Dissertations / Theses on the topic 'North American cinema'

This dissertation examines the fictional and non-fictional films of Sherman Alexie, Chris Eyre and Zacharias Kunuk in the larger context of the development of North American indigenous cinema and its audiences. It examines the relation of the films to mainstream cinema and representations of North American indigenous populations by drawing on a wide range of critical responses. After the introduction, which surveys the literature in the field and demonstrates the need for the present study, Chapter One will discuss the persistence of stereotypical representations of Native Americans in cinematic texts and the manner in which they continue to influence people's perceptions of Native Americans. Chapter Twofocuses on Sherman Alexie's Smoke Signals and The Business of Fancydancing as conscious and sophisticated responses to these stereotypes which offer a new sort of dialogue regarding Coeur d 'Alene and Spokane identity. This chapter also looks at the relation of the films to the texts from which they originated. Chapter Three looks at the wide range of filmic texts directed by Chris Eyre, and his exploration of contemporary Sioux and Navajo identity, particularly the complex problems of representing spirituality, while Chapter Four focuses on shamanism as represented in the fictional filmic texts of Zacharias Kunuk. Chapter Five provides an account of the funding of indigenous cinema, and the problems that can potentially arise in production and distribution if not connected to government sources of funding. Chapter Six examines how 'A Thousand Roads' and 'Inuit Knowledge and Climate Change' utilises images connected to indigenous identity for their own political purposes. The conclusion of this dissertation will provide a brief assessment of the current state of North American indigenous cinema.

Orientador: Claudiney Rodrigues Carrasco<br>Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes<br>Made available in DSpace on 2018-08-22T12:02:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tapia_Daniel_M.pdf: 14272942 bytes, checksum: 9f7fd217aa65e88d5db9766c4be0e787 (MD5) Previous issue date: 2012<br>Resumo: Esta pesquisa teve por finalidade demonstrar o processo pelo qual caminhou a linguagem da orquestração até sua chegada à trilha musical cinematográfica e, posteriormente, trazer à tona os processos adquiridos na música de cinema tendo a obra de Bernard Herrmann como exemplo. Ao observar a produção musical da primeira década do cinema norte americano, é possível perceber que a orquestração sinfônica do cinema é um dos frutos diretos do desenvolvimento da instrumentação e orquestração de concerto como linguagem. Para demonstrar este processo, estruturou-se uma análise cronológica das obras de compositores ligados ao contexto de produção germânico, considerado mais próximo em sua relação com a prática assumida pela música do cinema. Em um segundo momento, apresenta-se uma análise semelhante dos compositores que precedem Bernard Herrmann, considerados pilares de formação da linguagem musical no cinema. A terceira fase, por sua vez, trata da obra de Herrmann como um todo e analisa as peças compostas para Vertigo (1958) e Psycho (1960), ambas as produções dirigidas pelo cineasta Alfred Hitchcock<br>Abstract: This research has the aim of demonstrate the process on which the language of orchestration pervaded up to its arrival at film music composition and after, bring upon the processes acquired by film music using Bernard Herrmann's work as an example. On observing the musical production of the first decade of the north american cinema, it is possible to infer that the symphonic orchestration of cinema is one of the direct results of the concert music orchestration. To demonstrate this process, an cronological analysis of the works of the german composers was structured, considering this the closer model of cinema production. In advance, an equal analyses is made with the works of the cinema composers who preceeded Herrmann, considered references to the formation of the language. The third fase deals with Herrmann's work directly and analyses two of his works: Vertigo (1958) and Psycho (1960)<br>Mestrado<br>Fundamentos Teoricos<br>Mestre em Música

This thesis proposes that the female social activist is a new genre in American cinema. The four films chosen in this paper: Norma Rae, Erin Brockovich, Silkwood, and North Country are argued to be representative, and form the narrative construct of this genre. The argument uses Stanley Cavell?s theory of genre composition as presented in Pursuits of Happiness: The Hollywood Comedy of Remarriage and Contesting Tears: The Hollywood Melodrama of the Unknown Woman. There is growing recognition in the American film industry that a series of films portraying women as activists addressing social concerns is forming the basis of an emerging new genre. The social concerns addressed in the above films are: environmental pollution and its toxic health effects, sexual harassment of women in traditional male work places, radioactive contamination of nuclear plant workers, and unionization of textile workers. In this genre women are presented in a new social role. Future directions of this work suggest that the female social activist genre can encompass effectively all areas of social concerns as gender is demonstratively not a barrier.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:35Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-02-23Bitstream added on 2014-06-13T19:13:40Z : No. of bitstreams: 1 defazio_ahp_me_assis.pdf: 1692517 bytes, checksum: 7e9cb3508e8a110d3480a0f807533dbb (MD5)<br>Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP)<br>Temos no filme Viva Zapata! (1952) o eixo central desta pesquisa, através da qual buscamos iluminar as relações entre cinema, cultura e política norte-americana dos anos cinqüenta, além de questionar como este cinema forma uma visão sobre o outro – nesse caso, os mexicanos. Produzido e lançado nos Estados Unidos em meio ao macartismo – oposição e perseguição aos comunistas, decorrente da Guerra Fria – é dirigido pelo cineasta Elia Kazan e tem como roteirista John Steinbeck, importante romancista norte-americano. Suas temáticas dialogam com a cultura e a política da época, os quais buscamos resgatar através deste estudo. Ainda, sendo um filme norte-americano sobre o México, nos possibilita questionar como este país e seu povo são representados – e ir além, analisando como se formam as visões dos outros no imaginário norte-americano, visão esta que se reflete através de manifestações culturais, como o cinema<br>The film Viva Zapata! (1952) is the central axis of the present study, through which we tried to highlight the relationships among North American cinema, culture and politics in the 1950s, as well as to question how this cinema forms the view about the other – in this case, the Mexicans. Produced and launched in the United States during McCarthyism – opposition and persecution to communists due to Cold War –, that film was directed by the filmmaker Elia Kazan and had as writer John Steinbeck, an important North American novelist. Its themes dialogue with the culture and the politics of that period, which we tried to rescue through this study. In addition, it is a North-American film about Mexico, which allows us to question how this country and its people are represented – as well as to analyze how the view about the others is formed in the North American imagination, since this view is reflected through cultural manifestations such as cinema

Orientador: Carlos Alberto Sampaio Barbosa<br>Banca: Mariana Martins Villaça<br>Banca: Carlos Eduardo Jordão Machado<br>Resumo: Temos no filme Viva Zapata! (1952) o eixo central desta pesquisa, através da qual buscamos iluminar as relações entre cinema, cultura e política norte-americana dos anos cinqüenta, além de questionar como este cinema forma uma visão sobre o outro - nesse caso, os mexicanos. Produzido e lançado nos Estados Unidos em meio ao macartismo - oposição e perseguição aos comunistas, decorrente da Guerra Fria - é dirigido pelo cineasta Elia Kazan e tem como roteirista John Steinbeck, importante romancista norte-americano. Suas temáticas dialogam com a cultura e a política da época, os quais buscamos resgatar através deste estudo. Ainda, sendo um filme norte-americano sobre o México, nos possibilita questionar como este país e seu povo são representados - e ir além, analisando como se formam as visões dos outros no imaginário norte-americano, visão esta que se reflete através de manifestações culturais, como o cinema<br>Abstract: The film Viva Zapata! (1952) is the central axis of the present study, through which we tried to highlight the relationships among North American cinema, culture and politics in the 1950s, as well as to question how this cinema forms the view about the other - in this case, the Mexicans. Produced and launched in the United States during McCarthyism - opposition and persecution to communists due to Cold War -, that film was directed by the filmmaker Elia Kazan and had as writer John Steinbeck, an important North American novelist. Its themes dialogue with the culture and the politics of that period, which we tried to rescue through this study. In addition, it is a North-American film about Mexico, which allows us to question how this country and its people are represented - as well as to analyze how the view about the others is formed in the North American imagination, since this view is reflected through cultural manifestations such as cinema<br>Mestre

No final da década de 1960 e início da seguinte, dentro do contexto que se convencionou chamar de cinema experimental ou de vanguarda norte-americano, um número sem precendetes de cineastas dedicou-se à elaboração de filmes-diário ou autobiografias filmadas. Esse movimento é acompanhado, no caso de alguns dos realizadores, por um interesse por outras formas (literárias ou pictóricas) de autorre- presentação e escrita de vida e por um esforço reflexivo sobre as possibilidades, usos e potências dessas formas no cinema. Partindo do entendimento que a autobiografia transforma-se em um campo de interesses para cineastas, críticos e público apenas a partir deste momento, esta tese pretende abordar como ela é formulada e inventada por cineastas como uma forma possível para o cinema. A partir da análise de textos e filmes de três cineastas centrais para essa elaboração, notadamente Stan Brakhage, Jonas Mekas e Hollis Frampton, demonstramos o papel do gênero na transformação de um panorama artístico e criativo. De um lado, como se verá, a autobiografia afirma-se e inventa-se como uma tentativa de dialogar e responder a uma história artística que incluí o próprio cineasta, de outro, ela propõe-se como um lugar de singularização e transformação dessa história.<br>On the threshold of the seventies, the autobiographical genre emerged as one of the main tendencies of the north-american avant-garde film. This event was followed by a growing interest in other forms of self representation and life narratives in painting and literature and by an intellectual effort to reflect on the uses, qualities, possibilities and predecessors of the new form in film. Understanding that autobiography becomes a field of interest for filmmakers, critics and public alike only at this moment in time, this dissertation intends to broach how autobiography is fashioned by filmmakers into a form viable for cinema. Relying on a vast documentation of writings by Jonas Mekas, Stan Brakhage and Hollis Frampton, three filmmakers whom we consider to be central to the understanding of the genre as such, and on close readings of their autobiographical films we demonstrate the role played by the genre in the transformation of a creative and artistic environment. As will be seen, the emergence of the genre responds to a historical and aesthetic transformation in experimental films and offers itself as a peronal narrative for this changing history.

Orientador: Nadia Farage<br>Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas<br>Made available in DSpace on 2018-08-03T21:23:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Modesto_AnaLucia_D.pdf: 21090247 bytes, checksum: 5630bfd80c5e3c974ceec7517a62c45b (MD5) Previous issue date: 2004<br>Resumo: O trabalho tem como meta discutir a relação entre o cinema americano contemporâneo e seus possíveis efeitos éticos tomando como objeto de análise o filme O Silêncio dos Inocentes (The Silence of the Lambs, 1991, EUA, J. Demme). O filme foi escolhido por representar um exemplo de uma nova concepção de mundo que emerge no cinema americano no final do século xx. Tendo como fundamento teórico o estudo antropológico do significado das representações do mal na cultura, o estudo demonstra as transformações que a categoria sofreu dentro da história do cinema norte-americano, analisando, por último, as relações existentes entre as formas do monstruoso no filme escolhido e a ética do consumidor no capitalismo tardio<br>Abstract: The work has as a goal to discuss the relationship between the contemporary American cinema and their possible ethical effects taking as object of analysis the film: The Silence of the Lambs, 1991, USA, by J. Demme. The film was selected for it can represent an example of a new conception of the world that becomes manifest by the end of the XX century in the American cinema. Having as theoretical basis the anthropological study of the meaning of evil representations in the culture, the study demonstrates the transformations which the category has suffered within the history of the North American movies, researching, in the final, the actual relationships among the forms of the monstrous in the film and the ethics of consumer in the Iate capitalism<br>Doutorado<br>Doutor em Ciências Sociais

Este trabalho examina a representação das cidades na obra de Woody Allen. No intuito de compreender a saída do cineasta patrimônio da cidade de Nova York para a Europa, retoma-se criticamente a questão da Era da Lista Negra, das runaway productions e dos blockbusters. Para analisar os filmes de Allen na Europa considera-se importante entender como a cidade de Nova York configura-se no início da carreira do diretor, notadamente, em filmes que estabelecem um contraponto entre o Brooklyn e Manhattan. Em seguida, examina-se a questão crítica fundamental do trabalho: o cartão-postal corporativo na Europa. Nesse sentido, propõe-se a análise dos cartões-postais de Barcelona, Paris e Roma. O filme Vicky Cristina Barcelona adquire centralidade nesta pesquisa por apresentar de maneira exemplar a paisagem postiça da cidade encarcerada sob intervenção corporativa.<br>This research examines the representation of cities in Woody Allens work. In order to understand Allens European sojourn, it discusses the Blacklist Era, the runaway production and the impact of the blockbuster productions in the industry. The work understands New York as the quintessential frame of Allens depiction of cities overseas, notably in the early films that juxtapose Brooklyn and Manhattan. Henceforth, the key critical core of this work is presented: the corporate postcard in Europe. In this sense, it proposes an analysis of the postcards of Barcelona, Paris and Rome. The film Vicky Cristina Barcelona presents in an exemplary manner the cityscape under corporate intervention.

Submitted by Adriana Alves Rodrigues (aalves@espm.br) on 2017-11-29T13:28:02Z No. of bitstreams: 1 PPGCOM Tese Paulo RF Cunha.pdf: 6248280 bytes, checksum: acaf4627860c7d7335eca120b06aad90 (MD5)<br>Approved for entry into archive by Adriana Alves Rodrigues (aalves@espm.br) on 2017-11-29T13:31:52Z (GMT) No. of bitstreams: 1 PPGCOM Tese Paulo RF Cunha.pdf: 6248280 bytes, checksum: acaf4627860c7d7335eca120b06aad90 (MD5)<br>Approved for entry into archive by Ana Cristina Ropero (ana@espm.br) on 2017-12-01T11:22:08Z (GMT) No. of bitstreams: 1 PPGCOM Tese Paulo RF Cunha.pdf: 6248280 bytes, checksum: acaf4627860c7d7335eca120b06aad90 (MD5)<br>Made available in DSpace on 2017-12-01T11:24:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PPGCOM Tese Paulo RF Cunha.pdf: 6248280 bytes, checksum: acaf4627860c7d7335eca120b06aad90 (MD5) Previous issue date: 2017-03-13<br>This thesis aims to understand the context and the articulations related to the consumption of model images of a lifestyle pattern – named as American way of life –, through the dissemination of mass communication, in particular, of North American cinema in the 1950‟s. Such mediatization of images made sense to viewers and adhered to the common sense of United States citizens. However, in parallel with the pedagogical action of the diffusion of said model, contradictions and contextual factors that did not conform to pattern and which continued to be presented in that society – as well as in the films – have dialogued with diverse portions of the population and have generated verisimilitude to the referenced displayed on the screen. In this way, after the film analysis of production launched in the aforementioned decade, this project will have a responsibility to understand the process, the elements, the strategies and the plural representations implemented by film industry in order to include in the films features of the model and non-model – after all, making sense is a way of working on the order to of customer loyalty. The research carried out through the contemporaneousness of the theme is justified, since a significant part of the cultural and media production of the United States in the 20th century crossed frontiers and reached the world, taking with it the image of a country and of exemplary citizens whose form of living should be a reference – as it still is in certain instances.<br>A presente Tese possui como objetivo central compreender o contexto e as articulações relacionadas ao consumo de imagens modelares de um padrão de estilo de vida – denominado como American way of life –, através da disseminação da comunicação de forma massiva, em particular, do cinema norte-americano nos anos 1950. Tal midiatização de imagens fez sentido para espectadores e aderiram ao senso comum dos cidadãos dos Estados Unidos. Entretanto, em paralelo à ação pedagógica da difusão do referido modelo, contradições e fatores contextuais que não compunham o padrão e que continuavam presentes na sociedade – assim como nos filmes –, dialogavam com parcelas distintas da população e geravam verossimilhança às referências exibidas na tela. Desta forma, ao final, após a realização de análise fílmica de produções lançadas na já citada década, este projeto terá a responsabilidade de compreender o processo, os elementos, as estratégias e as representações plurais implementadas pela indústria cinematográfica para contemplar as características do modelo e do não-modelo nos filmes – afinal, fazer sentido é trabalhar na ordem da manutenção de espectadores. Justifica-se, assim, a pesquisa realizada pela contemporaneidade do tema, posto que parte significativa da produção cultural e midiática dos Estados Unidos no Século XX ultrapassou suas fronteiras e alcançou o mundo, levando consigo a imagem de um país e de cidadãos exemplares, cuja forma de viver deveria ser uma referência – como ainda o é em determinadas instâncias.

Made available in DSpace on 2015-08-18T17:46:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fabrizio Di Sarno.pdf: 1414929 bytes, checksum: 2d0361e38e0a0c44208eedb54c9ec08e (MD5) Previous issue date: 2011-12-12<br>Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior<br>O objetivo desta pesquisa é estudar o papel do Teremin (considerado o primeiro instrumento musical eletrônico da história) na trilha sonora do cinema norteamericano. Para tanto, procuramos fazer um levantamento desde o princípio de seu uso na indústria cinematográfica dos Estados Unidos. Constatamos cinco momentos cruciais do uso do Teremin nesta cinematografia: os três primeiros compreendem, respectivamente, as décadas de 1930, 1940 e 1950; no quarto período, iniciado em 1966, o uso do instrumento entra em decadência ao perder a força de representação que vinha tendo até então; o quinto período tem início no princípio dos anos 90, neste momento o uso do instrumento é recuperado pelo cinema norte-americano sob uma nova perspectiva. O Teremin é visto de duas maneiras nesta pesquisa: 1) como instrumento melódico; 2) como produtor de efeitos sonoros. Nos dois casos procuramos entender as estratégias utilizadas pelas trilhas sonoras que levam a representação do estranho, do desconhecido, do monstruoso. O percurso histórico do instrumento pelo cinema norte-americano aponta para motivações que o fazem lugar ideal para representar efeitos sonoros que tem seu uso associado a um território governado por fenômenos inexplicáveis. O processo de representação ao qual o Teremin foi associado acompanha um período histórico singular, que vai do nazi-fascismo, passa pela Guerra Fria e desemboca na queda do muro de Berlim. No entanto, no início dos anos 60, o instrumento perde seu poder de sedução no momento em que, por exemplo, as viagens espaciais começam a se tornar realidade. Além de catalogar os filmes mais importantes que fazem uso do Teremin como instrumento melódico ou como instrumento responsável pela execução de efeitos sonoros, estudamos os tipos de uso do som do instrumento, para que se possa entender a sua influência no imaginário cinematográfico norte-americano.

Submitted by Leonardo Lima (leonardoperlim@gmail.com) on 2016-03-21T19:51:14Z No. of bitstreams: 2 Representações Cinematográficas da Máfia Norte-Americana e suas relações com a História.pdf: 13317356 bytes, checksum: 4ea0e95de27e71e082f2ad3aa380c104 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5)<br>Approved for entry into archive by Aline Batista (alinehb.ufpel@gmail.com) on 2016-03-22T10:55:28Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Representações Cinematográficas da Máfia Norte-Americana e suas relações com a História.pdf: 13317356 bytes, checksum: 4ea0e95de27e71e082f2ad3aa380c104 (MD5)<br>Approved for entry into archive by Aline Batista (alinehb.ufpel@gmail.com) on 2016-03-22T10:57:18Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Representações Cinematográficas da Máfia Norte-Americana e suas relações com a História.pdf: 13317356 bytes, checksum: 4ea0e95de27e71e082f2ad3aa380c104 (MD5)<br>Made available in DSpace on 2016-03-22T11:05:55Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Representações Cinematográficas da Máfia Norte-Americana e suas relações com a História.pdf: 13317356 bytes, checksum: 4ea0e95de27e71e082f2ad3aa380c104 (MD5) Previous issue date: 2015-07-06<br>Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES<br>As representações cinematográficas de um determinado tema tratam não essencialmente de sua concepção formal e/ou acadêmica. No uso da Máfia Norte-Americana como assunto principal percebemos nuances que projetam uma ideia tradicional de crime organizado regido por famílias, destacada, sobretudo, em “O Poderoso Chefão” (Francis Ford Copolla, 1972). Em “Scarface” (Brian De Palma, 1983), a perspectiva da película se encontra no cartel internacional de drogas e na relação conflitante do protagonista e o seu vício em cocaína. A utilização de padrões estilizados no cinema expressam uma abordagem recorrente nessas películas. Em “Os Bons Companheiros” (Martin Scorsese, 1990), o enfoque é direcionado à vida boêmia dos personagens. Já em “Os Intocáveis” (Brian De Palma, 1987), a Lei-Seca Norte-Americana assume papel destacado. Em todos os filmes dessa seleção, lançados entre 1972 e 1990, duas questões requerem destaque: o padrão estético recorrente das obras, sobretudo após o sucesso comercial de “O Poderoso Chefão” e o protagonismo da violência exacerbada nas produções audiovisuais. Neste sentido, esta dissertação intenciona estabelecer relações e analisar o uso da representação das Máfias nos Estados Unidos da América no cinema e na feitura da redação historiográfica.<br>The cinematic representations of a particular topic do not essentially treat about its formal and/or academic conception. Having as the main subject the American Mafia, it is possible to perceive nuances that project a traditional idea of organized crime governed by families, especially highlighted in “The Godfather” (Francis Ford Copolla, 1972). In “Scarface” (Brian De Palma, 1983), the movie perspective is based on drugs’ international cartel and also in the clashing relationship between the main character and its addiction in cocaine. The usage of stylized patterns at the cinema expresses a recurrent approach in these movies. In “Goodfellas” (Martin Scorsese, 1990), the focus is in the bohemian lifestyle of the characters. In “The Untouchables” (Brian De Palma, 1987), the focus is in the North-American Prohibition. In all these movies, released between 1972 and 1990, two questions demand to be highlitghted: the reccurent esthetic pattern of them, especially after the commercial success of “The Godfather”, and also the excess of violence as the main point in these audiovisual productions. This thesis intend to establish relations and analyse the way how American Mafias are represented in movies and also at the historiographical writing.

Esta pesquisa tem como objetivo analisar a produção fílmica do cineasta norte-americano Michael Moore, tendo como questão central a relação que se estabelece entre arte e política num momento histórico que, de um lado, aponta para a crise do capitalismo e, de outro, para a fragmentação política da classe trabalhadora. A partir da análise formal de dois de seus filmes, estabelecemos uma relação com os momentos históricos que lhes deram condições de produção, a fim de compreender o método desenvolvido pelo cineasta para lidar com a crise de representação e comunicação vivida pela arte política nas últimas décadas. Os dois filmes escolhidos para tal análise são Roger e Eu (Roger & Me, 1989) e Capitalismo: uma história de amor (Capitalism: a love story, 2009). Ambos os filmes possuem diagnósticos de momentos distintos da crise do capitalismo, juntamente com a constatação de que existe um desmonte da classe trabalhadora, fruto de uma série de mudanças econômicas, políticas e culturais, especialmente ao longo da segunda metade do século XX e início do XXI. Este trabalho faz um estudo comparativo dos dois filmes, traçando as continuidades e mudanças estéticas e políticas ocorridas na obra de Michael Moore num intervalo de duas décadas, bem como sua relação com as condições de representação da luta de classes dentro da cultura norte-americana. Esta pesquisa reflete sobre o surgimento do fenômeno Michael Moore como parte de um processo de construção e desconstrução de uma tradição da classe trabalhadora norte-americana.<br>This research aims to analyze the film production of the American filmmaker Michael Moore, proposing as a central question the relationship established between art and politics in a historical moment which, on one side, points to the crisis of capitalism and, on the other side, to the political fragmentation of the working class. Starting from the formal analysis of two of his films, we have established a relationship with the historical moments which gave conditions of production to them, in order to understand the method developed by the filmmaker to deal with the crisis of representation and communication experienced by political art in the last decades. The two films chosen for this analysis are Roger & Me (1989) and Capitalism: a love story (2009). Both films have different diagnoses of the distinct moments of the capitalist crisis, along with the realization of the fact there is a dismantling of the working class, result of a series of economic, political and cultural chances, especially during the second half of the 20th century and early 21st century. This research makes a comparison between the two films, tracing the aesthetic and political continuities and changes in the work of Michael Moore which happened throughout two decades, as well as its relation to the conditions of representation of class struggle in American culture. This work reflects on the rise of the Michael Moore phenomenon as part of a process of construction and deconstruction of a tradition of the American working class.

Submitted by Divisão de Documentação/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2017-03-21T20:15:36Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertação - Bernardo Ale Abinader.pdf: 1700776 bytes, checksum: bc8ed05e2d701f28709ae70aaf331467 (MD5)<br>Approved for entry into archive by Divisão de Documentação/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2017-03-21T20:15:51Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertação - Bernardo Ale Abinader.pdf: 1700776 bytes, checksum: bc8ed05e2d701f28709ae70aaf331467 (MD5)<br>Approved for entry into archive by Divisão de Documentação/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2017-03-21T20:16:03Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertação - Bernardo Ale Abinader.pdf: 1700776 bytes, checksum: bc8ed05e2d701f28709ae70aaf331467 (MD5)<br>Made available in DSpace on 2017-03-21T20:16:03Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertação - Bernardo Ale Abinader.pdf: 1700776 bytes, checksum: bc8ed05e2d701f28709ae70aaf331467 (MD5) Previous issue date: 2017-02-09<br>This study has the purpose of analyzing comparatively the play Sweet bird of youth, of 1959, by the playwright Tennessee Williams, and the movie Sunset Boulevard, of 1950, by the filmmaker Billy Wilder, focusing on the decadence, observing how this aspect was represented and what purpose it has in the text and in the film. In both study objects, there are characters who were famous movie stars in the past, but now are relegated to ostracism by Hollywood. There are male characters in the play and the movie who want, but cannot achieve fame in the American film industry and they establish a prostitution relationship with the actresses. These are people presented as decadent, narcissistic, materialistic and have tragic endings. Furthermore, there are other characters and aspects of the selected works that expose decadent facets of American society at the time, as the representation of religious conservatism in Sweet bird of youth and the working relationship in the film Sunset Boulevard. By analyzing the characters in the works and how they relate with each other and with the society which surrounds them, it is possible to verify a commentary done by the authors about the negative consequences of capitalism, of the film industry and of the conservatism in the American society.<br>O presente estudo tem como objetivo analisar comparativamente a peça Doce pássaro da juventude, de 1959, do dramaturgo Tennessee Williams, e o filme Crepúsculo dos deuses, de 1950, do cineasta Billy Wilder, com foco na decadência, observando como este aspecto foi representado e qual função desempenha no texto dramático e no filme. Nos dois objetos de estudo figuram personagens atrizes que, no passado, foram famosas estrelas de cinema, mas que agora se encontram relegadas ao ostracismo por Hollywood. Há personagens masculinas na peça e no filme que desejam, mas não conseguem alcançar a fama na indústria cinematográfica americana e estabelecem uma relação de prostituição com as atrizes. São figuras apresentadas como decadentes, narcisistas, materialistas e que têm finais trágicos. Também há, além dessas, outras personagens e aspectos nas obras selecionadas que expõem facetas decadentes da sociedade americana da época, como a representação do conservadorismo religioso em Doce pássaro da juventude e das relações de trabalho no cinema em Crepúsculo dos deuses. Por meio das personagens nas obras e no modo como elas se relacionam entre si e com a sociedade que as cercam, é possível verificar uma análise feita pelos autores das consequências negativas do capitalismo, da indústria cinematográfica e do puritanismo da sociedade americana.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2018-06-28T13:16:57Z No. of bitstreams: 1 Glauber Ormundo Dias Martins.pdf: 415635 bytes, checksum: 63fa1de0d5b56e217bcf19dba75e8158 (MD5)<br>Made available in DSpace on 2018-06-28T13:16:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Glauber Ormundo Dias Martins.pdf: 415635 bytes, checksum: 63fa1de0d5b56e217bcf19dba75e8158 (MD5) Previous issue date: 2018-04-20<br>Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES<br>This work analyzes two films by Woody Allen in the 1980s - Zelig and The Purple Rose of Cairo - using as methodologies sociological theories and literary and cinematographic critiques. With this, reflections od modernity and American history are analyzed<br>Este trabalho analisa dois filmes do diretor Woody Allen da década de 1980- Zelig e A rosa púrpura do Cairo- Usando como metodologias teorias sociológicas e de críticas literárias e cinematográficas. Com isto, reflexões a respeito da modernidade e da história americana são analisadas

Submitted by Caroline Xavier (caroline.xavier@pucrs.br) on 2017-08-17T14:08:21Z No. of bitstreams: 1 TES_MARILIA_SCHRAMM_REGIO_COMPLETO.pdf: 4425631 bytes, checksum: 4b619681fbb78ac1ce43a34fe4e67a3c (MD5)<br>Made available in DSpace on 2017-08-17T14:08:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TES_MARILIA_SCHRAMM_REGIO_COMPLETO.pdf: 4425631 bytes, checksum: 4b619681fbb78ac1ce43a34fe4e67a3c (MD5) Previous issue date: 2017-06-27<br>Coordena??o de Aperfei?oamento de Pessoal de N?vel Superior - CAPES<br>The analysis of moving images enables us to interpret political relations and social representations, since, in them, different cultural perspectives are expressed and, therefore, different memories. The present thesis approaches the representation of the September 11, 2001 attacks, in New York, in North- American feature-length films produced between 2002 and 2012. If there are several documentaries about September 11, we cannot say the same regarding fictional feature-length films. There is a scarce production regarding the subject, limited to connections with the theme and its developments. Facing this scenery, two questions arise. What defines films about the attacks? How does cinema contemplates the memory of the attacks in North-American featurelength films? Our specific objectives are to map the images produced by the selected films and to observe the aesthetic strategies that contribute to produce a ?culture of memory? (HUYSSEN, 2000) related to the attacks. In other words, we selected five films that constitute the corpus of this research: World Trade Center (Oliver Stone, 2006), United 93 (Paul Greengrass, 2006), 25th hours (Spike Lee, 2002), The Reluctant Fundamentalist (Mira Nair, 2012), and Zero Dark Thirty (Kathryn Bigelow, 2012). The methodology used was the filmic analysis technique, supported by the works of Jacques Aumont, Ren? Gardies, Michel Marie, and Laurent Jullier. From the proposed analysis, our assumption is that we will observe in these films the concept of ?place of memory?, stipulated by Pierre Nora (1993), and that we will perceive parallels with the ?culture of memory?, a notion proposed by Andreas Huyssen (2000). We found that the North-American cinematography imposed the absence of the images of the September 11 attacks, and the analyzed narratives walk side by side in the sense of rebuilding a still fragile memory.<br>El an?lisis de las im?genes en movimiento permite interpretar las relaciones pol?ticas y las representaciones sociales, ya que en ellas se expresan variadas perspectivas culturales y, por lo tanto, diferentes memorias. Esta tesis aborda la representaci?n de los ataques del 11 de septiembre de 2001, en Nueva York, en pel?culas norteamericanas producidas entre 2002 y 2012. Si hay varios documentales sobre el 11 de septiembre, no podemos decir lo mismo de los largometrajes de ficci?n. Hay una producci?n escasa sobre el asunto, limitada a las conexiones con el tema y sus ramificaciones. Frente a este escenario, surgieron dos preguntas. ?Qu? define a las pel?culas sobre los ataques? ?C?mo el cine contempla la memoria de los ataques en pel?culas de largometraje norteamericanas? Nuestros objetivos espec?ficos son identificar las im?genes producidas por las pel?culas seleccionadas y observar las estrategias est?ticas que contribuyen a la producci?n de una "cultura de la memoria" (HUYSSEN, 2000) en relaci?n a los ataques. En otras palabras, queremos comprender c?mo se representan las memorias sobre los ataques en la cinematograf?a norteamericana. Para ello, hemos seleccionado cinco pel?culas que constituyen el corpus de esta investigaci?n: As Torres G?meas (World Trade Center, Olivier Stone, 2006), Voo United 93 (United 93, Paul Greengrass, 2006), A ?ltima Noite (25th hours, Spike Lee, 2002), O Fundamentalista Relutante (The reluctant fundamentalista, Mira Nair, 2012) e A Hora Mais Escura (Zero Dark Thirty, Kathryn Bigelow, 2012). Como metodolog?a, utilizamos la t?cnica de an?lisis f?lmica, apoy?ndonos en Jacques Aumont, Ren? Gardies, Michel Marie y Laurent Jullier. A partir de los an?lisis propuestos, nuestra hip?tesis es que observaremos en las pel?culas el concepto de "lugar de memoria", estipulado por Pierre Nora (1993), y que encontraremos paralelos con la "cultura de la memoria", concepto abordado por Andreas Huyssen (2000). Hemos constatado que la cinematograf?a norteamericana impuso la ausencia de las im?genes de los ataques del 11 de septiembre, las narrativas analizadas van juntas en el sentido de la reconstrucci?n de una memoria a?n fr?gil.<br>A an?lise das imagens em movimento possibilita interpretar as rela??es pol?ticas e as representa??es sociais, visto que nelas est?o expressas variadas perspectivas culturais e, portanto, variadas mem?rias. Esta tese aborda a representa??o dos atentados de 11 de setembro de 2001, em Nova York, em longas-metragens norte-americanos produzidos entre 2002 e 2012. Se existem diversos document?rios sobre o 11 de setembro, n?o podemos dizer o mesmo dos longas-metragens de fic??o. H? uma escassa produ??o sobre o assunto, limitada a conex?es com o tema e seus desdobramentos. Diante desse cen?rio, surgiram duas perguntas. Quais s?o os filmes sobre os atentados do 11 de setembro? O que define filmes sobre os atentados? Como o cinema contempla a mem?ria dos atentados em filmes de longa-metragem norteamericanos? Nossos objetivos espec?ficos s?o mapear as imagens produzidas pelos filmes selecionados e observar as estrat?gicas est?ticas que contribuem para a produ??o de uma ?cultura da mem?ria? (HUYSSEN, 2000) em rela??o aos atentados. Em outras palavras, desejamos entender de que modo s?o representadas as mem?rias sobre os atentados na cinematografia norteamericana. Para tanto, selecionamos cinco filmes que constituem o corpus desta pesquisa: As Torres G?meas (Olivier Stone, 2006), Voo United 93 (Paul Greengrass, 2006), A ?ltima Noite (Spike Lee, 2002), O Relutante Fundamentalista (Mira Nair, 2012) e A Hora Mais Escura (Kathryn Bigelow, 2012). Como metodologia, utilizamos a t?cnica de an?lise f?lmica, apoiando-nos em Jacques Aumont, Ren? Gardies, Michel Marie e Laurent Jullier. A partir das an?lises propostas, nosso pressuposto ? de que observaremos nos filmes o conceito de ?lugar de mem?ria?, estipulado por Pierre Nora (1993), e de que perceberemos paralelos com a ?cultura da mem?ria?, no??o abordada por Andreas Huyssen (2000). Constatamos que a cinematografia norte-americana imp?s a aus?ncia das imagens dos atentados de 11 de setembro, e as narrativas analisadas caminham juntas no sentido da reconstru??o de uma mem?ria ainda fragilidade.

Mestrado em Línguas, Literaturas e Culturas - Estudos Ingleses<br>O presente trabalho propõe-se pesquisar a abordagem histórica das décadas de 50, 60 e 70 nas comédias americanas contemporâneas. Deste modo espero destacar os acontecimentos da história americana no passado recente que se prestaram a uma abordagem cinematográfica e foram retratados em comédias. As reacções a esses filmes permitem ainda reflectir sobre os valores culturais transmitidos nos filmes de comédia. Esta dissertação também aborda as características e funções da comédia enquanto género cinematográfico. Na fundamentação teórica também são abordadas algumas questões ligadas à adaptação cinematográfica. A vertente prática da dissertação centra-se no filme Forrest Gump, explorando a sua relevância histórica, e a adaptação ao cinema. ABSTRACT: This dissertation is intended to research historical approaches to the fifties, sixties and seventies in contemporary comedy films. Doing so, I expect to cast some light on recent American events that have proved to be cinematic and likely to be explored in a comic perspective. Viewers´ response to these films is also to be analysed so as to reflect on the cultural values rendered in comedy forms. Moreover, this dissertation includes some thought on the narrative and generic features of comedy as a film genre. The theoretical section also covers some issues raised by film adaptation. The practical research section focuses on the film Forrest Gump, exploring both its historical significance, and the precise nature of this adaptation.

Submitted by Automa??o e Estat?stica (sst@bczm.ufrn.br) on 2016-02-01T21:29:15Z No. of bitstreams: 1 EugenioMarianoFonsecaDeMedeiros_TESE.pdf: 8281444 bytes, checksum: 0bb0b58d20d0823e77224f0cb2366b35 (MD5)<br>Approved for entry into archive by Elisangela Moura (lilaalves@gmail.com) on 2016-03-11T12:21:20Z (GMT) No. of bitstreams: 1 EugenioMarianoFonsecaDeMedeiros_TESE.pdf: 8281444 bytes, checksum: 0bb0b58d20d0823e77224f0cb2366b35 (MD5)<br>Made available in DSpace on 2016-03-11T12:21:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 EugenioMarianoFonsecaDeMedeiros_TESE.pdf: 8281444 bytes, checksum: 0bb0b58d20d0823e77224f0cb2366b35 (MD5) Previous issue date: 2014-12-15<br>Tomando como ponto de partida a Teoria do Ambiente Restaurador (TAR), criada por Frederick Law Olmsted em meados do s?culo XIX, segundo a qual, os parques urbanos podem contribuir significativamente para a solu??o dos problemas advindos do crowding, particularmente o estresse urbano, analisamos como a TAR chegou ao s?culo XXI, tendo como foco de an?lise o Central Park de Nova Iorque (CP). Considerando que o CP e o cinema foram criados mais ou menos ? mesma ?poca, questionamos: (1) se as propostas do projeto de Olmsted para o CP, atendem ?s demandas do s?culo XXI e, caso tenham apresentado modifica??es, quais foram e como se deram; e (2) se, como ferramenta contempor?nea, o cinema apresenta/representa essas modifica??es ou perman?ncias. Respondendo a estas quest?es, defendemos duas hip?teses: (H1) embora mesmo na ?poca de sua execu??o j? tenha havido ajustes e modifica??es, o projeto do CP manteve-se fiel ?s premissas da teoria, propiciando os efeitos restauradores previstos pela TAR; (H2) o cinema ? uma ferramenta adequada ? documenta??o e verifica??o da TAR no CP, tanto devido ao contexto cultural comum que os gerou, quanto pela rela??o existente entre eles. O principal objetivo da tese foi, portanto, compreender semelhan?as e diferen?as entre os ideais do s?culo XIX que geraram o CP e o modo como o cinema do s?culo XXI representa sua atual utiliza??o. Metodologicamente, a tese recorreu ? an?lise bibliogr?fica e documental para subsidiar os cap?tulos iniciais e ao cinema como instrumento anal?tico destinado ? investiga??o da TAR. Os resultados referendam a H2, pois o cinema mostrou-se uma ferramenta adequada a esta pesquisa, por?m, n?o confirmou-se plenamente a H1, uma vez que, embora o projeto do CP mantenha-se relativamente intacto e fiel ? TAR (propiciando os efeitos restauradores), v?rios dos comportamentos que caracterizam a contemporaneidade n?o foram previstos anteriormente, o que se evidencia com rela??o ? pr?tica esportiva, ? maci?a presen?a feminina e, sobretudo, ? criminalidade.<br>Taking into account the Environmental Restorative Theory (ERT) , created by Fre derick Law Olmsted in mid XIX ce ntury , according which, urban parks can contribute to solve problems arisen from crowding , particularly urban stress, we analize how the ERT arrived at XXI century, having as approach the evaluation of New York Central Park (CP). Considering that the CP and the cinema were born around at the same, we question if the North American cinema produced between 1960 and 2013 show the ideals, which engendered the CP. By answering this question we defend the hypothesis that, even though has existed adjusts and modificati ons in the CP plan through time, it kept reasonably faithful to the ERT premises, propitiating to the XX and XXI centuries cinema identify and bring forth the presence of the Olmsted?s Ideals in the present days. The thesis main objective was nonetheless u nderstand similarities and/or differences between the XIX century ideals (that gave birth to CP) and the way the cinema represents the present uses of the place, taking into account that the Olmstedian ERT proposal have survived to the context changes (soc ial, economic, political and cultural). Methodologically , we drew upon bibliographical and documental analysis to build the first chapters and to the cinema as analytical lenses to investigate the ERT. The results point that although the CP plan has kept r elatively intact and faithful to the ERT ? with the presence of natural elements in the films (notably vegetation and water) ? many of contemporary behaviors were not foreseen previously, especially in relation to sports practice, the massive feminine pres ence, as well as criminality.

O objetivo dessa tese é investigar de que maneira Little Caesar (Mervyn Leroy, 1931) e Force of Evil (Abraham Polonsky, 1947) registram, dentro do gênero gângster, questões como a Depressão na década de 1930, e o macarthismo na década de 1940, ao mesmo tempo em que estabelecem homologias estruturais entre o crime organizado e o mundo dos negócios. Tais questões surgem nesses dois filmes por força da matéria histórica envolvida nas condições de produção. Nossa tese é de que os filmes configuram, em diferentes medidas, estratégias de representação da matéria histórica apesar das tentativas de seu apagamento, como a censura e o macarthismo.<br>The aim of this thesis is to analyze how Little Caesar (Mervyn Leroy, 1931) and Force of Evil (Abraham Polonsky, 1947) portray, in the gangster genre, historically relevant questions such as the Great Depression in the 1930s and McCarthyism in the 1940s, while establishing structural homologies between organized crime and the business world. These themes arise in both films due to the strength of the historical substance implicated in the conditions of production. Our thesis is that these films depict, in different proportions, strategies of representation of the historical substance in spite of attempts to suppress it, such as censorship and McCarthyism.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:46:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Raquel Alves Campos Strachicini.pdf: 917667 bytes, checksum: 20b0856e1060a7a6bf97cb037fcb6bc8 (MD5) Previous issue date: 2008-02-27<br>This dissertation intended to utter cultural and discursive impressions in two North American film advertisements disclosed for the Portuguese and Brazilian audience in movie theaters and video rental shops. The theoretical background was based on the theory of Discourse Analysis (French-oriented) and Culture, as well as respective identity formations, as a manner of expression of ideas, feelings, behaviors, ideologies and sense effects. It was followed by a brief history on how the English, Portuguese and Brazilian languages were formed in order to understand cultural differences encountered in language and by a presentation of matters arising out of advertisements, comprised of title and image, whose cultural production is meant for the film audience. In consultation to the cinema history, advertisements of Miss Congeniality (2000) and It s a Wonderful Life (1946) were selected, evidencing that the disclosure of North American ideology a is not a feature pertaining to a certain decade and that the title thereof is not inclined to be literal as time passes by as it was expected by the massive influence of the English language as a worldwide language. Upon the analysis of these impressions, it was observed the difference of use within the same language - the Portuguese - as a manner of expressing the North American culture against Portuguese and Brazilian cultures.<br>Nesta dissertação, buscou-se externar as marcas discursivo-culturais de dois anúncios de filmes norte-americanos veiculados para o público português e brasileiro em cinemas e videolocadoras. As bases teóricas se valeram da teoria da Análise do Discurso de linha francesa e da teoria da Cultura e suas formações identitárias, expressando idéias, sentimentos, comportamentos, ideologias e seus efeitos de sentido. Sucedeu-se com um breve histórico da formação das línguas inglesa, portuguesa e brasileira para a compreensão das diferenças culturais desveladas pela língua e com a apresentação de questões oriundas do anúncio publicitário, composto de título e imagem, cuja produção cultural se destina ao público de cinema. Em consulta à história do cinema, foram selecionados os anúncios dos filmes Miss Congeniality (2000) e It s a Wonderful Life (1946), evidenciando que a transmissão da ideologia norte-americana não é característica de uma determinada década e que o título do filme não tende a ser literal com o passar dos anos como era de se esperar pela influência maciça da língua inglesa como idioma mundial. Por meio da análise dessas marcas, observou-se a diferenciação de uso no mesmo idioma, no caso o português, na expressão da cultura difusora norte-americana face às culturas periféricas portuguesa e brasileira.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:17:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Maurineide Alves da Silva.pdf: 991986 bytes, checksum: 111fb6a28f609b9364d02765fa3f1a9a (MD5) Previous issue date: 2011-09-27<br>The United States is a country of tradition belligerent. It is common to find in their public squares and monuments statues of military figures, in addition to reserve specific days to honor them, military parades and ceremonies are displayed in various regions of the country and numerous film productions are performed representing the U.S. involvement in world conflicts. It is felt that the war is part of its fundamental characteristics. Seeking to understand the aspects that have built this tradition and thus marked the history of the United States military interventions around the world, without limiting ourselves to explanations that emphasize only the imperialist interests, but taking into account ideological and dogmatic aspects, we reach a ideology formulated in the nineteenth century, in order to justify the U.S. right to intervene in another nation: the ideology of Manifest Destiny. The three ideas that form the three show Manifest Destiny of American beliefs that are part of their national identity and profoundly marked its history: Puritanism, democracy and capitalism. To peer into the permanence of these three beliefs motivating the U.S. military interventions in the XXI century and still seek mainly new elements that enrich our historical understanding of the American society in his belligerent relations with other regions of the world, analyze imagery of a document period, the film Black Hawk Down (Black Hawk Down, Hidley Scott, 2001), which refers to U.S. military intervention in Somalia in 1993 and eventually present the vision of its directors on the subject. As one of the forms of cultural expression more representative of the United States, the film ends up a material extremely rich set of information about the beliefs and customs United States.<br>Os Estados Unidos são um país de tradição beligerante. É comum encontrar em suas praças públicas estátuas e monumentos de figuras militares, além de reservarem dias específicos para homenageá-los; desfiles e cerimônias militares são exibidos em diversas regiões do país e inúmeras produções cinematográficas são realizadas representando a participação norte-americana em conflitos mundiais. Percebe-se que a guerra faz parte de suas características fundamentais. Buscando entender os aspectos que construíram tal tradição e, consequentemente, marcaram a história dos Estados Unidos com intervenções militares por todo o mundo, sem nos limitarmos a explicações que ressaltam apenas os interesses imperialistas, mas levando em consideração aspectos dogmáticos e ideológicos, chegamos a uma ideologia formulada no século XIX, com o objetivo de justificar o direito norte-americano de intervir em outra nação: a ideologia do Destino Manifesto. As três idéias que formam o Destino Manifesto mostram três crenças do norte-americano que fazem parte de sua identidade nacional e que marcaram profundamente sua história: o puritanismo, a democracia e o capitalismo. Para perscrutar a permanência dessas três crenças motivando as intervenções militares norte-americanas ainda no século XXI e principalmente buscar elementos novos que enriqueçam a nossa compreensão histórica sobre a sociedade norte-americana em sua relação beligerante com outras regiões do mundo, analiso um documento imagético desse período, a produção cinematográfica Falcão Negro em Perigo (Black Hawk Down, Hidley Scott, 2001), que se reporta à intervenção militar norte-americana na Somália em 1993 e acaba por apresentar a visão de seus realizadores sobre o tema. Sendo uma das formas de manifestação cultural mais representativa dos Estados Unidos, o cinema acaba por configurar um material extremamente rico de informações a respeito das crenças e costumes norte-americanos.

O presente trabalho busca analisar como certos filmes do modo de representação observacional são capazes de incitar no espectador a impressão de vislumbrar a própria realidade na tela, dividindo-se a pesquisa em dois períodos e contextos particulares: nos anos 60, quando surgiu o Cinema Direto nos Estados Unidos em torno da Drew Associates, e nos anos 2000 a partir de dois documentários brasileiros.<br>This work analyzes as certain films of the observational mode of representation are capable of provoking in the spectator the impression of glimpsing the reality itself on the screen in two periods and particular contexts: in the 60s, when the Direct Cinema appeared in the United States around the Drew Associates, and in the years 2000, through two Brazilian documentaries.

O objetivo da tese é discutir e analisar filmes realizados entre 1967 e 1971 que, ainda no estrito campo do cinema, estabeleciam franco diálogo com as experiências mais recentes das vanguardas nas artes visuais. Os dois eixos da investigação se referem a produções de duas vertentes cinematográficas contemporâneas que se consolidaram em Nova York e no Rio de Janeiro sob os rótulos de \"Cinema estrutural\" e de \"Cinema marginal\", respectivamente. Ambas tendências, qualificadas como \"cinema experimental\", surgiam no rastro de vanguardas artísticas com fortes desdobramentos nas artes visuais, no que ficou conhecido como minimalismo nos Estados Unidos e o um \"pós-tropicalismo\" ou marginália no Brasil. Nos filmes que podem ser tomados como mais representativos desta relação - Wavelength (1967), de Michael Snow; Serene Velocity (1970), de Ernie Gehr; Mangue Bangue (1971), de Neville d\'Almeida e Lágrima-Pantera, a Míssil (1971), de Júlio Bressane - busca-se analisar as principais operações formais a partir de questões e posicionamentos provindos de tendências das artes visuais ao lado de discussões teóricas cinematográficas, principalmente aquelas relativas à vanguarda no cinema. No segundo eixo, aproxima-se as contemporâneas experiências de Hélio Oiticica no cinema e em demais meios audiovisuais. Acompanhada desta análise formal buscamos situar estas obras no percurso de seus autores e no contexto artístico e cultural no qual se inseriam. Propõe-se assim, ao final, observar os paralelos e contrastes entre essas experiências e as razões de suas descontinuidades.<br>The main purpose of the thesis is to discuss and analyse films from the late 60\'s and early 70\'s that, althought in the strict field of cinema, established a frank dialogue with the most recent experiences of the avant-garde. The two axes of the investigation refer to productions of two contemporary cinematographic strands that took place in New York and Rio de Janeiro known respectively as \"Structural film\" and \"Cinema marginal\". Both tendencies, usually considered in the same field of an \"experimental cinema\", emerged after and in direct association with the artistic avant-garde tendencies with strong ramifications in visual arts, like what became known as minimalism in the US and the \"post-tropicalism\" or marginália in Brazil. In the films that can be taken as the most representatives of this link - Wavelength (1967), by Michael Snow; Serene Velocity (1970), by Ernie Gehr; Mangue Bangue (1971), by Neville d\'Almeida and Lágrima-Pantera, a Míssil (1971), by Júlio Bressane - we seek to analyse its main formal operations based on questions and standings derived from contemporary visual arts tendencies next to theoretical discussions especifically cinematografic, especially those related to avant-garde cinema. On the second axis, the closeness with the contemporary experiences of Hélio Oiticica in film and in other audiovisual media is one of the focus. Accompanied by this formal analysis we also seek to situate these works in the path of their authors and in its artistic, cultural and political context in which they were placed. It is thus proposed, at the end, to observe the parallels e contrasts between these experiences and the reasons of their discontinuities.

Made available in DSpace on 2016-08-03T12:30:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sandra Lucia1.pdf: 1211676 bytes, checksum: ab8699b34bf986daa3049e41265878db (MD5) Previous issue date: 2004-12-13<br>O Cientista na Ficção Científica: a construção de imagens sociais na linguagem do cinema norte-americano nas décadas de 70, 80 e 90 é uma pesquisa sobre a composição da imagem social do cientista, a fim de analisar a caracterização desse personagem no cinema, identificando modalidades de estereótipos que compõem sua imagem social, profissional e comportamental, bem como suas relações com o imaginário e inconsciente coletivos. A análise de conteúdo é ferramenta metodológica utilizada para observação dos filmes e categorização de unidades de análise que permeiam o roteiro, a caracterização física e de atitudes do personagem cientista. A partir dos dados coletados e organizados, a análise dessa categorização do conteúdo manifesto e sua relação com a função social da comunicação seguiu princípios como: coerência; transparência; fidedignidade e validação dos dados observados, apropriados à análise de conteúdo, também fundamentada nas teorias crítica da comunicação e realista do cinema. Pode-se concluir que o cinema norte-americano tem normalizado imagens do cientista de forma estereotipada, seja pelo uso do roteiro, da relação com o objeto da pesquisa na ficção ou mesmo pelas relações de poder que se estabelecem em meio às atividades científicas. O cientista na ficção é representado principalmente pelos estereótipos de maluco, inconseqüente e que tem suas descobertas envolvidas com criaturas ou máquinas nem sempre benéficas à sociedade.(AU)

F. Scott Fitzgerald was a product of the era he was at his zenith: the roaring 1920s. By the time he arrived in Los Angeles, he was short on money and the audience for his novels and writing was waning. This work explores his time in L.A., his attitude toward cinema & the Hollywood system, and how he incorporated what he learned from screenwriting into The Last Tycoon, the unfinished novel that Fitzgerald aimed to revive his own career with.

Esta dissertação tem por objetivo estudar a relação som-imagem nos filmes de animação norte-americanos realizados no período final do cinema silencioso e no início do cinema sonoro. Foram feitos levantamentos históricos sobre o processo de produção do cinema de animação e sobre o processo de criação de suas trilhas sonoras antes e após o advento do som sincrônico. A partir desses levantamentos e da análise de curtas-metragens do final da década de 1920, identificou-se características próprias do cinema de animação tanto em relação ao uso de soluções visuais para sugestões sonoras nos filmes silenciosos quanto à criação de uma relação única entre som e imagem nos filmes sonoros, especialmente nos filmes produzidos por Walt Disney.<br>The present work aims at studying the sound-image relationship in North American animated films made at the end of the silent era and in the beginning of the sound film era. Historical surveys have been developed about the production process of animated films and about the creative process of their soundtrack before and after the advent of synchronized sound. From these surveys and analysis of short films made at the end of the 1920s, specific traits of animated film have been identified in regard to visual solutions for sound suggestion in silent cartoons as well as the creation of a unique relationship between image and sound in the sound films, especially in Walt Disney\'s films.

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:31:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Allan.pdf: 3034287 bytes, checksum: f8097e6de50f7141239792f56b823547 (MD5) Previous issue date: 2007-06-01<br>Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico<br>The dissertation discuss the cinema in Belém during the World War Second, involving the daily of the projection rooms, the influence of the hollywood movies, the passage of artists on town, the cinematographic production in Amazônia with Libero Luxardo, the transmission of informations about theconflict down the newspaper cinema and lenght movies, the advertising of countries in war and participation of public power and others social and state sectors engaged, direct or indirect in conflit. Begining from advertisement and relatives articles for the cinema in Belém, published at the Folha do Norte newspaper in the A Semana magazine, the research looked for reflect about the relation of cinema with the society as space of sociability and advertising. In this perspective, looked for visualize how the exhibitions of movies referring to conflit and utilization of projection rooms modify during the conflit, assuming initialy a neuter posture and with the entrance of Brazil in the war adhering the antinazi of allied countries.To consider that those discourse presented in the movies looked for emphasize the good-neighborhood politic conducted by north american government and by principal cinematographic studios of United States, so the majority of movies exhibited in the cinemas of paraense capital were produced in Hollywood. So, searched to interpreted the performance of social fellow as important integrant in the construction of relation of cinema as space of several interests, winning during the second conflit prominence by to be a for the principal mass media used in propagation of ideal and politic interests<br>A dissertação discute o cinema em Belém durante a Segunda Guerra Mundial, envolvendo o cotidiano das salas de projeção, a influência dos filmes hollywoodianos, a passagem dos artistas na cidade, a produção cinematográfica na Amazônia com Libero Luxardo, a veiculação das informações sobre o conflito através dos cinejornais e filmes de longas metragens, a propaganda dos países em guerra e a participação do poder público e outros setores sociais e estatais comprometidos, direta ou indiretamente, no conflito. A partir dos anúncios e artigos relativos ao cinema em Belém, publicados no jornal Folha do Norte e na revista A Semana, a pesquisa procurou refletir sobre a relação do cinema com a sociedade, como espaço de sociabilidade e propaganda. Nesta perspectiva procurou-se visualizar como as exibições dos filmes referentes ao conflito e a utilização das salas de projeção modificaram-se no decorrer do conflito, assumindo inicialmente uma postura neutra e com a entrada do Brasil na guerra aderindo a política antinazista dos países Aliados. Considera-se que esses discursos apresentados nos filmes procuraram enfatizar a política de Boa Vizinhança encampada pelo governo norte-americano e pelas pelos principais estúdios cinematográficos dos Estados Unidos, uma vez que a maioria das películas exibidas nos cinemas da capital paraense foi produzida em Hollywood. Assim, buscou-se interpretar a atuação dos sujeitos sociais como partícipes importantes na construção da relação do cinema como espaço de interesses diversos, ganhando, durante o segundo conflito, destaque por ser um dos principais meios de comunicação de massa utilizados na propagação de ideais e interesses políticos

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:29:50Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-06-24Bitstream added on 2014-06-13T21:00:17Z : No. of bitstreams: 1 paula_rm_me_sjrp.pdf: 2561833 bytes, checksum: 5e51329f8a6e197890cb17efd957b900 (MD5)<br>Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)<br>Este projeto examina as maneiras pelas quais a obra The Short-Timers (1979), de Gustav Hasford, e o filme Full Metal Jacket (1987), de Stanley Kubrick, revisitam a Guerra do Vietnã, dessacralizando a História oficial. Em seu romance The Short Timers (1979), o veterano Gustav Hasford narra a trajetória de um soldado e de seus companheiros durante o treinamento militar e o posterior combate no Vietnã. Tomando a perspectiva desse soldado, o narrador focaliza esse episódio da história dos Estados Unidos de forma diversa da tradicional; isto é, denunciando as angústias e dores vividas pelas tropas no treinamento básico e na batalha. Stanley Kubrick dirigiu a adaptação dessa narrativa para o cinema que recebeu o título de Full Metal Jacket (1987). Nela podemos notar como a guerra é revisitada de modo crítico. O cineasta apresenta as narrativas pessoais da personagem principal. Para analisar as obras literária e cinematográfica, serão utilizados textos teóricos acerca da relação entre Literatura e História (Hutcheon, 1989, 1993; White, 1985; Benjamin, 1985) e sobre Pós-Modernismo (Jameson, 1997; Hutcheon, 1989). Com base nestas teorias, propomos verificar como a Literatura e o Cinema representam a Guerra do Vietnã na contemporaneidade, mostrando diferentes pontos de vista sobre o conflito<br>This project investigates the ways in which Gustav Hasford’s The Short-Timers (1979) and Stanley Kubrick’s Full Metal Jacket (1987) revisit the Vietnam War rethinking official History. In his novel, The Short-Timers, the Vietnam veteran Gustav Hasford narrates the path of a soldier and his mates during military training and later combat in Vietnam. Taking this soldier’s perspective, the narrator focuses on this episode in American history differently than usual; that is, calling attention to the anguish and pains that the troops go through on training and in battle. Stanley Kubrick directed the adaptation of this work into the film Full Metal Jacket, in which can be noticed how war can be critically reevaluated. The filmmaker presents personal accounts by the main character. For the analyses, theories about the relationship between Literature and History (Hutcheon, 1989, 1993; White, 1985; Benjamin, 1985) and Post-Modernism (Jameson, 1997; Hutcheon, 1989) will be used. Based on those theories, we propose to investigate how Literature and Cinema represent the Vietnam War showing other points of view about this conflict

Submitted by PPG Comunica??o Social (famecos-pg@pucrs.br) on 2018-04-24T10:42:22Z No. of bitstreams: 1 RAFAEL_ROSINATO_VALLES_TES.pdf: 4997803 bytes, checksum: 305c1c0d476913fdfc9c6514f3196432 (MD5)<br>Approved for entry into archive by Sheila Dias (sheila.dias@pucrs.br) on 2018-05-07T18:51:24Z (GMT) No. of bitstreams: 1 RAFAEL_ROSINATO_VALLES_TES.pdf: 4997803 bytes, checksum: 305c1c0d476913fdfc9c6514f3196432 (MD5)<br>Made available in DSpace on 2018-05-07T19:29:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 RAFAEL_ROSINATO_VALLES_TES.pdf: 4997803 bytes, checksum: 305c1c0d476913fdfc9c6514f3196432 (MD5) Previous issue date: 2018-03-19<br>Coordena??o de Aperfei?oamento de Pessoal de N?vel Superior - CAPES<br>This thesis carries out a study of the diary in the work of Jonas Mekas, throughout three formats: the written diary, the diary-film and the video diary. The aim is to analyze how Mekas?s work contributes to an understanding of the diary as a narrative form, and how the author constructs his process of self-representation by means of the diaries. This work seeks to establish a definition for the diary, by means of theoretical references related to the spheres of literature (Braud, 2006; Simonet-Tenant, 2004; Girard, 1986; Lejeune, 2015; Blanchot, 2005) and of audiovisual work (James, 2013; Renov, 1996). As object of study, we analyze the book I had nowhere to go (1991), the diary-films Lost Lost Lost (1976), Walden ? Diaries, Sketches & Notes (1969), Reminiscences of a Journey to Lithuania (1972), and video diaries from the 365 Day Project (2007). This thesis takes weavings (Daney, 2007; Benjamin, 1994) and rends (Daney, 2007; Didi-Huberman, 2014, 2015) as its methodology, grounding itself on the way in which Mekas elaborates his narrative choices and his historical condition. We conclude that Mekas?s work points to an understanding of the diary not solely as literary genre, but as a narrative that affirms itself in a plurality of forms, following the shifts done by the author in his relation to time, space, and the use of different technical devices. We also conclude that Mekas, in his diaries, builds an intrinsic relation between narrating the lived and living the narrated, which reveals how the diaries not only document a certain socio-historical context, but are also themselves part of that context and of the subjectivity built by their author.<br>Esta tese realiza um estudo sobre o di?rio, que aparece na obra do cineasta Jonas Mekas em tr?s formatos: o di?rio escrito, o filme-di?rio e o v?deo-di?rio. O objetivo ? analisar como essa obra contribui para um entendimento sobre o di?rio enquanto forma narrativa e como o autor constr?i o seu processo de autorrepresenta??o por meio dos di?rios. Este trabalho procura construir uma defini??o de di?rio, a partir de referenciais te?ricos relacionados ao ?mbito liter?rio (Braud, 2006; Simonet-Tenant, 2004; Girard, 1986; Lejeune, 2015; Blanchot, 2005) e audiovisual (James, 2013; Renov, 1996). Como objetos de estudo, s?o analisados o livro I had nowhere to go (1991), os filmes-di?rio Lost Lost Lost (1976), Walden ? Diaries, Sketches & Notes (1969), Reminisc?ncias de uma viagem para a Litu?nia (1972) e os v?deos-di?rio pertencentes a 365 Day Project (2007). Esta tese assume como metodologia os conceitos de teceduras (Daney, 2007; Benjamin, 1994) e rasgaduras (Daney, 2007; Didi-Huberman, 2014, 2015), a partir da forma como Mekas realiza as suas escolhas narrativas e apresenta a sua condi??o hist?rica. Este trabalho conclui que a obra em pauta aporta um entendimento sobre o di?rio n?o somente como um g?nero liter?rio, mas como uma narrativa que se afirma na sua pluralidade de formas, de acordo com os deslocamentos que o autor efetua na sua rela??o com o tempo, com o espa?o e com o uso de diferentes dispositivos t?cnicos. Tamb?m conclui que Mekas constr?i, nos seus di?rios, uma rela??o intr?nseca entre narrar o vivido e viver o narrado, o que revela como os registros documentam um determinado contexto s?cio-hist?rico e, ainda, como esses registros fazem parte do pr?prio contexto e da subjetividade constru?da pelo seu autor.

Orientação: Paulo Renato da Silva Gil Viveiros ; Gonçalo Galvão Teles<br>O presente trabalho vem a estudar a Jornada do Herói no cinema e como ela representa uma cultura de massa, através de uma análise comparativa entre os filmes Jaws (1975), de Steven Spielberg, e Central do Brasil (1998), de Walter Salles, de modo a encontrar os elementos que formam um herói ou Monomito no cinema de massa no Brasil e nos EUA. Os filmes do Gênero Drama\Aventura são escolhidos como exemplos de histórias que foram apresentadas para um grande número de espectadores, são colocados como exemplos de cinema de massa por sua grande difusão em salas para o grande público. Sendo assim, temos uma amostra estratificada para análise, baseada em um subgrupo já existente: filmes que foram vistos por multidões. O objeto de pesquisa é o herói ou heroína. Através da comparação entre os personagens e suas jornadas nos filmes analisados, foi possível encontrar padrões entre os mundos dos heróis. A estrutura da comparação entre as jornadas é feita através das fases da Jornada do herói mítico descrito por Joseph Campbell, em O Herói das Mil Faces (CAMPBELL, 1949, p. 30), e Christian Vogler, em A Jornada do Escritor (VOGLER, 1989, p. 34). A comparação feita entre os dois filmes ressalta as intercessões e padrões que unem as histórias e heróis; elementos em comum são colocados de forma a mostrar como a estrutura dos filmes analisados reflete a influência do cinema americano para as massas no cinema brasileiro. São encontrados e demonstrados os elementos que morfologicamente unem os filmes através das fases da Jornada do Herói e das características dos heróis analisados. A comparação entre os heróis é feita não só através de sua jornada, mas através de um mapa de personagens proposto por Laurie Hutzler (2006) e, sendo assim, foi possível identificarmos e compararmos as principais características, medos, desejos, sacrifícios, elementos que levam perigo ao herói: como são seus mundos, o que procuram, famílias etc. São destacados elementos que unem os heróis do filme americano e do brasileiro, demonstrando, assim, uma característica de cultura de massa, de inconsciente coletivo. Além da análise comparativa dos heróis e de suas jornadas, é feita uma demonstração morfológica e arquetípica das funções do herói e da forma como suas atitudes moldam a história. A jornada do herói, seus arquétipos e a cultura de massa são colocados como parte do inconsciente coletivo, que produz fenômenos em comum, na forma como as histórias são construídas para o cinema e apresentadas para as grandes multidões. Algumas referências a outras histórias também foram encontradas: Mickey (1928), Pinocchio (1940), contos de fadas também são elementos presentes que unem as histórias e são relatados. A morfologia de nossos filmes analisados é demonstrada com arquétipos comuns entre as histórias e de como os heróis se comportam. Uma fórmula para cada filme é montada, simbolizando uma morfologia, seguindo as funções descritas por Vladimir Propp, em seu livro a Morfologia do Conto Maravilhoso (PROPP, 2001 23) Com a análise paralela entre a jornada e o herói, podemos demonstrar como a cultura de massa no cinema produz efeitos de similaridade entre as histórias. Essas intercessões que unem as histórias são apresentadas de forma mítica, arquetípica e estruturada num Plot tradicional de cinema em 3 atos. O trabalho seguinte demonstra como os núcleos familiares, representações patriarcais, matriarcais e de um discurso com uma história que pode ser aceita pelas multidões, onde as pessoas se espelham e se reconhecem, são alguns pontos em comum entre as histórias que veem sendo contadas no cinema americano para massas, e agora é demonstrado no cinema brasileiro pós década de 90.<br>The present work comes to study the Hero's Journey in the cinema and how it represents a mass culture, through a comparative analysis between the films Jaws (1975), of Steven Spielberg, and Central of Brazil (1998), of Walter Salles, In order to find the elements that form a hero or Monomito in the mass cinema in Brazil and the USA. The films of the Drama / Adventure genre are chosen as examples of stories that have been presented to a large number of viewers, are presented as examples of mass cinema for its great diffusion in rooms for the general public. Thus, we have a stratified sample for analysis, based on an existing subgroup: films that were seen by crowds. The research object is the hero or heroine. Through the comparison between the characters and their journeys in the films analyzed, it was possible to find patterns between the worlds of the heroes. The structure of the comparison between the journeys is made through the phases of the journey of the mythical hero described by Joseph Campbell in The Hero of the Thousand Faces (Campbell, 1949, 30), and Christian Vogler in The Journey of the Writer (Vogler, 1989, p34). The comparison made between the two films underscores the intercessions and patterns that unite stories and heroes; elements in common are put in a way to show how the structure of the films analyzed reflect the influence of american cinema for the masses in brazilian cinema. The elements that morphologically unite the films through the phases of Hero's Journey and the characteristics of the heroes analyzed are found and demonstrated. The comparison between the heroes is made not only through their journey, but through a character map proposed by Laurie Hutzler (2006) and, thus, it was possible to identify and compare the main characteristics, fears, desires, sacrifices, elements that They put danger to the hero: what their worlds are like, what they are looking for, families, etc. Elements that unite the heroes of the american and Brazilian films are highlighted, thus demonstrating a characteristic of mass culture, a collective unconscious. In addition to the comparative analysis of the heroes and their journeys, a morphological and archetypal demonstration of the hero's functions and the way his attitudes shape history is made. The hero's journey, his archetypes, and mass culture are placed as part of the collective unconscious, which produces phenomena in common, in the way the stories are made for the movies and presented to large crowds. Some references to other stories have also been found: Mickey (1928), Pinocchio (1940), fairy tales are also present elements that unite the stories and are reported. The morphology of our films analyzed is demonstrated by common archetypes between the stories and how heroes behave. A formula for each film is assembled, symbolizing a morphology, following the functions described by Vladimir Propp in his book The Morphology of the Wonderful Tale (PROPP, 2001 23) With the parallel analysis between the journey and the hero, we can demonstrate how mass culture in cinema produces similarity effects between stories. These intercessions that unite the stories are presented in a mythical, archetypal and structured way in a traditional 3-Act movie Plot. The following work demonstrates how family nuclei, patriarchal, matriarchal representations, and a discourse with a story that can be accepted by the crowds, where people mirror and recognize each other, are some commonalities among the stories they see being told in the movies american for masses, and is now shown in Brazilian cinema after the 90s.

Esta dissertação analisa os desdobramentos e as variações do melodrama no cinema norte-americano, buscando refletir sobre sua perpetuação, revisitação e atualização. Para tanto, a pesquisa consiste em traçar um panorama histórico e estético do gênero, com o intuito de compreender sua origem, formação, características e elementos, além de analisar os procedimentos e implicações do efeito moralizante e da imaginação melodramática, para assim, verificar como o melodrama é utilizado pelos cineastas estudados. A investigação pretende identificar o estilo de encenação melodramática nos realizadores D. W. Griffith, Frank Borzage, King Vidor, John M. Stalh, Max Ophuls, Nicholas Ray, Vincente Minnellli, Douglas Sirk, Clint Eastwood, James Gray e Tood Haynes, artistas que contribuíram significativamente para a cristalização do gênero durante boa parte da história do cinema norte-americano.<br>This dissertation analyzes the deployments and variations of the melodrama in American cinema, searching to reflect the perpetuation, revisiting and updating. Therefore, the research consists in drawing a historical and esthetical panorama of the genre, in order to understand its origin, formation, characteristics and elements, besides analyzing the procedures and implications of the moralizing effect and the melodramatic imagination, in order to verify how Melodrama is used by searched filmmakers. The research intends to identify the style of melodramatic play-acting in directors D. W. Griffith, Frank Borzage, King Vidor, John M. Stalh, Max Ophuls, Nicholas Ray, Vincent Minnellli, Douglas Sirk, Clint Eastwood, James Gray and Tood Haynes, artists who significantly contributed to the crystallization of the genre during much of American film history.

Tese de mestrado em Cinema e Literatura Norte-Americana apresentada à Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa, 2008<br>The rehabilitation of American Indians in Hollywood movies from 1970 onwards is the main theme of this dissertation. Before considering a number of the films that made this rehabilitation possible, some questions about the American Indian as a primordial race in America are dealt with. The first is a terminological one and it will be discussed in order to avoid misconceptions; the second focus the collision of two races and cultures in the United States of America and how this has been presented by the film industry; finally, the way American culture sees the Indian and how the Indian sees himself are evaluated as the cultural context that allows for the understanding of the Native-American image made popular by Hollywood. Three films by white American directors Ulzana's Raid, Little Big Man and Dances With Wolves are analyzed in the second chapter. Essays authored by Indian American writers and scholars provide the main argument in the following chapter. These essays help us to a better understanding of the stereotyped images created by the Hollywood industry. In the final chapters, rehabilitation is observed as a gradual process in the history of the American cinema. Some early incidents illustrate and comment the misrepresentation of the American Indian, followed by the analysis of two classic American Westerners, Broken Arrow and Cheyenne Autumn (1950-1964), where the gradual change in the stereotype popularized by Hollywood is noticeable. These movies anticipate the changes that, in the seventies, will reverse popular stereotypes. The last chapter deals with such a reversal. A River Runs Through It, Geronimo: An American Legend and Smoke Signals reconstruct, so to say, history and myth. Smoke Signals, the last movie under analysis, is directed by Chris Eyre, a Native American, in collaboration with Sherman Alexie, who is the very successful American Indian writer whose work is translated into filmic language. Cinema and literature combine to give the primordial culture of America its proper place among the other cultures of the United States.

Tese de doutoramento, Estudos Artísticos (Estudos do Cinema e Audiovisual), Universidade de Lisboa, Faculdade de Letras, 2010.<br>Este trabalho propõe uma análise do espaço do road movie a partir da representação da cidade norte-americana, num género cinematográfico cuja edificação depende histórica, cultural e visualmente do elemento rural. Descreve-se o modo pelo qual este género recebe a paisagem norte-americana para, posteriormente, se interrogar a motivação da personagem para a viagem, em articulação com o urbano e o rural. Para evidenciar modalidades de conjugação distintas entre os dois espaços complementares e desenhar uma linha de desenvolvimento concreta, são comentados sete filmes: Easy Rider (Dennis Hopper, 1968), Vanishing Point (Richard C. Sarafian, 1971), Two-lane Blacktop (Monte Hellman, 1971), Badlands (Terrence Malick, 1973), Paris, Texas (Wim Wenders, 1984), Stranger than Paradise (Jim Jarmusch, 1984) e Lost Highway (David Lynch, 1997).<br>work focuses on the Road Movie’s primal feature – space – through an analysis of the cityscape. It takes into account the ways through which North American landscape has been absorbed by this genre, in order to assess each character’s motivation to undertake his journey. This dissertation analyses the dynamics between rural and urban spaces in seven movies, so that a chronological development of the urban chronotope within the road movie context emerges. Those movies are Easy Rider (Dennis Hopper, 1968), Vanishing Point (Richard C. Sarafian, 1971), Two-lane Blacktop (Monte Hellman, 1971), Badlands (Terrence Malick, 1973), Paris, Texas (Wim Wenders, 1984), Stranger than Paradise (Jim Jarmusch, 1984) and Lost Highway (David Lynch, 1997).