Academic literature on the topic 'Noel, Musique de'
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Journal articles on the topic "Noel, Musique de"
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Stefanovic, Ana. "Le système de l'harmonie de Rameau dans sa correspondance avec d'Alembert et Rousseau." Muzikologija, no. 2 (2002): 221–39. http://dx.doi.org/10.2298/muz0202221s.
Full textAbstract:
(francuski) L'article examine la correspondance pol?mique de Rameau avec d'Alembert et Rousseau, entretenue dans la sixi?me d?c?nie du XVIIIe si?cle. Le syst?me de l'harmonie de Rameau y est affront? ? deux d?fis contradictoires: d'un c?t?, ? la provocation d'absolutisation du syst?me venant de son int?riorit?-m?me, et de l'autre, ? une nouvelle conception de l'autonomie musicale, con?ue sur le geste anarchique et destructif envers lui. Tandis que, de la pol?mique avec d'Alembert, le syst?me vient de ressortir assur? et renforc?, soutenant la supr?matie de la musique dans le champ th?orique, la pol?mique avec Rousseau d?montre que l'autonomie scientifique n'entra?ne pas de soi l'isolation de la musique dans le domaine esth?tique. Fond? sur le r?seau coh?rent de ses propres r?gles, le syst?me musical est apte de se plier, de se modifier sous l'influence de ce qui lui est "ext?rieur": du sens contenu dans des ?nonc?s linguistiques. L'id?e de repr?sentation musicale est alors modifi?e dans la direction d'une r?concilliation possible de la raison (cart?sienne) et de l'imagination cr?atrice, du g?n?ral et du particulier, de la norme et de l'individualit?, dans la mesure o? le syst?me musical devenant analogue au syst?me linguistique, en tant que "langue en action" participe chaque fois dans l'?v?nement de sa propre cr?ation.
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Robinson, Philip, and Alain Cernuschi. "Penser la musique dans l''Encyclopedie'." Modern Language Review 97, no. 4 (October 2002): 974. http://dx.doi.org/10.2307/3738668.
Full text
3
Hofmann, Ulrich, Erik Domeier, Stefan Frantz, Martin Laser, Barbara Weckler, Peter Kuhlencordt, Stefan Heuer, Boris Keweloh, Georg Ertl, and Andreas W. Bonz. "Increased myocardial oxygen consumption by TNF-α is mediated by a sphingosine signaling pathway." American Journal of Physiology-Heart and Circulatory Physiology 284, no. 6 (June 1, 2003): H2100—H2105. http://dx.doi.org/10.1152/ajpheart.00888.2002.
Full textAbstract:
The present study investigated the effect of tumor necrosis factor (TNF)-α on myocardial energy metabolism as estimated by myocardial oxygen consumption (MV˙o 2). MV˙o 2 of electrically stimulated isolated trabeculae of right ventricular Wistar rat myocardium was analyzed using a Clark-type oxygen probe. After the initial data collection in the absence of TNF-α, measurements were repeated after TNF-α stimulation. In separate experiments, pretreatment with the nitric oxide (NO) synthase inhibitor N G-nitro-l-arginine methyl ester (l-NAME) or the ceramidase inhibitor n-oleoylethanolamine (NOE) was done to investigate NO/sphingosine-related effects. TNF-α impaired myocardial economy at increasing stimulation frequencies without altering baseline MV˙o 2. Incubation with TNF-α in the presence of l-NAME further impaired myocardial economy. NOE preincubation abrogated the TNF-α effect on myocardial economy. Moreover, the negative inotropic effect of TNF-α was observed in NOE-pretreated but not l-NAME-pretreated muscle fibers. Exogenous sphingosine mimicked the TNF-α effect on mechanics and energetics. We conclude that TNF-α impairs the economy of chemomechanical energy transduction primarily through a sphingosine-mediated pathway.
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Solomos, Makis. "Da música ao som, a emergência do som na música dos séculos XX e XXI – uma pequena introdução." ARJ – Art Research Journal / Revista de Pesquisa em Artes 2, no. 1 (June 30, 2015): 54–68. http://dx.doi.org/10.36025/arj.v2i1.7046.
Full textAbstract:
Introdução do livro homônimo, onde o autor discute o que chama de recentramento do som, ou seja, a passagem de uma cultura musical centrada no tom para uma cultura do som. Referência: SOLOMOS, Makis. De la musique au son. L’´emergence du son dans la musique des Xxe-XXIèmes siècles (introduction). De la musique au son. L’´emergence du son dans la musique des XXe-XXIeme siècles. Paris: Presses universitaire de Rennes, 2013, p. 7-21. 545 p. ISBN: 978-2-7535-2638-9.
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Dagenais, Francine. "Pr gr mm r : l m ch n c t , l s st m t c t , l’ nd t rm n, l s r l t , l’ rt1." Programmer, no. 13 (June 29, 2010): 17–37. http://dx.doi.org/10.7202/044038ar.
Full textAbstract:
Dans cet article, l’auteure cherche à établir un lien entre les fondements de la musique à programme, le mouvement de translation de l’art vers la vie et les méthodes de production de l’art aux 20e et 21e siècles. Elle examine ces pratiques interdisciplinaires dans un certain type de corpus d’oeuvres chez des compositeurs et des artistes visuels, des avant-gardes à l’époque post-conceptuelle.
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Velickina-Kane, Olga. "L 'instrument de musique et le corps humain : le cas de la musique villageoise russe." Cahiers slaves 9, no. 1 (2008): 227–43. http://dx.doi.org/10.3406/casla.2008.1027.
Full text
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Graboc, Marta. "Entre avant-garde et trans-avant-garde: Sur quelques oeuvres de László Dubrovay des années 1980." Muzikologija, no. 6 (2006): 219–32. http://dx.doi.org/10.2298/muz0606219g.
Full textAbstract:
(francuski) L?article pr?sente un moment rare et exceptionnel dans l?histoire de la cr?ation hongroise des ann?es 1980: quand L?szl? Dubrovay, compositeur hongrois, a pu r?concilier la tradition et l?innovation, l?avant-garde et le transavant- garde, les styles moderne et post-moderne. A cette ?poque, il faisait usage de ces travaux men?s dans les studios ?lectroacoustiques de Cologne, Berlin et Budapest entre 1970?85, en transposant ces exp?riences sur l??criture instrumentale (musique de chambre, pi?ces solos, etc) Selon la terminologie actuelle, sa musique est ? la fois "spectrale" et celle s?inspirant des traditions europ?ennes les plus nobles au niveau de la structuration des oeuvres. Ce travail analytique essai de d?montrer que les nouvelles structures sonores peuvent ?tre tout ? fait compatibles avec certains styles et formes de la musique des 18e-19e si?cles. Les oeuvres examin?es sont: le IIIe quatuor, les Solos N? 3 et N?5, Octuor, et la Symphonia.
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Jacobson, A. R., L. A. Sylvia, D. L. Veenstra, and J. T. Gerig. "19F[1H] NOE determinations in surface-coil experiments." Journal of Magnetic Resonance (1969) 96, no. 2 (February 1992): 387–92. http://dx.doi.org/10.1016/0022-2364(92)90092-l.
Full text
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Burrow, Timothy E., Alan J. Lough, Robert H. Morris, and Raymond L. Richards. "Elucidation of the structures of the hydridothiolato complexes WH(SC6H2Pri3-2,4,6)3(L)(PMe2Ph), L = PMe2Ph or pyridine, by NMR and X-ray techniques." Canadian Journal of Chemistry 73, no. 7 (July 1, 1995): 1092–101. http://dx.doi.org/10.1139/v95-135.
Full textAbstract:
Measurement of the T1 values of the 31P nuclei in the unusual capped trigonal bipyramidal complexes WH(tipt)3(PMe2Ph)2 (1, tipt = SC6H2Pri3-2,4,6) and W(2H)(tipt)3(PMe2Ph)2 allows the determination of the phosphorus–hydride distance of 2.2 ± 0.2 Å and the P-W-H angle of about 62 ± 7°. An approximate location of the hydride on an S2P face is proposed on the basis of steric interactions. The crystal structure of WH(tipt)3-(NC5H5)(PMe2Ph) (2) is reported; the WS3NP core consists of a distorted trigonal bipyramidal system with the phosphine and pyridine ligands axial and the thiolate ligands equatorial. The hydride ligand was not located by X-ray diffraction but can be positioned on an open S2P face at an angle P-W-H of about 65°. The small P-W-H angle results in large 2J(H,P) couplings for 1 and 2. The 1H NMR spectrum of complex 2 is assigned by use of NOE and homodecoupling NMR methods. This complex has the same crowded structure in solution as in the crystalline state. The pyridine ligand, which is sandwiched between two tipt aryl groups, is hindered from rotating around the W—N bond. Keywords: molybdenum, tungsten, thiolate, hydride, NMR, NOE.
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Bouverot, Danielle. "L'« expression » en peinture et en musique (1830-1850)." Romantisme 21, no. 71 (1991): 69–84. http://dx.doi.org/10.3406/roman.1991.5735.
Full textDissertations / Theses on the topic "Noel, Musique de"
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Vallette, Antoine. "L' emprunt musical." Montpellier 1, 2002. http://www.theses.fr/2002MON10018.
Full textAbstract:
L'emprunt musical est une véritable technique de création artistique, qu'il s'agisse de composition musicale comme d'utilisation de musiques préexistantes dans une œuvre d'un autre genre, audiovisuelle ou multimédia, par exemple. Au cœur d'une industrie musicale complexe en pleine mutation, l'emprunt est devenu aujourd'hui un mode d'exploitation à part entière des œuvres musicales et des enregistrements (synchronisation audiovisuelle, multimédia, et/ou publicitaire, échantillonnage, remixes, compilation, cover, karaoké, attente téléphonique etc. ). Il faut donc déterminer le véritable impact de l'emprunt musical sur les droits des auteurs, des artistes-interprètes, et des producteurs de phonogrammes afin de garantir la sécurité juridique des contrats d'autorisation et des utilisateurs. Cette recherche oblige à prendre en compte la spécificité de la matière musicale, d'un point de vue artistique, mais aussi de sa filière économique et juridique en raison de l'éclatement de droits qui en résulte et des différents systèmes, collectifs ou individuels, de gestion de ceux-ci. Elle invite à une redéfinition des concepts d'oeuvre musicale et de leur originalité, d'artiste-interprète et d'interprétation, de producteur et de phonogramme comme séquence sonore. Cela nécessite également une remise en cause de la portée des droits patrimoniaux d'auteur et voisins et de leurs exceptions, notamment la citation musicale, ainsi que celle du droit moral de l'auteur dont l'application presque systématique à l'emprunt a pour conséquence une patrimonialisation de celui-ci. Il en résulte l'émergence de droits nouveaux tels que le droit de synchronisation, le droit de fragmentation ou encore une application nouvelle du droit de destination dont il faut apprécier l'opportunité
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Pulito, Caterina <1981>. "Jean-Philippe Rameau, Code de Musique pratique ou Méthodes pour apprendre la musique. Introduzione, traduzione, note." Doctoral thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2010. http://amsdottorato.unibo.it/3041/.
Full text
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Pétard, Antoine. "L' improvisation musicale : enjeux et contraintes sociales." Besançon, 2005. http://www.theses.fr/2005BESA1016.
Full textAbstract:
L'improvisation musicale est fréquemment décrite comme une bagatelle, une distraction sans grande importance, dont on loue la parfaite spontanéité. Pourtant, on constate qu'elle relève parfois d'un véritable travail d'apprentissage et de préparation, le plus souvent savamment dissimulé. Plus encore, on cherche quelques fois à renforcer artificiellement la spontanéité de cette pratique musicale. Ce simple fait démontre que l'improvisation est au centre d'enjeux sociaux majeurs et qu'elle constitue tout sauf un acte gratuit. Face à un auditoire, le musicien qui improvise met en jeu sa dignité et son prestige social, car une frontière ténue sépare la réussite de l'échec. L'improvisateur est par conséquent sujet à des contraintes sociales : il doit absolument faire bonne figure puisqu'en filigrane, s'esquisse le mythe romantique du don. L'improvisation tire son importance de ce qu'elle est perçue comme une extériorisation du musicien. À travers les notes et les rythmes qu'il joue, l'instrumentiste expose, aux oreilles de tous, ce qui constitue sa nature individuelle. Ce dévoilement de l'intimité du musicien est l'objet de toutes les attentions, car il permet à la fois de construire et de revendiquer l'identité sociale. En conséquence, l'improvisation est pensée par beaucoup d'instrumentistes comme un moyen de communication, d'échange, se situant au-delà des motsEven if it perfect spontaneity is praised, musicale improvisation has often been described as trifle, a worthless form of entertainment. However, some genuine training and preparation, must of the times cleverly hidden can be traced in it. Moreover, the spontaneity of this musical performance is sometimes artificially enhanced. This would tend to prove that improvisation is at the heart of major social interests and that it is anything but fortuitous. Facing an audience, improvising performers put their dignity and social prestige at stake, as there is only a thin border-line separating success from failure. Improvisers are this subject to social control : they must be rightly appreciated as, implicitly arises the Romantic myth of gift. Improvisation acquires it importance as it is perceived as an expression of the musician's inner self. Through the notes and rhythms, they play, performers unveil to everybody's hears what the essence of their individual personality is. The fact that musician's intimacy is stripped bare in the process is minutely studied as it makes it possible both to construct and to claim social status. As a consequent improvisation is considered by many performers as a means of communication and exchange that goes beyond the words
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SANTOS, BRUNO VIANNA DOS. "NAM JUNE PAIK: DE LA MUSIQUE PHYSIQUE À L`ART COMMUNICATION." PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIRO, 2009. http://www.maxwell.vrac.puc-rio.br/Busca_etds.php?strSecao=resultado&nrSeq=14710@1.
Full textAbstract:
CONSELHO NACIONAL DE DESENVOLVIMENTO CIENTÍFICO E TECNOLÓGICONam June Paik est consideré comme étant l’artiste pionnier de le videoart, forme d’art créé dans les années 1960 qui explore l’image électronique et ses proprietés comme matière expressive ontologiquement différent des autres formes d’image, ainsi comme son utilisation dans les instalations, dans les environements avec circuits fermés et dans les réseaux de communication. Ayant debuté comme compositeur de musique électronique et comme artiste de performance dans le group Fluxus, Paik a créé des partitures, des objets musicaux et des pièces d’antimusique qui apparaîtront comme les dédoublements de son interprétation de les questions ouvertes par l’ouvrage du compositeur américain John Cage. Le rencontre avec le compositeur et l’étude d’électronique provoqueront une significative réorientation dans son travail qui, dans ce moment, s’est caractérisé par l’utilisation de l’appareil de télévision comme medium artistique à travers des modifications dans le circuit interne et des hybridations qui défigurent l’image électronique et permettent la participation du public dans la manipulation des signaux électroniques qui les composent. À partir de ses expériences l’oeuvre de Paik contribuera a définir une esthètique de l’image eléctronique et a explorer ses possibilités expressives moyennant l’appropriation des nouvelles ressources technologiques et l’utilisation de son synthétiseur video, une conséquence de la quête de l’artiste pour rendre la télévision un système ouvert et pour faire la synthèse entre la musique et les arts visuels. Définie comme une tentative de humaniser la technologie, l’oeuvre de Nam June Paik offre dans sa variété une riche source des réflexions sur le rôle de l’artiste en rapport le phénomène technique. En s’aventurant dans le sphère de l’art-communication Paik démontrera comment l’artiste peut rapprocher sa activité d’une praxis sociale en fondant des champs de savoir distincts, en faisant des prévisions et en bouleversant l’usage institutionnalisé des médias pour provoquer des transformations dans la super-structure de la societé.
Nam June Paik é considerado como artista pioneiro da vídeoarte, forma de arte que surgiu na década de 1960 e que explora a imagem eletrônica e suas propriedades enquanto material expressivo ontologicamente diferente das outras formas de imagem, assim como seu uso em instalações, ambientes com circuito fechado e em redes de comunicação. Tendo iniciado sua carreira como compositor de música eletrônica e artista de performance no grupo Fluxus, Paik criou partituras, objetos musicais e peças de antimúsica que irão surgir em parte como desdobramentos de sua interpretação das questões abertas pela obra do compositor americano John Cage. O contato com o compositor e o estudo da eletrônica provocarão uma reorientação significativa em seu trabalho, que num primeiro momento irá caracterizar-se pela utilização do aparelho de televisão como médium artístico através de modificações de seu circuito interno e de hibridizações que desfiguram a imagem eletrônica e permitem a participação do público na manipulação dos sinais eletrônicos que a compõem. A partir dessas experiências, os trabalhos de Paik irão contribuir na definição de uma estética da imagem eletrônica e explorar seus recursos expressivos mediante a apropriação de novos recursos tecnológicos e uso de seu sintetizador vídeo, uma consequência das buscas do artista em tornar a televisão um sistema aberto e em criar uma síntese entre música e artes visuais. Definida como tentativas de humanizar a tecnologia, a obra de Nam June Paik oferece em sua variedade uma rica fonte para reflexões sobre o papel do artista em relação ao fenômeno técnico. Ao aventurarse na esfera da arte-comunicação, Paik irá demonstrar de que forma o artista pode aproximar sua atividade de uma práxis social fundindo campos de conhecimento distintos, fazendo previsões e subvertendo o uso institucionalizado das mídias, provocando assim transformações na superestrutura da sociedade.
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Sallée, Pierre. "L' arc et la harpe : contribution à l'histoire de la musique du Gabon." Paris 10, 1985. http://www.theses.fr/1986PA100008.
Full text
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Gorge, Emmanuel. "L' imaginaire musical amérindien : modalités structurales et typologies stylistiques." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010646.
Full textAbstract:
La découverte du Nouveau Monde en 1492 a modifié à la fois la cartographie de la Terre et l'imaginaire de l'homme européen. Cette rencontre avec l'Indien d'Amérique a généré un renouveau des expressions musicales " savantes " à travers l'opéra baroque (The Indian Queen, 1695, et Les Indes galantes, 1735). Après une éclipse d'environ un siècle et demi, l'indianisme musical réapparut en 1893 aux États-Unis avec La Symphonie du Nouveau Monde, suscitant une vive réaction des compositeurs américains. Toutefois, la véritable rupture esthétique ne s'opéra qu'à partir de 1913 à travers Le Sacre du Printemps, relayé par des oeuvres de Busoni (Fantaisie indienne op. 44) et de Ives ( " The Indians " ). Instaurant un langage musical dérivé de l' atonalité, de la modalité, et de la polytonalité, ces oeuvres établirent les bases d'une nouvelle dialectique sonore, délimitant les repères d'une modernité indianiste qui allait connaître une expansion stylistique graduelle au cours du XXème siècle.
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Cardoso, Caron Jean-Pierre. "L'indétermination à l’oeuvre : John Cage et l´identité de l'oeuvre musicale." Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080134/document.
Full textAbstract:
Nous nous proposons dans la présente thèse d’examiner quelques conséquences de l´indétermination de l’œuvre musicale telle qu’elle a été proposée par John Cage dans ses propres œuvres. Nous discutons, dans le chapitre 1, plusieurs manières d'aborder l'ontologie de l'œuvre d'art dans la philosophie analytique. On constate une pression intrinsèque à l'exercice philosophique dans la direction d'une purification de la catégorie investiguée, menant à son tour à une hypostasie des catégories esthétiques historiques comme constituant l'œuvre d'art en général. L´oeuvre de Cage fonctionne comme un court-circuit dans la pratique préthéorique de composition et de manutention des œuvres en tant qu'identités reconnaissables, contrariant toute tentative d'ontologie qui présuppose ces identités pour la compréhension et la définition de l'œuvre. Dans les chapitres II e III nous tentons d'expliciter cette duplicité de l'œuvre de Cage - d'un coté, elle rompt radicalement avec les compréhensions philosophiques et pré-philosophiques des œuvres ; de l'autre, elle utilise la propre normativité de l'action présente dans la pratique sociale des concerts pour la constitution de cette rupture- à partir des apports d´une morphologie musicale inspirée de la philosophie de Wittgenstein. Enfin, nous offrons quelques réflexions sur la notion de nominalisme esthétique qui se dessine tout au long de la thèse. Ce nominalisme propose que chaque oeuvre soit responsable de ses propres conditions d´identification- ce qui pourrait ouvir la voie à une compréhension de l´indétermination comme une forme de composition critique. Cette hypothése est examinée par rapport à quelques idées d´AdornoWe propose in the present thesis to identify some consequences of indeterminacy in musical works as it appears in the works of John Cage. The first chapter discusses various approaches to musical ontology in analytic philosophy. We detect a pressure that is intrinsic to the philosophical endeavor in the sense of a greater purification of concepts pertaining to the concerned category, which in turn lead to a hypostasis of historical aesthetic categories as constituents of the musical work as such. The work of Cage functions here as a short circuit in the common practice of maintaining recognizable identities in individual works, defying every model of ontology that presupposes these stable identities for the understanding and the definition of a work. In the chapters II and III we try to make clear this duplicity of the work of Cage- on one side, it breaks radically with pre- and philosophical concepts of the work of art; on the other side, it uses the normativity of action that is present in the social practices characterizing concert music in order to constitute itself as a rupture- through our engagement with a musical morphology inspired by the philosophy of Wittgenstein. In the end, we strive to offer some reflections on an aesthetic nominalism that is being outlined throughout the thesis. This nominalism proposes basically that each work is responsible for its own conditions of identification- an hypothesis that holds a possibility for the understanding of indeterminacy as a form of critical composition. This idea is then examined in relation to some ideas by Theodor Adorno
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Meric, Renaud. "L' appréhension spatiale de l'écoute : un mouvement entre imagination et perception. L'exemple de la musique électroacoustique." Montpellier 3, 2009. http://www.biu-montpellier.fr/florabium/jsp/nnt.jsp?nnt=2009MON30063.
Full textAbstract:
La notion d’espace est devenue cruciale dans la musique au XXe siècle et plus particulièrement dans la musique électroacoustique. En prenant en compte l’idée d’appréhension de l’écoute, nous voulons retrouver un lien entre le corps, l’espace, l’écoute et le son : nous nous appuyons ici en particulier sur l’idée de « chair », développée par le philosophe Maurice Merleau-Ponty dans ses derniers ouvrages et sur la notion d’« énaction » introduite par le neurobiologiste Francisco J. Varela. L’écoute peut être ainsi définie à la fois comme le geste de saisie et ce qui est saisi (les sons) : l’espace appréhendé devient alors un mouvement complexe où s’entrelacent et se confondent les gestes de saisie et les mouvements propres au son. Le son, appréhendé dans l’espace, peut être ainsi considéré comme un phénomène mouvant, éphémère et complexe, sans cesse situé entre imagination et perception. Les musiques électroacoustiques et informatiques, en corrélation avec leurs recherches sur l’espace sonore, ont favorisé cet aspect évanescent du son. Pour montrer cela, nous terminons notre thèse en analysant les œuvres électroacoustiques de compositeurs qui ont accordé, chacun à leur manière, une place importante à l’espace sonore : Concret PH de Iannis Xenakis, Paysage, personnage, nuage de François Bayle, Gymel de Horacio Vaggione et Audible ecosystemics 3a, background noise study d’Agostino Di ScipioThe notion of space became crucial in the music of the 20th century and more specifically in the electroacoustic music. By taking account of the idea of grasp of listening, we want to find a link between body, space, listening and sound: we are here based in particular on the idea of “flesh”, developed by the philosopher Maurice Merleau-Ponty in his last works and on the concept of “enaction” introduced by the neurobiologist Francisco J. Varela. In this way, the listening can be defined as the grasp gesture as well as what is grasped (sounds): then, the grasped space becomes a complex movement where the grasp gestures and the movements peculiar to the sound interweave and merge themselves. The sound, grasped in space, can be thus considered as a moving, ephemeral and complex phenomenon, constantly set between imagination and perception. The electroacoustic and computer musics, in correlation with their researches on sound space, have nurtured this evanescent aspect of sound. To illustrate that, we finish our thesis by analyzing the composers’ electroacoustic music works who, each one in his own way, has attached an importance to sound space: Concret PH by Iannis Xenakis, Paysage, personnage, nuage by François Bayle, Gymel by Horacio Vaggione and Audible ecosystemics 3a, background noise study by Agostino Di Scipio
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Abildgaard, Arne. "L’ écriture de la voix. A l'écoute d'Agharta, Miles Davis." Paris 7, 2014. http://www.theses.fr/2014PA070134.
Full textAbstract:
Cette recherche part du constat que le nom de l'auteur continue à faire autorité. Pour la réception de l'art, toute oeuvre semble pré-classée en vertu des discours attachés à sa provenance. Mais serait-il possible de concevoir une perception d'aucune chose, sans que la langue n'intervienne et ne fasse écran entre l'objet et nous ? La difficulté est encore plus redoutable lorsqu'il s agit de rendre compte de la musique, par essence évanescente, à partir d'un disque vinyle, produit de masse et objet composite (titres, pochette, technologie). Comment dire la musique ? Parlons-nous de la même chose ? Comment entendrions-nous l'objet si nous ne savions rien de lui ? Le disque d'Agharta (1975) met à l'épreuve ces questions de communauté et de foi. A défaut de retrouver une forme de naïveté primordiale, ne peut-on essayer de désapprendre, de trouver la distance optimale ? Entendre l'objet comme une chose nommée, approfondir son paratexte pour «re»-venir à son texte (le potentiel sonore) ? Déshabiller la chose de son Nom, préparer à l'écoute réitérée. Dès lors, l'objet ne sera plus le même, le Nom non plus, si ce n'est l'expérimentateur qui s'en trouvera changéThis research begins with the observation: the authority of the name of the author prevails. To the art reception, any work seems pre-classified by the discourses tied to its provenance. But would it be possible to conceive a perception of any thing whatsoever, without language breaking in, blurring our view of the object? The difficulty is all the more fearsome when it comes to give an account of the music, essentially evanescent, starting with a vinyl record, a mass product and a composite object (titles, cover, technology). How to say the music? Are we speaking of the same thing? How would we hear and understand the object if we knew nothing about it? The record Agharta (1975) puts to the test these questions of community and faith. Abstaining from reassuming some primordial naivety, couldn't one try to unlearn, to find an optimal distance? Hear and understand the object as a named thing, delve into its paratext in order to "re"-turn to its text (the sonic potential)? Undress the thing of its Name, and prepare for the reiterated listening. From then on, the object will no more be the same, neither will the Name, if it isn't the experiencer that finds himself changed by the operation
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Wei, Mei-Yu. "Littérature et musique : Manon Lescaut de l'Abbé Prévost sur la scène de l Opéra : Massenet et Puccini." Paris 12, 1998. http://www.theses.fr/1998PA120068.
Full textAbstract:
Cette etude est consacree a la transformation du roman de l'abbe prevost (16971763), manon lescaut en livret d'opera. Jules massenet (1842-1912) et giacomo puccini (1858-1924) ont traduit l'action romanesque et les sentiments amoureux en langage musical. Histoire du chevalier des grieux et de manon lescaut, publiee en 1731, est l'unique chef-d'oeuvre de prevost. Manon lescaut est un roman sentimental. L'action est situee a paris vers 1720 ; l'auteur peint une fresque de la societe corrompue sous la regence en pleine effervescence. Le roman a une structure fermee, car la narration, a la premiere personne, restitue les evenements et les caracteres sous la forme d'une retrospective. Depuis la parution du roman, plusieurs operas, inspires de manon lescaut ont etes crees. La these se propose de comparer l'opera-comique de massenet et le drame lyrique de puccini. Par les emprunts au genre de l'opera-comique, massenet ressuscite l'atmosphere sensuelle du xviiie siecle. Le pastiche reussi des formes anciennes rappelle l'esprit libertin du roman de prevost. En composant une musique toute en nuance, massenet se situe dans la tradition de bizet et de gounod. Sa palette orchestrale est particulierement riche et met en valeur le texte chante. Puccini, successeur de verdi, contemporain du veriste leoncavallo, est influence par des grands courants du renouvellement du langage musical au debut du xxe siecle. Il traduit l'oeuvre a travers sa sensibilite italienne. Sa partition, qui exprime une passion vehemente et desesperee, est proche du pathetique de prevost. Les deux operas se completent l'un l'autre : l'opera-comique de massenet restitue l'atmosphere de fragonard et de watteau, la sensualite libertine du roman ; le drame lyrique de puccini donne libre cours a l'ardeur passionnee, maitrisee chez le compositeur francais. Ainsi, les deux operas refletent integralement l'esprit du roman, a la fois leger et frivole, passionne et tragique.
Books on the topic "Noel, Musique de"
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Suzette, Delisle, ed. Le premier Noel du Pere Noel: Un conte. Montreal: Quebec Amerique, 2006.
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9
ill, Tyrrell Frances, ed. The Huron carol. Toronto, Ontario, Canada: Lester & Orpen Dennys, 1990.
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10
ill, Tyrrell Frances, ed. The Huron carol. New York: Dutton Children's Books, 1992.
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1
"La scène liturgique, entretien avec R. Debray et L. Merzeau." In Sur le culte divin et la musique, 53–57. Turnhout, Belgium: Brepols Publishers, 2020. http://dx.doi.org/10.1484/m.elsem-eb.5.118990.
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Stokes, Melvyn. "La musique et l’« Art » dans les premiers films américains." In Les autres arts dans l'art du cinéma, 101–16. Presses universitaires de Rennes, 2007. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.740.
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ROSEN REINHARDT, Evelyne. "De l’« émotissage » à la créativité dans la découverte et le partage de chansons du patrimoine francophone." In Langues chantées / Cultures mises en musique, 125–34. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.5440.
Full textAbstract:
Dans cet article, nous souhaiterions présenter un dispositif mis en place depuis 2016 entre deux centres universitaires d’enseignement et d’apprentissage du Français Langue Etrangère (FLE), à Lille (France) et à Louvain-la-Neuve (Belgique) favorisant l’expérience de la découverte de la langue française (chantée) et de la culture francophone (mise en musique) ainsi que de la culture des autres participants internationaux en présence. Qu’est-ce qui est en jeu dans la découverte d’une chanson du pays d’accueil par des apprenants internationaux de français ? Quels sont les liens tissés avec les musiques et chansons des pays d’origine des apprenants ? Pour donner des éléments de réponse à ces questions, nous proposerons tout d’abord une esquisse de typologie des déclencheurs reliant musiques et chansons d’ici et d’ailleurs dans le corpus constitué par des posts sur le blog transfrontalier mis en place. Dans un deuxième temps, nous nous centrerons sur l’analyse, à titre d’exemple, d’un billet posté sur le blog autour du thème des « musiques et chansons d’ici » - en l’occurrence la chanson emblématique d’Enrico Macias Les gens du Nord, et sur la médiation menée par les apprenants, permettant de mettre en regard la chanson Patagonia de l’Argentin José Larralde ainsi qu’un acrostiche créatif. Nous mettrons en point d’orgue l’importance de la subjectivité, des émotions et de la créativité pour l’enseignement et l’apprentissage des langues.
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Kintzler, Catherine. "Les articles « Cadence » de J.-J. Rousseau dans l’« Encyclopédie » et dans le « Dictionnaire de musique »." In L'Encyclopédie Diderot, l'esthétique, 267. Presses Universitaires de France, 1991. http://dx.doi.org/10.3917/puf.aurou.1991.01.0267.
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Kopeleva, Galina. "La civilisation française dans le cadre des événements culturels étudiants à l’Institut de la culture d’État de Saint-Pétersbourg." In Quelles compétences en langues, littératures et cultures étrangères ?, 41–50. Editions des archives contemporaines, 2021. http://dx.doi.org/10.17184/eac.3880.
Full textAbstract:
’apprentissage d’une langue étrangère ne se limite pas à l’accumulation de connaissances linguistiques, c’est aussi la découverte d’une civilisation étrangère. Les établissements d’enseignement supérieur consacrant peu d’heures aux langues étrangères, les manifestations hors-cursus à caractère culturel ou festif jouent, de ce fait, un rôle très important. Au cours de chaque année académique, le département des langues étrangères et de linguistique de l’Institut de la culture de Saint-Pétersbourg organise des événements culturels étudiants récurrents tels que l’« Examen-concert à la faculté des arts », le « Festival de l’amitié internationale, la « Soirée de la traduction poétique ». Au cours des deux premières manifestations, les participants montent sur scène et présentent au public un vrai spectacle de variétés en langues étrangères. Une part belle y est faite aux arts de la scène (théâtre, musique, chanson, danse), mais d’autres disciplines artistiques dont le cinéma, la poésie, la photographie sont aussi au rendez-vous. La soirée de la traduction poétique, plus intime, est un récital où sont présentés, traduits en russe, des poèmes et des chansons. Les étudiants qui apprennent le français comme première ou seconde langue et qui prennent part à ces manifestations s’initient à la culture et à la civilisation françaises. Au cours des années, ce procédé didactique s’est révélé très motivant. Les apprenants sont ainsi incités de manière stimulante à approfondir leurs connaissances et compétences linguistiques pour communiquer en français dans leur futur milieu professionnel.