition of three electroacoustic pieces. The main objective of that process was to establish a clear connection between gesture and sound. A critique of the means of production in electroacoustic music is formulated. It is argued that the tools available do not allow the use of expressive gestures. A clear link between gesture and sound would help to restore the playfulness that exists when playing an instrument as well as to strengthen the connection with the audience during concerts. It is suggested that using interfaces better adapted to musical expression could be a mean to reach that goal. Afterward, a few interfaces are reviewed and criticized. The conclusions drawn from those reviews are used as the bases for the design of the sponge, the interface used for the performance of two of the three pieces attached to this thesis. The questions of expressivity and virtuosity in such a context are addressed. The sponge is described in details : construction and sensing techniques. The three compositions are then presented. Musical discourse, sounds used, structure, spatialization and mapping are all discussed individually for each work.

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La présente recherche développe le projet d’écrive quatre compositions pour différents groupes d’instruments réunies autour de l’idée des quatre éléments (terre, eau, feu, air). La recherche comprend : une courte description de l’idée même de ces éléments dans la culture en général et en musique en particulier; l’éclairage du brusque changement au début du vingtième siècle présentant tout une autre approche, avec de grands compositeurs comme Debussy, Scriabine et Stravinsky; la partie principale avec l’analyse des œuvres musicales et les conclusions. Bien que la portée de l’idée même des éléments ait été estimée à sa juste valeur, son rôle dans la musique n’a jamais été suffisamment évalué. L’idée des éléments et la création de la musique expriment un aspect dynamique de l’être et le principe de l’unité dans la diversité. A ma connaissance un pareil rapprochement n'a encore jamais été signalé, ce qui permet de le considérer comme l’hypothèse de ladite recherche. Comme les compositions de mon doctorat comptent sept œuvres unies par le même sujet, on peut parler de différentes manifestations de l’idée des éléments et de la diversité des moyens. Telle est la valeur principale de la recherche. Quatre œuvres analysées – « On a Russian Theme » pour orchestre symphonique, « Zodiac Signs » pour orchestre de chambre, « Mount Fuji » pour deux pianos et orchestre, « Que Dieu Soit » pour chœur, orgue et hautbois - présentent une sorte de cycle malgré la différence de genres et d’instruments. Bien que les quatre éléments soient présents différemment dans chaque œuvre, un unique élément domine dans chacune : la terre dans « Sur un Thème Russe », l’eau dans « Signes de Zodiac », le feu dans « Fuji », l’air dans « Que Dieu Soit ». La particularité de l’analyse est l’accent porté sur l’expression des éléments par les moyens de la musique. C’est tout d’abord l’orchestration et la texture ainsi que l’harmonie, la mélodie, le contrepoint et la forme.
The present thesis analyses the ideas of four works for various orchestral ensembles, all united by the concept of the four elements of nature: earth, water, fire, and air. This includes a brief consideration of what meaning has been attached to the idea of the elements in culture in general and in music in particular; a review of the qualitative change in the approach to the idea of the elements which occurred at the turn of the twentieth century in the works of composers such as Debussy, Scriabin, and Stravinsky; and an analysis of musical works with conclusions. Although the idea of the elements has been considered thoroughly in the history of human thought, the application of this idea to music has been clearly underestimated. At its deepest level, both the idea of the elements in its universal meaning and musical creativity per se express the dynamic aspect of being and unity in diversity. To my knowledge, this connection has never been observed, which is why this connection can be considered as a hypothesis of the present thesis. Since this doctoral project encompasses seven works exploring the same theme, it would be only logical to use a multi-faceted presentation of the idea of the elements and its multifarious expression by a variety of means. This is the main purpose of the present project. The selection of four out of the seven works for analysis is further explained in the main body of the dissertation. The four works under consideration are On a Russian Theme for symphony orchestra, Zodiac Signs for chamber orchestra, Mount Fuji for two pianos and orchestra, and Que Dieu Soit for choir, organ, and oboe. Together the four works constitute a kind of cycle despite the variety of genres and performing groups. In each piece, one of the four elements assumes a dominant position, although the elements are presented differently in each of the works. In On a Russian Theme, earth is in the foreground; in Zodiac Signs, it is water; in Mount Fuji, fire; and in Que Dieu Soit, air. The particularity of the present analysis is the emphasis laid on the expression of the elements by musical means and their unity as far as artistic imagery is concerned.

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Les musiciens étrangers installés au Québec ont contribué à l’édification et au développement de la vie culturelle, et leur influence sur le milieu musical est loin d’être négligeable. Mais que connaît-on des conditions d’intégration socioculturelle et professionnelle de ces musiciens immigrants ? Quels obstacles rencontrent-ils, quelles stratégies développent-ils pour poursuivre leur carrière professionnelle dans un nouveau contexte social et artistique ? Cette recherche aborde un des aspects de la vie musicale québécoise à travers la problématique de l’intégration socioculturelle et professionnelle d’interprètes immigrants de musique savante occidentale (ou musique classique). S’appuyant sur le parcours de musiciens installés à Montréal depuis trente-cinq ans et moins, l’étude s’articule autour de quatre axes : l’impact de l’immigration sur les interprètes étrangers; leur processus d’intégration; l’influence du contexte socioculturel et musical sur les stratégies d’adaptation développées par ces musiciens; leurs apports au milieu musical québécois. Basée sur une approche sociomusicologique à partir d’une méthodologie mixte – étude théorique et enquête de terrain –, cette recherche se présente comme une enquête exploratoire visant à dresser un tableau général des situations rencontrées par les interprètes immigrants dans leur trajectoire d’intégration. Un cadre théorique a tout d’abord été bâti afin d’exposer, d’une part, les particularités du métier d’interprète (apprentissage et professionnalisation) et, d’autre part, les diverses étapes de l’immigration et de l’intégration et leurs spécificités. Ensuite, en replaçant dans ce cadre théorique les données recueillies sur le terrain, l’étude plus approfondie de cinq cas particuliers a permis d’appréhender la problématique à travers l’expérience des interprètes immigrants, et d’observer les stratégies qu’ils ont développées en réponse aux situations rencontrées; un de leurs plus grands défis étant de trouver un équilibre entre leurs codes culturels et musicaux et ceux de la société d’accueil. L’étude de cas s’appuie sur la mise en parallèle du cheminement d’interprètes installés à Montréal depuis trente-cinq ans et moins, l’objectif étant de mesurer les incidences des changements survenus dans le milieu musical sur le processus d’intégration socioprofessionnelle de ces musiciens. L’analyse des données recueillies révèle que ce n’est pas grâce à leur formation en musique classique que les interprètes immigrants réussissent à intégrer rapidement le milieu professionnel actuel, mais grâce à leur pratique parallèle de la musique traditionnelle de leur pays d’origine. Cette nouvelle dynamique d’adaptation, favorisée par les politiques de valorisation de la diversité culturelle, entraîne un glissement progressif de l’intérêt des organismes de soutien au développement artistique vers les musiques traditionnelles ou métissées. S’oriente-t-on vers un changement de paradigme conduisant à la perte graduelle de la prédominance du répertoire classique chez les interprètes immigrants, au profit du répertoire traditionnel ?
Foreign musicians living in Quebec contributed to build and develop cultural landscape, and their influence on the musical world is far from negligible. However, what do we know about sociocultural and professional conditions of integration for these immigrant musicians? What challenges do they encounter? What strategies do they develop to move on with their professional career in a new artistic and social context? This research addresses one of the aspects of Quebec’s musical life through the problematic of the sociocultural and professional integration of immigrant performers of (learned) Western art music (or classical music). Based on the career of musicians living in Montreal since thirty five years or less, this study revolves around four axes: the impact of immigration on immigrant performers; their integration process; the influence of the sociocultural and musical context on the adaptation strategies these musicians developed and their contribution to Quebec’s musical world. Based on a sociomusicologic approach from a mixed methodology – theoretical study and field survey - this research is presented as an exploratory survey aiming to draw a general picture of the situations encountered by the immigrant performers in their integration. A theoretical framework was first prepared in order to expose, on one hand, the peculiarities of the work of performer (learning and professionalization) and, on the other hand, the different steps of immigration and integration, as well as their specificities. Then, by placing in this theoretical framework the data collected on the field, a more in-depth study of five particular cases allowed to apprehend the problematic through the experience of immigrant performers and to observe the strategies they developed to pass by the situations they had to face; one of their greatest challenge being to find the balance between their musical and cultural codes and those of the host country. The study of cases is driven by the parallel exposure of the experience of performers living in Montreal since thirty five years or less, the objective being to measure the incidence of the changes that happened in the musical milieu onto their socioprofessional integration process. Data analysis revealed that fast professional integration of immigrant performers is rather due to the parallel practice of traditional music from their home country than to their formation in classical music. This new dynamic of adaptation, favored by policies of valorization of cultural diversity, causes a progressive shift of organisms’ interests towards traditional or mixed musical genres. Are we going forward to a change of paradigm, leading to the gradual loss of the predominance of the classical repertoire within immigrant performers, for the benefit of the traditional repertoire?

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Ce mémoire présente les résultats de mes deux années d’études à la maîtrise en composition instrumentale à l’Université de Montréal. J’ai concentré mes recherches sur l’intégration du synthétiseur dans la musique de concert instrumentale, en plus de tenter de développer un langage personnel, en particulier en ce qui a trait à l’harmonie et au rythme. Ce texte présentera une analyse de ces différents éléments, à travers l’étude du corpus d’œuvres composées en vue de ce mémoire. En ce qui concerne la recherche sur l’intégration du synthétiseur, il sera question de la relation entre cet instrument électronique et les instruments acoustiques traditionnels, que ce soit par opposition, fusion ou dialogue musical. De plus, les problématiques propres à cet instrument seront abordées (programmation des sonorités, interprétation, notation, etc.).
This masters thesis presents the results of my two-year study in musical composition at Université de Montréal. My research focused on developing an original and personal musical language, with an emphasis on harmony and rhythm. It focused also on the integration of the synthesizer in a traditional concert setting. This paper will analyze these elements by studying a body of pieces composed for this masters degree. Regarding the study of the synthesizer, this text will be about the relationship between this electronic instrument and the traditional acoustic instruments, whether it be opposition, blending to an ensemble or musical dialogue. Furthermore, some questions about this instrument will be addressed (patch programming, live interpretation, notation problems, and so on).

Réalisé au sein de l'IRCAM, en cotutelle avec Philippe Leroux. La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal.
« Vers une musique autogérée », est un regard sur mes œuvres des trois dernières années : un quatuor à cordes, un quatuor pour flûte basse, saxophone baryton, percussion et piano, une pièce pour voix de femme et douze musiciens et une pièce pour silent piano et dispositif électronique, qui sera le chapitre le plus exhaustif. Tout au long de cette étude, on examinera les notions qui m’inspirent, les points de départ de chaque pièce ainsi que les moyens employés pour arriver au bout de chaque idée. On parlera du tandem « intuition – processus » et comment il s’exprime chaque fois de façon différente, des réseaux qui se créent dans la musique, on abordera le concept omniprésent de l’incompatibilité et les relations que cela autorise, et on suivra l’évolution progressive de l’écriture vers une musique qui se veut « autogérée », en examinant comment ce terme se manifeste, selon les différents contextes.
« Towards an autoregulated music » is a look on my works of the past three years: a string quartet, a quartet for bass flute, baritone saxophone, percussion and piano, a work for female voice and twelve musicians and a piece for silent piano and real time electronics, the most thorough chapter. Throughout this study, we’ll examine the notions that inspire me, every piece’s starting points and the means applied to take every idea to its full potential. We’ll talk about the tandem « intuition – process » and how it’s expressed every time in a different way, the networks that exist in the music, we’ll approach the ever-present concept of incompatibility and the relations it allows, and we’ll follow the gradual evolution of the writing towards a music that calls itself « autoregulated », considering how this term is expressed, in different contexts.

La présente recherche aborde la notion d’écriture technomorphe dans la musique contemporaine. Ce procédé, consistant à transposer des modèles électroniques dans la domaine instrumental, est apparu peu après la création des studios de la Westdeutscher Rundfunk (WDR) et du Groupe de Recherche Musicale (GRM). Au cours de ce mémoire, nous verrons l’origine et l’évolution de cette écriture, ses possibles formes ainsi que des exemples de sa dissémination dans la musique contemporaine. Nous présenterons également quatre oeuvres, réalisées dans le cadre de la maîtrise, proposant l’idée de musique hantologique instrumentale, écriture technomorphe inspirée par les artéfacts audio venant de la défectuosité des supports d’enregistrement analogiques et numériques.
This research explores the notion of technomorphic writing in contemporary music. This process, consisting of transposing electronic models into instrumental music, appeared shortly after the creation of the Westdeutscher Rundfunk (WDR) and Groupe de Recherche Musicale (GRM) studios. This dissertation addresses the origin and evolution of this approach, its possible forms and examples of its dissemination in contemporary music. Four new pieces, created during this master's degree, further explore the idea of hauntological instrumental music, inspired by audio artifacts from the defective analog and digital recording media.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU).
Ce mémoire s’intéresse à la citation d’œuvres romantiques par le groupe rock britannique Muse, à partir d’une dizaine de chansons représentatives de son style. Bien qu’il ne soit pas rare qu’un groupe rock se base sur une œuvre antérieure pour écrire une nouvelle chanson, Muse constitue un cas particulier puisqu’il fait très peu usage de citations littérales. Cette étude s’inspire principalement des théories de Gérard Genette et de James Peter Burkholder et classe les emprunts en diverses catégories, dont l’allusion, la paraphrase, la citation programmatique, l’arrangement cumulatif et le modelage. Dans ce dernier cas, Muse assimile l’emprunt pour communiquer une coloration romantique à sa musique, à la manière d’un pastiche. Au moins cinq chansons du groupe évoquent le Deuxième Concerto pour piano de Rachmaninov, soit « Megalomania », « Ruled by Secrecy », « Space Dementia », « Butterflies and Hurricanes » et le prélude instrumental de « Survival ». Ce mémoire analyse aussi l’allusion au Premier Concerto pour piano de Tchaïkovski dans « Hoodoo », la paraphrase du thème de l’idée fixe de la Symphonie fantastique de Berlioz dans « Glorious » et la citation de l’opéra Samson et Dalila de Saint-Saëns dans « I Belong to You ». Ce procédé a un impact sur la réception des chansons. Ainsi, la coda de la chanson « United States of Eurasia » cherche à décrire l’état d’innocence menacé par la guerre en combinant des rires d’enfants au Nocturne op. 9 no 2 de Chopin, évoquant la nostalgie d’une époque révolue.
This thesis looks at the citation of Romantic works by the British rock group Muse, based on about ten songs representative of its style. While it is not uncommon for a rock band to use a previous work to write a new song, Muse constitutes a particular case since it makes very little use of literal citation. This study is based primarily on the theories of Gérard Genette and James Peter Burkholder and classifies the borrowings in various categories, including allusion, paraphrase, programmatic citation, cumulative arrangement and modeling. For example, with modeling, Muse assimilates the borrowing in order to communicate a Romantic dimension in its music, similar to a pastiche. At least five songs of the band evoke Rachmaninov’s Piano Concerto no. 2 : “Megalomania”, “Ruled by Secrecy”, “Space Dementia”, “Butterflies and Hurricanes” and the instrumental prelude to “Survival”. This thesis also analyses the allusion to Tchaïkovski’s Piano Concerto no. 1 in “Hoodoo”, the paraphrase of the idée fixe from Berlioz’s Symphonie fantastique in “Glorious” and the citation of Saint-Saëns’ opera Samson and Delilah in “I Belong to You”. This technique has an impact on the songs’ reception. For example, the coda of the song “United States of Eurasia” seeks to describe the state of innocence threatened by war, by combining children’s laughter with Chopin’s Nocturne op. 9 no 2, thus evoking nostalgia of a bygone era.