Log in

Relevant bibliographies by topics / Musiques du XXe siècle / Journal articles

To see the other types of publications on this topic, follow the link: Musiques du XXe siècle.

Journal articles on the topic 'Musiques du XXe siècle'

Author: Grafiati

Published: 4 June 2021

Last updated: 13 February 2022

Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles

Select a source type:

Consult the top 50 journal articles for your research on the topic 'Musiques du XXe siècle.'

Next to every source in the list of references, there is an 'Add to bibliography' button. Press on it, and we will generate automatically the bibliographic reference to the chosen work in the citation style you need: APA, MLA, Harvard, Chicago, Vancouver, etc.

You can also download the full text of the academic publication as pdf and read online its abstract whenever available in the metadata.

Browse journal articles on a wide variety of disciplines and organise your bibliography correctly.

1

Leclair, François-Hugues. "Michel Longtin : éclaircies à l’aube du xxie siècle." Circuit 22, no. 1 (April 30, 2012): 67–90. http://dx.doi.org/10.7202/1008970ar.

Full text

Abstract:

Michel Longtin fait figure de pionnier dans le passage à la postmodernité en intégrant à sa palette de compositeur des langages musicaux d’origines variées (musiques modales, folkloriques, « de film »). Le geste fondamental de rupture qu’il fait face au milieu avant-gardiste des années 1980 semble posséder de nombreuses analogies avec la démarche d’un Gustav Mahler au début du XXe siecle, introduisant dans la « grande » musique symphonique des éléments empruntés à la musique « vulgaire ». Cette hypothèse sera étayée par l’analyse de trois oeuvres symphoniques majeures du compositeur québécois : La route des pèlerins reclus (1984), Quaternions (1997), … et j’ai repris la route (2006). L’analyse dans la perspective tripartite de Jean Molino (niveaux poïétique, neutre et esthésique) propose ainsi des regards croisés entre l’oeuvre symphonique de Longtin et celle de Mahler, à la lumière de l’ouvrage remarquable de Theodor Adorno sur le compositeur viennois.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

2

Tagg, Philip. "Musiques. Une encyclopédie pour le XXIe siècle. Volume 1 : « Musiques du XXe siècle ». NATTIEZ, J.-J. (dir.) (2003), Musiques. Une encyclopédie pour le XXI siècle, vol. I, « Musiques du XX siècle », Arles, Actes Sud/Cité de la musique, 1,492 p." Circuit: Musiques contemporaines 16, no. 1 (2005): 97. http://dx.doi.org/10.7202/902387ar.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

3

Desjardins, Pierre. "La musique contemporaine s’est embrouillée." Positions 7, no. 1 (February 25, 2010): 70–73. http://dx.doi.org/10.7202/902161ar.

Full text

Abstract:

En réponse à Michel Gonneville, le philosophe reprend les arguments de sa première intervention sur la déshumanisation de la musique contemporaine et sa quête de l’originalité à tout prix. Il insiste sur la spécificité du langage musical et la nécessité pour l’auditeur d’être en mesure de capter un message. Il se désole de voir les jeunes compositeurs se vautrer dans l’ignorance. Il considère que les grands noms du XXe siècle sont, non pas Boulez, mais Ravel, Stravinski, Prokofief ou Bartòk et fait l’éloge des musiques populaires et rythmiques, rock ou jazz, dont il explique le succès par le respect des normes traditionnelles.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

4

Molino, Jean. "Classiques et classicisme à l’âge postmoderne." Circuit 1, no. 1 (January 29, 2010): 75–82. http://dx.doi.org/10.7202/902005ar.

Full text

Abstract:

S’appuyant sur la notion de « classique » en littérature, l’auteur cherche à dégager les critères qui permettraient de reconnaître les « classiques » de la musique du XXe siècle : caractéristiques internes, recherche de l’équilibre stylistique et langage commun au compositeur et à l’auditeur. Il fait le pari de l’apparition de nouvelles stratégies d’écoute commandées par les innovations d’écriture du XXe siècle.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

5

Gougeon, Denis. "Garant communicateur, ou la parole agissante." Circuit 7, no. 2 (February 25, 2010): 27–36. http://dx.doi.org/10.7202/902177ar.

Full text

Abstract:

Se penchant sur les articles du polémiste et les interventions radiophoniques à l’émission Musique de notre siècle, l’auteur montre comment Garant défendait le courant moderniste au XXe siècle contre les tenants du néo-classicisme et de l’académisme, et comment il définissait les tâches de la musique canadienne contemporaine.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

6

Couture, Ariane. "Parcours dans la programmation des concerts du Nouvel Ensemble Moderne." Circuit 23, no. 3 (January 23, 2014): 63–73. http://dx.doi.org/10.7202/1021519ar.

Full text

Abstract:

En 25 ans d’activités, le nem a interprété 635 oeuvres de 374 compositeurs dans le cadre de concerts locaux, d’ateliers publics ou de tournées à l’étranger. Prises individuellement, ces oeuvres couvrent la majorité des tendances esthétiques de la musique du xxe siècle. Parmi le répertoire de l’ensemble, il est cependant possible d’effectuer des regroupements sur la base de deux axes principaux : d’une part, les oeuvres érigées au statut de « classiques » de la musique contemporaine, et, d’autre part, les nouvelles oeuvres qui participent à l’innovation musicale. Ainsi, la politique de diffusion des oeuvres en concert établie par Lorraine Vaillancourt amène l’instauration d’une nouvelle culture dans le domaine de la création musicale, basée sur le développement d’un répertoire d’oeuvres des xxe et xxie siècles.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

7

Zénouda, Hervé. "Musique et communication au xxe siècle." Hermès 70, no. 3 (2014): 156. http://dx.doi.org/10.3917/herm.070.0156.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

8

Mattéoni, Olivier. "Nouvelles musiques du XIIIe au XVe siècle." Médiévales 16, no. 32 (1997): 5–8. http://dx.doi.org/10.3406/medi.1997.1376.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

9

Nejedlý, Martin. "Reinardus en Bohême." Reinardus / Yearbook of the International Reynard Society 31 (December 31, 2019): 80–114. http://dx.doi.org/10.1075/rein.00027.nej.

Full text

Abstract:

Résumé L’article retrace la représentation du renard dans les sources tchèques à travers les siècles. En partant de l’image du prince perfide de la Chronique de Kosmas (début du XIIe siècle) et du traître flagorneur dans la Chronique en vieux tchèque dite de Dalimil (début du XIVe siècle), en passant par le renard rusé des fables en tchèque et par la figure du mauvais conseiller des rois dans le miroir des princes de Smil Flaška de Pardubice (XIVe siècle), cette veine de représentation négative aboutit au XVe siècle, lors de la révolution hussite, à un portrait très défavorable de la bête rousse – aussi bien dans le camp de la reforme (La querelle de Prague et de Kutná Hora, vers 1420) que dans le camp catholique (Pavel Žídek, vers 1463). L’image change peu à peu grâce à l’œuvre de Dubravius et de Konáč de Hodiškov (XVIe siècle) et avant tout grâce aux manuels de deux jésuites du siècle suivant, Melchior Hanel et Václav Jandit, présentant le sage renard enseignant les autres animaux. L’adaptation de la matière des premières branches françaises du Roman de Renart en tchèque (par l’intermédiaire de l’allemand) date de 1845. Au XXe siècle, ses avatars aboutissent à la figure du héros (ou de l’héroïne) sympathique: la petite renarde rusée, transcrite en musique par Leoš Janáček, la Compagne malicieuse renarde de Josef Lada et le cynique et rusé « renard roux » commentant l’histoire tchèque dans la série BD culte Images de l’Histoire tchèque .

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

10

Mabru, Lothaire. "Les Musiques Traditionnelles en Suisse Romande, tout au long du XXe siècle... et au tout début du XXIe!" Cahiers de musiques traditionnelles 17 (2004): 382. http://dx.doi.org/10.2307/40240541.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

11

Orea, René. "Paradoxe dans la relation entre oralité et écriture musicale." Circuit 21, no. 2 (July 21, 2011): 13–27. http://dx.doi.org/10.7202/1005270ar.

Full text

Abstract:

Les notions d’oralité et d’écriture sont souvent associées dans l’imaginaire collectif à l’idée de « primitif » et « civilisé » et, par-delà, de cultures dites lettrées et illettrées, de « populaire » et « savant », d’immatériel et matériel. Dans les faits, elles ont une existence et renvoient à des pratiques certes opposées, mais complémentaires. Elles agissent à des niveaux de fonctionnement différents, soit l’auditif et le visuel. L’oral et l’écrit coexistent en musique non sans une certaine tension d’origine historique. Celle-ci est notamment entretenue par l’authenticité recherchée à travers le geste graphique et la signification qu’il faut lui accorder, souvent explicitée par le biais de l’oralité. À ce titre, le xxe siècle occidental a engendré un éclatement des langages, des techniques, des niveaux de perception et de conception des structures sonores, remettant en question la fonction et le statut de la partition, ce symbole qui apparaît comme l’aboutissement de la pensée musicale d’Occident. L’objectif de cet article est donc d’explorer les relations entre l’oralité et l’écriture, en ayant comme point de mire les musiques contemporaines occidentales, en faisant parfois référence à des champs qui nous sont familiers et que nous aimons juxtaposer pour leurs points communs et différences : ceux de la composition et de l’ethnomusicologie.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

12

Chang, Leiling. "L’odyssée musicale afrocubaine." Circuit 17, no. 2 (December 10, 2007): 93–106. http://dx.doi.org/10.7202/016843ar.

Full text

Abstract:

À Cuba, les premières décennies du xxe siècle montrent un contexte social et culturel des plus intéressants pour l’historien, ceci dû à plusieurs facteurs : la société cubaine affronte une nouvelle situation démographique après l’abolition de l’esclavage et le conséquent déplacement de la population africaine esclave vers les villes ; la naissance de la république de Cuba, à la fin de la colonisation espagnole, est marquée par une forte dépendance des États-Unis ; des mouvements d’avant-garde politique et culturelle mènent une lutte sans répit contre les esprits les plus traditionalistes ; le monde politique est des plus controversés, entre la corruption, l’assassinat des étudiants universitaires, la présence de militaires américains, entre autres aspects. Dans ce contexte a lieu l’un des plus beaux mouvements artistiques de l’histoire de Cuba : l’afrocubanisme. Ce mouvement, cherchant à revendiquer l’origine africaine de la nation cubaine, est en même temps une quête de modernité accrue et sera le point de départ de l’art cubain du xxe siècle. Parmi les figures qui marquent ce mouvement, Amadeo Roldán, compositeur, en est le pionnier et le divulgateur. Dans ses oeuvres, comme dans sa poétique musicale, nous trouvons l’origine de la musique cubaine du xxe siècle, jusqu’à nos jours, ainsi que l’évidence d’une lutte plus large, panaméricaine, qui cherche modernité et universalité à partir des recherches folkloriques.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

13

Sallis, Friedemann. "Le paradoxe postmoderne et l’oeuvre tardive de Luigi Nono." Circuit 11, no. 1 (October 2, 2002): 68–84. http://dx.doi.org/10.7202/004702ar.

Full text

Abstract:

Résumé Cet article propose un examen des aspects problématiques qui entourent l’usage du terme postmoderne. L’oeuvre tardive de Luigi Nono (1926-1990) constitue un excellent point de départ pour une telle étude. Les compositions de la fin de sa carrière, telles Omaggio György Kurtág (1983-1986) et Fragmente-Stille, an Diotima (1980), ont surpris et choqué ses collaborateurs de longue date. Les formes fragmentaires et la nature introvertie de cette musique ont créé l’impression d’une profonde rupture stylistique et technique dans le développement du compositeur. Cette apparence de rupture était vue par de nombreux observateurs comme un signe du déclin d’un certain modernisme (c’est-à-dire l’avant-garde du XXe siècle) et l’annonce de l’éclosion de nouvelles approches, dites postmodernes, de l’art et de la culture. L’auteur démontre que, d’une part, l’apparence de rupture dans l’oeuvre tardive de Nono est surestimée et, d’autre part, que l’idée d’un art musical postmoderne est trompeuse dans la mesure où elle détourne l’attention des éléments de continuité dans la nouvelle musique à la fin du XXe siècle.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

14

Lefebvre, Marie-Thérèse. "La musique de Wagner au Québec au tournant du XXe siècle." Canadian University Music Review, no. 14 (February 22, 2013): 60–76. http://dx.doi.org/10.7202/1014311ar.

Full text

Abstract:

Résumé Cette étude présente une série de faits mettant en évidence la présence de la musique de Wagner au Québec au tournant du siècle grâce aux échanges culturels entre les États-Unis, la France et le Canada et grâce à deux personnalités musicales importantes de cette période : le chef d’orchestre américain Theodore Thomas et le compositeur canadien Guillaume Couture. L’auteure étudie d’abord les premiers contacts entre l’Amérique et la musique de Wagner avant 1883, puis analyse les événements musicaux de la période 1884–1914 et termine par un survol des concerts de l’Orchestre symphonique de Montréal donnés entre 1938 et 1948.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

15

Yannou, Démètre. "Ο Ορφέας στην μουσική και στην μουσικοθεωρητική σκέψη των νεότερων χρόνων (15ος-17ος αιώνας)." Σύγκριση 11 (January 31, 2017): 22. http://dx.doi.org/10.12681/comparison.10764.

Full text

Abstract:

L a légende d'Orphée a eu un retentissement particulier dans la musique et dans la pensée musicale des temps modernes. Grâce à la transmission de la légende à travers la littérature et la théorie de la musique du Moyen Âge, le personnage d'Orphée se présente, surtout pendant le XVe, le XVIe et le XVIIe siècle, comme allégorie de la musique à laquelle se réfère aussi bien la musique que la théorie de la musique. Pour la théorie de la musique, la légende d'Orphée s'inscrit dans la tradition de la doctrine des effectus musices. Dans ce cadre, la légende, de même que tous les mythes antiques se référant aux effets de la musique, a une double fonction au début des temps modernes. La première est de livrer des exemples attestant la théorie. Ces exemples subissent un examen critique qui va de la réfutation des faits racontés jusqu'à leur interprétation au moyen de forces naturelles. La deuxième fonction est de fournir des points de repère pour la conception de la réalité musicale de l'époque. Cette fonction concerne le public des milieux de la vie musicale de la Renaissance et du début du XVIIe siècle et elle se manifeste plutôt dans l'historiographie galante que dans la théorie de la musique . proprement dite. Pour la création musicale, le personnage d'Orphée représente d'un côté l'allégorie de la force de l'homme, et de l'autre, à travers la dramatisation de la légende, la force de la musique et plus spécialement du chant — champ d'expression par excellence de l'opéra naissant. «A partir du XVIIIe siècle, avec la naissance de l'acoustique moderne, la référence aux légendes de l'Antiquité disparaît de la théorie de la musique. Par contre, dans la création musicale, la légende d'Orphée continue de susciter l'intérêt des compositeurs jusqu' à la fin du XXe siècle. Néanmoins, la place des premières œuvres musicales inspirées par cette légende au début des temps modernes reste unique dans l'histoire de la musique, parce que ces œuvres s'inscrivent dans une époque pour laquelle la référence aux légendes musicales de l'Antiquité constituait un lieu de convergence de la théorie de la musique, de la création musicale et de la conception que les contemporains eux-mêmes se formaient de la réalité musicale de leur temps.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

16

Côté-Angers, Jean-Philippe. "Joseph Vézina (1902-1924) et l’orchestration au tournant du XXe siècle." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 10, no. 1 (November 28, 2018): 21–25. http://dx.doi.org/10.7202/1054167ar.

Full text

Abstract:

L’oeuvre de Joseph Vézina (1849-1924), principal pilier de la vie musicale à Québec à partir de 1880, connaît depuis peu un regain d’intérêt, en particulier dans le contexte des Fêtes du 400e de Québec. Sa musique, presque entièrement dédiée à l’orchestre à vent, a cependant une instrumentation assez inconstante, qui pose problème à l’analyse ainsi qu’à l’exécution moderne. Les copies faites par Raoul Vézina après la mort de son père et l’absence de partitions intermédiaires, à l’époque où la musique de Vézina était pourtant jouée régulièrement, laissent supposer qu’on doive chercher ailleurs que dans les partitions la manière de comprendre l’orchestration de Vézina. Cet article se propose de trouver des réponses par le biais de l’évolution de l’orchestre à vent et de la théorie de l’orchestration courante à l’époque.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

17

Guido, Laurent. "De l’« opéra de l’oeil » aux « films à sensation » : musique et théâtralité aux sources de l’horreur cinématographique." Cinémas 20, no. 2-3 (January 7, 2011): 13–40. http://dx.doi.org/10.7202/045143ar.

Full text

Abstract:

L’auteur s’interroge sur la théâtralité à l’oeuvre dans le cinéma d’horreur à partir de ses origines scéniques. Il s’attache plus particulièrement aux rapports entre le film et diverses attractions spectaculaires du xixe siècle comme la fantasmagorie ou le mélodrame, en prenant en considération les pratiques comme les discours théoriques liés aux fonctions qu’y occupe la musique. Le texte central Komposition für den Film d’Hanns Eisler et Theodor Adorno, trop souvent réduit à une critique unilatérale de la culture de masse, sert ici de fil conducteur à la réflexion. Différentes stratégies musicales sont identifiées et discutées au regard de leur importance historique et de leurs implications esthétiques : le leitmotiv, la dissonance et la répétition. Si l’article se concentre sur les premières années du xxe siècle — du cinéma des premiers temps au film classique hollywoodien —, il lance tout de même quelques pistes de recherche pour aborder la période postérieure aux années 1960. La singularité profonde d’une « nouvelle horreur », telle qu’on peut la définir en fonction de la réception du public de l’époque, est ainsi partiellement nuancée par sa mise en perspective historique.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

18

Kululuka, Apollinaire Anakesa. "L'Afrique noire dans la musique savante occidentale au XXe siècle." Cahiers de musiques traditionnelles 16 (2003): 273. http://dx.doi.org/10.2307/40240509.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

19

Champagne, Éric. "Une saison effervescente pour l’opéra contemporain à Montréal." Circuit 16, no. 2 (February 1, 2010): 93–103. http://dx.doi.org/10.7202/902401ar.

Full text

Abstract:

Pendant l’année écoulée de mai 2004 à mai 2005, Montréal a connu une activité créatrice d’une rare intensité dans le domaine de l’opéra contemporain : en plus de la création des opéras Elia (musique et livret de Silvio Palmieri) et L’archange (musique de Louis Dufort, livret d’Alexis Nouss), on a assisté à la reprise de Louis Riel d’Harry Somers, oeuvre majeure qui a marqué la musique canadienne de la seconde moitié du XXe siècle. Cet article présente un compte rendu de ces trois productions avec, en toile de fond, un plaidoyer pour la reprise et la réinterprétation des nouveaux opéras, au-delà de leur seule création.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

20

Julien, Olivier. "Entretien avec François Bayle." Canadian University Music Review 24, no. 2 (March 8, 2013): 1–7. http://dx.doi.org/10.7202/1014579ar.

Full text

Abstract:

Directeur du GRM (Groupe de Recherches Musicales) de 1966 à 1997, le compositeur François Bayle a été un témoin privilégié des mutations technologiques de ces 50 dernières années. Au cours de cet entretien, il revient sur sa rencontre avec Pierre Schaeffer et sur les débuts de la musique électroacoustique. Il évoque également les techniques et les principes qui sont le fondement de cette musique depuis 1958 tout en répondant à la question qui tourmente aujourd’hui de nombreux musicologues : est-il possible d’établir un parallèle entre la pratique des musiciens électroacoustiques et celle de certains musiciens populaires de la fin du XXe siècle?

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

21

Schroedter, Stephanie. "De nouvelles danses pour le vieux Monsieur B. Musique de J.-S. Bach avec chorégraphies et improvisations de la fin du XXe siècle." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, no. 1-2 (September 21, 2012): 105–16. http://dx.doi.org/10.7202/1012356ar.

Full text

Abstract:

Un survol des développements choréomusicaux de la fin du XXe siècle révèle un nombre étonnant de productions en danse de tous genres et styles sur la musique de Jean-Sébastien Bach. Il ne fait aucun doute que Bach a été l’un des compositeurs les plus populaires chez les chorégraphes du siècle dernier, même si les oeuvres utilisées n’étaient pas forcément vouées à la danse. Ainsi, plusieurs faits peuvent expliquer ce phénomène. D’abord, les formes et les structures dans sa musique sont claires et évidentes, se prêtant admirablement aux chorégraphies. Deuxièmement, sa musique est très expressive, ce qui tient de la rhétorique et de la théorie des passions de son époque. Enfin, le compositeur a souvent été inspiré par les rythmes de la danse, même si sa musique est généralement beaucoup plus complexe que la musique de danse dite « idiomatique ». Nous comparerons deux démarches d’interprétation en danse afin de démontrer l’étendue possible des conceptions chorégraphiques de l’oeuvre de ce doyen de la musique occidentale. L’une est la création de Gerhard Bohner, chorégraphe allemand ayant évolué au sein du Tanztheater de Pina Bausch ; l’autre consiste en des improvisations de Steve Paxton.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

22

Langlois, Philippe. "Musique contemporaine et cinéma : panorama d’un territoire sans frontières." Circuit 26, no. 3 (December 23, 2016): 11–25. http://dx.doi.org/10.7202/1038514ar.

Full text

Abstract:

Musique contemporaine et images cinématographiques ont une histoire en commun qui s’est illustrée tout au long du xxe siècle par la richesse et l’inventivité qui ont résulté de leur rencontre. Dans le contexte cinématographique, la musique contemporaine ne se déploie plus seulement dans la sphère du cinéma expérimental et d’avant-garde, mais touche un plus large public du fait de son emploi de plus en plus fréquent dans le cinéma de fiction, le documentaire de création ou le cinéma d’auteur. L’influence de la musique concrète et électroacoustique après 1945, l’influence du courant minimaliste américain à partir de 1960-1970 et l’apparition du postmodernisme dans les années 1980 constituent les jalons qui ont décuplé l’étendue des possibilités de dialogue audiovisuel.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

23

Duchesneau, Michel. "Naissance d’une presse musicale francophone spécialisée." Circuit 20, no. 1-2 (April 29, 2010): 33–37. http://dx.doi.org/10.7202/039641ar.

Full text

Abstract:

L’auteur, qui fut rédacteur en chef de Circuit, réfléchit sur l’état et l’avenir de la revue en revenant sur la question de sa pertinence par rapport à une longue tradition du discours sur la musique qui s’inscrit dans la lignée de la presse musicale francophone au xxe siècle et inclut des revues telles Le Ménestrel (1833-1940), Le Monde musical (1889-1940), Le Courrier musical (1898-1933) et surtout la Revue musicale, en plein foisonnement à partir des années 1920.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

24

Fisette, Jean. "Musique, écriture et éthique. L’écriture littéraire comme exploration des relations troubles du sujet à la musique." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 11, no. 1-2 (November 21, 2018): 39–46. http://dx.doi.org/10.7202/1054022ar.

Full text

Abstract:

La musique est un objet difficilement saisissable d’un point de vue philosophique. D’où le choix fait par l’auteur d’analyser les traces d’une réflexion de quelques écrivains sur la pratique de la musique durant le XXe siècle. L’événement de la Shoah fut historiquement au centre de la réflexion sur l’éthique, s’il n’en constitua pas l’origine. L’auteur s’intéresse à des oeuvres qui ont été élaborées sur la place centrale qu’occupa la musique dans la vie quotidienne au camp : de Pascal Quignard, La haine de la musique et quelques autres oeuvres connexes, puis d’Anthony Burgess, A Clockwork Orange et la version filmique qu’en tira Stanley Kubrick. Enfin, quelques références sont faites à des témoignages de la Shoah et à des ouvrages de pensée critique sur l’espace public qu’occupe la musique dans la société actuelle.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

25

Perreault, Isabelle. "La critique au temps de l’amour : Jacques Rivière et la musique debussyste." Analyses 46, no. 2 (October 24, 2016): 125–46. http://dx.doi.org/10.7202/1037706ar.

Full text

Abstract:

En replaçant dans l’histoire de la critique – et, plus largement, dans celle des conceptions musicales – les premiers textes que Jacques Rivière consacre à l’œuvre de Claude Debussy, je me propose de (re)lire ces derniers comme les traces discursives des processus de mutations qui ont lieu dans la presse musicale à l’orée du XXe siècle. Je postule d’abord que Rivière, héritier des conventions rhétoriques mises en place au XIXe siècle, use de sa connaissance de la littérature symboliste comme d’un tremplin d’accès vers la musique de Debussy. Par la façon dont le mouvement de son écriture vient épouser la forme et la ligne mélodique de l’esthétique du compositeur, Rivière parvient, d’une part, à adapter son discours à l’objet qu’il décrit – ce que j’ai appelé le « dévouement à l’objet » –, et d’autre part, à outrepasser la dialectique d’une critique impressionniste ou techniciste tout en transformant le texte en un « donné-à-entendre ». La critique musicale acquiert dès lors une nouvelle fonction, intermédiaire entre l’expérience du concert et les lecteurs de La NRF, de sorte que les modalités du discours se modifient elles aussi. Cependant, comme partout chez Rivière, celles-ci ne peuvent se passer du filtre nécessaire à tout accueil esthétique : l’amour.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

26

Campos, Rémy. "Philologie et sociologie de la musique au début du xxe siècle." Revue d'Histoire des Sciences Humaines 14, no. 1 (2006): 19. http://dx.doi.org/10.3917/rhsh.014.0019.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

27

Masino, Nicolas. "Frank Zappa devant l’éternel : postérité problématique d’un iconoclaste impénitent." Circuit 14, no. 3 (February 15, 2010): 65–72. http://dx.doi.org/10.7202/902327ar.

Full text

Abstract:

Ce texte tente d’analyser les raisons pour lesquelles, dix ans après la mort de Zappa, il semble encore aujourd’hui problématique de cerner de façon claire l’apport du compositeur au paysage musical de la seconde moitié du XXe siècle. En plus d’expliquer la profonde originalité de la démarche de Zappa sur les plans stylistique et compositionnel, le texte souligne la difficulté qu’éprouve la musicologie à considérer sérieusement une oeuvre qui refuse de se prendre trop au sérieux, tout en mettant en évidence la caractère éminemment postmoderne de la musique de Zappa.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

28

La France, Albert. "Les femmes musiciennes sous les Bourbon d’après les documents inédits de Marie Bobillier." Canadian University Music Review 16, no. 1 (March 1, 2013): 60–73. http://dx.doi.org/10.7202/1014416ar.

Full text

Abstract:

À sa mort en 1918, Marie Bobillier (pseud. Michel Brenet) a laissé au Département des manuscrits de la Bibliothèque nationale à Paris un nombre impressionnant de notes, de citations et de relevés qu’elle avait accumulés au cours de sa carrière et qui, pour la plupart, demeurent inédits. Dans un dépouillement de ces volumes, l’auteur a extrait les citations, les rapports et les commentaires des auteurs des trois derniers siècles, tous sous le thème « femmes musiciennes ». Il en résulte un éventail assez étonnant des activités musicales des femmes de l’ancien régime sous les rois Bourbon, une espèce de sondage du passé à partir duquel tirer quelques conclusions plus éclairées. Malheureusement, le travail n’a servi qu’à confirmer ce que d’autres ont déjà conclu, à savoir que les femmes des XVIIe et XVIIIe siècles n’avaient qu’un rôle secondaire en musique, tout comme dans les autres aspects de la société, soit artistique, politique ou social. Il faudra attendre le XXe siècle pour que les femmes puissent commencer à prendre leur juste place dans les rangs de la profession musicale.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

29

Saraczynska, Maja. "Théâtre otobiographique*. Entendre le récit de soi sur les scènes au XXe siècle." Mnemosyne, no. 3 (October 11, 2018): 10. http://dx.doi.org/10.14428/mnemosyne.v0i3.12093.

Full text

Abstract:

À partir des théories d’Antonin Artaud, en passant par la mise en scène directe de Tadeusz Kantor et par le récit de soi d’Evguéni Grichkovets, jusqu’aux adaptations scéniques (Vis au long de la vie de Michèle Albo)… Autant d’exemples pour illustrer le phénomène paradoxal du théâtre autobiographique. Mon étude s’interrogera sur la place de l’oralité, de la voix du comédien et de l’ouïe du spectateur, de la musique et des effets sonores dans les spectacles réalisés à l’ère du théâtre visuel caractérisé par le rôle prépondérant de l’image. Je m’intéresserai à cet espace scénique particulier afin de démontrer l'impact des éléments sonores (voix, enregistrements, musique, sons, amplifications, figures de style, choralité, silence), sur la création d'un spectacle autobiographique, sur l’importance de la mémoire sensorielle (auditive), ainsi que sur le rôle que jouent des souvenirs sonores dans la reconstitution de l’histoire (personnelle et générale) sur scène.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

30

Feneyrou, Laurent. "Noli me tangere. Violence politique, éthique protestante et composition musicale dans une section de La Petite Fille aux allumettes de Helmut Lachenmann." Circuit 28, no. 3 (January 3, 2019): 13–24. http://dx.doi.org/10.7202/1055191ar.

Full text

Abstract:

À partir des sections 15a et 15b de La Petite Fille aux allumettes de Helmut Lachenmann, qui mettent en musique un extrait d’une lettre de Gudrun Ensslin, amie de jeunesse du compositeur et militante dans les mouvements étudiants ouest-allemands des années 1960, puis dans les actions de la Fraction Armée Rouge, de 1970 à sa mort en prison, en 1977, cet article interroge les relations entre écriture musicale, éthique protestante et engagement politique. Décrivant la musique des deux sections et ses principes, où prime l’exigence de l’action plutôt que l’intention, il s’interroge sur un contexte biographique et sur les conditions culturelles, historiques et politiques qui rendent possible son intégration dans une oeuvre d’art à la fin du xxe siècle.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

31

Goldman, Jonathan. "Introduction." Circuit 16, no. 3 (January 29, 2010): 9–16. http://dx.doi.org/10.7202/902408ar.

Full text

Abstract:

Faisant allusion au questionnement fécond qui a eu lieu entre les deux guerres à propos des conséquences, pour la composition musicale, de l’invention de la radiophonie, l’auteur présente le numéro en se demandant si le rapport entre la musique d’avant-garde de la deuxième moitié du XXe siècle et les technologies de captation, de stockage et de diffusion du son a suffisamment été examiné. Malgré d’importantes contributions dans ce sens chez un Pousseur ou un Gould, l’avant-garde de l’après-guerre semble toutefois assigner au disque la vocation de simple document archivistique et non pas celle de moyen radicalement nouveau d’accéder à la musique. L’auteur résume comment chacune des contributions à ce numéro cerne de différentes manières les façons dont les nouvelles technologies ont le potentiel d’ouvrir de nouvelles voies à la production et à l’écoute de la musique.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

32

Bertrand, Simon. "Entre liturgie et rituel." Circuit 21, no. 1 (March 11, 2011): 75–79. http://dx.doi.org/10.7202/1001164ar.

Full text

Abstract:

La spiritualité en musique se limite-t-elle à la représentation d’un dogme et l’utilisation des diverses composantes de sa liturgie, ou s’agit-il aussi d’une certaine approche du son que l’on peut retrouver dans les stratégies compositionnelles du compositeur ? Telle est la question que veut poser cet article, où il est souhaité de générer, par l’interprétation de certains de leurs écrits, une sorte de dialogue imaginaire entre le « compositeur théologique » Olivier Messiaen et le « mystique agnostique » Morton Feldman. Il est aussi souhaité de réfléchir sur les rapports entre spiritualité et musique en général dans la musique du xxe siècle, ainsi que sur les diverses implications qu’une quête spirituelle peut avoir sur la production et la pensée esthétique d’un compositeur, que celui-ci soit croyant ou non, et que cette quête se concrétise par des oeuvres dites « sacrées » ou « profanes ».

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

33

Champagne, Éric. "L’opéra pour enfants ou la quête d’identité : commentaire critique sur L’arche, d’Isabelle Panneton et Anne Hébert." Circuit 16, no. 2 (February 1, 2010): 83–92. http://dx.doi.org/10.7202/902400ar.

Full text

Abstract:

Avant de rendre compte de l’opéra pour enfants L’arche (musique d’Isabelle Panneton, livret d’Anne Hébert), créé le 25 novembre 2004 par le Nouvel Ensemble Moderne et l’Atelier lyrique de l’Opéra de Montréal, cet article replace l’oeuvre dans un contexte plus large en esquissant un portrait de l’opéra pour enfants au XXe siècle. À travers diverses incarnations (parmi lesquelles l’opéra interprété par et pour des enfants), le genre est caractérisé par une durée limitée à moins d’une heure et un sujet spécifiquement destiné aux enfants, rendu aussi compréhensible que possible par un livret écrit dans la langue de son auditoire et porté par une musique claire et simple. Si ces caractéristiques ne vont pas sans soulever quelques questions, l’auteur estime qu’ils trouvent dans L’arche une illustration tout à fait réussie.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

34

Gabry-Thienpont, Séverine. "Musiques et charismes chez les chrétiens en Égypte au début du XXIe siècle." Archives de sciences sociales des religions, no. 171 (September 1, 2015): 187–207. http://dx.doi.org/10.4000/assr.27108.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

35

Nattiez, Jean-Jacques. "Quelques problèmes de la musicologie critique selon Deliège." Circuit 16, no. 1 (February 1, 2010): 73–88. http://dx.doi.org/10.7202/902385ar.

Full text

Abstract:

Après avoir souligné le caractère et la valeur exceptionnelles de l’ouvrage de Deliège, l’auteur présente ses propres exigences en matière d’histoire de la musique, il résume ce qui lui semble être les quatre points fondamentaux sous-tendant l’« intrigue » à la base du livre, et il en entreprend une discussion critique. Il s’agit tour à tour du rôle fondamental donné par Deliège au concept, de la position prêtée à Webern comme « père » de la musique de l’après-guerre, de l’importance des grammaires comme principe d’évaluation, et de la place qu’il accorde (ou n’accorde pas) à la perception dans l’évolution de la musique du XXe siècle. Jean-Jacques Nattiez propose, sur ce dernier point, une « contre-intrigue » qui présente une lecture différente du rôle accordé par Pierre Boulez à la prévision perceptive dans le processus compositionnel. Le tout s’achève par un éloge de la culture belge.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

36

Mithout, Anne-Lise. "Les musiciens aveugles itinérants au Japon du Moyen Âge au XXe siècle." Canadian Journal of Disability Studies 8, no. 6 (December 19, 2019): 87–107. http://dx.doi.org/10.15353/cjds.v8i6.581.

Full text

Abstract:

Au Japon, il existe depuis les temps antiques une forte association entre déficience visuelle et musique. Les musiciens aveugles ont à la fois marqué la culture populaire, en inspirant de nombreux personnages de fiction, et apporté une contribution majeure à l’histoire littéraire et musicale du Japon. Cet article est une revue de littérature qui vise à explorer pourquoi et comment la figure du musicien aveugle a marqué l’imaginaire historique au Japon. Le terme « aveugle » employé dans ce texte n’est pas à entendre comme une catégorie médicale visant à définir les personnes concernées par leurs capacités visuelles, mais comme une catégorie de l’imaginaire collectif qui tend à associer ces personnes dans une communauté de destins. On montre que les diverses figures de musiciens aveugles visibles à travers l’histoire du Japon sont en grande partie le produit d’une autodéfinition par les communautés d’aveugles elles-mêmes qui ont travaillé à se construire et à faire reconnaître une identité spécifique. Elles donnent à voir des expériences vécues de la déficience visuelle qui peuvent différer de ce qu’on appelle aujourd’hui une « situation de handicap ».

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

37

Imberty, Michel, and Et Nadia Capogreco. "Repères pour une problématique du temps en musique au cours du XXe siècle." Musicae Scientiae 8, no. 1_suppl (September 2004): 71–87. http://dx.doi.org/10.1177/10298649040080s106.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

38

Froidefond, Marik. "De l’ostinato au pastiche : approche comparée du comique de répétition en poésie et en musique au XXe siècle." Études littéraires 38, no. 2-3 (September 5, 2007): 71–86. http://dx.doi.org/10.7202/016345ar.

Full text

Abstract:

Résumé De l’ostinato au pastiche, la production poétique et musicale du XXe siècle met en oeuvre divers procédés comiques fonctionnant sur des techniques de répétition qu’une approche comparatiste permet d’appréhender. L’élaboration d’une typologie qui prenne en compte, dans leur articulation chaque fois neuve, techniques de répétition, nature du comique engendré, enjeux formels et esthétiques qui en découlent, est à la fois nécessaire et utopique. Utopique en raison du nombre excessif de critères à considérer ; nécessaire parce que ces procédés offrent à l’analyste matière rêvée pour saisir quelques-unes des similarités de fonctionnement qui légitiment la comparaison entre langage poétique et langage musical.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

39

Erwin, Max. "Michel Fano, Lulu et après?, Éditions Aedam Musicae, Collection Musiques XXe–XXIe siècles, ed. François Meïmoun, 2020, 180 pp. €27." Tempo 75, no. 297 (June 28, 2021): 98–99. http://dx.doi.org/10.1017/s0040298221000164.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

40

Firca, Clemansa Liliana. "Le « modèle français » dans la musique roumaine de la première moitié du XXe siècle." Études Balkaniques-Cahiers Pierre Belon 13, no. 1 (2006): 230. http://dx.doi.org/10.3917/balka.013.0010.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

41

Michel, Pierre. "La réflexion esthétique face à l’acte créateur dans la musique germanique du xxe siècle." Revue germanique internationale, no. 2 (July 1, 1994): 179–93. http://dx.doi.org/10.4000/rgi.468.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

42

Bazin, Paul. "Les chroniques musicales de Léo-Pol Morin — vecteur d’influence pour une réception québécoise de la modernité musicale française." Articles 32, no. 1-2 (September 9, 2013): 43–60. http://dx.doi.org/10.7202/1018578ar.

Full text

Abstract:

Figure d’importance du milieu musical québécois au début du XXe siècle,Léo-Pol Morin (1892–1941) a largement contribué à l’intégration du répertoire de la modernité surles scènes musicales du Canada français. Sa solide formation musicale, acquise autant au Québecqu’en France, ainsi que sa plume agile, ont fait de Morin un nom incontournable de la vie musicalemontréalaise. Interprète chevronné, ses idées et ses convictions sur la musique de son tempstrouvèrent une tribune de choix pendant plus de vingt ans dans des journaux tels que LaPatrie,La Presse et Le Canada. Cet article propose un survol des premières années de laparticipation de Léo-Pol Morin à la vie des concerts ainsi qu’une analyse de ses nombreux écritsportant sur les compositeurs de l’école moderne française, au coeur de laquelle il place GabrielFauré, Claude Debussy et Maurice Ravel.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

43

Maisonneuve, Sophie. "L'industrie phonographique et la patrimonialisation de la musique dans la première moitié du xxe siècle." Le Temps des médias 22, no. 1 (2014): 77. http://dx.doi.org/10.3917/tdm.022.0077.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

44

L’Écuyer, Sylvia. "La transcendance en musique selon John Burke : parcours et entretien." Circuit 21, no. 1 (March 11, 2011): 11–21. http://dx.doi.org/10.7202/1001159ar.

Full text

Abstract:

Le labyrinthe, un symbole millénaire qui se retrouve encore aujourd’hui sur les sols de pierre des cathédrales, est devenu pour le compositeur John Burke une sorte de laboratoire pour trouver l’essence de la démarche de la musique classique occidentale. Dans sa recherche de la transcendance, il s’est intéressé au labyrinthe tel que décrit dans l’ouvrage de Lauren Artress, Walking the Path, dont il a suivi les ateliers à San Francisco. Influencé par les ouvrages du mythologue américain Joseph Campbell, en particulier The Hero’s Journey, il a également exploré cette autre conception du voyage intérieur. Sur les traces de musiciens du xxe siècle comme Stockhausen et Boulez qui ont voulu évacuer l’expérience du concert classique avec les musiciens d’un côté et le public de l’autre, John Burke propose donc un espace musical où son langage classique infusé de philosophie orientale invite les musiciens et le public à entreprendre un voyage musical et spirituel très personnel.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

45

Laurin, Hélène. "Les drogues dans le projet autobiographique de Mötley Crüe." Drogues, santé et société 11, no. 2 (January 15, 2014): 58–71. http://dx.doi.org/10.7202/1021243ar.

Full text

Abstract:

La présence des drogues dans la musique populaire – le rock, tout particulièrement – n’a pas souvent été étudiée. Nous savons que les medicine shows du XIXe siècle et du début du XXe siècle, soit des spectacles ambulants vantant les vertus de différents médicaments, composés d’opiacés, de cocaïne ou d’alcool, ont contribué à faire du musicien un personnage voyageur, sans attache et aucunement ennuyé par les conventions sociales. De plus, les différentes lois sur les drogues entrées en vigueur aux États-Unis à partir de 1915 ont façonné la « toxicomanisation » des musiciens en en faisant des figures « hors la loi » et rebelles. Dans cet article, nous analysons comment les musiciens, eux-mêmes, comprennent leur consommation de drogues à travers leurs récits autobiographiques en prenant comme exemple le groupe Mötley Crüe. Ce groupe glam metal, très populaire au courant des années 1980, au style de vie décadent, présente candidement sa consommation de drogues dans son projet autobiographique qui est composé de six autobiographies publiées depuis 2001. En somme, selon leurs récits de vie, les membres du groupe consomment abondamment et au nom de « la fête », même si leur santé et leur intégrité physique (tout comme celles des autres) sont mises en péril. Pour quelles raisons continuent-ils à consommer autant de drogues s’ils s’humilient et se blessent ? En fait, la rébellion est une composante essentielle de l’identité même de Mötley Crüe et elle se construit à travers la consommation ostentatoire de drogues des membres du groupe. Cependant, leur rébellion constitue un individualisme extrême, une « bourgeoisie radicale » en quelque sorte, ne changeant absolument rien au fonctionnement de ce qu’ils affirment vouloir bouleverser, contribuant ainsi à la dépolitisation du rock.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

46

Charles-Dominique, Luc. "La patrimonialisation des formes musicales et artistiques." Ethnologies 35, no. 1 (September 9, 2014): 75–101. http://dx.doi.org/10.7202/1026452ar.

Full text

Abstract:

La notion de Patrimoine culturel immatériel (PCI) assez récemment formalisée sous l’égide de l’Unesco (2003), constitue l’aboutissement de deux siècles de politiques nationales à visées patrimoniales. Née d’une volonté de préservation et aussi du contexte européen de la création des identités nationales au xixe siècle, elle est totalement corrélée aux institutions sociales et politiques (notamment étatiques), à l’instauration progressive d’une mémoire collective nationale, aux notions protéiformes d’identité, depuis l’identité nationale aux multiples formes d’identités locales et micro-locales. Alors qu’elle épouse totalement les diverses formes de territorialisation culturelle, politique et l’ensemble des revendications qui s’y rattachent, la patrimonialisation est aujourd’hui à la fois un phénomène en expansion fulgurante et un objet d’études fécond pour les sciences humaines et sociales. Ces dernières s’interrogent en effet soit sur « l’émotion patrimoniale » individuelle ou institutionnelle, à la base du processus, soit sur la mise en place de la « machine patrimoniale », à savoir l’ensemble de la « chaîne patrimoniale », de ses phases successives et de ses acteurs, le tout étant aujourd’hui tellement répandu que certains n’hésitent plus à parler de « totalitarisme patrimonial » en regard des dangers de réification et de muséification des cultures qui pourraient en résulter. Alors qu’en France tout au moins, le secteur associatif des musiques et danses traditionnelles s’est rangé globalement derrière cette nouvelle bannière du PCI, cet article tente de faire de façon synthétique l’anthropologie de cette notion problématique.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

47

Ornstein, Lisa. "Choisir le chemin moins fréquenté : regard sur la musique traditionnelle." Quatrième partie : les marges, lieux de résistance. Les rythmes de la marge : inventer sans renier, no. 13-14-15 (October 27, 2009): 373–80. http://dx.doi.org/10.7202/038442ar.

Full text

Abstract:

Résumé Au cours du xxe siècle, la musique et les danses traditionnelles régionales et communautaires ont presque complètement disparu autant au Canada qu’aux États-Unis. La majorité des musiciens locaux ont soit délaissé leur legs musical devenu marginal en faveur d’un répertoire plus à la mode soit simplement cessé la pratique de leur instrument. Il y a cependant des musiciens qui ont consacré leur vie à maîtriser et à perpétuer leur héritage musical. Pourquoi ces personnes ont-elles choisi un chemin si peu fréquenté? Nous allons aborder cette question à travers la vie de deux musiciens qui ont suivi cette route : Louis Beaudoin, violoneux franco-américain de Burlington (Vermont), et Louis « Pitou » Boudreault, violoneux de Chicoutimi (Québec). Ces hommes, issus de familles de musiciens, ont vécu leur jeunesse dans des milieux où la musique et la danse traditionnelles jouaient un rôle social fort important au sein de leur famille et de la collectivité. Malgré la disparition de ces contextes, ces deux musiciens ont continué d’apprécier la richesse de leur vécu, ainsi que la spécificité et la valeur de leur héritage musical. Comprendre leur loyauté et leur plaisir à l’égard de cette musique, c’est aussi entrevoir le pouvoir évocateur et transcendant des arts traditionnels.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

48

Milo, Daniel. "Le musical et le social : variations sur quatre textes de William Weber (Note critique)." Annales. Histoire, Sciences Sociales 42, no. 1 (February 1987): 27–40. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1987.283366.

Full text

Abstract:

L'auditeur de France Musique aujourd'hui a toutes les chances d'entendre une œuvre écrite il y a plus de vingt-cinq ans, et il est encore plus probable que le compositeur soit mort avant 1900 (et après 1750), alors que l'auditeur de Radio Classique, chaîne privée, vit littéralement en régime XVIIIe-XIXe siècles. S'il fréquente les concerts, il faut que l'entrée soit libre pour qu'il aille écouter de la musique contemporaine ; de même sa discothèque est constituée en grande majorité de musique du XVIIIe et du XIXe siècle. La musique « sérieuse » est on ne peut plus passéiste — d'où le terme « classique » qui la désigne.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

49

Marin, Richard. "Anaïs Fléchet, « Si tu vas à Rio... ». La musique populaire brésilienne en France au XXe siècle." Caravelle, no. 105 (December 1, 2015): 224–26. http://dx.doi.org/10.4000/caravelle.1877.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

50

Cherney, Brian. "Aborder la modernité : Triptyque et Lignes et points de Pierre Mercure." Circuit 21, no. 3 (November 11, 2011): 99–116. http://dx.doi.org/10.7202/1006363ar.

Full text

Abstract:

Les deux oeuvres pour orchestre Triptyque (1959) et Lignes et points (1964) illustrent les diverses façons qu’avait Pierre Mercure d’aborder l’héritage du modernisme musical. Un des traits fondamentaux de la musique d’allégeance moderniste – et une préoccupation qui relie les compositeurs des premières décennies du xxe siècle (Bartók, Stravinsky, Berg, Hindemith, Honnegger, etc.) avec ceux qui relèvent de l’avant-garde musicale de l’après-guerre – se trouve dans un souci de symétrie. Pour sa part, Mercure emploie des formes symétriques pour structurer les deux oeuvres étudiées dans cet article à divers niveaux. Dans Triptyque, la surface de la musique reste tout à fait traditionnelle, alors que plusieurs aspects de sa structure (un peu cachés) relèvent d’une sensibilité résolument moderniste. Dans Lignes et points, au contraire, la surface de la musique, les sons, les couleurs et les textures sont empreints d’un caractère moderne, voire avant-gardiste, alors que sa structure pour ainsi dire « souterraine » se résume à un thème et variations de confection tout à fait classique (bien que cette forme ne s’entende pas nécessairement comme telle). D’autres aspects de ces deux oeuvres révèlent l’influence sur Mercure de ses contemporains, tels que Karlheinz Stockhausen, Earle Brown et John Cage, dont Mercure a entendu les oeuvres lors de la Semaine internationale de musique actuelle (SIMA) qu’il a organisée en 1961.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

We offer discounts on all premium plans for authors whose works are included in thematic literature selections. Contact us to get a unique promo code!