Dissertations / Theses: 'Musiques du XXe siècle'

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Merdaci, Abdelmadjid. "Musiques et musiciens de Constantine au XXe siècle." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082053.

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Abstract:

L'évolution des conditions d'exercice musical à Constantine au XXe siècle est principalement marquée par le passage de la médina algérienne à la ville européenne. Ce passage consacre autant le changement de statut des musiciens que des musiques désormais régulés au plan économique par le marché et la gestion patrimoniale des musiques par l'état/nation. L'urbanisation du champ musical minorise et marginalise les musiques citadines et sanctionne l'hégémonie des musiques néo-urbaines issues des mutations démographiques de la Constantine d'après l'indépendance

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Kroubo, Dagnini Jérémie. "Histoire emblématique des musiques populaires jamaïcaines au XXe siècle : folklore, politique, spiritualité." Bordeaux 3, 2010. http://www.theses.fr/2010BOR30016.

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Abstract:

Cette thèse de doctorat présente le long processus socio-historico-politique (l’esclavage ; le colonialisme ; l’influence du christianisme; les phénomènes de migration ; la créolisation de la société jamaïcaine ; le dépeuplement des campagnes ; l’urbanisation des populations rurales ; l’américanisation de la société jamaïcaine ; la politique postcoloniale etc. ) et culturel (la religion rasta ; l’influence des musiques africaines, afro-caribéennes, afro-américaines et européennes ; les sound systems ; l’évolution de la technologie etc. ) qui a contribué de manière significative à l’essor et au développement des musiques populaires jamaïcaines au XXe siècle. Ainsi, cette étude retrace l’histoire du mento, du ska, du rocksteady, du reggae, du dub, du dub poetry, du toasting et du dancehall, principaux mouvements musicaux apparus à la Jamaïque au XXe siècle, tout en traitant de manière systématique et approfondie l’arrière-plan socio-historico-politico-culturel qui a agi sur les processus créatifs. Par ailleurs, ce travail de recherche analyse la manière dont ces styles musicaux ont influencé les sociétés du monde entier, notamment celles d’Europe, des États-Unis et d’Afrique
This Ph. D. Dissertation presents the long socio-historico-political (slave trade; colonialism; Christianity’s influence; migration phenomena; creolization of Jamaican society; rural depopulation; urbanization of rural populations; Americanization of Jamaican society; postcolonial politics etc. ) and cultural (Rasta religion; influence of African, Afro-Caribbean, Afro-American and European musical styles; sound systems; evolution of technology etc. ) process which has contributed to the birth and development of Jamaican popular musical genres in the 20th century. Thus, this study traces the history of mento, ska, rocksteady, reggae, dub, dub poetry, toasting and dancehall, the main popular musical genres which appeared in Jamaica in the 20th century, systematically and deeply analyzing the socio-historico-politico-cultural background which has acted on the creative processes. Furthermore, this research work examines the way these musical styles have impacted on worldwide societies, especially those of Europe, the USA and Africa

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Allain, Aurélie. "Musique et ritualité funéraire au XXe siècle." Rouen, 2004. http://www.theses.fr/2004ROUEL481.

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Abstract:

Genèse et fondement de tout l'art funéraire, le rite s'annonce dans la musique du XXe siècle comme l'expression infinie d'une solitude de l'âme. Entendue comme dissolution de l'être, la mort invite au recueillement et témoigne d'un repli hors de la réalité. Par conséquent, une étude des liens existant entre le rituel funéraire et la musique sera fondée sur les données catégorielles d'une esthétique de la mort. Réparties en deux catégories (immanentes et transcendantes), celles-ci soulignent l'intime liaison du rituel funéraire et de la musique au XXe siècle. Ensemble formel dont l'origine est la mort réelle d'un être, le rite funéraire articule le champ de la signifiance musicale. De quelle manière le rite et la musique s'interpénètrent-ils ? Quelles sont leurs différentes façons de s'unir ? Comment la structure rituelle peut-elle correspondre à la structure musicale ? Est-il possible de distinguer des invariants ? Autant de questions qui jalonnent notre propos
Genesis and fundament of the funeral art, the rite appears in the twentieth century as the infinite expression of a loneliness of heart. Understood as the dissolving of being, death invite to meditation and indicates an innermost recess out of the real world. Therefore, a study of the links between the funeral ritual and music will be based on the categories of aesthetics of death. These ones (immanent and transcendental) emphasize the intimate links between the funeral ritual and the music of the twentieth century. Formal body built for the real death of a person, the funeral rite structures the field of the signication of music. How the rite and music do interpenetrate? What are there different ways to unit? How the ritual structure may correspond to the musical structure? Is it possible to distinguish invariants? Some questions punctuating our intention

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Decarsin, François. "La recherche du nouveau en musique au XXe siècle." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010565.

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Abstract:

En quoi consiste la modernité en art? Est-elle inéluctablement vouée à la création de nouveauté ou peut-elle répéter le passé dans un geste d'appropriation? Elle se définit tout d'abord par les différentes perspectives historiques dans lesquelles s'inscrit l'œuvre selon qu'elle reflète l'idée de progrès continu ou qu'elle témoigne au contraire de son indifférence à tout principe d'évolution cumulative. La détermination de la dimension collective dans la création permet ensuite de situer celle-ci dans un réseau de forces antagonistes : celles du conditionnement historique, de l'air du temps, de l'éventuelle présence de structures invariantes face à l'irréductible originalité créatrice. La synthèse de ces recherches s'est opérée à partir d'analyses plus directement liées à la spécificité esthétique de ce siècle : remise en cause de l'écriture tonale, mutation de la conception thématique, rôle de l'évolution technologique, accentuation de la pluralité des expériences, revalorisation de la composante temporelle et de ses techniques d'articulation, relation entre théorie et composition. Des références aux périodes antérieures permettent par ailleurs d'éclairer certaines convergences ponctuelles
What does modernity in art consist of? Is it obliged to involve the creation of something new or can it be a repetition of the past, but in a re-appropriated form? It can be defined, firstly, in term of the different historical perspectives in relation to which a work is situated, depending on whether it reflects the idea of continuous progress or, on the contrary, demonstrates indifference towards the whole principe of cumulative evolution. By determining the collective dimension in creation, it is in turn possible to situate the latter within a network of antagonistic forces : those of historical conditioning, of the fashions of the day, of the possible presence of invariant structures confronting the individual. The synthesis presented in this research is the result of analyses particularly related to the aesthetic specificity of the present century : the mutations in tonal writing and thematic conception, the role of technological evolution, the emphasis placed on the diversity of experience, the manipulative techniques relating to duration, the relationship between theory and composition. Furthermore, references to the past make it possible to shed light on certain particular points of convergence

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Vodenitcharov, Yassen. "L'influence des musiques traditionnelles extra-européennes sur les oeuvres de certains compositeurs de la deuxième moitié du XXe siècle." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0159.

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Abstract:

Au XXème siècle, certains compositeurs se sont intéressés à des sources d'inspiration musicale provenant d'un environnement extra-européen, et ce phénomène s'est accentué surtout à partir des années 1960. Cette recherche s'intéresse principalement aux œuvres de compositeurs tels Luciano Berio, John Cage, George Crumb, Morton Feldman, Gyorgy Ligeti, Olivier Messiaen, Harry Partch, Steve Reich, Giascinto Scelsi, Karlheinz Stockhausen, et quelques autres ayant marqué la seconde partie du XXème siècle, et qui utilisent certaines formules rythmiques, certains principes d'organisation modale, des timbres ou des techniques vocales, ainsi que certains aspects formels et conceptuels, provenant de traditions musicales extra-européennes. L'objectif de cette recherche est de démontrer de quelle manière ces éléments musicaux, issus de cultures exra-européennes, ont été assimilés par les compositeurs, afin de devenir partie intégrante de leur propre langage musical, en nous permettant aujourd'hui de parler de la réalisation d’une synthèse
In the twentieth century some composers researched sources of musical inspiration out of Europe, and this phenomenon mainly increased after the sixties. This research is dedicated to the works of composers like Luciano Berio, John Cage, George Crumb, Morton Feidman, Gyorgy Ligeti, Olivier Messiaen, Harry Partch, Steve Reich, Giascinto Scelsi, Karlheinz Stockhausen, and some others, who marked the second part of the twentieth century, and who use some rhythmic formulas, principles of modal organisation, timbres or vocal techniques, as well as some formaI and conceptual aspects, coming from extra-european musical traditions. The purpose of this research is to show the manner by which these musical elements, coming from extra-european cultures, have been assimilated by the composers, to become an integral part of their own language, so that today we can speak about the realisation of a synthesis

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Anakesa, Kululuka Apollinaire. "L'Afrique noire dans la musique savante occidentale au XXe siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040126.

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Abstract:

L’Afrique noire dans la musique savante occidentale au XXe siècle est un examen de la nature et de la portée des apports africains dans la création musicale savante contemporaine en occident. Si le siècle est une période propice à l'intégration des éléments musicaux et extra-musicaux subsahariens dans la musique élitiste de l'hémisphère nord, le syncrétisme ou l'éclectisme qui en découlent sont, néanmoins, le résultat d'un long processus historique, politique, économique et socioculturel. Cette étude s'appuie sur une analyse essentiellement musicologique et historique, mais aussi anthropologique et ethnomusicologique, et propose une grille des lectures de critères de contacts, de confrontations et de convergences entre les deux cultures musicales en présence. Les approches systématiques et comparatives ont permis la scrutation des matières musicales s'inscrivant dans la filiation de deux traditions "stéréotomiques" distinctes à étagements multiples, tant par leurs données que par leurs facteurs musicaux et culturels. Elles ont aussi aidé à l'analyse des composantes prêtant à diverses lectures des éléments de formes et de fonds, idéologiques et pratiques pour l’Afrique ; philosophiques, scientifiques et techniques pour l'occident. Ainsi pouvions-nous approfondir le rapport musical direct entre les deux continents et la nature des influences, des inspirations ou des emprunts du sud et leur intégration dans la culture musicale savante du nord examinée.

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Filho, Carlos Marigo. "L'allusion musicale au début du XXe siècle." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010708.

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Abstract:

L'intérêt récent (motivé par des procédés compositionnels pratiquées depuis les années 1960) concernant le cote soi-disant "alusif" de la musique du début de ce siècle, représente le point de départ pour une discussion critique d'un certain nombre d'approches plus ou moins actuelles de la musique de Charles Ives et Gustav Mahler. Pour ce faire, on a essayé la définition d'un nouveau concept d' "allusion musicale", basé sur la notion d'une double altérite nécessaire (par rapport au 'modèle' et par rapport au sujet qui l'énonce) de la réplique musicale, ainsi que l'établissement d'un critère pour aider à sa détection sensible et à son ultérieure reconnaissance analytique. Dans le contexte de la musique de ces deux auteurs du débuts du siècle, beaucoup d'autres points sont discutés parmi lesquels la méthode du "takeoff" chez Ives et sa pré-histoire, ou encore l'accusation portée contre le compositeur américain de pratiquer essentiellement une sorte de 'pot-pourri' musical, sans oublier, pour ce qui est de Mahler, sa position comme précurseur du 'surréalisme musical' ou ses prétendues réminiscences, etc.

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Diamantopoulou-Cornejo, Dimitra. "Les mélodies pour une voix et piano d'Emile Riadis : aspects esthétiques entre les musiques française et grecque au début du XXe siècle." Tours, 2001. http://www.theses.fr/2001TOUR2004.

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Abstract:

Le compositeur et poète grec Emile Riadis (1880-1935) s'inscrit dans l'Ecole nationale héllénique selon l'historiographie musicale. Dans son oeuvre [. . . ], la mélodie domina par la quantité et la qualité. La Ière Partie esquisse l'environnment historique, culturel et musical de cette oeuvre [. . . ]. La IIe Partie porte sur l'analyse d'un corpus de 74 partitions pour une voix et piano [. . . ]. La IIIè Partie traite de l'influence des compositeurs français tant sur les mélodies de Riadis que sur ses transcriptions et harmonisations de chants populaires [. . . ]. Simplicité et souci du moindre détail caractérisent l'écriture du compositeur qui attribue au piano et au chant un rôle égal[. . . ]. Le langage musical dépasse l'harmonie traditionelle et les limites de la tonalité, réalise des emprunts à la musique populaire grecque et à la modalité.

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Michel, Philippe. "Problèmes de perception formelle dans la musique occidentale du XXe siècle." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081309.

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Abstract:

Les oeuvres novatrices de la musique occidentale de tradition ecrite (M. O. T. E. ) Ont connu, au XXe siècle, de graves difficultés d'accueil, revelant ainsi le probleme d'identite de cette discipline artistique dans la societe occidentale moderne. Ce probleme presente un axe d'explication privilegie a travers la question de la perception formelle. En effet, on remarque que, dans les oeuvres novatrices du XXe siecle, le suivi de la forme temporelle ne se fait plus necessairement par le suivi du destin d'un niveau formel emergeant - l'axe melodico-rythmique - comme c'est le cas dans les oeuvres traditionnelles de la M. O. T. E. La hierarchie synchronique de strates diachroniquement orientees n'est meme plus "la forme a priori" (P. Boulez) de l'oeuvre d'art musicale. Entre temps, l'evolution historique de la notion d'art musical a rendu obsolete ce modele morphologique ancestral. Pourtant, le traditionalisme morphologique du panorama mediatique actuel, autant que celui des circuits d'apprentissage musical, entretiennent sa validite. Ils accusent de la sorte quotidiennement l'ecart entre le cercle restreint des compositeurs contemporains et l'ensemble des individus musicalises par simple immersion culturelle
In the XX century, innovative works in western music in the written tradition (W. M. W. T. ) have met with serious difficulties of acceptance, thus revealing the identity problem of this artistic discipline in modern western society. This problem presents a privileged explanatory axis in the question of formal perception. Indeed, it is to be noted that in xx century innovative works, the observation of the development of temporal form no longer goes by the observation of the destiny of an emerging formal level -the melodic and rhythmic axis- as is the case in W. M. W. T. . The synchronic hierarchy of diachronically oriented strata is not even the "forme a priori" (P. Boulez) of the musical work of art any longer. Meanwhile, the historical development of the notion of musical art has made this morphological ancestral model obsolete, although the morphological traditionalism of the present media panorama as well as that of musical training systems keep it valid. They thus day after day lay the emphasis on the gap between the restricted circle of contemporary composers and the crowd of individuals that cultural immersion only has made musically knowledgeable

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Olive, Jean-Paul. "Musique et montage : problématique du matériau au début du XXe siècle." Paris 8, 1989. http://www.theses.fr/1989PA080354.

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Abstract:

Le montage, par son double mouvement de prelevement et de recomposition, opere une deconstruction complexe du materiau. L'application d'un tel concept a la musique, a son mode specifique d'etre, demande a etre interroge face au concept d'organique qui presidait jusque la dans l'art occidental a l'elaboration de la forme. En musique, au debut du xxeme siecle, cette pratique tend a renouveler l'ecriture et a poser deux questions fondamentales: celle de la production du sens dans les oeuvres, et celle de la place du sujet dans la composition
Through its double movement of sampling and re-creation, editing brings about a complex deconstruction of thebmaterial. The application of such concepts to music and its specific mode of being, requires to be examined with regard to the concept of organic music, which until then constitued the deciding factor in the elaboration of the form. In the musical world of the early xxth century, this practice tends to renew the writing of music and to raise two fundamental questions: the production of meaning in a work, and the place of the subject within the composition

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Saroh, Karine. "Le théâtre musical au XXe siècle, une expérience politique." Thesis, Toulouse 2, 2018. http://www.theses.fr/2018TOU20077.

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Abstract:

Au cœur de l’élan moderniste qui anime le XXe siècle, l’expression « théâtre musical » devient l’étendard d’une recherche esthétique de nouvelles formes de rencontre scénique entre le théâtre et la musique. Que l’objectif soit de moderniser l’opéra, de le remplacer, de réformer le théâtre ou de créer un nouveau genre à mi-chemin entre les deux arts, les collaborations rassemblant compositeurs et hommes de théâtre entendent présenter des œuvres actuelles, qui balaient les modèles esthétiques jusqu’alors dominants. Si l’approche du théâtre musical est complexe tant il s’avère polymorphe, le contexte social et la proximité des artistes avec le milieu activiste nous invitent à considérer également les œuvres selon leurs qualités militantes et/ou politiques. À l’heure où les sociétés européennes sont ébranlées des guerres mondiales et des modèles totalitaires qui donnent lieu à une instabilité sociale importante, l’espace esthétique pluridisciplinaire du théâtre musical se révèle propice à la réflexion philosophique et à l’expérimentation des modalités de protection et d’émancipation du politique. L’utopie artistique, qui incite à repenser les cadres formels du théâtre musical, dans lequel les disciplines sont travaillées selon un système de relation égalitaire et d’autonomie des voix, cultive aussi des modèles d’utopie politique. Ainsi, après avoir exploré les ambitions esthétiques du théâtre musical et leur traduction dans les œuvres, nous ne manquons pas d’étudier sa relation dialogique avec la pensée politique qui lui est contemporaine. C’est en effet parce que son espace artistique (processus et productions) convoque l’utopie politique pour relever les défis esthétiques de la pluridisciplinarité, que le théâtre musical devient le lieu privilégié d’une réflexion philosophique sur la pratique militante et sur les moyens de l’exercice politique, ainsi que sur l’idéal démocratique dont nous sommes aujourd’hui les héritiers
At the core of the modernist impetus that animates the 20th century, the phrase “musical theatre” becomes the emblem of the aesthetic search of new ways of mixing theatre and music on the stage. Whether the aim is to modernize the opera, reform the dramatic art, or create a new genre halfway between both arts, composers, dramatists and producers collaborate to produce modern works and dispense with the old prevailing aesthetic model. Approaching musical theatre is quite a challenge, as it is so polymorphic; and the social context and the artists’ closeness to the activists’ world invite us, when examining their works, to consider their militant and political standpoints. At a time when European societies are weakened by World Wars and totalitarian regimes that give rise to an important social instability, the multidisciplinary aesthetic space of the musical theatre turns out to favour philosophical thought and the experimentation of methods for the protection and the emancipation of politics. The artistic utopia, which encourages us to reconsider the formal pattern of musical theatre where the arts are used on equal terms and the voices are independent, also promotes a political utopia. Then, after exploring the aesthetic ambitions of musical theatre and how they are technically expressed in the works, we are sure to study their intricate two-way relationship with contemporary political thought. Because its artistic space (process and productions) uses political utopia to take up the aesthetic challenge of multidisciplinarity, musical theatre turns out to be the ideal place for a philosophical appraisal of the militant practice, of the degree of political exercise as well as of the democratic ideal it has passed on to us

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Ourvois, Jocelyne. "Une famille de musiciens bretons au XIXe et au début du XXe siècle : les Collin." Rennes 2, 2002. http://www.theses.fr/2002REN20029.

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Abstract:

Julien Collin, né en 1789, organiste à la cathédrale de Saint-Brieuc engendra une lignée de musiciens. Quatre de ses fils, devenus chanoines se succédèrent à la direction de la ma^itrise de la cathédrale de 1836 à 1901 et en firent sa renommée. Les deux autres, après leurs études à Paris vinrent tenir les orgues à Saint-Brieuc. Charles remplaça son père et Pierre joua l'orgue de la paroisse Saint-Michel. Les deux instruments furent refaits par un ami de la famille, Cavaillé Coll. Leurs enfants furent, eux aussi, musiciens. Le fils de Charles Collin, Charles-Augustin, issu de l'école Niedermeyer joua, de 1884 à 1938, l'orgue de Notre-Dame à Rennes, son frère, Sullian, pendant ses études de droit, l'aida en dirigeant la maîtrise. Ils participèrent au mouvement artistique breton, comme l'avait fait leur père et collaborèrent à L'Hermine en compagnie de J. -G. Ropartz. Sullian créa, en 1892, un journal musical, Le Sonneur de Bretagne, qui fut arrêté trois ans plus tard quand Sullian quitta Rennes muni d'un doctorat de droit. Organistes, maîtres de chapelle, enseignants, ils exercèrent aussi leur talent en organisant des concerts dans les salons, et dans les Sociétés, en participant aux évènements régionaux. Charles refonda la Société philharmonique de Saint-Brieuc qui devint un orchestre symphonique. Bons musiciens, ils avaient la plume habile et ils laissent quantité d'articles, de souvenirs inédits qui témoignent de la vie musicale et de l'étendue des relations qu'ils tissèrent pendant leurs séjours parisiens. Cinq d'entre eux furent compositeurs, Charles et Charles-Augustin Collin furent les plus prolixes. La Bretagne fut pour eux source d'inspiration. Charles utilisa les mélodies traditionnelles et publia plusieurs volumes de Cantiques bretons pour orgue qui restent le meilleur de sa production
Julien Collin, born in 1789, was organist at the cathedral of Saint-Brieuc. He was the father of several musicians. Four sons among his children became priests and conducted the choir of the cathedral from 1836 to 1901. Two other sons went to Paris to study. When Charles Collin came back, he replaced his father and Pierre played the organ at Saint-Michel church. Cavaillé-Coll, a family's friend re built the two instruments. Their children were musicians as well. Charles's son, Charles-Augustin, who studied at Niedermeyer school was organist at Notre-Dame in Rennes from 1884 to 1938. His brother, Sullian, while he studied law at Rennes University, helped him at conducting the church choir. They got involved into the Britany artistic movement as their father did and they contributed to L'Hermine with J. -G. Roparts. In 1892, Sullian started a musical paper, Le Sonneur de Bretagne, that was stopped three years later when Sullian graduated as a doctor in law and left Rennes. They were organists, church choir conductors, teachers, and they organized concerts and collaborated to events of the time. In Saint-Brieuc, Charles set the Philharmonic Society up, it became a symphonic orchestra. They were good at music, and they were good at writing, as well. They wrote a lot of papers and souvenirs that were not published. Theses tell us about their life and about all their musical relationships. Five were composers. Charles and Charles-Augustin wrote a lot. Charles used traditionnal melody and he published several books of Carols from Britany that are among the best of what he composed

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Cestor, Elisabeth. "La fabrication des musiques particularistes : une sociologie de la différence : chanter la langue d'Oc en Provence à la fin du XXe siècle." Paris, EHESS, 2004. http://www.theses.fr/2004EHES0125.

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Abstract:

Chanter en langue d'oc sur une scène était inimaginable dans les années 1950. Un demi siècle plus tard, c'est une pratique courante, même si ses interprètes restent inconnus du grand public. Cette thèse décrit l'évolution de ces musiciens et le positionnement particulier qu'ils ont choisi d'adopter en s'inscrivant dans les marges du monde professionnel puisqu'ils privilégient une éthique de vie et diverses formes d'interaction avec leur milieu environnant. Ils travaillent à une réappropriation et à une vivification d'un savoir sur leur culture aux représentations floues et souvent dépréciatives, en particulier dans le milieu musical. On ne peut parler ici d'une invention de la tradition mais d'une activité qui s'inscrit dans la durée, menée par plusieurs générations de musiciens qui ont pour souci de penser leur pratique à partir des catégories du passé sans dénigrer, bien au contraire, les apports de la modernité
Singing live on stage in Occitan would have been unimaginable only fifty years ago. Half a century later however this has become common pratice, event though the performers are still unknown to mainstream audiences. This thesis describes the evolution of this category of performers, and the position they have adopted in the music industry. Performing in language d'oc is actually more about adopting a certain way of life and abiding by a certain code of ethics than building a career plan. Occitan-speaking musicians have set about to reclaim their ties to a culture that had been neglected for centuries and nearly fell into oblivion at the turn of the nineteenth century. This "archaeological" task should not be viewed as a reinvention of tradition, but rather as an ongoing project led by several generations of musicians who aim to reconsider their experience both in the light of history and with the benfit of modernity

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Simon, Agathe. "Le plaisir dans la littérature et la musique françaises au XXe siècle." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040205.

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Abstract:

La nature paradoxale du Plaisir relève d'une part de l'immanence et de la contingence (sensations et conscience de l'être humain) et d'autre part de la transcendance — transcendance érotique, mais également intellectuelle, esthétique, mémorielle, mystique ou hallucinatoire. Le Plaisir est ainsi illimité (il transcende l'espace et le temps) et indéterminé (il transcende le sens). Mais comment se résout le paradoxe entre le Plaisir — lequel transcende simultanément l'espace, le temps, le sens —, et les arts — lesquels relèvent simultanément de l'espace, du temps et du sens ? Autrement dit, comment s'exprime au XXème siècle le Plaisir en littérature et en musique ? Or l'analyse croisée de ces deux arts laisse apparaître que la faille ontologique en laquelle consiste le Plaisir devient l'occasion de questionnements et de bouleversements expressifs au sein de l'œuvre, par lesquels les créateurs tentent de relever ce défi
The paradoxical nature of Pleasure is part of immanence and contingency (the sensations and consciousness of human beings) on the one hand, and of transcendence on the other, whether it be erotic or intellectual, aesthetic, memorial, mystic or hallucinatory. Pleasure is therefore boundless, transcending both time and space, and undetermined, as it also transcends meaning. But how can one solve the paradox of pleasure — which transcends space, time, and meaning simultaneously — and the arts which are simultaneously grounded in space, time and meaning? In other words, how is Pleasure expressed in literature and music in the 20th century? Cross-analysis of the two art forms shows that the ontological gap that is inherent in pleasure can be the occasion for both expressive questioning and disruption in the work concerned, and that such questioning and disruption are the very means by which creators try to take up the challenge

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Grenesche, Céline. "La modernité artistique du XXe siècle : critique et argumentation subjective." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010515.

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Abstract:

La réflexion développée au cours de ce travail cherche à interroger la place de l'art dans la société moderne et/ou post-moderne marquée par son pragmatisme. Il s'agit d'identifier ses enjeux au sein d'un environnement qui a su se démarquer d'une tradition culturelle sans pour cela créer une rupture définitive, et de découvrir en quoi la modernité a su proposer des modes de création inédits dans un monde en gestation. La modernité artistique s'est trouvée à la croisée des chemins entre un temps passé qui ne parvenait pas à garder sa stabilité et l'éclosion d'un monde où les avancées technologiques ont indiqué un nouveau sens à cette société. En associant ce phénomène aux changements constitutifs à cette civilisation, nous nous permettons de la penser en terme d'évolution et non plus comme un paysage statique. Cette première distinction réalise une rupture importante de notre système de représentation dont les peintres de la Renaissance avaient déjà perçu la portée significative. La modernité serait alors ce moment où l'être humain a commencé à penser qu'il était lui-même capable et était en possession des moyens lui permettant de raisonner le monde. Devant cette éternelle question, l'art répond par l'habileté et la sensibilité - domaines où le doute et le sujet ne font qu'un. L'expérience artistique pourrait être perçue comme le lieu où la rencontre entre ce sujet et la faculté d'abstraction a lieu dans un accord non pas parfait mais où la dissonance de leur statut fait écho dans notre intérieur. Comment alors reconnaître ce statut ambigu par notre seule raison ? Leur confrontation est l'enjeu de l'esthétique qui doit être à même d'exposer la problématique de l'expérience artistique en réinjectant du sens par son réactualisation.

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Barros, Daniele Cruz. "La flûte à bec au XXe siècle : l’exemple du Brésil." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040133.

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Abstract:

Au XXe siècle, la redécouverte des instruments anciens a pris une réelle importance. Parmi ceux-ci figure la flûte à bec remise à l’honneur, au Brésil comme en Europe, à travers la pédagogie musicale et l’interprétation du répertoire préclassique, mais aussi dans le cadre de la création contemporaine. C’est ce dernier aspect que cherche à développer le présent travail. Fondé sur un catalogue commenté d’œuvres ou méthodes pour cet instrument, dues respectivement à 48 compositeurs et 12 auteurs brésiliens, il vise à replacer ce corpus et cette évolution dans leur contexte géographique et artistique. Il en présente les fondements organologiques, historiques et pédagogiques, pour en suivre le répertoire à travers trois générations de compositeurs et en analyser l’intérêt, ainsi que la spécificité musicale, mise en parallèle avec les tendances d’autres musiques de ces mêmes décennies
In the 20 th century there was a significant rediscovery of early music instruments. As part of this process, the recorder was returned to a position of importance, both in Brazil and in Europe, as a result of music teaching and performances of pre-classical music, but also in the context of contemporary composition. It is the latter which the present research explores. Based on an annotated catalogue of works or methods for the recorder by 48 Brazilian composers and 12 Brazilian authors respectively, it seeks to situate this corpus and its evolution in its geographical and artistic context. The study considers the organological, historical and pedagogical foundations of the above, presents a repertoire which spans three generations of composers, analysing its main features and musical characteristics, with reference to tendencies present in other music from the same decades

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Ferreira, Marcello Martiniano. "Ferruccio Vignanelli : ou la Renaissance du clavecin en Italie au XXe siècle." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2001PA040224.

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Abstract:

La thèse analyse l'enseignement musical de Ferruccio Vignanelli (1903-1988), organiste et claveciniste italien. Comme L. Torchi en 1897 et A. Longo en 1906 furent des pionniers dans le domaine de l'édition de la musique ancienne italienne, F. Vignanelli le fut dans celui de l'exécution. Elève d'un disciple de Liszt, il se consacra dès 1923 à l'interprétation de la musique ancienne italienne, se distinguant dans ce domaine comme concertiste d'orgue et clavecin. Grand pédagogue, longue est la liste d'élèves dans le monde entier. Pour illustrer son enseignement nous utilisons, comme source originale, son 'Premier cours d'interprétation musicale de clavecin' (Pérouse, 1977), transcrit dans l'appendice I. Ce cours, essentiel pour la thèse, nous le montre un innovateur surtout dans sa "lecture" moderne des oeuvres de Frescobaldi ou dans l'originale présentation de l'oeuvre de Scarlatti. Le contenu du cours révèle le rôle capital de Ferruccio Vignanelli dans la renaissance du clavecin en Italie au XXe siècle
The thesis analyses the musical teachings of Ferruccio Vignanelli (1903-1988), the Italian organist and harpsichor6dist. Torchi in 1897 and Longo in 1906 were pioneers in the edition of ancient Italian music, Vignanelli proved to be a pioneer as well, but in the mastery of the execution. .

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Andreatta, Moreno. "Méthodes algébriques en musique et musicologie du XXe siècle : aspects théoriques, analytiques et compositionnels." Paris, EHESS, 2003. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00004074.

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Abstract:

L'application de méthodes algébriques en musique représente une démarche récente dans la recherche musicale. Une réflexion historique sur l'émergence du concept de structure algébrique en musique met en évidence la place centrale occupée par trois compositeurs/théoriciens du XXe siècle : Milton Babbitt, Iannis Xenakis et Anatol Vieru. A partir de leurs propositions théoriques, cette étude développe une réflexion approfondie sur la notion de théorie musicale dans ses applications aussi bien analytiques que compositionnelles. Elle offre également une formalisation algébrique de la Set Theory et de ses développements transformationnels tout en discutant les rapports entre la tradition analytique américaine et la démarche théorique formelle en Europe. Les concepts abordés permettent de définir la place d'une démarche computationnelle en musicologie et ouvrent des questions philosophiques sur le rapport entre mathématiques et musique
The application of algebraic mtehods to music is a relatively new approach in musical research. We analyse the problem of the emergence of algebraic structures in music by looking at three main figures of twentieth-century theorists/composers : Milton Babbit, Iannis Xenakis and Anatol Vieru. Some of their music-theoretic contructions are the starting point for a discussion on the notion of music theory in some analytical as well ax compositional applications. This work discusses an algebraic formalisation of Set Theory and its transformational developments from a perspective which includes an analysis of the relationships between American tradition and a formalised European approach. The concepts elaborated in this work lead to a definition of the place of a computational approach in musicology and open several philosophical questions on the relationships between mathematics and music

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Sassanelli, Fiorella. "Une compositrice à Paris au début du XXe siècle : Lili Boulanger et sa musique." Paris, EPHE, 2011. http://www.theses.fr/2011EPHE4026.

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Abstract:

La multiplication d'études biographiques sur Lili Boulanger (1893-1918) a encouragé ce travail de recherche, conçu comme une enquête sur la formation d'une jeune femme née dans une importante famille musicale de la France du XIXe siècle, et pourtant arrivée à la composition sans avoir suivi un parcours régulier d'études ; en 1913 elle fut la première femme à obtenir le Premier Prix de Composition au Concours de Rome avec la cantate "Faust et Hélène". En analysant les agendas, la presse, les manuscrits, les éditions et un fonds complexe parce que réparti entre plusieurs institutions (la Bibliothèque nationale de France, le Musée de la Musique, les archives du Centre international Nadia et Lili Boulanger à Paris ; la Médiathèque du Conservatoire supérieur de musique et de danse de Lyon ; la bibliothèque de l'Académie de France à Rome), on a reconstitué l'émergence d'une sensibilité musicale dans un milieu favorable. Cette formation s'est construite et enrichie - au-delà des informations déjà connues concernant les études avec Paul Vidal et Georges Caussade -, grâce à une mosaïque de suggestions et d'orientations esthétiques nourries d'écoutes, de visions, de concerts, de lectures et de rencontres au coeur de la vie musicale à Paris et à Rome au début du XXe siècle. Le cadre final trace le profil d'une personnalité très attacchante et tout à fait plongée dans la modernité, cette dernière ressentie non dans le choix d'un langage qui au contraire ne trahit point les caractéristiques de la musique française de son époque, mais plutôt dans une approche personnelle des différentes disciplines (littérature, peinture, philosophie) qui trouvent dans la musique leur domaine d'application privilégié
The multiplication of biographical studies about Lili Boulanger (1893-1918) encouraged this research, which is conceived as an inquiry about the education of young woman, who was born from an important French musical family of the XXe century and who became a composer without following a regular course of studies. In 1913 Lili Boulanger was the first woman to obtain the Premier Prix in composition at the Concours de Rome, with Faust et Hélène cantata. Analysing her diaries, the press, her manuscripts, the editions and a complex collection and archives which are scattered between many institutions (the Bibliothèque nationale de France, the Musée de la Musique, the archives of the Centre international Nadia et Lili Boulanger in Paris ; the Médiathèque du Conservatoire supérieur de musique et danse in Lyon ; the library of the Académie de France in Rome), we have reconstituted the emergency of a musical sensibility in a privileged setting. Beyond the information already known about the musical training with Paul Vidal and Georges Caussade, this education has been enriched thanks to a mosaic of aesthetic suggestions and orientations made of listening, watching, concerts, readings and meetings during life spent between Rome and Paris at the beginning of the XXe century. The final result is the profile of an intriguing personality, plunged in modernity. Her modernity is not to be searched into her musical language which, on the contrary, doesn't betray the characteristics of the French music of those years, but into her personal approach to the various disciplines (literature, painting, philosophy) which find in music their best application field

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Madurell, François. "L'ensemble Ars nova : une contribution au pluralisme esthétique dans la musique du XXe siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040250.

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Abstract:

La thèse est divisée en trois parties. Le livre I explore les conditions historiques de la naissance et du développement d'Ars nova à l'O. R. T. F. Et évalue le rôle de l'ensemble dans la musique du XXe siècle. Le livre II dégage les principes de l'action et les stratégies d'Ars nova, par l'étude de deux opérations menées sur des terrains différents : le public parisien (espace Cardin) et le milieu rural (en Armagnac). La pratique de l'improvisation collective et l'ouverture aux arts de la scène sont les traits dominants d'une programmation pluraliste. Le livre III démontre la réalité du pluralisme par l'examen des traits stylistiques de 3 œuvres, et met en évidence le scepticisme paradoxal de Marius Constant, sous-jacent au pluralisme esthétique revendiqué par Ars nova. Ce pluralisme réfute toute approche systématique de la musique contemporaine.

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Cavalcante, Correia da Silva Julie Cássia. "La Musique Armoriale au Brésil (XXe siècle) : l’œuvre de Capiba, entre tradition et érudition." Thesis, Paris 10, 2019. http://faraway.parisnanterre.fr/login?url=http://bdr.parisnanterre.fr/theses/intranet/2019/2019PA100101/2019PA100101.pdf.

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Abstract:

Ce travail présente comme champs de connaissances le Mouvement Armorial et plus précisément, la Musique Armoriale. Il se réfère à l'œuvre savante du compositeur populaire Capiba (Lourenço da Fonseca Barbosa), à ses liens avec le romancier et dramaturge Ariano Suassuna, initiateur du Mouvement, et à l’analyse d’une de ses œuvres la plus représentative, la Grande Messe Armoriale. L'espace géographique de cette recherche est concentré dans les états de Pernambouc et Paraíba dans le Nord-est du Brésil. La période étudiée se situe entre 1946 et 2000 (XXe siècle). Cette thèse observe également la réaction du milieu musical et du public, face à cette "nouvelle" sonorité. Le Mouvement Armorial a provoqué une dynamisation de la musique traditionnelle et populaire et une révolution quant à la transition de cet univers vers un langage musical savant, à travers un contexte de récupération des manifestations culturelles du peuple. D'autres Messes seront évoquées telles que : Kyrie/Gloria (Messe Inachevée) de Cussy de Almeida, la Missa Nordestina de Clovis Pereira et la Missa de Alcaçus de Danilo Guanais
This work presents the Armorial Movement and Armorial Music as knowledge fields, using as reference the scholarly work of the popular composer Capiba (Lourenço da Fonseca Barbosa), his link with the author and playwright Ariano Suassuna and an analysis of his Grande Missa Armorial. The geographical space of this research is concentrated between the states of Pernambuco and Paraíba in the Northeast of Brazil and applies to the period between 1946 and 2000 (XX century). This thesis observes the reaction of the music community and about this "new" sonority. The Armorial Movement has provoked a dynamism in the way of transition of a traditional and popular music can be translated in a musical language. Other Masses will also be mentioned: Kyrie / Gloria (Unfinished Mass) by Cussy de Almeida, the Missa Nordestina by Clovis Pereira and The Mass of Alcaçus by Danilo Guanais
Este trabalho apresenta o Movimento Armorial e a Música Armorial como campos de conhecimento, utilizando como referência a obra érudita do compositor popular Capiba (Lourenço da Fonseca Barbosa), seu elo com o dramaturgo e romancista Ariano Suasssuna e uma análise de sua Grande Missa Armorial. O espaço geográfico desta pesquisa está concentrado entre os estados de Pernambuco e Paraíba no Nordeste do Brasil, e se aplica ao período entre 1946 e 2000 (século XX). Este estudo observa a reação da comunidade musical e do público a essa "nova" sonoridade. O Movimento Armorial provocou um dinamismo na transição de uma música tradicional e popular que pode ser traduzida em uma linguagem musical. Outras missas também serão mencionadas: Kyrie / Gloria (Missa inacabada) de Cussy de Almeida, a Missa Nordestina de Clovis Pereira e, finalmente, de Danilo Guanais, Missa de Alcaçus

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Langlois, Philippe. "Les procédés électroacoustiques dans les différents genres cinématographiques : une étude transversale au XXe siècle." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040092.

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Abstract:

Dès la fin des années vingt, certains cinéastes et compositeurs, proches des milieux d'avant-garde, s'emparent des possibilités offertes par l'apparition de la piste optique et des nombreuses manipulations du son qui en découlent. Variations de la vitesse de défilement du son, inversion, partition rétrograde, nouvelle lutherie électronique, synthèse optique, transformation et montage ds bruits, autant de techniques qui se déploient aprés la révolution du cinéma sonore. Loin de concerner l'ensemble de la production cinématographique, ces dispositifs n'en constituent pas moins une nouvelle manière de concevoir et de penser le son et ce, dans tous les genres cinématographiques, du cinéma de fiction, aux films documentaires , du cinéma d'animation aux films expérimentaux, etc. Après 1950, ces procédés électroacoustiques ne cessent de prendre de l'importance en particulier dans le cadre du Service de la Recherche de l'ORTF (Office de Radio Télévison Française) dirigé par Pierre Schaeffer, ainsi que dans les principaux courants artistiques comme la mouvance synesthésique, les films d'auteurs, le cinéma structurel, les films de Found Footage, le déconstructivisme. Cette étude révèle non seulement une nouvelle lecture historique en ce qui concerne l'apparition puis le développement des procédés électroacoustiques au cinéma, mais aussi la question de leur fonction signifiante
With the end of the twenties, some avant-garde cineasts and composers began to use the potentialities of the newly invented opiticaltrack, wich permitted many sound manipulations. Changes of speed in sound reading, reversion, "retrograde score", new electronic instruments, optical synthesis, transformations and edition of noise, so many techniques that spread out along with the revolution of sounded cinema. These devices, although not always used by the whole cinematographic production, are no less a new way of composing sound, regardles of cinematographic categories: fiction, documentaries, animation, experimental movies. After 1950, this electroacoustic processes become more and more common, particulary in the "Service de la Recherche de l'ORTF" (French Radio Television Office) under the direction of Pierre Schaeffer. There are also used by the most prominent artistic scholls such as synesthesist movement, author films, structural cinema, Found Footage, and deconstructivism. This study unfolds a new historic vision of the birth and developpement of electroacoustic medias in cinema, along with an examination of their signifying function

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Mirensky, Shaul. "L'approche spatio-polyphonique dans les interprétations des pianistes de la deuxième moitié du XIXe siècle et la première moitié du XXe siècle." Thesis, Aix-Marseille, 2014. http://www.theses.fr/2014AIXM3061/document.

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Abstract:

Le but de ce travail est d'étudier l'art d'interpréter de plusieurs générations de pianistes dont la formation remonte au XIXe siècle, mais dont l'activité s'est étendue jusqu'à la 1re moitié du XXe siècle. L'essor de l'interprétation qui marqua cette époque a prodigué des artistes qui - à la suite de leurs grands maîtres (Chopin, Liszt, A. Rubinstein) - ont déjà laissé un nombre considérable d'enregistrements permettant de saisir à travers leur jeu une image authentique de l’œuvre romantique. En nous référant à l'idée que l'essor du pianisme à la charnière des XIXe - XXe siècles provient de l'expansion remarquable de l'art d'interpréter au XIXe siècle, nous avançons l'hypothèse selon laquelle c'est précisément dans les positions esthétiques et dans la vision du monde propre à cette époque qu'il faut chercher les sources d'un tel essor. Parmi les caractéristiques importantes de la manière d'interpréter des pianistes de la 2e moitié du XIXe siècle, entrent d'abord en jeu la faculté de penser imagée, la liberté et une manière d'improviser en modifiant les textes des œuvres exécutées. Ces données se combinent d'ailleurs avec d'autres, comme l'intellectualisme. Les analyses de certaines particularités de style, des manières de jouer, typiques du XIXe siècle (comme le rubato, le « pointillisme etc.), nous révèlent ainsi ce que fut la réelle pensée polyphonique du Romantisme. Il ne s'agit pas de la seule écriture polyphonique, mais d'un principe polyphonique au sens plus large, s'exprimant à travers le style d'interpréter qui, à son tour, définit la perception spatio-temporelle spécifique de ces quelques décennies
The aim of this work is to study the performing art of several generations of pianists who were trained in the 19th Century but who extended their artistic activity throught the 1st half of the 20th Century. The rise of the art of interpretation which marked this period gave the artistes who - following their great masters - have left a considerable number of records where their plaiyng conjures up an image of the romantic composition that may be more authentic, though it is quite different from that of today.Based on the idea that the rise of the pianism at the turn of the 20th Century comes largely from the remarkable expansion of the 19th Century performing arts, we hypothesize that it is precisely in the aesthetic positions and the vision of the world inherent in the Romantic era that we should look for the sources of such a rise. Chief among the important features of the style of interpretation of the pianists of the 2nd half of the 19th Century, was their creative thinking, but also the surprising freedom they enjoyed to improvise and modify compositions. Other features include the intellectualism of their approach to the performed composition. Analyses of certain peculiarities of style, of the ways of playing typical of the 19th Century (such as rubato, the « pointillism » etc.) reveal the real polyphonic thougth of the Romantic era. This is not only the polyphonic writing itself, but a polyphonic principle in a broader sense, manifesting itself through the style of interpretation which, in turn, defines the specific spatio-temporal perception of these several decades

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Castillo, Fadic Gabriel. "Identité et altérité dans la musique américaine du XXe siècle au sud du Rio Bravo." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1998PA010511.

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Abstract:

Le statut complexe de l'art américain résulte du fait qu'il représente, en même temps, une projection de l'occident et le lieu de toutes ses altérites. La dualité des projets sociaux, historiques, politiques et économiques que cela implique, se manifeste par des modalités de composition instables car soumises à une double exigence. D'une part elles expriment une tendance à l'adhésion aux styles d'écriture européens que l'on restitue par des versions locales dissociées des contextes d'origine et de leur contingence historique. D'autre part elles s'avèrent incapables de gérer le contact permanent avec des systèmes musicaux qui se situent en dehors des paramètres de légitimité du récit savant. Ce double conflit met en évidence le caractère incomplet du processus de spécification esthétique au sein de la société
The complex status of American art results from the fact that it represents both a projection of the occident and the scene of all its othernesses. The duality of the social, historical, political and economical plans that it implies shows itself in modalities of unstable compositions because of its submission to a double particularity. On the one hand, they express a tendency to adhere to european writing styles reproduced in local versions which are dissociated from the original contexts and their historic contigency. On the other hand, they prove to be incapable of dealing with the permanent contact with musical systems that stand outside the legitimacy parameters of the learned speech. This double conflict underscores the incomplete character of the aesthetic specification process within the society

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Ribeiro, Paula G. "Lectures scéniques actuelles : esthétiques différentielles du drame lyrique au début du XXe siècle." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081742.

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Abstract:

Dans ce travail on s'est propose d'etudier le psychodrame lyrique, mettant en evidence une puissance creatrice innovatrice, dans un carrefour entre genese et representation. On nomme de psychodrame lyrique l'oeuvre musico-theatral qui parait au debut du vingtieme siecle sous l'influence specifique - au niveau du processus createur comme de la morphologie de l'oeuvre - de la dynamisation des etudes sur les mecanismes de l'inconscient et particulierement des theories psychanalytiques freudiennes, ou l'hysterie et le reve occupent des positions privilegiees. On a rassemble ainsi quatre oeuvres caracterisees par une ascendance commune de l'esthetique et de la technique litteraire, mais qui preservent, chacune d'entre-elles, des parcours dramaturgiques et des conditions structurelles et formelles singulieres. Le champ de recherche se ferme autour des grands psychodrames lyriques du debut du siecle - salome et elektra de richard strauss, pelleas et melisande de debussy et erwartung de schoenberg - paradigmes de l'essor d'un age nouveau. Ces drames distinguent comme sujet central un personnage feminin aliene, auquel l'entourage confere un statut de perturbe, et qui exprime la perte d'autorite de la raison sur le langage et la communication. Son comportement est assez proche de la symptomatologie hysterique, ainsi qu'elle est traitee par charcot et, tres particulierement, par les premieres etudes de freud et breuer sur ce sujet. Nous approfondissons la notion de femme comme allegorie de l'art fin de siecle, concue comme alterite sociale, concept intimement associee a l'inconscientcomme a la transgression, a la pathologie et a la mort (femme fatale). Les problemes concernant la representation proposes par le psychodrame lyrique peuvent etre percus en tant qu'exteriorisation de conflits inherents a l'ego (l'hysterie etant une theatralisation de ce combat interieur), ou s'entrecroisent des instabilites impregnees souvent des pulsions de thanatos, dans le contenu et la forme.

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Salvati, Silvia. ""Punctum contra punctum" : interaction musique-architecture et réception au XXe siècle : du dodécaphonisme au déconstructivisme." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010704.

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Abstract:

Cette thèse montre que la musique possède des liens étroits, concrets et tangibles avec l'architecture. Son originalité consiste à comparer de façon critique de multiples théories ainsi que les courants artistiques qui abordaient partiellement cette interaction. La portée de la relation musique-architecture est replacée au sein de l'art en général (du futurisme au déconstructivisme), du milieu vécu (paysages sonores), et de la société (réception). Dans les quatre parties qui composent cette thèse, plusieurs domaines de réflexion s'entrecroisent: les traités de l'Antiquité en tant que fondement et source d'inspiration des théories modernes, les nouveaux rapports entre l'espace architectural et la composition musicale, la question de l'environnement sonore, la «réception» par les usagers et les élus. Cette approche multiple cerne le rapport musique-architecture dans sa totalité, en le reliant en particulier aux questions actuelles de l'espace habité et de la société, ceci afin de saisir les approches prospectives pour la compréhension et la valorisation des « polyphonies» de la ville moderne, tant du point de vue des urbanistes et des architectes, que de celui des musiciens et des designers sonores.

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Gournay, Aurélia. "Don Juan en France au XXe siècle : réécritures d'un mythe." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00975274.

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Abstract:

Né en 1630, sous la plume du moine espagnol Tirso de Molina, le personnage de Don Juan n'a cessé d'inspirer les auteurs, au point de devenir un véritable mythe littéraire. On ne saurait, désormais, l'évoquer sans mentionner quelques œuvres majeures, telles que le Dom Juan de Molière ou le Don Giovanni de Mozart. S'il est difficile de trouver, au 20ème siècle, des réécritures du scénario mythique susceptibles de rivaliser avec ces illustres noms, il est indéniable que ce dernier demeure productif. La France offre, à elle seule, des preuves de cette vitalité. En effet, l'histoire de Don Juan continue à inspirer les auteurs. Elle semble même avoir conquis de nouveaux genres littéraires : longtemps cantonné au théâtre, c'est, pourtant, dans le genre romanesque que le héros mythique trouve actuellement ses traitements les plus originaux.Mais ces réécritures littéraires sont enrichies, au 20ème siècle, par deux apports fondamentaux. La critique, tout d'abord, qui multiplie les angles d'approche sur le mythe et entretient, à son tour, un dialogue fertile avec les œuvres de fiction. Cette dimension réflexive renouvelle considérablement le regard porté sur la fable donjuanesque. Le cinéma, ensuite, qui, en s'emparant du mythe, en propose de nouvelles lectures. Cependant, cette productivité ne doit pas occulter un constat : pour s'adapter à notre époque, le canevas mythique a souffert de nombreuses modifications. Ces dernières sont-elles la preuve de la plasticité du mythe et la garantie de sa survie ou, au contraire, des étapes pouvant aboutir à sa déconstruction ? Il importera de se demander, en définitive, si Don Juan ne risque pas d'être victime de la fascination qu'il inspire.

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Fléchet, Anaïs. "Aux rythmes du Brésil : exotisme, transferts culturels et appropriations : la musique populaire brésilienne en France au XXe siècle." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010698.

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Abstract:

Longtemps ignorés des voyageurs européens, les rythmes du Brésil connaissent une diffusion inédite en France au XXe siècle. L'engouement pour les danses de société américaines est à l'origine de l'adoption de la maxixe dans les dancings parisiens à la veille de la Première Guerre mondiale. Par la suite, nombre de genres populaires acquièrent les faveurs du public: la samba, le baião, la bossa nova, la chanson engagée et le tropicalisme contribuent à enrichir le paysage sonore français et donnent lieu à de multiples transferts culturels entre les deux rives de l'Atlantique. L'exotisme musical concerne également la création savante, représentée par Darius Milhaud et Heitor Villa-Lobos, et donne naissance aux premiers travaux d'ethnographie musicale sur le Brésil en France. L'étude des appropriations de la musique populaire brésilienne par les artistes et le public français permet donc d'identifier les principaux acteurs et vecteurs des relations musicales entre le Brésil et la France et d'interroger la traditionnelle « sympathie artistique» entre les deux pays. Les transferts concernent aussi bien les pratiques - édition de partitions, enregistrements, concerts, enseignement - que la création d'une image musicale du Brésil en France. Lis mettent en jeu une rhétorique de l'altérité, dans laquelle les rythmes brésiliens dessinent une figure de l'Extrême Ailleurs, et deviennent, au gré de l'évolution du « goût des Autres », primitifs, typiques et authentiques. Au-delà du public français, ces phénomènes de modes ont un impact sur le paysage culturel brésilien, contribuant notamment à la légitimation de genres populaires et à la mise en 1 place d'une diplomatie culturelle spécifique. L'exotisme musical et les « effets retour» marquent les continuités existant au sein de l'Euro-Amérique, pensée comme un espace culturel commun. Cependant, ils indiquent également le rôle joué par les États-Unis dans la circulation des genres populaires de part et d'autre de l'Atlantique. La diffusion des rythmes brésiliens en France emprunte un itinéraire nord-américain à partir de la Seconde Guerre mondiale, définissant des transferts triangulaires et soulignant le rôle du pôle bicéphale New York/Los Angeles dans la mondialisation culturelle du XXe siècle.

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Frances, Florence. "Émotions et musique du XXe siècle : Ligeti et Stravinski. La communication musicale dans la musique du XXe siècle : étude des liens entre la structure des œuvres musicales et les réponses sémantiques des sujets en situation d’écoute." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040205.

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Abstract:

L’objectif de la recherche est d’apporter une contribution musicologique et psychologique à la compréhension de la fonction de transformation symbolique non verbale intervenant au cœur de la psyché humaine. L’objet-flux musical, porté par une onde vibratoire, énergie en mouvement, n’est pas un objet naturel, mais un objet issu de la psyché humaine conçu pour agir sur d’autres psychés humaines. Il semblerait, et ce n’est qu’une hypothèse de travail, que le compositeur aurait la capacité de coder ses émotions en ondes musicales et de les transmettre à l’auditeur, sujet sensible à certaines longueurs d’ondes du penser musical, qui les décoderait. L’objet de la thèse est l’existence d’une communication infraverbale, intuitive, globale et directe entre une œuvre de musique non tonale et l’auditeur à travers l’étude de productions visuelles et de productions écrites, réalisées par cinquante-neuf sujets en situation d’écoute d’extraits musicaux de Stravinski et de Ligeti. Est-il possible d’élargir le domaine d’application du concept de schème de résonance émotionnelle d’Imberty à la musique de compositeurs du xxe siècle ? Quelles autres représentations psychiques sont investies par les sujets en situation d’écoute musicale ?
The objective of research is to make a musicological and psychological contribution to the understanding of not verbal symbolic transformation occurring in the heart of the human psyche. The musical object-flow, carried by a vibratory wave, an energy in movement, is not a natural object, but an object stemming from the human psyche conceived to act on the other human psyches. It would seem, and it is only a working hypothesis, that the composer would have the capacity to code his feelings in musical waves and to pass on them to the auditor, subject sensitive to certain wavelengths of musical thinking, who would decode them. The object of the thesis is the existence of an infraverbale communication, intuitive, global and direct between not tonal music work and the auditor through the study of visual productions and written productions realized by fifty nine subjects in situation of listening musical extracts of Stravinski and Ligeti. Is it possible to widen the application field of Imberty’s concept, schème de résonance émotionnelle, into the xxe century music ? What other psychic representations are invested by the subjects in situation of musical listening ?

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Troche, Sarah. "Le hasard comme méthode : pratiques et théorisations de l'aléatoire dans l'art et la musique du XXe siècle." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010675.

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Abstract:

Ce travail de recherche dégage les enjeux théoriques, pratiques et perceptifs de l'inscription méthodique du hasard dans l'art et la musique au XXe siècle. Distinct du paradigme de l'accident ou de l'esthétique de l'informel. Le hasard est ici envisagé comme un moyen, une discipline à part entière. Nous partons de l'analyse des œuvres, des méthodes et des textes d'une dizaine d'artistes et de musiciens, dont les figures principales sont André Breton, Max Ernst, Marcel Duchamp, Pierre Boulez, John Cage, François Morellet, pour penser le hasard dans sa dimension opératoire : élargir l'invention, explorer consciemment les données inconscientes, produire comme le rêve travaille, déconditionner la perception. Nous étudions les textes que les artistes ont consacrés à la pensée du hasard, en les resituant dans une perspective théorique élargie et en questionnant la façon dont les artistes se réfèrent à la philosophie. Comprendre ce qui est en jeu lorsque Cage assimile le hasard au silence, lorsque Duchamp met le hasard « en conserve» ou que Breton cherche à 1'« objectiver» suppose, dans chaque cas, de restituer un champ théorique qui permet à cette question de se déployer en dehors des oppositions entre ordre et désordre, maîtrise et non maîtrise, souvent associées au hasard. Les artistes étudiés font l'objet d'études de cas, qui sont regroupées au sein de trois paradigmes: altération des liens logiques et exploration de la mémoire : démultiplication des mises-en rapports, prolifération des données au sein de système clos : suspension des systèmes de référence et indétermination.

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Criton, Pascale. "Total chromatique et continuums sonores : une problématique de la musique du XXe siècle vers une pensée des multiplicités." Aix-Marseille 1, 1999. http://www.theses.fr/1999AIX10070.

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Abstract:

Nous nous proposons, au cours de la these que nous presentons ici, de reunir les elements d'une problematique du continu et du discontinu a travers les differents niveaux theorique, esthetique et techniques impliques dans l'ecriture musicale du xxeme siecle. La thematique de la continuite et de la discontinuite constitue un foyer recurrent depuis la destructuration du systeme tonal du debut du siecle. Le total chromatique, limite aux douze demi-tons de la gamme temperee se fractionne en divers systemes de micro-intervalles et se distribue peu a peu en une constellation de structures de relations variables. Trois compositeurs de la premiere moitie du xxe siecle ivan wyschnegradsky (1893-1979), alois haba (1893-1973) et julian carrillo (1875-1965) se sont confrontes, en precurseurs, a l'infinite des frequences et des combinaisons sonores. L'ultrachromatisme technique et theorique de wyschnegradsky fait l'objet d'une presentation et d'une analyse. Dans la seconde moitie du xxe siecle les techniques electroniques et la synthese numerique ont permis d'integrer le total frequentiel. De l'ecriture instrumentale a l'electronique, les compositeurs ne cessent de penser et d'experimenter la variabilite et la structuration d'une pluralite de continuums: de varese, ligeti et nono a boulez, stockhausen et xenakis. Cette molecularisation du materiau s'etend sur tout le xxeme siecle, de la generation de formalismes aux progres de l'acoustique musicale, des outils nes de l'informatique aux nouvelles lutheries. La problematique du continuum sonore se renouvelle aujourd'hui avec les perspectives de la synthese et de nouvelles ecritures instrumentales.

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Li, Zheng. "Évolution de l'esthétique musicale chinoise après les rencontres entre les musiques chnoise et occidentale (fin du XIXe siècle à nos jours)." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010646.

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Abstract:

Depuis plus d'un siècle, la Chine s'efforce d'assimiler les avancées occidentales dans tous les domaines intellectuels. Apres les diffusions de la musique occidentale dans ce pays, les musiciens chinois ne cessent pas de chercher la fusion des cultures chinoise et occidentale. Cette recherche a pour objet d'analyser le développement de cette fusion et d'en trouver les raisons internes et externes. Sur quel terrain la musique occidentale a été introduite en Chine? Comment les rencontres entre les musiques chinoise et occidentale ont-elles engendré des bouleversements dans le domaine de l'esthétique musicale chinoise ? Face au conflit entre les cultures chinoise et occidentale, entre la tradition et la modernité, l'évolution de l'esthétique, comme un miroir, traduit davantage le changement délicat de la psychologie sociale. Cette recherche est au coeur d'interrogations variées renvoyant aussi bien à l'histoire récente de la Chine et de ses rapports avec l'Occident qu'aux phénomènes de globalisation culturelle.

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Rosette, Christine. "La musique afro-latine en tant que discours social dans les Antilles hispaniques (seconde moitié du XXe siècle)." Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082363.

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Abstract:

Ce travail mené dans une perspective comparatiste sur Cuba, Porto Rico et la République Dominicaine, s'organise autour de trois axes : une approche terminologique, l'étude du vécu social, l'affirmation de valeurs collectives nationales et transnationales dans la musique afro-latine. Le choix d'"afro-latin" se fonde sur des critères ethno-géographiques, historico-culturels et musicaux. Les compositions permettent une étude du vécu social insulaire au niveau rural, puis urbain. Les paroles décrivent les acteurs sociaux en termes de clivages et de marginalisation. Le lien musico-religieux souligne un syncrétisme des traditions eurafricaines. Musique et société invitent à pénétrer la cellule familiale et observer le rôle de la femme au sein de la collectivité. On démontre l'existence d'une idiosyncrasie nationale, de discours récurrents des communautés immigrées latines en quête de reconnaissance aux Etats-Unis. Ce label "latin" souligne l'imbrication entre matrice socio-identitaire et stratégie marketing
This comparative research on Cuba, Puerto Rico and the Dominican Republic, is articulated around three main points: a terminological approach, a study of social, an asserting collective national and transnational values in Afro Latin music. The "Afro Latin" choice is based on ethno- geographical, historico-cultural and musical criteria. The musical pieces enable the study of social life in the various islands on both rural and urban levels. The lyrics describe social actors in terms of clivage and marginalisation. The musical religious link highlights a syncretism of Euro African traditions. Both music and society invite to penetrate the family circles in order to observe the function of females within the community. We demonstrate the existence of national idiosyncrasies, which is a recurrent theme in the discourse of immigrant communities in search of acknowledgement in the United States. This "Latin" brand highlights the existence of a socio identity mould overlapped in a marketing strategy

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Choi-Diel, In-Ryeong. "Evocation et cognition : le reflet dans l'eau en poésie et en musique à la fin du XIXe et au début du XXe siècle." Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081499.

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Abstract:

Le but de cette these est de proposer un modele de l'evocation applicable en poesie et en musique. Pour ce faire, nous sommes partis d'un double principe formel et cognitif, inspire de la theorie poetique dite de l' + evocation ;, elaboree par marc dominicy. Nous considerons que l'evocation est un processus cognitif present en poesie et en musique et qu'il fait appel a la memoire encyclopedique. Dans ce processus d'evocation, le parallelisme superficiel au sens de nicolas ruwet constitue le principe formel caracteristique de la poesie et de la musique, et la semantique du prototype sous-tend le contenu de l'evocation dans sa forme globale. En degageant ainsi les principes constitutifs d'une poesie (ou d'une piece musicale), nous soutenons qu'elle met en oeuvre une relation evocatrice entre sa forme globale et le ou les prototypes qu'elle represente. Nous proposons ensuite une procedure qui permet de reconstituer le contenu mis en oeuvre par le createur, en tenant compte de la specificite de chacun de ces arts. Au travers de l'analyse d'oeuvres traitant du theme du reflet dans l'eau, nos recherches montrent comment le poete et le musicien manipulent le materiau artistique qui leur est propre pour construire l'evocation. Ils explorent les proprietes typiques formelles et semantico-cognitives de cette image - effet de miroir, liquidite, fluidite, mouvement ondoyant, miroitement lumineux. Reverie mysterieuse, image renversee. Ce sont ces elements qui permettent au recepteur de retrouver la representation mentale qui lui est propre et qu'il aura conservee dans sa memoire a long terme. Nous concluons enfin, en avancant l'idee d'une application possible de ce modele dans l'etude d'autres arts comme par exemple le cinema ou l'opera
The aim of this thesis was to work out a model accounting for the process of evocation which could apply to both poetic and musical analysis, based on a double formal and cognitive principle inspired by marc dominicy's "evocation theory". We do consider evocation to be a cognitive process common to poetry and music and relying on encyclopedic memory. The formal principle peculiar to both means of artistic expression is that which is defined by nicolas ruwet as superficial parallelism. The semantics of the prototype underlies the content of evocation in its global form. By pointing out the main principles of poetical and musical works; we argue that there is a relation of evocation between their global form and the prototypes they represent. We then suggest a procedure that enables us to find back the content put in hy the author while taking into account the specificity of each of those arts. Through the analysis of poetry and music dealing with the theme of water reflection, our research shows how poets and musicians manipulate their own artistic material in order to build evocation. They explore the formal and semantic-cognitive prototypical properties of this image: mirror effect, liquidity, fluidity, wave motion, light mirroring, mysterious reverie, and downward image. All these elements that help the reader or the listener recovering his own mental representation, held back in his long-term memory. We finally conclude on the idea that tilts model could also apply to other sorts of arts. As movies or opera for instance

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Zouari, Mohamed Zied. "Évolution du langage musical de l’istikhbâr en Tunisie au XXe siècle : une approche analytique musico-empirique." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040028.

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Abstract:

Cette thèse esquisse une réflexion autour de la mutation du langage musical de l’improvisation instrumentale du type istikhbâr en Tunisie à travers le XXe siècle. Une des raisons qui sont à l’origine de cette mutation consiste à la théorisation de la musique tunisienne, intervenue au congrès du Caire de 1932. L’aspect le plus contraignant de ce congrès consiste à adopter une échelle musicale composée de vingt quatre notes équidistantes à l’octave, obtenues par la subdivision de chaque intervalle de demi-ton en deux quart de tons. Ce manuscrit traite en particulier l’évolution des échelles musicales et du comportement de leurs degrés à travers le temps tout en mesurant l’impact de cette nouvelle théorie. Il s’intéresse aussi à l’analyse des propriétés du cheminement mélodique et de la chaîne syntagmatique afin d’élucider les spécificités langagières inhérentes à chaque époque. Ces différents éléments sont ressortis grâce à la mise en oeuvre d’une méthode d’analyse empirique appliquée sur trois improvisations instrumentales A, B et C, jouées respectivement en 1926, 1963 et 1990
This thesis exposes a reflection on the musical language‘s mutation in instrumental improvisation called istikhbâr in Tunisia through the XXth century. One of the reasons which are at the origin of this mutation is the theorization of Tunisian music taken place at the Cairo’s congress in 1932. The most compelling aspect of this congress is to adopt a musical scale consisting of twenty four equally spaced octave notes, obtained by subdividing each interval of a semitone into two quarter-tones. This manuscript treats particularly the evolution of musical scales and the behavior of their degrees by the time while measuring the impact of this new theory. It is also interested in analyzing the properties of the melodic path and syntagmatic in order to elucidate the characteristics of each period. These elements emerged by the application of an empirical analytic method applied in three instrumental improvisations A, B and C, respectively played in 1926, 1963 and 1990

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Monnier, Franck. "L'Opéra de Paris de Louis XIV au début du XXe siècle : régime juridique et financier." Thesis, Paris 2, 2012. http://www.theses.fr/2012PA020072/document.

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Abstract:

Dès le XVIIIe siècle, l’Opéra de Paris est considéré comme un « établissement public ». Ses missions sont nombreuses. Le théâtre doit proposer traditionnellement aux spectateurs des ouvrages lyriques appartenant à un genre national, mais son rôle est aussi de représenter le pouvoir politique, de servir les relations diplomatiques, ou encore de soutenir un pan de l’artisanat. Le fonctionnement du « service public de l’Opéra » soulève des questions d’ordre public et de gestion. Un encadrement normatif a été mis en place. La police des spectacles a été réformée et adaptée aux singularités de l’établissement : le régime de la censure, la surveillance policière, comme les dispositifs de lutte contre les incendies ont été l’objet de mesures précises. La gestion du théâtre a connu plusieurs bouleversements. Les autorités ont hésité entre un système ambigu de délégation à des entrepreneurs subventionnés et un mode de gestion en régie directe. Ces réformes institutionnelles ont eu des incidences sur la condition juridique des interprètes, comme sur le déroulement des carrières et l’organisation de leur caisse de pensions. Toutes les informations nécessaires à l’élaboration de ce travail ne se trouvent pas dans les règlements. La méthode a été de croiser les sources juridiques avec les archives administratives et les bilans comptables, afin de confronter la marche effective de l’établissement avec le fonctionnement « idéal », imaginé dans les bureaux, loin des difficultés matérielles d’exécution. Cette étude révèle la force normative des usages en matière d'administration, ainsi que le phénomène de détournement des textes par les administrateurs. Ce mode de fonctionnement, souvent ignoré de la bureaucratie, demeure le seul élément de stabilité à l’Opéra, depuis le règne de Louis XIV jusqu’à la IIIe République
Since the eighteenth century, the Paris Opera has been considered to be a “public service corporation”. Many missions were assigned to the theatre: the Opera should traditionally offer the viewer lyrical opuses in a national genre, but it’s role was also to represent the authorities, serve foreign affairs and support a section of the craft industry. The functioning of the "public service of the Opera” raises questions of public order and management. A legal framework was implemented. The police for the theatres was reformed and adapted to the peculiarities of the activity: censorship, police surveillance and fire fighting arrangements were organized by specific measures. The administration of the Opera underwent several upheavals. The authorities hesitated between an ambiguous system of delegation to subsidized contractors and direct state control (or local government control). These institutional reforms had an impact on the legal status of the artists, on the development of their careers and on the organization of their pension fund. All the information necessary for the development of this work is not to be found in the legal regulations. Our method was to cross the legal sources with administrative records and balance sheets, in order to compare the actual running of the theatre with it’s "ideal" functioning, planned in offices, far from the material difficulties of the actual execution. This study reveals the normative force of customary uses in administration, as well as the phenomenon of diversion of the rules by the administrators and the staff. This mode of functioning, often unknown to the bureaucracy, remains the only element of stability in the Opera, since the reign of Louis XIV until the Third Republic

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Darbon, Nicolas. "Sens et enjeux des concepts de simplicité et de complexité dans la musique à la fin du XXe siècle." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040117.

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Abstract:

Comment définir les concepts de simplicité et de complexité au regard de la création musicale savante (dans la mesure où on peut les séparer) ? Deux courants musicaux ont émergé à la fin du XXe siècle : la Nouvelle Simplicité (Die Neue Einfachheit) en Allemagne et la Nouvelle Complexité (The New Complexity) en Grande Bretagne. Ils traduisent un problème esthétique qui s'étend au-delà de ces aires géographiques. Ils cernent des poétiques générales et se manifestent dans le champ de la communication humaine et divine. Mais ces définitions traditionnelles de surface semblent insuffisantes, comme les montrent les musiques issues des théories scientifiques du chaos et de la complexité. Ce qu'on appelle aujourd'hui la Complexité - telle que présentée par Edgar Morin -, réside essentiellement dans notre regard ; le réel est complexe et résiste au rationalisme. Pour comprendre la réalité complexe de la musique postmoderne, il s'agit donc d'appliquer en musicologie les méthodes et les démarches des théories de la complexité. Trois approches sont alors proposées sur trois niveaux : éco-cybernétique (une œuvre pour piano d'Olivier Messiaen), herméneutique (la pensée musicale de Horacio Vaggione issue de l'électroacoustique) et systémique (le genre complexe de l'opéra postmoderne). Par conséquent, cette thèse montre le renversement d'une " définition " vers une autre, à l'image d'un changement de paradigme, dans l'objet de son étude mais également dans ses méthodes pour l'approcher
How to describe the concepts of simplicity and complexity in comparison with erudite musical creation (in as far as one can disconnect them) ? Two musical currents emerged at the end of the twentieth century : The New Simplicity (Die Neue Einfachheit) in Germany and The New Complexity in the United Kingdom. Both interpret an aesthetic issue which extends beyond all these geographical areas. Both surround the widespread poetic and come to light in the sphere of the human and divine communication. But these conventional definitions seem deficient, as musics resulting from the scientific theories of chaos and complexity can prove it. Nowadays, what we use to entitle Complexity - according to Edgar Morin -, resides for the most part in our attitude ; the real is complex and escapes to rationalism. In order to understand the complex reality of the postmodern music, it would be essential to apply in musicology methods and attitudes of the theories of complexity. Three approaches on three levels are then proposed : eco-cybernetics (a piano piece of Olivier Messiaen), hermeneutics (the musical thought of Horacio Vaggione derived from electroacoustic and computer science) and systemic (the complex category of post-modern opera). Therefore, this thesis shows the inversion of a " définition " towards another, in comparison with a new paradigm, in the fact of its study and also in its methods to consider it

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Stawiarski, Marcin. "Dynamiques temporelles de la musique dans le roman anglophone du XXe siècle : Conrad Aiken, Anthony Burgess et Gabriel Josipovici." Poitiers, 2007. http://www.theses.fr/2007POIT5027.

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Abstract:

En s'appuyant sur les théories musico-littéraires récentes, cette thèse examine l'inscription de la musique en rapport avec le temps dans les oeuvres de trois romanciers anglophones du XXe siècle : Conrad Aiken, Anthony Burgess et Gabriel Josipovici. Elle procède du constat que le rôle que joue la musique dans ces textes est intrinsèquement lié à l'idée du temps. La spécificité de la musique en tant qu'art du temps est exploitée en fiction comme source d'images, de symboles ou de structures. De l'association de la musique et du temps découlent de nombreuses dynamiques temporelles. Nous analysons certaines d'entre elles, qu'il s'agisse de la pensée du temps, des aspects phénoménologiques de la musique ou des formes et des techniques musicales transposées dans les textes. Nous démontrons qu'il existe des parallélismes entre les nouvelles temporalités en musique contemporaine et les nouvelles formes du récit en littérature. En confrontant le temps littéraire au temps musical, les textes étudiés repensent le temps par la musique et offrent une expérience temporelle qui s'écarte des conceptions traditionnelles du temps
This dissertation aims at examining the role of music as related to time in the works of three 20th-century novelists – Conrad Aiken, Anthony Burgess, and Gabriel Josipovici. Drawing on recent musico-literary studies, it propounds the notion that representing music in literary texts constitutes a means of dealing with time. As an art of time, music becomes a metaphorical, symbolical and structural template for the text, resulting in multifarious temporal aspects. We examine some of them, focusing on specific time concepts, phenomenological questions concerning music, or musical forms and techniques upon which these fictional texts are predicated. We believe that many parallels can be drawn between new temporalities in contemporary music and new forms of narrative in 20th-century literature. The texts we have decided to study not only take time as their subject matter, but they also present the reader with time experience within the context of the opposition between musical time and literary time

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Husseini, Dima El. "Relations entre poésie et musique arabes du XXe siècle dans leurs rapports avec les influences occidentales : phénomène du tarab." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040098.

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Abstract:

L'évolution de la poésie arabe au XXe siècle constitue le point de mire de notre recherche dans sa relation avec la musique arabe et les influences occidentales. La relation entre la poésie et la musique arabes est étudiée à travers le phénomène du tarab (enchantement), propre à la musique orientale. Les manifestations du tarab sont étudiées par rapport au mot poétique dans sa relation avec la mélodie. Le musicien égyptien Abdel-Wahhab (1907-1991) a marqué une étape importante dans l'histoire de la relation de la musique et de la poésie. Son nom est lié aux grands poètes du monde arabe dont le poète égyptien Ahmad Chawqui (1870-1932), le poète libanais Gibran Khalil Gibran (1883-1931) et le poète syrien Nizar Qabbani (1923-1932). Les compositions musicales d'Abdel-Wahhab pour la chanteuse égyptienne Oum Kaltoum (1902-1975) représentent le mieux l'exemple de cette émotion musicale appelée tarab (enchantement).

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Zajackowski, Daria. "Ontologie et/ou "Essence" des oeuvres musicales dans la musicologie polonaise du XXe siècle : perspectives, esthétique, sémantique, sémiotique et sonoristique." Aix-Marseille 1, 1996. http://www.theses.fr/1998AIX10018.

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Abstract:

Il s'agit de demontrer, a partir de la presentation francaise de documents musicologiques publies en pologne entre 1907 et 1991, les differentes conceptions du contenu de l'essence et de l'explication des oeuvres musicales, developpees dans les etudes refletant les perspectives esthetique-semantique, semiotique et sonoristique, par lesquelles les chercheurs (bristiger, chominski, polony. . . ), manifestent un rattachement a la phenomenologie de l'art de roman ingarden. Deux objectifs fondamentaux sont ainsi poursuivis. 1. La consideration de l'essence de l'oeuvre musicale a travers les formulations reproduites: le probleme de la signification musicale (et ses corollaires transmission et reception), la relation de la musique avec la realite, (expression, la musique et la realite de la culture), l'essence effective des oeuvres, (conception de la musique en tant que phenomene sonore "vivant"). 2. Les etudes representees sont examinees d'un point de vue epistemologique, a travers leurs caracteristiques respectives (conceptions, influences), et les particularites de la musicologie en general (rattachement entre les differents chercheurs, recoupements des considerations methodologiques, similitudes d'influences et de problematiques).

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Le, Colleter Thomas. "« La matière ensorcelée » : poétiques et représentations de la musique au XXe siècle (Federico García Lorca, Pierre Jean Jouve, Giorgio Caproni)." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040175.

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Abstract:

La thèse ici présentée ambitionne d’étudier l’impact de l’imaginaire musical sur l’écriture de trois poètes majeurs du XXe siècle : Federico García Lorca (1898-1936), Pierre Jean Jouve (1887-1976) et Giorgio Caproni (1912-1990). Elle part d’un constat simple : ces trois poètes ont pour élément fédérateur non seulement une connaissance intime de la musique, mais, risquons le terme, une véritable obsession de celle-ci, qui prend bien souvent les aspects d’une fascination irrationnelle et enchanteresse face à ce que Jouve, dans une expression lourde de sens, appelle la « matière ensorcelée » – entendons par là le pouvoir désarmant du charme musical.Tous trois permettent ainsi l’élaboration, par la comparaison, d’une réflexion sur les positionnements esthétiques et idéologiques possibles de la poésie face à la musique en Europe, dans une période à la fois post-wagnérienne et post-mallarméenne. Ils sont l’occasion d’une méditation sur le rêve énoncé par Vladimir Jankélévitch dans Quelque part dans l’inachevé, appelant à « écrire non pas sur la musique, mais avec la musique », pour « demeurer complice de son mystère ».Pour répondre à ce questionnement, la thèse envisage d’abord la dimension identitaire de l’imprégnation musicale chez les auteurs, puis les modalités de son inscription dans leurs poétiques respectives, avant d’observer les évolutions à l’œuvre dans leur perception du référent musical au fil du temps. Ainsi sera mise en valeur la dimension imaginaire et fantasmatique de cet art qui n’aura cessé de les requérir leur vie durant
This thesis aims at studying the impact of musical imagination on the writing of three major poets of the XXth century : Federico García Lorca (1898-1936), Pierre Jean Jouve (1887-1976) and Giorgio Caproni (1912-1990). It starts from a simple observation : not only do these poets have an intimate knowledge of music, but, let us risk the term, a real obsession for it, that often verges on an irrational and enchanting fascination for what Jouve, in a thoughtful expression, calls “the bewitched matter” – ie the disarming power of the musical charm.All three of them thus enable the elaboration, through comparison, of a reflection on the esthetical and ideological positionings of poetry in front of music in Europe, in a time both post-wagnerian and post-mallarmean. They make possible a meditation on the dream once stated by Vladimir Jankélévitch in Somewhere in the unfinished, calling for “writing not on music, but with music”, to “remain accomplice of its mystery”.To answer this questioning, the thesis first tackles the search for identity enabled by the authors’ musical impregnation; it then explores the way music comes within the scope of their respective poetics; it finally observes the evolutions in their perception of the musical referent as time goes by. Thus will be underlined the imaginary and fantastical dimension of this art which kept calling for them all their lives

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Venture, Rémi. "De la tradition au folklore : pratique et image du tambourin en Provence de 1864 à la fin du XXe siècle." Aix-Marseille 1, 2009. http://www.theses.fr/2009AIX10132.

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Abstract:

Version locale de la flûte-tambour, paire d'instruments répandue dans toute l'Europe depuis le Moyen Âge jusqu'à la renaissance, le galoubet-tambourin est aujourd'hui devenu l'une des principales images de la Provence culturelle. Le présent travail universitaire se donne pour but d'étudier l'évolution qui, à partir du mouvement intellectuel initié par Frédéric Mistral au XIXe siècle, a donné à une pratique instrumentale certes originale et localisée entre Rhône et Var mais sans aucune connotation locale, la vocation d'image identitaire qu'on lui connaît aujourd'hui.

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Sounac, Frédéric. "Modèle musical et composition romanesque dans la littérature française et allemande du XXe siècle : genèse et visages d'une utopie esthétique." Paris, EHESS, 2003. https://acces.bibliotheque-diderot.fr/login?url=https://doi.org/10.15122/isbn.978-2-8124-3042-8.

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Abstract:

"Voilà mon piano à queue": cette légende, portée en français par Thomas Mann sur une photographie de son bureau offerte à sa traductrice Louise Servicen, trahit à elle seule l'assimilation rêveuse de l'écriture romanesque à la composition musicale. Comment comprendre que l'auteur de Doktor Faustus veuille voir en ses oeuvres de "bonnes partitions"? Pourquoi se représenter le roman et le jeu totalisant de l'esprit, comme Hermann Hesse dans Das Glasperlenspiel, sous la forme d'un brillant exercice de contrepoint? Fallait-il que l'hypermnésie proustienne, juste avant le passage à l'écriture, prît la forme d'une recomposition rédemptrice, celle de la partition du Septuor? En prenant pour point de départ la théorie littéraire du premier Romantisme allemand, contemporaine d'un mouvement d'absolutisation de la musique instrumentale au sein de l'art, ce travail s'efforce de remonter aux sources d'une véritable utopie esthétique: l'application à la fiction narrative de procédés compositionnels. Le rôle paradigmatique de la musique dans la perspective idéaliste et historiciste appelée par Jean-Marie Schaeffer "Théorie spéculative de l'art", et plus généralement sous l'influence d'une "intellectualité musicale" (particulièrement chez Schopenhauer, Nietzsche, Adorno, Lévi-Strauss et Barhes) font ainsi office de fil conducteur à l'examen de textes français et allemands, parmi lesquels, outre les oeuvres mentionnées ci-dessus, des romans d'André Gide, Hermann Broch, Hans Henny Jahnn, Michel Butor, mais aussi de nombreux auteurs contemporains. L'hypothèse d'une idéalité musicale du roman, déjà perceptible dans certaines analyses de Friedrich Schlegel (en particulier sa lecture du Wilhelm Meisqter de Goethe) est donc l'objet de notre recherche. A l'aide de la notion de méloforme, elle est étudiée dans un premier temps en qualité de clef du "Poème" moderne des Romantiques; ensuite comme objectif de romans qui incluent réflexivement une méditation sur la composition musicale; et enfin en tant que "pratique" de textes qui s'efforcent, expérimentalement, d'adapter à la fiction narrative des structures musicales
"This is my grand piano": these words in themselves, handwritten in french by Thomas Mann on a photograph of his desk sent to his translator, Louise Servicen, betray the dreamy assimilation of a novel writting to musical composing. Why does the author of Doktor Faustus consider his works as "good scores"? A novel, as welle as the full activity of the mind, are they comparable to a brilliant counterpoint exercise, as Hermann Hesse suggests in Das Glasperlenspiel? Did Proust's hypermnesia really had, jusy before turning into writting, to be associated with the redeeming Septuor? Beginning with the literary theory of first german Romantism, contemporary of a stream of "absolutisation" of instrumental music among arts, this work is intended to go back to the sources of a genuine aesthetic utopia: the use of musical devices in fiction. As a paradigm in the idealist and historicist thought that Jean-Marie Schaeffer calls " Speculative theory of art", music becomes an intellectual category, particulary with Schopenhauer, Nietzsche, Adorno, Lévi-Strauss and Barhes. The theory concerned, thus, leads the study of french and german texts, including, among those already mentionned, novels by André Gide, Hermann Broch, Hans Henny Jahnn, Michel Butor, and many other contemporary writers. The hypothesis of a musical ideality of the novel, which was actually already noticeable in some of Friedrich Schlegel's analyses (most of all his famous reading of Goethe's Wilhelm Meister), is consequently the purpose of this research. With the help of the concept of meloform, musical ideal is first studied as a key to the romantic modern "Poem"; then as the aim of some novels including a reflexive meditation on musical composition; and eventually as the practice of authors experimenting with the adaptation of musical structures to narrative fiction

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Heintzen, Jean-François. "Musiques discrètes et société : les pratiques musicales des milieux populaires, à travers le regard de l'autorité, dans les provinces du centre de la France, XVIIIe-XIXe siècles." Clermont-Ferrand 2, 2007. http://www.theses.fr/2007CLF20021.

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Abstract:

Cette thèse étudie durant deux siècles les constituants du "folklore musical" : expressions instrumentales et chantées, danses, et plus généralement toute manifestation de sociabilité liée au sonore. L'aire géographique abordée comprend l'Allier, le Cher, la Nièvre, le Puy-de-Dôme, et leurs marges. La délimitation des pratiques étudiées refuse l'opposition frontale savant / populaire en se focalisant sur les caractéristiques sociales du groupe humain qui génère ou reçoit lesdites manifestations sonores. Ainsi des répertoires variés sont concernés, tant les productions du "petit peuple" que les oeuvres qui lui sont librement accessibles (musique d'église, hymnes civiques). Les sources s'éloignent des écrits ethnographiques, et privilégient l'expression des autorités génératrices d'archives : seigneuriales, communales, religieuses et judiciaires. Parallèlement à une mise en perspective nationale, nos sources présentent un caractère essentiellement local. Les points de vue exprimés par l'Autorités -qualitatifs, normatifs ou prescriptifs- constituent l'élément essentiel de notre recherche : nous souhaitons étudier tout autant l'histoire de pratiques que l'évolution du regard de l'autorité à leur égard. En particulier, la présence de la Révolution Française au milieu de la période choisie n'est pas anodine : en quoi ces années ont-elles infléchi les pratiques musicales de milieux populaires ? Quels usages hérités de l'Ancien Régime ont traversé la tourmente révolutionnaire ? Quelle modernité a pu s'immiscer dans l'expression sonore au XIXe siècle ? Comment l'autorité passe-t-elle, d'une époque à l'autre, du désir d'éradication à l'intérêt, de l'ignorance au dédain ?

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Lorenzo, Rubio Daniel. "Le genre canción chez Luis de Pablo. Tradition et renouveau." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040245.

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Abstract:

Le compositeur espagnol Luis de Pablo a écrit nombre de pièces pour voix soliste et instruments, basées sur des textes poétiques, qui ont été fort peu étudiées.À tous les points de vue, ces oeuvres ne constituent pas un corpus homogène. À travers quatre axes analytiques (forme, timbre et instrumentation, vocalité et mélodie, sémantique et texte) correspondant aux quatre chapitres centraux, ce travail essaie de cerner à quel genre elles se rattachent et quel type de relation elles entretiennent avec le Lied, la mélodie ou la canción. Ces pièces vocales « de chambre », occasion privilégiée de rencontre avec la poésie, « émanent » d'un texte avec lequel elles entretiennent un rapport tout à fait spécifique. L’une de nos hypothèses est que l’on peut peut-être y déceler une influence « madrigaliste ».Cette thèse ambitionne in fine de resituer l'ensemble de ces oeuvres dans le parcours esthétique du compositeur, ainsi que dans leur contexte spatio-temporel à la fois espagnol et européen.La thèse aborde aussi d'autres questions subsidiaires, comme le rôle que joue la langue espagnole dans cette production, la capacité de la musique de transmettre une idée extra-musicale et la nette intertextualité qui se dégage d’une partie de ces pièces. Ce travail s’appuie dans son intégralité sur la voix personnelle du compositeur (recueillie dans des entretiens inédits, réalisés à Madrid de juillet 2011 à juin 2012)
Spanish composer Luis de Pablo is author of a number of works for solo voice and instruments (usually small instrumental ensembles), based on poetic texts, which is one of his less studied features of his oeuvre.From any point of view, these works are not a homogeneous group. Departing from four analytical perspectives (form, timbre and instrumentation, voice emission and melody, and semantic and text) which correspond to the four central chapters, this thesis seeks to answer the question of their identity as a musical genre and their relationship to Lied, mélodie and canción. As a music that « emanates » from a text, these « chamber » vocal pieces, meeting place par excellence with poetry, present in every level and parameter, a specific relationship to the text. We will try to elucidate a possible influence of madrigalisms in this relationship. The present thesis finally ambitions to place these works in the overall evolution of the composer and in the Spanish and European context.The thesis approaches also other questions like the role of Spanish language, the capacity of music to convey an extramusical idea and the high level of intertextuality in some of these works. This thesis uses along the exposition the personal voice of the composer (collected through our own unpublished interviews which were made in Madrid from July 2011 to June 2012)

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Carrillo, Rodríguez Illa Eleonora. "Histoire culturelle et politique de la chanson urbaine contemporaine du Río de la Plata : enjeux esthétiques et politiques de la "musique populaire argentine", du "folklore" et du "rock", deuxième moitié du XXe siècle - début du XXIe siècle." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010547.

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Abstract:

Cette étude examine deux mouvements culturels qui ont joué un rôle central dans la configuration de la « musique populaire argentine» du dernier vingtième siècle; 1) le Nuevo Cancionero, mouvement qui à partir des années 1960 interroge et reformule le paradigme discursif du courant traditionaliste de la musique « folklorique» argentine; 2) la mouvance contre-culturelle du rock qui émerge à la même période sous le nom de mûsica progresiva et se consolide au début des années 1980 comme expression. Emblématique de la « culture nationale », En reconstituant et en articulant des trajectoires, performances et répertoires marquants, notamment ceux de la chanteuse Mercedes Sosa, ce travail rend compte des artefacts, espaces et modes de représentation et médiation constitutifs de ces cultures musicales. Ce faisant, on est amené à considérer les pratiques performancielles et discursives à travers lesquelles ces musiques « populaires» se sont constituées en tant que telles. Cette démarche nous permet de mieux saisir les trames idéologiques, identitaires et esthétiques qui traversent ces pratiques et, partant, les traditions culturelles et politiques dont elles sont tributaires. À la lumière de cette analyse, la musique populaire argentine émerge comme un champ culturel interstitiel et hétéroclite au sein duquel la mise en scène et en récit des identités dites subalternes - celle du « paysan opprimé» ou du « jeune subversif» - s'imbrique et se confond avec le dispositif discursif d'un imaginaire culturel dominant : celui de la « patrie».

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Lejeune, Löffler Marie-Raymonde. "Impact, fonction et rôle des "Internationale Ferienkurse für Neue Musik, Darmstadt" pour la musique et le rapport mots et musique de la deuxième moitié du XXe siècle." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040005.

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Abstract:

La recherche est focalisée sur le phénomène de l'"intercontinentalité", sur quelques intersections entre la musique des Etats-Unis et les internationales Ferienkurse fur neue Musik, Darmstadt et sur le phénomène "Darmstadt japonais". Elle présente des résultats fondés sur oppositions contrapunctiques telles mots et musique, "Darmstadt historique" et "Darmstadt actuel", sources auditives et sources éditoriales, macrocosme et microcosme des internationales Ferienkurse fur Neue Musik, Darmstadt et degrés épidermique et profond d’analyse de l'œuvre. Elle repère les prémisses de la dichotomie géographique Etats-Unis-Japon dès 1958, dévoile l'importance de l’Ecole de kyoto par rapport aux personnalités et œuvres d’entre autres John CAGE ? Toshio HOSOKAWA et Klaus HUBER et esquisse l’évolutif de l’œuvre musical du monolinguisme au plurilinguisme, du "mono-culture" au "polyculturel" vers l'ubiquité du linguistique dans le musical
The research is concentrated on the "intercontinentalité" phenomenon, on the study of some of the intersection between the music of the United States and the internationale Ferienkurse fur Neue Musik, Darmstadt and on the "japanese Darmstadt". It acknowledges results based on contra punctual contrats such as words and music, "Historical Darmstadt" and "today's Darmstadt", audio and editorial sources, acrocosm and microcosm of the internationale Ferienkurse fur Neue Musik, Darmstadt and higt-level as well as in-depth level manuscript analysis. It spots the premises of the geographical dichotomy United States Japan since 1958, reveals the importance of the Kyoto School in relation to personalities and masterpieces from among others John CAGE, Toshio HOSOKAWA and Klaus HUBER and outlines evolutions of the musical masterpiece from mono-linguistics to multi-linguistics, from "mono-cultural" to "Zoly-cultural" towards ubiquity of linguistic in the musical world

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Ventura, da Silva Alessandro. "La musique populaire dans les villes américaines en réformes : communautés noires et politiques de modernisation urbaine (Rio de Janeiro, Buenos Aires et New York, fin XIX siècle et début XXe siècle)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA154.

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Abstract:

Le but de cette thèse est d'identifier les analogies entre les manifestations culturelles des communautés noires dans les villes de Rio de Janeiro, Buenos Aires et New York à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Du point de vue de cette réflexion, nous prétendons montrer que les stimulations culturelles et idéologiques qui imprégnaient ces villes ont été fondamentales pour la formation d’une matrice provocante et atténuante dans les compositions musicales et poétiques telles quelles les sambas, milongas, tangos et jazz de cette période et passibles, de cette façon, d’être observées dans une perspective trans-hémisphérique en ce qui concerne les Amériques. Fatalement, comme les villes de Rio de Janeiro, Buenos Aires et New York possèdent en commun le fait d’avoir participé à une expérience modernisatrice, nous déduisons que l’élément de désillusion senti par une fraction sociale a produit un mouvement de critique dans ces manifestations musicales qui faisait échouer les objectifs civilisateurs en créant des atmosphères qui rivalisaient avec la ville officialisée. Il s’agit de la ville contre la ville qui attirera notre attention à partir de l’atmosphère sentie dans les clubs, favelas et conventillos de ces villes et qui, prise dans sa complexité et densité historique, nous fournira des éléments pour penser les similitudes et les différences de ces villes et expériences musicales dans les Amériques
The aim of this thesis is to identify the analogies between the cultural manifestations of black communities in the cities of Rio de Janeiro, Buenos Aires and New York in the late nineteenth and early twentieth centuries. From the point of view of this reflection, we claim to show that the cultural and ideological stimulations that permeated these cities were fundamental for the formation of a provocative and attenuating matrix in musical and poetic compositions such as sambas, milongas, tangos and jazz of this period and in this way can be observed in a trans-hemispheric perspective in the Americas. Fatally, as the cities of Rio de Janeiro, Buenos Aires and New York have in common the fact of having participated in a modernizing experiment, we deduce that the element of disillusionment felt by a social fraction produced a movement of criticism in these musical demonstrations that defeated the civilizing aims by creating atmospheres that rivaled the official city. It is the city against the city that will draw our attention from the atmosphere felt in the clubs, favelas and conventillos of these cities and which, taken in its complexity and historical density, will provide us with elements to think similarities and the differences of these cities and musical experiences in the Americas

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Gervasoni, Arturo. "Directionnalités dans la musique d'Ivan Fedele." Phd thesis, Université Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00196059.

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Abstract:

La directionnalité dans la représentation comme notion d'« aller vers » et ou de « rapport à » est abordée dans différents domaines dont le domaine musical et elle est utilisée comme outil d'analyse de la musique du compositeur Ivan Fedele. Ces notions qui dérivent des notions de « sens » et de l'acte de comparaison sont l'essence même de l'acte d' « étude ». Du point de vue conceptuel et du point de vue stylistique, l'analyse de la directionnalité dans la musique d'Ivan Fedele nous a permis de relever des traits qui font partie de sa pensée. L'analyse de la musique d'Ivan Fedele sous l'angle des notions de directionnalité nous a également permis de relever des aspects de la pensée musicale des années 1990

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Fichet, Laurent. "Les théories scientifiques de la musique aux XIXe et XXe siècles." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040354.

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Abstract:

Cette thèse présente les principales théories sur la musique du XIXe et du XXe siècle, fondées sur les mathématiques, la physique ou la physiologie. Ceci pour exposer un certain nombre de théories méconnues, et résumer et clarifier d'autres théories plus connues, mais complexes. La limitation de ce travail aux théories scientifiques de la musique permet de plus, après une analyse critique, d'essayer de voir quelles sont les certitudes que la science peut apporter dans le domaine des arts. Après examen, il ressort que la plupart des théoriciens n'ont pas su mener leurs raisonnements entièrement avec une bonne rigueur scientifique. Il apparait même que certains d'entre eux ont été attirés par la bonne réputation des sciences, plus que par la possibilité d'élaborer une théorie scientifique de la musique. La possibilité que de nouvelles théories fassent avancer la compréhension scientifique de la musique n'est pas pour autant écartée, mais l'accent est mis sur le fait que si la musique pouvait être totalement comprise par ces sciences, cela signifierait qu'il pourrait y avoir une musique parfaite, éternelle et figée
This dissertation presents the main theories on the music of the XIXth and XXth centuries, based on mathematics, physics or physiology. This study wishes to present ill-known theories, or sum up and clarify others better known but complex. In addition, the limit of this study to the scientific theories of music allows us, after a critical analysis, to see what certitudes science can bring in the field of arts. We can assume that most of theoreticians have not been able to carry out their arguments to the end with a fair scientific exactness. It even seems that some of them have been attracted by the good reputation of science more that by the possibility of working out a scientific theory of music. The possibility that new scientific theories might promote the comprehension of music is not for all that discarded, but we emphasize the fact that, if music could be explained by these sciences, that would mean that there might be fixed and everlasting music

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Dissertations / Theses on the topic 'Musiques du XXe siècle'

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